De Donkere Kamer

In deze aflevering praat ik met fotograaf Noortje Palmers in haar Antwerpse studio, Beamstreet Studio.We gaan van fotografie naar iets dat daaronder ligt. Hoe haar hoofd werkt. Hoe ideeën ontstaan en wat er gebeurt als je te lang over je eigen grenzen gaat.Noortje deelt open over ADHD, haar burn-out en hoe ze stilaan terug een manier vond om te werken die klopt voor haar. Over hyperfocus, rust inplannen en het zoeken naar een ritme dat blijft dragen, ook als het weer druk wordt.We hebben het ook over haar massaportretten, haar expo in Duitsland en de spanning tussen commercieel werk en vrij werk. En vooral over één ding dat overal in terugkomt: haar blik. Open, menselijk en altijd gericht op verbinding.Een gesprek over maken, vertragen, terugkomen en durven kiezen voor hoe jij naar de wereld kijkt.Wil je meer weten over Noortje, haar werk, Beamstreet Studio, de talks en haar boek, dan vind je alle info hier. En werk jij als fotograaf aan je praktijk, maar voel je dat er nog wel wat marge zit, in je positionering, je keuzes of de richting die je uitgaat, dan kan mijn 1-op-1 mentorship interessant zijn.In dit traject werk ik zes maanden intensief met je samen, volledig afgestemd op jouw vragen en waar jij naartoe wil.Je vindt alle info hier of stuur me gerust een berichtje als je wil aftoetsen of het past.

I've been noticing this more and more. Photographers working hard. Staying busy.And still feeling like nothing really moves.So we assume the problem is the work.That we need to improve, do more, push harder. But most of the time… that's not where it sits.In this episode, I talk about what's underneath that feeling.Why things feel heavier today and why clarity in how you position yourself is becoming non-negotiable because the landscape has shifted. Fast.And if you keep showing up the same way, you'll keep getting the same result.If you feel something needs to change, but you can't fully name it yet, this might land.My program Photography, Money & Mindset is open for one week, until March 29.You can join here and start right away.

I see this a lot right now. Photographers working hard and staying busy.And still feeling like nothing really shifts.So we assume the problem is the work.That we need to get better, sharper, more consistent.But most of the time… that's not it. In this episode, I talk about what's actually underneath that feeling.Why things feel heavier today.And why clarity in how you position yourself matters more than ever because the landscape has changed. Fast.And if you keep showing up the same way, you'll keep getting the same result.If you feel that something needs to shift, but you can't fully name it yet, this one might land.My program Photography, Money & Mindset is open for one week, until March 29.You can join here and start right away.

In deze aflevering spreek ik met fotograaf Sirri Bosmans, die mijn programma Fotografie, Money & Mindset volgde.We hebben het over iets waar veel fotografen zich in herkennen: je werk is niet per se het probleem, en toch voelt je onderneming zwaar, diffuus of leeg. Sirri vertelt heel open over focus verliezen, te breed gaan, moeite met zichtbaarheid, prijzen vragen, en wat er veranderde toen ze opnieuw dichter bij zichzelf en haar niche kwam.Een gesprek over ondernemerschap, energie, money mindset en de keuzes die bepalen of je werk je ook echt kan dragen.Wil je zelf ontdekken of dit programma iets voor jou is? Zet je dan hier op de wachtlijst Hier vind je ook alle info terug.

A lot of photographers stay stuck in the same place for longer than they'd like to admit.You feel there's more in your work, you know you're ready for a next step but you keep waiting.For clarity, you wait for confidence or for the right moment.In this episode, I take you into a moment from my own process.A live podcast. On a stage.Everything in me said: this is too much.And I still did it.I didn't feel ready, but it was aligned with where I want to go.Because clarity doesn't come before action.It comes from it.We talk about why waiting keeps you stuck,and how taking the step creates direction, confidence, and momentum in your work and your business.

Veel fotografen blijven hangen op hetzelfde punt.Je voelt dat er meer in zit.Dat je volgende stappen te nemen hebt, maar je wacht.Tot het duidelijker wordt? Of je meer vertrouwen voelt?Of misschien tot je het gevoel hebt dat je er klaar voor bent?In deze aflevering neem ik je mee in een moment uit mijn eigen traject.Een live podcast op een podium.Alles in mij zei: dit is te spannend.En toch deed ik het. Omdat het paste bij waar ik naartoe wil.Want helderheid komt niet vóór actie, het ontstaat net door actie.We hebben het over waarom wachten je vastzet,en hoe beweging net zorgt voor richting, vertrouwen en momentum in je werk en je onderneming.

In this episode, I'm in conversation with photographer and filmmaker Sebastiano Tomada in New York city. We move from his early days in the fashion world in New York to his work in conflict zones like Afghanistan, Syria, and Iraq. About how curiosity led him there, what he found, and how that period shaped him, both as a maker and as a person.We also talk about what came after. His transition into filmmaking. Working with commercial clients. Staying creative within constraints. And how he looks at images today, at truth, and at the role of photography in a time where it's getting harder to know what is real.A conversation about making choices, staying in motion, and allowing your path to evolve.Here's Sebastiano's website. If you want to grow in your own work as a photographer, I host a monthly online masterclass with international photographers. They share very openly how they work, think, and make decisions of which you can learn from. You'll find all the details here.

In this episode I'm recording from our house in France. I'm sitting in my office, looking outside as the first signs of spring slowly start to appear. At first it seems like nothing is happening, yet underneath the surface everything is quietly beginning to move.Growth in photography and entrepreneurship often works the same way.Many photographers want more freedom, more income, or more recognition for their work. At the same time, doubt and fear often get in the way. Before their real plan even has the space to unfold, an exit strategy is already waiting in the background.In this episode I reflect on a question that can feel uncomfortable: how fast can you become wealthy? Not from the perspective of shortcuts or promises, but from something else entirely, focus, commitment, and the way you relate to money and to your own work.I share a few personal stories from my own entrepreneurial journey and talk about why people who move forward in their careers tend to put most of their energy into one direction. I also explain how constantly keeping a plan B in your head can quietly slow down your growth.At the end of March I'll reopen the doors to my program Photography, Money & Mindset. I only open it once a year, with a financial discount and several bonuses for photographers, including a new chapter about AI in photography.If you'd like to be the first to hear when the doors open, you can join the waitlist.

In deze aflevering neem ik je mee naar mijn bureau in Frankrijk. Buiten begint de lente langzaam zichtbaar te worden. Eerst lijkt er niets te gebeuren, en toch gebeurt er van alles onder de oppervlakte. Precies zo werkt groei ook in ondernemerschap.Veel fotografen verlangen naar meer vrijheid, meer inkomen of meer erkenning voor hun werk. Tegelijk houden twijfel en angst hen vaak tegen. Nog voor plan A echt een kans krijgt, staat plan B al klaar in hun hoofd.In deze aflevering kijk ik naar de vraag die vaak ongemakkelijk voelt: hoe snel kan je rijk worden? Niet vanuit snelle beloftes, wel vanuit iets anders. Focus. Commitment. En de manier waarop jij naar geld en naar je eigen werk kijkt.Ik deel persoonlijke voorbeelden uit mijn eigen ondernemerschap, waarom succesvolle mensen hun energie bijna volledig in plan A steken en waarom die voortdurende uitweg in je hoofd je groei soms stilzet.Eind maart open ik opnieuw de deuren van mijn programma Fotografie, Money & Mindset. Dat gebeurt maar één keer per jaar, met korting en een aantal bonussen voor fotografen, waaronder een nieuw hoofdstuk over AI in fotografie.Wil je als eerste horen wanneer de deuren openen, zet je dan op de wachtlijst.

