Sofá Sonoro

En los primeros años de los noventa hubo una revolución musical que alumbró a una generación de músicos salidos del circuito underground que se había ido creando en los EEUU desde la década anterior con fanzines, sellos y salas y apostaron y defendieron otro tipo de música. Nirvana fue la que derribó la puerta y puso el foco en esa música y en esa escena, por allí se colaron Pearl Jam, Soundgarden o Alice in Chains.Cada una de esas bandas marcó su camino y lograron sus propio hitos. Alice in Chains tuvo un viaje fascinante y un éxito enorme. Tras el poderoso debut, la banda se topó con un reto y muchos obstáculos. El camino no iba a ser sencillo. Dirt, el segundo paso del grupo, se grabó en Los Ángeles durante las salvajes protestas por la agresión a Rodney King. La ciudad estalló en saqueos y enfrentamientos policiales. El grupo tuvo que escapar durante unos días y refugiarse en el desierto. Pero aquel no fue el único problema, tampoco el más grave. La adicción a la heroína de Layne Staley, que recayó durante la grabación, fue un obstáculo enorme.A pesar de todos los problemas, Alice in Chains consiguió facturar un disco rabioso y poderoso con un visión triste y tórrida del amor, las relaciones y la juventud y ese álbum caló profundamente en una generación que abrazó esas canciones y convirtió Dirt en su banda sonora y en himnos generacionales.El impacto de Dirt fue enorme, sus ventas también y por todo ello sentamos estás canciones en el Sofá Sonoro de la mano de Toni Castarnado y Lucía Taboada.Todos los episodios dedicados a discos de los años 90.

El festival celebra una nueva edición encabezada por los Arctic Monkeys o Florence and The Machine, pero en su enorme cartel hay mucha banda y artista nuevo por descubrir. Escucha el programa dedicado a los Arctic Monkeys

En el año 2006 llegó a las tiendas el debut de los Arctic Monkeys, la primera banda surgida de las redes sociales y quizá el último gran grupo de rock de este siglo. Ese fue el primer paso de una banda que rompió las reglas de la industria y que mostró un nuevo camino a muchas que vinieron después. Con desparpajo, tomando riesgos y confiando en ellos mismos, los chicos de Sheffield han ido creando su propio relato y madurando disco a disco.Este viaje de los Arctic Monkeys resulta curiosos y demuestra mucha inteligencia para unos chicos que dieron sus primeros pasos siendo adolescentes, lo que se podía haber quedado en una anomalía, en un golpe de suerte se ha transformado en una carrera fascinante con buenos discos, pasos a ciegas y riegos musicales que no siempre han sido bien recibidos.AM, su disco de 2013, mostró un arriesgado cambio de sonido y una capacidad necesaria para mantenerse en la música: la de evolucionar. Con aquel disco nocturno y arriesgado el grupo inglés mostró matices que iban más allá de crear temas rompepistas. Han pasado diez años desde entonces y el grupo ha seguido su viaje y ha seguido tomando riesgos y con el tiempo se ve la importancia de este disco como el puente entre dos claras etapas. Por todo ello sentamos AM en el Sofá Sonoro y nos adentramos en su historia, en su contexto y en sus canciones de la mano del periodista Carlos Cano y con los reportajes de Lucía Taboada.

Se cumplen 30 años de la noche en la que Alan McGee acabó de casualidad en un local en el que descubrió a la banda de los hermanos Gallagher. 

Wanda Jackson creció en el country y debutó siendo una adolescente a la que acompañaba su padre mientras su madre le cosía vestidos con flecos. La chica tenía talento y apuntaba al estrella del country, pero un acontecimiento lo cambió todo. Wanda compartió gira con Elvis Presley justo cuando el rock estaba estallando en EEUU. Elvis y Wanda se hicieron novios y Presley convenció a su amiga para que se adentrase en el rock and roll. Jackson hizo caso a Elvis y se convirtió en una de las grandes pioneras del género y última superviviente de aquella generación que prendió la música.

