Podcasts about bienal

Você está se esforçando ao máximo mas não vê resultado? Neste episódio do Entra Pra Rachar, Caio Carneiro explica por que entregar o seu melhor sem alinhamento de lugar, pessoas e processos nunca será o suficiente.

Actualizamos la información sobre Colombia, cinco días después del terremoto de magnitud 7,4 que ya deja más de 280 muertos y miles de heridos. Las labores de rescate continúan, aunque con el paso de las horas disminuyen las posibilidades de encontrar supervivientes. Mientras tanto, el país comienza a afrontar la segunda fase de la emergencia: la reconstrucción de las zonas más afectadas, con decenas de miles de viviendas dañadas y un enorme desafío económico para el nuevo Gobierno.Además, en nuestra página cultural, viajamos hasta São Paulo con nuestra compañera Camila Ploennes, para conocer la presencia de España como país invitado de honor en la 28 edición de la Bienal del Libro. Una cita que sirve también como punto de partida para la internacionalización de Mostra España hacia los países de habla portuguesa.Ángela Núñez nos acerca a la gran exposición que el Museo Reina Sofía dedica al artista cubano-estadounidense Félix González-Torres, una figura fundamental del arte contemporáneo.Y terminamos en Colombia con música clásica. La Filarmónica Joven de Colombia cierra en Bogotá su gira nacional, después de pasar por algunas de las ciudades más afectadas por el terremoto, con obras de Gustav Mahler y del compositor colombiano Yeison Buitrago.Escuchar audio

Bom dia, confrades. Mais uma quinta-feira — mais um minipod no ar! No programa de hoje, aprenda a trabalhar (e a usar) a norma culta em seus textos, evitando os odiáveis “tá” e “pra”, que tanto empobrecem a literatura. E ainda: veja como criar a famosa “química” entre personagens; descubra como planejar uma história, seja um romance ou uma ficção curta; confira a ordem certa para ler a tetralogia angélica; e saiba qual filme tornaríamos a ver pela primeira vez, caso pudéssemos esquecer dele.

Victoria Pizarro es una artista de Patch Work, una ténica que trabaja con telas, colores, tramas y paciencia. Nos contó sobre esta práctica antigua en el marco de la Bienal de Arte "Habitar La Trama". Una cita estética, para habitar.Sumate al programa y si te gustó esta nota, compartila!www.citasderadio.com.arEp. 237 - T.6

Salve, salve, confrades. Mais uma quinta-feira — mais um minipod no ar! No programa de hoje, conheça as melhores (e as piores) histórias de viagem no tempo na literatura. Como surgiu esse subgênero da ficção científica e quais são os seus principais expoentes? E ainda: aprenda a mesclar a linguagem formal e coloquial em seus textos; veja como desenvolver uma trama a partir de um cenário — e vice-versa; descubra como estruturar um capítulo; e se prepare para participar da sessão de autógrafos do box da trilogia Santo Guerreiro que vai acontecer neste sábado (8) em Brasília.

NARA skilties „Kraštinė“ straipsnis, kurį skaito autorė Eglė Elena Murauskaitė. „Manifesta 16“ – klajojanti Europos bienalė, vykstanti skurdesniuose regionuose ir skirta žmonėms, įprastai neinantiems į parodas. Šiemet „Manifesta“ kviečia permąstyti tuštėjančias bažnyčias ir naują šių erdvių vaidmenį bendruomenėse: Vokietijos Rūro srityje laukia parodos dvylikoje brutalistinių pokario bažnyčių.   Palaikykite NARA darbą: https://nara.lt/prisidek

Neste episódio, o Seis e Um Podcast fala sobre a Bienal Internacional do Livro de São Paulo. O maior evento do livro da América do Sul acaba de apresentar a programação oficial de sua 28ª edição, que acontece em setembroA organização promete a maior Bienal da história: mais espaço, mais autores, novos ambientes, centenas de expositores e expectativa de mais de 700 mil visitantes.Os escritores negros Conceição Evaristo e Itamar Vieira Jr. integram a programação.

#36bienal | audioguia | Akinbode Akinbiyi | Recife by Bienal de São Paulo

#36bienal | audioguia | Andrew Roberts | São José do Rio Preto by Bienal de São Paulo

Bom dia, confrades. Boa quinta-feira! No minipod de hoje, entenda a função dos personagens coadjuvantes e saiba como evitar que eles ofusquem o protagonista. E ainda, neste programa: descubra a diferença (sutil) entre novela e noveleta; saiba como encontrar boas motivações para o herói da sua história; veja livros que largamos e que depois retomamos; e confira alguns RPGs que sempre tivemos vontade de jogar (mas que ainda não conseguimos).

Charlamos con Gonzalo Rodríguez sobre la próxima edición de la Bienal de Chaco, prevista del 11 al 13 de septiembre. Repasamos las actividades, la participación de destacados referentes como Coco Sanes y Abel Pintos, el impacto económico y el rol fundamental del Estado en el evento cultural.

Durante nueve días, hasta el fin de semana pasado, la ciudad de Resistencia, capital de la provincia argentina del Chaco, se vio transformada por uno de los eventos culturales más importantes del país. La edición número 38 de la Bienal de Escultura del Chaco, que tuvo lugar en el Parque Intercultural 2 de febrero, recibió más de un millón de visitas. Por nuestro corresponsal Natalio Cosoy, desde Resistencia Caminando por el centro de la ciudad de Resistencia, es prácticamente imposible avanzar más de 50 o 100 metros sin encontrarse con alguna escultura. Las hay figurativas, abstractas, pequeñas, enormes, en madera, en piedra o en hierro, en las veredas y en los parques. Más de 730 esculturas en espacios públicos de toda la ciudad. “La gente se apropia más de la obra” En este marco se lleva a cabo la Bienal de Escultura del Chaco. El evento tiene lugar en un inmenso parque, en cuyo corazón 10 artistas seleccionados de entre 439 postulantes de 70 países transforman bloques de mármol con sierras, cinceles y otras herramientas, envueltos en nubes de polvo. Entre ellos conocimos al chileno Mauricio Guajardo, luego declarado ganador del concurso, que estaba convirtiendo un bloque de mármol en una figura geométrica en la que predominaba el vacío. Guajardo valora especialmente el trabajo frente al público, que se agolpa alrededor de los escultores: “Yo creo que también este vínculo que se forma, digamos, con esto de salir a la calle con nuestros talleres. Porque en el fondo me imagino que la gente que ve y haciendo tu trabajo, se relaciona y en el fondo se apropia más de la obra”, estima. Tan es así, que también inspira a nuevos artistas, como Noelia Pacheco, que está entre el público, estudia arte en Buenos Aires y creció en Resistencia. “Yo creo que es prácticamente un 60% de mi crecimiento en lo que yo hago, lo aprendí acá”, dice. “Posibilidad de establecer un vínculo emocional” Ya son más de 60 años desde que comenzaron a instalarse esculturas en Resistencia. Pero todo se aceleró con la creación de este encuentro hace unas cuatro décadas: “Creo que ese gesto generó la posibilidad de establecer un lazo, un vínculo emocional de la comunidad con los artistas porque la posibilidad de verlos trabajar, de vincularse con ellos, de ser testigos y ser parte de la creación de esas obras de arte, creo que es lo que explica el por qué las esculturas en Resistencia no necesitan vallados”, considera José Eidman, presidente de la Fundación Urunday, a cargo de la organización. Terminada la Bienal, se instalarán las obras realizadas por los artistas que participaron del evento, aumentando el acervo escultórico de este gran museo al aire libre que es la capital del Chaco.

NARA skilties „Kraštinė“ straipsnis, kurį skaito autorė Eglė Elena Murauskaitė. Apie Venecijos bienalę būtų galima parašyti bent keliolika straipsnių: politika ir protestai; postkolonializmas, nacionalizmas ir globaliųjų Pietų reprezentavimas; kūniškumas ir moterų dalyvavimas; finansiniai ir psichologiniai dalyvių iššūkiai; dėmesys kūriniams išnyra lyg tarp kitko. Šiame tekste – įžvalgos apie dėmesį sudominusį turinį ir būdus pasimėgauti nepaskęstant stimulų sraute.   Palaikykite NARA darbą: https://nara.lt/prisidek  

Bom dia, confrades. No minipod de hoje — publicado excepcionalmente na quarta-feira —, entenda a importância das histórias em quadrinhos para a formação do leitor. E ainda, neste programa: saiba como funciona a remuneração dos escritores no Brasil; descubra qual é a hora certa para parar de mexer no seu texto (e finalmente publicá-lo); aprenda e vitaminar sua história com temas que você estuda e conhece; confira a nossa opinião sobre o futuro do cyberpunk; e veja qual escritor (vivo ou morto) escolheríamos para mestrar para a gente uma campanha de RPG. ✍️

