Sala de Museu

Nuno Silas (MZ, 1980) é um artista multidisciplinar que desenvolve o seu trabalho entre Portugal, a Alemanha e Moçambique, de onde é natural. Questiona os princípios de identidade, reparação, exploração, num conjunto de propostas artísticas onde se incluem e enquadram diferentes tecnologias, que vão do uso de recursos endógenos ao som, passando pela performance. Por estes dias em residências artística em Vila Nova de Cerveira, falamos sobre o passado, o presente o futuro, sobre a sua formação na ESAD das Caldas da Rainha, sobre os projetos na Alemanha e sobre como Moçambique está sempre no inconsciente de tudo o que produz. Falamos de racismo, de descriminação e do papel da arte para a construção de uma sociedade mais reflexiva, livre, igual. Conheçam o Nuno Silas e visitem, até 24 de fevereiro de 2024, a exposição que tem patente em Vila Nova de Cerveira.

Marta Bernardes (PT, 1983) é atualmente responsável pelo departamento transversal de educação e mediação cultural dos museus e bibliotecas da Câmara Municipal do Porto, do Museu da Cidade. O seu trabalho e perfil já me tinham sido elogiados mas só, muito recentemente, nos cruzamos. Não tive dúvidas de estar perante uma daquelas pessoas que vai mudar o mundo, que o tornará num lugar melhor para todos nós. A sua formação inicial é em Belas Artes mas os estudos levam-na em viagens por outras paragens, descobrindo os livros, a escrita e outras áreas de interesse em que se vai dividindo em papéis, mantendo o propósito. Esta foi uma conversa sobre uma história de vida capaz de nos inspirar e sobre alguém com quem seríamos capazes de conversas horas a fio.

O "Baluarte_exposição de arte urbana" revelou-me alguns nomes femininos, muito relevantes, da arte urbana portuense. RAFI die Erste (ou Teresa Rafael) foi um desses casos, tendo um papel determinante no desenvolvimento desta expressão artística no Porto e no país, considerando que era sua a primeira loja de grafiti que a cidade do Porto teve. Estudou ballet e arquitetura mas foi na arte urbana que encontrou o seu espaço de expressão. A sua pintura recupera da memória o sentido, revestindo de semiótica, sendo um exemplo de autorrepresentação e da dupla exposição que esse facto traz ao espaço público enquanto cenário. Descubram-na e, estou certa, passarão a descobri-la nas paredes e muros da cidade.

MURA, pseudónimo de Giuliana Yoshimura (BR, 1998), é outra das artistas que protagoniza o "Baluarte: exposição de arte urbana" que, por estes dias, é assunto no antigo Quartel de Monte Pedral, no Porto. Natural de São Paulo e descendente de família italiana e japonesa, foi na cidade grande que começou a ocupar o espaço público com as suas pinturas, incentivada pela mãe que é uma das mulheres da família que a inspira. Depois de se formar em Arquitetura no Brasil, vem para Portugal continuar estudos Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, acabando por, facilmente, se integrar na comunidade de artistas urbanos da invicta. Hoje, as suas pinturas de inspiração floral são já uma marca da cidade. Nesta conversa fala-nos dos desafios de ser mulher e artista urbana e leva-nos, através da música, numa viagem até ao seu Brasil.

Hazul Luzah (PT, 1981) é um dos protagonista da cena artística urbana da cidade do Porto, com os seus murais de figuras isotéricas a preencherem diferentes espaços da cidade invicta. Dono de um alfabeto pictórico inconfundível, o artista desperta para a cultura urbana ainda em finais da década de 1990 através do hip hop que cedo o faz descobrir a sua própria forma de expressão: a pintura. Atualmente é também consultor da Ágora, estrutura da Câmara Municipal do Porto responsável por grande parte da programação cultural e de evento, e foi nessa condição que nos reencontramos no âmbito do "Baluarte, exposição de arte urbana" , iniciativa sobre a qual também falamos neste episódio que vos convidamos a ouvir.

João Alexandrino Silva (PT, 1981), conhecido como JAS, desperta para as artes plásticas e visuais na emergência de mudar o mundo e de se conectar com tudo aquilo que está para lá da tragédia e da banalidade do quotidiano. Com formação inicial em design, acaba por encontrar nas expressões artísticas underground a sua primeira essência, passando depois para as experiências coletivas e para práticas em que o desenho e o gesto são a base do desenvolvimento de formas e narrativas. A obra de JAS não se descreve pela utilização de apenas um suporte, pela pluralidade, influenciado pelas viagens, pela natureza e pelo amor. Uma entrevista que é retrato de um experiência de vida e dedicação total à Arte.

