Gstaad Menuhin Festival Podcast – L'histoire intime des chefs-d'œuvre du classique

Comment rendre hommage à Vienne sans faire résonner la musique de l'un des plus emblématiques de ses maîtres, Johann Strauss II? Portées par Alfred Eschwé et son Wiener Johann Strauss Orchester, ses valses et polkas seront bien présentes sous la Tente du Festival de Gstaad lors de ce grand gala final… mais elles seront loin d'être seules! Car la Vienne qui danse et qui s'amuse du 19e et du début du 20e siècle, c'était aussi les opérettes aux accents volontiers tziganes de Franz Lehár et Emmerich Kálmán, de même que les spectacles rose bonbon de Carl Zeller. Sans oublier Rudolf Sieczyński, Viennois d'origine polonaise – c'étaient les derniers feux de la mosaïque culturelle de l'immense empire des Habsbourg… – auteur de l'emblématique et inoxydable «Wien, du Stadt meiner Träume» [Vienne, ville de mes rêves], une chanson devenue iconique de la nostalgie de ces temps révolus. On peut compter sur Polina Pasztircsák et Dovlet Nurgeldiyev pour rendre ces pages de velours délicieusement… sucrées!

Elle est l'un des nouveaux visages de la Deutsche Grammophon… et l'une des perles de la nouvelle volée de «Menuhin's Heritage Artists»! Après deux prestations de haut vol lors de l'édition 2021, Bomsori Kim est de retour dans le plus beau concerto pour violon peut-être jamais écrit: celui de Beethoven. Pour l'escorter: la baguette d'Alain Altinoglu, qui en seconde partie entraînera ses musiciens de l'Orchestre de la Radio de Francfort dans la très «classique» Quatrième de Mahler. Ecrite au tournant du siècle, cette œuvre monumentale, mais qui sait au détour se faire plus légère (avec une orchestration plutôt classique et l'emploi d'éléments «folkloriques» comme des grelots ou un violon solo désaccordé) a la particularité de se terminer sur un quatrième mouvement en forme de lied orchestral, dont le matériau est emprunté au cycle du Knaben Wunderhorn achevé quelques années plus tôt. Baptisé Das himmlische Leben [La vie céleste], ce lied, confié à un soprano, a pour vocation clairement exprimée de nous faire toucher… le Ciel!

À l'image du fameux «El Sistema» vénézuélien, «Sinfonía por el Perú» s'est fixé pour objectif d'apporter la «grande» musique à ceux qui n'y ont pas accès, en leur permettant de la pratiquer en groupe – en orchestre – et de renforcer ainsi le ciment social. Lancé en 2011 par le plus célèbre des artistes péruviens, le ténor Juan Diego Flórez, le programme joue forcément sur la notoriété de ce dernier. Avec à la clé l'opportunité pour les plus talentueux de ces instrumentistes en herbe de prendre part à de fantastiques tournées internationales, et pour ces musiciens fiers de leurs racines de porter la «voix» du Pérou de par le monde, au travers de programmes faisant la part belle au folklore latino-américain.

Constance raconte que durant les derniers jours de son existence, à l'automne 1791, Mozart suivait depuis son lit, montre en main, chaque représentation de sa Flûte enchantée par le Theater auf der Wieden de son ami (et frère de loge maçonnique) Emanuel Schikaneder, fredonnant ses airs emblématiques… Pouvait-il offrir plus belle preuve de son attachement à cette partition aujourd'hui entrée dans la légende, dans laquelle il renoue, après la très aristocratique (et italienne) «trilogie Da Ponte», avec le genre du théâtre populaire qui lui va si bien, combinant idéalement féerie enfantine (incarnée par les personnages de Papageno et Papagena) et initiation spirituelle (à travers la quête de Tamino et Pamina)? L'œuvre est portée à la scène par l'un des plus fins spécialistes des relectures baroques et classiques sur instruments historiques, Christophe Rousset, aux commandes de ses Talens Lyriques et de l'Ensemble Vocal de Lausanne, avec en tête de distribution une Sandrine Piau que l'on imagine solaire dans le rôle de Pamina.

