Podcast del Museo Amparo

Polvo de Gallina Negra se concentra en las acciones realizadas por Maris Bustamante y Mónica Mayer, quienes recogen estrategias propias de los activismos, de la intervención callejera y de su producción previa, fundamentándose en el humor, la acción directa y el despliegue en el espacio público. Escucha un poco del trabajo de Mónica Mayer.

Iniciada en los años ochenta y conformada de manera sostenida a lo largo de la última década, con un marcado énfasis en la producción actual en México, la Colección de Arte Contemporáneo del Museo Amparo cubre un período comprendido desde los años noventa hasta nuestros días, reuniendo el trabajo de diversos artistas que han forjado referentes para la práctica artística en el país.

Tatiana Cuevas, curadora de la exposición "El Tiempo en las Cosas. Salas de Arte Contemporáneo", nos comparte un poco de los procesos de curaduría, temáticas y salas que albergan el trabajo de diversos artistas que han forjado referentes para la práctica artística en el país, en un período comprendido desde los años noventa hasta nuestros días.

Entrevista a Magalí Arriola, curadora de la exposición "El círculo que faltaba". Esta exposición parte de la experiencia compartida de la muerte en el continente latinoamericano y el Caribe que, desde tiempos de la Colonia, se ha manifestado bajo distintas formas.

AUDIO LIBRO Ana descubre el México antiguo en el Museo Amparo Texto | Pablo Escalante Gonzalbo Ilustración | Magali de la Rosa Selim Fotografía | Juan Carlos Varillas Contreras Diseño | Eduviges I. López Díaz Coordinación editorial | Silvia Rodríguez Molina Asesoría editorial | Rizoma Gestión Cultural Cuidado de la edición | Teresa Ramírez Vadillo Publicado con fondos del programa El Museo Amparo va por ti Etiquetado en el presupuesto de egresos de la Federación 2014 /Conaculta a través de la LXII Legislatura de la Cámara de Diputados ISBN | 978-607-95918-6-1

Tania Rubio presenta la pieza: "Rito funerario a la muerte del sol". Sala de Estar Sobre la artista: Tania Rubio, compositora, artista sonora, field recordist, México, 1987. Ha dedicado su trabajo a investigar el sonido en la comunicación animal y paisajes sonoros naturales para enfocarlo a la creación musical. Su línea de investigación es el paisaje sonoro, la ecología acústica y bioacústica, con particular interés en los cruces entre arte y ciencia. Trabaja con música contemporánea de concierto, acusmática multicanal e instalación sonora. Ha ganado concursos, becas y residencias para la creación, investigación y producción de obra artística la cual se ha presentado en América y Europa. Recientemente recibibió el premio “Composer in Residence 2019” por el Archiv Frau und Music en colaboración con la Hoschule für musik un Darstellende Kunst en Frankfurt del Meno. Participo com becaria del programa Arte, Ciencia y Tecnología del FONCA-UNAM 2019, con el proyecto "Biomáquinas-Animales del Viento" especializado en estudios de bioacústica, sistemas acústicos precolombinos y mecatrónica.

AutorEscalante Gonzalbo, Pablo TítuloCuentos indígenas de Puebla Descripción: Puebla, Puebla : Fundación Amparo : Museo Amparo ; México : CONACULTA : Cámara de Diputados, LXII Legislatura, 2015, 1 vol. ISBN 978-607-95918-7-8

Ricardo Gallardo "Wu-Han Variations or the Propagation of Fear, Junio 2020" Compositor, Percusionista y Director Artístico de Tambuco ensamble de percusiones. Tanto como compositor, intérprete, así como director de Tambuco, la carrera de Ricardo Gallardo ha demostrado un interés primordial: promover y difundir la música a través de una estrecha colaboración con el mayor número posible de compositores, intérpretes, grupos y orquestas, el estreno de obras creadas para él, su difusión internacional, la colaboración con diversas disciplinas artísticas, y la formación de nuevas generaciones de músicos mediante masterclasses, clínicas, talleres y seminarios. Ricardo Gallardo ha realizado dicha actividad académica en cinco continentes.