Soms kom je op een punt waarop je voelt dat je hard werkt, maar toch niet meer goed ziet waar je naartoe gaat. Je twijfelt over prijzen, richting, zichtbaarheid of simpelweg over jezelf.In deze solo-aflevering deel ik vier vragen waar ik zelf bijna dagelijks op terugval wanneer ondernemen zwaar begint te voelen. Geen groot strategisch plan, maar eenvoudige vragen die opnieuw helderheid brengen wanneer je vastloopt.Ik vertel ook hoe mijn eigen kijk op ondernemen de voorbije jaren veranderd is. Waarom het niet altijd zwaar en ingewikkeld hoeft te zijn. En hoe kleine stappen, de juiste hulp en een andere manier van kijken vaak meer verschil maken dan nog harder werken.Deze aflevering is tegelijk een inkijk in het programma Fotografie, Money & Mindset, waarin we precies dit soort vragen veel dieper onderzoeken. Niet alleen marketing en strategie, maar ook alles wat daaronder zit: twijfel, zelfbeeld, waarde en de manier waarop je als fotograaf naar jezelf en je werk kijkt.Als je voelt dat je daar ook naar op zoek bent, kan je je alvast hier op de wachtlijst zetten.Wie op de wachtlijst staat, krijgt als eerste toegang wanneer de deuren eind maart openen, aan een lager tarief en met een aantal extra bonussen.Veel luisterplezier.

Wat gebeurt er wanneer nieuwsgierigheid het kompas wordt van een kunstenaarspraktijk?In deze aflevering ga ik in gesprek met de Nederlandse fotograaf Bastiaan Woudt. Een maker die zijn eerste camera kocht na de geboorte van zijn zoon, en sindsdien een heel eigen universum heeft opgebouwd rond fotografie, kunst en ondernemerschap.We spreken elkaar in zijn studio in Alkmaar. Een plek waar zijn kenmerkende zwart-witportretten ontstaan, maar waar ook nieuwe experimenten vorm krijgen.In ons gesprek hebben we het over:• hoe een autodidact fotograaf internationaal doorbreekt• waarom nieuwsgierigheid misschien wel de belangrijkste eigenschap van een kunstenaar is• hoe technologie en AI een nieuwe laag kunnen toevoegen aan een fotografische praktijk• waarom ondernemerschap en kunstenaarschap volgens hem onlosmakelijk verbonden zijn• en hoe hij een maand lang de 88 tempels van de Shikoku-pelgrimsroute in Japan fotografeerde voor zijn nieuwe project HenroWat mij vooral opviel: Bastiaan beweegt voortdurend tussen disciplines. Fotografie, boeken, podcasts, AI, reizen, uitgeverij. Niet vanuit een strak plan, maar vanuit nieuwsgierigheid.En net daar zit voor mij de kracht van dit gesprek.Creatief werk ontstaat niet altijd uit zekerheid.Heel vaak groeit het juist in de fase waarin je nog aan het aftasten bent wat het precies wil worden.Volg Bastiaan op zijn site. En dit is de plek van zijn uitgeverij. Werk je als fotograaf en voel je dat je volgende stap scherper mag?Via mijn 1-op-1 mentoring traject werk ik zes maanden intensief met fotografen aan hun praktijk. Van portfolio en positionering tot strategie, tentoonstellingen en ondernemerschap. Alle info vind je hier.En ben je op zoek naar inspiratie? Volg dan mijn gratis webinar waarin ik de 5 patronen blootleg die succesvolle fotografen consistent toepassen om telkens te kunnen groeien. Schrijf je hier in.

We like to think we make rational decisions in our work. About clients, money, about which projects to accept or refuse.But when I look at the conversations I have with photographers every week, I see something else.Many of those decisions are not rational at all. They are driven by something underneath. And that somethinh is scarcity or trust.In this episode I talk about a pattern I see all the time in photography businesses: staying too long with the wrong clients, spending huge amounts of time on small savings, or saying yes to work that slowly drains your energy.On the surface it looks practical but underneath, it's often fear.I also share a more personal story about where my own scarcity mindset came from, and why those patterns can stay with you much longer than you expect.Because in the end, one question matters more than most photographers realize:Are you playing to win. Or are you simply trying not to lose?If this episode resonates with you, this is exactly the kind of work we dive into inside my program Photography, Money & Mindset.A program where we look not only at your photography, but also at your business decisions and the beliefs that quietly shape them.The new edition starts at the end of March.You can already join the waitlist here. People on the waitlist get the first access, the best price, and a few limited bonuses.

What happens when you stop “capturing” a portrait and start treating it as an exchange?In this episode I sit down with Delphine Diallo, Brooklyn-based artist and photographer (French and Senegalese roots), known for a visual language that turns the women around her into something unapologetically powerful, sometimes even divine.We recorded this conversation in my tiny hotel room in New York, which feels fitting, because New York is where Delphine found something she didn't find in Europe: space to become, to shift, to lead, without being reduced to how she looks or where she comes from.We talk about the history of photography and the male gaze, about why “capturing” is a loaded word, and why Delphine sees the face as “the architecture of the soul”. We also go into her relationship with discipline (kung fu), intuition, the elements, and how her practice has expanded beyond photography into AI, where she works in collaboration with a self-named entity, Emma, as part of building a new kind of story world.This is one of those conversations that moves between art, identity, power, and the question underneath it all: what does it take to stay sovereign in your own vision?Listen now, and if this episode resonates, subscribe and leave a review, it genuinely helps the podcast travel.PS: In the middle of the episode I briefly mention my free webinar about the five patterns I consistently see in photographers who keep growing. You'll find the link here.

De eerste podcast van het jaar buiten opgenomen in België. Zon op mijn gezicht, vogels op de achtergrond, en tegelijk een heel heldere boodschap :-)We praten vaak over strategie, prijzen en positionering. Maar zelden over de zinnen die daaronder liggen.“Ik ben niet commercieel.”“Ik werk nu eenmaal zo.”“Ik ben traag.”“Geld is ingewikkeld.”Dat zijn niet zomaar gedachten. Dat zijn verhalen in ons hoofd en zolang dat verhaal hetzelfde blijft, blijft je resultaat dat ook.In deze aflevering neem ik je mee in hoe je interne dialoog je ondernemerschap stuurt. Ik deel mijn eigen voorbeeld over introversie en zichtbaarheid, en wat ik keer op keer zie in gesprekken met fotografen die willen groeien, maar zichzelf onbewust tegenhouden.Ondernemerschap begint niet bij een nieuwe strategie. Het begint bij een ander verhaal voor jezelf, echt.Eind maart open ik één keer dit jaar de deuren van Fotografie Money & Mindset aan lanceringsprijs.We starten bij je mindset en bouwen van daaruit verder naar geld, keuzes en positionering. Wil je als eerste toegang én kans op de gelimiteerde bonussen? Zet je dan hier op de wachtlijst.

What if your biggest block isn't your technique, not the market, not even your talent, but the way you show up in your own life and business?In this episode, I take you into a period where my energy was low and I was forced to slow down. That pause brought clarity. About priorities. About leadership. And about the patterns I keep seeing in photographers who say they want to grow, yet keep sabotaging themselves along the way.I talk about a photographer who disappeared after an intense conversation. About someone who walked away from paid sessions and later left a negative review. And about what that actually reveals.Because how you do one thing is how you do almost everything.The way you communicate. The way you set boundaries. The way you make decisions, or postpone them. The way you prioritize yourself. It all seeps into your photography and into your business.Many photographers think they have a strategy problem, when in reality they are stuck in limiting beliefs, people pleasing, doubt, or procrastination.Success in photography isn't just about making stronger images. It's about taking responsibility. Making clear choices. Showing up consistently. And stopping the habit of shrinking yourself.If you feel this is about you, and you don't just want to listen but actually break patterns, join the waiting list for my program Photography Money & Mindset. Inside, we work not only on positioning and revenue models, but on the mental foundation that determines how far you can really go.You can join the waiting list here. The launch price and bonuses are temporary and limited.The reason you're not growing as a photographer, and it has nothing to do with talent.