Conheci-o antes de o conhecer, pessoalmente, e, talvez, antes de me saber a mim mesma na plenitude deste exercício da curadoria que me apaixona. Uma amiga comum ofereceu-me uma obra dele como prenda de casamento. Esse casamento, o primeiro, já lá foi, mas fiquei com a obra até aos dias de hoje e teria que esperar pela minha chegada à zet gallery para trabalharmos juntos. José Augusto Castro (PT, 1962) desenha, pinta, porque não há como fazer evitar. O atelier é parte da casa e o ato de criar é parte dele. O quotidiano é uma fonte de inspiração. Os objetos que ocupam os espaços da casa, a música que é a primeira decisão do tempo de atelier. Depois acontece a experiência transcendental do desenho, do gesto, da cor, de celebrar no suporte a experiência do que é a Arte, encontro pessoal e utópico consigo mesmo. José Augusto Castro divide o tempo com a atividade docente que é uma das suas causas e, atualmente, vive a experiência de a filha também ter escolhido carreira artística. Tantas gentes num homem só e o tudo que se traduz na pintura e que, em parte, nos permitiu descobrir nesta conversa.

Sandra Baía (PT, 1968) explora, nas suas criações, os limites da perfeição e do erro, da beleza absoluta e da falha, da cicatriz. Trabalhando, fundamentalmente, com materiais de génese industrial, a artista, que começou na pintura, produz objetos de base escultórica em que a cor ocupa um lugar de poesia. Sandra Baía inicia o seu percurso profissional na moda, chegando depois à prática artística. Mas está tudo ligado e, nesta conversa franca e sincera, conta-nos muito sobre os pontos aparentemente soltos de uma história de vida que, juntos, fazem dela a enorme artista que é hoje.

Conheço o trabalho da Ana Vidigal (PT, 1960) talvez desde o primeiro dia de descobrir que era no mundo dos museus, das exposições, da arte contemporânea que queria ser feliz. Ana Vidigal está entre as artistas premiadas nas primeiras edições da Bienal Internacional de Arte de Cerveira e sobre ela, sobre a sua obra, escrevi algumas vezes. Conhecê-la foi como conhecer um ídolo, alguém que faz parte do nosso imaginário. Nesta conversa viajamos até às suas memórias e referenciais, até aos primeiros dias iluminados dos bons professores e das avós que têm arquivos que contam estórias. Poderíamos ter conversado horas a fio, sendo esta a síntese possível de um encontro face a face tantas palavras depois.

Lígia Fernandes (PT, 1985), Mariana Santos (PT, 1995) e Nicole Sánchez (PT, 1978) cruzaram-se tendo em comum a forma como o exercício da memória é a base dos seus processos criativos. Trabalharam juntas numa residência artística, partilhando e discordando de visões mas, sobretudo, acreditando no poder da intervenção artística para a transformação dos territórios. Fica agora a segunda parte da conversa, mais focada no LEPAC, projeto que aconteceu no Bairro da Tabaqueira, em Sintra.

Lígia Fernandes (PT, 1985), Mariana Santos (PT, 1995) e Nicole Sánchez (PT, 1978) cruzaram-se tendo em comum a forma como o exercício da memória é a base dos seus processos criativos. Trabalharam juntas numa residência artística, partilhando e discordando de visões mas, sobretudo, acreditando no poder da intervenção artística para a transformação dos territórios. Escutem aqui a primeira parte de uma conversa com estas três incríveis artistas.

Joana Rego (PT, 1970) fez-se como artista com uma formação que passou pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, mas também por um mestrado em São Francisco (EUA). Muito cedo a sua visão do mundo alargou-se, ampliou-se. Isso fez toda a diferença e, ao longo de toda a sua carreira, tem também exercido funções como docente no ensino superior. O seu trabalho gosta da palavra e das suas mensagens, explora os limites do desenho e respeita a cor e os seus modos. Nesta conversa, viajamos juntas. Deixo-vos com mais uma enorme artista!

Ricardo de Campos (1977) é natural de Monção, município raiano do Alto Minho e é a partir dessa geografia que traça um percurso de resiliência por uma carreira artística, não resistindo ao que lhe é intrínseco. A sua obra trabalha nos limiares da figuração e da expressão, mantendo detalhes do que observa, focando-se em temas que, ao longo dos anos, vão da religiosidade ao papel da mulher, passando pelos ambientes em construção/demolição. As artes foram o primeiro instinto mas não a primeira escolha. Contudo, depois de uma formação plural, conclui mestrado em Arte Contemporânea - Criação e Investigação na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Vigo (Pontevedra). Atualmente, conta com dezenas de exposições, individuais e coletivas, em Portugal e além-fronteiras, prémios e outras vitórias. Trabalha também como programador e curador, sendo um dos ativistas de uma nova geração de agentes culturais descentralizados. Conheçam-nos nesta conversa :)