Voilà des années que Patricia Kopatchinskaja nous habitue à ne rien faire comme les autres. Le programme qu'elle présente ici avec les instruments historiques de l'ensemble milanais Il Giardino Armonico s'inscrit parfaitement dans cette dynamique: il fait en effet dialoguer des concertos de Vivaldi avec des œuvres pour violon seul de compositeurs italiens contemporains, dont elle a pour la plupart suscité la création. Et Vienne dans tout cela? La capitale impériale n'est autre – ce que l'on ignore bien souvent – que l'ultime demeure du «prêtre roux». Il y trouve la mort fin juillet 1741 dans le dénuement le plus total et l'indifférence générale. La légende raconte que lors du cérémonial réservé aux indigents célébré en Saint-Etienne se trouvait dans le chœur un jeune garçon du nom de… Joseph Haydn.

C'est le couronnement de trois semaines de résidence au sommet, au service de la Gstaad Conducting Academy mais également de ses propres productions: sous la baguette de son directeur artistique Jaap van Zweden, le Gstaad Festival Orchestra présente deux chefs-d'œuvre absolus de la littérature romantique. Le premier recèle peut-être le plus beau mouvement lent jamais composé: baptisé de façon totalement absurde «L'Empereur» (alors que Beethoven y lançait au contraire de violentes salves contre son ancien héros Bonaparte devenu tyran de l'Europe et bourreau des Viennois avec ses terribles bombardements), il est rapidement devenu l'un des concertos préférés des pianistes comme des mélomanes. Il sera porté par le prodige canado-polonais Jan Lisiecki, l'une des figures de proue de la nouvelle génération Deutsche Grammophon, qui avait admirablement remplacé l'an passé Hélène Grimaud dans le 20e Concerto de Mozart. Le second chef-d'œuvre est la Quatrième de Tchaïkovski. Une œuvre traversée par la présence sous-jacente de sa nouvelle muse épistolaire, Nadejda von Meck, à qui il a promis de traduire en musique ses «sentiments les plus profonds». Des sentiments doubles, entre la joie d'être en vie au milieu d'un peuple qui «sait s'amuser» et «l'implacable fatum», ce destin qui se rappelle sans cesse à nous et nous montre que «les autres n'ont que faire de [notre personne]».

C'est sans doute le concerto le moins joué de Beethoven et pourtant l'un des plus séduisants: le Triple offre un terrain de dialogue entre solistes et orchestre digne des plus belles pages de musique de chambre, surtout lorsque, comme ici, cet échange est conduit par des virtuoses qui brillent mais savent aussi faire briller leurs partenaires. Outre la célébrissime Cinquième Symphonie, ce Triple partage l'affiche avec une autre page rare du génie de Bonn: sa Fantaisie chorale. Après avoir laissé en coulisses ses partenaires du début Dmitry Smirnov et Edgar Moreau, le magnifique pianiste Sergei Babayan retrouvera alors sur scène Vasily Petrenko et le Royal Philharmonic de Londres, rejoints par les voix idéales de la Zürcher Sing-Akademie, l'un des meilleurs chœurs de Suisse.

Malgré leur différence d'âge (près de deux générations), les liens entre Fritz Kreisler et Yehudi Menuhin sont nombreux. Pour le jeune Menuhin, Kreisler fait figure d'idole, au même titre que Jascha Heifetz et Mischa Elman. Il n'hésite pas à le comparer à Beethoven, son compositeur préféré, et avoue se sentir plus proche de son «emphase subtile» que de la «texture éblouissante mais plus superficielle» du jeu de Heifetz. Kreisler le lui rend bien, qui estime qu'à l'âge de douze ans le jeune Menuhin a déployé une grande partie des dons que la nature lui a donné, et surtout qu'il a atteint l'objectif le plus difficile de tout artiste: demeurer soi-même quel que soit le répertoire interprété. À la tête des Menuhin Academy Soloists (dont il a repris la direction en 2019), Renaud Capuçon perpétue cette illustre filiation en plaçant au centre de son enseignement les valeurs qui ont façonné la légende de ces deux géants du violon.

