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Aburridos de que la radio se haya convertido en un estándar que ofrece siempre los mismos productos testados, con programas completamente encorsetados, llenos de promoción pagada y locuciones rayanas en la doctrina y la linealidad más plana, hemos decidido terminar esta temporada de masalladeorionradio devolviéndole a este medio a su primordial origen: una radio libre, sin formato, en la que cada participante interprete los personajes que desee sobre un hilo musical que dirija, por una vez, todo su contenido hacia donde tu quieras.

Es difícil encontrar a un artista que deseé homenajear sus admiraciones a través de una versión. Al versionar se demuestra empatía, humildad y destreza. Un combinado imposible de rechazar si sabes lo que te conviene en este mundo de apariencias. Ahora bien, nadie te puede decir cómo debes “homenajear” a tu músico de referencia, y esta es una decisión importante, que puede marcar el resto de tu trayectoria artística, dado que a la misma distancia puede quedar un elogiado de uno víctima. Si eres músico y puedes decidir, reflexiona cuanto antes sobre cuánto sobre la famosa frase “Kill Your Idols”. Si, en cambio, sólo eres usuario de música; relájate y disfruta de una hora de versiones, inversiones y perversiones en el Rock. Listado de canciones: Todd Rungren´s Utopia: "I Just Wanna Touch You" Cream y David Bowie: "I Feel Free" Chicago y Astrud Gilberto: "Beginnings" Procul Harum y Zucchero: "A Salty Dog" Fraz Xaver Gruber y Can: "Silent Night" Metallica y Pat Boone: "Enter Sandman" Led Zeppelin y Frank Zappa: "Stairway To Heaven"

Es evidente que no todos los músicos son poetas o escritores. Y sabemos de buena tinta lo complejo que resulta encajar una buena letra en una canción. De hecho, el sentido de una letra suele ser una de las preguntas más recurrentes cuando se entrevista a algún artista y, también, uno de los elementos más atractivos a la hora de acercarse a su música. No obstante, el programa de hoy no se centrará en aquellos letristas crípticos cargados de poesía y profundidad. Más bien, en los otros... esos artistas de éxito cuya parte lírica, en ocasiones, dejaba en evidencia sonrojantes carencias poéticas, evidentes faltas de sensibilidad o, directamente, diarreas mentales inclasificables.

Existen dos formas de homenajear a un artista: el plagio y la versión. Y pese a que las dos acaban por resultar igualmente caras; la opción del cover es infinitamente más noble. Músicos de rock and roll de los años ´50, como Chuck Berry o Little Richard, han prestado su repertorio a infinidad de músicos que deseaban demostrar, a través de su interpretación, un acercamiento ideológico con un estilo. Otros, como Bob Dylan, casi parecían hacer el boceto para que lo acabaran otros. Al versionar, el intérprete conecta de forma espontánea con la energía que genera un artista. Si éste es de éxito, algo empuja a creer al público que el homenajeante tiene las miras altas. Cuando no lo es, como por ejemplo hacía Nirvana, puede estar deseando volver a formar parte de una escena underground algo más pura. En ambos casos, los artistas y el público, se retroalimentan de una fantasía enigmática muy parecida a un guiño o un santo y seña. Ahora bien, cuando la versión supera al propio original y pasa a formar parte ineludible de su repertorio, se produce el más curioso de los fenómenos en la música; el de la sublimación. Hoy trataremos 10 versiones a lo largo de la historia que, a nuestro juicio, superar con creces al original.

El actual criterio “comercial” de música se debe a patrones sobreexplotados que, muchas veces, derivan en plagios inconscientes o en rendiciones muy cercanas al homenaje, y la aceptación de estas canciones depende de la cultura del escuchante o la popularidad del artista que las interpreta. En ocasiones, algunos músicos recurren a piezas clásicas para inspirarse, creyendo que esas obras son ya de domino público; pero el susto llega cuando esas piezas aún conservan derechos de autor o alguna poderosa sociedad de apreciación del original reclama la acreditación del intérprete plagiado. Hoy en día es más complicado ser un artista vendedor y original, porque el gusto llamado “comercial” permite cada vez menos transgresiones. Además de que el actual sistema de “robotización” de los artistas, a través de los artilugios de la producción, ha llegado a un punto en que los ha dejado reducidos a entelequias. Figuraciones de ciencia ficción, de muy difícil reproducción sobre un escenario, sin el uso de docenas de aparatos que los apoyen para hacerlos creíbles. Lo que convierte en unos corderitos a muchos eminentes plagiadores del siglo XX. En el programa de hoy volveremos al tema de los plagios con un puñado de avispados ladrones de melodías.