Lauren Maganete (PT, 1970) é natural de Bragança e começou por se licenciar em Gestão e Administração de Empresas, no Porto. A fotografia não foi o primeiro impulso mas terá sido o tal amor para a vida toda. Começou por fotografar eventos e, muito concretamente, espetáculos e todas as artes do palco. É na capacidade de captar o instante de cada expressão e/ou movimento, que se descobre como artista. Começa a expor e, desde então, são já dezenas as exposições individuais e coletivas, como também já acumula prémios e um reconhecimento por parte de críticos, curadores e colecionadores. Mas, acima de tudo, Lauren Maganete é, para mim, uma velha amiga, uma amiga verdadeira e alguém com quem partilho uma parte considerável da minha própria história. Nesta conversa falamos sem regras, sem urgência de futuro. A música contou o que as palavras esconderam.

Francisco Vidal (PT, 1978) nasceu em Oeiras, tendo ascendência Angolana e Cabo Verdiana. A sua obra tem, simultaneamente, a energia e o horizonte africano, sendo simultaneamente de um expressionismo e cosmopolitismo ocidental. Artista marcado pelas viagens e experiências internacionais, com passagens por Berlim ou Nova Iorque, domina o desenho, a essência da palavra e codifica o trabalho com os números e, sobretudo, as suas utopias. Nesta conversa, falamos sobre a sua "Escola Utópica", sobre as experiências de projetos de comunidade como os que dinamizou em Timor e, mais recentemente, em Vila Nova de Cerveira, com portadores de deficiência. Questionamos a normalidade e afirmamos o poder da arte, com a música sempre presente, os sons do rio Minho e a memória presente registada pelo pincel.

Luís Canário Rocha (PT, 1986) nasceu em Guimarães e é na cidade berço que tem ateliê e desenvolve a sua larga atividade associativa. É, de resto, alguém que se revê nas dinâmicas do coletivo e que entende que a união faz a força. Formado na Faculdade de Belas Artes do Porto, é a pintura que primeiro o encontra e, com a descoberta do palco, as suas obras expandem-se para a terceira dimensão: esculturas, instalações, espaço público. Artista da palavra, da acumulação e da reutilização, Luís Canário Rocha está em clara ascensão, na afirmação de uma linguagem que tem já um alfabeto, uma paleta e, sobretudo, uma intenção.

Manuela Pimentel (PT, 1979) é um caso raro de talento combinado com sorriso, genuinidade e uma entrega absoluta à Arte. No espaço único do seu atelier, em Matosinhos, conversamos sobre o caminho, sobre as viagens e os encontros e de como a rua invadiu o atelier e se tornou no motivo do trabalho. Voamos até Moçambique, ao Brasil e a muitos sonhos, já concretizados e por concretizar, no que defino como um dos momentos bonitos que vivemos com a Arte.

Marta Mestre (PT, 1980) é diretora artística do Centro Internacional de Artes José de Guimarães (CIAJG). Francisco Neves (PT, 1984) é Diretor de Educação e Mediação Cultural d' A Oficina. Juntaram-se numa conversa sobre os desafios dos museus de arte contemporânea e, nomeadamente, sobre o CIAJG. Marta Mestre, que trabalha entre Portugal e o Brasil, trouxe-nos as suas referências, falando-nos de escalas, públicos, curadoria e de como tudo se cruza com pensar o território e agir sobre ele. Deixamo-nos levar pelo embalo, nesta que foi uma partilha rica e feliz. Não percam!

Sofia Beça (PT, 1972) conhece o barro melhor, sabe os segredos da cerâmica e, das suas mãos, sai a magia inteira da transformação da matéria em Arte, da terra em artifício belo. Em 1992, concluiu o Curso Técnico-Profissional de Cerâmica da Escola de Artes Decorativas Soares dos Reis. Fez uma especialização em escultura e murais cerâmicos com Arcadio Blasco, tendo trabalhado no seu atelier. Desde 1998 que apresenta com regularidade exposições individuais e coletivas, dentro e fora do país. Desde 2003 que é convidada a representar Portugal em simpósios internacionais no Japão, Argentina, Grécia, China, Tunísia, Egipto, Turquia, Coreia do Sul, Espanha, Áustria. As suas fazem parte das coleções de museus e instituições públicas e privadas, tendo recebido já diversos prémios de relevo. O currículo é extenso mas, nesta conversa, interessaram-nos os motivos das coisas, as estórias que as obras não contam e, sobretudo, compreender este amor à arte e esta dedicação à cerâmica, tecnologia primeira e ancestral, hoje das Artes em pleno, facto para o qual muito contribuiu Sofia Beça.

