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从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。近日，北京师范大学纪录片研究中心、五洲传播中心等机构发布的《中国纪录片发展研究报告2020》指出，新媒体正在重塑纪录片产业的规则和版图，中国纪录片正迎来蓬勃发展。该报告显示，在过去的一年，新媒体的迅猛崛起改变了纪录片的观看模式，越来越多的纪录片在网络上播出，甚至只投放网络媒体。例如，腾讯视频出品的纪录片《水果传》、《风味原产地·潮汕》，哔哩哔哩出品的纪录片《人生一串》等都通过独播创造了品牌价值。哔哩哔哩出品纪录片《人生一串》而且，为了适应观众收看方式的变化，纪录片传统制播机构也在逐渐重视与新媒体机构的深度合作，播出渠道正在从原来的以传统电视媒介为主，向传统电视媒介与新媒体播出渠道并重的趋势演变。此外，对于中国纪录片而言，新媒体不仅是主要传播平台，也正在成为主要生产平台。2019年，新媒体机构纪录片产能达到新高度：优酷原创纪录片260个小时，占播出总量35%；腾讯视频自制纪录片23部，约占全年新上线项目1/3；哔哩哔哩出品并上线纪录片16部，合计55.6小时；爱奇艺自制加联合出品纪录片15部。腾讯视频出品纪录片《潮汕：风味原产地》同时，报告还指出，随着智能手机的普及和信息视频化程度的提高，短视频收看人群增长迅速，催生大量短视频形态的微纪录片。相比于长纪录片对事物深度认知的考验，微纪录片可以在短时间内达到一个信息点的刺激，有其自身的独特优势。腾讯视频出品微纪录片《武汉战疫纪》简而言之，微纪录片的兴起，使纪录片生产方式从专业创作开始向社会创作和平民创作转化。创作主体的多元化和创作题材的多样化，将进一步扩大纪录片的社会影响，强化纪录片的生活化和新闻化特征。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

莫瑞吉奥·卡特兰从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。莫瑞吉奥·卡特兰（Maurizio Cattelan）是20世纪90年代以来活跃在国际当代艺术领域最重要的意大利艺术家之一,他的“雕塑”作品《喜剧演员》虽然只是一根被灰色强力胶带固定在展墙上香蕉，却以12万美元的价格售出。卡特兰在上海大型群展“艺术家此在”（The Artist is Present）展会上接受媒体的采访时，就发表了自己对于艺术作品复制与原创的观点。莫瑞吉奥·卡特兰的作品：《完美的一天》卡特兰表示，人们都有一种自然的思考方式，就是通过参照物来理解，大脑总会寻找那些已经知道的东西。例如，当我们想到足球队时，最先会想到的是像皇家马德里队这样有名的例子。艺术的思考也是如此，艺术家都是从复制远古时代的艺术开始的。但是，即使是复制品也是和原创一样真实的。原创是“神的事情”，而只要能给予人启发的作品就是一件有原创性的作品。莫瑞吉奥·卡特兰的作品：《不怕爱》卡特兰还认为，艺术作品应该要有能力带领人们进入自己最深层次的意识，它必须能颠覆人们的情绪，让人们感到震惊，继而发现那些自己未曾探索、未曾体验也因此未曾理解的意识。艺术可以通过暴力、好奇心、怜悯、厌恶等方式做到这点，而这些挑衅方式都是合理的，因为艺术不应该被等同于道德课，而是一座特洛伊木马，它让人们直面潜意识，激发想象力和本能反应。莫瑞吉奥·卡特兰的作品：《无题》最后，卡特兰表示，复制和原创之间的关系就像意大利的番茄一样，虽然番茄是意大利厨房中最重要的食材之一，但是它是在意大利文明业已经形成之后，才从秘鲁和墨西哥引进欧洲的。同理，人们永远不知道自己会从复制、混合和迁徙中创造出什么，每个人都在以自己的方式复制，而这就是原创性。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

克里·詹姆斯·马歇尔从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 当我们回顾20世纪之前的西方艺术史时会发现，黑人艺术家、黑人主题的作品很少出现在主流视野当中，这是诸多历史因素所导致的现象。这种黑人艺术创作的边缘化状态，正是艺术家克里·詹姆斯·马歇尔一切创作的来源。 马歇尔作品《在聚光灯下》黑人的身份让马歇尔在十几岁的时候，才有机会走进美术馆参观。他说，那是自己第一次可以不被歧视地尽情参观，所以他在每层楼都细细地参观，不放过任何内容。马歇尔发现，被载入史册的艺术作品中严重缺失对黑人的描绘，而人们谈及有关艺术和美的想法时，黑人的形象也是缺席的。所以他决定要深入了解艺术史的轨迹，试图将黑人主题纳入其中。 马歇尔作品《呜咽呜咽》 1978年，马歇尔从洛杉矶奥蒂斯艺术学院毕业之后，就开始了自己的艺术之路。他在绘制人物的时候，配色都是碳黑、玛斯黑和象牙黑，偶尔会使用黄色或蓝色的阴影。马歇尔表示，这样创作的原因之一是为了打破“黑色无法变得复杂多样”的固有顾念，当照明方式或参观位置发生变化时，画中的人物会在眼前若隐若现，使其同时具有可见性和隐形性。马歇尔作品《艺术家为不及往昔的自己所作的肖像》 1993年的时候，马歇尔的作品《样式》成为第一幅被大型美术馆收藏的作品，到了1997年，马歇尔被授予“美国麦克阿瑟基金会奖”，从此作品价格大涨。但是当马歇尔知道自己的作品要被拍卖出售时，他感到十分苦恼，不明白为什么要把作品送给只想用它们来赚钱的人。 马歇尔作品《知识与奇迹》时至今日，年过花甲的马歇尔依然每天在工作室绘画，所有事情都是他自己身体力行。马歇尔表示，面对黑人形象在艺术史上的缺失，自己的兴趣在于对其进行扩展而非批评。黑人艺术家可以等着别人让他走进艺术世界，也可以把自己放在平等的位置上，放在自己想看的故事里。 磨时艺见，每晚9点，准时更新。

“熊本熊”设计师水野学从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。提起熊本熊，想必你一定不陌生。贱萌的长相、笨拙的行动以及出现在社交软件上的各种表情包，让它成为全日本最受欢迎的网红IP。今天我们要介绍的就是“熊本熊之父”、日本知名品牌设计师水野学。在水野学看来，设计光好看没有用，只有卖出去才算成功。熊本熊他表示，设计是建立在商业之上的，离开了商业的设计和涂鸦没什么区别。那种看上去很厉害，实际上却完全卖不动的设计，谁都做得出来，只有在商业上做出成绩的设计才会得到客户的信赖。熊本熊衍生产品水野学还主张创新不是从无到有，而是让本来有的东西再生出新产品。他设计的熊本熊所有元素都是来自日常的或已存在的事物，例如“熊本熊”这一名字就来源于熊本县，而黑色的造型则来自熊本城黑色的城市格调。水野学的设计作品水野学能在品牌设计领域如此成功，与其“独特”的项目流程离不开关系。据他介绍，他的公司项目不会给客户开发布会，再由客户决定是否通过这样的流程，而是会在例行商谈中和客户一起讨论，共同决定各种各样的事宜，在不断的双向沟通中，确定创意和设计方案。当然，这一切必须要建立在设计师有足够的沟通能力和洞察能力的基础上。水野学的设计作品此外，如何定义“品味”这一词汇，水野学的理解也和大众不一样。水野学认为品味不是精英阶级的专属，而是每个人与生俱来的能力，只是后天的培养、运用和锻炼导致巨大的差异。在他看来，提升品位的关键在于感受他人的感受和积累的知识，像一个旅人一样充满好奇，透过沟通、聆听、观察和感受各种资讯，加以消化整理成为自己的知识库。以上内容由磨时艺见整理，希望能对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

安藤忠雄从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。提起建筑设计，人们通常联想到它的专业性强、涉及面广、复杂严苛。日本建筑大师安藤忠雄则用他建筑启蒙绘本和“绘本教材”让建筑设计和儿童联系在了一起。安藤忠雄的绘本处女作《喜欢恶作剧的建筑家》与他标志性的“清水混凝土”建筑风格完全不同。色彩鲜明的绘本以儿童的视角描绘了一对小学生兄妹跟着一位神似安藤忠雄的建筑师探索图书馆的故事。《喜欢恶作剧的建筑家》在绘本里，安藤忠雄不仅普及建筑知识，还回答了兄妹俩关于建筑设计的问题，比如为什么要建造这栋建筑？什么是舒适的感觉？建筑师的工作是什么？小读者们通过阅读这本建筑启蒙书里，就能得到顶级建筑大师的指导。《喜欢恶作剧的建筑家》不仅如此，大师的“配套教材”也是独一无二的，因为绘本中孩子们参观的图书馆是真实存在的。它叫做“童书森林-中之岛”，是安藤忠雄捐赠给故乡大阪的儿童图书馆。“童书森林-中之岛”这座图书馆馆外立着和绘本封面一模一样的绿色大苹果，馆内的立式书架全部由宽敞的书廊和阅读阶梯代替。通高的格子书柜还充当了墙面，方便孩子们浏览和取阅。图书的分类也是按照孩子们的理解来摆放，如美丽的事物、动物爱好者等，跳出了阅读年龄的局限性，让孩子们能探索到更多的乐趣。“童书森林-中之岛”让孩子从小接触到美的事物，体验到建筑设计的魅力，也许就会在他们心里播下成为一名优秀建筑设计师的种子。就像图书馆官网上给孩子们的留言说的，他们鼓励孩子不受限制地翻阅各个领域的书籍，以此来帮助孩子寻找、激发和探求自己的兴趣。 以上内容由磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

阿吉从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 因为受疫情影响，2020年戛纳电影节被喊停。但却有一项戛纳金棕榈奖，却出人意料宣布了今年的得主，一只叫做阿吉（Uggie）小型梗犬狗。阿吉获得的奖是“戛纳狗王之王金棕榈大奖”，它诞生于2001年，是由一群戛纳电影节的专题记者组织举办的奖项，授予每年参赛或参展片中表现最为抢镜的狗狗演员，奖品是一条皮质狗狗项圈。例如去年“狗狗金棕榈奖”的得主就是《好莱坞往事》中布莱德·皮特所饰演的替身演员养的斗牛犬布兰迪。布兰迪 二十年来，《没有过去的男人》、《狗镇》、《绝代艳后》等影片中的狗狗演员都曾拿到过这一奖项。在2014年，“狗狗金棕榈奖”更是打破只数限制，被授予了匈牙利影片《白色上帝》中全部近三百条狗狗群演。 “狗狗金棕榈奖”的组织者托比·罗斯（Toby Rose）表示，虽然今年的戛纳电影节不能如常举行，但他和其他几位评委决定借此机会回顾过去二十年里的所有“戛纳狗王”，评选出谁才是“戛纳狗王之王”。结果，评委一致同意将这份荣誉授予阿吉。 狗狗金棕榈奖的logo阿吉2015年因病去世，享年十三岁。它的主人兼职业训犬师奥马尔·冯·穆勒（Omar von Muller）代表阿吉接受了这份荣誉。他表示，如果阿吉还活着，一定会感到十分自豪。 除戛纳金棕榈奖之外，阿吉还是第一位在洛杉矶中国戏院门口的水泥地上留下“手印足印”的狗狗明星，也曾出席过金球奖和奥斯卡的颁奖典礼，此外，它还在名嘴艾伦（Ellen de Generes）的现场秀表演过溜滑板的绝技，精彩的演技甚至让网友发起过让阿吉参加奥斯卡影帝竞逐的请愿活动。阿吉 有哪些电影中的狗狗演员给你留下过深刻印象？欢迎留言与我们分享。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 近日，知名博主李子柒在YouTube上的粉丝突破1000万，成为首个在该平台粉丝破千万的中文创作者。此前，她就已经成为走红全球的文化名人，在海外社交媒体的影响力与美国最大的媒体CNN不相上下。 目前李子柒的YouTube账号总订阅数约为1001万人，总观看量为13.5亿次，总观看时长约9185万小时，总视频数量108个。她的每一个视频，播放量几乎都在500万以上，其中播放量最多的年货零食合集，观看量达5300多万。 从手工造纸，养蚕缫丝，再到制作各种家居物件等，李子柒的视频多以中国传统乡村生活及其中独特的物产为中心，凭借着浓郁的烟火味道和恬静的田园气息，吸引了世界各地观众，她也因此被称为“东方美食生活家”。 李子柒为何会拥有如此多的海外粉丝？ 对此，《人民日报》评价称，李子柒的视频没有一个字夸中国好，但却讲好了中国文化，讲好了中国故事，满足了外国网友对中国的想象。同时，她的视频含有被外国网友广泛认同的情感需求和价值理念，满足了人们释放压力的心理需求。 《人民日报》还表示，互联网时代使得文化交流与传播有了更丰富的载体和渠道。而李子柒和团队积极运用国际上具有影响力的传播平台，发布的短视频生动直观、新颖易懂。此外，她在视频中很少说话，这也使得视频突破了语言的局限性，让观看者专注于每集10分钟左右的视频内容，从而更具跨文化传播力。 以上内容由磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