La (bonne) musique, c'est bien connu, ne connaît pas de frontières. Mozart et les musiques urbaines sont ainsi faits pour se rencontrer! Le succès recueilli depuis 2013 par le spectacle «Breakin' Mozart», imaginé par le chef et metteur en scène allemand Christoph Hagel, en est la preuve éclatante. Hagel, qui s'est fait une spécialité de ces grands shows crossover – à l'image de «Flying Bach» vu par plus de 300'000 personnes dans 27 pays –, y donne rendez-vous depuis son piano aux chanteurs et break-danseurs du DDC Dancefloor Destruction Crew (littéralement «groupe de destruction de piste de danse»), une compagnie fondée à Schweinfurt en 1999 en pleine vague des «battles» urbaines et qui a justement percé à l'international grâce à… Mozart!

C'est l'unique opéra de Beethoven… mais quel opéra! Un concentré de son génie dramatique mis au service de valeurs emblématiques de sa pensée, profondément marquée par le souffle des Lumières et de la Révolution française: la liberté et la fraternité. Inspiré d'une pièce de Jean-Nicolas Bouilly intitulée Léonore ou l'amour conjugal, son Fidelio donne à voir – et à entendre! – une femme (Léonore) qui se démène pour faire sortir son mari (Florestan) de prison… jusqu'à se déguiser en homme (sous le nom de Fidelio) pour parvenir à s'y infiltrer. Présenté dans une version concertante, ce chef-d'œuvre est l'occasion d'un double retour: celui du ténor-vedette Jonas Kaufmann et du chef Jaap van Zweden à la tête du Gstaad Festival Orchestra.

Le magazine International Piano l'a qualifié de «dernier des titans». C'est vrai qu'il y a quelque chose de titanesque dans la manière de jouer, d'être au piano de Grigory Sokolov. À l'image d'un Richter ou d'un Gould avant lui, ses concerts font figure d'événements, ses enregistrements live (publiés aujourd'hui par la Deutsche Grammophon) sont attendus comme on attend le prochain épisode d'une série culte. À mille lieues des succès fabriqués qui encombrent les bacs et les couvertures glacées des magazines, la recette du Russe est simple: la musique, et rien d'autre!

Les années 1770 voient l'émancipation dans l'univers germanique d'un courant qui va enflammer une bonne partie de l'Europe: le Sturm und Drang, littéralement «orage et passion». Il tire son nom – attribué après coup – d'une pièce du dramaturge Friedrich Maximilian Klinger écrite en 1776 et son expression la plus célèbre est le Werther de Goethe. Considéré comme précurseur du Romantisme, il se distingue de l'Empfindsamkeit – dont il marche sur les pas – par sa volonté d'inscrire, de canaliser dans une forme plus stricte ces élans émotionnels. Centré sur les figures emblématiques de ce courant au sein de l'espace viennois, Haydn et Mozart, ce programme imaginé par l'ensemble Il Pomo d'Oro nous fait voyager des prémices (avec Wagenseil) jusqu'à l'aboutissement (avec le très rare Heberle) de cette véritable lame de fond artistique.

Décembre 1790. Agé de presque septante ans, Joseph Haydn se lance dans la plus folle aventure de son existence: vingt concerts à Londres, et autant de premières auditions – un «pari» qui sera à l'origine du plus grand jaillissement symphonique de son existence, dont la Symphonie «Le Miracle» marque la première pierre. Son départ de Vienne marque les esprits, à commencer par celui de Mozart, qui craint de ne plus jamais revoir son «cher papa»: une séparation d'autant plus douloureuse que le public le boude de plus en plus, le poussant à chercher la lumière du côté de Prague, où l'on applaudit à tout rompre son Don Giovanni et ses Nozze di Figaro – une générosité de cœur qui valait bien… une symphonie!

Cette soirée, qui fait écho à la Gstaad Piano Academy consacrée cette année à l'interprétation des lieder et de la musique chorale de Schubert sous la direction de Sir András Schiff et du baryton Robert Holl, a été imaginée dans le plus pur esprit de ce que l'on appelait les «Schubertiade» – entendez: ces rencontres entre amis durant lesquelles on oublie qui est le maître et qui est l'élève, hébergées par de grands salons privés viennois comme celui de Franz von Schober, ami mais aussi poète, auteur de quelques-uns des plus beaux textes de lieder mis en musique par Schubert.