Shirley Paes Leme (1955, Minas Gerais) 1978 gradua-se na Universidade Federal de Minas Gerais.Em 1983 -1986 recebe a Bolsa Fulbright. Em 1986 doutorou-se pela JFK University, San Francisco Art Institute e University of Califórnia at Berkeley, USA.individuais selecionadas: 2026, Dias Normais, Instituto Ling, Porto Alegre. 2023, NossoMundo, Museu de Arte Moderna de São Paulo, 2023, Os Vestigio dos Días, GaleriaZielinsky, Barcelona. 2022, Suspiro em Vão, Galeria Raquel Arnaud, São Paulo. 2020,Eterno Retorno, Carbono Galeria, São Paulo. 2019, RareAr, Galeria Raquel Arnaud, SãoPaulo. 2018, Geografias Errantes( vistas de dentro para fora), Palácio das Artes,Porto. 2015, Quando Atitutes (trans)formam, Centro Cultural Minas, Belo Horizonte. 2012,Água Viva. Museu Vale, Vitória.2009, Heterotopias Cotidianas, Museu de ArteContemporânea do Ceará, Fortaleza. 2008, Ambulantes, Centro Cultural Espanha, Cidadedo México. 2009, Horas. Galeria de Artes Visuais UFG, Goiânia. 2004, Peso/Leveza.Passa Quatro. 2003, Desenhos e Vídeo, Galeria Jaspers, Munique. 1996, Deux ArtistesBrasiliens. Galeria Debret, Paris. 1986, Inside Out. Fiberworks Gallery, Berkeley. 1981,Fibra, Fundação Cultural, Brasília.coletivas selecionadas: 2025, FullGás, CCBB, Rio de Janeiro. 2017, I Bienal Sur,Buenos Aires. 2015, X Bienal do Mercosul. 2010, Vidéo et Aprés – Vidéo Brasilienne: unportrait, Centre Georges Pompidou, Paris. 2006, Black and White. Haim Chanin Gallery,Nova York. 2005, I Bienal Internacional de Arte al Aire Libre. Caracas. 2007, I Bienal doFim do Mundo, Ushuaia. 2001 Côte à Côte - Art Contemporain du Brésil, Musée d'ArtContemporain de Bourdeaux. 2000, Bienal de La Habana. Século XX: Arte do Brasil,Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa. 2000, Bienal de São Paulo. 1999, II Bienal doMercosul, Porto Alegre. 1997, Die Anderen Modernen, Casa das Culturas do Mundo,Berlim. 1993, XV Bienal de Lausanne. Links: https://www.shirleypaesleme.com/ https://raquelarnaud.com/artistas/shirley-paes-leme/ https://www.youtube.com/watch?v=wgzYQz4f7F4&themeRefresh=1 https://mam.org.br/exposicao/nosso-mundo/ https://www.zielinskyart.com/shirley-paes-leme https://www.youtube.com/watch?v=tkEy98fXmNY Episódio gravado a 02.07.2026 Créditos introdução e final: David Maranha http://www.appleton.pt Mecenas Appleton:HCI / A2P / MyStory Hotels / JD Collection Apoio:Câmara Municipal de Lisboa Financiamento:República Portuguesa – Cultura / DGArtes – Direcção Geral das Artes © Appleton, todos os direitos reservados

Bom dia, galera. Mais um minipod no ar! No programa de hoje, confira dicas e técnicas para escrever bons diálogos na literatura. E, ainda: embarque na eterna treta entre a literatura popular x erudita; descubra como os exercícios físicos podem “destravar” o seu cérebro; veja a importância de escrever um primeiro livro fechado; e saiba quem seríamos nós no Império Romano.

