Podcasts about festival internacional

Ángeles Caso entrevista a Rolf Abderhalden, actor, director y fundador de Mapa Teatro, referente de la escena latinoamericana, que asume la dirección del Festival Internacional de Artes Escénicas ÍDEM. Además, abrimos el nuevo libro de Leonardo Padura, "Muerte en la arena", y nos adentramos en la exposición que celebra los 100 años de la cámara Leica. Por último, en “La tela de Aracne”, María Zaragoza recupera las voces de Paola Masino y Emilia Pardo Bazán.Escuchar audio

No sempre passa però avui en la roda de premsa prèvia a la 58a edició del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges s'ha anunciat la pel·lícula que cloura el certamen, serà The long walk (la larga marcha), de Francis Lawrence, que adapta la novel·la homònima d'Stephen King amb una pel·lícula molt gràfica i molt dura segons el director, Àngel Sala. Qui és director artístic del Festival de Sitges, juntament amb la directora de la Fundació del Festival, Mònica Garcia, han presentat a la Casa Seat de Barcelona el gruix destacat de pel·lículas que es podran veure entre el 9 i el 19 d'octubre a Sitges agrupades per seccions. En l'espai Òrbita, espai dedicat als films de més acció i aventura han destacat la xinesa Trapped, la coreana Sad tòpics o Find your friends, de qui Àngel Sala n'augura serà un xoc per al públic. En la secció Sitges Collections que inclou "les perles" del Festival n'han destacat títols com el film d'animació Arco, produïda per Nathalie Portman, una de les pel·lícules més gore d'aquesta edició, Bugonia o Frankestein de Guillermo del Toro. Pel que fa a la Secció Oficial que agrupa el gruix més grans de pel·lícules en destaquen Chain51 de qui els crítics diuen que és la Blade Runner francesa, la divertida Death of a Unicorn, el Drácula del romanés Radu Jude, gairebé tres hores de pel·lícula desconcertant. Altre títols destacats Esa cosa con alas, Good boy molta por amb un gos de protagonista, If I Had Legs I'd Kick You(Si pudiera, te daría una patada), probablement una de les sorpreses del Festival segons Àngel Sala que parla sobre la maternitat o La Leyenda de Ochi apte per a tota la família . També hi haurà presència de cinema nacional amb Decorado de Alberto Vázquez, Gaua de Paolo Urkijo o Silencio d'Eduardo Casanova. Pel que fa als convidats especials que rebran Premi Honorífic destaca Carmen Maura que rebrà el guardó el primer dia del Festival alhora que es projectarà Vieja Loca, film que interpreta i que produeix J.A. Bayona. Altres noms destacats són Joe Dante, padrí de la relació de l'humor i el terror i referent del cinema dels anys 80 amb títols com Gremlins i Terry Gilliam, membre dels Monty Phyton i director de Los caballeros de la mesa cuadrada o 12 Monos. Rebran també Màquina del Temps Enzo G.Castellari, William Fichtner, Bean Wheatley i Benedict Cumberbatch. Pel que fa als noms femenins el programa Woman in Fann destaca tres grans dones, Gale Anne Hurd Hunt, productora de Terminator, entre d'altres; Mery Harron, responsable d'American Phsyco i Nancy Loomis, un dels rostres més coneguts del cinema dels 70 i 80. Aquí teniu la roda de premsa íntegra amb Mònica Garcia i Àngel Sala. L'entrada Carmen Maura, Joe Dante i Terry Gilliam, convidats d’honor al Festival de Cinema de Sitges que clourà la 58a edició amb The long walk, adaptació de la novel·la distòpica d’Stephen King ha aparegut primer a Radio Maricel.

Les formacions, de diferents edats, provenen d'arreu d'Europa, Perú i Filipines.