Avec les années, son récital de piano est devenu un incontournable. Brillant animateur en parallèle de la Gstaad Piano Academy, Sir András Schiff parvient à rendre inouïe l'audition de chefs-d'œuvre que l'on croit connaître par cœur. Sur qui jettera-t-il son dévolu cet été: Mozart? Haydn? Beethoven? Schubert? En annonçant les «classiques viennois», il n'a que l'embarras du choix. Réponse… le 3 août 2022!

C'est l'une des grandes révélations pianistiques de ces dernières années. Et pour cause: il vient de remporter en 2021 le Concours international Chopin de Varsovie, qui n'a lieu qu'une fois tous les cinq ans – un gage objectif d'excellence. De son nom complet Bruce Xiaoyu Liu, le pianiste sino-canadien de 25 ans s'est déjà fait un nom, notamment à Montréal, où il a déménagé avec sa famille alors qu'il n'avait que six ans et où il a accompli l'ensemble de ses études. Il débute à Gstaad dans un programme qui fait (forcément) la part belle à Chopin – dont un premier disque «live» sorti chez Deutsche Grammophon documente la connaissance très intime –, mais également à Bach (en mode français), Liszt (dans des teintes lyrico-virtuoses) et aux très délicats Miroirs de Maurice Ravel, emblématiques de la période impressionniste du musicien français.

Ils avaient prévu de réaliser l'intégrale en 2020: la pandémie mondiale en a décidé autrement. Après un premier épisode sauvé de justesse durant cet été hors norme, Sol Gabetta et Alexander Melnikov sont heureux d'apporter ici la touche finale à leur «marathon Beethoven», en présentant deux nouvelles séries de variations et les deux sonates restantes, caractéristiques de périodes créatrices bien distinctes: l'héritage du classicisme (voire du baroque) pour la Sonate n° 2, l'élan novateur né à Heiligenstadt et développé au cours des deux premières décennies du 19e siècle pour la Sonate n° 4, dédiée à la comtesse (et confidente) Marie Erdödy.

Pour le troisième chapitre de sa résidence, Andreas Ottensamer a convié à Saanen l'un des ensembles emblématiques de la Vienne musicienne: les Wiener Sängerknaben. Fondé en 1498 par l'empereur Maximilien Ier, ce chœur de garçons de haut vol a acquis avec le temps le statut de véritable mythe, formant dans ses rangs de futurs grands noms de la musique comme Michael Haydn ou Schubert, et collaborant avec Biber, Mozart ou encore Bruckner. Composé aujourd'hui d'une centaine de choristes, il donne près de 300 concerts par an et gère également une école, où quelque 250 enfants reçoivent une éducation complète dans le magnifique cadre baroque du Palais Augarten.

Ils font partie de ces artistes que l'on aime à entendre et réentendre, qui au fil des ans, par leur fidélité et leur talent, ont réussi par constituer une véritable «famille»: celle du Gstaad Menuhin Festival & Academy, rassemblée autour de ce même idéal d'une pratique musicale entre amis, dans un cardre privilégié, magnifié par le fondateur Yehudi Menuhin. Sol Gabetta et Bertrand Chamayou convient cet été à la fête l'une des plus élégantes violonistes de sa génération, la Bavaroise Veronika Eberle, formée à Munich par Ana Chumachenco (pilier de la Gstaad String Academy), pour jouer Beethoven et Schubert – le Deuxième trio et son Andante hypnotique, aujourd'hui inséparable des scènes mythiques du film Barry Lyndon de Stanley Kubrick.

La musique est un art vivant et ce programme en offre une magnifique démonstration. Tout à fait dans la ligne de ce à quoi Daniel Hope nous a habitués depuis de nombreuses années, il nous donne à réentendre plusieurs chefs-d'œuvre dans des robes rares voire inédites pour violon et orchestre à cordes. À l'image de cette suite de West Side Story arrangée à sa demande par Paul Bateman, de la Cavatine du Quatuor n° 13 de Beethoven transcrite pour cordes, ou encore du sublime Adagietto de la Cinquième de Mahler dans une lecture plus intimiste pour orchestre de chambre.