O Festival de Avignon arrancou a 4 de Julho, e junta, durante três semanas, milhares de pessoas, para esta 80ª edição. Este é o epicentro da história contemporânea do teatro, dirigido pelo encenador, dramaturgo e actor português Tiago Rodrigues. Este ano, há 47 espectáculos, dois de encenadoras lusófonas e a língua convidada é o coreano. Há uma maioria inédita de criadoras mulheres e a linha de força é um enorme ponto de interrogação estampado um pouco por todo o lado nas ruelas da cidade francesa. O teatro anda à solta, sem rédeas, pela cidade de Avignon. Bem-vindos ao “país do teatro, à república independente das artes performativas”, nas palavras e na companhia de Tiago Rodrigues, um dos fazedores desta “fábrica de memórias inesquecíveis para o público”. Uma dessas “memórias” é a primeira maratona teatral em português, de dez horas, com a apresentação, a 12 e 13 de Julho, da Trilogia Cadela Força de Carolina Bianchi. Outra é o espectáculo de cinco horas do francês Julien Gosselin, “Maldoror”, que Tiago Rodrigues acredita que “vai marcar as próximas décadas do teatro francês, europeu e mundial”. E outra, ainda, é a peça “Um julgamento - Depois do inimigo do povo” que descreve como “uma interpretação magistral de uma história do repertório agora reescrita, repensada por Christiane Jatahy e Wagner Moura e com um elenco magistral à volta de Wagner Moura que tem uma prestação absolutamente sublime”. Nesta 80ª edição, “os questionamentos” são a bandeira de um festival que sempre foi sintoma e espelho dos tempos que correm. Este é também “um espaço de liberdade onde os artistas e o público se podem exprimir com toda a liberdade”, reitera o artista, destacando que “em França, como noutros países da Europa e do mundo, a liberdade de expressão e de criação estão a ser ameaçadas”. Mais ainda, em França – diz – “já não se trata apenas de uma ameaça, mas de ataques repetidos em vários territórios”. E, assim, a menos de um ano das próximas eleições presidenciais em França, onde a extrema-direita cresce, Tiago Rodrigues, enquanto director desta instituição e não apenas como cidadão e autor de “Catarina e a Beleza de Matar Fascistas”, toma já posição e pede às pessoas para não deixarem a extrema-direita chegar ao Palácio do Eliseu. Tiago Rodrigues, português, emigrante, inscreve-se numa longa linhagem histórica de emigração portuguesa para França, mas esta é também uma história familiar e é a história que inspira o seu próximo espectáculo, revelou à RFI em primeira mão. O pai, Rogério Rodrigues, exilou-se em França durante o Estado Novo, o filho é agora o director do maior festival francês de artes cénicas e serve com a sua arte o que chama de “dívida de gratidão” que tem com a sociedade francesa por ter acolhido o pai quando este precisava. RFI: Queria começar com uma expressão que o Tiago Rodrigues gosta muito de usar, que é “o país do teatro”. O festival está na 80ª edição. Até que ponto Avignon continua a ser a capital mundial do teatro? Tiago Rodrigues, Director do Festival de Avignon: “Eu acho que cada vez mais, com o passar do tempo, aquilo que era uma utopia imaginada por Jean Vilar, o encenador que em 1947 funda este festival logo a seguir à Segunda Guerra Mundial, numa sociedade muito dividida e pensa que talvez um festival durante as férias das pessoas - e é preciso relembrar que as férias pagas eram uma novidade na época - durante as férias pagas das pessoas, podia ser um festival que permitisse ao público viver experiências que eles não teriam oportunidade, nem tempo para viver durante o ano, portanto, grandes aventuras teatrais em lugares monumentais que obrigariam a viajar. E é assim que nasce esta ideia, esta utopia de um país do teatro. Um lugar onde viajamos como quem viaja para fazer turismo, como quem viaja para se repousar. E aqui viajamos, sim, pelo turismo, pelo repouso, mas sobretudo pela descoberta dos espectáculos, pela descoberta de uma grande quantidade de estéticas e de visões de um mundo muito diferentes entre si. O tempo fez com que, ao fim de 80 edições, possamos dizer que este é o país do teatro, a república independente das artes performativas. O público vem precisamente com essa sede de ver espectáculos que talvez não tivesse tempo de ver durante o ano. Por exemplo, 'Maldoror', o espectáculo de Julian Gosselin, um grande encenador que dirige o teatro do Odéon, um dos teatros nacionais franceses, e que faz um espectáculo de cinco horas, poderíamos dizer que cinco horas é ambicioso, mas é um espectáculo magistral. O que nós vemos é que ao fim das cinco horas, por volta das duas e meia, três da manhã, todo o público está lá, aplaudiu de pé e viveu essa aventura colectiva que é singular, que só se vive em Avignon, estar num palácio sob as estrelas e ver uma obra de arte que, no meu entender, este ‘Maldoror' vai marcar as próximas décadas do teatro francês, europeu e mundial.” É português, é o primeiro director estrangeiro a dirigir o festival. Esta é a sua quarta edição como director. Conhece os talentos e as dificuldades das artes performativas portuguesas, brasileiras, de dança contemporânea moçambicana e cabo-verdiana, por exemplo, mas este ano só há duas peças lusófonas no cartaz… “Eu permito-me corrigir o “só”, “só há”. O Festival de Avignon é um festival de nomes de expressão mundial e, portanto, é um festival que tem que estar atento a tudo o que se passa no mundo. Saber que, por exemplo, este ano há duas artistas brasileiras e saber que estas duas artistas brasileiras lusófonas, Christiane Jatahy e Carolina Bianchi, que são duas das grandes artistas desta edição, são duas artistas que vêm de um só país lusófono, numa possibilidade de mais ou menos - é discutível a quantidade de países que existe no mundo, mas digamos que são duas centenas, porque depois há questões de legitimidade de algumas fronteiras, etc - mas digamos que em 200 países haver dois espectáculos, ambos vindos do Brasil ou de criadores brasileiros, criadoras neste caso, é, de qualquer das formas, um foco muito importante, uma atenção muito importante. Há muitos países que não estão representados no festival. Este ano, há uma representação de 14 países e, portanto, digamos que a maioria dos países do mundo não estão presentes no ano. A criação lusófona tem duas presenças e, portanto, acho que estamos numa quantidade, numa proporção muito benéfica para a criação lusófona.” Mas o que eu queria mesmo saber - e já percebeu onde quero chegar - é quando é que Avignon vai convidar a língua portuguesa? “Bom, o que eu posso dizer é que recentemente fui reconduzido para um segundo mandato, portanto, serei director do Festival até 2030. E estou muito feliz, muito vaidoso mesmo dessa possibilidade, mas também é um grande privilégio e uma grande responsabilidade também. E sem dúvidas que a língua portuguesa, eu digo desde o início, tem todo o mérito, toda a riqueza, toda a diversidade contemporânea e, sobretudo, toda a grande qualidade das criadoras e dos criadores, sejam portugueses, brasileiros, moçambicanos, angolanos, cabo-verdianos para estar presente no festival. Eu recordo que a lusofonia tem estado muito presente nos últimos anos no festival. No ano passado, a abertura do festival fez-se com uma artista cabo-verdiana, Marlene Monteiro Freitas, foi a primeira vez que Cabo Verde esteve na Cour d'Honneur du Palais des Papes e abriu este festival, ainda por cima no ano em que se celebrava os 50 anos da independência desse país-irmão do meu país-natal, Portugal. E, portanto, temos feito um trabalho de abertura, de aproximação do público de Avignon à criação lusófona ou em língua portuguesa. Sem dúvida que até 2030 a língua portuguesa será certamente uma das línguas convidadas no festival.” A Carolina Bianchi vem ao Festival de Avignon pela segunda vez para apresentar não só o terceiro capítulo da sua Trilogia Cadela Força aqui iniciada, como a trilogia completa, o que perfaz dez horas seguidas de maratona teatral. Isto também é histórico. Já houve maratonas teatrais em Avignon, mas em língua portuguesa, se calhar não… “Em língua portuguesa nunca houve uma aventura destas e estamos muito felizes de poder acompanhar a Carolina e toda a sua equipa da Companhia Cara de Cavalo nisto, que é uma aventura inédita. É o tipo de aventuras que só se pode viver em Avignon, dez horas de teatro. Antes que Carolina Bianchi fosse conhecida do público francês ou europeu, apresentámo-la pela primeira vez em 2023 e logo na altura sabíamos que estávamos comprometidos com continuar a acompanhar a sua trilogia. Entretanto, Carolina Bianchi ganhou o Leão de Prata da Bienal de Veneza, tornou-se numa artista absolutamente reconhecida a nível não apenas europeu, mas mundial. Queríamos estar no lugar do término desta trilogia, a acompanhar a aventura até ao fim e, sobretudo, permitir ao público de descobrir pela primeira vez a trilogia completa inédita. É uma grande aventura para a companhia, que exige enormemente. Também exige do público e das equipas técnicas e de acolhimento. Estamos muito felizes aqui em Avignon de poder propor ao público estas aventuras, porque, como nós costumamos dizer, nós queremos ser uma fábrica de memórias inesquecíveis. E é isso que queremos propor: uma memória inesquecível ao público.” A encenadora brasileira Christiane Jatahy também traz uma peça com um forte teor político. Qual é este alerta também em língua portuguesa que esta peça traz para os dias de hoje? “Christiane Jatahy, acompanhada de Wagner Moura, grande actor que foi este ano nomeado para os Óscares, que ganhou o Globo de Ouro, que ganhou o prémio de interpretação masculina em Cannes no ano passado e, portanto, de alguma forma, é um dos grandes protagonistas deste festival, juntaram-se para - ele actor, ela encenadora, mas ambos como autores do texto deste espectáculo - nos apresentarem