Jaume Segalés y su equipo hablan de Móstoles, de Unoentrecienmil y del Festival LEV en Madrid. Hoy en Km0, tras repasar la actualidad informativa y deportiva, profundizamos en los siguientes asuntos: Festival LEV en Matadero Madrid Seguimos repasando el arranque de la temporada de los grandes centros culturales. Hoy ponemos el foco en Matadero Madrid, que nos trae un programa interdisciplinar en el que el arte, la tecnología y el pensamiento se abren a la experimentación abordando temas de actualidad. Un nuevo calendario repleto de propuestas. En él figuran la 4ª edición del laboratorio de investigación colaborativa "Futuros raros" de Medialab; la exposición en Nave 0 sobre agua y arquitectura; la convocatoria Intermediae Distribuido en apoyo a la creación local. En Cineteca, los ciclos de proyecciones sobre Cine y misticismo y la 8ª edición del Festival Internacional de Animación Contemporánea Animario. Y también las nuevas acciones del Centro de residencias artísticas y las actividades familiares que combinan naturaleza, arte y juego. Pero la primera parada, por todo lo alto, corre a cargo de la 7ª edición del Festival LEV de Electrónica Visual y Realidades Extendidas. Se va a desarrollar del 18 al 21 de septiembre con espectáculos y performances en directo, experiencias de realidad aumentada, arte digital e instalaciones interactivas. Todo ello desde un enfoque radicalmente contemporáneo y experimental. Entrevistamos al director artístico de Matadero, José Luis Romo. Carrera solidaria Unoentrecienmil Desde el año 2015, casi 7.000 colegios y más de 2,6 millones de niños y niñas han participado en la Vuelta al Cole de Unoentrecienmil, sumando 4 millones y medio de euros destinados a impulsar proyectos de investigación de leucemia infantil. Un año más se han abierto las inscripciones para que colegios de toda España aporten su granito de arena en esta causa. La carrera está tendrá lugar el próximo 17 de septiembre y se espera superar el millón de euros.Entrevistamos a la jefe de proyectos de la Fundación Unoentrecienmil, Isabel Bautista. Móstoles, Ciudad Europea del Deporte 2026 La entidad ACES Europe ha comunicado al consistorio mostoleño la concesión de este título que impulsará la inversión en instalaciones deportivas y atraerá eventos tanto nacionales como internacionales. Entrevistamos al Concejal de Deportes del Ayuntamiento de Móstoles, Ángel Álvarez.

De 28 a 30 de agosto passaram mais de 10 mil pessoas pelas várias salas do Cinema São Jorge, em Lisboa. O Worten Mock Fest, o primeiro festival internacional de comédia a acontecer em Portugal, vai regressar em 2026, “com datas e formato a anunciar em breve”, de acordo com a organização. Luís Franco-Bastos, Diogo Batáguas e Luana do Bem foram os cabeças de cartaz nas sessões de stand-up nacional; Rafinha Bastos, Jim Jefferies e Daniel Sloss lideraram o lado internacional. Para lá de stand-up, estrearam-se ao vivo o podcast “Assim Vamos Ter de Falar de Outra Maneira” e o programa “Irritações”. Guilherme Geirinhas apresentou um Ciclo de Cinema e a Fundação Francisco Manuel dos Santos promoveu conversar sérias sobre comédia. O Humor À Primeira Vista esteve também presente no Palco Streaming, com um episódio por cada dia de festival. Neste episódio, Gustavo Carvalho recorda alguns momentos do Mock Fest, analisa a primeira edição e projeta os desafios que o festival enfrenta para conseguir crescer no próximo ano.See omnystudio.com/listener for privacy information.

Ximena Abarca ganó un concurso de talento musical en Chile y se presentó en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, y ahora creó un nuevo proyecto en Australia para enseñar español e inglés a niños y adultos a través de la música.

Arrancamos la semana en Aragón Cultura con una mirada al cine y al circo. Hablamos del Daroca Prison&Film Fest, que celebra su 14ª edición, mostrando durante todo septiembre 90 cortometrajes de 14 países en su certamen online. Además, el arte circense se convierte en protagonista de las próximas Fiestas del Pilar, con el Festival Internacional de Circo de Zaragoza en el Recinto Ferial de Valdespartera del 3 al 26 de octubre.

Escuche esta y más noticias de LA PATRIA Radio de lunes a viernes por los 1540 AM de Radio Cóndor en Manizales y en www.lapatria.com, encuentre videos de las transmisiones en nuestro Facebook Live: www.facebook.com/lapatria.manizales/videos

En #HoyEsRisco del viernes 5 de septiembre, la ministra Loretta Ortiz, compartió la nueva dinámica de trabajo que se está estableciendo en la Suprema Corte de Justicia de la Nación a partir de la llegada de nuevos ministros electos tras la Reforma Judicial. El internacionalista Gabriel Guerra, comentó que el Departamento de Seguridad Nacional de Estados Unidos lanzó oficialmente la campaña titulada “Defend the Homeland”, destinada a reclutar “patriotas valientes y heroicos” para unirse a la agencia ICE como agentes de deportación. En la sección de cine con Daniela Michel, directora del Festival Internacional de Cine, compartió los pormenores de la nueva edición del festival a celebrarse en octubre próximo. Como todos los viernes, Amandititita recomendó las canciones para pulir el piso.