Ana Pais Oliveira (PT, 1982) divide-se entre paixões e tem na Arte uma forma de viver. Com um percurso profissional e académica brilhantes, onde se inclui a conclusão de um doutoramento na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, prémios e menções internacionais, a artista divide-se entre a pintura e a dança. Não abdicou de nada e é mãe de duas crianças. Trabalha todos os dias no atelier mas admite que é duro e mais difícil quando se é mulher. Fala-nos, nesta conversa, da sua visão do mundo, dos seus sonhos e da urgência que temos de hinos e de coletivo. Uma grande mulher, uma extraordinária artista.

Sónia Carvalho (PT, 1978) é artista plástica, performer e investigadora, sendo-lhe impossível escolher entre as diferentes facetas da sua prática artística e de pensamento, que se agregam na relação que estabelece com o corpo, a natureza e a alma. Atualmente está a estudar o Doutoramento em Belas Artes, especialidade de Pintura, na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. Tem obra plástica em várias coleções portuguesas, destacando-se a Fundação PLMJ e a Fundação Bienal de Arte de Cerveira. Esta conversa é uma viagem encantadora pelas suas histórias e experiências, pela forma como vê a vida e como se conecta, através da Arte, com o que a rodeia.

Sara Maia (PT, 1974) desenha desde que se lembra. Formou-se, entre 1991 e 1997, na Ar.Co (Centro de Arte e Comunicação Visual), em Lisboa, contudo, desde a primeira adolescência que revelava um talento acima da média, já na sua linguagem figurativa, altamente narrativa e por vezes de temática grotesca, que a aproxima do neoexpressionismo inglês das décadas de 1950 e 60 e, nomeadamente, de Paula Rego. Expõe, coletivamente, desde 1992 e, individualmente, desde 1995, tendo no seu currículo presenças em diversas instituições nacionais e internacionais, onde se incluem importantes prémios. O percurso de Sara Maia não é linear e vive de urgências, da vontade de fazer. Recentemente mudou-se para os Açores e é a partir da ilha que continua a encantar o mundo com as suas obras de Arte. Nesta conversa, falou-nos dos três meses que passou no México e do que essa estadia trouxe à sua obra. Uma mulher extraordinário, uma artista plena.

Alexandra de Pinho (PT, 1976) formou-se na Faculdade de Belas Artes do Porto e a pintura foi o seu primeiro impulso ainda que a bidimensionalidade nunca lhe tenha bastado. A memória guardava a aprendizagem do ponto, da costura, como coisa ancestral que se guarda na herança feminina e, tendo sempre o desenho como forma de pensamento, começou a desenhar com a linha na tela. Vieram os prémios. Há séries com as cartas, os livros, a marginália, numa produção persistente como a vida da artista, dividida em várias mulheres, nunca desistindo de ser artista, de ser mulher artista. Alexandra de Pinho é exemplo e pura inspiração. Vamos descobri-la!

Liliana Velho (n.1985) nasceu em Lisboa e como consequência da atividade profissional do pai, saltitou o país até encontrar morada fixa em Viseu, onde o seu trabalho, com forte incidência sobre a tecnologia da cerâmica e pleno de humor e amor, tem ganho asas. Licenciou-se na Faculdade de Belas Artes, em Lisboa; completou Mestrado no Colégio das Artes, em Coimbra e é aluna de doutoramento na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto. Juntas, já viajamos pelo Minho, já desbravamos roteiros em Aveiro e recordo Viseu como o lugar em que a descobri. Nesta conversa, falamos de corações em contramão, de arte em espaço público e da afirmação da cerâmica enquanto tendência do contemporâneo. A não perder, mais uma artista que escreverá o seu nome no futuro!

Ana Almeida Pinto (PT, 1984) escolheu Montemor-o-Novo para viver e trabalhar e é neste município alentejano que nasce o seu projeto para o futuro. Contudo, a história desta extraordinária artista começa no Porto, primeiro na Secundária Artística Soares dos Reis e depois na Faculdade de Belas Artes do Porto onde frequenta, atualmente, doutoramento. O seu trabalho, no campo da escultura, trabalhar os limites dos territórios, as suas identidades e pertenças, sendo profundamente influenciado pelas matérias que gosta de explorar. Ana Almeida Pinto é uma fazedora, uma construtora de formas, de rizomas, de mapas. Já com presença de várias obras em espaço público, a artista não esquece o trabalho pedagógico e com comunidades e não esconde o seu fascínio pelo coletivo transformador de sonhos.