Wat als jouw grootste blokkade niet je techniek is, niet de markt, en zelfs niet je talent, maar de manier waarop jij komt opdagen in je eigen leven en onderneming?In deze aflevering neem ik je mee in een periode waarin mijn energie laag was en ik noodgedwongen moest vertragen. Dat stilvallen bracht helderheid. Over prioriteiten, over leiderschap en over de patronen die ik keer op keer zie bij fotografen die willen groeien, maar zichzelf onderweg saboteren.Ik vertel over een fotograaf die na een intens gesprek simpelweg verdween. Over iemand die betaalde sessies liet liggen en later een negatieve review schreef. En over wat dat eigenlijk blootlegt.Want hoe je één ding doet, doe je bijna alles.Hoe je communiceert, hoe je grenzen stelt, hoe je keuzes maakt of uitstelt, hoe je jezelf prioriteit geeft, het sijpelt allemaal door in je fotografie en in je bedrijf. Veel fotografen denken dat ze een strategieprobleem hebben, terwijl ze in werkelijkheid vastzitten in belemmerende overtuigingen, people pleasing, twijfel of uitstelgedrag.Succes in fotografie gaat niet alleen over betere beelden maken. Het gaat over verantwoordelijkheid nemen, duidelijke keuzes durven maken, consistent komen opdagen en stoppen met jezelf klein te houden.Als je voelt dat dit over jou gaat en je niet alleen wil luisteren maar echt patronen wil doorbreken, zet je dan op de wachtlijst voor mijn programma Fotografie Money & Mindset. In dat traject werken we niet alleen aan positionering en verdienmodellen, maar vooral aan het mentale fundament dat bepaalt hoe ver jij werkelijk kan gaan.Je kan je ⁠hier⁠ op de wachtlijst zetten. De lanceringsprijs en bijhorende bonussen zijn tijdelijk en beperkt beschikbaar.

In deze aflevering ben ik te gast bij Koos Breukel, één van de bekendste portretfotografen van Nederland. We zitten in zijn studio, tussen achtergronddoeken, prints aan de muur en een werkproces dat tegelijk razendsnel en tergend traag is. Koos vertelt hoe hij werkt, waarom hij flitst, waarom hij graag ruimte laat voor terloopsheid, en hoe een beeld pas later kan tonen of het “blijft hangen”.We praten over zijn liefde voor schilderkunst en ambacht, over analoog werken als iets persoonlijks, en over archiveren als een manier om je eigen leven opnieuw te lezen. Ook over het mysterie van mensen, waarom hij liever nieuwsgierig blijft dan alles te willen weten, en hoe de echte keuze vaak pas weken, maanden of zelfs jaren later gemaakt wordt.Even tussendoor deel ik ook iets uit mijn eigen praktijk: in een gratis webinar neem ik je mee in vijf patronen die ik steeds opnieuw zag bij fotografen die blijven groeien. Je kan je inschrijven via donkerekamer.com/webinar.Voel je dat je met je eigen werk ergens vastzit, of wil je gericht begeleiding bij je portfolio, marketing of een traject richting expo of boek? Ik heb vanaf maart opnieuw plek in mijn 1-op-1 mentoring. Alle info staat hier.Vond je deze aflevering fijn? Abonneer je op de Donkere Kamer podcast, volg ons op Instagram via @dedonkerekamer_be, en als je wil helpen: geef een rating op Spotify of laat een review achter op Apple Podcasts. Dat maakt echt verschil.

I drove to Alkmaar, to a place where you wouldn't necessarily expect anything special. Just an industrial area, but what stayed with me wasn't the location, but the conversation, about creativity and getting stuck.And about something we often misunderstand.We sometimes believe that once you've “made it,” ideas just keep flowing. That success guarantees inspiration. It doesn't. Even photographers who work internationally, publish books, and have full calendars get stuck.The difference is that they don't see it as failure, but as a signal.In this episode, I talk about why creativity isn't a talent you either have or don't have, but a muscle you train. Why making space matters more than working harder. And why two hours without a clear goal can be more valuable than a fully productive day.I also share something personal, about slowing down and being forced to pause. And how, in that pause, an idea surfaced that I had been trying to push for months.If you feel like your work is starting to repeat itself, or your head feels too full to think clearly, this episode is for you.And if you want to go deeper, in my free webinar I share five patterns I consistently see in topphotographers who keep growing, even when things feel uncomfortable. You can sign up here.

Ik reed deze week naar Alkmaar, naar een plek waar je het eigenlijk niet verwacht. Gewoon een industrieterrein. Maar wat mij daar vooral bijbleef, was niet de locatie, maar het gesprek, over onder meer creativiteit en vastzitten.En over iets wat we vaak verkeerd begrijpen.We denken soms dat wanneer je “er staat”, dat ideeën vanzelf blijven komen. Dat succes inspiratie garandeert. Maar dat is niet zo. Ook fotografen die internationaal werken, die boeken maken, die volle agenda's hebben, zitten vast.Het verschil is dat zij het niet zien als falen, maar als een signaal.In deze aflevering vertel ik waarom creativiteit geen talent is dat je hebt of niet hebt, maar een spier die je moet trainen. Waarom ruimte maken belangrijker is dan harder werken. En waarom twee uur zonder doel soms waardevoller is dan een hele dag productief zijn.Ik deel ook iets persoonlijks. Over vertragen. Over noodgedwongen stilvallen. En hoe net daar een idee ontstond waar ik al langer op zat te duwen.Als jij voelt dat je werk zich begint te herhalen, of dat je hoofd te vol zit om nog helder te denken, dan is deze aflevering voor jou.En wil je hier dieper op ingaan? In mijn gratis webinar deel ik vijf patronen die ik telkens opnieuw zie bij topfotografen die blijven groeien, ook wanneer het schuurt. Je kan je hier inschrijven.

Bruce Gilden is one of those photographers people think they've already understood. The flash. The closeness. The confrontation. But when you actually sit down with him, you realize the real story runs much deeper.I visited Bruce at his home in Beacon, just outside New York, and we spoke about what it takes to keep your edge for more than sixty years. About how New York changed. About why he moved from photographing the heartbeat of the city to the heartbeat of the individual. And about why distance has nothing to do with respect.He talks about comfort versus fear, about talent versus reputation, and about why courage alone will never make you a strong photographer. We dive into influence, Magnum, the decisive moment, and the difference between taking pictures and truly seeing.What stayed with me most is this: the photographers who keep growing are the ones who stay honest. With their taste. With their weaknesses. With the work itself.If conversations like this push you forward, you'll love our live online masterclasses. Every month, an international photographer shares how they think, how they build projects, and what really shaped their work. It's one hour of clarity you can apply immediately to your own photography.You'll find more information here. Now enjoy this conversation with Bruce Gilden.

Onderweg naar Frankrijk, acht uur in de auto, nam ik een beslissing.Ik voeg een nieuw hoofdstuk toe aan mijn online training. Over AI. Niet als trend, maar als realiteit. Wat betekent het voor je werk? Voor je ondernemerschap? Voor je positie als fotograaf?Tegelijk kreeg ik een bericht van een fotograaf die zei dat ik “professioneel te veel mijn podium pak”.Vroeger had dat me geraakt. Vandaag zie ik het als een spiegel.Want zichtbaar zijn is geen ego-oefening. Het is verantwoordelijkheid nemen voor je werk. In een tijd waarin alles sneller, digitaler en onpersoonlijker wordt, willen mensen weten wie er achter de beelden staat.In deze aflevering spreek ik over personal branding, over triggers en weerstand, en over de vraag die onder alles ligt:Durf jij je plek in te nemen?Niet groter dan nodig.Maar ook niet kleiner dan je bent.Hier vind je meer info over de online training. En hier kan je je op de wachtlijst zetten voor mega cool eenmalig aanbod.