Judee Sill atracaba gasolineras antes de cumplir los 20. A esa edad ya iba por su segundo marido y había estado en prisión. Tras unos años al límite la joven compositora se centró en la música y editó dos discos de folk delicado, complejo y hermoso que pasaron sin pena ni gloria muchas veces boicoteados por su propia autora. Tras una bronca con el dueño de su sello, Sill se alejó de la música y murió en el olvido. Hoy en día la figura de Judee Sill está siendo reclamada por diferentes artistas de renombre y su historia recuperada a través de un documental estadounidense y un cómic español. Para recuperar su música y reconstruir su vida hemos invitado al Sofá Sonoro a los autores de 'Éxtasis y redención' (Ed Norma) el guionista Juan Díaz Canales (Premio Nacional de Cómic) y al ilustrador Jesús Alonso Iglesias. 

Esta semana rompemos el formato habitual porque vamos a revisar el cartel del Festival Azkena que se celebra en Vitoria entre el 15 y el 17 junio, fechas en las que la ciudad se engalana, se viste de negro y atrae a las mejores bandas de rock. Pocos ambientes mejores que el Vitoria durante el Azkena y un año más tenemos un cartel potente con Steve Earle, Lucida Williams, Incubus o Iggy Pop, pero también con Cordovas, Reverend Paytons Big Damn Band, Calexico o Nude Party. Escucha los programas dedicados a Lucinda Williams, Iggy Pop, The Runaways, Incubus y Pretenders

Tras unos años intensos en el underground, Incubus decidió subir la apuesta con el nuevo siglo. La edición de Make Yourself supuso un paso adelante, pero también se tradujo en cartas con amenazas y mensajes llamándolos vendidos, pero el grupo ignoró todo eso, se alquiló una casa en Malibú, frente a la playa y grabó Morning View, un disco más comercial, menos ruidoso y uno de los trabajos más recordados del rock de comienzos de los años 2000. El disco captura un momento mágico de la juventud. Está marcado por la ruptura que vivió meses antes Brandon Boyd, cantante y compositor de la banda. Pero ese duelo, Boyd lo pasó frente al mar y junto a sus amigos, escapando del dolor, pero dejando cierto poso melancólico en algunas canciones.  Incubus disfrutó del proceso de creación de este disco y echó en falta algunas semanas más para escapar de la presión. Lo que sí había en aquel contexto eran ciertas dudas por el futuro. Por saber si la banda era un modo fiable para ganarse la vida o si los chicos tendrían que empezar a pensar en un plan b para sus futuros. Este disco y su enorme éxito catapultó a la banda y despejó todas esas incógnitas. Más de 20 años después el cantante de Incubus se sienta en el Sofá Sonoro para recordar ese disco y ese momento junto a Toni Castarnado y con los reportajes de Lucía Taboada.  

Esta semana Toni Castarnado nos propone recordar Morning View, el disco que Incubus editó en 2001.

Billy Joel tiene una historia fascinante, pero unos inicios duros marcados por un intento de suicidio. 

Depeche Mode se comió 1990 en dos mordiscos y ocho canciones, el impacto de Violator fue tremendo y su sonido marcó la transición entre dos décadas, pero consiguió algo más, consiguió -y consigue- seguir emocionando tantos años después y seguir presente en las radios y en las vidas de la gente. Esta semana vamos a recordar esa joya de la banda inglesa junto a Fernando y Neira y Lucía Taboada.ESCUCHA EL PROGRAMA DEDICADO AL CARTEL DEL PRIMAVERA SOUND

Los  Arctic Monkeys tuvieron un comienzo de carrera fascinante y fuera de común cambiando las reglas de juego de la industria musical y entrando de golpe en el siglo XXI con nuevas herramientas. Este verano dedicaremos un Sofá Sonoro a la banda inglesa y Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron esos primeros pasos.

