Sumo

Xesta, também conhecido por Hugo Moura, é um portuense apaixonado pelas letras. O crescimento do Xesta enquanto artista visual está muito assente numa cultura urbana ligada ao grafitti e à street art. A passagem para o domínio do desenho caligráfico foi, portanto, um processo natural. É sobretudo no campo da caligrafia e lettering que o Xesta desenvolve uma prática com clientes nacionais e internacionais.Nesta conversa pudemos abordar temas relacionados com o percurso e visão deste designer que também é co-autor de dois livros sobre caligrafia.

O Rui vive mergulhado num mundo dedicado à forma das letras. Ao longo desta conversa percebe-se no discurso do Rui o quanto o apaixona o universo da tipografia. É o interesse pela história e pelas histórias por detrás dos mais diversos desenhos tipográficos que levam a que este designer gráfico, fundador da editora R-typography em 2008, seja reconhecido internacionalmente pela qualidade e obsessiva atenção ao detalhe no desenho das letras que o rodeiam.

Sumo is back with a conversation with an iconic figure in the history of world graphic design. Lance Wyman, born in 1938 in the United States of America, is best known for the iconic visual identity he created for the 1968 Mexico Olympics. However, the work of this influential designer is much broader than just the Olympics. From a visual system for the Washington metro to a poster for Obama's 2008 campaign, his work is a reference for many designers.

Neste episódio trago-vos a conversa que tive com a Rita Matos. Talvez por, a forma como primeiro contactei com o trabalho da Rita ter sido através das suas colaborações com a música underground em Portugal, ainda hoje a associo a esse universo. Esta associação não está longe da verdade. No entanto, a Rita evoluiu e caminhou para outros ambientes e outros projectos. Neste momento, co-dirige o New Studio em Nova Iorque, cidade para onde se mudou recentemente. Durante esta conversa a Rita partilha experiências na sua nova cidade e aborda as mais elementares diferenças que existem pelo facto de trabalhar num contexto diferente daquele em que iniciou a sua prática. 

Os Nonverbal Club são um estúdio de design gráfico situado no Porto que se dedica à nobre missão de dar visibilidade a linguagens de origens várias. Os Non-verbal têm uma actividade grande e uma presença significativa no panorama cultural português mais recente.Composto pela Susana Almeida, João Martino e Miguel Almeida, este atelier tem desenvolvido trabalho para clientes como o Teatro do Bairro Alto em Lisboa, Culturgest bem como diversos artistas, arquitectos e curadores.

Ruedi Baur is a franco-swiss multidisciplinary graphic designer. Ruedi has an unmistakable track record in the history of European graphic design and kindly accepted to talk to me during his presence in Porto for a workshop at ESAD, Matosinhos.

Neste episódio partilho a conversa que tive ainda antes do verão deste ano, 2022, com o Óscar Maia. O Óscar é um designer com prática desenvolvida na cidade do Porto. Depois de ter passado pelos ateliers Martino&Jaña e White Studio, em 2017 estabeleceu-se em nome próprio. Desde então tem desenvolvido trabalho para a cultura mas também para clientes com uma vertente dita comercial.Apesar de muito do seu tempo ser dedicado à prática do design, o Óscar tem outros campos aos quais dedica parte da sua atenção. É, por isso, inspirador ouvir de que forma é que áreas que estão fora dos limites do design gráfico acabam por contribuir para um enriquecimento do discurso e daquilo que são as referências que contaminam ou motivam determinadas opções na prática do design.

Conversation on typography with Fabian Harb (Dinamo) and Kai Bernau (Carvalho Bernau).

Conversa com a professora Ana Rainha e a designer, investigadora e activista Nina Paim.