赵伟从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 对于我们很多人来说，蛋壳只是厨余垃圾，但有一个65岁的老太太，却用蛋壳来刺绣，甚至能用头发丝在蛋壳上作画，她就是蛋壳刺绣传承人赵伟。 赵伟做蛋壳刺绣已经几十年了，她有一个“一蛋双绣”的绝技，能够把一半的蛋壳拿来绣花，另一半的蛋壳拿来绣草，绣完之后再把两半合在一起变成一个完整的鸡蛋。 作为蛋壳刺绣的继承人，赵伟一直想做点什么来发扬这门技艺。2008年北京奥运会前夕，赵伟的妹妹剪断长发，赠送给她做绣线。为了发扬彩蛋文化，庆祝奥运会的举办，赵伟就用0.08mm的头发在蛋壳上绣出“喜迎奥运，爱我中华”八个大字。因为发丝太细，不易显色，赵伟需要来回穿针6次，才能在蛋壳上有清淡的黑色。稍微大力拉扯，不是头发断了，就是蛋壳裂了。同时，她还要做到分毫之间千针而过，这对于力度的掌握是一个严峻的考验。为了完成这幅作品，她需要手不抖、气不喘地绣了几个小时才能完成。 因为发丝刺绣，赵伟受到了无数人的认可与追捧。但是她表示，传承不是死守，发展不是颠覆，自己只是用老祖宗留下来的东西向更新一层的境界迈进。只有创新，才能让蛋壳刺绣这项古老技艺被年轻人所认识。赵伟还说，在刺绣过程中，最重要的就是耐心，因为这是一个锻炼人脾性的过程，就像是在修行，要极为专注而不能有半点杂念，但现在的年轻人很多都没有这个耐心。 磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。近年来，随着文化产业飞速成长，非遗、文物、图书、游戏、动漫等元素之间的混搭越来越常见，日益多元的跨界融合推动着文创的“破圈”。今天，我们就通过三款“文化+”产品，一起来感受下文创破圈的魅力。前不久，上海一家出版社就与服装品牌推出联名款，将图书封面设计成连衣裙的花样，受到网友的一致好评。在出版社看来，图书文创跳脱出杯子、笔记本、帆布袋等传统样式，进一步延伸装帧设计的产业链，是一次具有突破意义的创新。今后，出版社也将围绕一个版权的全品种、全形态设计进行开发。而浙江一家文化创意公司则推出了一套木刻版画工具礼盒，其中包括刻刀、羊毛刷、木刻版等全套木刻工具，让人可以在家体验木刻版画的制作全过程，也让这门非遗手艺变得可感可触，好玩有趣。公司联合创始人说，木刻版画若只用作包装太可惜，应当融合现代创新，被赋予重新使用的可能。而三星堆博物馆举办的“文物萌主大会”则结合了游戏，让文物青铜纵目面具“活化”为“文物之灵”，吸引大量参观者的目光。除此之外，三星堆还推出“古蜀萌娃”表情包，相关小说及AR游戏等项目。三星堆博物馆党组书记、常务副馆长朱家可说，神秘独特的三星堆文化具有天然的IP属性，跨界融合是三星堆文化价值传播与转化的最佳途径之一。总体而言，这些文创产品不再拘泥于传统样式，而是在跨界融合中结合自身特点，带来“1+1＞2”的全新效果，成为被市场认可且具经济价值的创新产品，拓展了文创产业的发展空间。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。罗纳德•韦尔（Ronald Vale）是2012年拉斯克基础医学研究奖得主、美国科学院和美国艺术与科学院的两院院士。他在世界顶尖科学家论坛期间向媒体分享了自己对于科学与艺术的看法。韦尔表示，虽然公众往往认为，科学家和艺术家是完全不同的动物，几乎没有任何共同之处，但是实际上科学的探索性与艺术非常像，都是让人处在理解的状态，而科学家和艺术家都是由创意驱动的。韦尔说，自己正在做一个生物学教育项目中，就聘请了一位真正的艺术家参与完成项目，通过艺术家的艺术风格可以帮助学生理解科学中的概念和思想。韦尔认为，对科学的认知障碍让许多人觉得科学只属于非常聪明的人，而非大众能参与的，这是完全错误的，每个人都有可能成为科学家。而艺术的加入，可以让人们不那么害怕科学，感觉更易于理解。因此，他还与来自电影和视频行业的人沟通，想要通过艺术作品降低人们对科学的认知障碍，让人们不再觉得科学只属于少部分人。总而言之，在罗纳德•韦尔看来，科学和艺术很像，都是探索未知的，这两个学科的跨界融合能降低大众对科学的认知障碍。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。今年4月，宁夏固原须弥山石窟壁画百年来首次进行修复保护，对第1窟、第48窟、第50窟、第51窟中185.47平方米的壁画进行抢救性保护。其中，有这么一群“医生”将在随后300天内，让这一千年瑰宝再现当日异彩。他们就是壁画修复工程的7位文物修复专家。须弥山石窟创于北魏晚期，历时1500余年，是宁夏境内最大的石窟群，也是中国开凿较早的石窟之一。但由于自然和人为因素的破坏，如今的须弥山石窟被列为世界濒危遗址。文物修复专家、须弥山石窟壁画修复工程负责人王荣喜表示，看见如此珍贵的文物斑驳破损，让他很心痛，下定决心全力抢救。由于千年文物珍贵且脆弱，王荣喜和团队在修复中遵循最小干预原则，主要开展表面污染物清洗、起甲颜料回贴、局部全色等展陈性修复。其中除尘、加固、清洗、随色、封护这五个修复步骤，十分考验团队的专业技能和耐力。在损毁最为严重的第48窟，整个团队7个人花了3天时间用毛笔和软毛刷除尘。而在清洗工作中，仅手掌面积大小的壁画就要用棉签沾着酒精和丙酮反复擦洗5遍以上，每洗一次还要等自然晾干后再继续第2遍。为了在修复过程中保持专注，除了技术上的沟通，专家们基本不聊天。59岁的女专家朱云霞表示，虽然工作看似枯燥，但其实挺有趣，因为他们是在和历史与古人隔空对话。令人感慨的是，团队的成员们普遍高龄。69岁的修复专家王晓生就说，在中国，目前仅有不到1000人从事文物修复专业工作，且老龄化严重。他希望能把这份手艺传给更多“90后”“00后”，因为文物修复需要匠人精神，也需要更多年轻人的热爱与传承。以上内容由磨时艺见整理，希望能对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

文勋从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 如今，人们常见的城市建筑大多是方方正正、色彩单一的样式，但是漫步在韩国的街头，你可能会在一片大同小异的建筑群里，突然看到一个偌大的橘色“吹风机”，或者粉色“波板糖”，又或者混搭风的“变形金刚”，这些看起来异想天开的建筑都出自一位有“快乐破坏者”之称的设计师文勋（Moon Hoon）。 文勋的建筑设计手稿文勋出生于韩国，在澳洲长大。他在七年级的时候，学校就为他举办了个人画展，画展中百分之九十的作品都顺利地卖出去。之后，文勋考入美国麻省理工大学，并在毕业后成立了自己的建筑设计工作室，但工作室的生意并不顺利。文勋的设计作品 于是，文勋不得不依靠绘画获得名气引导大家关注自己的建筑设计，甚至直接表示，希望大家不仅愿意为他的画掏钱，也愿意为他的建筑掏钱。没想到，这样的方法确实带动了工作室的生意，而文勋也将“异想天开”的画中建筑变成了现实。文勋的建筑作品 比如，一位负责安保工作的客户想要一座能让小孩子玩耍的、有趣的空间，文勋立即奉上一座形似猫头鹰的建筑。这座建筑顶层的“猫头鹰脑袋”部分，是设有两个大落地窗的儿童房，当晚上的室内灯光透过窗户照出来时，就像猫头鹰两只明亮的大眼睛。又比如，一对年轻夫妇想要为女儿建造一座像巨大的螺旋楼梯一样能缓缓上升的空间，于是文勋设计出一套形似粉红色波板糖的房子，分段式提升的结构不但包容了7层的空间，还营造出室内中庭的效果。文勋的建筑作品 不过，许多建筑界人士对于文勋的设计风格并不理解，认为这样的建筑风格过于儿戏。但是文勋却不以为意，他表示虽然建筑因为涉及到人力、资金、环境等诸多方面因素，导致人们的确需要严肃对待，但是这不代表建筑必须有一张严肃的脸。 磨时艺见，每晚9点，准时更新。

薇娅直播卖书从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 如今，在互联网席卷之下，直播不再是“网红”和明星的专利，作家直播卖书，正在悄然兴起。不久前的世界读书日，许多作家纷纷开启直播，效果明显。 在作家雪漠开启的一场“卖书”直播中，在线观看人数超过9万人，共获得近20万个赞，他的新书《山神的箭堆》单日销售过万册，。无独有偶，畅销书作家沈石溪也开启了直播形式的线上课程，当天他的作品《狼王梦》卖出了1万多册。 作家雪漠直播卖书不过，单纯对比“带货”数量的话，作家跟“顶流”主播相比还是稍逊一筹。今年1月中旬，作家薛兆丰出现在知名主播薇娅的直播间，他的《薛兆丰经济学讲义》很快就卖出约65000册。同样是在薇娅直播间，3万册的麦家小说《人生海海》上架不久就被一抢而空，安徽少年儿童出版社的《中国经典动画珍藏版》也在短时间内销售3万余套，销售额超过500万元。 白岩松在直播中签名对此，人民文学出版社编辑陈彦瑾表示，专业主播带货有一套成熟的营销模式，背后的成本投入也非常大。而作家直播，只不过是把原来的线下活动搬到线上，换了一种媒介形式而已。另外，作家的粉丝跟顶流主播的粉丝根本不是一个量级，而且也很难转化为实际销量。作家沈石溪在直播中 在疫情影响下，传统推广方式暂时不再适用，直播成为这段时间最多的线上营销方式之一。陈彦瑾表示，作家直播的前景非常好，一场直播的图书销售量是以前多少场线下签售会、书展见面会都难以企及的。但她也认为，作家直播不一定什么都要向专业主播看齐，而是要以内容交流、读者交流为主，带货只是水到渠成。作家直播还需要时日多多打磨，不能只是一味跟风。 以上内容由磨时艺见整理，希望能对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