um espectáculo que não é uma adaptação de ‘Um Inimigo do Povo' de Henrik Ibsen, mas que se inspira dessa história do dramaturgo norueguês para inventar um processo em tribunal onde se pergunta se alguém que denunciou a contaminação das águas de uma cidade é um herói que tentou ajudar as pessoas, salvar a saúde das pessoas, ou se é um inimigo do povo, alguém que destruiu a economia dessa cidade que dependia das termas, de um spa e dos turistas que vinham. Há um julgamento dessa pessoa e é um julgamento muito também sobre o risco dos julgamentos populares em opinião pública na época das redes sociais, na época em que toda a gente pode exprimir uma opinião, caluniar, difamar e destruir uma reputação publicamente muito facilmente. É uma questão de debate sobre a legitimidade de um gesto político de denúncia, sobre o diálogo entre saúde pública e a economia, essa tensão, também sobre a ecologia muito presente no espectáculo e é, sobretudo, uma interpretação magistral de uma história do repertório agora reescrita e repensada por Christiane Jatahy e Wagner Moura, com um elenco magistral à volta de Wagner Moura, que tem uma prestação absolutamente sublime. Uma peça que nos chega agora de Lisboa, esteve mesmo agora em Portugal em digressão e que é o resultado de uma encomenda que o Festival de Avignon fez com o Holland Festival de Amsterdão e com o Festival de Edimburgo, que são os três festivais europeus fundados no mesmo verão de 1947. Juntos queremos colaborar, continuar a colaborar também para o ano, quando fizermos 80 anos os três festivais e, para este início de colaboração, lançámos o desafio a Christiane Jatahy e a Wagner Moura de criar esta peça e estamos muito felizes. É uma das peças pilar da programação do festival este ano. E muito feliz também que seja a segunda peça falada em português.” Desde a sua primeira edição como director artístico do festival, apresentou “Na Medida do Impossível” e “By Heart” em 2023, “Hécuba, não Hécuba”, em 2024, “A Distância”, em 2025. Antes de ser director, já tinha apresentado “António e Cleópatra”, “Sopro” e “O Cerejal”. Este ano não apresenta peça sua. Posso perguntar porquê? “Porque acho que é importante que o meu trabalho artístico esteja sempre ao serviço do festival e nunca o contrário. E isso exige equilíbrio. Exige, no meu entender - e é a escolha responsável que eu tento fazer - que o meu trabalho não esteja necessariamente sistematicamente presente enquanto artista na programação do festival para deixar espaço a outros, para permitir precisamente que o festival não trabalhe a meu favor, mas o contrário, que quando eu apresento um trabalho, uma peça, um espectáculo no Festival de Avignon, seja para contribuir à programação e também contribuir, de certa maneira, à economia do festival. As digressões dos meus espectáculos produzem receitas que favorecem o festival e que nos permitem convidar outros artistas do festival. E, portanto, eu acredito que o director do Festival de Avignon ou a directora, se forem artistas, devem fazer o seu trabalho no festival, mas devem fazer com a medida que permite que seja o seu trabalho a estar ao serviço do festival e nunca o contrário, como disse. O Tiago Rodrigues é imigrante em França. Não vai poder votar nas presidenciais francesas do próximo ano porque é preciso nacionalidade francesa para isso. Como é que o autor de “Catarina e a Beleza de Matar Fascistas” olha para estas eleições, nomeadamente depois de Marine Le Pen ter confirmado que se vai candidatar? “Não é apenas o autor de ‘Catarina e a Beleza de Matar Fascistas' ou o cidadão Tiago Rodrigues, mas é também o director do Festival de Avignon que toma posição e a posição é muito clara. O Festival de Avignon já pôde fazê-lo no passado, nas legislativas de 2024, que aconteceram ao mesmo tempo que o festival. O Festival de Avignon fez apelo a uma barragem à extrema-direita e, portanto, à União Nacional de Marine Le Pen, e fez um apelo ao voto no campo democrático. Eu não considero, o Festival de Avignon institucionalmente não considera, que a extrema-direita pertence ao campo democrático. A nossa posição é muito clara. Fazemos um apelo à participação nas eleições e é uma barragem clara, sem ambiguidades, à extrema-direita. Será também o caso para as presidenciais, como foi, aliás, para as municipais de Avignon, onde a extrema-direita perdeu uma derrota forte depois também de o festival ter tomado posição e ter anunciado que não trabalharia com a extrema-direita se esta tomasse o poder na cidade de Avignon. Felizmente não foi o caso e não será o caso, eu creio, também nas presidenciais. Sinto muita confiança na lucidez democrática das francesas e dos franceses.” Avignon é, historicamente, a cidade-teatro aberta à contestação, o festival sempre foi politicamente atravessado pelo seu tempo, como acaba de dizer, assim como em Maio de 68, os debates pós-coloniais, as crises migratórias. Este ano, qual é a causa a atravessar esta edição? “Cada Festival de Avignon é, por um lado, um sintoma de implicação com a actualidade, com os grandes fenómenos da actualidade e, portanto, a cada festival vemos novas questões, novas causas, novos debates a surgirem. E é também por isso que este ano quisemos celebrar esta 80ª edição, pondo as questões e os questionamentos no centro do discurso. Este é um festival que desde 1947, por 80 ocasiões, colocou questões ao mundo, as questões dos artistas, acompanhando os artistas a criar espectáculos que traduzem os seus questionamentos e permitindo ao público de se apropriar destas questões para ter os seus debates. O Festival é muito conhecido pelos seus debates, apaixonantes e apaixonados, por vezes bem intensos, e nós gostamos que seja assim. Gostamos que seja assim, aqui no Café das Ideias, onde estamos e onde acontecem todas as manhãs grandes debates, mas também nas ruas, nas praças, espontaneamente. Discutindo espectáculos, nós discutimos o mundo e questionamos o mundo. Este ano, como todos os anos, julgo que a questões que atravessam a actualidade, seja questões ligadas, por exemplo, às eleições presidenciais, questões ligadas à crise climática, às vagas de calor e à aceleração de medidas que os governos têm que tomar para combater a crise climática, defender a biodiversidade, mas também a vida e o bem-estar das pessoas e questões que são intemporais. Este ano temos, por exemplo, dois Hamlet, portanto, a questão de ‘ser ou não ser', que já existe há 400 anos, aqui está de novo. É esta mistura de questão política e questão íntima, de questão pública e questão individual, que anima a cada ano o festival que quer continuar a ser um festival de liberdade de expressão, de implicação com o mundo, mas com uma grande pluralidade de pontos de vista. Não é um festival de pensamento único que está aqui para convencer as pessoas seja do que for. É um espaço de liberdade onde os artistas e o público se podem exprimir com toda a liberdade, e deve dizer-se isto várias vezes, numa França onde, infelizmente vemos, como noutros países da Europa e do mundo, a liberdade de expressão e de criação a ser ameaçada. A França não é imune a isso. Já não se trata apenas de uma ameaça, mas de ataques repetidos em vários territórios de França. Aqui em Avignon, a primeira coisa que podemos fazer para responder a essa ameaça é praticar toda a liberdade de criação, toda a liberdade de expressão.” É essa a sua assinatura mais pessoal nesta edição? Reafirmar a liberdade de criação junto dos artistas, dar-lhes um espaço seguro aqui no festival? “Eu não acredito em assinaturas pessoais. Isto é o trabalho de mais de 700 pessoas que organizam este festival. O pensamento do festival não emana apenas de mim, é de dezenas de pessoas, de centenas de discussões, ele emana dos artistas e emana do público. E eu convido sempre quem me coloca essa questão de ‘Qual é a marca que tu, enquanto director, queres imprimir? Qual é o teu cunho pessoal?' O meu cunho pessoal é: Perguntem às pessoas na rua o que sentem em relação a este festival, como estão a vivê-lo. É permitir colocar-me ao serviço desta história, desta aventura colectiva que atravessa gerações. São os filhos que transmitiram aos netos, que transmitem aos vindouros este amor do teatro e este amor de poder juntar-se sem ser à volta de uma mesma ideia, juntar-se à volta do debate, à volta do facto de podermos estar juntos, felizes, a desfrutar das artes do teatro em desacordo. Este desacordo é o princípio do diálogo e o diálogo é o fundamento da democracia.” Falou da questão da filiação, da transmissão intergeracional. Está em França há quatro anos. Emigrou como o seu pai e como tantos milhares de portugueses o fizeram no século XX, durante a ditadura portuguesa. O seu pai foi acolhido pela França e o Tiago é convidado pela França para dirigir o maior festival de teatro francês, quando justamente há esta ameaça de a extrema-direita chegar ao poder. Isto é uma história que poderia dar uma peça de teatro. Qual é o poder simbólico desta história no contexto político actual? “Devo dizer que, enquanto director do Festival de Avignon, português, saber que estou ao serviço desta aventura, dos valores democráticos, republicanos, progressistas deste festival que é um festival também ecologista, feminista, anti-racista porque defende esses valores da democracia, da liberdade, da igualdade, da fraternidade, saber-me ao serviço destes valores, através deste festival, é para mim, de alguma forma, tentar também pagar a dívida de gratidão que tenho em relação à sociedade francesa que acolheu o meu pai quando o meu pai precisava de ser acolhido.” Obrigada por continuar a transmitir esta história e obrigada por também transmitir a história da emigração. “Vou dizê-lo para a RFI, é a primeira vez que falo disto publicamente: acho que será o tema do meu próximo espectáculo.”