El Círculo que faltaba Nombre de la obra: "El último discurso" Autor: Pável Aguilar Año: 2018

Lorena Mal "Temporal (Largo aliento)" 15 min. Pieza sonora para 2 canales en colaboración con Homero González. Lorena Mal (n.1986, Ciudad de México) trabaja en las intersecciones entre arte, música e historia material, utilizando tanto a la imagen como al sonido como herramientas de investigación y producción. Exhibiciones recientes incluyen ESPAC, Cd. de México (2019); Palazzo Grassi, Venecia (2019); Skowhegan NY, New York (2019); Museo ExTeresa, Cd. de México (2018); Laboratorio Arte Alameda, Cd. de México (2018); Armory Center for the Arts, California (2017); Meinblau, Berlin (2016); BB15, Linz (2016). Ha sido becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes FONCA (2012/2016/2019); 1er premio del Concurso Internacional de Video y Arte Electrónico Transitio (2013); beneficiaria del Programa de Investigación y Producción en Arte y Medios PAPIAM (2012); y alumni de residencias como Skowhegan School of Painting and Sculpture (2016); Casa Wabi (2015); ArtHub Abu Dhabi (2015); Cité Internationale des Arts (2014); y Museograbado (2011), entre otras.

Luz María Sánchez es una artista transdisciplinaria, escritora y académica, nos presenta una pieza muy contemplativa y que expresa los silencios en la ciudad. Sus proyectos transdisciplinarios de investigación y creación operan dentro de las fronteras entre artes, ciencias, humanidades y ciudadanía. El trabajo de Luz María Sánchez opera en la esfera política con temas como la diáspora mexicana, la violencia en las Américas y el fracaso del Estado-nación

"Solo Respira" Natalia Angel 11:00 min. Voz: Natalia Angel Silbatos de viento y Bansuri: Ricardo Gallardo

Antonio Fernández Ros (N 1961) es compositor por la Escuela Nacional de Música de la UNAM y el Mannes College of Music de Nueva York, con estudios de posgrado en la Universidad de Nueva York y en París. En 1999 obtuvo un Ariel a la mejor música para película por Bajo California: El límite del tiempo. Tuvo la beca de Jóvenes Creadores del Fonca, el Apoyo a Coinversiones y la beca del Sistema Nacional de Creadores de arte y una beca de la Fundación Rockefeller. Su música ha sido interpretada en importantes festivales de Estados Unidos, México, Francia e Italia.

Tito Rivas presenta "En el Umbral: fonografías del estero de El Salado, Vallarta, Jalisco (2019)" “Esta obra fue realizada bajo el apoyo del Encuentro Internacional de Grabación de Campo, Laboratorio Sensorial, Estero El Salado, Instituto Vallartense de Cultura y Secretaría de Cultura de Jalisco.” Grabación, edición y postproducción de sonido: F. Tito Rivas Grabado en Puerto Vallarta, Jalisco, México, junio 2019 Postproducido entre noviembre de 2019 y abril de 2020 Grabado con Zoom F6, microfonía MS Sennheiser e hiperdireccional Audiotechnica.

Manuel Rocha Iturbide presenta el trabajo audiovisual: “Bajo el Volcán (Under the Volcano)” Duración: 18:00 min Año: 2005 Es un compositor y artista sonoro Mexicano (n.1963). Estudio piano y composición y realizo varias especializaciones en Música y Tecnología. Gran parte de su obra está dedicada a la realización de esculturas e instalaciones sonoras en galerías, museos y bienales de arte. Como parte de su práctica Rocha Iturbide ha difundido múltiples investigaciones estéticas acerca del arte sonoro y la música Electroacústica en diversas publicaciones tanto escritas como fonográficas. Es maestro de tiempo completo a nivel licenciatura en la UAM Unidad Lerma de Arte Digital y maestro por asignatura en la facultad de música de la UNAM en composición.

Felix Blume "Lluvias de Mayo” Paso de Telaya Veracruz, Mexico. Con el apoyo de Fundación Casa PROAL Duración: 12 min Año: 2020 Félix Blume (Francia, 1984) es artista sonoro e ingeniero de sonido. Actualmente trabaja y vive entre México, Brasil y Francia.

¿Aluxes? ¿Chaneques? ¿Nahuales? ¿Quiénes son estos duendes que viven en el bosque? Descúbrelo en este cuento de tradición indígena de Puebla.