Decía Albert Einstein que “El secreto de la creatividad es saber cómo ocultar tus fuentes“. Y hasta el propio Lennon reconocía que el secreto de los Beatles era deformar tanto una canción de otro hasta que nadie se diera cuenta de donde venía (algo que Harrison olvidó hacer en My Sweet Lord). Muchos países establecen que tiene que haber una coincidencia entre seis u ocho compases seguidos para haber plagio. La Universidad de Londres llegó incluso a desarrollar un software capaz de analizar cosas como el ritmo, el tono, la cadencia o la melodía para luego compararlas y descubrir los hurtos. No obstante, en España, le ley es más ambigua y abierta a la interpretación: "se prevé que hay plagio cuando un autor se apropia de la esencia de una canción", con lo que, tal vez, ésta máquina no serviría de mucho. El plagio es un delito y, por lo tanto, está tipificado en el código penal. Y para que el plagiador sea considerado responsable es necesario que haya dolo, es decir, intencionalidad, por lo que la estrategia de muchas defensas consiste precisamente en demostrar que la copia fue inconsciente. Algo que tampoco evitará pagar en concepto de "inspiración". Hoy día, gracias a internet, el acceso a las canciones es prácticamente ilimitado, lo que hace que las acusaciones de plagio se estén disparando por un problema múltiple que incluye: la falta de conocimientos musicales, el agotamiento de los patrones clásicos como son el blues, el pop o el rock o un ejército de tecnócratas que nada tienen que ver con los músicos; pero que viven muy bien a costa de ellos. Hoy en mas alla de orion repasaremos algunos de los casos de plagio más bochornosos de la historia.

La ciencia sugiere que las creencias religiosas habrían surgido como una extensión natural de avances evolutivos desarrollados en la cognición social y el comportamiento. Así, con el paso del tiempo, los mismos cambios en el volumen del cerebro que permitieron al ser humano demostrar empatía hacia otros individuos, podrían haber posibilitado también la aparición del sentimiento de relación íntima con entidades sobrenaturales y, en consecuencia, la emergencia de las religiones. Usar en la misma frase ciencia y religión le ha costado el pellejo a más de un osado, no obstante, si en vez de la palabra ciencia, usamos música; la cosa cambia. Me gusta pensar que los mismos engranajes que nos han llevado a creer en entidades superiores, también nos han desarrollado la comunicación musical y además de los temas cotidianos, la crítica social o el amor, del mismo modo el ser humano siente la necesidad de expresar a través de la música su propio devocional sobrenatural. Hoy en Más Allá de Orión repasaremos algunas de las canciones y artistas más comprometidos con sus referentes religiosos. Algunos desde el éxtasis…otros, en cambio, desde la paranoia o la urgencia. Listado de canciones. 1- Jesus Chris super star –Hossana 2- Bob Dylan –Gotta serve somebody 3- Elecric Prunes –David Axelrod- Keley Elefson 4- George Harrison –My sweet lord 5- Cat Stevens –Yusuf Islam- All is for Allah 6- The Osmonds – Last Days 7- The Byrds –The Christian life (version de the louving brothers, Ira y Charlie Louving) 8- The Doobie Brothers –Jesus is just alright 9- Eric Clapton –Blind Faith- In The Presence of The Lord 10- John Lennon –God-

En la primera parte de "Dioses Negros en Olimpos Blancos", hablamos sobre cinco artistas negros, muy característicos del mundo de la música estadounidense, que se vieron estereotipados o afectados por el imperante racismo de los USA. En esta segunda parte, repasaremos además, junto a Carmelo Hernández, algunas etiquetas, aún más específicas, de la situación de los músicos negros en un mundo eminentemente blanco. Artistas como Billy Holliday, Sly Stone, Michael Jackson, Marvin Gaye o Gil Scott-Heron.