O João é designer e director criativo da DROP e professor, especializou-se no desenvolvimento de identidades visuais e edição gráfica na área de produção cultural, em particular para eventos ou publicações relacionadas com teatro, música, cinema ou arquitectura. O Francisco Laranjo é designer gráfico e investigador, PhD em design methods and criticism pela University of the Arts London e um MA em Visual Communication pelo Royal College of Art. Os seus textos têm sido publicados em diversas publicações da especialidade e é frequentemente convidado de instituições como o Sandberg Institute (NL), CalArts (US), Royal College of Art, London College of Communication (UK), apenas para citar algumas.Estes dois convidados têm em comum uma característica que prezo muito e que tem que ver com a capacidade de nos fazerem ver o que está para lá da superfície. A postura crítica de ambos em relação ao que entendemos ser a opinião dominante é, em si mesmo, uma forma de resistência mas também uma demonstração do cuidado que têm pela disciplina aqui a ser tratada.

Para este terceiro episódio, ao vivo nos Maus Hábitos, convidei a Ana Resende e a Raquel Pais. Ambas têm um percurso onde a transversalidade se destaca e é precisamente essa, uma das principais características destas duas designers que me interessou explorar durante esta conversa. A Ana Resende pensa e desenha livros há dez anos. Combina essa prática com outros interesses, como arquitectura, cinema e projectos de âmbito curatorial. Formou-se em arquitectura na FAUP, onde fez investigação em arquitectura e cinema, e estudou design editorial na FBAUP. Trabalha de forma independente, privilegiando a colaboração como forma de elevar o potencial de cada projecto.A Raquel Pais é designer e co-fundadora do atelier À CAPUCHA! onde explora as relações entre o saber-fazer e a cultura material e imaterial. Ao longo da sua formação e prática profissional tem procurado um olhar múltiplo sobre o campo disciplinar do design, o que a levou a integrar projetos inseridos em instituições culturais, nomeadamente enquanto assistente de curadoria do programa geral e co-editora de duas séries de publicações da Porto Design Biennale 2019 e 2021. Atualmente é também gestora de projetos e programação no INSTITUTO.

A Márcia Novais é uma designer formada nas Faculdade de Belas Artes do Porto, local onde exerceu funções de designer. Colabora regularmente com instituições como o Museu de Arte Contemporânea de Serralves, a Câmara Municipal do Porto, Museu Artium, MAAT e a Fundação Calouste Gulbenkian. Nesta conversa pudemos abordar a experiência que a Márcia teve recentemente enquanto júri da competição Best Book Design from All Over the World mas também a recente transição de um emprego para um modelo de trabalho independente.Boa escuta!

A Alejandra nasceu no Chile há muito pouco tempo e, nas palavras da própria, muito depois do Martino. Tem mais de 20 anos de experiência profissional na área do design de comunicação e na docência. O João nasceu no Porto, e tem dedicado muito do seu tempo à docência e à prática do design sobretudo no seu actual atelier Nonverbal Club. Ambos foram responsáveis pela formação do atelier Martino&Jana bem como da WeCameFromSpace. Logo a seguir ao primeiro Sumo ao vivo, há um mês atrás, que foi marcado por um certo existencialismo próprio de quem questiona o que faz, decidi dedicar um episódio a um tema muito recorrente entre designers e que está relacionado com a prática. Prática profissional, cultura de atelier, prática de atelier, trabalho freelance, estágios, colaborações, tudo isto são expressões que identificam relações possíveis com um modelo de trabalho onde abundam as variáveis. Quais serão as motivações que levam um recém-licenciado a abrir um atelier? Faz sentido, actualmente, formar um atelier de design gráfico? Haverão outros modelos de trabalho mais apoiados no contexto económico e social actual? Para me ajudar a encontrar algumas pistas para estas e outras perguntas decidi convidar o Martinho e a Jana. Não com a tendência revivalista que junta bandas que deviam estar quietinhas mas precisamente porque, juntos, criaram, promoveram e possibilitaram diversos modelos de trabalho na área do design gráfico. Foi nesse sentido que os convidei a voltar a estar à mesa a discutir design esperando que, tal como em qualquer prática, a discordância sirva de caminho para a construção.