殷越的羊毛毡作品从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 有这样一个85后女孩，大学毕业后就宅在家里，每天拿着羊毛毡戳戳戳，戳出来的作品不但受到男女老少的追捧，甚至引发抢购热潮。她就是殷越，国内最早开始羊毛毡创作的作者之一，也是第一个在日本举办个展的中国羊毛纤维手作作者。殷越的羊毛毡作品 殷越的大学专业是动画设计，但她对电脑三维技术完全不擅长，信心崩溃的她甚至决定放弃画画。偶然之间，殷越在网上看到日本职人铃木千晶的毛毡作品，一下子就喜欢上了这种毛绒绒的材质。于是她开始查找资料、研究制作原理，并尝试创作各种风格的毛毡作品。大学毕业后，殷越选择专职在家做羊毛毡，前三年收入基本为0，直到认可度慢慢提高，有杂志的供稿、线下课程，她的收入才开始慢慢地增加。殷越的羊毛毡作品因为制作羊毛毡作品需要耗费大量的时间、精力，尤其是在备展期间，殷越平均每天要趴在地上12-16小时戳羊毛毡。用她的话说，每个展出成功的背后，是“一针一针，用生命和热情戳出来的”。殷越的羊毛毡作品谈及创作灵感，殷越表示，像《指尖造物》这样早前的作品，比较有亲和力、可爱、萌萌的，更符合大家对手作的预期。但是随着自己的成长、整个人的状态的变化，作品也跟着产生变化。比如《白》系列三件作品，在可爱之外，她就把自己的难过、悲伤、敏感、脆弱等情绪，都融入作品里。 殷越的羊毛毡作品殷越说，比起去在意别人的想法，作品表达的感受回归自己内心是更重要的。通过手作，她越来越从中找到自己，也找到了自己的价值。 磨时艺见，每晚9点，准时更新。

小松美羽从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见 在很多人看来，通灵是一种用来与亡者沟通的宗教仪式或者迷信活动。但是来自日本的艺术家小松美羽，却运用通灵的方式进行绘画创作。小松美羽曾参演过歌手林俊杰的MV受到日本的传统宗教神道教精灵崇拜的影响，日本许多文化艺术作品中都带有神灵的元素，譬如宫崎骏的作品《龙猫》就讲述了森林精灵龙猫帮助小女孩找回迷路的妹妹的故事，小松美羽也有这样类似的经历。小松美羽作品她说自己有次迷失在下雪的大山里，是一只忽然出现的白色小狗带领她下山，脱离危险。等到小狗转身消失在雪地中，她却发现雪地上根本没有小狗的脚印。直到后来她在一间神社看到“狛犬”的神像，才知道当初在山上遇到的正是这只神兽。 小松美羽作品也正是这次的相遇，颠覆了小松美羽对自然和生命的认知，从此开始以神兽为主体的绘画创作。小松美羽为了让作品在整体风格上更加具有生命力，不仅用色大胆，还使用水墨、亚克力颜料、有田烧等素材。而且，她在作画之前会身着素净白袍、冥想祷告，待神灵给予灵感，然后把颜料泼在画上，用双手去涂抹。当一切结束，那件变得色彩斑斓的白袍也使小松美羽自身成为一件艺术品。创作中的小松美羽小松美羽表示，自己每天醒来第一件事情就是祈祷神兽眷顾人们，守护世间的安宁。虽然它们表面可怕，但是正因为如此才能驱除邪魔，守护人们。 磨时艺见，每晚9点，准时更新

电影中运用CG制作的狗从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 狗作为演员参与到电影表演中，已经有着十分悠久的历史，最早可追溯到卢米埃尔兄弟1895年的作品《工人离开里昂卢米埃工厂》中。不过，最近，在著名导演克里斯·桑德斯执导的电影《野性的呼唤》中，片场却没有真的狗出现，主角雪橇犬巴克的形象完全由CG技术完成。电影 《野性的呼唤》为何会放弃真狗出演？克里斯·桑德斯对此作出了相应的解释。 首先，训犬费时又费力。因为狗不仅要在电影中做出特定的动作，还要和人类演员进行互动，就算是训练有素的狗也会出现意外。著名狗演员任丁丁（Rin Tin Tin）就在拍摄的时候攻击了豪猪，剧组只能停工等它脸上的伤口恢复。任丁丁和邓肯 其次，动物在电影中的行为也受到严格准则的限定。这些防止动物被虐待的条例被编入美国人道主义协会《电影媒体中动物的安全使用准则》中。2017年的电影《狗的目的》就因为出现狗在水中用力挣扎却无法浮出水面的镜头，遭遇强烈抗议而被迫取消了首映礼。电影《野性的呼唤》剧照 所以，为了避免这些麻烦，导演克里斯·桑德斯决定选择使用真人动作捕捉的CG技术代替真正的狗。为此，他设计了巴克的动物形象，然后由著名的“生物演员”特里·诺塔里来进行巴克的屏幕动作。在远距离拍摄巴克穿过田野追兔子或拉雪橇的镜头中，它是一条看起来非常自然的狗。但在巴克和主人桑顿互动时，它的表情被怪异地拟人化。比如桑顿有酗酒问题，巴克就会在桑顿饮酒的时候用不赞同的眼光看着他，这种更加人性化的形象也是电影的一种新尝试。 电影《野性的呼唤》剧照 但是也有反对观点认为，狗演员的表演本应该是真实自然的，CG技术制造的狗只是一个怪异的半机械合成品，将动物的本能变成人为造成的，这不再是真正的电影。 磨时艺见，每晚9点，准时更新。

姚谦从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 姚谦是知名的台湾音乐制作人、词作者，他创作的《我愿意》《鲁冰花》《如果爱》等皆是广为传唱的歌曲。同时，他也是拥有30多年收藏历史的艺术爱好者。他在自己的专栏文章中，分享了自己如何通过探寻画作背后的秘密来获得乐趣。收藏家施俊兆（左）与姚谦姚谦说，每当自己获得一件艺术品时，除了欣赏画作本身，还非常有兴趣翻看画框的用料、钉痕、制作方式、标签等，因为这里面都藏着可以阅读的信息。比如，在画作背面可以看到艺术家做的一些注记，在画框上会有着不确定是谁留下的标签和文字。 姚谦的个人收藏 姚谦还表示，这样的探索还需要依赖一个好的修复师或学术研究者，从科学考证的角度进行讨论。大家每一次的相互通信、上网搜集资料或者交错讨论，都能让探索画作秘密的这段记忆更加难忘。 比如，在姚谦自己的收藏里，就有一件内框盖着1939年巴黎沙龙展览印章的潘玉良画作，经查证是1939年潘玉良第一次参加巴黎沙龙展览时的作品，但是画作上签字的年份却是1946年。这让姚谦觉得，这有可能是旧物重用，也可能是展览的那幅画被覆盖，或者是艺术家在经济限制下用旧画布重新再绘画。姚谦与他的藏品而这些都是待解的秘密，其中探索的过程绝对是超乎想像的时空旅行，能够让人们亲近作品、亲近作者，甚至走进另一个时空的世界。可以说，对一个收藏者来讲，画作后面的秘密常常比画面更为精彩丰富。 以上内容由磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新！

安迪·戈兹沃西从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 近年来，随着环保观念深入人心，大地艺术逐渐受到人们的关注。大地艺术是一种以大自然为创作媒体，探讨人类与地球共生的艺术形式。现年63岁的大地艺术家安迪·戈兹沃西就是代表性人物之一。 安迪·戈兹沃西的作品安迪的创作完全取材于自然，不论是一块石头、一根羽毛还是一根荆棘，都是他的创作材料。此外，他从不使用颜料、胶水等工具，以求保留自然的脆弱性，让材料更容易回归自然。他在作品里通过熟悉的自然事物将“永恒和片刻”这一抽象概念具像化，每件作品的最终形态并不是完成的那一刻，而是从无到有，逐渐生长凋零，再到消失这样一个随时间变化的过程。 安迪·戈兹沃西的作品安迪把艺术创作比作摘土豆，他认为艺术要找到其中的韵律，发现节奏感，和大自然合拍。因此他放弃纸和笔，选择用手去创作，让这些从外部世界接收到的细腻感受唤起他创作的原始欲望。他曾久久躺在地上。只为了感受一场大雨，直到雨停为止才起身，在土地上留下温度、重量和干燥的影子，并以此作为他存在过的证明。安迪·戈兹沃西的作品为了让作品看上去浑然天成，安迪在大地艺术的创作过程中需要保持极大的敏感和耐心。比如做冰雕的时候，他必须等到温度降到足够低，才把坚固的冰块迅速融化进行创作。特别冷的时候，他还要用牙齿细微地调整冰块的形状。安迪·戈兹沃西的作品 现在安迪虽然有工作室，但却很少在室内工作，而是坚持每天外出探险。如果发现了能够启发他的地点和材料，就开始即兴构思。在他看来，人类是大自然的一部分，少了和自然的接触就是少了和自我的接触，而且艺术本质上是一种理解我们所生活的世界的方式，而他理解的途径有两种，走在路上或者穿过树篱。 以上内容由磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 吃过刺身的人都知道，刺身的装盘通常只是将切好的生鱼片加上一点装饰，造型比较单一。但在日本，有一个叫美今（mikyou）的父亲，他从来没学过画画，也没有厨艺背景，却把刺身当“画笔”，用双手排成一幅幅精致的画，为儿子“画出”无数个动画人物。 因为临海而居，美今的儿子很喜欢吃生鱼片，但却从来不知道自己吃的是什么鱼。为了帮助儿子认识料理，美今尝试了很多办法，总是以失败告终。偶然间，他发现儿子看动画的时候，能清晰地叫出每个人的名字，于是美今突发奇想，决心将生鱼片做成动画形象。 但实际操作起来并不容易。因为毫无料理经验的美今不仅要将生鱼片切得厚薄均匀，还要摆成让孩子轻松辨认的角色造型。他首先要一遍遍学习食物的摆盘以及如何复制孩子们喜欢的卡通形象。从构思到画上同等大小的造型，再到切鱼，摆盘，每次都要花上大半天时间。为了保持生鱼片新鲜的口感，摆盘的环节还必须在半小时内完成。在不断学习和实践中，美今对于刺身的处理手法逐渐达到炉火纯青的地步，在他的手下，鱼皮可以用来做有花纹的服装，而透明的鱼肉则可作为朦胧美丽的裙摆或翅膀，带来吹弹可破之感。 看着生鱼片被摆成自己最爱的动画人物，孩子们都惊呆了。现在再难分的鱼，他们也能流利地叫出名字。而美今也将自己的作品在社交平台上发布，收获了近5万名粉丝的关注，甚至被人们称为“刺身艺术家”。 不知道在你的记忆中，你的父母有没有做过什么让人觉得很神奇的事情呢？欢迎留言分享。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

宁浩从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。宁浩是国内知名导演、编剧，凭借作品《疯狂的石头》而广为人知，他的作品《无人区》则曾入围第64届柏林国际电影节主竞赛单元。他在接受媒体采访时，分享了自己对于国产电影创作的感想，认为文化是自然而然的反映，而不是靠竞赛的心态去硬做出来的。《疯狂外星人》：故事灵感来源于刘慈欣短篇科幻小说《乡村教师》，由刘慈欣、孙小杭编剧宁浩认为，拍国产电影要“找准电影的中国视角”。好莱坞电影、印度电影、中国电影、日本电影应该各有各的视角和故事，而不是谁去模仿谁。如果一部作品放之四海而皆准，那它是一件工艺品。如果这部作品离开特定的土地、民族，就无法成立，那它就是具有文化性的，是一件艺术品。比如，他在电影《疯狂的外星人》中就设置了外星人喝酒、求人办事、谈生意等桥段，这些情景放在国内的环境下很自然，但放在美国的环境中就不成立。《黄金大劫案》：讲述各路人物为了八吨神秘黄金粉墨登场、尔虞我诈的故事宁浩也反对把中国电影和美国电影进行对标比较，他觉得文化并不是赛跑，如果单纯为一种对标去干活，就特别像体育竞赛。无论是导演还是作家，都是为了生活更美好、更丰富去工作，而不是为了要比谁跑得快。在他看来，文化和艺术实际上是对生产力的反馈，或者说是对生产力的一个镜像，是一种自然而然的反映，而不是靠竞赛的心态去生硬制造出来的。《受益人》：宁浩监制作品，讲述吴海为了给罹患哮喘的儿子治病，在好友怂恿下酝酿一场别有用心的婚姻骗局宁浩觉得，中国的电影市场经过十多年的建设，已经发生了翻天覆地的变化，观影人群从过去的文艺青年、知识分子，逐渐向所有的层面辐射，看电影也变成一种日常的消费行为。而这就是中国电影赖以生存的土壤，有了这样肥沃的土壤，才会有各种各样的人才投入到电影创作当中。未来十年的电影市场舞台已经搭好，就看创作者们能唱出什么好戏来。以上就是宁浩对于国产电影创作的观点，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