Esta semana recordamos junto a Mario Tornero el apabullante directo de Aretha Franklin en el Fillmore West de San Francisco donde la cantante conquistó a los jóvenes blancos de la contracultura con un repertorio a base de temas de soul, baladas, temas religiosos y versiones de los Beatles o Simon and Garfunkel.Otros programas relacionados | TODOS LOS PROGRAMAS DEDICADOS A ARETHA FRANKLIN

Esta semana Mario Tornero, director del podcast Fruta Extraña, nos propone volver a Aretha Franklin para recordar su maravilloso directo de 1971 en el Fillmore West de San Francisco

Los artistas más fascinantes tienen una característica en común, son personas inquietas a las que el éxito no ha domado. Es fácil vivir de lo que uno ha conseguido con mucho esfuerzo y sacrificio, disfrutar de ello. Muchos lo hacen, otros, sin embargo, aprovechan su éxito para disfrutar de su vocación, de ese pequeño placer que obtenemos cuando no hay una visión económica detrás. Son muchos los músicos que lo han hecho. Bob Dylan he tenido su programa de radio, Leonard Cohen ha pintado, Alex James, bajista de Blur, fabrica quesos y Willie Nelson cultiva su propia marca de marihuana.También hay muchos músicos que han montado sellos discográficos para indagar en la música en direcciones diferentes a las que les ha hecho ricos y famosos. David Byrne de Talking Heads montó Luaka Bop donde graba músicas de distintos países del mundo. En esa categoría encaja Dan Auerbach, cantante de los Black Keys, con el que hemos tenido una curiosa charla para conocer Easy Eye Sound y su trabajo como productor de grandes artistas y de jóvenes estrellas.Desde su estudio en Nashville, Auerbach ha comenzado un proyecto fascinante que recupera las técnicas de grabación de la vieja guardia y la pasión de los grandes músicos por hacer discos de soul, rock, blues o country. Esta semana rompemos el formato habitual para hacer un curioso recorrido por esa otra cara del cantante de los Black Keys.Escucha el programa dedicado a The Black Keys

Uno de los momentos musicales más intensos, creativos y también sobredimensionados de los años noventa se vivió en Inglaterra con la explosión de decenas de bandas de distintos estilos y orígenes que dieron lugar a una revolución musical que puso banda sonora a aquellos años. En 1994 todo cogió fuerza, aquel año Blur publicó Parklife.Tras un par de discos, Damon Albarn, cantante de Blur era consciente de que su siguiente trabajo iba a colocarle en una posición clave en la música de aquellos años con una prensa ávida de héroes, pero sin compasión para enterrar a los cadáveres que se iban quedando por el camino. En 1994 Blur editó Parklife y ese disco los convirtió en estrellas.Tras el debut con Leisure y el tropiezo de Modern Life is Rubbish, la banda entró al estudio con la necesidad de dar un golpe encima de la mesa y con Parklife lo dio. La gran joya de Blur es un genial retrato de lo que era ser joven en aquella Inglaterra de los años noventa y por ello conectó con toda una generación que vivió aquella época musical con tremenda pasión elevando el pulso entre Blur y Oasis a un enfrentamiento entre opuestos.Esta semana celebramos la próxima visita de Blur al Primavera Sound recordando la obra maestra de los ingleses de la mano de Manuel Recio y Lucía Taboada.PODCAST | Un recorrido por la letra pequeña del Primavera Sound 2023

Esta semana Manuel Recio nos llama al contestador del programa para proponernos recordar una de las grandes joyas del britopo, Parklife de Blur.

Amy Winehouse fue la primera súper estrella del siglo XXI, Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron sus inicio y su descubrimiento del jazz siendo adolescente.

Hay artistas que se adelantan tanto a su tiempo que terminan fracasando con estrepito y ese fracaso los acaba condenando. Betty Davis grabó tres discos tremendos y desapareció de la noche a la mañana sin dejar rastro durante 30 años. En febrero de 2022, la cantante murió a escasos kilómetros de su hogar de la infancia.Durante poco más de un año Betty fue la mujer de Miles Davis, a Miles le cambió la ropa, la música que escuchaba, incluso el estilo. Él, solía pegarla. Betty dejó al trompetista pero se quedó su apellido. "Me lo gané durante cada día que estuvimos juntos", llegó a decir. Para Miles, según escribió años después en su biografía, Betty era una mezcla de lo que luego serían Madonna y Prince.Tras dejar al trompetista más famoso de la música, Davis se empoderó. Desde su llega a Nueva York para estudiar moda y diseño, Betty había conectado con tipos como Jimi Hendrix y había escrito para otras bandas algunas canciones, incluso había registrado algunos temas editados años después como The Columbia Years. El gran paso llegó en 1973, el primero de sus tres discos consecutivos. En 1974 publicó They Say Im Different, un disco que es su manifiesto, una colección de canciones salvajes, crudas y tremendamente sensuales.Aunque la cantante se alejó de la música sin conocer el éxito su obra y su estilo han sido tremendamente influyentes en generaciones posteriores que han reclamado su legado. Para conocer más a fondo la historia de esta fascinante mujer nos acompaña la escritora Noemi Sabugal.