Mozart au sommet! Deux chefs-d'œuvre absolus des ultimes années viennoises, proposés par l'une des grandes dames de la clarinette, Sabine Meyer, et une phalange – le Kammerorchester Basel – qui fait des merveilles dans ce répertoire, qu'elle présente à la lumière (si rafraîchissante!) des dernières connaissances interprétatives sous le geste de Giovanni Antonini: peut-on rêver plus belle soirée?

On a pu croire qu'il allait «exploser en vol» tant sa technique phénoménale semblait… extraterrestre! Or Daniil Trifonov est toujours là et l'évolution de ses programmes ne cesse de surprendre. Après son Quatrième de Rachmaninov en 2015 et ses «Variations Chopin» en 2018, il est de retour à Saanen avec un nouveau récital événement. Au programme: la Sonate n° 3 de Szymanowski (qui, à la veille de la Révolution russe, referme sa période impressionniste), «Pour le piano» de Debussy (œuvre-manifeste puisant aux sources des grands maîtres du 18e siècle et tournant ainsi la page de Franck et de l'influence post-romantique) et la Sonate n° 3 du jeune Brahms, considérée par son mentor Robert Schumann comme une «symphonie déguisée».

En s'intéressant au répertoire sacré allemand du 17e siècle, Christina Pluhar opère un retour aux sources et à ses propres racines. Au cœur de ce nouveau programme «céleste» mariant idéalement les timbres de la soprano Céline Scheen et du contre-ténor vedette Philippe Jaroussky à la riche palette de couleurs de L'Arpeggiata: l'air pour alto et ensemble à cordes «Ach, dass ich Wassers gnug hätte» de Jean-Christophe Bach, un cousin germain du père de Jean-Sébastien. L'occasion de revisiter des pages de compositeurs célèbres comme Heinrich Schütz, mais également de tendre l'oreille vers des musiques beaucoup plus rares signées Philipp Heinrich Erlebach, Johann Theile et Franz Tunder, qui mettent en lumière le tribu important payé par les compositeurs allemands aux grands modèles italiens.

À défaut d'être un pratiquant assidu, Beethoven a toujours fait preuve d'une foi sincère. Sentant son corps l'abandonner, il se tourne à la fois vers l'intérieur – on situe sa surdité complète vers 1820 – et vers le ciel. En 1818, la perspective de l'intronisation de son plus cher protecteur Rodolphe d'Autriche comme archevêque d'Olmütz l'incite à embrasser la composition d'une messe aux proportions colossales à laquelle il songe depuis longtemps. Sa mauvaise santé combinée à la hauteur vertigineuse de son ambition l'empêchent de terminer cette Missa solemnis à temps. Et pour cause: il ne la livrera à Rodolphe qu'en… 1823. Mais quelle cathédrale! Il a tenu notamment à assimiler l'héritage de Bach et surtout de Haendel, qu'il tient pour le plus grand compositeur de tous les temps.

Sa Très Gracieuse Majesté, ses diamants, ses corgis… et ses agents secrets! Comment imaginer plus belle fin de Festival qu'une grande soirée de musiques de films anglais, animée par le City Light Symphony Orchestra et dominée par l'inoxydable 007? La phalange est dirigée par un chef anglais basé en Suisse, Kevin Griffiths, bien connu du public de la région pour son travail de longue date à la tête du Gstaad Festival Amateur Orchestra. Et elle accueillera sur le devant de la scène la violoniste Bomsori Kim, nouvelle venue dans la famille très exclusive des «Menuhin's Heritage Artists», pour faire résonner les plus beaux thèmes de «Ladies in Lavender» («Les Dames de Cornouailles»), un film de 2004 contant l'histoire d'un violoniste virtuose (incarné par l'excellent Daniel Brühl) focalisant l'attention… de plusieurs femmes!