Comenzamos temporada conectando a través de La Diez Capital Radio con Capital Radio en Gran Canaria, crecemos un poquito más... hoy hablamos con Don Miguel Ángel Clavijo, Director General de Cultura y Patrimonio Cultural del Gobierno de Canarias. Por otro lado, la Agrupación Folclórica Teguaco desde Tegueste, nos invita a "Embrújame". Iremos a Valsequillo en Gran Canaria con la 19ª Edición del Festival Internacional de Payasos y hablaremos con "Chincheta". Estamos inmersos en la celebración de la Virgen de Abona y desde Arico, Agustín Tejera, Concejal de Cultura nos habla de ello y no podía faltar la Celebración de la Virgen del Socorro en Güímar, por lo que David Román Escobar, nos invita a celebrarla. Israel Espino, Director de Los Sabandeños conversa con nosotros sobre 47 años celebrando el Festival Sabandeño en el Marco de las Fiestas del Cristo y desde Teror en Gran Canaria, la celebración de las Fiestas del Pino marcan el mes de septiembre, hablamos con Angharad Quintana, Concejala de Festejos del Ayuntamiento de Teror; y como cada semana nos vamos a escena con Zálatta Teatro y sus propuestas culturales, todo en ORIGENES "poniendo lo canario más de moda que nunca y apostando por lo nuestro" #ladiezradio #capitalradiogc #origenes #programaorigenes #joamwalo

Esta temporada sonamos en Radio 5 de lunes a viernes de cuatro a cinco de la tarde. Y ampliamos el Ojo también a los fines de semana con la mirada con Ángeles Caso de 12 y media a una y media en radio nacional.Empezamos con una sinfonía urbana de Madrid para tener una mirada amplia: recorremos todos sus barrios, edificios, comercios, calles... Posamos el ojo en cada una de esos salones de bailes, videclubs, ultramarinos, de esos pies que cruzan deprisa, de esos otros que van más sosegados. Es lo que ha hecho el cineasta y dramaturgo Juan Cavestany en su último trabajo: 'Madrid Ext. Un ensayo fílmico de su ciudad'.Después repasamos las que serán las novedades literarias que llegan este mes con Susana Santaolalla y volvemos a Italia con Jordi Barcia porque continúa el Festival Internacional de Cine de Venecia. Pasamos por los 50 años de 'El exorcista' de William Friedkin.Esta temporada, en artes escénicas, el Ojo Crítico se estrena con la mirada de Marta García Miranda: 'Free Tour' ha sido creado y comisariado por Fran Weber y Carmen Aldama.Después charlamos con Ramiro Molinero, director del festival Ebrovisión, uno de los últimos del verano. Y terminamos hablando de cine con Vicente Monrroy: 150 aniversario de Edgar Rice Burroughs y el día internacional de los primates. Escuchar audio

Esta mañana en #Noticias7AM entrevistamos a Marco Nuño, Coordinador del CEART de Playas de Rosarito. Tema: El Primer Festival Internacional de Guitarra de Baja California se llevará a cabo del 4 al 6 de septiembre de 2025 en el Centro Estatal de las Artes (Ceart) de Playas de Rosarito #Uniradioinforma 

Teatro del Noctámbulo es una de las mejores compañías que tenemos en el país y, además, da la casualidad de que son extremeños y que clausuran el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Lo hace con "Jasón y las Furias", con José Vicente Moirón, Carmen Mayordomo, Gabriel Moreno, Alberto Lucero, Camila Almeda, Lucía Fuengallego y José Francisco Ramos. El texto es de Nando López y dirige, como sus tres obras anteriores, Antonio C. Guijosa. Charlamos con muchos de ellos.

Hace un siglo, Ramón María del Valle-Inclán creó la trilogía 'Martes de Carnaval', integrada por tres piezas teatrales de carácter satírico y corrosivo. Entre ellas destaca 'Los cuernos de don Friolera', la historia de un teniente que cae en una espiral de celos y obsesión tras recibir un mensaje anónimo que cuestiona la fidelidad de su esposa. La tragedia del personaje, atrapado en un laberinto de rumores y prejuicios, regresa ahora a escena en los Teatros del Canal de Madrid, en una puesta en pie dirigida por Ainhoa Amestoy. La obra conecta con la actualidad al poner en primer plano el poder destructivo de los bulos y la fragilidad de la honra cuando se convierte en motor de la acción.El programa se detiene también en el arranque de la nueva temporada teatral madrileña. Con Raúl Losánez repasamos la programación que llega a los escenarios de la capital, marcada por reposiciones destacadas y estrenos que buscan consolidar la oferta cultural en septiembre.Otro espacio se dedica al mundo literario con la última colaboración de Laura Fernández en El ojo crítico. En esta ocasión recomienda dos lecturas: 'Final en Berlín', novela de Heinz Rein publicada por Sexto Piso, que ofrece una mirada a la Alemania de posguerra, y 'Europa Central', la monumental obra de William T. Vollmann, reeditada por Random House.La actualidad audiovisual se completa con el inicio del Rally Desafío Buñuel en Teruel, un certamen que reta a los equipos participantes a rodar un cortometraje en apenas 48 horas. Además, nuestro corresponsal Jordi Barcia informa desde el Festival Internacional de Cine de Venecia sobre el desarrollo de una edición que reúne a cineastas, estrenos y debates alrededor de la creación contemporánea.Escuchar audio