Como este año el Primavera Sound abre sede en Madrid queremos aprovechar la oportunidad para salirnos del formato habitual y bucear por el inmenso cartel del festival. En este episodio en colaboración con el Primavera hacemos un viaje por esos grupos que suelen pasar más desapercibidos. De Ezra Furman a Los Hacheros pasando por Arlo Parks, Julia Jacklin o Black Country, New Road.

A pesar de llevar años en la música, Kiko Veneno llegó a los años noventa desesperado. Tras sus años en Veneno y a pesar de haber participado en La Leyenda del Tiempo de Camarón la carrera en solitario de Kiko no despegaba. A comienzos de década el músico tenía un trabajo estable y la sensación de no encontrar un público con su música. En esas decidió darse una última oportunidad, jugárselo todo con un disco.Ese fue el momento en el que apareció Santiago Auserón para acompañar a Kiko y darle ánimos. Auserón le mostró un camino y le dio confianza, suficiente para coger un puñado de canciones y un avión a Londres donde grabó Échate un cantecito, un disco que cambió su carrera, su vida y que marcó un antes y un después en el pop español gracias a esas letras canallas, a ese ritmo golfo y a ese personal retrato de la vida.El inesperado éxito del disco fue un punto de inflexión en la carrera de Kiko Veneno que acabó dejando su trabajo en lugar de la música y encontrando su hueco en el panorama pop de la España de los noventa gracias a esas canciones que se convirtieron en la banda sonora de una generación.Esta semana recuperamos la historia, contexto y sobre todo las canciones de esta joya nacional con la compañía de Arancha Moreno, codirectora de Efe Eme, y de Lucía Taboada.

Tras años curtiéndose junto a grandes artistas, The Band dio un paso al frente cuando grabaron Music From The Big Pink uno de los discos más recordados de los canadienses. Recordamos su historia junto a Ana Alonso y Lucía Taboada.

Una de las fotografías más impactante del rock de los setenta la protagonizó una chica rubia de 16 años cubierta de sangre mientras cantaba “soy una bomba rubia y lo llevo bien. Tu madre te dice que irás directa al infierno, tengo 16 y soy la reina rebelde”. Aquella chica era Cherie Currie de las Runaways. Aquella poderosa foto tomada por Brad Dawber durante la interpretación de Dead End Justice era parte del show, la sangre era falsa y salía de unas bolsas escondidas después de que la guitarrista disparase a la cantante y el resto del grupo fingiese patearla en el suelo y esa imagen es una buena muestra de aquel grupo en el que lo auténtico y lo cocinado se mezclaban en una panda de adolescentes salvajes que pusieron el punk del revés y desparecieron poco después de cumplir los veinte.El viaje de la banda resulta trepidante, de la mano de Kim Fowley, manager y productor del grupo, The Runaways fueron tomando forma guiadas por este topo siniestro que se paseaba por los locales de adolescentes de Los Ángeles buscando chicas. Con las Joan Jett, Cherry Currie y compañía dio con la tecla. Explotó su imagen adolescente, sexualizó su estética y dio el empujón necesario a unas chicas con ganas de comerse el mundo.La trayectoria de The Runaways fue breve y tuvo daños colaterales en las chicas, pero su trabajo marcó un hito y supuso una enorme inspiración para todas aquellas niñas que soñaban con tener un grupo pero que crecían sin referentes femeninos.Tras el final de la banda cada una de las chicas tuvo una historia diferente, la más decidida y la que más carrera tuvo en la música fue Joan Jett, que tras recibir mil negativas para editar sus canciones terminó montando su sello y vendiendo millones de discos, pero a pesar del agridulce final del grupo merece volver a aquellos comienzos cuando parecía que todo era posible. Para ello nos acompañan Sara Morales, periodista de Efe Eme, y Lucía Taboada.