La situation internationale rendant impossible la venue en Suisse de la Sinfonía por el Perú, Maestro Flórez a eu la générosité de proposer au Gstaad Menuhin Festival et à ses hôtes un autre programme lyrique d'exception. Après un festival de duos italiens avec Olga Peretyatko en 2018, le merveilleux ténor péruvien est de retour sous la Tente de Gstaad dans un nouveau feu d'artifice lyrique avec grand orchestre. Là encore, l'Italie est à l'honneur avec les maîtres de la scène transalpine du 19e siècle, de Rossini à Puccini en passant par Donizetti et Verdi, mais également des incursions dans l'univers français, incarnées par l'inoxydable Gounod. Pour rendre cette soirée inoubliable, le chanteur-étoile peut compter sur une escorte de luxe composée du chef américain Christopher Franklin (avec lequel il s'est produit récemment dans les plus grandes salles de la planète) et du Musikkollegium Winterthur, l'une des plus anciennes institutions orchestrales d'Europe, fondée en 1629.

C'est l'un des opéras emblématiques du bel canto italien: le Gstaad Menuhin Festival est fier de pouvoir offrir à son public une large sélection d'airs, de chœurs et d'intermèdes orchestraux d'«I puritani» de Vincenzo Bellini, sélectionnés tout spécialement par le chef Domingo Hindoyan. Animée par la Zürcher Sing-Akademie et l'Orchestre de la Suisse Romande, et portée par une distribution de premier plan, cette soirée qui place la musique au centre est l'occasion de dépasser la connaissance forcément superficielle d'une telle œuvre basée sur une poignée de grands airs, figés qui plus est dans des interprétations de légende comme celles de Maria Callas ou de Joan Sutherland, pour plonger au cœur de l'ultime joyau de Bellini, offert à Paris puis au monde début 1835, quelques mois seulement avant d'être emporté à l'âge bien trop précoce de 33 ans. Un opéra qui soigne davantage que dans les précédents les détails de l'orchestration et requiert des solistes littéralement «supersoniques», à l'instar d'Elvira, «prototype de l'héroïne romantique frappée de folie suite à un choc affectif» (Alain Perroux) et dont les mélodies si justes guideront Frédéric Chopin dans sa quête d'un piano qui «chante»…

C'est une légende vivante du piano. L'artiste portugaise (qui adore la Suisse où elle partage sa vie avec son pays d'origine) fait le voyage de Saanen avec Schubert, Debussy et l'ultime sonate de Beethoven: l'inclassable opus 111. Maria João Pires a fait ses premiers pas sur scène en 1949, à l'âge de cinq ans, dans un récital Mozart. Formée entre autres par Karl Engel, elle s'est distinguée ces dernières décennies par son engagement marqué en faveur de la relève, au sein du Centre Belgais qu'elle a créé au Portugal, ainsi que de la Chapelle musicale Reine Elisabeth de Bruxelles.

L'«Ecossaise» et le Concerto pour violon de Sibelius: une seconde soirée dans les étoiles pour Valery Gergiev et son orchestre du Mariinski de Saint-Pétersbourg. Avec le concours d'une violoniste idéale dans ce répertoire, au jeu puissant et chaleureux à la fois: Alexandra Conunova. Moldave de naissance installée en Suisse, ayant fait partie de la première volée d'élèves de Renaud Capuçon à la Haute école de musique de Lausanne, la jeune artiste perce en 2012 en remportant le premier prix du Concours Joseph Joachim de Hanovre, confirmé trois ans plus tard par un 3e prix au Concours Tchaïkovski de Moscou.Assurez-vous ici la meilleure place pour une soirée inoubliable à Gstaad: [https://www.gstaadmenuhinfestival.ch/fr/programme-and-location/programme-2021](https://www.gstaadmenuhinfestival.ch/fr/programme-and-location/programme-2021)

La présence de Valery Gergiev sur le podium est toujours un événement. Surtout lorsqu'il conduit ses troupes du Mariinski de Saint-Pétersbourg dans des chefs-d'œuvre de l'art orchestral russe comme la musique de ballet pour «Roméo et Juliette» de Prokofiev. En sus: le Deuxième concerto pour piano du même Prokofiev sous les doigts d'un des nouveaux Menuhin's Heritage Artists, Alexandre Kantorow. Fils du violoniste et chef d'orchestre Jean-Jacques Kantorow, le jeune pianiste fait figure de véritable révélation. Premier Français à remporter le prestigieux Concours Tchaïkovski de Moscou en 2019, il reçoit l'année suivante une Victoire de la musique pour son enregistrement de «L'Egyptien» de Saint-Saëns, son compositeur fétiche (avec Brahms).