阿伦·库马尔·巴贾吉从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 如今，人们一般会运用水彩颜料、马克笔、数位板等形式各样的工具进行作画。但是在印度，有位叫阿伦·库马尔·巴贾吉（Arun Kumar Bajaj）的裁缝店老板，却用缝纫机一针一线缝出来一幅幅作品，被人称为缝纫机艺术家。 阿伦·库马尔·巴贾吉的作品阿伦从小学习绘画，对画画有兴趣也有天赋，梦想着能够成为一名画家。但在16岁的时候，父亲的去世让阿伦不得已接管家里的裁缝店，放弃了自己画画的梦想。可阿伦却不想一辈子只当个裁缝，他觉得虽然迫于生活压力没办法再拿起画笔，但是他可以用针线作画。 阿伦·库马尔·巴贾吉的作品于是阿伦在每天完成日常工作后，就匍匐在自己的工作台前，开始用缝纫机画画。为了让画作外观整齐，阿伦选择单层刺绣而不是重复缝纫，因此作画时必须非常精确，往往一针下去就没有反悔的余地。为此阿伦用了许多心思，从简单的作品开始练习，然后逐渐增加难度。经过长时间的磨练，阿伦的作品，不论是光影还是“笔触”都十分自然，在各种色彩的转换和搭配等方面也会下很多的功夫，每幅作品要花费数月到数年不等。 阿伦·库马尔·巴贾吉的作品阿伦的作品细节精妙让人难以置信。他最著名的代表作有两幅，一幅是画了3年，用了300万米的线才完成的《摩诃迦罗》。还有一幅是描绘《兰奇达的法庭》的主题，也画了一年多的时间，这幅画中包含了2000多个人物。 阿伦·库马尔·巴贾吉的作品现在的阿伦，是全世界唯一一位公认的缝纫机艺术家，作品在印度和全球都受到了追捧，他的才华不但支撑起家里的裁缝店，而且也实现了自己当画家的梦想。 磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 一般来说，设计师都是通过时装秀或者媒体报道来展现自己最新的时装作品。但是法国艺术家文森特·勒罗伊（Vincent Leroy）和荷兰设计师艾里斯·范·赫本（Iris van Herpen）却将时装置放在一件叫做“慢透镜”（Slow Lens）的艺术装置里进行展示，力图让衣物呈现出变形而富有诗意的超现实视觉效果。 “慢透镜”是由多个圆形半透明镜片组合而成的悬空艺术装置，它不仅能折射出更大范围的景观，而且缓慢转动的效果能够使得观众与这件作品融为一体。当“慢透镜 ”放置在服装面前时，服装的精致细节就会映射到镜面之上，甚至随着装置的缓慢旋转，而出现放大、变形、倍增和折射效果。 实际上，这并不是勒罗伊第一次将“慢透镜”运用到生活场景中。他曾经在废弃工厂、空旷街道、艺术广场等不同地方展出这件作品，企图通过这种慢节奏的呈现形式与快节奏的现实生活形成对比，让人们可以停下脚步，透过镜子重新欣赏眼前的世界。 除此之外，勒罗伊在巴黎大皇宫曾展示过一件名为“卵石”的巨大镜面椭圆艺术装置，这件作品悬浮于皇宫上方，能将室内的景色悉数折射在作品表面。他还曾将一件名为“慢慢滴落”的悬浮气泡体选悬挂在巴黎的德比尔哈克姆桥上，这件作品同样以虚幻而缓慢的状态折射出周边环境的景色。 勒罗伊表示，自己喜欢将注意力集中在添加作品的运动节奏和停顿上，并且希望自己的装置作品能够作为环境的符号，成为自然与人工之间的媒介。 磨时艺见，每晚9点，准时更新。

宋方金从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。近年来，一系列国产影视剧在剧情质量上频遭诟病。前段时间，电视剧《手机》的编剧宋方金在微博中吐槽电影《上海堡垒》原著作者“七天一个剧本”的评论在网上引发热议。近日，这位知名编剧接受专访时，表示只有把剧本当成最重要的事，观众才能看到好故事。但编剧的工作往往是不被理解，不受重视的。宋方金在某综艺节目中吐槽影视剧剧本抄袭现状宋方金认为，一切讲故事的艺术实际上都是剧本的艺术，剧本是故事行业和影视行业的核心，必须围绕着它来展开一切工作，在理想情况下，应该是以剧本定资本、定演员、定导演。一个好的剧本，从策划到大纲到分集到最后剧本的呈现，整个过程必须按照创作规律和创作流程。要有一定的构思时间，有艺术上精益求精的手艺人的态度。宋方金宋方金表示，国产影视业十几年前也有过黄金时代，那时剧本不成熟是不允许开机的。而如今的影视作品的剧本普遍缺乏足够的打磨时间，有时就算剧本不成熟也要开机，因为资本在后面“追着”。宋方金而且，一部影视作品往往是围绕一个演员、一个导演展开，唯独没有把剧本作为最重要的事物展开。这种以演员的档期定生产周期的模式，完全把影视剧的生产程序给打乱了。磨时艺见，每晚9点，准时更

BBC纪录片《杜甫：中国最伟大的诗人》从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 近期，英国广播公司（BBC）播出单集英文纪录片《杜甫：中国最伟大的诗人》，引起广泛关注。该片导演兼主持人迈克尔·伍德盛赞杜甫是中国最伟大的诗人，还将杜甫与西方文学巨匠但丁、莎士比亚比肩。此外，BBC还请来国宝级演员、《指环王》中甘道夫的扮演者伊恩・麦克莱恩（Ian McKellen）朗诵杜甫诗文译作，成为本片一大亮点。 《杜甫》纪录片朗诵者、演员伊恩·麦克莱恩无独有偶，伍德制作并主持的《中华的故事》曾在BBC等媒体播出，这个纪录片讲述中国从古代到改革开放的历史变迁，深受西方观众欢迎。伍德说，他正是在拍摄《中华的故事》期间，意识到杜甫在中国文化史上不可替代的重要地位，而在西方却鲜有人知，于是他萌生了为杜甫单独制作英文纪录片的想法。《杜甫：中国最伟大的诗人》纪录片摄制组在西安 为了更真实地还原杜甫的形象，伍德和拍摄团队跨越半个中国，从河南巩义出发，沿着杜甫生前足迹重走西安、成都、重庆、长沙等地，以西方人的视角和叙事方式，追述中国诗圣漂泊动荡、忧国忧民的一生。在伍德看来，杜甫的诗句表达了人性最闪光的部分，比如忠诚、友谊、博爱、坚韧、良知，能够跨越语言、种族和时间，即使翻译成英文会损失部分意境，也不会影响西方观众的理解。 导演迈克尔·伍德在纪录片播出后，伍德收到了许多积极反馈。很多观众表示很高兴能在疫情期间看到一部关于中国文化的纪录片，还有人向他打听英文版杜甫诗集的网购地址。对此，他表示，这部纪录片为疫情阴霾下的西方观众提供了新的视野，让他们看到中国并了解中国人的感受和想法，为不同文化的人们互相理解提供了帮助，这也正是他喜欢制作纪录片的原因。 纪录片截图此外，伍德还表示，虽然新冠疫情使得英中之间的许多正常交流不可避免地中断，但他期待疫情尽快过去，更期待大家一起努力，搭建文化桥梁，共同消除偏见。 磨时艺见，每晚9点，准时更新。

张玉惠制作漆画场景从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。日前，第六届厦门文学艺术奖获奖名单正式揭晓，共有66件作品上榜。其中，任教于厦门大学艺术学院美术系的80后漆画创作者张玉惠，用两幅精美的漆画作品《织情叙意》和《海路》分别斩获了本届厦门文学艺术奖的特别荣誉奖和一等奖。张玉惠作品《织情叙意》这两幅漆画作品是张玉惠近几年来的佳作。《织情叙意》于2014年获 “中国美术奖”金牌奖后被中国美术馆收藏，另一幅作品《海路》也于2017年入选第七届中国北京国际美术双年展，并被中华人民共和国外交部收藏。张玉惠作品《海路》张玉惠说，自己对于漆画的痴迷从它特殊的材质开始。漆画是用从植物上流下来的天然大漆创作的，材质十分高档。但漆画制作却并不轻松优雅，而是一门体力活，仅一块漆画板就足足有七八十斤重。而且漆画的制作工艺十分复杂，一幅作品要反复经历堆漆、起纹、罩漆、磨显等步骤之后，再进行推光，并在适宜的温度和湿度环境下才容易干透。创作一幅漆画作品，张玉惠往往需要花上好几个月时间才能完成。张玉惠作品《纹心雕龙》谈及漆画创作，张玉惠表示，要用漆的语言来表达思想，就需要对漆有深入的了解，才能让它服务于你。为了更好地呈现漆画的效果，张玉惠在材料方面坚持以传统大漆为主，在技法方面采用多遍反复的罩磨以呈现独特的“漆韵”。张玉惠作品《那时花开》张玉惠认为，漆画是中华传统文化最具代表性的画种之一，要不断发展将它推向世界，塑造更多贴近人民生活、贴近时代的经典作品。以上内容由磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

张艺谋从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。张艺谋是国内“第五代导演”代表人物之一，美国波士顿大学、耶鲁大学荣誉博士。他在参加许知远主持的访谈节目中，曾经分享了自己创作电影的心得。《红高粱》：改编自莫言同名小说，曾获得第38届柏林国际电影节金熊奖，成为首部获得此奖的亚洲电影张艺谋表示，电影创作的首要任务就是剧本。打磨剧本是一个漫长的过程，基本上很少有一年就完成的剧本，至少要反复修改两三年，甚至十年八年。《影》：讲述一个从八岁就被秘密囚禁的小人物，不甘心被当成傀儡替身，历经磨难，努力寻回自由的人性故事剧本完成之后，张艺谋会跟摄影、美术、录音等所有创作人员一起讨论电影拍摄的设想，分享各自对于电影的画面、节奏、声音、色彩等表现形式的构思。张艺谋说，自己很在意形式，如果没有好的形式，他会觉得特别可惜。而在各种形式之中，他自认为对于造型有一定的悟性与敏感性。《归来》：改编自严歌苓小说《陆犯焉识》，讲述知识分子陆焉识与妻子冯婉瑜在大时代际遇下的情感变迁故事此外，张艺谋认为，一个导演的作品风格比较多元，是一件好事，这样受众面会更广，会有更多人看你的电影。如果他只拍像《活着》这样深沉的电影类型，可能根本活不下去，也可能变成符合很多人期待的那种大师范的导演。但是，他自己根本就不打算这样干，因为创作不是给自己选择一个固定的姿态，然后做给别人看，而是随心而动。以上内容由磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

《科幻世界》杂志从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。随着2019年中国科幻产业爆发式增长，科幻文创产品迎来了新的发展机遇，以“听觉”为主导的音频受到关注。近日，科幻期刊《科幻世界》首次推出“有声科幻杂志”业务，通过专业的有声演播和音效包装，形成广播剧、语音阅读、多人播音等音频产品，打造科幻文创新模式。杂志配音现场目前承担这一“有声科幻杂志”业务的创作团队大部分为“95后”，其中包括32位经验丰富的配音演员、18位资深音频后期剪辑师。项目制作方成都万物声学负责人王冠华表示，“有声科幻杂志”不仅是传统书籍的有声阅读，也是对科幻作品的“二次创作”，有助于形成新的科幻品牌IP。同时，音频产品的生产成本、工序、周期相比视频产品更加可控，这在生产对象的选择、产品数量、产品质量上都留出了优化提高的空间，让更多、更好的原文本创作能够进入音频形式的“二次创作”领域。杂志配音现场万物声学首席内容官吴炜则举例说明科幻有声杂志复杂的制作过程。一是要先使用“声床”铺垫作品基调，再根据具体需求制作特殊音效如机械、有机物、宇宙音效等等。二是科幻题材相比其他题材来说，架构更加多变，需要创作者开更大的‘脑洞'去构建音频作品里的科幻世界。有声书展览四川省科幻学会秘书长、《科幻世界》杂志主编拉兹表示，有声杂志就是实现纸质杂志的多维化，把文字以声音的方式传送出来，打造超脱于二维的“平行世界”，适用于多场景和碎片化时间的，并影响人们的阅读习惯。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