A convite dos Maus Hábitos, a partir de hoje e, uma vez por mês, farei uma noite de Sumo aberta ao público na qual estarei eu, mais duas pessoas de algum modo ligadas ao design, a conversar à mesa. Como tudo o que começa tem um fim, idealizei 7 edições para este formato do Sumo, o que significa que irão passar por aqui 14 participantes ao longo dos próximos meses.Para este primeiro podcast com nome de luta japonesa, ao vivo, tenho a Joana Pestana e o Rui Silva. A Joana é designer, educadora e investigadora. Desenvolve projetos no cruzamento da tecnologia, do design e das novas literacias. Destaca-se nesse âmbito o trabalho de co-curadoria das exposições Omnisciência: Estratégias de  Fractura e Fuga (2021, Fórum da Maia), Scrolling the Arcane (2020, Planetário do Porto) e Critical-GPS (2018, Royal College of Art). É docente convidada na Universidade Católica do Porto e Universidade da Maia, tendo previamente leccionado na Kingston School of Art, Sheffield Hallam University.O Rui trabalha como designer gráfico desde 2005 no projeto www.alfaiataria.org, um espaço de corte-e-cose gráfico situado entre o Porto e Lisboa. Desde 2007 que tem o prazer de desenhar livros, colaborando regularmente com editoras como a Antígona, a Orfeu Negro e a Dafne. Em 2016 aderiu ao paradigma das materialidades por um período de quatro anos — renovável por tempo indeterminado — e em 2018 inicia um pequeno laboratório de publicação, o Gabinete Paratextual, associado ao Doutoramento em Materialidades de Literatura que está em fase de conclusão com a tese: «A condição de ser livro. A publicação como prática artística e o livro como artefacto».

This is a very special episode for me. Firstly, because of my guest, a great reference for me as a designer. Second, because it wasn't planned. Let me explain: earlier this year I was invited to curate a project called Voices From the Atelier for the Porto Design Biennale. It consisted of the definition of 6 themes for which I invited designers to speak. In this context, I was pleased to receive Paul Sahre's words on the subject of Memory.What started out as a very objective conversation, about a very specific topic, quickly turned into something that is impossible not to share. Instead of spending 20 minutes chatting, we had to interrupt after 1:30 talking about design and the life of a designer. Paul Sahre is a graphic designer, illustrator and author from New York City and New Jersey. He is a frequent visual contributor to the New York Times, has designed several book covers and has built and destroyed a life-size monster truck hearse made entirely of cardboard and Epson prints for the band They Might be Giants. I feel like stealing Magritte and saying that, with a dose of surrealism, this is not an interview. It's a conversation between two people who love what they do and who share a special taste for guitars. This is, in fact, where this conversation begins. 

In this episode we are exploring the theme of DREAM. Not from a Western European point of view very influenced by Freud and his amazing studies but looking at DREAM as a space for resting and acting, for utopia and dystopia and, at large, a space for thinking.In indigenous communities, dream works as a tool to find answers to their daily life. This is also what we do in our design practice. Dreaming can also be a very enlightening way to engage with other people, to be connected, no matter if we are asleep or wide awake.I invited Susana Carreiras and Alastair Fuad-Luke to join me on this podcast. Susana is a designer actively present in the Peruvian jungle and Alastair is the main curator of the Porto Design Biennale, educator, activist and design facilitator.

We are what we do, especially what we do to change what we are, wrote Eduardo Galleano on his Voices of Time book. Memory is directly linked to imagination. We are shaped by the memory of ancient practices, habits and modes of living. Facing a dark scenario regarding what living in our cities might be in a very near future, many people are looking back at old practices and also moving to rural environments. Design is based on memories, whether visual, physical, sensory, ethnographic and cultural. It has been an important tool in the assertion of identities but also, we must not ignore the role that design has played in sustaining civilizational models where justice is anything but blind. Focusing on this aspect of design, I invited the designer and professor Paul Sahre and the cultural researcher, designer and editor of DEEM Journal, Alice Grandoit.

Roughly seven thousand languages are spoken in the world today. One of the main factors in the identification of a culture is the language that they speak. Even the surge of new vocabulary can be related with good or bad social events and the environment. Language, communication and typography can help us materialize and execute ideas. Can help us understand and give answers to a more balanced, sustainable and meaningful society. Taking as a starting point the investigation on language carried out by Eduardo Staszowski and Virginia Tassinari we want to explore the importance of words in the politics of design today.