"Lo cierto es que nunca se ha hecho un esfuerzo real por cambiar los prejuicios racistas imperantes en EEUU" (Ibram Kendi. Director de políticas e Investigación contra el racismo de la American University) Muchos, al leer la frase, habréis pensado en Obama y, seguramente, estaréis susurrando: "cómo puede ser racista un país que ha tenido un presidente negro"; pero esta reflexión lleva a una nueva fórmula de racismo pues los votantes de Obama pueden seguir teniendo una mala opinión de la comunidad negra y , a su vez, aceptar a gente como él porque les parecen diferentes, reciclados...blancos en el fondo. Mucho se habla (y se ha hablado) del racismo de EEUU: un país construido sobre principios bíblicos que ha llegado a considerar la esclavitud racial casi una virtud. Y los más críticos han sido casi siempre ellos mismos: en su cine, en su música o en sus documentales; pero la realidad es que, pese a las buenas intenciones de su autocrítica, poco se ha conseguido hasta la fecha. Hoy repasaremos la vida de cinco músicos negros (Robert Johnson, Jimi Hendrix, Arthur Lee, Miles Davis y Donny Hathaway) cuyas obras son un testimonio fidedigno de esta primera entrega de "Dioses Negros en Olimpos Blancos".

Sorprende comprobar que hace ya 50 años del lanzamiento del fundamental primer disco de los Doors; pero aún sorprende más ver cómo ha cambiado todo desde entonces. Tanto que, en ocasiones, creo que una banda como ellos hoy no interesaría a absolutamente nadie, (también lo creo de otros artistas como Mike Oldfield o Steely Dan), porque algunos músicos son completamente el producto de su generación, y esta, simplemente, no parece necesitar a unos Doors. The Doors comenzaron su carrera como un grupo de agitación en un entorno social iracundo cuyo principal foco de entretenimiento y expresión era la música. Una época convulsa en la que la protesta y los líderes magnéticos, como Jim Morrison, ofrecían poderosas soflamas, no sólo sociales, sino también vivenciales, sumiendo a su público en potentes delirios no exentos de ciertos fanatismos. A día de hoy, poco queda que no haya sido engullido ya por el conservadurismo imperante y la egomaníaca industria del disco. Poco queda de su reflexivo mensaje existencialista, transformado ya en un icono melifluo para rebeldes de salón, de su trayectoria con sabor a tragedias griegas o de su legendaria escenografía, más cerca del teatro de la crueldad de Antonin Artraud que de la de un borracho a la deriva; curiosamente, la que se ha prevalecido después de todo. Esta tarde, en más allá de orión, repasaremos a los Doors en su visión más chamánica y existencialista, desmontaremos algunos mitos en torno a la banda y repasaremos la desastrosa continuación del resto del grupo tras la muerte de Jim Morrison.

Es curioso como algunos estilos minoritarios de otros tiempos son ahora fuertemente aceptados. Es el caso del punk-rock o el hip-hop. No obstante, de todos los estilos que se han podido mejorar o hacer más del gusto popular, uno me llama particularmente la atención. Se trata de un tipo de rock-progresivo que fue, dentro del propio género, el menos popular de todos. Un tipo de música iconoclasta que mezclaba folk, jazz, clasicismo y experimentación y que no encontró continuación por la dificultad que entrañaba situarlo en algún género o justificarlo en las listas de éxitos. Lo que hoy escucharemos es a tres representantes de este subgénero del rock progresivo: Gentle Giant, los españoles Fusioon y sus actuales estandartes: Field Music. La complicada sencillez de un estilo único…

Muchas veces olvidamos que las genialidades creativas son, tal solo, el producto de un momento. La mayoría de veces debido a la casualidad y, casi siempre, irrepetibles. Cuando suceden, y sólo si son realmente buenas, suelen tener una repercusión mínima, otras, en cambio, son el producto de muchas horas de trabajo y varias cabezas pensantes, reunidas, como no, por el destino insondable. El caso de hoy, reúne todos estos ingredientes: Television. La banda neoyorkina más famosa en las composiciones de otros músicos que, por otra parte, supieron sacar buena semilla la fabulosa simiente de estas flores de un solo día.