Un monstruo de mil cabezas, a 10 años de su estreno En 2015 la película mexicana Un monstruo de mil cabezas, dirigida por Rodrigo Plá, inauguraba la sección Horizonte del Festival Internacional de Cine de Venecia y poco después se presentaba en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de Morelia, convirtiéndose en todo un suceso. La historia de una mujer común que se enfrenta, después de años de pagar su seguro médico, a un corporativo médico, en busca de obtener respuesta y justicia ante una emergencia, invitaba e invita a quien la ve a involucrarse en el tema a través de una verdadera experiencia cinematográfica que mezcla thriller, drama y múltiples puntos de vista alrededor de ese hecho. La cinta cumple 10 años de ese estreno y por eso creemos pertinente traerla al presente no sólo porque se trata de una propuesta más que valiosa, sino porque el tema y la forma en que se expone sigue siendo importante. Por eso, a este episodio del podcast Cinegarage invitamos a Laura Santullo, guionista, cineasta, escritora, maestra y autora del guion de Un monstruo de mil cabezas y desde ahora le damos una cálida bienvenida. A 10 años de su estreno hablemos de Un monstruo de mil cabezas con la autora del guion: Laura Santullo. Debajo de la publicación de este episodio en nuestro perfil Patreon, encuentran las ligas para ver en plataformas a las películas mencionadas hoy. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Além de espetáculos cênicos espalhados por vários palcos de Brasília, a programação do Festival Internacional de Teatro, Cena Contemporânea 2025, ainda promove várias atividades formativas gratuitas e trocas de experiências entre artistas e público. A jornalista Nita Queiroz traz os detalhes. 