Un puñado de adolescentes pusieron el punk de mediados de los setenta con una propuesta que enganchó a unos y provocó a otros. Esta semana recorremos el primer disco de las Runaways, una propuesta de Sara Morales

Esta semana Lucía Taboada nos recuerda cómo fueron los inicios de la banda

Cuando Alison Krauss nació Led Zeppelin ya había grabado sus cuatro primeros discos y era la banda de rock más grande del momento. Cuando Alison Krauss grabó con Robert Plant su disco de 2007 ya tenía un buen puñado de los 27 Grammy que tiene en su casa.Las uniones de artistas de distintas generaciones siempre han dado lustre a la música y suelen ofrecer grandes resultados. Raising Sand, el disco de Krauss y Plant es un maravilloso ejemplo de ello. Robert y Alison se conocieron en un programa de la cadena VH1 que juntaba músicos de distintas edades y de aquel encuentro salió la idea de hacer algo juntos. Lo que no se podía esperar es que fuese Alison la que se llevase a Robert a su terreno. El disco de country y folk de Robert Plant es una delicia, pero es Alison Krauss la que marca el ritmo, la que enseñó, como confesó Plant, a cantar al vocalista de Led Zeppelin. El resultado no podía ser mejor. El inglés rebuscó en su extensa colección de discos y fue seleccionando temas de country poco conocidos y nada evidentes a los que la pareja dio un aire nuevo.Esta semana hemos querido recordar la primera entrega de esta extraña pareja, un disco que luego tuvo continuidad en el también espléndido Raise the Roof de 2021. Para este episodio nos acompañan Toni Castarnado y Lucía Taboada.

Raising Sand es un disco maravilloso, por su historia, por su contexto, pero sobre todo por sus protagonistas. Toni Castarnado nos da sus motivos para sentar esta joya en el Sofá Sonoro.

El hijo salvaje de Steve Earle murió en plena pandemia de otra maldita sobredosis. Murió joven, pero dejó una obra enorme. Esta semana recordamos su agitado viaje musical y su turbulenta vida de la mano de Fernando Navarro.

Entre 1973 y 1979 Pink Floyd vivió una racha mágica, recuperada la banda del adiós de Syd Barrett, el grupo entregó joya tras joya. Abrió el camino su mirada al lado oscuro de la luna, luego vino Wish You Were Here y cerró la racha el proyecto más ambicioso de la música, The Wall, en esa racha eterna Pink Floyd publicó también un disco que puede considerarse menor. Un trabajo de que es una crítica a la sociedad de consumo y una mirada acida a la Inglaterra de la desindustrialización. Y todo, inspirado en la Rebelión en la granja de George Orwell.Este periodo de los años setenta es una de las etapas más interesantes de la música y en una parte de la vanguardia se encontraba Pink Floyd, que durante estos años encadenó discos de enorme éxito y tremenda influencia, pero discos también con un mensaje doble, un mensaje en las letras y en las críticas y retratos que estas hacían. Y otro en el sonido, donde el grupo rompía todas las barreras conocidas para llevar su música a nuevos lugares. Animals es sin duda un disco ensombrecido por las entregas que lo precedieron, también por lo que vino después, pero visto en perspectiva es un disco enorme que sería histórico para casi cualquier otra banda y por ello merece una mirada propia para ver el contexto en el que fue creado, entre joyas, y el sonido que presentó. Con este disco la banda inglesa se alejó de la fórmula que le había llevado al éxito y presentó canciones eternas, complejas y con una idea extraña de fondo. Todo esto coronó a la banda en plena edad de oro de punk.Para recorrer esta joya de Pink Floyd hemos invitado al Sofá Sonoro a Manuel Recio y contamos también con los reportajes de Lucía Taboada. Otros programas relacionados:El viaje al lado oscuro de la lunaPink Floyd y la construcción del muro

Decenas de bandas crearon el mito del Fillmore, una de las salas más emblemáticas de los años sesenta y donde se grabaron muchos discos en directo. Lucía Taboada nos cuenta la historia de esta sala.