The modernity that came with the post-war period and dominated the second half of the 20th century, looked kindly at the concept of ​​Play. Play was widely seen as a valuable tool for the development of children and for the prevention of delinquency.In our time, there has been a resurgence of interest in the use of Play as a factor in the planning of community, social environments and interfaces that promote life quality and growing of creative and responsible citizens.For Johan Huizinga, the dutch historian, we say that a civilisation becomes more serious as it becomes structurally more complex and sophisticated. This is when contact with PLAY is completely lost.To help me better understand the importance of Play in design I invited Marta Rios. A  recently graduated designer from the Social Design master's program at the Design Academy Eindhoven with a work that balances between design and comedy. I also invited designer, artist and curator Erik Kessels to help me understand how Play can help us look differently at things.

VOICES FROM THE ATELIERPorto Design Biennale 2021The word crisis has entered current discourse. Its use is widespread, and the word has been utilized to justify a series of policies and measures put in place as progressive, however rapidly revealed to be rather regressive. It is as though in 2021, the idea of crisis has come to define our model for civilisation. Have we resorted to this model in the absence of a predominant one? Is there room and are we open to new, emerging models, perhaps to models that are more compatible with all other living entities? Or are we confined to what Arturo Escobar defines as the patriarcal Western capital modern model?To discuss these and other topics I have invited designer, educator and researcher Annelys de Vet and cultural researcher, designer and editor of DEEM journal, Alice Grandoit. Concept, edition, texts and mixing: André CruzMusic: Pedro GeraldesText edition: Manuelle Freire©2021 Porto Design Biennale

Porto Design Biennale 2021. This is the last conversation of this series with the main curators of this event dedicated to Alter-Realities. This time with Alberto Altés and Ana Jara.

VOICES FROM THE ATELIERPorto Design Biennale 2021Can there only be one Truth? Are there multiple Truths? The Modern World is dealing with an even more present distorted notion of reality. Social media, corporations, populist politicians, all have been contributing to a chaotic jungle full of distorted truths. Even maps, throughout times, have been designed so that national propaganda could be more effective. How can design contribute to a more real understanding of data, facts, geopolitics?Concept, edition, texts and mixing: André CruzMusic: Pedro GeraldesText edition: Manuelle Freire©2021 Porto Design Biennale

Todays conversation guests are Fran Edgerley from the design and architecture collective Assemble and Inês Marques from the social and collaborative design studio El Warcha. This nice chat happened in the context of the Porto Design Biennale where these two thinkers will have an important role as curators.During this conversation I had the chance to get to know better Fran and Inês and also listen to their thoughts on care and alter-realities to be presented in this year's biennale, in Porto.

Professor Carlo Ratti teaches at the Massachusetts Institute of Technology, where he directs the Senseable City Lab, and is a founding partner of the international design office Carlo Ratti Associati.Ratti's work has been exhibited worldwide and two of his best known projects have been included by TIME Magazine in the list of the ‘Best Inventions of the Year'. Esquire Magazine has featured him in the "Best and Brightest" list and also Wired Magazine in the “Smart List." Blueprint Magazine included him among the "25 People who will Change the World of Design," and Fast Company named him as one of the "50 Most Influential Designers in America."Ratti thinks and speaks at a fast pace, probably due to the diversity of worlds he's constantly in. It was a pleasure to speak to Carlo and listen to his ideas and intentions for the Porto Design Biennale 2021.

In this episode I had the pleasure to have Sam Baron answering to my questions about him and his involvement with the Porto Design Biennale 2021.Baron, who was selected by Philippe Starck as one of ten most important designers for the next decade, has been living between Portugal and France. This awarded designer's practice has been around the questioning of the utility of today's material productions and the very existence of new archetypes. Sam Baron talks about his process and shares his visions on the role of design today as well as the idea behind the curatorship for the Porto Design Biennale 2021 along with Caroline Naphegyi.