Milhares de pessoas encheram diariamente a cidade francesa de Aurillac durante o Festival Internacional de Teatro de Rua, que terminou este sábado. À margem do programa oficial com 19 companhias convidadas, foram 640 as “companhias de passagem” que apresentaram os seus espectáculos gratuitamente, o que constituiu um desafio financeiro para a maior parte delas. Nesta entrevista, vamos conhecer a experiência da companhia portuguesa A Nariguda, que actuou pela primeira vez em Aurillac. RFI: Como é que nos descrevem a peça que trouxeram ao Festival de Aurillac? Eva Ribeiro: “A Aparição é um espectáculo que pretende provocar o riso, mas também provocar emoções e provocar uma relação de grande cumplicidade com o público. É um espectáculo que aborda o tema da fé, das religiões, mas de uma forma muito absurda, e utiliza as linguagens do clown. Tem esta relação de grande cumplicidade com o público, mas também da comédia física e do humor absurdo. É um trabalho que foi dirigido pelo belga Tom Roos há seis anos e, desde então, já temos circulado por várias salas e festivais.” Incluindo no estrangeiro? Rafa Santos: “Sim, incluindo no estrangeiro. Aqui em França também.” Eva Ribeiro: “Estivemos em Grenoble em Maio, e o espectáculo já foi apresentado várias vezes em Espanha, em vários festivais, e também no Brasil, em festivais e mostras internacionais.” Como é que o público deste festival vos tratou? Como é que reagiu ao espectáculo? Eva Ribeiro: “Tivemos experiências diferentes. Nos três dias em que apresentámos, no primeiro dia, tivemos um público muito participativo, muito numeroso também, e nos outros dois dias foi um público mais tímido, talvez devido ao local que era um local um bocadinho ingrato. Nós trabalhamos com o silêncio e gostamos de trabalhar o incómodo que nasce desse silêncio. Talvez o espaço não tenha sido o mais feliz, mas tivemos muito bons retornos das pessoas que assistiram e isso foi muito positivo. Foi muito bom. Realmente é um espetáculo que quer abordar a fé e o amor, mas também o humor universal.” As pessoas riem imenso, muito mesmo com a personagem da Rafa… Rafa Santos: “As pessoas recebem das duas. Eu tenho um apontamento aqui, ela tem um apontamento ali e isso é que é uma dinâmica.” Eva Ribeiro: “Uma dinâmica clássica, é o que chamamos “o branco e o Augusto”, a autoridade e aquela que quebra a norma. Então, nesta dupla, nós decidimos explorar essas relações clássicas de palhaçaria, que vêm até do circo tradicional, mas trazendo primeiro para o universo feminino, o que é uma apropriação de gags clássicas e sketches clássicas do circo, e depois também para uma linguagem contemporânea. Mas baseia-se muito nessa relação de autoridade que eu represento, a seriedade, a norma, o social. E a personagem da Rafa representa o quebrar da norma, o extravasar, o ir mais longe. E, claro, o público adora isso e libertar-se com isso. Nós adoramos realmente esta dinâmica por causa desse efeito que produz, essa liberação também, porque nós precisamos de rir destas normas sociais em que vivemos.” Como é que correu? Financeiramente valeu a pena? Eva Ribeiro: “É muito complicado avaliar porque realmente é um festival que não oferece as condições a que nós estamos habituadas. Nós somos uma companhia profissional e, realmente, para nós é uma aposta. É vir aqui, mostrar o trabalho, e também na esperança de que esse retorno venha posteriormente, não é? Já nos aconteceu em outras ocasiões, mas realmente é uma pena que não sejam dadas um pouco melhores condições às companhias.” Que tipo de condições? Eva Ribeiro: “Condições básicas, alojamento, alimentação, pagamento de deslocações. Normalmente esse é o básico que a gente pede é não ter que pagar para trabalhar. E neste festival nós tivemos que pagar para trabalhar. E isso é um pouco um sinónimo de precariedade quando nós nos queremos afastar dessa condição. Mas infelizmente o festival não suporta esses custos nem tão pouco de cachê.  Normalmente, estes festivais, pelo menos, conseguem assegurar estas condições básicas que é a alimentação, estadia e deslocação, e aqui não acontece isso. Dependemos muito do ‘chapéu'. O nosso espectáculo não é pensado para massas, não gere uma grande massa de pessoas e as pessoas também estão um pouco sobrecarregadas porque há muitas coisas para ver.” Rafa Santos: “A toda a hora, em todos os sítios, em todas as ruas, cantos e esquinas há coisas a acontecer, mesmo quando sobrepõem os espectáculos na mesma rua.” Eva Ribeiro: “Por isso é que  a remuneração não é muito alta. Nós também programamos um festival em Lisboa, então eu vinha com esse espírito duplo, que é de ver coisas para também possivelmente programar e quero desfrutar do festival e queremos também apresentar o nosso trabalho.” Qual é o festival que programa em Lisboa? Conseguiu fazer contactos aqui? “O festival chama-se Mostra Gargalhadas na Lua, é organizado com A Nariguda e a Lua Cheia - Teatro para todos. É um festival que conta com o apoio da Câmara Municipal de Lisboa, Junta de Freguesia de Carnide e também da Direcção Geral das Artes. Portanto, é um festival onde nós conseguimos, de forma profissional, trazer as companhias. Organizamos workshops, conversas e várias actividades ligadas ao universo do clown e da comicidade, e também das artes de rua. Este festival foi muito bom para vermos algumas coisas, ficámos com alguns contactos e penso que algumas das companhias, um ou dois espectáculos que assistimos vamos poder vê-los em Lisboa. Não, até porque esse não é o objectivo. O objectivo é realmente criar uma mostra internacional para o público de Lisboa, para o público de Portugal e temos pessoas a vir de todos os lados do país para a mostra e até de outros países. Mas acolher bem as companhias, temos uma vintena de companhias todos os anos e tratamos aquelas companhias como família durante aquela semana em que acontece o festival.”