杨东和他的长城主题摄影作品从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。中国人常说：“不到长城非好汉”，长城在中国人心中是一种民族精神和图腾。今天我们要介绍的这位摄影师，就对长城“情有独钟”。在他的镜头里，长城是唯一的主角，他也因此被人称为“长城摄影师”。杨东在长城上这位摄影师叫杨东，是一位90后东北小伙。他用5年的时间拍摄逾30万张的长城照片，这些作品不仅刊登《国家地理》、《环球人文地理》等杂志封面，多次被CCTV、北京电视台等媒体载播，还在各大国际影赛中获奖无数。杨东拍摄的金山岭长城杨东说，自己拍摄长城的想法源于2015年9月攀爬金山岭长城的经历，当时他见到云间长城雄伟的英姿，被深深震撼，于是萌发了拍摄长城的念头。在此之前，杨东只是个热爱摄影的驴友，甚至在接触摄影时因为拍照没有焦距，一度被同学和老师认为是“不适合学摄影”的人。杨东拍摄的司马台长城为了拍出理想的长城照片，杨东几乎整整五年全年无休，不是在长城上拍照，就是琢磨着怎么拍长城。他走遍北京、河北、辽宁、甘肃等地，在各个地方拍摄长城，最长的时候一年中有三分之一的时间都在长城上。杨东拍摄的北京怀柔撞道口长城在拍摄过程中，杨东常常要面对恶劣的环境。有一次拍摄雪景的时候，相机和平板电脑因为低温冻僵，杨东便靠体温融化掉冰雪，让器材恢复运转，自己却全身冻得麻木。杨东认为，技巧和时机固然重要，但精良的作品往往珍藏于下一秒的坚持。被雪覆盖的相机凭借着五年的专注拍摄长城，杨东掌握了所有摄影技能。但杨东却表示，拍摄长城最重要的不是技术，而是要赋予其情感，这种情感既有他对长城的热爱、敬畏和尊重，也有坚持梦想的幸福。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

马伯庸从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。马伯庸是当代著名作家，曾荣获国内科幻文学最高奖项“银河奖”、人民文学奖散文奖、朱自清散文奖等多个奖项，他的小说《古董局中局》、《三国机密》、《长安十二时辰》都被翻拍成影视剧，其中《长安十二时辰》更是成为2019年的爆款。马伯庸在接受媒体采访的时候，也分享了自己的写作感受。马伯庸同名小说改编影视剧《古董局中局》，讲述五脉传人许愿因为查明唐代武则天明堂佛头真相而发生的故事马伯庸表示，自己有一个异于同行的怪癖，喜欢挑拣嘈杂的环境进行写作，这是源于学生时代的经历。马伯庸上学的时候经常开小差，喜欢在本子上写武侠或科幻的故事，如果周围喧哗，说明老师在讲题，同学在讨论，没人注意到他，反之则可能是老师脸色阴沉正站在自己的身后或者对面。久而久之，如果马伯庸发现周边安静无声，就会莫名紧张。马伯庸同名小说改编动画《四海鲸骑》，讲述大明落难太子建文与众人寻找佛岛的海上冒险故事虽然马伯庸的作品出版迅捷，又经常受到读者的赞誉，但是他认为自己没有什么天赋，如果说有什么长项，就是勤劳。因为任何行业，只要持续练习，水平就能稳步上涨。马伯庸每天会写出大约4000字的文章，状态好的时候，能写出8000字。如果遇到思路枯竭，他就会关上电脑，开始跑步，这也让他的体重削掉了13公斤。马伯庸同名小说改编影视剧《长安十二时辰》虽然如今资本的强势介入，让网络文学IP成为“香馍馍”，但是马伯庸还是坚持书籍和杂志的传统载体，他觉得自己写不了网络文学，因为创作模式与平台不合拍。他没法保持每天更新的高强度输出，还是更喜欢写完一本再出版的方式。马伯庸同名小说改编影视剧《三国机密》，讲述曹操挟天子以令诸侯之时，汉献帝刘协与同道携手复兴汉室面对网络文学的兴盛，马伯庸一方面庆幸作者们只要能写，能在网站上聚拢起几十万上百万的读者，便能卖文为生、丰衣足食，另一方面也感到忧虑，因为网文需要以‘爽点'来留住老读者、吸引新读者，俯就与讨好会让质量下滑，‘玛丽苏'‘杰克苏'的题材不够，又一窝蜂写起‘甜宠'文，也不知道未来会降级到什么地步。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

尹锡男（Yun Suknam）从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。尹锡男是韩国女性艺术家代表，她的创作始终以女性视角为切入点，展现女性的自我意识及母性的光辉，并反映现实生活中女性的内心世界。尹锡男表示，作品中女性灵感的来源，大多是她的母亲。尹锡男作品《母亲》系列和其他艺术家不同，尹锡男此前一直是一名中产阶级家庭主妇，直到四十岁才走上艺术道路。当她绘画人物时，她总是反复地问自己最在乎的人是谁？得到的答案是独自抚育6个孩子长大的母亲。于是，她开始为母亲画像，这种对母亲的尊敬和同情是尹锡男早期创作的主题，并成为根植于尹锡男艺术创作中的基本视角，随着创作视野的不断拓展而呈现出不同层面的表达。尹锡男作品《母亲》系列此外，尹锡男也将刻画对象扩展至与母亲有着相似性的人物群体。她曾每天早上四点钟到鱼市中走动，观察那些年老的妇人，并逐渐将自己母亲的形象与妇人糅合为一体，使人物不再有具体的身份指向，而是作为一种母性形象的象征，将创作从对个体的针对性描绘过渡为对群体的共性抽取。在尹锡男2003 年的个展“延长”（To Be Lengthened）中，她就把韩国历史上著名的女诗人、女学者与无名女性以废弃木材为媒介并置，并将人物的手臂伸向彼此，传达出有自我追求与自我认知的女性彼此之间的理解、共鸣与支持。尹锡男作品《母亲》因为女性身份以及对女性题材的表现，尹锡男被评论界划定为女性主义艺术家。对此，尹锡男表示，自己作品中所传达出的女性主义特点并非有意为之，更多的是内心感受的真实流露。尹锡男的艺术装置空间以上内容由磨时艺见整理，希望能对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

Toogood养的绘画鼠从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。人们常说，艺术不分国界。但你知道吗，艺术还可以不分物种，动物也可以像人类一样成为艺术家。在国外，就有这么一位叫图古德（Toogood）的养鼠人，她的老鼠不仅会作画，而且这些画大受欢迎，还有人出300美元的高价购买。Toogood图古德表示，老鼠作画源于一段悲伤的往事。她养的一只老鼠杰克在接受手术时因为麻醉死亡，为了纪念杰克，图古德留下了它的爪印。此后，为了珍惜和老鼠小伙伴相处的日子，图古德常常准备一些颜料，让老鼠们的脚掌沾上颜料后在空白的板子上自由踩踏，随性创造一些掌印的彩绘以供她保存。老鼠的绘画作品随后她把这些作品发到网上，没想到却意外走红，许多人都想拥有老鼠的艺术品。但无论人们的需求有多高，图古德始终坚持不让老鼠花很长时间在油漆上作画，因为在她看来，老鼠们首先是她的朋友，然后才是艺术家。为了让老鼠伙伴们的创作更轻松，图古德还开设了微型敏捷课程，教老鼠们更轻易地作画。她还会让每一只老鼠跟作品合照，这样顾客就知道是哪一只老鼠的创作。老鼠和它们的作品随着名气越来越大，质疑的声音也越来越多，人们怀疑图古德虐待动物，甚至骂她利用动物赚钱。但实际上，这些赚来的钱图古德一分没花，而是投入宠物健康饲养及疾病预防的公益机构。老鼠绘画的衍生品如今，图古德借助老鼠们的影响力，还开了一家线上小店，将这些有趣的老鼠艺术作品打造成杯垫、钥匙圈、发箍等用品，每次上新都会被抢购一空。她也充分利用自己的线上影响力，分享老鼠绘画之外的其他知识，让老鼠受到人们更多的喜爱。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

文化产业分类从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。近日，《中国文化产业年度发展报告2020》正式发布，其中不但总结了2019年文化产业发展情况和相关经验，并且预测了2020年文化产业发展的十大趋势。一、文化法制建设持续推进。2019年，司法部公布了《中华人民共和国文化产业促进法（草案送审稿）》，该草案送审稿审议通过后或将成为文化产业首部统领性、基础性法律。疫情对文化产业发展产生的影响二、文化市场体系日益健全。文化和旅游部正式发布《文化市场综合执法管理条例（征求意见稿）》，旨在加强文化市场综合执法管理，促进文化市场健康发展。三、公共文化服务体系稳步完善。2020年将基本建成现代公共文化服务体系，并且在基础保障、补齐短板、扩大供给的基础上创新机制，稳步提升公共文化服务质量。文艺队伍深入基层四、文化产业成为乡村振兴重要路径。文化产业的产业关联性有利于形成广泛的产业集群与城镇服务体系，为乡村振兴提供支撑。五、版权将成为文化产业关注重点。2019年，中共中央办公厅、国务院办公厅印发《关于强化知识产权保护的意见》，力争到2022年侵权易发多发现象得到有效遏制，到2025年知识产权保护能力有效提升。海峡两岸（厦门）文化产业博览交易会上的文创产品六、文化体育产业迎来发展新机遇。国务院、国家发改委、国家体育总局等有关部门先后印发关于体育文化建设的多项文件，并提出，到2035年实现体育治理体系和治理能力的现代化。七、产业国际合作深入拓展，通过搭建国际文化产业合作交流互鉴平台，逐步形成文化交流、贸易、投资并举的新格局。陕钢厂房改造成设计创意产业园八、区域文化产业差异日趋平衡。根据2019年的数据显示，中西部地区文化产业发展步伐加快，这将逐步改善文化产业区域发展不平衡状态。九、文化服务体验化，体验消费需求成为各种产业界限的融合剂,极大增强了文化的融合和扩散能力。山东文化创意产业博览交易会上的面塑作品十、文化生产技术化。技术和文化生产的结合，将促进文化产品的多样性和创新性，并且带来更为丰富的文化体验。以上就是关于2020年文化产业发展的十大趋势，希望对你有所帮助。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

郑宗元从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 提起超写实绘画，人们总感慨这些作品是如此逼真形象，让人真假难辨。在韩国，就有一位擅长超写实绘画的80后小哥，他用画笔将梵高、维纳斯、大卫等众多艺术品复原，成为拥有现实感的“人”。 梵高复原像这位小哥叫郑宗元，是一位年轻的韩国艺术家。在他的画作里，人物的每一根发丝、眉毛、睫毛都栩栩如生，甚至脸上的痘痘和皮肤的油光都一清二楚，被众多韩国网友称呼为“人肉照相机”。 《朱利亚诺·美第奇》雕塑及复原画像郑宗元最有名的作品是复原名作系列，他用自己精湛的画技将冰冷的石膏像还原成拥有现实感的“人”， 并且保留了原作的神韵，让观众可以一窥这些艺术品真实的模样，而不再是脑海中的苍白想象。 《荷马》雕像及复原画比如，米开朗基罗的人物雕塑《朱利亚诺·美第奇》，在他笔下就变成一个俊美健康的青年，健硕而富有青春的气息。在《荷马》石膏像的复原画中，他赋予荷马一双浑浊却充满力量的眼睛，让整幅画有了灵魂。而《康斯坦萨雕像》是贝尼尼在和助手的妻子康斯坦萨情到浓时所创作的，包含了一份隐秘的情欲感。郑宗元描绘的“康斯坦萨”画作也抓住了这份美，呈现出一个朱唇微启、青衫半解的妇人形象。《康斯坦萨雕像》及复原画 除了半身像雕塑、画作，郑宗元也常常使用真人照片作为素材创作，效果堪比单反相机。现在的他已经在韩国开过自己的个展与团体展，作品也被越来越多的人知晓与认可。 郑宗元根据真人创作的画像随着科学技术的发展，很多超写实主义画家开始通过科技、媒介来绘画，以达到更加逼真的效果。但郑宗元却坚持最原始传统的手绘方式画画，不断去挑战绘画逼真度的极限，让人们大开眼界。 磨时艺见，每晚9点，准时更新。