In deze aflevering van De Donkere Kamer praat ik met Rizon Parein: Antwerpse autodidact die startte als graffitikunstenaar met een liefde voor 3D-letterstyles, en die later campagnes maakte voor merken als Nike, Apple en Adidas. Maar zijn echte motor blijkt iets anders: community.We duiken in het ontstaan van Us By Night (eerste editie in 2016): hoe een “braaf” conferentieformat werd omgebouwd tot een nachtelijk creativiteitsfestival waar talks, spel, club-vibes en ontmoetingen bewust door elkaar lopen. Rizon vertelt open over de rauwe realiteit achter festivals - fundraising, stress, partners die wegvallen - én over waarom integriteit voor hem niet onderhandelbaar is.Ook fotografie komt uitgebreid aan bod: zijn honger naar échte mensen, zijn twijfel om zichzelf “fotograaf” te noemen, studio-ambities, en waarom hij AI fascinerend vindt maar het tegelijk uit zijn eigen beeldtaal wil houden. Dit gesprek gaat over maken, risico, identiteit en hoe je iets bouwt dat groter is dan jezelf zonder je ziel te verkopen.Wil je gerichte feedback op jouw fotografie en een helder plan om verder te groeien? Boek dan een Review Sessie: een 1-op-1 feedbackmoment van 90 minuten waarin we jouw beelden, vragen en blokkades concreet aanpakken. Boek hier je sessie.

Na een maand in Patagonië kom ik terug met wat heimwee, veel helderheid en en zeker ook scherpe vragen. Over kernwaarden. Over hoe je je leven wil leiden. En over waarom je je fotopraktijk best bouwt rond dat leven niet omgekeerd. In deze aflevering neem ik je mee in mijn kijk op beweging versus stilstand, op zichtbaar zijn als fotograaf, en op de impact van AI op onze sector. AI is tegelijk een enorme kans én een reële bedreiging, zeker voor wie geen duidelijke identiteit, beleving en positionering heeft. We hebben het over relevant blijven, middelmatigheid vermijden, je eigen stem bewaken en durven kijken naar wat jou echt uniek maakt als beeldmaker.Wil je hier dieper op ingaan? Op 12 februari om 15u organiseer ik een online masterclass met Lars Lindemann (ex-directeur fotografie bij GEO) over hoe je vandaag je projecten zichtbaar maakt, verkoopt en relevant blijft in een veranderende editorial wereld. Inclusief Q&A en ruimte voor persoonlijke vragen. Deelname €25, replay mogelijk. Inschrijven kan hier En wil je graag close met me samenwerken? Misschien is mijn mentoring iets voor jou. Kijk hier even voor alle details.

Recorded in the West Village, this episode of the De Donkere Kamer Podcast features Aaron Stern, American artist, curator, and author based in New York City, working between the U.S. and Europe.We talk about how New York shapes you as a creative, why Aaron moved from photographing to curating, and how presentation, scale, sequencing, framing, and installation, can completely change the meaning of an image.Aaron shares his thoughts on photography in the age of endless images, the importance of problem-solving in creative work, and why he prefers collaborating with artists rather than positioning himself as the central author.We also discuss books as “movies in printed form,” his role as Visuals Director at Family Style Magazine, and why curiosity, conversation, and staying connected to other artists are essential for a sustainable creative life.A grounded conversation about images, process, generosity, and building meaning around photographs.Here's Aaron's website. Also looking for some grounding and inspiring? Join us June 2–6 in the French Alps for an intimate retreat with renowned Dutch photographer Awoiska van der Molen.Not about creating a new project, but about defining your photographic core based on the work you've already made, so you leave with sharper clarity, stronger direction, and a deeper understanding of your own visual language.Max 10 photographers · Portfolio check · Fully curated experience. More info here.

In this episode, I speak with Pauline Vermare, curator of Photography at the Brooklyn Museum in New York. Pauline is a photography historian, curator, and writer who previously worked at MoMA, the International Center of Photography (ICP), and as Curatorial Director at Magnum Photos. She shares how her path through these institutions shaped her vision, and what it means to work with photography inside a large encyclopedic museum like the Brooklyn Museum.The conversation moves beyond career highlights into deeper territory: photography as a tool for representation, memory, conflict, and healing. Pauline reflects on her upbringing between France, Japan, and Hong Kong, the influence of her father, her long-standing connection to Japan, and her profound admiration for photographers such as Saul Leiter. She also speaks about museums as places of joy, agency, and responsibility, especially in times of political and social uncertainty.This episode is an intimate and thoughtful exploration of lineage, curiosity, and a central question that runs through Pauline's work: what can photography do; for individuals, for communities, and for the world at large?Want to learn directly from international photographers? Each month, I host a live online masterclass with an international photographer who dives deep into a subject they have truly mastered. These sessions include space for personal questions and honest conversations about both the highs and lows of a photographic career. You can explore upcoming masterclasses and book your ticket ⁠here.⁠

In this episode I'm speaking to you from Patagonia, a place where you don't only arrive physically, but also internally. A place that, quietly and steadily, is teaching me something very simple and very profound: to slow down. To soften. To loosen my grip.I share my two words of the year: calmness and beauty. Not as concepts, but as lived experiences. As directions I'm consciously moving toward. And as qualities that are slowly reshaping how I work, how I create, how I relate, and how I run my business.We're living in a time where the photography industry is shifting fast. AI is changing how images are produced. Editorial markets are under pressure. Old structures are dissolving. That can feel unsettling. But here, in this landscape, I'm discovering that panic doesn't create clarity. Forcing doesn't create direction. And hustling harder is rarely the answer.What does create space is calmness.I talk about how slowing down is not the same as falling behind. How you can build, create and generate income from a calmer nervous system. How calmness is not passive, but rooted in self-trust. And how beauty, in nature, in work, in attention, can become a compass in times of transition.This episode also connects to my upcoming online masterclass with Lars Lindemann, former Director of Photography at GEO Magazine and now working as a curator, mentor and strategist in the photo industry. He will share what is really happening inside the editorial world, why it is changing, and how photographers can reposition themselves not underneath editorial, but alongside it.This masterclass is not only for editorial photographers. It's for anyone who wants to understand the larger ecosystem of photography and explore new ways of positioning their work.You can sign up hereI hope this episode invites you to slow down. To observe your own patterns. Maybe even to choose a word for your year. And to remember that sometimes you are only one small step away from a complete shift.

In this episode, I take you to a remote estancia in southern Patagonia, where wind, silence, and distance force me to slow down—and at the same time sharpen my senses. I share what this workation is teaching me about flexible entrepreneurship, staying relevant as a photographer in the age of AI, and why your authentic voice matters more than ever.I'm spending nearly two weeks in southern Patagonia, on a vast estancia of 40,000 hectares, 300 kilometers from the nearest shop. In this episode, I share my insights from this extreme context: how I continue working with limited internet, why slowing down is sometimes essential, and what this place teaches me about focus, intuition, and flexibility—in both life and entrepreneurship.I dive deeper into the impact of AI on photography. Not as hype, but as a reality that is already taking over certain forms of photography. And more importantly: what does that mean for you as a photographer? How do you stay relevant? Where does real value lie today? Spoiler: not in efficiency alone, but in story, humanity, and a distinct photographic voice.I also share why structure and rhythm are essential even on a workation, and why moments of “doing nothing”—walking, silence, space—often turn out to be the most strategic moments of all. Many of my new ideas were born here, including the seed for a workshop in Patagonia in 2027.This connects seamlessly with the master workshop taking place this year in the French Alps, from June 2 to 6, together with Awoiska van der Molen. In this intimate workshop (max. 10 photographers), we don't guide you toward making more images, but toward deepening your authentic photographic voice: what makes your work unmistakably yours, how you differentiate yourself from trends (and from AI), and how you create a stronger connection between your work and the viewer.I will be present throughout the entire workshop as well, including business insight sessions on positioning, sales, marketing, and entrepreneurship.If this resonates—if you feel the need to slow down in order to become sharper, and you want to create not more, but more precisely—then you'll find all the information here.Not sure whether it's for you? You're always welcome to reach out and explore together: info@donkerekamer.com