Como é actuar num mega-festival europeu de artes de rua, com mais de 700 espectáculos diários numa cidade de 26.000 habitantes que, em quatro dias, junta acima de 150 mil pessoas? As expectativas de encontrar produtores e programadores no Festival Internacional de Teatro de Rua de Aurillac, em França, são grandes, mas o desafio financeiro é imenso para a maior parte das 640 “companhias de passagem” que participam à margem do programa oficial. Foi o caso da companhia portuguesa “Seistopeia” que nos contou a sua aventura, expectativas e dissabores relativamente à participação no festival que terminou este sábado. RFI: De que falam os espectáculos que trouxeram a Aurillac? Vítor Rodrigues: “A primeira peça que trouxemos foi ‘Soul Trio', que é inspirado no ‘Soul Train', que era um programa dos anos 70, em que havia muitos bailarinos, um apresentador muito charmoso. Então, nós decidimos criar esta peça inspirada nesse programa em que os nossos personagens também são bailarinos e dizem-se os salvadores das festas e os salvadores da alma das festas. Eles vêm tentar trazer a alegria às ruas.” E depois vão deambular por elas… Vítor Rodrigues:“Exactamente porque não é um espectáculo, na verdade, é uma performance. A ideia desta performance não é que as pessoas párem a nossa beira para ver ali alguma coisa muito concreta. É só que se sintam ali energizadas, de alguma forma, e que batam um bocadinho o pezinho, dancem um bocadinho connosco, que sorriam um pouco. A segunda peça é ‘Os Irmãos Fumière'.” Marisa Freitas: “Chama-se ‘Irmãos Fumière', é inspirada nos irmãos Lumière e é uma peça inspirada no cinema mudo, em que se quer trazer aquelas memórias antigas do cinema, que também está muito próximo do teatro físico e, portanto, continua dentro da linguagem da Seistopeia, e é uma peça que traz animação e boa disposição ao público.” O facto de a apresentarem em França, na terra dos irmãos Lumière, traz algo especial? Marisa Freitas: “Ela é muito recente, é uma estreia internacional, é a primeira vez que estamos a fazê-la fora de Portugal e senti que o público mal nos viu reconheceu logo que éramos dessa altura do cinema mudo. Foi bastante positivo.” Inês Jesus: “Tivemos o apoio da GDA, que é uma fundação portuguesa que apoia diversos espectáculos e apoia desde a criação a circulação dos projectos internacionalmente. No nosso caso, o apoio foi para a criação, foi para podermos montar este espectáculo.” Como é estar no Festival Internacional de Teatro de Rua de Aurillac no meio de 640 “companhias de passagem”? Como é em termos de apoios? Como correu? Marisa Freitas: “Nós devemos começar por dizer que isto é um investimento nosso, actores e pessoas, nem sequer a companhia tem poder económico para financiar a viagem até cá. Portanto, é um esforço colectivo. Nós os quatro juntámos dinheiro, juntámo-nos e viemos. Em termos de apoio da organização, sentimos um bocado de abandono porque não há um espaço específico ou suficiente para o artista, por exemplo. Eles sabem que algumas companhias de passagem vêm com tenda e não há um espaço só para as companhias. As companhias acampam - e nós estamos a acampar - juntamente com o público. Depois é público que uns são mais diurnos, outros são mais nocturnos e levamos com os barulhos de todos eles. Os que acordam de manhã acordam-nos, os que vêem mais espectáculos à noite não nos deixam dormir. Faltam casas-de-banho nessa zona também para o público porque estamos à beira de duas pastilhas.” “Pastilles” que é o nome dos espaços de actuação… Marisa Freitas:“Sim. Exacto. As zonas de actuação são 'as pastilhas'. Há um descuido que eu sinto para com o artista e também para com o público. Há uma casa-de-banho num espaço onde há dois palcos e todas as manhãs acordamos com, pelo menos, 50 ou 100 pessoas à espera para ver um espectáculo.” O Vítor também se sente um pouco abandonado pelo festival? Vítor Rodrigues: “Sim, de certa forma. Uma coisa que me deixou um pouco chateado foi que nós temos que pagar um seguro de responsabilidade civil. Ou seja, eu sinto que, no fundo, em relação às companhias de passagem, o festival esquiva-se. Fazem um festival que se diz um festival com mais de 600 e tal companhias, mas não pagam essas 600 e tal companhias. São cerca de 20 as companhias que realmente são pagas totalmente. Portanto, eu