私人收藏专场拍卖现场从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。在资本横行的艺术市场中，私人收藏专场一直是各大拍卖行的焦点，它不仅成交率极高，作品质量足以媲美美术馆藏品，屡屡拍出天价。其背后的藏家从商业大亨、皇室贵族到国际明星，身份多样，几乎人人热衷于艺术收藏。苏富比拍卖会现场既然如此，为何这些社会名流会选择拍卖自己的藏品呢？艺术市场中盛行的“3D”定律表明，当藏家面临“死亡（Death）”、“离婚（Divorce）”或背负“债务（Debt）”时，出于财产清算、资金周转或投资需要，他们往往会出手藏品。安思远比如，“安思远私人珍藏”专场拍卖便发生在“中国古董教父”安思远因病逝世后，其专场拍卖持续了五天，并按拍品类型和国别分成六大版块，共计上拍1400件藏品，成交总额为1.61亿美元，创造了四项世界纪录，不仅影响了彼时市场内流通的中国艺术品价格，还引起了全世界对亚洲艺术的关注。倒闭的雷曼兄弟控股公司而雷曼兄弟拍卖私人收藏则是为了偿还债务。2008年，美国第四大投资银行雷曼兄弟（Lehman Brothers）控股公司宣布破产，并背负6100亿美元的债务，公司CEO理查德·福尔德（Richard S. Fuld）及其夫人不得不将多年来的收藏送去各大拍卖行出售，并于2009年11月和2010年9月又先后举办了私人收藏专场拍卖。大卫·洛克菲勒夫妇当然，也有出于公益目的而举行的私人收藏拍卖，比如洛克菲勒夫妇。2018年5月，佳士得纽约为洛克菲勒夫妇举办了长达10天的线上拍卖和连续2场晚间拍卖。1000多件作品无一流拍，成交总额更是高达8.32亿美元，打破了私人收藏专场的拍卖纪录，这些收益全部被洛克菲勒夫妇捐给慈善机构。大卫·洛克菲勒和他的藏品尽管拍卖私人珍藏的原因各有不同，但天价的成交额，高质量的藏品以及惊人的规模，都让私人收藏专场成为各大拍卖行的重头戏，也是群雄逐鹿的艺术品市场中争夺最激烈的“大鱼”。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

苏童从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。苏童，是中国作家协会江苏分会驻会专业作家、江苏省作协副主席，他的不少作品都已经被翻拍成影视作品。比如，小说《妻妾成群》改编成电影《大红灯笼高高挂》，并且提名第64届奥斯卡最佳外语片；《妇女生活》改编成电影《茉莉花开》，并由章子怡、陈冲、姜文等人领衔主演。苏童在接受媒体采访时，就分享了自己对于作品影视化的看法。《妻妾成群》：讲述“受过新时代教育”的颂莲嫁入封建家族陈府，最终在“妻妾成群”明争暗斗中走向崩溃苏童认为，自己的作品能够被影视化改编，可以说是收到一个珍贵的礼物。因为影视作品它让他拥有了更多的读者、更好的阅读市场，这个层面来说对他是有帮助的。《红粉》：讲述新中国成立后苏州妓女改造的故事，曾被李少红翻拍成同名电影不过，电影虽然是一个非常甜蜜、非常有诱惑力的东西，但是自己始终是电影的“远房亲戚”，‘远房亲戚'之间常走动是正常，但不常走动也更为正常。所以，苏童一直在努力让自己不成为被电影改编‘绑架'的小说作者，与电影人士的关系也是若即若离。《茉莉花开》：改编自苏童小说《妇女生活》，讲述一个家庭三代女性的爱情与命运苏童还表示，没有一部电影和电视剧是原作者的作品，因此很多作者对于影视作品随意的改编都会有意见。但是在他看来，改编很正常，导演们之所以想改编某部小说，可能是看到了比别的作品中更多的画面。 不过，如果一个作者写小说的时候就考虑到影视改编的效果，就犯了大忌讳，因为小说永远是小说，影视永远是影视，它们是泾渭分明的。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

《妖猫传》电影海报从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 电影圈流传着这么一句话，一张好的海报抵得上2000万票房，因为它藏着整部电影的灵魂。电影《妖猫传》的海报就凭借细腻唯美的画风圈粉无数，而它正是出自插画师sheep之手。 sheepsheep原名虢子楷，擅长融合传统的国画元素和日本浮世绘画风，形成独有自我特色的唯美水彩风格，因而被称为“最被看好的学院派插画师。”他的作品不仅在日本专业插画杂志《季刊S》上发表，还多次参加巴黎、伦敦、爱丁堡、拉塞勒圣克卢等展览。《大鱼海棠》电影海报 sheep从小喜欢看童话，还喜欢画出脑海中想象的童话故事场面，中学时就在当时知名的漫画杂志《卡通王》上发表过作品。2008年，他报考了四川美院，开始系统地学习绘画。一次突发奇想，让他决定将浮世绘和水墨画结合来表达神魔鬼怪。经过不停的思索和练习，sheep在大四时创作了插画集《妖绘卷》，这是一部以《山海经》、《搜神记》以及日本民间故事为内容，以传统水墨画风全新演绎东方古代妖怪绮丽的作品。 《雀》其中有个叫做《雀》的作品，表达了相爱的人却不得不分开的无奈与痛苦，因为与电影《妖猫传》的主题相契合，被导演陈凯歌一眼相中，邀请sheep创作《妖猫传》的海报。《捉妖记》电影海报sheep说，创作跟人是一体的，创作者本身成长丰富起来，并把真正想说的用绘画表达出来，这样的作品才最有力量。他始终相信，拥有什么样的心情，什么样的目的就会传递什么样的内容，唯有真诚的作品才能打动别人。sheep制作的人偶 除了画画，sheep还喜欢做人形、雕塑、烧陶瓷，因为他不想把自己的创作局限于平面，而是不断挖掘自己的潜能。有人问他哪来那么多精力学习，他的回答是，只要沉浸其中就无难事，真想学的事总能找到办法。 磨时艺见，每晚9点，准时更新。

雍正皇帝从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。谈到清朝的雍正皇帝，很多人想到的可能是影视剧里老谋深算的形象，也可能“朝乾夕惕”的工作狂模式，又或者是他在奏折上留下的那句“朕就是这样的汉子”。实际上，雍正还是一个十分热衷服装设计的皇帝。《雍正行乐图》中的道士装扮清朝宫廷资料《活计档》就曾记载雍正对于各类服饰的指导。比如宫衣的如意云肩款式不适合，衣服的四角应当放长，袖宽可以去窄，中间的莲花头要收小，摆缝两边要抽高，并且要灵活运用秋色、紫色、葵花色、松绿色、鱼白色。黑地伏酱色地仗织圆金龙五彩云蟒袍的纹样不用画水，不要像大蟒袍样，也不要像寸蟒妆缎花样。雍正对于服装的款式、纹样、颜色都提出详细的修改要求，这专业认真的阵仗跟专业服装设计师相比可谓是不相上下。雍正穿着洋装的画像雍正不但对宫人所穿服饰有着独到的审美，而且对于宠物穿着的服装也颇为费心。他曾经命人用质地优良的鼠皮为爱犬“造化狗”制作一件麒麟衣，衣服制成之后，又觉得麒麟衣的套头太大，质地太硬，又命人做一份尺寸小一些的棉花软衬套头。此外，他对狗笼的设计也有着严格要求，觉得狗笼用径皮衣上托掌不好，纽板钉不结实，皆需修整收拾清楚才行，这一件件事情足见雍正对于“造化狗”的宠爱程度。《雍正行乐图》中的钓鱼翁装扮除了服装穿戴之外，雍正甚至对床具被褥设计也很在意。他曾经命人制作一张楠木床，要求必须配套半截棉套，床褥的棉花要实着不要泡，棉制品要选活软的。诸如以上的记载在《活计档》中不在少数，从侧面展现出雍正的个人性情爱好，让世人看到这位封建帝王威严之外的有趣面相。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

孟凡浩从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。孟凡浩是国内知名建筑师、唯一受邀参加2020年威尼斯建筑双年展主题的中国大陆建筑师，近日，他在接受采访时分享了自己在疫情期间对建筑行业现状及未来的思考。威尼斯建筑双年展展览现场孟凡浩表示，疫情发生之后，自己对威尼斯建筑双年展“我们如何共同生活”主题的理解发生了很大变化。在此前，他对这一主题并没有特别强烈的共鸣，但随着疫情波及全球，让他意识到共居生活的难能可贵，并对“人类命运共同体”概念感同身受。孟凡浩参展项目：飞蔦集·松阳陈家铺孟凡浩说，疫情触发了他思考空间公共性的问题。他认为在信息共享的时代，共享性、公共性并不只是存在物理空间的层面，还可以通过电子屏幕实现虚拟空间的社交和信息的开放共享。他表示，建筑学过去一直以建造为核心，强调物质性，强调永恒。但在未来，传统建筑学将面临技术革命带来的冲击和挑战，建筑师如何去回应这些问题是当下一个很重要的课题。孟凡浩作品：东梓关回迁农居谈及本次参与威尼斯建筑双年展的项目，孟凡浩表示它们分别从新型社区构建、存量建筑再利用、公共空间营造三个层面回应了中国乡村的现代转型和未来发展这一时代主题。例如杭州富阳东梓关回迁农居就是一个新型乡村社区，它不同于传统的乡村聚落，而是有很多混居的城市人群和相应的建筑形态，包括民宿、茶室、艺术家工作室等，这也回应了双年展主题中希望探讨不同群体、不同背景的人如何共同居住、生活的问题。东梓关回迁农居全貌此外，孟凡浩还表示，乡村的建设和改造是近些年全社会的热点领域，但其还处在摸索阶段。如何通过设计为乡村带来社会价值、生态价值的溢出，是建筑师在当下的社会性和责任所在。以上内容由磨时艺见整理，希望能对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

《风味人间》剧照从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。久违两年，美食纪录片《风味人间2》登陆视频网站，一开播就引发广泛关注，豆瓣评分高达9.3分。谈及节目首播即获好评的“要诀”，总导演陈晓卿表示，观众是美食纪录片的核心服务对象，节目制作者要找好自己的定位，把自己当成谦卑的故事讲述者。《风味人间》总导演陈晓卿陈晓卿说，食物不是孤立的，而是与当地的自然地理、人文历史有着密不可分的关联。因此，他现在更偏重“一方水土养一方人”的理念，也就是西方话语中的“人如其食（You are what you eat）”。纪录片的另一位总导演李勇则表示，《风味人间2》不只是美食纪录片，还是一个自然地理人文类的纪录片。在美食的基础上，找到食物的前世今生，还原它美味的秘密、精彩的瞬间以及与当地人生活的关系，才是主创们的追求。《风味人间》片段除了定位精准，《风味人间2》还用画面诠释了审美艺术，摄影师们为了捕捉到食物制作过程中最精彩的画面，可谓是“上刀山下火海”。为了拍摄烤猪高温下的细微变化，被“丢进”地炉拍摄；为了捕捉原始采蜜的方式而跟着原住民用绳索吊在悬崖上拍摄；甚至在挪威极夜出海外拍遭遇风浪的情况下还必须爬到船舱前头拍摄。《风味人间》的拍摄团队此外，《风味人间2》的成功还在于通过美食引起情感上的共鸣。例如在第一集中，不仅介绍土耳其甜品巴克拉瓦如何制作，还讲述了甜点学徒萨哈特成为巴克拉瓦甜品师的梦想，以及对于故乡甜味的记忆。《风味人间》剧照纪录片总导演李勇表示，他们希望通过《风味人间2》记录当下的社会人性中的七情六欲，也记录下正在消逝的传统生活方式。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