Alguien dijo una vez que escribir sobre Gram Parsons era una locura; y estaba en lo cierto. Su biografía es una mezcla entre una obra de Tennessee Williams, una novela de Hunter S. Thompson y una película de Terry Gilliam. El bello y millonario heredero de un imperio industrial situado en Florida que, contra todo pronóstico, eligió buscar su destino en la música empujado por un desconcertante amor por la música country. No fue un músico muy prolífico, ni siquiera demasiado famoso en su época; pero al igual que otros que nos visitaron para enseñarnos su verdad, el tiempo, lo acabó ubicando en el Olimpo de los dioses, unos dioses de carne y hueso, cuyas vidas, breves y azarosas, estuvieron marcadas por el talento y la maldición a partes iguales.

Como final de la temporada, y de Más Allá de Orión como programa semanal, quiero despedirme hoy con una de mis bandas españolas fetiche. Uno de los grupos más sensacionales e influyentes que ha dado nuestro país y un apetitoso caldo de criterio y personalidad que, definitivamente, ha sido único dentro del panorama musical nacional y latino. Es para mí un honor decir adiós al año, a la temporada y al programa con Radio Futura. 1.veneno en la piel 2.estatua en el jardin 3.escuela de calor 4.la ley 5.no tocarte 6.el tonto simon 7.a cara o cruz 8.escuela de calor (directo) 10.mercuriana 11.si me dejas solo 12.corazon de tiza

No existe una definición clara para expresar lo que es el existencialismo, por lo que, normalmente, se hace referencia a las frases de sus propios desarrolladores: “Dios ha muerto” de Nietzche, “debo encontrar una verdad que sea verdadera para mí” de Kirkegaard, “el-ser-en-el-mundo” de Heidegger, “Yo soy yo y mi circunstancia” de José Ortega y Gasset o, mi preferida, “no hay más que un problema filosófico serio: el suicidio”, de Albert Camus. El existencialismo es una corriente filosófica de finales del siglo XIX y principios del XX que se posiciona en la experiencia existencial del hombre. Su propia existencia como idea. Y sus conclusiones van desde la misantropía al absurdo. En la literatura, libros como la Metamorfosis de Kafka han definido muy bien esta corriente de pensamiento, también el cine lo hizo en el Séptimo Sello de Ignmar Bergman. En la música, esta filosofía cautivó a una buena parte de la juventud agobiada de los años ´60 a los ´90. Hubo muchos representantes como fueron The Doors, The Stooges o incluso Miles Davis; pero ninguno fue tan paradigmático como lo fueron Joy Division. 1-Love will tear us apart 2-Disorder 3-Day of the Lords 4-She lost control 5-Isolation 6-Colony 7-The Eternal

Tras la debacle mental de su compositor y creador, Syd Barret, Pink Floyd entraron en un bache creativo que les llevó a moverse entre diferentes sesgos musicales para encontrar un acomodo personal y creativo donde pudieran desarrollarse mejor. El periodo transitorio que les lleva de 1968 a 1972 está cargado por el pánico al fracaso, la sombra indeleble del malogrado Barret, una experimentación arriesgada y la búsqueda de un discurso nuevo que sus limitadas facultades les pudiera proporcionar. Pese a que es imposible decir que no lo consiguieron, este trance no fue en absoluto sencillo para ninguno de ellos, que veían como la que ahora es una de las más grandes bandas del mundo, pendía de un hilo a cada nuevo disco que editaron hasta la llegada de The Dark Side of The Moon en 1973. El disco que les haría eternos.