sinto que eles vendem a ideia de que realmente vêm cá muitos produtores  e é verdade que vêm cá, há muitos produtores, mas também é verdade que são tantas companhias e o espaço não é assim tão bem organizado. Torna-se um bocado complicado para que realmente esses produtores consigam assistir a todos os espectáculos.” É um balde de água fria nas expectativas que vocês tinham? Vítor Rodrigues:“Sim, mas por outro lado, foi um investimento de nossa parte. Nós queríamos correr este risco também, de alguma maneira, porque queríamo-nos atirar aos lobos e é um espectáculo novo também, como é que este novo espectáculo funciona com um público estrangeiro… Foram várias coisas, sim. Não ficámos muito felizes com a recepção, por outro lado, também não estávamos à espera que fôssemos aqui recebidos como deuses, não é?” Inês Jesus: “Eu senti os mesmos dissabores. Partilho com eles o sentimento de abandono. Vejo que para a companhia é importante estarmos em França, é a primeira vez que a companhia vem a França e França é uma plataforma de arte grande, onde eu já vivi. Havia essa vontade de mostrar o nosso trabalho, fazê-lo chegar cá de alguma maneira. Vejo o lado positivo da oportunidade, mas…” Não vê os produtores? “Não vemos os produtores. E tivemos um problema com o nosso espaço porque o nosso espaço, que é concedido pelo festival, estava a ser usado por outros artistas que não estão programados. Então, o estado em que deixaram o sítio onde actuamos influencia a nossa intervenção no lugar e tivemos que readaptar o nosso espectáculo ao espaço. São questões que é importante serem discutidas, na minha opinião e na nossa opinião, com o festival e são coisas que queremos partilhar com eles e questionar.” E o público como vos tratou? Vítor Rodrigues: “O público tratou-nos muito bem. Nós sentimos que o público é muito generoso, muito receptivo. Realmente procuram coisas novas, procuram ver mais espectáculos, inclusivamente, contribuem no final, no ‘chapéu'. Eu senti que, nesse aspecto, foi bastante positivo, embora este os ‘Irmãos Fumière' seja praticamente uma estreia e conseguimos manter o público praticamente até ao fim. Ou seja, estiveram connosco, não nos largaram a mão." Inês Jesus: “Para nós é bastante ambicioso estar em França, apresentar ‘Irmãos Fumière' pela terceira vez no Festival de Aurillac. É super bonito porque os nossos espectáculos têm esta característica participativa, já o ‘Soul Trio' tem e agora ‘Irmãos Fumière também'. É super bonito ver este público que diz que sim, que vem sem medo, que confia nos artistas e que está connosco em cena. Acho que é o que nos alimenta também, de alguma maneira.” Filipe Maia: “O que eu queria dizer é que a liberdade do artista acaba onde começa a liberdade da produção e, neste caso, queria apenas salientar a importância de que se o festival vive do artista e da rua e do público, é muito importante dar condições para isso. É o que nós sentimos e que nos faltou muito. O festival quer dar muito às pessoas e ao público, mas depois peca também, pelo outro lado, de fornecer ferramentas importantes e básicas, até muitas vezes, para a boa performance do artista.” Marisa Freitas: “Acho que o conceito de Aurillac é bonito porque para entrar cá não há selecção, só há um limite e quando se chega a esse limite, fecham-se as candidaturas. Eu acho isso bonito, mas acho que depois toda a gente tem responsabilidades. O público tem responsabilidade. A produção tem responsabilidade e o artista tem responsabilidade. A responsabilidade do artista, por exemplo, no que nos aconteceu hoje, é deixar o espaço livre e limpo, em boas condições para a companhia que vem a seguir poder actuar. O espaço da produção, se calhar, é limitar: ‘Olha aqui nesta zona mais espectáculos de fogo porque deixam mais sujeira neste espaço, se calhar mais para bailarinos porque precisam do chão liso'. Pronto, esse tipo de atenção. Se calhar deixar alguém da produção a tomar conta desses espaços, por exemplo. E o público, nós estarmos a fazer uma peça e passar um grupo de adolescentes aos gritos com uma coluna só porque sim, também acho interessante haver um bocadinho esse respeito por parte do público, o que se calhar é mais difícil, mas acho que para um festival com os anos que tem Aurillac, era algo que já poderia existir.”