Patrícia Oliveira (PT, 1983) gosta de se apresentar como mãe e escultora. Vive em Monção, onde nasceu e onde despertou para a magia da natureza, as suas formas, cores, matérias, que influenciam em larga escala a sua produção artística. O ensino é outras das paixões de Patrícia Oliveira que trabalha com todo o tipo de públicos, desde comunidades rurais, crianças em idade pré-escolar até aos estudantes do ensino superior. Interessa-lhe, sobretudo, potenciar o olhar dos outros sobre o mundo a partir das lentes da arte. Formou-se na Secundária Artística Soares dos Reis, depois, licenciatura e mestrado na Faculdade de Belas Artes do Porto. A maternidade devolveu-a no Porto a Monção mas ainda bem que assim foi. É por isso que a conversa foi noite dentro, depois de as meninas estarem a dormir. Falamos das suas obras de espaço público e do amor ao vidro e ao têxtil. Falamos de tudo ou não fosse ela uma Mulher imensa, uma artista invulgar.

Marina Jerusalinksky (BR, 1990) é uma jovem artista e autora que investiga as questões e os complexos de género na linguagem e nas representações sociais. Conhecia-a em São Paulo, aquando da apresentação do seu livro "Adjetivo Feminino" e sabia que tinha que a trazer a Portugal. Nesta conversa, conta-nos tudo sobre este e outros projetos, manifestando-nos as suas preocupações e a sua visão de um mundo ainda muito desigual.

Daniela Reis (PT, 1980) apresenta um corpo de trabalho, com base na pintura, em que o grotesco impera. Sobrepõe-se personagens que parecem querer sair da tela, interagir com o espectador, engolir-nos até. A pintura de Daniela Reis é violenta e intensa, por vezes doce, sempre plena de emoções. É o seu olhar sobre o mundo, a partir do recato do atelier, do seu mundo interior. Nesta conversa falamos também sobre os desafios de ser artista mulher, de ser mãe e ser artista. Falamos do poder da Arte e da impossibilidade de fazer outra coisa qualquer que não seja pintar.

A produção artística de Paula Tavares interessa-me, em primeiro lugar, pelo seu sentido feminino e feminista, por o desenho ser pensamento e por ser o reflexo de consistência no que é investigar. Paula Tavares nasceu no Porto, vive em Viana do Castelo e trabalha em Barcelos. É vice-presidente do Instituto Politécnico do Cávado e do Ave e é à causa do politécnico que tem dedicado a maior parte do seu tempo. Doutorou-se em Belas Artes na Universidade de Vigo, formou-se em Desenho pela ESAP e em Artes Plásticas - Pintura pela FBAUP, foi bolseira ERAMUS em Barcelona entre 1997 e 1998. Lecionou na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto entre 1999 e 2004 assim como na Escola Superior Artística do Porto. De 2004 a 2012 colaborou com a Escola Superior Artística do Porto, em Guimarães. Participa em seminários, workshops e conferências periodicamente, apresentando trabalhos de investigação no âmbito do Desenho e dos Audiovisuais. Nesta conversa conhecemos a sua energia e deixamo-nos inspirar por mais uma mulher artista que vai mudar o mundo.

Mariana Jones (PT, 1984) é a autora do projeto "De pernas para o ar" porque, como dizia Manuel António Pina: "Pensar de pernas para o ar / é uma grande maneira de pensar / com toda a gente a pensar como toda a gente / ninguém pensava nada diferente / Que bom é pensar em outras coisas / e olhar para as coisas noutra posição / as coisas sérias que cómicas que são / com o céu para baixo e para cima o chão". Tudo podia fazer pensar, no contexto em que cresceu, que teria um futuro ligado às artes e foi, de facto, como galerista que começou, não obstante ter estudado Educação Social. Abraçou, depois das galerias, uma carreira como comercial, colaborando com grandes empresas. Em 2020, em plena pandemia, chegam os livros infanto-juvenis, ilustrados por artistas, onde reflete sobre temas como as emoções, as mães e crianças refugiadas e a homossexualidade. Os seus livros são uma forma de ativismo e um ato de amor, um ato de fé, a sua forma de mudar o mundo. Nesta conversa maravilhosa, conhecemos a guerreira por trás da obra. Não percam!

Raphael Fonseca (BR, 1988) é um curador brasileiro que conta já com um extraordinário percurso internacional. Natural do Rio de Janeiro, fez a sua formação em História da Arte, concluindo doutoramento. Começou por dar aulas, tendo despertado mais tarde para a curadoria e para o seu potencial pedagógico. Nesta conversa, dá-nos a conhecer as suas ideias sobre a curadoria e os principais projetos e locais com os quais tem colaborado. A não perder!