In deze aflevering neem ik je mee naar een afgelegen estancia in Zuid-Patagonië, waar wind, stilte en afstand me dwingen te vertragen en tegelijk messcherp maken. Ik deel wat deze workation me leert over flexibel ondernemen, relevant blijven als fotograaf in tijden van AI, en waarom jouw authentieke stem belangrijker is dan ooit.Ik zit bijna twee weken in Zuid-Patagonië, op een gigantische estancia van 40.000 hectare, op 300 kilometer van de dichtstbijzijnde winkel. In deze aflevering deel ik mijn bevindingen vanuit deze extreme context: hoe ik hier blijf werken met beperkt internet, waarom vertraging soms noodzakelijk is, en wat deze plek me leert over focus, intuïtie en flexibiliteit , in leven én ondernemerschap.Ik ga dieper in op de impact van AI op fotografie. Niet als hype, maar als realiteit die bepaalde vormen van fotografie simpelweg overneemt. En vooral: wat betekent dat voor jou als fotograaf? Hoe blijf je relevant? Waar zit vandaag echte waarde? Spoiler: niet in efficiëntie alleen, maar in verhaal, menselijkheid en een uitgesproken fotografische stem.Daarnaast deel ik waarom structuur en ritme ook op een workation essentieel zijn, en waarom momenten van “niets doen” -wandelen, stilte, ruimte - vaak de meest strategische momenten blijken te zijn. Veel van mijn nieuwe ideeën zijn hier ontstaan, waaronder het zaadje voor een workshop in Patagonië in 2027.Dat sluit naadloos aan bij de master workshop die dit jaar al doorgaat in de Franse Alpen, van 2 tot 6 juni, samen met Awoiska van der Molen. In deze intieme workshop (max. 10 fotografen) begeleiden we je niet in méér beelden maken, maar in het verdiepen van jouw authentieke fotografische stem:wat maakt jouw werk van jou, hoe onderscheid je je van trends (en van AI), en hoe verbind je je werk sterker met je kijker.Ikzelf ben er ook de hele tijd bij, inclusief business insight sessies rond positionering, sales, marketing en ondernemerschap.Voel je dat dit resoneert, dat je wilt vertragen om scherper te worden, en niet méér maar juister wilt creëren — dan vind je alle info hier. Twijfel je of het iets voor jou is? Dan mag je me altijd even contacteren om te sparren: info@donkerekamer.com

In this episode, I'm joined by American photographer Mark Mahaney, whose work spans major editorial and commercial clients including Time Magazine, The New Yorker, Vanity Fair, Nike, Levi's, and more. We recorded in New York City, inside the studio of legendary portrait photographer Timothy Greenfield-Sanders, where Mark once assisted and absorbed lessons that still shape his way of working today.We talk about photography as a human practice, about respect, communication, and integrity on set, and why those values matter just as much as technical skill. Mark reflects on how publishing his book Polar Night and the forced pause of COVID fundamentally changed his approach, pushing him toward a more intuitive, varied, and story-driven way of working.The conversation moves between extremes: from seven intense minutes photographing Elon Musk to weeks spent editing, because for Mark, the real creative work often begins after the shoot. We explore the tension between developing a recognizable voice and staying creatively alive, the blurred line between assignment and personal work, and what it means to photograph powerful figures without simply reinforcing their mythology.This episode is for photographers and creatives who sense that their work wants to be more than a style, and who are searching for a way of working that aligns with who they are: artistically, ethically, and personally.You can explore Mark Mahaney's work ⁠here⁠ If this conversation resonates and you feel called to go deeper into your own photographic core, you're warmly invited to join my upcoming five-day retreat in the French Alps (June 2–6), co-hosted with renowned Dutch photographer Awoiska van der Molen. This retreat is not about producing new work, but about discovering and defining the essence that already runs through everything you've made, creatively, intuitively, and professionally.You can sign up ⁠here⁠ or get all info.

In this bonus episode, Mark Mahaney steps away from his professional identity. No photography talk, no career narratives, no achievements to frame the conversation. Instead, five unexpected questions open a quieter door into how he thinks, feels, and moves through his inner world.Mark speaks about his deep love for doing nothing — truly nothing — sitting in silence, watching a river, listening to birds. What many might call unproductive, he experiences as essential. He reflects on being perceived as serious, while humor and lightness live in a more private, protected space, only emerging where there is real connection.The conversation moves into loss, memory, and lineage. Mark shares how certain objects tie him to the men who shaped him, and how energy, presence, and intuition blur the line between what's gone and what's still felt. Moments of grief intersect with moments of wonder, including an experience that felt unmistakably like guidance.He also speaks candidly about his long-standing fear of death — not as something that paralyzes him now, but as something that sharpens his choices and clarifies what matters. It's a fear that has matured into discernment.Finally, the episode turns toward a deceptively simple question: if no one were ever to see your work again, would you still feel compelled to make it? Mark's answer is thoughtful, honest, and unresolved — touching on the role of audience, memory, and the difference between seeing and documenting.This bonus episode isn't an interview in the traditional sense. It's a pause. A glimpse into vulnerability, presence, and the subtle tension between living an experience and preserving it.

In this episode, I'm recording from a remote estancia in Patagonia, Argentina, a place where distance is real, infrastructure is minimal, and the internet disappears whenever the wind decides so. There is no backup connection, no quick fix, no way to keep pushing when things stop.That's where this episode begins.I talk about what happens when you're forced to pause. Not as a luxury, not as a retreat, but as a working condition. About the discomfort of not knowing what the next step is. About how quickly we try to fill that space with activity, decisions, and output and why that often works against clarity.I connect this experience directly to what I see in photographers I mentor: the tendency to push harder precisely at the moment when ideas need time, not pressure. Why slowing down is not the same as doing nothing. And why focus doesn't come from adding more, but from removing what doesn't belong.This episode is about learning when to stop interfering with your own process and trusting that direction emerges from attention, not urgency.This is also the thinking behind the upcoming online masterclass I'm hosting with Lars Lindemann, former Director of Photography at GEO Magazine and now curator, mentor, and visual strategy consultant.In the masterclass, we address a central question:If editorial photography is changing, how do photographers still create meaningful impact without losing integrity?It's not about trends or shortcuts. It's about focus, positioning, and making deliberate choices in a fragmented visual landscape.

In deze aflevering van De Donkere Kamer praat ik met Yves Desmet, journalist, voormalig (politiek) hoofdredacteur van De Morgen en later Humo, en bekend van Polspoel en Desmet. We duiken in zijn weg naar de journalistiek (van opgroeien in een bibliotheek tot het leven als deadline-junkie), zijn visie op engagement en scherpe pen, en vooral: zijn liefde voor fotografie.Yves vertelt hoe De Morgen fotografie ooit een autonome plek gaf - niet als illustratie, maar als verhaal op zichzelf - met iconische keuzes die tegen de stroom ingingen. We spreken ook over de keerzijde van die drang naar “het beste”: verantwoordelijkheid tegenover jonge fotografen, trauma en (het gebrek aan) nazorg. Verder gaat het over ego's op redacties, leiderschap met afstand (“de oester”), de verschuiving van journalistiek naar “bladen maken”, en hoe AI de mediasector op z'n kop kan zetten. Een gesprek over kijken, kiezen, en waarom echte vrijheid soms het krachtigste redactionele instrument is.Wil je hierop doorpakken in je eigen fotopraktijk? Boek dan een Review Sessie: een online 1-op-1 feedbackmoment met mij van 90 minuten waarin we samen kijken naar je beelden, je vragen en je groeipunten. Alle info vind je hier.