El Dr. Erik Velásquez García y la Dra. Ana García Barrios nos compartirán sus investigaciones acerca de la cultura maya y este monumento encontrado en la ciudad de Piedras Negras, que se exhibe en la Sala 1. Un espacio y un tiempo del Museo Amparo. Ponentes: Dra. Ana García Barrios Universidad Rey Juan Carlos, Madrid Dr. Erik Velásquez García UNAM, Instituto de investigaciones Estéticas.

Ponente: Dra. Angélica Velázquez Guadarrama | Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM La mayor parte de las naturalezas muertas de Arrieta siguen la misma composición con muy pocas variantes. La estructura de la pintura parte de un objeto, casi siempre de mayor tamaño que los que lo circundan, ubicado en el centro como eje vertical y a partir del cual se distribuyen los diferentes elementos sobre la plataforma de una mesa de tonalidades beige que les sirve de base y que se despliega a lo ancho del campo pictórico sin mostrar sus límites. Cuando el pintor firmaba sus lienzos, solía hacerlo en el centro del borde de la mesa.

Cuento para niños.

La moda occidental: de la democratización social a la pasarela como estilo de vida Impartido en el marco del curso de Vanguardias artísticas en el Museo Amparo por el Mtro. Héctor Fernández de Lara.

Cuentos indígenas para niños traducidos por el Museo Amparo.

Te presentamos la conferencia del Mtro. Abán Flores Morán: Esculturas y Figurillas rituales mexicas en la Colección del Museo Amparo, que forma parte del Programa de Estudios de la Colección Permanente.

Morteros, pincelillos, estampas y talento. Diego de Borgraf o la precisión de un pintor en la Nueva España es una conferencia impartida en el Museo Amparo en el marco del Programa de Estudios de la Colección Permanente. La Dra. Paula Mues Orts, Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía, fue quien presentó estudios de un pintor de la nueva españa.

Un cuento que viene de los Totonacos de la Sierra de Puebla, adaptado por Pablo Escalante.

Cuentos para niños

La conferencia impartida por: Dra. Paula Mues Orts | Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía, aborda la historia y el trabajo de Diego de Borgraf y una pintura que forma parte de la Colección de Arte Virreinal y Siglo XIX en el Museo Amparo.

Este cuento es originario de los NAHUAS DE LA SIERRA, lo puedes encontrar y descargar de manera gratuita en la Biblioteca digital del Museo, en el libro Narrativa de las comunidades de tradición indígena del estado de Puebla Adaptación | Pablo Escalante Gonzalbo.

¿Cómo pensar la curaduría dinámica y los dispositivos móviles en el desierto? Natalia de la Rosa presenta un proyecto de posibilidades de museologia critica, pensar el arte contemporáneo en otros contextos y, ¿por qué no? un museo con otros públicos. Expondremos los procesos de re-definición y crítica que giran en torno a esta propuesta, al mismo tiempo que definiremos qué entendemos por curaduría dinámica y por museo móvil. Debatiremos qué implicaciones tiene el trabajo artístico y curatorial en un contexto atravesado por la migración, el despojo y la crisis de la educación rural.

A través de su trabajo, estudios e investigaciones artísticas, el artista Erick Meyenbeg nos plantea el panorama de la Historia como potencia estética en las prácticas artísticas contemporáneas.

Una reflexión acerca de los problemas de la escultura con el Dr. Daniel Montero, Investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas y Doctor en Historia del Arte por la UNAM. En el arte contemporáneo, la escultura ha pasado a un segundo plano y las reflexiones que se hacen acerca de esta vienen de una tradición extranjera.

Descubre la historia, así como la influencia artística, detrás del cuadro Vista de Toledo del destacado muralista Diego Rivera,

Conoce detalles, procesos y más datos del coleccionismo institucional del Arte virreinal. En el marco del Programa de Estudios de la Colección Permanente del Museo Amparo se imparte la conferencia "El coleccionismo institucional del Arte Virreinal: Comercio, problemáticas, desafíos y situación actual", donde participan José Antonio Presedo Gálvez y Pilar Pinto Miñana, historiadores del Arte.