Sans eux, le plus prestigieux orchestre de la planète est tout simplement condamné au silence! Les 12 Violoncellistes de l'Orchestre philharmonique de Berlin se lancent dans l'aventure en 1972: ils sont l'un des plus anciens et des plus emblématiques ensembles issus des rangs de la phalange allemande. Leur fonds de commerce: une musique décomplexée, issue en grande partie d'arrangements, et une attitude décontractée qui tranche avec l'atmosphère compassée des grandes salles de concerts – le swing naturel des basses!

Pour son second concert à la tête du Gstaad Festival Orchestra – qu'il dirige également pour la troisième année dans le cadre de la Gstaad Conducting Academy –, Jaap van Zweden a rendez-vous avec la Quatrième de Brahms et le sublime Concerto d'Elgar, porté par une soliste au jeu d'une intensité idéale: Sol Gabetta. Vous étiez peut-être présent lorsque la violoncelliste faisait résonner, sous la même Tente de Gstaad en 2013 aux côtés d'Andris Nelsons et de l'Orchestre de Birmingham, l'œuvre magnifiée par Jacqueline du Pré. Elle aura sans doute, dans l'intervalle, gagné en profondeur: une dimension essentielle pour parvenir à rendre le caractère crépusculaire de la partition, écrite durant l'été 1919 alors qu'Elgar n'avait pratiquement rien composé depuis 1914, l'esprit asséché par le déferlement de la folie guerrière.

Avec ses nombreuses scènes, son public très gourmand et ses généreuses institutions (à l'image de la Royal Philharmonic Society), Londres a en tout temps été un pôle d'attraction pour les créateurs. Animée par Khatia Buniatishvili (dans Tchaïkovski), Jaap van Zweden et le Gstaad Festival Orchestra, cette soirée en offre une magnifique vitrine. La Septième symphonie est la première œuvre commandée à Dvořák. Créée sous un tonnerre d'applaudissements le 22 avril 1885 au St James's Hall, elle pose la délicate question au compositeur tchèque de savoir où mettre le juste curseur entre son inclination naturelle à laisser parler son cœur et ses racines moraves et la nécessité (nouvelle pour lui) de plaire à un public habitué aux codes du romantisme «occidental», incarné en particulier par son mentor Johannes Brahms. Avec le talent et la générosité qui le caractérisent, le grand Antonín met dans le mille… du premier coup!

Cela fait presque vingt ans qu'elle offre régulièrement sa musique l'été au Saanenland. Après le répertoire concertant l'avant-veille, Hélène Grimaud nous donne rendez-vous en «tête-à-tête» à l'église de Saanen. Dans un programme autour de la «mémoire», construit en 2018 à l'occasion de son avant-dernier album Deutsche Grammophon: un voyage extrêmement subtile, entre réflexion et émotion pure, au fil duquel les notes de Debussy et de Satie s'entrelacent avec celles de Chopin qui les ont en partie engendrées, dans ce rapport essentiel qu'est l'héritage – la mémoire – sans lequel la musique n'existerait tout simplement pas.

Somptueuse soirée en perspective! Avec d'un côté la Londres «historique» incarnée par la Symphonie «du roulement de timbales» de Haydn. De l'autre la Londres décomplexée représentée par Thomas Adès, le plus célèbre compositeur britannique actuel, à qui le Festival, en compagnie d'autres institutions musicales, a passé commande d'une œuvre pour cordes baptisée «Shanty – Over the Sea», référence aux chants entonnés depuis des temps immémoriaux par les marins des vaisseaux marchands pour se donner du cœur à l'ouvrage. Et au milieu Hélène Grimaud, qui en compagnie du Kammerorchester Basel a choisi de ciseler peut-être le plus beau concerto écrit par Mozart, le vingtième en ré mineur, avec sa sublime Romance et sa mélodie rêveuse comme suspendue au-dessus du cours inexorable du temps.

Encore des amis fidèles de la manifestation! Pour leur rencontre au sommet, les «indomptables» Patricia Kopatchinskaja et Fazil Say ont choisi Schubert, Brahms et la trop rare Sonate pour violon de Janáček. «J'ai écrit cette sonate en 1914 alors que nous attendions les Russes en Moravie», confie le musicien. Des Russes qu'il porte dans son cœur et dont l'âme et la culture se retrouvent jusque dans sa musique, à l'image des citations qu'il y fait de son propre opéra «Katja Kabanova», contant justement une histoire… russe.