When you're listening to this episode, I'm in Patagonia, Argentina, on a work retreat, fully focused on photography.I recorded this from Belgium, but my mind is already there.In this episode, I talk about a word that keeps returning in my work, my conversations, and my reflections: obsession.Not obsession as burnout. Not hustle.But the kind of deep, conscious commitment that allows you to truly grow as a photographer.I share why I believe obsession will become one of the most important forces in the creative industry in 2026 and why mediocrity is no longer safe. We talk about visual language, depth over volume, commitment over motivation, and what it really takes to create work that can't be copied by people or machines.This episode is an invitation to look honestly at how deeply you're engaged with your craft and whether you're willing to go all in on the things that actually matter.At the end, I share more about a free webinar where I break down five patterns I see consistently in photographers who grow in a sustainable, meaningful way. You can register here for free

In this episode, I sit down with David Campany — curator, writer, editor, educator, and Creative Director of the International Center of Photography (ICP) in New York. We talk about how he brings all these roles together within one institution, and what it means to run a physical space with a simultaneously local and global audience.David explains why photography, in his view, is a true moving target: it shifts culturally, technologically, and even emotionally as makers and viewers change over time. Photography therefore seems to be “always in crisis.” And that, he argues, is exactly where its vitality comes from without friction, the medium would lose its urgency, its relevance, and its energy.We explore what a curator can add alongside a strong photographic voice: not to override the work, but to help it become better — as a sounding board, editor, and someone who can think in terms of space, rhythm, and experience. David shares how exhibitions are shaped through seemingly small decisions about light, wall color, sequencing, and especially scale — the difference between simply seeing a photograph and truly approaching it.He also reflects on two unforgettable collaborations: one with Jeff Wall, where experience and precision become almost physical, and another that began with an unexpected Instagram message from a Polish photographer and resulted in a book David considers his strongest editorial work.We end with a quietly unsettling conversation about portraiture and selfies: what does it really mean when someone appears to “look back” at us from a photograph, while in fact they were staring into the lens of a machine? A wide-ranging, thoughtful conversation about images, attention, and why photography keeps reinventing itself.If you want to continue growing as a photographer, we host a live online masterclass every month with international photographers. Each session runs for an hour and dives deep into a topic they have truly mastered — with time for your personal questions.Click here to see the upcoming sessions and get your ticket. For €25 (or the equivalent in your currency), you'll gain practical insights, honest experiences, and lessons you can apply immediately.Links to David Campany and the International Center of Photography

Dit is de laatste aflevering van mijn vakantie-reeks én een herhaling van één van de meest beluisterde gesprekken van De Donkere Kamer. Sommige afleveringen blijven werken, ook wanneer je ze opnieuw beluistert, misschien zelfs meer dan de eerste keer.In deze aflevering ga ik in gesprek met Charlie De Keersmaecker. Iemand die ik al ken sinds mijn tijd aan Sint-Lucas, en wiens werk ik door de jaren heen rustig heb zien evolueren. Geen grote verklaringen, geen visueel lawaai. Wel een heel consequente manier van kijken.We spreken over hoe je een signatuur ontwikkelt zonder die te forceren. Over zoeken, bijsturen en blijven werken terwijl niet alles vastligt. Over licht, eenvoud en rust in je beelden, maar ook in je manier van werken.Van zijn studententijd in Brussel tot samenwerkingen met Raf Simons, van analoog werken tot digitaal minimalisme: Charlie deelt open hoe hij keuzes maakt, waarom Photoshop geen rol speelt in zijn praktijk, en waarom aandacht altijd belangrijker blijft dan techniek.Een gesprek dat je niet hoeft te “volgen”, maar dat je mag laten meekomen.Misschien onderweg. Misschien in stilte.Dit gesprek sluit inhoudelijk mooi aan bij de meerdaagse workshop die ik van 2 tot 6 juni in de Franse Alpen organiseer met Awoiska van der Molen. Net als hier draait het daar om vertragen, kijken, eenvoud en het verdiepen van je eigen beeldtaal. We doen dit met aandacht en focus en in een kleine groep. Alle praktische info en inschrijven kan hier. Maar eerst: luisteren.

In deze aflevering ga ik in gesprek met fotograaf en kunstenaar Sybren Vanoverberghe. Sybren richt zich in zijn werk op veranderende landschappen, restanten en sporen van plekken die niet helemaal verleden en niet helemaal heden lijken te zijn. Zijn beelden bewegen ergens tussen realiteit en verbeelding: herkenbaar en toch vreemd, alsof ze verwijzen naar een tijd die misschien nooit echt bestaan heeft.We praten over hoe hij kijkt, waarom hij bepaalde plekken blijft opzoeken, hoe herhaling en terugkeren een rol spelen in zijn werk, en hoe geschiedenis, natuur en erfgoed samenkomen in zijn beelden. Hij deelt waar zijn drijfveer vandaan komt, wie hem inspireert, wat hij hoopt en waar hij naartoe wil. Het is een rustig, eerlijk en verdiepend gesprek over fotografie, tijd, identiteit en sporen die blijven nazinderen.En als jij zelf dieper in je eigen fotografische stem wil duiken: van 2 tot 6 juni 2026 ga ik samen met Awoiska van der Molen naar de Franse Alpen voor een meerdaagse, intensieve workshop. Een week om dichter bij je artistieke kern te komen, je werk te laten groeien en tegelijk ook te kijken naar de duurzame kant van je praktijk. Er is zelfs één plek speciaal voor een student die enkel het verblijf betaalt, omdat talent ondersteuning verdient. Alle info en inschrijvingen vind je hier.

You're listening to one of the most listened-to conversations of the past year — my talk with American–Canadian photographer Christopher Anderson. I met Christopher in Antwerp, right before he took the stage at Us by Night, and this conversation really stayed with people. Christopher isn't simply someone who takes photographs; he's someone who thinks, questions, and feels deeply through images. His work challenges us to look again, to doubt the obvious, and to consider what photographs can and maybe even should do.Recently, he was back in the international spotlight with his series on the Trump administration for Vanity Fair, and the discussion around it — about ethics, perspective, and whether photographing power automatically becomes political — shows just how relevant his voice is. Christopher pushed back by referring to his earlier work with the Obama administration, reminding us that nuance matters. And that's exactly why he's such an important presence in contemporary photography.As you listen, notice where his thoughts collide with yours, where they open space, or where they unsettle something in your own way of seeing. That's the beauty of voices like his.And if you're someone who wants to deepen your own artistic voice, I also want to share this: in June 2026 I'm heading to the French Alps with Dutch photographer Awoiska van der Molen for a multi-day workshop. It's an immersive week to reconnect with your inner drive, strengthen your photographic identity, and grow — artistically and sustainably. There's even one special spot reserved for a student who only pays accommodation, because talent deserves support. You can find all the details and apply here.For now, settle in and enjoy this conversation with Christopher Anderson.