Escucha un análisis profundo del Arte de los Reyes Mayas a través de la presentación de nuestro libro digital y una introducción al mundo Maya presentado por Enrique Florescano de la Secretaría de Cultura Teresa Salomón, Florencia Scandia del IIE (UNAM), Ana García Barrios de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid y Erik Velásquez García del IIE (UNAM). Encuentra el PDF descargable en nuestro sitio web www.museoamparo.com/biblioteca

El trabajo de Erick Meyenberg se ha orientado a la expansión de los canales de percepción humanos a partir de la elaboración de meticulosos esquemas cromáticos. Dicha búsqueda le ha permitido desentrañar poéticamente paisajes abismales de la data del presente amalgamados a textos literarios, estudios de las ciencias sociales, introspecciones autobiográficas y fisuras del relato histórico, mediante la exploración de la relación imagensonido.

En el marco del Festival Internacional de Fotografía FOTOMÉXICO 2019, el Museo Amparo y el Centro de la Imagen presentan la mesa de diálogo. Mesa 3: Releyendo el canon desde la perspectiva de género. Participan: Leonora Vicuña, Carla Rippey, Carol Espíndola, César González-Aguirre Modera: Deborah Dorotinsky

La Dra. Diana Cuellar nos narra un recorrido histórico de los pueblos Afrodescendientes en México, y específicamente, en Puebla, a través de sus apariciones en fotografías e imágenes. Conoce las historias detrás de cada imagen y el contexto social y racial que se vivía en México.

Imparte: Dra. Diana Cuéllar Ledesma en el marco del diplomado en formación artística QUEHACERES del Museo Amparo. Escucha y danos tu opinión,

Jose Dávila nos narra como establece un diálogo entre objetos como rocas, mármol y el espacio con el equilibrio y la estética; por medio de citas, alusiones y guiños, con la historia del arte. De manera específica, incorpora en su trabajo las reflexiones planteadas por el minimalismo, la abstracción geométrica, así como del arte concreto brasileño, el constructivismo y el brutalismo.

En el marco del Festival Internacional de Fotografía FOTOMÉXICO 2019, el Museo Amparo y el Centro de la Imagen se complacen en invitarlo a la apertura de la exposición de Karina Skvirsky, Geometría sagrada. Esta exposición explora el complejo arqueológico de Ingapirca, el sitio más reconocido en Ecuador, como punto de partida para acoger los debates en torno a las hazañas de ingeniería de la arquitectura inca e insertar el cuerpo en un contexto arqueológico. Este proyecto empieza con una investigación sobre la edificación de Ingapirca (el muro inca), construido por los incas en tiempos precolombinos y posteriormente alterada por los cañaris. Para esta exhibición, la artista se apropió de fotografías de blogs de turistas, Google Maps, documentos arqueológicos y videos de YouTube. También ha fotografiado el sitio creando un archivo de imágenes sin darle más importancia a unos documentos que a otros. Las fotografías ampliadas, hechas collage, dobladas y encontradas se convierten en una mezcla de imágenes vernáculas, formalistas y basadas en evidencias que deconstruyen la geometría de la piedra y materializan el sitio inca. Viviendo en Estados Unidos, es imposible para la artista ignorar la actual atmósfera política y la retórica maliciosa del gobierno de ese país. El presidente ha mostrado un gran desprecio hacia los latinoamericanos generando una situación muy complicada para los inmigrantes. La artista comenta: “Si el presidente de los Estados Unidos va a considerar propuestas para un muro fronterizo, ¿por qué no utilizar la tecnología inca para construirlo? Mi proyecto destaca las hazañas arqueológicas de los incas en la construcción de sus estructuras, pero también reconoce que las paredes pierden su significado con el paso del tiempo, convirtiéndose en artefactos en el paisaje, en lugar de reconocer esas fronteras cargadas de política”. Una de las líneas narrativas que la artista aborda es el papel de la mujer en la construcción de Ingapirca. En una fotografía vemos a la artista cargando una piedra en la espalda. Otras imágenes recontextualizan las piedras talladas por los incas aludiendo a la idea de la piedra y su cuerpo como objetos. A diferencia de las paredes utilizadas como fronteras, la artista construye sus propias estructuras utilizando su cuerpo para formar una nueva lógica en la que envuelve su herencia y posiciona los temas principales de su trabajo. De padre judío estadounidense con orígenes en Europa del este y de madre ecuatoriana afrodescendiente, Karina Skvirsky nació en Estados Unidos. Actualmente vive y trabaja entre Nueva York y Ecuador. Su trabajo está influenciado por el estudio que ha hecho de su propia identidad en relación con la raza, la cultura y el género. Estos temas se conectan con la migración e inmigración, el colonialismo y el legado que la historia ha dejado en la sociedad. Artista: Karina Aguilera Skvirsky Curador: Claudi Carrera