En los años 70 la salsa despegó en EEUU gracias a una generación mágica de aristas, algunos emigrados, otros criados en barrios de Nueva York. Aquella hornada de artistas latinos llevó los sonidos de sus tierras al corazón de América. Entre todos ellos no hubo nadie las grande que nuestra protagonista que Celia Cruz, la gran dama de la salsa.Celia huyó de Cuba rumbo a México tras un par de choques con Fidel Castro. No sabía Celia que jamás volvería a pisar su tierra. Tras dar tumbos durante unos años la cubana llegó a Estados Unidos donde acabaría siendo la gran estrella de la música latina de la mano del sello Fania, grandes embajadores de los sonidos latinos en América, primero entre sus paisanos y luego más allá como una novedad de sonidos frescos y música alegre que sonaba tan poderosa como exótica.En 1974 llegó a las tiendas Celia y Johnny uno de los discos más exitosos del género y la carta de presentación en EEUU de la reina de la salsa. Tras una mítica actuación en en Carnegie Hall empieza a grabar junto a Johnny Pacheco, con el que editaría dos discos más después de este primer paso juntos, pero nada igualaría la magia de ese primer encuentro. El disco de Celia y Johnny es Cuba, pero también el Caribe, Colombia o México. Es fantasía, alegría y cierta morriña. Gracias al éxito de este debut, Cruz se asentó como una estrella en EEUU y comenzó una carrera llena de triunfos que la llevó a salir en Barrio Sésamo o a conocer presidentes.Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esta historia junto a Mario Tornero, director del podcast Fruta Extraña, y Lucía Taboada.

Esta semana nos ponemos salseros con el primero disco que Celia Cruz grabó junto a Johnny Pacheco y que fue su carta de presentación en los Estados Unidos, una propuesta que nos hace Mario Tornero.

Billy Preston fue uno de los grandes talentos de la música con un legado enorme, buena prueba de ellos fueron sus aportaciones a dos de las grandes bandas de los años sesenta. 

Tomas Jones Woodward era el hijo de un minero gales, un chico guapo y algo débil que pasó dos años en la cama por una tuberculosis. A los 16 se casó y tuvo un hijo. Luego se mudó a Inglaterra intentando hacer carrera en la música. Ocho años después ganó un Grammy.A lo largo de su carrera Jones ha vendido 100 millones de discos, ha sido sex symbol, estrella en Las Vegas, un chiste para los jóvenes y muchas cosas más. También fue amigo de Elvis y cantó con Aretha Franklin y Ella Fitzgerald antes de convertirse en jurado de un concurso de televisión. En 1967, dos años después de debutar a lo grande, grabó un directo en Londres que pone los pelos de punta, Live At The Talk Of The Town.A pesar de llevar una corta trayectoria a sus espaldas ese disco está repleto de joyas, una buena muestra de fulgurante comienzo de carrera que vivió Jones, que no tardó en llegar a lo alto de las listas, ganar premios o poner su voz a una de las canciones más recordadas de la saga de James Bond.Luego con los años la carrera de Tom Jones dio más tumbos. Siempre con buenos contratos, el galés bajó al barro de Las Vegas, donde muchas carreras se pierden. Pero cada vez que su figura languidecía, el cantante ha habido regresar con alguna sorpresa y cuando se ha atascado más no ha tenido problema en reírse de sí mismo.Se necesitarían varias horas de radio para abarcar la intensa carrera de Tom Jones, nosotros hemos querido centrar el programa en ese mágico directo que contiene toda la esencia del galés y lo hacemos con la compañía de Javier Márquez y Lucía Taboada.

