Un espacio dedicado a revisar la relación histórica entre la música y el cine. Locutor: Roberto Garza
Revisamos la relación creativa entre dos genios nacidos en Polonia: el cineasta Krzysztof Kieślowski y el compositor Zbigniew Preisner, autores conjuntos de filmes inmortales como el Decálogo, La doble vida de Verónica y la trilogía Azul, Blanco y Rojo.
Exploramos la relación creativa entre el cineasta italiano Sergio Leone y el célebre maestro de la música cinematográfica Ennio Morricone, la dupla más famosa del spaghetti western.
Revisamos una de las alianzas más potentes del cine contemporáneo: la relación creativa entre el cineasta Paul Thomas Anderson y el compositor y multiinstrumentista Jonny Greenwood, miembro de la icónica banda británica Radiohead, y de The Smile, su proyecto paralelo con Thom Yorke.
Revisamos la relación creativa entre el cineasta David Fincher y los músicos y productores Trent Reznor y Atticus Ross, quienes, desde su potente irrupción en la industria del cine con La Red Social, están marcando nuevas rutas en materia de composición de música original para películas y series.
Revisamos la relación artística entre el cineasta David Lynch y el finado compositor Angelo Badalamenti, una dupla creativa que se mueve con naturalidad absoluta en el extraño mundo de los sueños.
Revisamos la relación artística entre dos genios japoneses: el cineasta Hayao Miyazaki y el compositor Joe Hisaishi, sin duda una de las duplas creativas más emblemáticas en la historia del cine.
En esta entrega revisamos la obra de una dupla creativa compuesta por dos genios estadounidenses: el cineasta Tim Burton y el compositor Danny Elfman, quienes han trabajado juntos en numerosas películas, creando mundos fantásticos, con un estilo y una narrativa únicos.
En esta entrega hablamos de la relación creativa que existió entre dos genios italianos: el célebre cineasta Federico Fellini, autor de algunas de las películas más icónicas del cine italiano, y el afamado compositor Nino Rota, creador de la identidad musical de la obra de Fellini.
Fue en 1999 cuando Jim Jarmusch invitó al rapero, actor, productor y líder de Wu-Tang Clan, Robert Fitzgerald Diggs, mejor conocido como RZA, a musicalizar la película Ghost Dog: The Way of the Samurai, una joya que sobresale en la filmografía de Jarmusch.
El soundtrack de Sólo los amantes sobreviven (Only Lovers Left Alive, Jim Jarmusch, 2013) incluye música original de SQÜRL, banda de Jarmusch, con la colaboración de Jozef van Wissem en el laúd. Una película de vampiros milenarios con una banda sonora atmosférica y atemporal, como los personajes inmortales del filme.
Sofia Coppola filmó LAS VÍRGENES SUICIDAS, su primer largometraje, en 1996. A la fecha ha realizado varios filmes de excelente factura y con bandas sonoras memorables, entre los que destacan PERDIDOS EN TOKIO (2003), MARIA ANTONIETA (2006) y SOMEWHERE (2010).
Realizada por el británico Stephen Frears en el año 2000, a partir de la novela homónima de Nick Hornby, High Fidelity (o Alta fidelidad en español) es una película entrañable sobre el culto a los vinilos, con John Cusack en el papel protagónico y con una banda sonora potentísima, que incluye piezas de The Velvet Underground, The Kinks, Bob Dylan, The Beta Band, Elvis Costello, Stereolab, 13th Floor Elevators, The Jam, Belle & Sebastian y Joan Jett, entre muchos otros.
Dirigida por Todd Haynes en 2007, I´m Not There es una película biográfica sobre Bob Dylan en la que seis actores (Christian Bale, Cate Blanchett, Heath Ledger, Richard Gere, Ben Wishaw y Marcus Carl Franklin) interpretan diferentes facetas y momentos en la vida del legendario compositor y premio Nobel de Literatura.
La música original de Lost Highway (David Lynch, 1997) es obra de Angelo Badalamenti, Trent Reznor y Barry Adamson, y el soundtrack, producido por Trent Reznor, es una joya oscura con rolas de David Bowie, Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, Lou Reed, Ramnstein y Marilyn Manson.