A encenadora, actriz e escritora brasileira Carolina Bianchi regressou ao Festival de Avignon para estrear “Uma Luz Cordial”, o último capítulo da "Trilogia Cadela Força" aqui iniciada em 2023. Esta é “uma luz atrelada à expressão da violência”, mas também à "expressão do prazer", conta-nos a artista que neste espectáculo confronta o público com “o enigma” que atravessa a peça e que envolve teatro, literatura e sexualidade. Carolina Bianchi e a sua companhia Cara de Cavalo vão também fazer dois dias de maratona teatral de 10 horas com as três peças seguidas da trilogia, um gesto movido pelo desejo de “aventura total”. Carolina Bianchi encerrou a trilogia iniciada em Avignon com “Uma Luz Cordial”, um espectáculo que leva para o palco a violência do acto de escrever e o mistério da sua própria sexualidade. Esta é “uma luz atrelada à expressão da violência”, mas também “à expressão do prazer”, conta-nos a artista que foi buscar o título da peça a um poema que lhe é fundamental: “My Life Had Stood a Loaded Gun”, de Emily Dickinson, em que a imagem de uma arma carregada lhe evoca o potencial explosivo de uma poeta a escrever. Além do novo espectáculo, Carolina Bianchi e a sua companhia Cara de Cavalo retomam toda a trilogia nesta 80ª edição do Festival de Avignon e o público poderá ver, no mesmo dia, “A Noiva e o Boa Noite Cinderela” [que a revelou aos palcos europeus e com o qual conquistou o Leão de Prata da Bienal de Veneza em 2025], “The Brotherhood” e “Uma Luz Cordial”. A maratona teatral de 12 e 13 de Julho, na Opéra Grand Avignon, dura diariamente cerca de dez horas, um gesto movido pelo desejo de “aventura total”, em referência à "obra de arte como aventura total” do artista Alberto Greco, de quem também fala em palco. “A Noiva e o Boa Noite Cinderela”, o primeiro capítulo, arrasta o público para o inferno das violações e dos feminicídios. “The Brotherhood”, o segundo capítulo, mergulha-nos nas alianças masculinas que têm dominado a história da arte e do teatro e verbaliza o fascínio por esses mestres da arte e da violência. Agora, “Uma Luz Cordial”, o terceiro capítulo, tenta fintar a brutalidade da criação artística e faz a literatura irromper em todo o espaço cénico. Diluem-se novamente fronteiras entre teatro e poesia, entre ficção e real, entre autor e alter ego. Carolina Bianchi vai desaparecendo de cena para reaparecer “nas vozes” de autoras como Hilda Hilst e Emily Dickinson. Não se pense que este último capítulo vem curar alguma dor porque, ela avisa em palco, “a dor não passa” e “não há salvação”. Há, no entanto, uma luz ao fundo do túnel, a tal “luz cordial”, ainda que corresponda ao disparo de uma arma no poema “My Life Had Stood a Loaded Gun”. O teatro radical de Carolina Bianchi, que deixa enigmas e não dá respostas, que leva para o palco a complexidade e a perplexidade do mundo, que leva à tona tanto a parte maldita quanto a parte poética da criação, está no Festival de Avignon até 12 de Julho. RFI: Como é que nos pode apresentar este terceiro capítulo que fecha a trilogia “Cadela Força”? Carolina Bianchi, Autora e encenadora da trilogia teatral “Cadela Força”: “Uma Luz Cordial é um trabalho que vai na direcção da escrita, sobre o acto de escrever. Então, ele é, na verdade, eu me colocando ali também, nesta travessia deste espectáculo, como a escrita em si, o meu corpo está muito mais fora de cena do que nos outros trabalhos da trilogia. Acho que também tem essa questão: a de uma escritora que está desaparecendo, que está se tornando pura escrita. Por tocar nesse assunto da escrita, acho que forma um triângulo muito importante com outras duas coisas, que é a imaginação e a sexualidade. Aí, para mim, surge uma equação do enigma desta terceira parte, que é o que atravessa este último capítulo, estas três palavras que não se conseguem mais dissociar, a escrita também como uma possível expressão da sexualidade e é não só falar sobre a sexualidade, mas a escrita como expressão de uma sexualidade. Acho que, sobretudo, é também muito importante dizer: a literatura como forma de prazer.” Há uma poesia de Emily Dickinson essencial na peça, que fala em "uma luz cordial" em que "a arma tem o poder de matar, mas não de morrer". Por que chamou ”Uma Luz Cordial” ao terceiro capítulo? “Esse é o meu poema preferido da vida. Emily Dickinson traz uma possibilidade de ler esse poema - porque é o que eu digo também no trabalho: é difícil chegar a uma conclusão sobre como analisar um poema de Emily Dickinson. E essa é a coisa mais bonita sobre essa autora, que trabalha com enigmas, com espaços de puro mistério na sua escrita, na sua poesia. Acho que essa imagem de uma arma carregada que, para mim, pode ser a imagem da poeta a escrever, é uma das imagens mais bonitas que a poesia já trouxe para o meu imaginário. Aí vem essa frase ‘Uma luz cordial' que está no poema e ela essa sentença para descrever o momento do disparo da arma. Então, o tempo todo ela está trazendo nesse poema esses dois lados de uma arma que também é uma arma que é uma expressão de violência e, ao mesmo tempo, quando o disparo é descrito como uma luz cordial isso também traz outra imagem sobre essa arma, que é uma imagem de vida, uma imagem de sorriso, uma imagem de prazer, uma imagem de iluminação que é muito forte.” Em “A Noiva e o Boa Noite Cinderela” a principal inspiração era a artista italiana Pippa Bacca, violada e assassinada em trabalho. Em “The Brotherhood”, inspirava-se também na dramaturga Sarah Kane que dizia que “não há amor sem violência” e que explorava os temas do amor e da violência. Agora, as suas musas são Hilda Hilst e Emily Dickinson. Porquê falar através da voz destas artistas mulheres e porquê levar de forma tão franca a literatura para o teatro? “Tem uma coisa que eu acho que é importante dizer. A Pippa Bacca, para mim, ela não foi tanto uma inspiração como a minha relação com a Sarah Kane, talvez com outras dessas autoras. Acho que a Pipa Baca tinha uma coisa ali de um mistério do qual eu precisava, era quase a atracção de um detective que eu acho que é um pouco diferente. Nestes dois outros trabalhos, quando Sarah Kane aparece, quando vem a Emily, a Hilda e outras vozes também, para mim tem um aspecto de um encontro que é um encontro onde você se sente pertencente a um lugar ou onde você tenta pertencer a um lugar onde encontra essas outras autoras, onde você se sente menos sozinha, onde você tem um lugar onde se reconhece numa história. Acho que isso acontece muito com a Sarah Kane na ‘Brotherhood', alguém que fez espectáculos extremamente violentos, que sofreu também muitas consequências, boas e ruins, dessa dramaturgia sem concessões que ela fazia. Agora, nesta terceira, o ponto onde a coisa ainda fica mais profunda é a questão de elas serem alter egos. Quando eu falo dessa escritora que morreu e que agora aguarda nesse outro espaço essa hora de voltar, para mim, esse virar escrita também significa dissolver-se em alter egos. A minha voz já não é essa voz central, a voz está espalhada, está tudo espalhado, estilhaçado. Tudo ali é duplo. Também vem essa ideia da fantasmagoria em si, que eu também falo nos outros capítulos. Para mim, essa fantasmagoria chega no seu ápice na trilogia, que é a ideia de que nem sequer essa voz é a voz que agora é a mais ouvida. Essa voz precisa de se dissolver em alter egos e o da Emily Dickinson - que ocupa um lugar muito importante na minha vida, na minha história, com a literatura, com a escrita - aparecem também nesse chamado para seguir escrevendo.” Também interroga o próprio sacrifício da escrita e a violência que é escrever? “Sim, interroga, mas também é um lugar de prazer. Para mim, é muito importante afirmar essa palavra neste último capítulo, que eu acho que também é uma palavra que pouca gente esperava que fosse aparecer aqui. Há uma questão de associação entre a literatura e o prazer e, por isso, também a gente está associando com a questão da sexualidade, porque eu estou trazendo uma sexualidade que também se está colocando como uma grande desorganização, como um grande enigma o tempo todo. Aqui, isso está mais endereçado do que nunca. Então, é um corpo que está ali fervendo, que é o corpo da escritora, que é o corpo da escrita, que é um corpo que também está revelando uma expressão sexual muito forte.” Por isso é que traz esse corpo colectivo da sexualidade para o palco, com os actores da sua companhia Cara de Cavalo? “Sim, sim, porque eu acho que tem ali mesmo uma pergunta sobre como se manifesta essa sexualidade no espectáculo, sem ser a sexualidade de estar atrelada ao real ou o sexo real no palco ou a representação. Não me interessa essa pergunta. Nesta peça, para mim, interessa-me falar como manifestar essa sexualidade que está atrelada ao acto de escrever. É uma sexualidade que vem da palavra e uma sexualidade que está atrelada à leitura. Ela é uma sexualidade que é o tabu da leitura, que limites são esses também que a literatura explode o tempo todo e que para o teatro é mais complicado. Então, acho que tem uma tensão aí entre teatro e literatura, entre o acto de ler e de você também não poder escapar dessa literatura. Acho que tem muitas coisas aí onde esse fio vai dando um nó mesmo.” Nessa “dramaturgia sem concessões”, em que leva também a sexualidade para o palco, recorre a uma obra que a escritora Hilda Hilst escreveu para fintar o pedido do editor que queria uma obra que vendesse muito. A Carolina coloca em cena uma marioneta a representar uma criança manipulada por dois adultos e durante 20 minutos ela fala da sua prostituição infantil. É uma das cenas mais fortes desta peça. Porquê esta cena? “Porque o meu desejo era colocar um livro dentro da peça. Ali a gente tem um livro que é ‘O Caderno Rosa de Lori Lamby' e acho que tem uma questão que ainda traz neste livro particular que é uma resposta a uma determinada maneira que o mercado editorial trabalha, que eu acho muito forte, porque ele é um livro sobre escrita. É uma menina que escreve o tempo todo e é o que a marioneta faz também em cena, ela escreve o tempo todo. Então, uma menina que escreve o tempo todo, inspirada pelo pai, que é um escritor que tem problemas também para vender os seus próprios livros. Inspirada pelo que ela ouve das conversas ao redor, das coisas que lê, ela começa a escrever esse relato. Acho que tem uma coisa que eu acho muito bonita que é, primeiro, uma questão do tabu, um tabu enorme que é a imaginação sexual de uma criança, porque não é só uma questão de abuso, acho que tem ali uma questão ou outra que é o que uma criança imagina quando escreve e isso é uma coisa que toca todo o mundo. Todos nós já fomos crianças. Todos nós sabemos que é uma imaginação que ainda não está tão moldada pelos limites, pelos tabus. Ela narra uma questão extrema nesse contacto dessa imaginação, tem um caminho extremo que a Hilda percorre, porque ela sabe que isso vai provocar algo ali, nesse tabu, com o jeito que a gente percebe essas situações. Ao mesmo tempo, tem uma coisa da escrita dela que é extremamente poética, que tem humor, que é uma coisa que você vê nos outros livros dela que eu acho muito importante. Acho que tem uma coisa desse choque também que isso provoca, que eu acho que é curioso também, que vem na cena seguinte mais explicitamente, que é uma cena que é “O Caderno do Cu do Sapo Liu Liu”, onde a gente tem o inverso, que é o grande escritor que escreve coisas terríveis, violentíssimas e é considerado um génio. Ele é considerado um Rimbaud. A gente está aqui na França, a terra de Georges Bataille, de Marquês de Sade, e é interessante como Hilda Hilst é tão chocante.” É por ser mulher? “Eu acho que o facto de ser mulher também faz ser mais chocante. O facto de ela ser mulher, o facto de ela ter escrito esse livro quando ela tinha 60 anos, mas eu acho que não vem a ser uma questão para mim pessoalmente. Eu não sei se isso é uma questão para quem lê isso e fica completamente perturbado, mas para mim, as questões dela ali, em relação à literatura, aos não limites que a literatura pode operar, são muito interessantes para mim.” Apesar da violência relatada por si e pelas mulheres de que fala, apesar de toda a vulnerabilidade, a trilogia chama-se Cadela Força. Agora que temos a trilogia completa em palco, por que é que a chamou assim? “Essas duas palavras não têm um significado específico quando colocadas em par. Elas não estão nem se dando adjectivo no português brasileiro, elas são palavras que não se estão completando, elas são realmente duas palavras jogadas ali. Acho que tem uma coisa sobre essa sonoridade que elas produzem, sobre as milhares de imagens que essas duas palavras podem produzir em contacto com os materiais da peça. E elas também têm um enigma delas, um segredo.” Na peça diz que “não há salvação”, que “não passa a dor”. Lemos que “o teatro é uma armadilha, que a literatura é uma armadilha e que talvez ainda esteja na mala do carro”, em referência à violação que sofreu e que conta no primeiro capítulo da trilogia. Quem viu os capítulos um e dois poderia esperar uma espécie de salvação no capítulo três ou, pelo menos, que o teatro fosse uma forma de reconstrução para si e, através de si, para outras mulheres. Não foi? “Não. E acho que quem esperava isso de mim assim estava muito equivocado. Para mim, é impossível pensar no teatro como salvação. Eu acho que já estou anunciando isso desde o princípio. Esse lugar de que o artista é alguém que precisa conceder esperança à sociedade, respostas à sociedade, conclusões de perguntas que são impossíveis, é um delírio e uma alucinação porque os artistas não têm essa responsabilidade. O que me interessa é justamente esse mistério do teatro. O teatro começa como um ritual dionisíaco, os rituais dionisíacos eram cheios de violência, cheios dessa violência poética que opera no fundamento da história do teatro. Então, eu acho que o teatro é um lugar onde ele precisa operar na chave do mistério, da instabilidade, não como salvação de nada.” Nas entrevistas que fizemos, em 2023 e em 2025, sobre os capítulos anteriores da trilogia, dizia-nos que “A Noiva e o Boa Noite Cinderela” falava da “antecâmara do inferno já com um pé no inferno”, que “Brotherhood” era “acordar no purgatório” e tentar perceber o que significa “situar-se no teatro depois de voltar do inferno”. E neste terceiro capítulo? “Esse capítulo, a gente chega na citação do 'Paraíso' de Dante Alighieri, esse momento onde tem uma imagem do paraíso que é muito linda, em que ele começa a ver esses espíritos, essas imagens de luz. Quase como chega um ponto ali onde, depois de ele se entender incapaz de seguir escrevendo, ele já se perdeu ali do Virgílio que encontrou uma outra musa que é a Beatriz que agora tem a palavra. Acho que tem alguma coisa nessa transformação onde a luz aparece, para mim, atrelada a uma expressão de violência que está no poema da Emily Dickinson, que também abre esse lugar de onde também há esse prazer da literatura que aparece. Esse lugar onde a literatura vai dominando tudo, onde essa ficção vai dominando tudo. É essa conexão que eu faço com o paraíso, com esse lugar onde a violência não pára, onde a violência não se resolve, mas ela chega a outras formas.” Não há salvação, mas há uma luz cordial? “Mas lembre-se que à luz cordial é o disparo da arma.” Fecha a trilogia no sítio onde a começou, no Festival de Avignon. Mostra o terceiro capítulo, mas também os dois anteriores. Já alguma vez representou dez horas seguidas e por que é que decidiu fazer algo quase sobre-humano? “Nunca representei por dez horas seguidas. Sobretudo, acho que nada me teria preparado, mesmo se tivesse feito. Não, nada me teria preparado para fazer isso, porque acho que essas dez horas são dez horas muito específicas, muito desse universo onde há aí uma consequência de se fazer algo depois do primeiro capítulo e eu acho que é isso que a gente vai estudar juntos. O que é que isso muda na nossa leitura de espectáculos que as pessoas já viram? Como eles vão ler esses espectáculos agora com esse efeito presente e contínuo? O que acontece? O que acontece com o teatro? O que acontece com a performance? O que acontece com a literatura quando se leva isso, essa experiência, que é uma experiência extrema? Tem uma frase num dos textos de ‘Uma Luz Cordial', onde eu estou-me referindo a um outro artista que é o Alberto Greco, um artista argentino, e ele diz que acredita na obra de arte como aventura total. Para mim, isso resume muito bem este gesto. Então, para si, é uma obra de arte total? “Não, aventura total. Não sei se é uma obra de arte total o que nós fazemos, mas eu acredito que o desejo de fazer essa obra tem a ver com esse desejo pela aventura total.” A trilogia ajuda a pensar o impensável. Verbaliza a violência, apropria-se da linguagem da violência para desconstruir o sistema em que ela se baseia. Ao fazê-lo, também não alimenta o sistema em que “Somos todos brotherhood”? Não há maneira de quebrar o ciclo? “Acho que não. Eu não saberia dizer. Acho que não. Acho que esse ciclo talvez vai ser um ciclo que vai demorar muito para ser quebrado. Onde estamos agora no mundo, o que a gente está vendo acontecendo ao redor do mundo, esse conservadorismo extremo, esse fascismo extremo que está em toda parte, que está no mundo das artes também, eu não vejo ainda uma saída desse ciclo. Sinto muito., mas espero que exista um dia. Não sei se eu vou estar aqui para assistir isso, mas…” Foram vários anos a escrever, a interpretar, a representar, a sofrer também com esta trilogia que agora fecha. Olhando para trás, o que é que representou para si e o que gostaria que ela deixasse junto de quem a viu? “Eu acho que é uma coisa enorme. Mesmo assim, eu nunca vou conseguir, talvez nem nesta encarnação, ter distanciamento suficiente para ver tudo o que isso representou na minha vida, na vida das pessoas que trabalham comigo ou ainda de quem acompanhou o trabalho. Agora eu estou muito próxima, ainda estou muito aqui para entender qualquer coisa sobre isso. Eu sei que as mudanças que isso faz na minha vida são imensas. A minha vida foi completamente transformada e transtornada por esse trabalho, mas eu sinto isso assim, eu sinto que eu estou aqui, eu estou dentro dele ainda. Talvez no ano que vem eu consiga já ter um pouco mais de distanciamento para entender, porque agora eu só consigo dizer que isso mexeu em tudo. E eu estou ainda no meio desse furacão.” O furacão que também afectou o público e, se calhar, a história do teatro contemporâneo? “Tomara que sim. Eu nunca consigo afirmar muito esse tipo de coisas. Não sei. Tomara que sim. Tomara que tenha afectado muita gente. Eu acho fez algo, com certeza, com este contexto, mas eu preciso de distanciamento mesmo para entender o que foi feito, o que mexeu.”