De podcast neemt twee weken winterpauze, maar stilvallen betekent hier niet stoppen met inspireren. Ik neem je mee in een Best Of 2025: enkele gesprekken die enorm veel werden beluisterd, niet zomaar toevallig, maar omdat ze raken, verruimen en uitdagen.Vandaag trappen we af met persfotograaf Michiel Hendryckx, wiens tentoonstelling Schoonheid als Verzet in de Gentse Sint-Pietersabdij dit jaar diepe indruk maakte. In dit gesprek deelt hij verhalen, inzichten en scherpe observaties uit een indrukwekkende carrière. Het is eerlijk, vol anekdotes en vol liefde voor beeld.De komende afleveringen hoor je nog meer sterke stemmen uit de fotografiewereld – van autonoom werk tot mode, van pers tot conceptuele fotografen. Perfect om in deze feestdagen je creatieve batterij op te laden, even te vertragen en tegelijk te blijven groeien.Wil je die groei doortrekken richting 2026? Dan nodig ik je uit voor mijn gratis webinar: De 5 patronen die toptalenten consequent toepassen om te blijven groeien als fotograaf en visuele maker. Twee uur die je perspectief en focus verscherpen, zodat je sterker en doelgerichter het nieuwe jaar instapt. Schrijf je hier in. Inschrijven kan via: donkerekamer.com/webinarGeniet, luister, laat je voeden – en een warme, mooie kerstperiode gewenst.

I'm recording this episode from New York City.This city has been a point on my horizon for a long time, a place where photography lives, where conversations are sharp, and where ambition is visible.In this episode, I share the story behind a long-held dream: podcasting internationally and capturing the stories of photographers around the world. Not as a highlight reel, but as a process.I talk about starting small, recording in English before I felt ready, building an international portfolio step by step, and why consistency matters more than confidence.This episode is for photographers who dream big, feel the fear, and keep moving anyway.For those who know that growth doesn't happen in one leap, but through showing up, again and again.You can find more about De Donkere Kamer on the website. follow along on Instagram via @dedonkerekamer_beand if you want to go deeper, you can join my upcoming webinar The 5 things top photographers consistently do to grow, where I guide photographers through clarity, positioning, and taking up space in their work. Sign up for free here.

In deze aflevering van De Donkere Kamer ga ik in gesprek met oorlogsfotograaf Eddy van Wessel. Al meer dan dertig jaar werkt hij in conflictgebieden: van voormalig Joegoslavië tot Syrië, Irak en nu vooral Oekraïne. Met zijn herkenbare analoge, zwart-wit beelden wil hij niet de wapens, maar de levenskracht en kwetsbaarheid van mensen in oorlog zichtbaar maken.Eddy vertelt waarom hij uiteindelijk in Zweden belandde, hoe het is om steeds opnieuw naar het front terug te keren en waar voor hem de grens ligt tussen noodzakelijk risico en roekeloosheid. Hij legt uit hoe drones de oorlog compleet veranderd hebben, hoe hij zichzelf dwingt om te blijven voelen én toch door te fotograferen, en waarom hij zijn foto's ziet als een stil, grafisch protest tegen de zinloosheid van oorlog.We hebben het over zijn nieuwe boek “Ukraine”, zijn tentoonstelling in Soest en Kiev, zijn liefde voor analoge film en diepe zwarten, en zijn werk voor Protect Ukraine, waarbij fotografie en concrete hulp elkaar raken. Een gesprek over angst, verantwoordelijkheid, rouw, wilskracht – en over de troost van stilte, familie en een donkere kamer aan een Zweeds meer.website Eddy: https://eddyvanwessel.com/koop het boek: https://fw-books.nl/product/eddy-van-wessel-ukraine/website Protect Ukraine: https://protectukraine.nl/Wil je na deze aflevering dieper duiken in documentaire fotografie en visual storytelling?De volgende online masterclass van De Donkere Kamer wordt gegeven door Ebrahim Alipoor – een Iraans-Koerdisch documentairefotograaf en World Press Photo-winnaar, bekend om zijn langlopende projecten over onderbelichte gemeenschappen en sociale en politieke thema's in het Midden-Oosten. Hij neemt je mee in hoe je vanuit een persoonlijke betrokkenheid een langetermijnproject opbouwt met geen budget noch groot netwerk: van eerste vonk, research en toegang krijgen, tot ethiek, veiligheid en het vormgeven van een consistente beeldtaal.Je volgt de masterclass gewoon vanuit je zetel, live met Q&A of achteraf via de replay.

In deze aflevering duik ik in een patroon dat ik bij bijna elke fotograaf zie terugkomen: uitstelgedrag dat niets te maken heeft met luiheid of een gebrek aan discipline, maar alles met een subtiel, hardnekkig beschermingsmechanisme. Je begint vol vuur aan een project, maar zodra het concreet wordt, sluipt er iets binnen, een onzichtbare weerstand, duizend kleine afleidingen, een stem die zegt: wat als dit niet goed genoeg is?We verkennen hoe dit patroon vaak niet ontstaat in je onderneming, maar meekomt uit je leven. Hoe oude overtuigingen, angst voor zichtbaarheid en de druk om te voldoen je creativiteit gijzelen. En vooral hoe je dit niet doorbreekt met een betere planning, maar door jezelf te durven begrijpen.Dit is een uitnodiging om nieuwsgierig te worden naar wat je vermijdt, naar wat er onder je uitstelgedrag verscholen zit. Niet om jezelf te veroordelen, maar om eindelijk te bewegen richting het werk én het leven dat écht klopt voor jou als fotograaf.Merk je dat dit verhaal je raakt omdat het eigenlijk al jaren speelt? In mijn 1:1 mentoring doorbreken we precies deze patronen: op jouw tempo, met jouw verhaal, en met een blik die zowel strategisch als diep menselijk is. Vanaf februari komen er nieuwe plekken vrij en wie nu instapt, krijgt in januari een extra reflectiesessie om helderheid te scheppen voor 2026.Alle info vind je op donkerekamer.com/mentor, of stuur me gerust een DM zodat we samen kunnen voelen of dit het juiste moment is voor jou.

In this episode of De Donkere Podcast podcast, I sit down in Paris with Brussels-based artist Lucas Leffler, whose work merges photography with chemistry, technology, and sculpture. We talk about his journey from a rural farm upbringing to exhibiting at Paris Photo, his fascination-driven process, and the years of experimentation behind every piece.Lucas opens up about the tension between artistic growth and the demanding rhythm of the art market, why he feels less like a “photographer” and more like a visual artist, and why embracing your own obsessions is essential for any creative practice.Lucas's site: https://www.lucasleffler.com/And ready to deepen your own artistic voice, narrative, and visual language?Join our intensive five-day master workshop with renowned Dutch photographer Awoiska van der Molen in the French Alps from 2 til 6 of June 2026.

Hoe blijf je gezien in een wereld waar beelden sneller verdwijnen dan je ze kan maken? Hoe zorg je dat je werk betekenisvol blijft ook nu AI beelden produceert met één klik?In deze aflevering vertel ik wat ik leerde van de fotografen die wél blijven groeien: niet door harder te werken, maar door bewuster te bouwen. Je ontdekt waarom jouw volgende stap misschien geen nieuwe camera is…maar een helderder verhaal.En ik nodig je uit voor een live masterclass met Ian Teh, die precies leert hoe je van dat kleine idee een sterk project maakt dat je carrière kan kantelen. Hier vind je alle info.

In deze aflevering neem ik je opnieuw mee naar mijn liveshow in Pakhuis De Zwijger in Amsterdam, waar ik een intens gesprek had met Stephan Vanfleteren. Hij stortte zich vijf jaar lang in de Noordzee en het Kanaal voor zijn project Transcripts of a Sea — bij storm, in de nacht, midden in de branding. Niet uit roekeloosheid, maar uit pure toewijding aan een idee dat niet meer losliet.We hebben het over risico's, passie die obsessie wordt, jezelf verliezen én terugvinden in een verhaal dat groter is dan jijzelf. Over hoe vakmanschap groeit wanneer je durft te blijven zoeken, vallen, opstaan en opnieuw beginnen. Dit gesprek is een uitnodiging om je eigen fotografische vuur te herkennen en er niet langer van weg te lopen.Wil je zelf sterker en gerichter groeien als fotograaf? Dan kan je je inschrijven voor mijn gratis webinar waarin ik de patronen deel die ik bij topfotografen steeds opnieuw zie terugkomen en waarvan jij kan leren. De link vind je hier. Abonneer je zeker en laat een review of 5 sterren achter op Spotify of Apple Podcast , zo kunnen we nog meer fotografen inspireren en ondersteunen.