El soundtrack de Inherent Vice (Paul Thomas Anderson, 2014) incluye música original de Jonny Greenwood más una versión de “Spooks” (de Radiohead), interpretada por Greenwood y Supergras, además de rolas de Neil Young, Can, The Marketts, Les Baxter, Minnie Riperton, Chuck Jackson y KYU Sakamoto.
Realizada por el cineasta alemán Wim Wenders en 1991, Until The End of The World, una distópica road movie futurista, cuenta con una de las mejores bandas sonoras de la historia del cine.
Realizada por Todd Haynes en 1998, Velvet Goldmine cuenta con una de las bandas sonoras más poderosas de la historia del cine. Para el soundtrack de esta película, Haynes armó dos súpergrupos: Wylde Ratzz y The Venus in Furs. La lista de músicos que participan es impresionante: desde Thurston Moore y Steve Sheley de Sonic Youth, hasta Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead, entre otros. Además: rolas de Brian Eno, Pulp, Roxy Music, Lou Reed, T. Rex, Placebo, Grant Lee Buffalo…
A mediados de los años sesenta del siglo pasado, Michelangelo Antonioni dirigió Blow-Up, filme inspirado en el cuento “Las babas del diablo”, de Julio Cortázar, y musicalizado por el entonces joven jazzista Herbie Hancock.
El soundtrack de Amores perros marcó un antes y un después en materia de bandas sonoras en el cine mexicano. Rolas de Control Machete, Nacha Pop, Gustavo Santaolalla, The Hollies, Titán, Los del garrote, Café Tacvba, Ely Guerra, Julieta Venegas, Zurdok, Celia Cruz… sin duda, uno de los mejores en la historia del cine mexicano.
Quentin Tarantino es uno de los cineastas que mayor peso le ha dado a la música –y en particular al rock– a lo largo de su carrera. En las bandas sonoras de sus películas cohabitan desde el más selecto rock americano de los 60s y 70s, hasta piezas originales del gran compositor italiano Ennio Morricone.
Desde la vertiginosa secuencia inicial, musicalizada con “Lust For Life” de Iggy Pop, el cineasta británico Danny Boyle establece la importancia que tendrá la música en Trainspotting, película realizada en 1996 a partir de la novela homónima de Irving Welsh. #trainspotting #podcast #dannyboyle #rock #soundtrack
Francis Ford Coppola realizó dos películas donde la música es un personaje más: Apocalipsis ahora, de 1979, y Rumble Fish, de 1983. En la primera logró uno de los mejores momentos del rock en el cine, con The End, de The Doors; y en la segunda invitó a Stewart Copeland, entonces baterista de The Police, a componer el score original del filme. Dos peliculones donde la música juega un rol fundamental.
Hace 50 años, en la primavera de 1973, Pete Townshend concibió Quadrophenia, álbum icónico de The Who que cinco años después, en 1979, fue adaptado al lenguaje cinematográfico por Franc Roddam. Un clásico indiscutible del cine rock que emanó de un álbum de altísimos vuelos.
Tras de 16 años de rocanrolear, en noviembre de 1976, The Band organizó un concierto de despedida en el teatro Winterland de San Francisco. Durante ese legendario festín musical, celebrado en el Día de Acción de Gracias, Martin Scorsese filmó El último vals (The Last Waltz), sin duda, el mejor testimonio audiovisual del fin de una era en la historia del rock.
The Beatles, Dennis Hopper, M. Antonioni, Barbet Schroeder, Jean-Luc Godard, Pink Floyd, Frank Zappa, Bob Dylan, Neil Young, Jerry García… cineastas-rockeros y rockeros-cineastas. Desde A Hard Day's Night y Magical Mystery Tour hasta Easy Rider y Zabriskie Point.
En los años sesenta del siglo pasado emergió una nueva generación de realizadores, en su mayoría protagonistas de la revolución cultural y comprometidos con los ideales transformadores de la época. Tanto en Estados Unidos como en varios países de Europa, la proliferación del movimiento contracultural modificó la manera en que los cineastas abordaron el tema del rock: por un lado se realizaron documentales de giras y conciertos; y por otro se hicieron películas de ficción, musicalizadas con temas de rock, que pretendían reflejar el sentir y pensar de la juventud.