Escolhido para representar Portugal na Bienal de Veneza, Alexandre Estrela apresenta uma instalação - RedSkyFalls - onde criaturas reagem a atividade sísmica em tempo real.See omnystudio.com/listener for privacy information.

A Bienal de Veneza 2026 abre-se ao áudio, às imagens poderosas, às palavras, aos pensamentos, à poesia – num programa estético e político que nos traz em novidade vozes e rostos de regiões habitualmente ausentes do nosso quotidiano. É uma das grandes atrações europeias a quem visitar o Velho Continente até novembro.

A arte das geografias mais longe da vista mostra-se na Bienal, em Veneza. Uma crónica de Francisco Sena Santos.See omnystudio.com/listener for privacy information.

Hablamos con Concha Choclán, historiadora y directora de la institución, sobre la cultura ibera y la labor del museo. En la segunda mitad del programa, Paula Carrelo nos presenta el Bienal de Néxodos, el encuentro anual de creación contemporánea y arte al aire libre en entornos rurales. Después, nuestra compañera Sonia Castelani nos guía en el montaje del Museo Thyssen sobre la restauración de 'Venus y Cupido' de Rubens. Terminamos con nuestra colaboradora María Zaragoza, en la Tela de Aracne, para hablar de la escultora Nikki de Saint-Phalle.Escuchar audio

Alejandra Forero y John Vela son una artista plástica y un diseñador industrial colombianos que tienen un laboratorio de arte y diseño: Zorro y Conejo. Sus proyectos mezclan instalación, juego, exploración y acción poética. Y tienen diferentes formas: objetos, carteles, fanzines y más. En esta entrevista nos cuentan de varios proyectos con niñez. Crean espacios para mirar lo que nos pasa desapercibido. Piensan en el riesgo y la autonomía de les niños y niñas que conectan con adultos a partir de mensajes en las paredes. Sus trabajos: Sala de lecturas para la fundación Habitat Sur, diseñada con la comunidad de niños y niñas de Leticia- Amazonas, proyecto en el marco del festival ¨Salva tu Selva¨ Instalación de juego y lecturas en el espacio urbano de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño Participación en la Bienal de artes para la primera infancia del Instituto Distrital de las Artes en BogotáEsta entrevista es parte de las listas: NIñez y diseño, Arte y diseño social, Diseño industrial, Colombia y diseño, Territorio y diseño, Colectivos y Cooperativas de diseño. Alejandra y John nos recomiendan: María José FerradaJorge LujánJavier NaranjoArturo EscobarClara EslavaFernando Martín Juez

Ep 7. Nem todo viandante by Bienal de São Paulo

Histórias de quem torce e de quem corneta. No primeiro ato: a água da sarjeta mostra o caminho. Por Maíra Vallejo. No segundo ato: revolucionários do Brasil, uni-vos: para secar a seleção brasileira. Por Vitor Hugo Brandalise. Membros do Clube da Novelo podem ouvir os episódios do Rádio Novelo Apresenta antecipadamente, além de ter acesso a uma newsletter especial e a eventos com a nossa equipe. Quem assinar o plano anual ganha de brinde uma bolsa da Novelo. Assine em ⁠⁠⁠https://clube.radionovelo.com.br/ Inscreva-se no canal da Rádio Novelo no YouTube: https://www.youtube.com/@R%C3%A1dioNovelo Siga a Rádio Novelo no Instagram: https://www.instagram.com/radionovelo/ A segunda temporada do podcast “Em Obras” chegou! O que uma obra de arte da 36ª Bienal de São Paulo tem a ver com a vida da gente? Descubra em conversas com nomes como Itamar Vieira Junior, Maria Homem, Milly Lacombe e Michel Melamed, com narração de Xênia França. Novos episódios estreiam toda sexta-feira. O projeto é uma coprodução do UOL com a Fundação Bienal de São Paulo, e foi realizado com apoio do Programa de Ação Cultural — ProAC, da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Governo do Estado de São Paulo. Insider: tecnologia aplicada à rotina – peças que desamassam no corpo, facilitam a evaporação do suor e seguem confortáveis por horas. Utilize o cupom RADIONOVELO e tenha 15% OFF na 1ª compra e 10% OFF nas próximas – e ainda soma com os descontos do site. https://creators.insiderstore.com.br/RADIONOVELO #insiderstore Palavras-chave: corrida de tampinhas; futebol; Copa do Mundo; Seleção brasileira; previsão; Copa 1970; luta armada; esquerda brasileira; ditadura militar Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Dois corpos negros completamente nus, vestidos apenas com meias e tênis brancos. Rodeada pela plateia que se senta ao chão, a dupla de performers brasileiros marca o ritmo da coreografia com o bater dos pés. Com a obra Repertório número 3, os artistas cariocas Davi Pontes e Wallace Ferreira foram indicados ao maior prêmio da dança mundial, o Rose International Dance Prize, do Sadler's Wells, a principal casa de dança internacional do Reino Unido. Yula Rocha, correspondente da RFI em Londres Uma performance política pós-colonial que explora questões centrais de gênero e raça no Brasil e no mundo, a obra indicada foi resultado de uma pesquisa de quase dez anos que teve lançamento na Bienal de São Paulo, em um momento político dominado pela retórica da extrema direita no Brasil. Wallace Ferreira explica que o Repertório número 3 é a segunda parte de uma trilogia que começa em 2018 e surge em um contexto histórico importante para o Brasil. E foi justamente essa performance que levou os dois artistas cariocas para o mundo. “Esse trabalho fala muito sobre o Brasil, mas também são questões que atravessam [fronteiras]. Pra gente não tem como falar sobre racialidade e violência, sem falar sobre o contexto político atual. Sinto que é um trabalho que responde a uma questão no Brasil, mas o mundo se reconhece” , diz Davi Pontes. Davi e Wallace se referem à violência, discriminação e ameaça à sua própria existência como pessoas negras periféricas. A coreografia tem marcação ritmada, com poses e gestos sedutores diante do olhar julgador do público. Em resposta, a dupla apresenta o que chama de "uma dança de autodefesa". “A cada situação de violência, a cada operação policial essa palavra [autodefesa] volta, ela precisa ser dita. A importância desse  trabalho é olhar para o contexto do mundo atual e perceber que as coisas não estão fáceis. E ainda assim conseguir trazer uma alternativa possível de continuar vivendo nesse mundo”, diz Davi. Para Wallace a autodefesa tem diversas maneiras de se acontecer: “ela está no embate, está no escape, no se camuflar, no constranger, na ironia, no deboche, no humor. Nos interessa pensar numa ideia de se autodefender que seja mais opaca, que não seja explícita.” E a autodefesa não é luta física. "É estar presente, ali, na sua frente. Dois dançarinos  negros, marginalizados que existem, resistem. É sobre a presença de corpos nus, rodeados pela platéia sentada em volta deles no chão. A obra dos brasileiros foi indicada ao prêmio aqui em Londres justamente por seu valor e qualidade como peça coreográfica e teatral, mas também por sua relevância e urgência. Por questionar a nossa percepção e o posicionamento que escolhemos ter", diz Wallace. Davi explica que ter a platéia tão próxima e no mesmo nível que os dançarinos é entender que todos os que estão presentes fazem parte do jogo e são responsáveis pelo o que está sendo apresentado. “Esse trabalho se coloca na situação de responder, de ouvir, de observar e estar atento.” A dupla nunca sequer cogitou estar vestida em cena “A pesença de um corpo negro nu no espaço de fato causa tanto incômodo que eu não preciso mover e criar embate, só a minha presença já torna insustentável de olhar. Dependendo do país, a gente entra na sala e as pessoas querem correr porque elas não conseguem lidar com aquilo", aponta. Wallace afirma que não se sente vulnerável: “Entendemos que o lugar da vulnerabilidade é também um lugar de potência”. Wallace foi criado em Vigário Geral e Davi em São Gonçalo, bem longe das famosas Ipanema ou Copacabana. Da periferia do Rio, fizeram carreira internacional desconstruindo padrões e expectativas da dança contemporânea. A  temática política continua a guiar o próximo trabalho deles - uma colaboração com outros coreógrafos estrangeiros. “É bom não esquecer onde tudo começou ainda numa sala vazia, pra quando chegar em uma sala lotada não pensar que tudo aconteceu do nada. A vitória vem se construindo todos os dias. Que eu ainda possa acordar e falar: -  hoje vou viver do meu trabalho, vou viver fazendo aquilo que eu acreditei, aquilo que eu sonhei”, conclui Wallace. O vencedor do prêmio será anunciado em fevereiro do ano que vem, quando os indicados brasileiros Davi e Wallace se apresentam nos palcos de Londres.