One more episode of Sumo + Porto Design Biennale 2021. Throughout the next few months I will talk to the curators who are conceiving and building this biennale dedicated to alter-realities.In this episode I speak to Caroline Naphegyi. Since the year 2000, Caroline has been involved in design projects, especially in France, where she lives. Her background is fully committed to the field of design with projects like Tomorrowland or the non-profit organization Design For Change. More recently she was appointed as program director of Lille World Design Capital 2020. Throughout this episode, Caroline tells us about her involvement with the design world. She also shares her visions on the role of design today as well as the idea behind the curatorship for the Porto Design Biennale 2021 along with Sam Baron.

Second part of my talk with Alastair Fuad-Luke. Alastair is a facilitator, educator, researcher and the main curator of the 2021 Porto Design Biennale. Throughout the next few months I will talk to the curators who are conceiving and building this biennale dedicated to alter-realities.If you haven't listened to this episode's first part I would do it now and come back to this one later. 

Welcome to this new episode of Sumo: the first one entirely in English, because this is a series that came about from a partnership between Sumo and Porto-Design Biennale 2021. Throughout the next few months I will talk to the curators who are conceiving and building this biennale dedicated to alter-realities. I begin this new series with the main curator, a fascinating character called Alastair Fuad-Luke. A facilitator, educator, and researcher, whose life has been devoted to thinking and applying design to a better, more balanced, more sustainable world. Alastair has in fact published several books on this subject, such as Design Activism in 2009 or The Eco-design Handbook in 2002. In our conversation, which will be released in two parts, we talk about the life and thought of this activist, born in the North of England. Among many very pertinent ideas, I kept a specific one, which I find to be most revealing about this entire biennale of 2021: If you design the present, you actually change the future. I hope you enjoy the first part of our talk. In a week's time I will release the 2nd part. Good listening!

Em Novembro de 2020 tive esta conversa com a Susana Carreiras. A Susana vive na selva peruana a cerca de 9000 kms de distância de Portugal. A importância do trabalho desta designer nascida em terras minhotas está na proximidade que estabeleceu com as comunidades indígenas, com a sua história, cultura, hábitos e vivências ancestrais. Sabemos que o mundo está cada vez mais formatado e concentrado na parcialidade de um pensamento tipo. É, também por isso que sinto que este é um testemunho de enorme valor. Não havendo uma opção mais válida do que outra, a acção da Susana mostra-nos como o alcance do design está muito para além da espuma dos dias das identidades visuais e dos kernings desta vida.--O Sumo é um divertimento meu que começou a ser esboçado em 2019 e só foi lançado já estávamos nós fechados em casa com uma pandemia às costas. Termino esta primeira temporada num dia em que paira a incerteza sobre um novo confinamento geral. Vou aproveitar a pausa para pensar no que fazer no futuro em relação ao Sumo. Interessa-me correr atrás desta prática que entretanto se perdeu que é falar sobre o que se faz. Procuro recuperar a ideia presente no livro que nasceu do ciclo de conversas Falando do Ofício publicado em 1986 pela Sociedade Tipográfica e manter aberta a antena para o “atelier”.Há que repensar os meios, a forma, os métodos e as dificuldades presentes nesta espécie de one man band. Quero agradecer o importante suporte que foi dado no Patreon pela Mariana, a Ana, o Miguel, o João e o Afonso. Mais um agradecimento ao Armando Alves, à Dayana, ao João Faria, ao José Albergaria, ao Silva, à Maria João Macedo, Mariana Pestana, Eduardo Aires, João Castro, Alda Rosa, António Silveira Gomes, Rita Huet, João Araújo, e João Nunes. Deram boas conversas e, sem eles, eles isto teria sido um longo e entediante monólogo.À Bond Layer por todo o suporte web.Por último, aos Oliveira Trio pela música surf carrossel que fica no ouvido. Espero que gostem da conversa com a Susana, desculpem algumas fragilidades sonoras provocadas pelos 9000 kms de distância. Protejam-se e até já.