La juventud de los años cincuenta del siglo pasado necesitaba un personaje que le diera identidad. En 1953, Marlon Brando encarnó al primer héroe juvenil en El salvaje (The Wild One), y más adelante, en 1955, el productor David Weisbart consolidó esa nueva figura con James Dean en Rebelde sin causa de Nicholas Ray. Dean falleció a los 24 años en un accidente automovilístico, un mes antes del estreno de la cinta. Si embargo, con su muerte nació un mito, el del héroe rebelde de corta vida, mismo que se instaló de inmediato en el imaginario juvenil. El productor Weisbart, visionario y monetarista desvergonzado, no tardó en encontrar al sustituto perfecto de Dean: Elvis Presley, número uno de la escena rocanrolera de los cincuenta.
El rocanrol incursionó en el cine en 1955, cuando “Rock Around the Clock” de Bill Haley y sus Cometas sonó en los créditos iniciales de Semilla de maldad (Blackboard Jungle), película dirigida por Richard Brooks y en la cual Glenn Ford interpreta a un profesor que tiene que lidiar con un grupo de indomables en una escuela pública.
La INTERZONA se mira al espejo y de sus pupilas surge una imagen: es la nueva escena del kraut alemán, donde las raíces de bandas seminales como Neu! y Kraftwerk transmutan en alucinantes proyectos musicales, mismos que están reinventando el sonido motorizado y cósmico del krautrock original. Ghost Power, Tausend Augen, Motrik, Zement, IXZHILION y Kugens Män cohabitan en esta locura de INTERZONA.
La #INTERZONA no nace ni muere –es viaje perpetuo. Joyas rescatadas por el sello Habibi Funk Records conviven y se mezclan con los ritmos imparables de Billy Preston, Antibalas, The Phenomenal Handclap Band, Pachyman, Lancelot Layne y Vin Gordon.
Estamos de vuelta con un nuevo y desafiante episodio. Nos sumergimos a las profundidades de los ritmos sincopados en compañía de Dizzy Gillespie, Miles Davis, Herbie Hancock, Nina Simone, Klezmerson, Sons of Kemet y más.
Guitarrazos vehementes, chicas punks y sintetizadores de los 80s se mezclan en esta INTERZONA; el resultado: un coctel de ritmos explosivos con los sellos de Peter Schilling, The Jam, Jane's Addiction, Violent Femmes, Yeah Yeah Yeahs, Death, The Faint y The Slits.
La INTERZONA es un astro que se llena con la luz de la música celeste. Rolas de Spoon, Ty Segall, Suicide, Adam & The Ants, Television, NEU! y The Greenhornes cohabitan en este episodio de alcance sideral.
Una experiencia psiconáutica garantizada: Damaged Bug, Mr. Elevator, La Era de Acuario, Sei Still, Lorelle Meets The Obsolete, Supersilverhaze y Frankie and The Witch Fingers, entre otras bandas de las escenas psicodélica y stoner.
El 2022, por lo menos en cuanto música nueva se refiere, ha sido un año bien generoso. De los incontables lanzamientos ocurridos en estos doce meses, en la INTERZONA hicimos una selección de las 15 rolas que más nos gustaron del 2022. Desde Big Thief, Khruangbin, Yeah Yeah Yeahs y The Smile, hasta St. Paul & The Broken Bones, Ibibio Sound Machine, Sonido Gallo Negro, Johnny Marr, The Brian Jonestown Massacre y Yo La Tengo.
Exploramos sonidos emanados del kraut alemán, con toques de rock espacial y psicodélico. Robert Calvert, Acid Rooster, Stereolab, The Cavern of Anti-Matter, Polyrock y White Hills cohabitan en esta INTERZONA hiper volada.
Desde la psicodelia brasileña de los 60s con Os Mutantes, hasta los sonidos subterráneos de Mosses y la electrónica transcultural de Jack Essek, pasando por covers a Johnny Cash y The Cure, este episodio ofrece una selección de once rolotas de altos vuelos que dejará huella en tus oídos.
Este viaje mágico-musical inicia en Reykjavík, Islandia, de la mano del trío Dead Skeletons, para luego brincar a Manchester con Plank! y seguirse de largo hasta la vapuleada Ucrania con la bandota Atomic Simao. Se suman a la fiesta los chilenos Föllakzoid, los californianos Moon Duo y hasta el legendario Captain Beefheart & His Magic Band.