O sexto episódio do podcast `'Em obras', coprodução do UOL com a Fundação Bienal de São Paulo, fala sobre o poder da música e suas tecnologias de difusão, como o rádio e a radiola. A narrativa acompanha a presença do reggae jamaicano no Maranhão, onde o gênero se consolidou como parte da vida cultural e social, especialmente na capital São Luís. O episódio aborda as diferentes hipóteses para a chegada do estilo por aqui: uma delas é a de que ondas curtas vindas de rádios do Caribe viajavam até o Brasil e eram sintonizadas nos aparelhos de São Luís. A artista Gê Viana, que levou a radiola maranhense à 36ª Bienal de São Paulo por meio da obra 'A colheita de Dan', mostra como o gênero foi incorporado localmente até se tornar parte de uma identidade musical própria. O podcast também passa pela trajetória do músico Hyldon, evidenciando o papel do rádio na formação brasileira dos anos 1960, quando o aparelho representava um espaço de descoberta e imaginação.

La Bienal de Venecia, Korea como la 6ta bolsa más importante del mundo, energía nuclear, IA reemplazando torres de control, Anthropic con las grandes consultoras y la pregunta que nadie quiere escuchar: ¿la IA le da mejores respuestas a tu hijo que tú?Un episodio sin filtros. Temas que mueven dinero, cultura y el futuro de tu empresa.━━━━━━━━━━━━━━━━━━━━━━━━━━━━━

#36bienal | audioguia | Antonio Társis | Fortaleza by Bienal de São Paulo

#36bienal | audioguia | Korakrit Arunanondchai | Fortaleza by Bienal de São Paulo

#36bienal | audioguia | Wolfgang Tillmans | Fortaleza by Bienal de São Paulo

Davi Ramos faz história como o primeiro brasileiro e homem negro a se tornar bailarino principal do The Australian Ballet; o professor Benno Torgler explica a pressão psicológica dos pênaltis na Copa do Mundo; a Bienal de Veneza aposta no diálogo em meio às tensões globais; e o Brasil reduz pela metade as taxas de emissão de passaportes emitidos na Austrália.

En el comienzo un reconocimiento al Madrid flamenco aprovechando la festividad de su patrón que se celebra estos días y empezamos con artistas madrileños como la guitarra de Mario Herrero o el piano de Pedro Ojesto. Nos visita Luis Ibarra que es director de la Bienal de Flamenco sevillana para comentarnos y escuchar algunos de los artistas programados en esta edición 2026 que comenzará el próximo mes de septiembre.Escuchar audio

Comenzaremos la primera parte del programa hablando del viaje de Delcy Rodríguez a La Haya por una disputa territorial entre Venezuela y Guyana; y de la posibilidad de adelantar las vacaciones escolares en México por el Mundial 2026. Hablaremos también del cumpleaños número 100 del naturalista británico David Attenborough y su legado para el mundo de la ciencia; y por último, de la Bienal de Venecia 2026, que bajo el título "Minor Keys" (Claves Menores), explora la sanación colectiva con obras sonoras e inmersivas.   Como siempre estará dedicada a la lengua y cultura de América Latina. El diálogo gramatical ilustrará ejemplos de Se Emotivo and Se Aspectual mientras hablamos de la mandioca o yuca, un alimento clave para los paraguayos. Cerraremos la emisión explorando el uso de la frase Cada loco con su tema. En este segmento hablaremos de las Cuevas de K'anba en el norte Guatemala. - Delcy Rodríguez viaja a La Haya por disputa territorial con Guyana - México evalúa cambiar el calendario escolar por la Copa del Mundo - El gran naturalista David Attenborough cumple cien años - Comienza la Bienal de Venecia en medio de polémicas - La mandioca, el pan de los paraguayos - Las cuevas más visitadas de Guatemala

Como siempre, dedicaremos la primera parte del programa a comentar la actualidad. El primer tema de discusión está relacionado con un artículo de la revista The Atlantic. El autor del artículo asegura que Estados Unidos podría haber sufrido una derrota en su confrontación con Irán, y que la pérdida estratégica estadounidense no tiene remedio. Después, hablaremos de una investigación penal francesa a Elon Musk y su red social X. Las acusaciones incluyen diseminar imágenes de abusos sexuales infantiles, deepfakes, desinformación, y complicidad con la negación de crímenes contra la humanidad a través de Grok, el sistema de IA de X. En la noticia de ciencia de la semana, hablaremos de un estudio que indica que los loros silvestres copian a otros loros cuando prueban nuevos tipos de comida. Y concluiremos la primera parte del programa de hoy discutiendo la 61ª Bienal de Venecia, que se inauguró el 9 de mayo en medio de protestas e intensas tensiones geopolíticas. El resto del episodio de hoy lo dedicaremos a la lengua y la cultura españolas. La primera conversación incluirá ejemplos del tema de gramática de la semana, Se emotivo and Se aspectual. En esta conversación hablaremos de una investigación y un juicio que cambió la legislación española de la protección animal. Una trabajadora de la empresa Vivotecnia grabó horas y horas de maltrato a animales en este laboratorio. Entregó esas pruebas a una ONG y esta denunció a la empresa. Hoy en día, aunque los laboratorios continúan usando animales para probar sus medicamentos, los protocolos son más exigentes. Y, en nuestra última conversación, aprenderemos a usar una nueva expresión española, Ir viento en popa. La usaremos para hablar de Amancio Ortega, el propietario de Inditex, la conocida empresa española textil que posee marcas como Zara o Massimo Dutti. Desde 2026, este empresario español se ha convertido en el magnate inmobiliario más grande del mundo. Su empresa inmobiliaria tiene edificios por un valor de 25.000 millones de euros. Explicaremos su estrategia en marketing y cómo repercute esta en sus dividendos en inmobiliaria. ¿Está perdiendo EE. UU. su confrontación con Irán? Las autoridades francesas continúan las investigaciones penales del sistema de IA Grok de Elon Musk Los loros silvestres copian a otros loros cuando prueban nuevos tipos de comida Las controversias políticas definen el festival de la Bienal de Venecia 2026 Juicio por maltrato animal El mayor magnate inmobiliario del mundo

Desacelerar, escutar e criar espaço para reflexão num momento de guerras, polarização e excesso de ruído político e mediático. A curadoria da Bienal de Veneza 2026 propõe uma arte menos baseada no choque e mais na contemplação, no diálogo e na convivência.