卡鲁姆从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见 在大伙印象里，做娃娃一般是女孩子的兴趣，但今天我们却要给大家介绍一个喜欢做娃娃的12岁加拿大小男孩，他的名字叫卡鲁姆。喜欢用捡来的“破烂”做娃娃，而且他的娃娃不仅一点不可爱，反而十分惊悚暗黑，但却大受欢迎，还登上各种艺术展览。 卡鲁姆的作品卡鲁姆从小就表现出对艺术的敏感，2岁时他就喜欢上手工制作，从纺织品到黏土都尝试过。布鲁姆在10岁时开始制作雕塑。为此他每天把自己泡在房间里，花大量的时间做雕塑。即使出门的时候，他也把心思全放在寻找有趣的材料上。卡鲁姆的作品 在他的房间里，到处都是做雕塑用的纸粘土、颜料、碎布等各种填充物材料。每个娃娃的制作，需要经历动手捏造型、烤箱加热定型、上色、采购娃娃身上的装饰物等步骤，这些他都亲力亲为，常常需要花十几个小时才能完成一个作品。卡鲁姆的作品 在日积月累的练习下，卡鲁姆逐渐形成了自己独特的艺术风格。他的雕塑画风诡异却充满有趣的设计，细节中满是精心制作的痕迹。例如他做的一个长着拼图脸的小人，小人脸上缺少的一块拼图恰好在他自己手中，上面还写着“高兴”（joy）这个单词，充满“调侃”的小设计，让娃娃在暗黑中多了几分风趣。 卡鲁姆和他的作品在展览上现在的卡鲁姆，已经是一名小小艺术家，不仅参加过多次艺术展览，举办了个人展，还得到了“艺术与文学大赛”奖项，成为获得该奖年龄最小的加拿大人。 创作中的卡鲁姆卡鲁姆说，很多人觉得他的雕塑很黑暗，很吓人。但他却觉得一点不吓人，只是一种老式的艺术风格。他将自己做的娃娃称为“隐喻雕塑”，因为在他看来，每一个娃娃都是在讲述自己的故事。 磨时艺见，每晚9点，准时更新。

吴洪亮从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。近日，全国政协委员、北京画院院长吴洪亮接受专访，针对充分发挥艺术在疫情下的心理疗愈作用提出建议。他在今年的两会上首次提出艺术心理学的议案，将艺术引入到青少年学生教育和民众心理健康引导。吴洪亮认为，这次疫情不仅危害到人们的生命与身体健康，也对很多人的心理健康造成严重影响。对此，他建议拓展更多守护大众心理健康的途径，例如艺术就已被证明能够有效辅助心理创伤治疗，需要有一套成体系的方式来充分发挥其疗愈功能。吴洪亮还特别强调艺术对儿童心理需求的作用。他认为，儿童心智发育不成熟，无法像成人一样交流，所以灾难对他们产生的心理损害会很大。而艺术可以用特有的感染力、表现力去帮助他们，走出灾难造成的心理阴影。对此，吴洪亮提出，可以在中小学课程中增加类似绘画心理治疗的相关内容，让青少年学会通过艺术的表达方式来抒发、转换情绪，增强青少年的心理韧性；借助高校通识课增加艺术心理学的内容；在高等美术院校增加艺术心理学跨学科的研究，将研究成果应用于实践之中。此外，吴洪亮还期望国内的艺术家可以在火车站、街道路口等城市的节点，创作公共艺术主题的作品，用作品中深刻的艺术洞察力为大家心理和身体服务，让观者获到客观、理性的心理思考。他表示，无论是传统艺术还是当代艺术，艺术家要用更公益化的方式来体现艺术的社会功能，提示、帮助更多的人。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

2020 Desert X Alula从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见在美术馆或画廊里欣赏艺术品已经成为大家习以为常的方式，但这是否代表人们只能待在中精心设计的场馆里欣赏艺术？非盈利慈善组织Desert X给出了一个新答案。那就是人们还可以在广袤的沙漠里欣赏艺术之美。Wael Shawky《Dictums Manqia2》Desert X一直关注着21世纪以来的环境变化，因此他们在2017年发起了Desert X沙漠艺术双年展，邀请国际当代艺术家在沙漠深处建起一座座只属于特定地点的艺术装置，以此传递对气候、污染、移民、沙漠历史等问题思考。Rashed Alshashai，《A Concise Passage 》今年的Desert X沙漠艺术双年展举办地是沙特阿拉伯的阿鲁拉沙漠，这里一直以来都是连接亚洲、非洲和欧洲的熏香贸易的跨文化路线。这次艺术展一共邀请了14位艺术家，通过互动装置的形式带领观众走近古老的沙漠和绿洲。Manal Aldowayan，《Now You See Me, Now You Don't》比如，玛纳尔·奥尔德韦恩的作品《你时而见到我，时而见不到我》是将一些蹦床分散布置于沙漠之中，这些蹦床在白天的时候可以供人们蹦跳，在晚上的时候，则因为照明技术的加入，变成形态各异的“水坑”，以此象征迫在眉睫的水资源危机。Zahrah Alghamdi ，《Glimpses of the past》而扎赫拉·阿尔加姆迪的作品《往事一瞥》是由大约6000个不同大小的金属方形容器组成，作品中充满了五种不同颜色的沙子和镜子，构成一个具有多条支流的、闪闪发光的河流，以此隐喻性地表达阿鲁拉沙漠作为历史文明十字路口、当代文化中心之一的重要性。El Seed，《Mirage》除此之外，有的艺术家用塑料托盘搭建了一个金字塔，以此鼓励人们思考人类的遗产的重要性以及人类在宇宙中的地位；有的艺术家通过一件由20个不同大小和色调的雕塑组成的定制装置，传递出通过以土地追溯社会和文化历史的理念。Sherin Guirguis，《Kholkhal Aliaa》尽管材质不同，造型各异，艺术家们将自己对于沙漠文明、贸易文化以及自然环境的思考具象化呈现在大众眼前，引导着人们在自然中感受艺术与生活的关系，在艺术中反思人类与环境的命运。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

电视剧《清平乐》剧照从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。随着大结局的播出，电视剧《清平乐》正式落下帷幕。这部电视剧除了带来受到大众争议讨论的剧情，还通过服道化设计呈现出宋代礼服制度，让观众发现宋朝女子们的衣着打扮不仅一点不“土”，还十分“潮流”。下面我们就通过几个例子，让大家感受下宋朝女性究竟有多 “时髦”。宋朝女子戴冠画像宋朝女性对时尚的追逐，首先从“头”开始。她们嗜“冠”如命，不仅种类繁多，材质也五花八门，白角冠、珠冠、团冠、花冠、垂肩，没有什么她们不敢戴的。其中白角冠就是以白色牛角为原料制成的，冠身很大，十分影响出行，造价也极其昂贵，但仍挡不住贵妇们对它的痴狂。此外，宋朝女子还喜欢在头上插各种各样的花，当时有一种叫“一年景”的花冠就是把四个时节的花齐备地插在冠上，很受女子的喜欢。一年景花冠普通妹子都这么“大手笔”，皇室贵族的“高级定制”就更霸气了。北宋第一位垂帘听政的太后刘娥，甚至顶着“真龙”的“帽子”以彰显自己的地位，其所戴的礼冠没有凤的形象，而是全部以龙代替，龙的数目比皇帝头冠上的还多。宋代九龙四凤花株冠除了“捯饬”头饰之外，宋朝女子还喜欢在脸上贴珍珠。这种化妆手法传承自唐代，原本运用的材料十分丰富，但因为宋人崇尚自然，不喜张扬，便以珍珠为材料，用“呵胶”或“鱼鳔胶”粘贴在额中、眉梢和嘴角，形成了独具特色的宋代妆面。《清平乐》中的“贴珍珠”具体怎么贴珍珠也是有讲究的，比如开心的时候就贴在眉梢，难过的时候就贴在眼角，将珍珠贴在脸部不同位置正是反映出不同心情。不过因为胶没有那么牢固，珍珠有时还会掉落。像“元英燕罢瑶台，玉妃满地花钿委。”“横汉碧云歌处断，满地花钿舞时落。”等诗句就描绘了珍珠妆掉落在地的情景。以上内容由磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

毕淑敏从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。毕淑敏是国家一级作家、中国作协第九届全委会委员、注册心理咨询师，她在2003年的时候曾经作为作家代表深入非典一线，走访医生护士、康复的病人等各方人员。最近，她在接受媒体采访的时候，分享了当时走访的感受，也对当下疫情中的社会现象的感受。毕淑敏赴抗击非典第一线采访毕淑敏说，她当年跟“非典”一线人员的访谈中，发现那些对生命抱有积极看法、努力接受医疗、抱持求生本能永不言败的病患，活下来的概率更高。因为当人患了重病，孤独地躺在病床上，平日心理修为积攒的能量，就能化作极为重要的生命支撑点。倘若平日心态本就消极，病入膏肓时给自己鼓劲，很可能见效甚微且不一定来得及。所以人们应当抓紧时间，不断提升自己的心理健康水平。《花冠病毒》：讲述凶猛疫情突然袭击燕市，民众陷入危机，医生、记者及一个神秘人面对疾病的故事在针对“非典”的采访结束后，毕淑敏并没有立即投入创作。她觉得自己需要时间思考与沉淀，甚至曾经在梦中无数次梦到过病毒。8年后，毕淑敏基于“非典”时期的采访，创作出小说《花冠病毒》，希望能给更多人传达危机意识，起到警醒作用，竭尽全力防范灾难重演。《红处方》：讲述女吸毒者庄羽暗设机关，使戒毒医院院长简方宁也染上毒瘾，简方宁为此给自己开出红处方毕淑敏表示，“非典”结束之后，她曾在理智层面上判定瘟疫并没有离人们远去。但是她没想到只过了17年，它又一次席卷而来。而且这次疫情比“非典”的传播速度和规模都大，也有可能变成侵入人类生活的一种慢性疾病。人类应该认识到，命运共同体是时代潮流的结果，也是大自然的选择。《女心理师》：以心理师贺顿的成长经历为主线，穿插若干来访者的精彩故事，深入探索当代人的心理困毕淑敏还表示，这场突发的严重疫情将人性的善与恶，都纤毫毕露地展现并加以剧烈放大，各种大惊小怪、幸灾乐祸、隔岸观火都屡见不鲜。但是人们对此应当抱有平常心，不必大惊小怪，埋头将自己的事情做好，以力所能及的勇敢和付出扭转形势向好。磨时艺见，每晚9点，准时更新