'Rumours' es uno de los discos más vendidos de la historia de la música, también uno de los más morbosos, caóticos y geniales. Recuperamos la emisión del episodio que dedicamos a la obra maestra de Fleetwood Mac

A finales de los años 60 un tipo de origen latino, al que le habían jurado que no llegaría a nada a la música, puso el mundo del revés dando al rock un nuevo color.En 1970 y tras su presentación en Woodstock, Santana llegó al número 1 en EEUU con Abraxas derribando muchas barreras y techos de cristal para los artistas latinos. El viaje de Santana resulta apasionante y su música marcó un nuevo rumbo abriendo el rock a nuevos instrumentos y tonalidades.Con Abraxas Carlos Santana lanzó su carrera, una carrera intensa, brillante, larga y tremendamente influyente. Su forma de tocar la guitarra y de crear nuevas tonalidades dejó una huella inmensa en la música.La primera década de la carrera de Santana resulta trepidante, pero para este episodio nos hemos querido quedar con Abraxas por todo lo que significó. Para este episodio nos acompañan Fernando Neira, periodista de El País, Igor Paskual, con su análisis de la técnica del guitarrista, y Lucía Taboada con sus reportajes.Programas relacionados: El mito del festival de Woodstock

Esta semana Fernando Neira nos deja en el contestador de Sofá Sonoro una propuesta irrechazable, Abraxas, el álbum con el que Santana llegó al número 1 por primera vez. 

Esta temporada dedicaremos un episodio a Celia Cruz y su irrupción en EEUU, para este programa Lucía Taboada nos cuenta los orígenes de Cruz y su pulso con el mandatario cubano. 

No hay tipos en la música británica que hayan tenido un peso tan grande como el que tuvo John Mayall en los años sesenta, por sus bluesbrakers pasaron, uno tras otro, guitarristas que acabaron teniendo un impacto enorme en el rock de los años sesenta y setenta.En apenas dos años, los que van desde 1966 a 1968, John Mayall publicó cinco discos enormes, álbumes de un blues poderoso y enérgico. En aquellos discos, Mayall dio la alternativa a una nueva hornada de clavales: un Eric Clapton de 21 años, los chicos de los primeros Fleetwood Mac, con 20 años, y el talentoso Mick Taylor, con 18. Todos brillaron con John y todos lo dejaron poco después por nuevos proyectos.Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recorrer esta etapa de la carrera de Mayall junto a Ricardo de Querol y Lucía Taboada.Escucha el episodio dedicado a Cream | SPOTIFY | APPLE 

Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar junto a Ricardo de Querol los discos de John Mayall en esa etapa mágica en la que tuvo de guitarristas a Clapton, a Peter Green y a Mick Taylor. 

La irrupción de Carlos Santana en la música fue a lo grande, al poco de formar la banda estaba actuando en el festival de Woodstock, donde ofreció uno de los mejores conciertos del mítico evento. Poco después llegó Abraxas, su primer disco en llegar al número 1. Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los primeros pasos del guitarrista.

Tras un debut que no cumplió con las elevadas expectativas y tras un reajuste en su sello, Quique González se vio de pronto en la calle, sin plan y viviendo de los derechos que le había generado Aunque tú no lo sepas. Aquella situación que debía ser transitoria y breve se fue alargando en el tiempo."Si hubiera estado tres o cuatro años sin publicar Salitre, en lugar de dos, hubiera tenido que currar en algún sitio. Eso hace que te distraigas del mundo de las canciones, adquieres otras obligaciones, etc. Sí tenía la sensación de que quizá se me pasaba el tren", cuenta el músico en el libro de Arancha Moreno.Durante ese tiempo Quique dio muchas vueltas y fue dando forma a sus canciones. Cambió de mánager y se quedó como único socio con Carlos Raya, productor del disco. Finalmente el mismo sello que le había despedido lo contrató para editar las canciones, en formato maqueta de Salitre 48 y la vida de Quique González se recondujo hacia la música, hacia esa apuesta sin plan B que el compositor había hecho.Esta semana recorremos esas canciones, esa historia y el contexto de toda aquella aventura con Arancha Moreno, autora del fabuloso Conversaciones con Quique González.