La fama, según contaba Robert Fripp, va de lo familiar a lo universal. La de Los Beatles, sin lugar a dudas, alcanza un rango galáctico, no sólo por su eterna música, que ha influenciado a todos los músicos del planeta, o por formar parte del Disco de Oro que Carl Sagan envió al espacio junto a nuestro ADN para contactar con otras civilizaciones extraterrestres, sino por la inclasificable pasión que aún despierta su icono. Los Beatles son la banda definitiva gracias a su intrahistoria; plagada de misterio y de leyenda. ¿Realmente murió Paul MC Cartney y fue sustituido por su actual imitador William Campbell o Faul, como le llamaron sus antiguos compañeros de banda, ¿Realmente tocó la batería Bernard Purdie en 21 de las mejores canciones del grupo y se compró su silencio a base de jugosos cheques? ¿Realmente se volvieron a juntar en 1976 bajo el nombre de Klaatu? ¿Son ciertas las declamaciones de sus discos puestos al revés, y las de sus míticas y legendarias portadas? ¿Es verdad que se recuperó un disco suyo de otra dimensión en la que aún continuaban juntos? Son tantas las fábulas y mitos en torno a esta banda que su escucha, además de imprescindible, se vuelve el perfecto guion para una serie aún no filmada de David Lynch. Hoy en Más Allá de Orión recuperaré una de sus viejas leyendas. El mítico doceavo disco que James Richards recuperó de otra dimensión para añadir una muesca más en la culata de un rifle inmortal llamado, The Beatles. Bienvenidos a Everyday Chimestry. Listado de canciones: 1.-‘Four Guys' 2.-‘Talking To Myself 3.-‘Anybody Else' 4.-‘Sick To Death' 5.-‘Jenn' 6.-‘I'm Just Sitting Here' 7.-‘Soldier Boy' 8.-‘Over The Ocean' 9.-‘Calling Occupants Of Interplanetary Craft 10.-‘Saturday Night'

1997 fue el año que decidió los siguientes veinte de música popular. Hoy, ya en 2017, las cosas no han cambiado mucho: boys bands, girl power, pop de almibar, rock americano de guitarrazo, hip-hop, brit-pop conservador y viejas glorias momificadas. No obstante, una banda de brackbeat y bigbeat (lo que también se conoce conoce como música electrónica de baile o techno), aportó la última idea fresca en un disco imprescindible que, lamentablemente, también fue el último que hicieran. Esta es la historia y la música de Alex Gifford y Will White: The Propellerheads. Listado de canciones: 1-Take California 2-Velcet Pants 3-History Repeating 4-Goldfinger 5-Cominagetcha 6-Bang On 7-Crash! 8-You Want It Back 9-Spybreak!

Para copiar a alguien con dignidad hay que saber al menos tanto como el copiado. Esta es la ecuación por la que se rige el encorsetado mundo del rock and roll. Si copias, debes tratar, al menos, de que tu homenaje parezca creíble por tus aptitudes musicales. Lo que se entiende perfectamente cuando alguien intenta definir a su banda favorita haciendo un compendio de otras parecidas; pero sin perder la fe en el grupo que trata de definir. La cosa cambia cuando el artista copiado es usado como una plantilla sobre la que se crean cosas nuevas. Son pocos los músicos que han conseguido trascender a la referencia para convertirse en un método; y uno de ellos va a ser el que escuchemos esta tarde en Más Allá de Orión. Bienvenidos al mundo sinfónico-onírico-psicotrópico de David Axelrol. 1 Holy Thursday 2 For what it's worth – lou Rawls 3 The Human Abstract 4 DJ Shadow – Midnight in a Perfect World 5 The mental traveler 6 Eminem – Any man 7 1000 rads 8 Black Eyed Peas – Falling Up 9 The Edge 10 DR DREE FEAT SNOOP DOGG– THE NEXT EPISODE 11 Song of innocence 12 Marcy Gray – I try 13 The Sick Rose

En los últimos años, las tecnologías de escaneos cerebrales han madurado de tal forma que hoy nos permiten abordar preguntas que han estado allí por milenios. Pertenezcamos o no a un credo, es innegable que la religión ha sido una de las más importantes fuerzas configurando al ser humano y la sociedad a través de los tiempos. Hoy la cuestión religiosa la abordaremos desde la música. Se dice que el fervor religioso mueve las regiones cerebrales que también activan el sexo, la comida basura, las drogas, el juego o la música. Lo que ahora mismo estáis pensando todos y todas es que sería increíble mezclaras todas de algún modo. Pues bien…hoy en Más Allá de Orión lo vamos a hacer con los Electric Prunes.