Photography is entering a new era. AI can now generate convincing images in seconds. Clients expect more for less. The market feels crowded, competitive, uncertain.And yet… the photographers who succeed in the coming years won't be the ones who hustle the hardest or follow every trend. They will be the ones who bring something only they can see.In this episode, I explore why your unique eye has never been more valuable and why now is the moment to start building a photography career that's unmistakably yours. If you've been stuck in survival mode, feeling like you're running fast but not really moving forward… this conversation is your reminder that clarity, storytelling and depth will always beat production and speed.Let's talk about the future and your place in it.

In this episode of the Donker Kamer Podcast, I speak with Kurdish photographer Ebrahim Alipoor, whose work brings visibility to stories that are often silenced in Iranian Kurdistan. He grew up in remote mountain villages where even basic things like knowing your official birth year or registered name were uncertain. His father, a village teacher, bought a single Yashica film camera to document his students, unknowingly planting the seed for Ebrahim's path as a photographer.Ebrahim shares how he became a self-taught documentary photographer in a region shaped by border economies, political repression, and the everyday risks faced by “kolbars,” men who carry heavy loads across dangerous mountain terrain to earn a living. His long-term project Bullets Have No Borders earned the World Press Photo Story of the Year, but for him the real purpose remains unchanged: preserving the untold stories of Kurdish life and history.He talks about arrest and censorship, the challenge of working without institutional support, and the years in which family and society pushed him toward a “normal job.” He explains how poetry, silence, and rhythm influence his visual language, and why he continues to follow long-term stories even when they bring little financial security. Ebrahim also shares a preview of his next project, focused on Kurdish mother-tongue education, another fragile, essential piece of cultural survival.A conversation about resilience, truth, and using photography as a bridge between lived experience and collective memory.Want to deepen your own photographic voice?We're hosting a five-day master workshop with renowned Dutch photographer Awoiska van der Molen from June 2–6 in the French Alps.It's an immersive, small-group program for photographers who want to refine their inner drive, narrative focus, and visual language.Apply by submitting your portfolio here.

In this episode, I peel back the layers of my own journey, how photography shaped my life, my work, and the platform many of you now know as De Donkere Kamer. From my early documentary work in Niger to years inside the newsroom, from curating major exhibitions to building a thriving international community, this is the story of how a love for images turned into a lifelong mission.I talk about the trees that keep me grounded, the risks that pushed me forward, and the vision behind creating CONNECT, a space where photographers don't just learn but grow together.If you want to dive even deeper into the craft, I'd love to invite you to our upcoming online masterclass with British-Malaysian documentary photographer Ian Teh on December 10 at 10 a.m. He'll explore how an idea evolves from a spark into a full project. You can join live or watch the replay. Tickets are available here. website: www.donkerekamer.cominsta: @dedonkerekamer_be

In deze aflevering neem ik je mee naar mijn live show in Pakhuis De Zwijger in Amsterdam, die plaatsvond op 30 september. Een uitverkochte zaal, een avond vol fotografie, ontmoeting en inspiratie. Het was de laatste show van dit jaar, en meteen ook een van de meest memorabele.Tijdens deze avond ging ik in gesprek met Anaïs Lopez: Nederlandse visual storyteller, fotograaf, maker, en onmogelijk in één vakje te stoppen. Haar werk beweegt zich tussen documentaire, performance en kunst, altijd gedreven door een diepe nieuwsgierigheid naar verhalen, identiteit en de wereld om ons heen.In het interview duiken we in haar manier van werken, haar zoektocht, haar ideeën en de manier waarop ze beeld inzet om complexe thema's invoelbaar te maken.Daarnaast vertel ik kort over mijn online masterclasses waarin toonaangevende fotografen hun kennis delen. Volgende maand geef ik het digitale podium aan documentairefotograaf Ian Teh, die laat zien hoe een klein idee kan uitgroeien tot een sterk visueel verhaal. Hier kan je alle info vinden. Leun achterover, luister mee, en laat je inspireren door het verhaal van Anaïs Lopez.

In this episode, I'm taking you with me to Paris — to Paris Photo, the largest photography fair in the world. Eighty thousand visitors, hundreds of galleries from every corner of the globe, and a visual overload that can make even the most seasoned artist dizzy.From the stunning chaos of the Grand Palais to quiet reflections at the Gerhard Richter exhibition, I share what moved me, inspired me, and challenged me during these intense days. You'll hear about new discoveries, timeless masters, and one word that kept returning like a mantra: obsession.Because behind every great artist — whether it's Richter, Ebrahim Alipoor, Diana Markosian, or a student showing at Paris Photo for the first time — there's an obsession that keeps them going. A devotion that pushes them through discomfort and doubt, toward truth and transformation.Celebrate with me! Until November 16th at midnight, you can book my 1:1 Review Session at half price — €150 instead of €300 by using the code BIRTHDAY. In 90 minutes, we dive deep into your photography, your questions, and your creative direction.It's my birthday gift to you — the most affordable way to work with me one-on-one.

In deze aflevering zit ik aan de keukentafel in Rotterdam bij een van de meest invloedrijke Nederlandse fotojournalisten: Vincent Mentzel (1945). Hij brak zijn studie aan de kunstacademie af, leerde het vak in de donkere kamer bij Maria Austria, werd in de jaren '70 staffotograaf bij NRC en groeide uit tot de fotograaf die het Binnenhof van dichtbij vastlegde – vaak nóg dichterbij dan de politici zelf doorhadden. Hij won meerdere World Press Photo-awards, zat later zelfs in het bestuur, fotografeerde generaties politici, kunstenaars en collega-fotografen, en blijft op zijn tachtigste (!) vrolijk doorgaan… met zijn iPhone.We praten over leren kijken (echt kijken), over waarom hij in de donkere kamer altijd “wegdrukte wat niet relevant was”, over vertrouwen tussen fotograaf en geportretteerde, over de verleiding en het gevaar van AI-beelden, over het bewaren van je archief en waarom fotografen daar veel te laat over nadenken. Hij vertelt hoe zijn iPhone-archief van tienduizenden beelden uiteindelijk een boek werd, waarom sommige mensen níet in dat boek staan, en waarom hij het leven nu ook in termen van troost, schoonheid en nalatenschap bekijkt.Het is een gesprek over fotografie als geheugen, als spel én als bewijs dat je nieuwsgierigheid je lang jonger houdt dan je paspoort.Hier vind je Vincent's insta account: @vincentmentzelEn hier kan je zijn Handpalmfotografie boek bestellen.

In deze aflevering neem ik je mee in mijn ontmoeting met de Nederlandse fotograaf Vincent Mentzel. Een man met een ongelooflijke carrière bij NRC en een scherp oog voor menselijkheid. Hij herinnerde me eraan hoe belangrijk het is om tijd te nemen, respect te tonen en mild te zijn – als fotograaf én als mens.Ik vertel hoe dit gesprek me raakte, waarom ik geloof in langzame, eerlijke content zoals deze podcast, en hoe ik bewust kies om te investeren in wat op lange termijn waarde brengt. Want echte verbinding ontstaat niet in haast, maar in aandacht.Daarnaast nodig ik je uit voor de online masterclass met Raisa Zwart op maandag 10 november om 15u. Raisa deelt hoe zij haar fotografie wereldwijd laat verspreiden via print on demand – een prachtige manier om een extra, passieve inkomstenstroom op te bouwen als fotograaf.