Vânia Kosta (PT, 1980) começou por frequentar o Instituto Politécnico de Viana do Castelo com o propósito de ingressar na carreira docente. Contudo, as viagens trocaram-lhes as voltas e percebeu que queria ter um papel enquanto criadora. A sua obra explora as potencialidades do têxtil, a partir de exercícios de memória, recoleção e manufatura. Carregam significados e funcionam como pele de narrativas e personagens que imagina. A artista natural de Braga é um caso sério de talento e singularidade. Descubram-na!

Zélia Mendonça (n.1957) será, para mim, a "Senhora das Mudanças" capaz de, com a sua história, influenciar e inspirar mulheres a nunca desistirem dos seus sonhos e projetos. Em 2015, com 58 anos, decide abandonar uma vida confortável e bem sucedida de empresária e dedicar-se, por inteiro, à prática artística, recuperando a memória das aprendizagens práticas e estéticas na infância. Na verdade, a Arte esteve sempre ali, presente. Desde então, o seu trabalho tem sido merecedor de reconhecimento no Brasil, de onde é natural e onde reside, e além fronteiras. Em Portugal, conhecemo-nos em Vila Nova de Cerveira, no âmbito de uma residência artística que lá desenvolvia. Fiquei sua fã incondicional. Outro aspeto da sua personalidade é o envolvimento em projetos comunitários. Pelo seu envolvimento em diversos projetos, recebeu o título de doutora honoris causa no ano de 2018 do Núcleo de Pesquisa e Extensão do Instituté Libre Des Sciences de L'homme de Paris, Faculdade de Ciências e Artes Lauro Freitas, Instituto Educacional de Portão (Bahia) e Conselho de Defesa dos Direitos Humanos associados. Descreve-se como autodidata e inquieta. Nesta conversa ficamos a conhecê-la melhor e despertamos para a sua forma artística de intervenção.

Laura Castro foi nomeada, em abril de 2021, diretora regional de cultura do norte, abraçando um desafio mais transversal e de dimensão territorial. Laura Castro é doutorada em Arte e Design pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto (2010), mestre em História da Arte pela Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa (1993) e licenciada pela Faculdade de Letras da Universidade do Porto. É também professora na Escola das Artes da Universidade Católica Portuguesa, da qual foi diretora entre 2013 e 2017, e investigadora do Centro de Investigação em Ciência e Tecnologia das Artes da mesma escola. A arte contemporânea e, em particular, a geração que marca a afirmação das vanguardas em Portugal, nas décadas de 1960/70, são tema de eleição na sua pesquisa. Nesta conversa, falamos sobre as dicotomias moderno VS contemporâneo, património VS museus.

Inês Osório (PT, 1984), desenvolve a sua prática artística nos limites e nos pontos de contacto entre a escultura, a arquitetura e o design. É Mestre em Escultura pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto e formada, com distinção, em Artes Plásticas (Escultura) pela mesma instituição, bem como pela Facultat de Belles Artes de Barcelona. Em 2007 ingressa no ciclo de mestrado com vista a investigar e desenvolver trabalho artístico no âmbito da escultura efémera de grande escala e de carácter itinerante. Desde cedo se interessou por ir adquirindo formação em diversas áreas e técnicas artísticas, que explora para comunicar nos mais variados contextos: desde a formação em Cerâmica na Escola Artística Soares dos Reis, a cursos de formação contínua em áreas como a fotografia analógica, serigrafia, gravura, videografia, animação, desenho assistido por computador, bem como formação de ordem mais teórica, como Filosofia Prática e Pensamento Crítico Contemporâneo, ambos na Faculdade de Letras da Universidade do Porto. A semanas de ser mãe, Inês Osório desenvolve doutoramento e procura o seu espaço enquanto criadora, questionando a arte, a utilidade e a sua relação com o espaço público e o espectador.

Conheci a Mariana Mizarela (PT, 1987) numa fase em que o seu trabalho visual incidia, sobretudo, sobre a colagem. A partir de fotografias antigas, postais, colagem sobre tela e animação, com foco no universo vintage do século XX, especialmente dos anos de 1950, a artista criou um corpo de trabalho sólido que lhe abriu portas. O seu trabalho expandiu-se, contudo, para o espaço público, para a arte com a comunidade e para a colaboração com outros autores. Hoje está dedicada à pintura, de regresso a Portugal, depois de um longo período em Barcelona.