Amaury Guichon从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。巧克力是风靡全球的甜品之一，世界各地的甜品师更是赋予它丰富多彩的形式。出生于1991年的甜品师阿莫里·基邱（Amaury Guichon）更是用巧克力来以假乱真，非但没有遭到指责，反而收获百万粉丝的关注。Amaury Guichon和他的巧克力作品阿莫里·基邱14岁就辍学去酒店学习烹饪厨艺，仅用半年时间学会了酒店里所有的菜品。2年之后，又因为发现自己更热衷于甜品，就跑到瑞士日内瓦当学徒，结业时获得了“巧克力精英学员赛”第一名。于是他又到号称“甜点界哈佛”的法国雷诺特学院进修，轻松拿下“雷诺特最佳学徒赛”金奖，并且在20岁的时候被学校直接聘用为巧克力方向的导师。Amaury Guichon的巧克力作品接着，基邱在21岁的时候担任了巴黎知名甜品店“雨果&维克多”（Hugo&Victor）的甜品经理和研发主管，22岁移居摩纳哥担任费尔蒙酒店担任西点主厨，23岁又在“法国第一糕点师”让菲利普（Jean Philippe）的甜品店中担任助理行政糕点主厨，职业道路堪称一路开挂。Amaury Guichon的巧克力作品《深海之下》这些耀眼成绩的背后，是基邱对于巧克力创作的精益求精。比如，他在制作《深海之下》（Under the sea）这件作品的时候，作品主体的每根枝干都是将巧克力浆倒入模具里包裹成型，最后再逐个拆解出来的。而依附在枝干上的“巨型龙虾”的虾壳，也是一片一片地浇筑成型，然后再依次叠加成龙虾的形状。此外，基邱还曾花了三天时间用巧克力制作1200片凤凰羽毛，然后再一片片拼接出凤凰的翅膀和尾巴。Amaury Guichon用巧克力制作凤凰如今，年仅29岁的基邱已经被全球各地烘焙培训机构邀请教授短期大师课，并登上过全球权威烘焙杂志，但是他始终未曾停下提升烘焙技艺的。他表示“保持无知、持续求知”是自己一直秉持的创作理念，因为在这个工业化的时代，巧克力工艺可能在15年之后就会消失，巧克力匠人必须尽快找到自己的位置，坚持设计的个性化，才能让巧克力真正成为艺术一般的存在。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

《自画像，打呵欠》和模仿者 从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。受到疫情的影响，全球的博物馆、美术馆出于安全考虑相继关闭了线下场馆，但是在线营业的热度并未就此停止。最近，美国盖蒂博物馆（Getty Center）就在社交媒体上发起一项挑战活动，邀请网友依靠家人或者家中触手可及的三件物品重现一件盖蒂博物馆的线上藏品。一位身穿红色雨披的男士重新演绎16世纪画作《圣杰罗姆在阅读》活动发布之后，参与者纷纷发挥创造才能，对世界名作进行重新演绎。有些人亲自上阵扮演艺术品中的人物，比如，一位男士身穿红色雨披演绎16世纪的画作中读《圣经》的圣·杰罗姆，一位女士则抱着吸尘器模仿竖琴演奏者的雕像。有些人是让自家的宠物出场演绎，可爱的宠物狗或者被打造成《森林里的野兔》（“A Hare in the Forest），或者“变成”《圣母子》（Madonna and Child）中的婴儿耶稣。乔里斯·霍夫纳格尔《石榴，蠕虫和桃子》及模仿作品还有些人则是利用家中的物件进行名画演绎。比如用酒瓶、胡椒粉罐等各种瓶瓶罐罐以及玩偶摆件重建透纳（J. M. W. Turner ）的画作《现代罗马-凡西诺广场》；或者用苹果、刺绣图案以及温度计还原乔里斯·霍夫纳格尔（Joris Hoefnagel）的作品《石榴，蠕虫和桃子》（Pomegranate, Worm, and Peach）；甚至有人用鞋子，衣服，手套等物品展现爱德华·蒙克（Edvard Much）的《呐喊》（The Scream）。《母与子》及模仿作品盖蒂博物馆的内容策略总监表示，他们最初只觉得会有一些人喜欢这项活动，但没想到热度如此之高。而且他们最高兴的是能看到各个年龄段的孩子参与到活动中。不过，大众对于这个活动的态度褒贬不一，有些人认为活动幽默有趣，可以分散疫情期间人们的注意力，缓解焦虑。有些人却觉得参与者重新演绎宗教肖像画，可能会对天主教国家中许多正在与流行病作斗争的人造成冒犯和伤害。你又是如何看待博物馆举办的模仿名画活动呢？欢迎留言分享你的观点。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

李陀从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 李陀是国内著名编剧、作家、文艺评论家，曾凭借短篇小说《愿你听到这支歌》荣获全国首届优秀短篇小说奖。最近，他在接受媒体采访时表示，传统意义上的文学正在被边缘化。 李陀说，这些年以来，随着文化市场的急剧发展，消费主义文化成为主流，文化生产的各种产品，包括影视、动漫、综艺节目等，其目的主要都是娱乐，都不帮助我们认识现实。与此同时，传统意义上的文学小说的重要性都没有之前高，并且处于边缘化的状态。但反过来， 能帮助人们认识世界的这类作品就成为稀缺品，它们的意义也就增加了。 李陀与韩少功的对谈所以，李陀认为，严肃文学的作家要开始考虑，文学要如何恢复认识现实、认识社会、认识当今世界的功能。对此，他表示，十九世纪的作品在认识现实这方面就做得很好，其中最重要的一条就是把塑造人物形象当做写作最高、最重要、最中心的任务。因为这样不但让文学人物有个性鲜明的特征，而且能和时代中的历史、社会产生密切的关联，如此一来，读者就可以通过这些人物来认识时代、思考社会。 以上内容由磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新！

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。冯骥才，是当代知名作家、画家、文化学者和教授，也是“伤痕文学”代表作家之一，他的“文化反思小说”对于文坛产生了深远影响，近二十年来更是积极投身于城市历史文化保护和民间文化抢救。最近，他在接受媒体采访的时候，围绕“作家与书房”的主题分享了自己的感受，表示书房是作家不设防的写作场。冯骥才在书房冯骥才说，有很多人误认为作家的书房一定像图书馆一样整整齐齐摆满书，但实际上，作家的书房是杂乱不堪的。在他自己的书房中，各类书籍和艺术品就是完全混在一起，虽然十分杂乱的，但是他知道自己需要的那张纸能能在哪一堆纸里面能找到。作家贾平凹的书房而且作家的书房，是作家最不设防的地方，因为作家一切想象、思想在书房里都是赤裸裸的，都要真诚地表达出来。同时，书房又是作家向外射子弹的战壕，是安顿自己心灵的地方，也是诗情画意的地方。如果家里没有书房，就会不断有人找你，干扰太多，这样在家里也写不出长篇的东西。因此，上世纪80年代初的时候，各个出版社、杂志社因为逼稿逼得特别紧，就会把家里没书房的作家拉到宾馆开一个房间，关几个月写出一部作品。作家麦家的书房冯骥才表示，自己去各个国家的时候，最喜欢看的地方之一就是作家故居的书房，进去之后仿佛可以看到作家人生中所有的信息，找到大量在书里找不到的细节。比如，萧伯纳就在书房里挂着专门批评自己作品的人的画像，以此激励自己挑战评论、坚持自我的精神。契科夫的书房里则放着自己的人生导师、著名作家格里戈罗维奇的照片。契科夫的书房以上就是冯骥才围绕作家与书房的主题所分享的观点，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。受到疫情的影响，国内许多美术馆、艺术中心、画廊等艺术机构都关闭了线下场馆，艺术市场也因此受到一定影响。近日，国内一些知名画廊主接受专访时，分享了疫情期间画廊业的真实状况以及这段时间的经历和想法。当代唐人艺术中心展览现场当代唐人艺术中心可以说在病毒扩散期间一直幸运地“走在了疫情前面”，在疫情尚未彻底爆发前，画廊的项目多数都已经实施。但画廊负责人郑林表示，今年所有项目加一起的收益只是去年的10%-15%左右，不足以维持日常支出。他认为，未来半年对艺术品的消费会处于最低迷的状态。对画廊而言，目前最需要的是资金的支持，但他们并没有得到实质性的帮助。蜂巢当代艺术中心展览蜂巢当代艺术中心则因为开支太多使得很多项目无法实施，选择关闭了位于深圳的空间，积极拓展线上项目，并取消了今年所有国外博览会。该艺术中心的负责人夏季风表示，拓展线上项目的原因一方面是在没有实体展览的情况下尽可能扩大经营与销售，另一方面是希望画廊能保持一定的活跃度，时不时有新内容呈现。夏季风说，在整个经济下行的前提下，如何活下来成为艺术中心的首要问题。美术文献艺术中心展览空间而地处武汉疫情中心的美术文献艺术中心，也将今年所有的展览计划全部延后，但他们的工作并没有完全停摆。艺术中心负责人表示目前画廊仅有支出但基本无收入，不过艺术中心空间没有缩减，也没有裁员，还计划设立新的岗位。此外，文献中心正在通过线上讨论等方式筹备湖北美术馆合作的文献展，并积极拓展线上活动，为未来做准备。美术文献中心展览空间艺术品市场正处于去泡沫和深度调整的过程，面对疫情，传统画廊运营模式受到挑战，各家画廊的应对侧重点虽各有不同，但都积极采取措施，谋求生存与发展。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。最近在Twitter和Instagram等社交平台上，一个来自日本的百年神话老妖怪因为疫情意外火了起来，仅在推特上的相关话题讨论一天就出现了2万3000多条。古籍中的“海异光”画像这个妖怪叫作海异光（アマビエ）。相传在江户末期的弘化3年，有人看到这个拥有一头长发、一个喙状嘴巴和三条腿生物出现在海边，说自己是住在海里的“海异光”，然后又说今后六年间各地都会丰收，疫病也会盛行，那时候把它的画像示以众人就可以保佑平安，说完就潜回了海里。这本来只是一个妖怪奇谈的小故事，但是放在全球疫情的今天，这个170年的老妖怪却意外地走红出道了，甚至被日本民众视为“疫病退散之神”。“海异光”相关形象的洗手液宣传图最近，日本京都大学附属图书馆的司书将馆内珍藏的海异光（アマビエ）画像传到了推特。人们看到之后纷纷转发和祈愿海异光（アマビエ）保平安，甚至有人打电话给图书馆请求多复印几份邮寄过来，还有人希望出吉祥物护身符的衍生品出售。日本厚生省的公共安全宣传物料为此，日本商家出产了相关形象的口罩和洗手液，甚至日本厚生劳动省在针对新冠病毒的公共安全宣传中也采用了海异光的形象。“海异光”形象的洗手宣传图片海异光丑萌丑萌的形象，让它一下子成了网红，火遍全球。插画师们看到这个萌物，也都脑洞大开画起海异光，并由此引发了以其为题材的衍生作品创造潮，羊毛毡，毛绒玩偶、橡皮章、胸针、刺绣等作品上纷纷出现海异光形象，借此祈求疫情能够平安度过。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。随着经济发展水平提高，越来越多人开始接触收藏艺术品。不过，对于一些收藏界的新人们来说，在欠缺专业知识的情况下，多少会担心名不副实。所以，在准备购买艺术品之前，有四件事情是务必要知道的。一，了解作品的艺术家是谁。一般来说，艺术家的市场越好，相关的介绍资料就会越详细。特别地，如果这个艺术家拥有丰富的参展和获奖经历，他的作品又是各大美术馆、博物馆争相收藏的宠儿，在某种程度上就可以肯定其艺术价值。二、明确艺术品的重要性。判断一件艺术品的重要性，主要分为四个步骤：首先要了解艺术品作者的风格，其次需要仔细查看作品的各项细节，接着向售卖艺术品的人员询问确认艺术品是否是作者最经典的作品之一，最后考虑艺术品的状态是否可以长久保存。需要注意的是，艺术家总是在不断地实验和创新，会诞生出各类非典型风格的艺术作品。除非是经验老道的收藏家，一般来说，收藏艺术家最经典的作品系列方是保险之举。三、查询艺术品的来源、历史和文献。这需要尽可能多地收集艺术品的来源信息，这样不但能佐证作品的真伪性，还能让收藏家真正了解到这件作品。四、确认艺术品的价格是否合理。艺术品的价格不是凭空捏造或依靠六感估算出来的，可以上网查找艺术家最近5年的交易记录，了解到他的作品大部分成交价格的区间，还可以对比与之同时期或者同风格的艺术家作品价格。简而言之，了解作品的艺术家是谁、明确艺术品的重要性、查询艺术品的来源和历史、确认艺术品的价格是否合理，这就是收藏界新人购买艺术品前需要知道的四件事。以上内容由于磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新！