Brighton, Düsseldorf, París, Róterdam, Copenhague, Londres y Moscú son algunas de las escalas de este viaje mágico-musical, mismo que explora las profundidades bailables e hipnóticas de la #INTERZONA.
El cineasta británico Danny Boyle acaba de cumplir 66 años y sigue más activo que nunca. En fechas recientes ha dirigido varias series, entre ellas una sobre los Sex Pistols, y se acaba de anunciar que dirigirá un espectáculo inmersivo basado en The Matrix Resurrections. Para celebrarlo, en #BandaSonora revisamos la música en la filmografía completa del director de películas inmortales como TRAINSPOTTING, 28 DAYS LATER, SUNSHINE y SLUMDOG MILLIONAIRE.
En este episodio viajamos a un lugar luminoso, uno donde la música es la luz solar que todo lo alumbra. Covers a Elvis y Bowie conviven con música nueva para cine y los proyectos alternos de Damon Albarn, Gruff Rhys, Bill Callahan y Bonnie Prince Billy. Pasen al jardín de las delicias… musicales.
La INTERZONA es infinita y su espacio es la música. Déjense llevar por los ritmos solares que marcan Booker T. & The M.G's, St. Paul & The Broken Bones, Herbie Hancock, The Temptations, Galactic y Ray Manzarek.
Además de su trabajo como productor musical y al frente de su banda Nine Inch Nails, Trent Reznor es un reconocido compositor de música cinematográfica, que incluso ya ganó, junto con su cómplice creativo Atticus Ross, el Oscar a mejor score original por LA RED SOCIAL. En lo que va del 2022, ya musicalizaron el filme de terror BONES AND ALL, de Luca Guadagnino, y la película EMPIRE OF LIGHT, de Sam Mendes. En este episodio revisamos su larga relación con el medio cinematográfico.
Su obra se distingue por la violencia, el sexo, la insanidad mental y una exquisita selección musical, en particular de electrónica. Argentino radicado en Francia, es autor de IRREVERSIBLE, LOVE y CLIMAX, entre otras. Su película más reciente se llama VORTEX (2021). También ha realizado videos musicales para artistas de la talla de Nick Cave. Aquí un viaje mágico-musical por su compacta filmografía.
La dupla Nick Cave – Warren Ellis ha compuesto la música original de más de 15 películas. En lo que va del 2022, Cave y Ellis ya musicalizaron BLONDE, sobre Marilyn Monroe, y la recién estrenada serie MONSTRUO: LA HISTORIA DE JEFFREY DAHMER. En este episodio, revisamos su ya larga trayectoria como compositores de música cinematográfica.
El 27 de octubre se estrena en cines BARDO (2022), la más reciente película de Alejandro González Iñárritu, misma que explora en lo más hondo del alma de su realizador, de quien en este episodio revisamos la música en su filmografía, desde AMORES PERROS hasta EL RENACIDO.
Este episodio está 100% dedicado al cine mexicano; y en particular, a revisar la música que habita en sus bandas sonoras. De un amplio espectro de películas realizadas desde 1970, seleccionamos los 15 soundtracks mejor curados de la cinematografía mexicana del último siglo.
Se acerca el estreno de Moonage Daydream (2022), película que su director, Brett Morgen, define como “una odisea audiovisual que explora el viaje creativo y musical de David Bowie.” Así que en #BandaSonora nos dimos a la tarea de revisar la relación de Bowie con el medio cinematográfico.
¿Cuál es tu soundtrack favorito? Para este episodio, de un universo de más de doscientas cincuenta bandas sonoras, seleccioné los 15 soundtracks que más me gustan, los que me vuelan la cabeza cada vez que los escucho, mismos que llevo bien tatuados en la memoria y que son parte fundamental la banda sonora de mi vida.
Nos echamos un clavado a la filmografía de Alfonso Cuarón, cuyas películas suelen tener bandas sonoras memorables. Pulp, La Revolución de Emiliano Zapata, Chris Cornell, Frank Zappa, King Crimson, Javier Bátiz y Steven Price dialogan en este episodio que revela los gustos musicales del cineasta mexicano.
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