Chegar ao episódio 13 com um convidado como o João Nunes é motivo de celebração. Este é o Sumo, um podcast feito por mim, André Cruz onde se fala sobre Design Gráfico, cultura visual e tudo o que gira à sua volta.Ouço falar do João Nunes desde criança. Nestes últimos dias, em conversa com os meus pais, foram-me relatando momentos passados nos anos 80 em que estivemos sentados à mesma mesa. O João, já então um reconhecido designer e eu, com 6 ou 7 anos, eventualmente farto de os ouvir falar e a contar os minutos para irmos andar de canoa no rio Minho. Foram precisos uns bons 30 e poucos anos para me voltar a sentar à mesa com esta figura inquietante que gosta de pensar e que, com destreza, recruta filósofos para as conversas. É, provavelmente, daí que vem a proximidade ao pensamento de Espinoza: Deus é a natureza.“O meu Deus é a natureza”, diz o João Nunes durante esta conversa. A biografia deste designer é extensa e rica. Já muito foi escrito e eu  fico-me por uma alcunha dada por um amigo em comum, o Marcos Cruz, que de forma carinhosa chama ao João Nunes o “Gepetto da Serra de Arga”.

Décimo segundo episódio do Sumo. Este é um podcast feito por mim, André Cruz onde se fala sobre Design Gráfico, cultura visual e tudo o que gira à sua volta.Desde que comecei a desenhar as primeiras ideias para aquilo que viria a dar Sumo, o nome da Rita e do João eram presença constante. Por inúmeras razões, nomeadamente as incontornáveis entropias provocadas pelo vírus Covid-19, só agora consegui encontrar-me com os And Atelier e, à mesa, conversar sobre o que se faz. Esta dupla, que vive em constante e salutar debate, vê o design como ele deveria ser sempre: crítico, contextualizado e inconformado. Espero que gostem da conversa tanto quanto eu gostei. 

Décimo primeiro episódio do Sumo. Este é um podcast feito por mim, André Cruz onde se fala sobre Design Gráfico, cultura visual e tudo o que gira à sua volta.Este episódio foi gravado a 21 de Agosto, numa cidade de Lisboa vazia. A sedução de encontrar esta cidade sem pessoas rapidamente se transforma numa realidade absurdamente sinistra. Foi no meio desta sarrafusca interior que encontrei o meu convidado para este episódio. António Silveira Gomes é fundador dos Barbara Says…, um dos mais estimulantes e referenciais ateliers a produzir design gráfico em Portugal. Professor, investigador, e membro da AGI, tem também trabalhado no sentido de desenvolver uma reflexão sobre a prática do design.A nossa conversa passou por Paulo de Cantos e derivou até temas como a existência de ateliers com as características de Barbara Says… num contexto mundial cada vez mais sarrafuscado.

A pandemia continua a preencher os nossos dias. Inevitavelmente, as actividades vão sendo marcadas por sucessivas limitações. De movimento, de proximidade, de relacionamento. Este é um podcast que vive da conversa, de preferência boa e frente a frente.É por isso admirável a receptividade de Alda Rosa ao meu convite para uma gravação em sua casa. No entanto, apesar da disponibilidade, não deixou de me alertar para um fenómeno que a assola com frequência: torna a conversa vadia, deixa as palavras dimanar sem rumo aparente. Uma qualidade, digo eu.Apesar de já ter sido algumas vezes mencionada por críticos e investigadores de design em Portugal, a vida desta mulher nascida em 1936 continua a precisar de ser estudada. Designer, mulher e asmática, três adversidades – de medida diferente, claro – com as quais teve que aprender a viver num Portugal fechado para o mundo. Há uma obra gráfica com grande importância ainda por ser analisada e, sobretudo, dada a conhecer.Juntamente com Cristina Reis, José Brandão, Sallete Brandão, Moura-George, Jorge Pacheco, entre outros, faz parte da primeira geração de licenciados em design gráfico em Portugal e que por sua vez, influenciaram as gerações seguintes.A Alda Rosa é nova, moderna e adulta. Uma lição de dignidade, leveza de pensamento e a realização da noção de que a idade é apenas um número. Este episódio é uma amostra das mais de 6 horas de conversa com esta designer de Lisboa. Muito haveria ainda para conversar mas, no regresso a casa lembrei-me particularmente de um tópico que terá que ficar para uma nova conversa: a vinda de Robin Fior para Portugal teve mão de Alda Rosa.