Arranca la Bienal de Venecia más polémica Buenos tiempos para la lectura en España Fujiyoshida contra el turista maleducado Los cefalópodos, desprotegidos en la investigación según Nature

15 minutos a cada 15 dias.No episódio de hoje, Edmara Galvão faz uma comentário especial sobre os 70 anos de Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa, e fala sobre a oralidade, as adaptações, as traduções, faz uma breve biografia e conta das outras que estão chegando — também dá dicas para quem quiser conhecer o trabalho pela primeira vez. Ela também fala sobre a posse na Academia Brasileira de Letras de Milton Hatoum, comenta sobre os números da Bienal da Bahia deste ano e compartilha um pequeno interesse recente sobre "Diário de uma Apotecária".Por conta do tamanho do episódio, ficamos com recebidinhos e a Resenha Relâmpago para o próximo episódio!---Links citados30:MIN 407 - Grande Sertão: Veredas - Guimarães Rosa30:MIN 485 - Sagarana - Guimarães RosaMilton Hatoum: "Esse é o impasse de milhões de brasileiros até hoje: a angustiante ausência de articulação do pensamento com a palavra"Conheça os melhores livros brasileiros de não ficção do século 21, segundo júri convidado pela Folha

Durante os próximos seis meses, a Bienal de Veneza entrega aos visitantes de todo o mundo promessas reconciliadoras em forma de arte.See omnystudio.com/listener for privacy information.

Hablamos con Carlos Léon Amores, arqueólogo submarino y autor de Hundidos, un libro sobre los naufragios de la armada española en América entre los siglos XV y XIX. Más tarde, Sonia Castelani nos explica la polémica de la Bienal de Venecia tras la dimisión del jurado por la participación de Rusia e Israel. Además, Iñigo Picaeba nos acerca a la muestra ENTES de Aurelia Muñoz en el Museo Reina Sofía. Terminamos con María Zaragoza, que nos presenta a la guionista June MathisEscuchar audio

A morte pode mudar os caminhos de uma história, mas não necessariamente encerrá-la. Essa é uma das discussões do quarto episódio do podcast Em obras, coprodução do UOL com a Fundação Bienal de São Paulo, que aproxima um relato pessoal de perda à obra 'Someone's Child', do artista francês Pol Taburet. O episódio parte da história da jornalista Milly Lacombe, que relembra a morte repentina da ex-mulher e o impacto devastador do luto em sua vida. A experiência íntima abre caminho para um tema mais amplo: como a finitude reorganiza o sentido das relações e da própria existência. Na instalação apresentada na última edição da Bienal, Taburet sugere um espaço em que vida e morte não se opõem, mas coexistem. Em comum, as duas narrativas apontam para a noção de ciclo, em que o fim não elimina o que veio antes, mas se incorpora a ele.

Corra o Circuito Centauro Desbrava – Use o cupom CORRRIDANOAR10 - https://cnoar.run/CentauroDesabrava2026Nossos cupons e links - https://cnoar.run/cuponsTemos que falar sobre o Hyperboost Edge, da Adidas e a Iguana anunciou que a Expo da Nike SP City Marathon vai ser na Bienal do Parque do Ibirapuera (ufa!)O Corrida no Ar News é produzido diariamente e postado por volta das 6 da manhã.

Irán está otra vez lanzando ataques con misiles y drones contra Emiratos Árabes Unidos.Teheran insiste en que controla el estrecho de Ormuz mientras desde Washington Pete Hegseth decía hace unas horas que de momento la tregua entre su país y los iraníes sigue en vigor, aunque la tensión crece por momentos. EEUU dice que está ayudando a aquellos buques que lo pidan a cruzar el estrecho de Ormuz. En una entrevista vamos a poner el foco en qué hace que Irán lance sus ataques especialmente contra Emiratos Árabes Unidos. Hablaremos de las relaciones comerciales entre la UE y EEUU, pero también del giro de Armenia, que parece estar apostando por alinearse con el bloque comunitario y dar la espalda a Rusia. Les contaremos por qué hay polémica en torno a la edición de este año de la Bienal de Venecia, estaremos en México, en Colombia por el accidente de una mina y también en China. Además, escucharemos un reportaje sobre migrantes y literatura.Escuchar audio

Ep 3. Entre mundos by Bienal de São Paulo

Uma instalação em grande escala que atravessa verticalmente os três andares do Pavilhão Ciccillo Matarazzo. A obra de Ana Raylander Mártis dos Anjos foi pensada a partir de fragmentos da antiga casa de pau a pique de seu bisavô, que foi demolida, mas que pela memória continua habitada. O trabalho remonta à história de Bené e seus nove filhos, uma família afro-brasileira, e suas nove colunas cruzam um dos maiores símbolos da arquitetura moderna de São Paulo. Provocador em proposta e em tamanho, a obra nos faz questionar: quem tem direito à escala monumental? Quem no Brasil pode erguer pilares e atravessar andares? Neste episódio, que combina arte e psicanálise, a artista Ana Raylander Mártis dos Anjos, a cantora Xênia França e a psicanalista Maria Homem falam sobre a dimensão histórica e política de objetos transmitidos por gerações, memória e herança familiar. O podcast é uma coprodução do UOL com a Fundação Bienal de São Paulo. Esta temporada do podcast Em obras é um projeto realizado com recursos do Fomento Cult SP – ProAC, programa do Governo do Estado de São Paulo, por meio da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas.

¡Queridísimas amigas, hoy inauguramos la primera Bienal de Arquitectura del Volcán! En esta charla en el tono de la Fundación Juan March, analizaremos al arquitecto Le Corbusier a través de su libro, hacia una arquitectura. Nos acompañan en esta bienal nuestras queridas Carmen y Jaume del podcast El Punto Gordo.

Sebastián es arquitecto y artista visual. Creció en Vitoria-Gasteiz, donde tuvo su primer contacto con el mundo del arte en la Escuela de Artes y Oficios y en el Centro Cultural Montehermoso. En 2008 se traslada a Madrid para cursar estudios de Arquitectura en la Universidad CEU San Pablo, donde se gradúa con el Premio Extraordinario de su promoción. Durante la carrera es co-fundador del colectivo Micras, desde el cual desarrolla instalaciones y performances centradas en la dimensión sensible y corporal del espacio arquitectónico. Tras finalizar sus estudios, trabaja en Londres como arquitecto en el estudio Tonkin Liu Architects, y es allí donde comienza su trayectoria artística expositiva en 2016, con la muestra “Expressions” en la Crown House Gallery. A su regreso a España inicia una producción sostenida que equilibra su faceta profesional como arquitecto con su práctica artística, que complementa con estudios de Grado Superior en Técnicas Escultóricas en la Escuela de Arte La Palma. Entre sus proyectos artísticos más recientes destaca la propuesta UTOPÍA, prohibido el paso, ganadora del concurso Onsite Mugak/, en el marco de la quinta Bienal de Arquitectura de Euskadi, así como la exposición individual “Márgenes” (2025) en el Colegio Oficial de Arquitectos de Vitoria-Gasteiz, y su participación en la muestra colectiva “Stop Drawing” en el Museo MAXXI de Roma, en colaboración con la diseñadora y artista Raquel Buj. En 2024 fue finalista en los Premios AD Creators, y resultó ganador en la convocatoria “Pensar la Ciudad” (plataforma AUR) con su obra “Antropoceno”. Actualmente dirige el estudio de diseño Nooba y colabora como coordinador de proyectos el taller Métrica Mínima, al mismo tiempo que continúa desarrollando una obra coherente y expandida en los márgenes entre arte, diseño y arquitectura. 

'Segurar, Dar, Receber' é o lema da sexta edição da cada vez mais internacionamente respeitada mostra artística portuguesa, que tem início este fim de semana na Cidade dos Estudantes.

Como siempre, comenzaremos el programa discutiendo la actualidad. En Irán continúa la guerra. Hoy analizaremos un aspecto particular del conflicto: su impacto sobre los mercados globales de la energía, y quiénes podrían beneficiarse de ello. Continuaremos con el anuncio de una nueva doctrina nuclear en Francia, que abandona su tradicional política de la "estricta suficiencia". En lugar de ello, bajo la nueva doctrina, Francia aumentará su arsenal nuclear. En el segmento de ciencia, comentaremos un nuevo estudio que indica que se ha subestimado considerablemente el aumento del nivel del mar, a causa de errores en los métodos de modelización utilizados con anterioridad. Concluiremos la discusión de la actualidad con la decisión de permitir el retorno de Rusia a la Bienal de Venecia. Como se esperaba, la decisión ha provocado una gran indignación. El resto del episodio de hoy lo dedicaremos a la lengua y la cultura españolas. La primera conversación incluirá ejemplos del tema de gramática de la semana, Adverbs of Quantity or Degree. En esta conversación hablaremos sobre la cesta de la compra en España, cuyos precios suben cada día sin parar. La cesta de la compra es precisamente el indicador que usa el gobierno español para calcular el Índice de Precios de Consumo. Discutiremos también posibles soluciones para parar esta subida constante. Y, en nuestra última conversación, aprenderemos a usar una nueva expresión española, Cambiar de chaqueta o ser un chaquetero. La usaremos para hablar del teletrabajo en España, regulado por una normativa del año 2021. Las estadísticas muestran que aunque el teletrabajo es una opción para muchas empresas españolas, el porcentaje de teletrabajadores no es tan alto como en la mayoría de los países europeos alrededor de España. Los ataques de EE. UU. e Israel sobre Irán tienen fuertes repercusiones en los mercados energéticos mundiales Francia anuncia una nueva doctrina nuclear y un aumento del arsenal nuclear Un nuevo estudio indica que el nivel del mar ha subido mucho más de lo previamente estimado El retorno de Rusia a la Bienal de Venecia provoca indignación Adverbs of Quantity or Degree - La cesta de la compra, cada vez más cara Cambiar de chaqueta o ser un chaquetero - Teletrabajo en España

Programa 12/03/26: Hoy analizamos el giro a la derecha en Chile con la presidencia de José Antonio Kast y sus retos. Además, charlamos con artistas indígenas guatemaltecos en la Bienal de Sídney. También traemos los deportes.