Marta Crawford (PT, 1968) é psicóloga, sexóloga e agora, também, curadora. Marta alimentava o sonho e trabalhava para o nascimento do Musex - Museu Pedagógico do Sexo. Entretanto, em parceira com a Câmara Municipal de Oeiras, criam-se condições para a apresentação da exposição "Amor Veneris: viagem ao prazer sexual feminino", patente no Palácio Anjos. É o primeiro projeto de um sonho maior. Nesta conversa, organizada em dois episódios, falamos desta exposição e projeto, mas também dos tabus da sexualidade e dos desafios que esta traz ao autoconhecimento.

Marta Crawford (PT, 1968) é psicóloga, sexóloga e agora, também, curadora. Marta alimentava o sonho e trabalhava para o nascimento do Musex - Museu Pedagógico do Sexo. Entretanto, em parceira com a Câmara Municipal de Oeiras, criam-se condições para a apresentação da exposição "Amor Veneris: viagem ao prazer sexual feminino", patente no Palácio Anjos. É o primeiro projeto de um sonho maior. Nesta conversa, organizada em dois episódios, falamos desta exposição e projeto, mas também dos tabus da sexualidade e dos desafios que esta traz ao autoconhecimento.

Cristina Troufa (PT, 1974) procura consolidar, através da pintura, a ideia de autorretrato e/ou de autorrepresentação, refletindo conceptualmente sobre um processo interior espiritual, emocional e psicológico. Partindo de fotografias que capta de si mesma, dá especial ênfase ao trabalho de luz e cor, servindo-se do acrílico para expressar, simbolicamente, as reflexões e conversas que tem consigo mesma. As suas pinturas, propositadamente de aspeto inacabado, refletem a admiração pelos pintores impressionistas e pela utilização das superfícies lisas, sem grande tratamento, típicas dos pós impressionistas como Gaugin e Lautrec. Encontra em Graça Morais, Júlio Pomar e Paula Rego inspirações de construção cénica e manipulação cromática. Nesta entrevista, falamos do seu trabalho e do seu percurso, que tem merecido reconhecimento internacional. Mas também falamos do que há de Cristina Troufa em cada pintura, bem como do que há de cada uma de nós.

Juan Domingues (1981) nasceu em Puerto Cabello, na Venezuela. Vive e trabalha em Cantanhede, tendo-se licenciado em Pintura pela ARCA - Escola Universitária das Artes de Coimbra. A sua obra fez parte de diversas exposições e concursos, incluindo duas menções honrosas nos prémios Aveiro Jovem Criador e Prémio D. Fernando II em Sintra, e destacado pela Artreview magazine e Showcase London. Está também representado pela Drawing Dreams Foundation de Berkley, Califórnia. A gestualidade, a conjugação cromática e os resíduos de tinta criam força e densidade às suas obras de pintura e desenho. Sentimos essa força multiplicada nas suas obras de espaço público, nos livros que ilustra com os seus desenhos e nas suas infindáveis telas de narrativa. Juan Domingues é um dos melhores da sua geração e nesta entrevista dá-se a conhecer para além da pintura, para além do desenho.

Elizabeth Leite (1982) nasceu em Caracas, na Venezuela, tendo vindo ainda criança, com os pais, para Portugal onde fez a sua formação escolar e académica. Estudou na antiga ARCA - Escola Universitária das Artes de Coimbra, tendo sido aí que enfrentou os primeiros desafios de quem quer pintar a figura e partir do seu referencial mais pessoal e doméstico. Hoje, depois de muitas exposições, alguns prémios e da presença em espaço público, mantém muitas inseguranças sobre o seu trabalho, expondo as dúvidas da vida no mesmo. Artista, mãe, professora, Elizabeth Leite é um exemplo de resiliência e força de vontade, de amor à arte.

A história de Ana Mesquita (MZ, 1967) não se escreve de forma linear. Nasceu em Moçambique e é lá que regressa sempre que precisa de inspiração e de encontrar a sua essência. Desenvolveu, durante décadas, atividade como jornalista e editora em meios de comunicação social, não obstante ter tido sempre no desenho um refúgio. Atualmente, dedica-se em exclusivo às artes visuais, tendo no vídeo e na ilustração duas das suas ferramentas principais. Nesta conversa, organizada em dois capítulos, deu-se a conhecer e falou-nos de projetos recentes.

A história de Ana Mesquita (MZ, 1967) não se escreve de forma linear. Nasceu em Moçambique e é lá que regressa sempre que precisa de inspiração e de encontrar a sua essência. Desenvolveu, durante décadas, atividade como jornalista e editora em meios de comunicação social, não obstante ter tido sempre no desenho um refúgio. Atualmente, dedica-se em exclusivo às artes visuais, tendo no vídeo e na ilustração duas das suas ferramentas principais. Nesta conversa, organizada em dois capítulos, deu-se a conhecer e falou-nos de projetos recentes.