Chegamos ao nono episódio do Sumo. Este é um podcast feito por mim, André Cruz onde se fala sobre Design Gráfico, cultura visual e tudo o que gira à sua volta. João Castro é o designer gráfico que me acompanha durante os próximos 60 minutos. Um apaixonado pelas letras, pela palavra e pelos seus diferentes significados, tem desenvolvido trabalho pertinente quer em nome próprio quer em contexto de atelier. Desde cedo que o trabalho do Tae, como também é conhecido, assumiu uma dimensão que ultrapassa o contexto geográfico e cultural em que se insere. É um designer de hoje, com uma perspectiva poliédrica sobre o que o rodeia.

Oitavo episódio do Sumo. Este é um podcast feito por mim, André Cruz onde se fala sobre Design Gráfico, cultura visual e tudo o que gira à sua volta.No episódio de hoje a conversa faz-se com o designer gráfico Eduardo Aires. Desde 1987, Aires junta a prática profissional à actividade de professor na Faculdade de Belas Artes do Porto. Especializou-se quer a nível profissional quer académico, no campo do design editorial. Numa análise aos muitos projectos desenvolvidos pelo Studio Eduardo Aires é praticamente impossível desviarmo-nos da identidade criada para a cidade do Porto em 2014. No entanto, e sendo este um tema já muito abordado pelo autor, a conversa navegou por outros caminhos, não menos interessantes, e permitiu conhecer um pouco melhor a pessoa para lá do ponto.

Sétimo episódio do Sumo. O tempo é de pausa. Pausa para reflectir, para repensar e redesenhar o modo como temos vivido. No episódio de hoje tenho uma convidada que faz da conversa um permanente momento de fascínio. O que nos conta e o modo como nos agarra na sua deambulação por mundos vários e interesses diversos, transforma este encontro num permanente desafio. Um desafio ao quebrar de fronteiras do pensamento. Um desafio aos limites do conhecimento.Não por acaso, a organização da Bienal de Design de Istambul quis ter Mariana Pestana, arquitecta, a responsabilizar-se pela curadoria da sua 5ª edição, programada para o próximo mês de Setembro deste ano de 2020.Durante a conversa pude abordar alguns dos temas de investigação e trabalho da Mariana bem como a adaptação aos constrangimentos impostos pelo vírus Covid-19.No website do Sumo podem encontrar links para algumas das referências mencionadas durante a conversa.

Este é o sexto episódio do Sumo. Um podcast feito por mim, André Cruz onde se fala sobre Design Gráfico, cultura visual e tudo o que gira à sua volta.Para este regresso trago uma designer de quem gosto muito. Pertence a uma nova geração de designers, mulheres, que tem vindo a ocupar um espaço bastante importante no contexto cultural da cidade do Porto. Maria João Macedo desde cedo definiu um caminho próximo da arte quer pela sua relação com o Sismógrafo quer pelo trabalho gráfico que vem desenvolvendo.Apesar de todas as indefinições e incertezas que marcam o momento que vivemos, Maria João Macedo está a desenvolver a identidade para a próxima Bienal de Design de Istanbul. Um projecto que tem apresentado desafios sobretudo na adaptação que necessariamente tem que ser feita a uma nova realidade e a uma nova e mutante normalidade.Boa escuta!

Este é o 5º episódio do Sumo, um podcast feito por mim, André Cruz onde se fala sobre design gráfico e cultura visual.O meu convidado deste episódio tinha 16 anos em Abril de 74, pertence a uma geração de designers aos quais a passagem por um ambiente político de intensa agitação acabou por marcar e definir um modo de crescer e de fazer.Fundador do atelier Silva! Designers, Jorge Silva foi responsável pela direcção de arte dos jornais Combate e O Independente bem como dos suplementos Y e Mil Folhas que desenhou para o jornal Público.  Ao longo desta conversa explica como se está a adaptar a uma nova realidade ditada em parte pelo atingir de uma maioridade que lhe permite a dedicação a novos e diferentes projectos.