Africamericanos es un proyecto transmedia de investigación, exhibición, difusión y producción visual que pretende apoyar e incidir en la construcción de los imaginarios asociados a las comunidades afrodescendientes en América Latina y el Caribe, del mismo modo que muestra cómo su pulsión atraviesa el continente de norte a sur, centrando la atención en narrativas específicas y sus protagonistas. Históricamente se han producido procesos de invisibilización, blanqueamiento, ocultación y deconstrucción de la imagen de los afrodescendientes en casi todos los países latinoamericanos, por lo que resulta fundamental desvelar y reconstruir el mapa visual de la diáspora africana en esta región y reflexiona sobre los estereotipos que pesan sobre esta cultura. Africamericanos ofrece un recorrido visual que reúne imágenes históricas procedentes de importantes archivos fotográficos y producciones contemporáneas de reconocidos artistas residentes en Latinoamérica, además de una selección de proyectos pensados y comisionados ex profeso. No hemos pretendido acotar ni limitar aproximación alguna, por el contrario, nos proponemos reflexionar y cuestionar aquellas verdades que sobre la afrodescendencia se han asumido hasta hoy. Con ello buscamos contribuir en los procesos de reconocimiento y visibilidad de las distintas comunidades que construyen nuestra sociedad.

Magdalena Fernández (Caracas, 1964) es una de las artistas más relevantes del arte latinoamericano actual. Sus obras basadas en video, instalaciones, esculturas y grabados consisten en la exploración de dos ejes temáticos: la naturaleza (y el paisaje) y la relectura de un capítulo esencial de la historia del arte como es la abstracción, de gran fortaleza y vigencia en muchos países de América Latina, entre los que sobresale su natal Venezuela. Es importante señalar que la abstracción en el trabajo de esta creadora surge de su relación con la naturaleza, como se puede ver en varios de sus videos y en la poética instalación diseñada específicamente para la Terraza de este Museo, en cuyo piso se reflejan la luz y el cielo poblanos. Otra parte de su producción artística establece una relación con algunos nombres resonantes de la genealogía abstracto-geométrica. Buena parte de las piezas seleccionadas para esta muestra suponen un compendio de gestos, apropiaciones y homenajes que hacen eco (de allí el título de la exposición) de formas, obras e ideas de artistas como ag fronzoni, Agostino Bonalumi, Gego, Hélio Oiticica, Hércules Barsotti, Jesús Soto, Joaquín Torres-García, Kazimir Malévich, Lucio Fontana, Lygia Clark, Mercedes Pardo y Piet Mondrian. De tal manera que se han reunido un conjunto de piezas en las cuales Magdalena Fernández amplía la manera de percibir las imágenes y conceptos de estos paradigmáticos artistas modernos. Ver o participar de sus obras supone tener una experiencia desde una sensibilidad distinta. Lo que en la mayoría de las obras de los creadores abstracto-geométricos ocurre en el plano de la pura visualidad, en las instalaciones y videos de Fernández acontece en un lugar signado por nuestra presencia en el espacio y en el tiempo. En este sentido la artista se propone cristalizar lo que para buena parte de la abstracción del siglo pasado era una utopía: trasladar al cuerpo y al entorno real y físico del espectador lo que tan sólo acontecía en la retina, en la superficie de la pintura. Magdalena Fernández. Ecos reúne obras realizadas desde hace más de una década. Este conjunto de propuestas encabezan lo más relevante de su producción artística y supone una suerte de seleccionada cronología de sus trabajos recientes. Es a la vez una secuencia de “ecos” de sus artistas homenajeados y, si se quiere ver así, una historia personal del arte abstracto desde la sensible e inteligente mirada de la artista. Exposición organizada en colaboración con el Museo de Arte Carrillo Gil. Carlos Palacios, Curador.