Sol Gabetta – Bertrand Chamayou: un tandem qui a fait des miracles ces dernières années et qui se présente ici avec un incontournable de cette édition londonienne, la sublime Sonate de Britten, inspirée par le jeu flamboyant de Rostropovitch. Pour compléter le programme: la Sonate de Franck, écrite à l'origine pour le violon, mais dont les couleurs chaleureuses se marient particulièrement bien au jeu du violoncelle.

Robert Schumann y voyait des «himmlische Längen» – des «longueurs célestes» – et c'est vrai qu'il y a quelque chose d'atemporel, de suspendu, dans ce Trio op. 100 de Schubert, en particulier dans son Andante con moto central et son rythme lancinant en mineur martelé par le piano, entré dans l'imaginaire populaire en 1975 grâce au film «Barry Lyndon» de Stanley Kubrick. Saviez-vous d'ailleurs que le thème en question est emprunté par Schubert à une chanson traditionnelle suédoise, «Se solen sjunker» – «Regarde le soleil se coucher»? Une injonction que l'on suivra bien volontiers, surtout si la direction de l'astre nous est indiquée comme ici par trois «mages» d'exception: la violoniste Isabelle Faust, la violoncelliste Sol Gabetta et le pianiste Bertrand Chamayou.

«When I'm 64»: Nigel Kennedy ne pouvait trouver titre plus approprié à sa tournée estivale 2021, lui qui a vu le jour à Brighton le 28 décembre 1956, il y a de cela… soixante-quatre ans! Joli paradoxe: il s'agit de l'une des premières chansons écrites par Paul McCartney, sur le piano familial du 20 Forthlin Road alors que le Beatle n'avait que quinze ou seize ans; il expliquera plus tard qu'en plus de la sonorité «claquante» du mot «sixty-four», il avait voulu offrir à travers elle… un prélude à la retraite à son père! Kennedy, dont on ne saurait oublier tout ce qu'il doit à Yehudi Menuhin, vient ici en «ami de la famille»: cordes sèches ou électrifiées, on ne compte plus les concerts de «légende» qu'il a inscrit en lettres d'or dans la mémoire du Festival.

God save the King… et God save Haendel, le plus anglais des compositeurs allemands! Formé en Italie (d'où il rapporte une maîtrise non seulement de l'opera seria mais également de l'oratorio), le Hanovrien, exact contemporain de Jean-Sébastien Bach, traverse la Manche en 1711 et s'y sent immédiatement chez lui. Outre les brillants et très cuivrés «Coronation Anthems» (dont les amateurs de football connaissent par cœur le plus célèbre des quatre, «Zadock the Priest»), Hervé Niquet et son Concert Spirituel proposent l'écoute d'une autre page grandiose de Haendel: un «Te Deum» composé en 1743 pour célébrer la victoire des Britanniques et des Hanovriens (!) sur les Français lors de la bataille de Dettingen, en Bavière, dans le cadre de la guerre de Succession d'Autriche. Une belle preuve d'humilité de la part des musiciens… tricolores!

Lauréate du Concours Menuhin en 1995, à l'âge de douze ans, elle avait beaucoup impressionné le maître et remporté le Concours Eurovision des jeunes musiciens l'année suivante. Julia Fischer est aujourd'hui l'une des violonistes les plus en vue de la planète. Après avoir illuminé le Gstaad Menuhin Festival en 2012 avec une carte blanche mémorable, elle est de retour dans des montagnes qu'elle connaît bien – puisqu'elle se rendait enfant chaque été à La Lenk pour suivre les cours donnés par son professeur Ana Chumachenco – en compagnie d'un orchestre avec lequel elle collabore de longue date, l'Academy of St Martin in the Fields de Londres, dans un programme Mozart-Mendelssohn que n'aurait pas renié Menuhin. Et comme l'illustre violoniste, elle a choisi de prendre personnellement les choses en main en dirigeant l'ensemble de son propre archet.