Este é o quarto episódio do Sumo. Um podcast feito por mim, André Cruz onde se fala sobre Design Gráfico, cultura visual e tudo o que gira à sua volta.Numa época dominada por uma homogeneização cultural que invade as nossas vidas, é fundamental afirmar a diferença. É neste pressuposto que o meu convidado deste episódio tem passado os últimos 30 anos a conceber trabalho gráfico. Durante os anos 90, em Lisboa, foi co-fundador do atelier Barbara Says. Mais tarde muda-se para Paris onde conhece Rik Bas Backer e inicia o atelier de design gráfico Change is Good.José Albergaria, nascido em Ponta Delgada, foi o meu convidado para uma conversa gravada por Skype, a 13 de Fevereiro deste ano. Neste dia, embora as medidas de isolamento social ainda não estivessem implementadas, a França já estava em alerta devido a este novo vírus que está a mudar as nossas vidas. Atento, Albergaria despediu-se de mim com a frase: “Vivemos tempos difíceis”. Temos razões para acreditar que este período não vai durar sempre.Há que vergar a letra do poeta e imaginar que a Tristeza vai ter fim.Boa escuta e fiquem em casa!

Este é o terceiro episódio do Sumo. Um podcast feito por mim, André Cruz onde se fala sobre Design Gráfico, cultura visual e tudo o que gira à sua volta.Num período de quarentena forçada pelo vírus Covid-19, lanço esta conversa gravada há umas semanas atrás com um convidado especial.Além de uma relação de amizade existe uma admiração que vem dos tempos de escola. João Faria é designer gráfico, fundador da Drop e professor. Inquestionável referência, faz parte de uma geração que deu início a um processo de renovação do design feito em Portugal.Embora tenha tido uma grande produção gráfica para a música, é sobretudo no trabalho desenvolvido para o teatro que João Faria confirma uma expressão visual que respeita mas, sobretudo, amplia formalmente o conteúdo que tem em mãos.A conversa deambulou por diversas áreas da vida do convidado sempre com o design como rede. Muita coisa ficou por dizer e certamente voltaremos a falar.

Este é o segundo episódio do Sumo. Um podcast feito por mim, André Cruz onde se fala sobre Design Gráfico, cultura visual e tudo o que gira à sua volta.A minha convidada de hoje nasceu em Caracas e vive desde 2006 no Porto. É designer gráfica e artista. Foi co-fundadora da Oficina Arara, colabora com o colectivo Soopa e tem sido autora de uma trabalho relevante e distintivo no campo editorial, na criação de identidades e cartazes para o meio artístico e cultural. Uma das suas mais recentes produções gráficas abordada ao longo desta conversa foi o trabalho desenvolvido para a celebração dos 200 anos da Revolução Liberal do Porto.A convidada é a Dayana Lucas e a conversa aconteceu de um modo que me dá mais prazer: sem rede, com fragilidades e curiosidades expostas o que permite um envolvimento maior com o pensamento que existe por trás das formas.

Armando Alves, 84 anos, natural de Estremoz, Alentejo, é uma figura incontornável da história da Arte portuguesa do século XX. Pertenceu ao grupo dos 4 Vintes juntamente com Ângelo de Sousa, José Rodrigues e Jorge Pinheiro, todos eles com nota 20 na conclusão do curso na Faculdade de Belas Artes do Porto.Nesta conversa com Armando Alves é explorada a sua relação com o design gráfico ou, como à altura se designava: artes gráficas. O pintor, como gosta de se identificar, foi o primeiro artista a desenvolver uma actividade gráfica de um modo profissional e continuado na cidade do Porto. Tal como o próprio explica ao longo desta conversa, em Lisboa já havia alguns designers como Sebastião Rodrigues, Vítor Palla ou Fred Kradofler, mas na cidade do Porto, Armando Alves é o primeiro a construir uma memória gráfica da vida cultural da cidade.

Introdução ao Sumo