Filipa Nunes (PT, 1993) é gestora cultural e curadora, exercendo atualmente funções na FLAD - Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento. Contudo, ao longo da sua formação e percurso profissional já passou por Barcelona (Espanha), pelo México e pelo Brasil, onde teve oportunidade de apurar os seus interesses e as suas causas. Numa conversa gravada em Lisboa, também nos surpreendeu com as suas escolhas musicais.

Mafalda Santos (PT, 1980) é artista plástica e programadora, expondo em Portugal e no estrangeiro desde 2001. É Licenciada em Pintura na Faculdade de Belas Artes do Porto. Entre 2002 e 2007, foi programadora do espaço independente PêSSEGOpráSEMANA, no Porto. Em 2007/2008, como bolseira da Fundação Calouste Gulbenkian e da Fundação LusoAmericana para o Desenvolvimento (FLAD), realizou a residência artística Location One, em Nova Iorque. Selecionada para o Prémio EDP Novos Artistas 2007 e em 2005 para a exposição “7 artistas ao 10ºmês” na Fundação Calouste Gulbenkian. Entre 2013 e 2018, geriu juntamente com Manuel Mesquita o programa de residências artísticas Moinho da Fonte Santa no Alentejo, em Alandroal. Responsável com Susana Gaudêncio pelo projeto Pessoa Colectiva, na organização de eventos e exposições desde 2012. Integra, desde 2022, a equipa curatorial e de programação da Fundação Bienal de Arte de Cerveira, tendo atelier nesta localidade do Alto Minho desde 2018. O seu trabalho encontra-se incluído nas coleções portuguesas de António Cachola, das Fundações EDP e Ilídio Pinho, Grupo RAR, Fundação PLMJ, Fundação Calouste Gulbenkian, Câmara Municipal de Lisboa e Câmara Municipal do Porto e na Coleção de Arte do Estado Português.

Pedro Figueiredo (PT, 1974) é natural da Guarda mas foi em Coimbra que fez a sua formação académica e estabeleceu o seu atelier. É escultor e a sua linguagem neossurrealista insere-se num tempo novo da arte com figuração, poesia e de elogio à subtileza das formas. A sua carreira, com extensão internacional, reveste-se de obras de para espaço público e de produções que celebram personalidades. Neste entrevista, o artista revela-nos o seu lado mais denso e a forma como a escultura expressa o seu entusiasmo pela vida. Episódio 2/2.

Pedro Figueiredo (PT, 1974) é natural da Guarda mas foi em Coimbra que fez a sua formação académica e estabeleceu o seu atelier. É escultor e a sua linguagem neossurrealista insere-se num tempo novo da arte com figuração, poesia e de elogio à subtileza das formas. A sua carreira, com extensão internacional, reveste-se de obras de para espaço público e de produções que celebram personalidades. Neste entrevista, o artista revela-nos o seu lado mais denso e a forma como a escultura expressa o seu entusiasmo pela vida. Episódio 1/2.

Ana Monteiro (PT, 1990) é uma artista figurativa portuguesa cuja prática gira em torno da pintura, desenho e escrita. Mestre em pintura pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto e com uma licenciatura em Artes Plásticas pela mesma instituição, expõe regularmente desde 2011. A obra de Ana Monteiro tem como ponto de partida primordial, da sua obra, a autorrepresentação e o seu próprio corpo, através do qual cria quadros de identidade com o feminino global. Nesta conversa, falamos do seu percurso, dos seus sonhos, revelando-se a enorme maturidade e sensibilidade da jovem artista bracarense.

Helena Mendes Pereira propõe-nos, semanalmente, uma conversa com artistas plásticos e visuais, sobre Arte e o resto, tomando a simbologia do museu como espaço sagrado e de construção de pensamento e memória. A primeira convidada é Fernanda Fragateiro (PT, 1962), artista que trabalha nos limites da escultura e do desenho, nas suas relações com a arquitetura e ação política. A artista fala-nos do seu percurso e também dos desafios de ser mulher artista e da afirmação de género numa sociedade altamente patriarcal. A conversa divide-se em dois episódios.

Helena Mendes Pereira propõe-nos, semanalmente, uma conversa com artistas plásticos e visuais, sobre Arte e o resto, tomando a simbologia do museu como espaço sagrado e de construção de pensamento e memória. A primeira convidada é Fernanda Fragateiro (PT, 1962), artista que trabalha nos limites da escultura e do desenho, nas suas relações com a arquitetura e ação política. A artista fala-nos do seu percurso e também dos desafios de ser mulher artista e da afirmação de género numa sociedade altamente patriarcal. A conversa divide-se em dois episódios.