Como é actuar num mega-festival europeu de artes de rua, com mais de 700 espectáculos diários numa cidade de 26.000 habitantes que, em quatro dias, junta acima de 150 mil pessoas? As expectativas de encontrar produtores e programadores no Festival Internacional de Teatro de Rua de Aurillac, em França, são grandes, mas o desafio financeiro é imenso para a maior parte das 640 “companhias de passagem” que participam à margem do programa oficial. Foi o caso da companhia portuguesa “Seistopeia” que nos contou a sua aventura, expectativas e dissabores relativamente à participação no festival que terminou este sábado. RFI: De que falam os espectáculos que trouxeram a Aurillac? Vítor Rodrigues: “A primeira peça que trouxemos foi ‘Soul Trio', que é inspirado no ‘Soul Train', que era um programa dos anos 70, em que havia muitos bailarinos, um apresentador muito charmoso. Então, nós decidimos criar esta peça inspirada nesse programa em que os nossos personagens também são bailarinos e dizem-se os salvadores das festas e os salvadores da alma das festas. Eles vêm tentar trazer a alegria às ruas.” E depois vão deambular por elas… Vítor Rodrigues:“Exactamente porque não é um espectáculo, na verdade, é uma performance. A ideia desta performance não é que as pessoas párem a nossa beira para ver ali alguma coisa muito concreta. É só que se sintam ali energizadas, de alguma forma, e que batam um bocadinho o pezinho, dancem um bocadinho connosco, que sorriam um pouco. A segunda peça é ‘Os Irmãos Fumière'.” Marisa Freitas: “Chama-se ‘Irmãos Fumière', é inspirada nos irmãos Lumière e é uma peça inspirada no cinema mudo, em que se quer trazer aquelas memórias antigas do cinema, que também está muito próximo do teatro físico e, portanto, continua dentro da linguagem da Seistopeia, e é uma peça que traz animação e boa disposição ao público.” O facto de a apresentarem em França, na terra dos irmãos Lumière, traz algo especial? Marisa Freitas: “Ela é muito recente, é uma estreia internacional, é a primeira vez que estamos a fazê-la fora de Portugal e senti que o público mal nos viu reconheceu logo que éramos dessa altura do cinema mudo. Foi bastante positivo.” Inês Jesus: “Tivemos o apoio da GDA, que é uma fundação portuguesa que apoia diversos espectáculos e apoia desde a criação a circulação dos projectos internacionalmente. No nosso caso, o apoio foi para a criação, foi para podermos montar este espectáculo.” Como é estar no Festival Internacional de Teatro de Rua de Aurillac no meio de 640 “companhias de passagem”? Como é em termos de apoios? Como correu? Marisa Freitas: “Nós devemos começar por dizer que isto é um investimento nosso, actores e pessoas, nem sequer a companhia tem poder económico para financiar a viagem até cá. Portanto, é um esforço colectivo. Nós os quatro juntámos dinheiro, juntámo-nos e viemos. Em termos de apoio da organização, sentimos um bocado de abandono porque não há um espaço específico ou suficiente para o artista, por exemplo. Eles sabem que algumas companhias de passagem vêm com tenda e não há um espaço só para as companhias. As companhias acampam - e nós estamos a acampar - juntamente com o público. Depois é público que uns são mais diurnos, outros são mais nocturnos e levamos com os barulhos de todos eles. Os que acordam de manhã acordam-nos, os que vêem mais espectáculos à noite não nos deixam dormir. Faltam casas-de-banho nessa zona também para o público porque estamos à beira de duas pastilhas.” “Pastilles” que é o nome dos espaços de actuação… Marisa Freitas:“Sim. Exacto. As zonas de actuação são 'as pastilhas'. Há um descuido que eu sinto para com o artista e também para com o público. Há uma casa-de-banho num espaço onde há dois palcos e todas as manhãs acordamos com, pelo menos, 50 ou 100 pessoas à espera para ver um espectáculo.” O Vítor também se sente um pouco abandonado pelo festival? Vítor Rodrigues: “Sim, de certa forma. Uma coisa que me deixou um pouco chateado foi que nós temos que pagar um seguro de responsabilidade civil. Ou seja, eu sinto que, no fundo, em relação às companhias de passagem, o festival esquiva-se. Fazem um festival que se diz um festival com mais de 600 e tal companhias, mas não pagam essas 600 e tal companhias. São cerca de 20 as companhias que realmente são pagas totalmente. Portanto, eu sinto que eles vendem a ideia de que realmente vêm cá muitos produtores  e é verdade que vêm cá, há muitos produtores, mas também é verdade que são tantas companhias e o espaço não é assim tão bem organizado. Torna-se um bocado complicado para que realmente esses produtores consigam assistir a todos os espectáculos.” É um balde de água fria nas expectativas que vocês tinham? Vítor Rodrigues:“Sim, mas por outro lado, foi um investimento de nossa parte. Nós queríamos correr este risco também, de alguma maneira, porque queríamo-nos atirar aos lobos e é um espectáculo novo também, como é que este novo espectáculo funciona com um público estrangeiro… Foram várias coisas, sim. Não ficámos muito felizes com a recepção, por outro lado, também não estávamos à espera que fôssemos aqui recebidos como deuses, não é?” Inês Jesus: “Eu senti os mesmos dissabores. Partilho com eles o sentimento de abandono. Vejo que para a companhia é importante estarmos em França, é a primeira vez que a companhia vem a França e França é uma plataforma de arte grande, onde eu já vivi. Havia essa vontade de mostrar o nosso trabalho, fazê-lo chegar cá de alguma maneira. Vejo o lado positivo da oportunidade, mas…” Não vê os produtores? “Não vemos os produtores. E tivemos um problema com o nosso espaço porque o nosso espaço, que é concedido pelo festival, estava a ser usado por outros artistas que não estão programados. Então, o estado em que deixaram o sítio onde actuamos influencia a nossa intervenção no lugar e tivemos que readaptar o nosso espectáculo ao espaço. São questões que é importante serem discutidas, na minha opinião e na nossa opinião, com o festival e são coisas que queremos partilhar com eles e questionar.” E o público como vos tratou? Vítor Rodrigues: “O público tratou-nos muito bem. Nós sentimos que o público é muito generoso, muito receptivo. Realmente procuram coisas novas, procuram ver mais espectáculos, inclusivamente, contribuem no final, no ‘chapéu'. Eu senti que, nesse aspecto, foi bastante positivo, embora este os ‘Irmãos Fumière' seja praticamente uma estreia e conseguimos manter o público praticamente até ao fim. Ou seja, estiveram connosco, não nos largaram a mão." Inês Jesus: “Para nós é bastante ambicioso estar em França, apresentar ‘Irmãos Fumière' pela terceira vez no Festival de Aurillac. É super bonito porque os nossos espectáculos têm esta característica participativa, já o ‘Soul Trio' tem e agora ‘Irmãos Fumière também'. É super bonito ver este público que diz que sim, que vem sem medo, que confia nos artistas e que está connosco em cena. Acho que é o que nos alimenta também, de alguma maneira.” Filipe Maia: “O que eu queria dizer é que a liberdade do artista acaba onde começa a liberdade da produção e, neste caso, queria apenas salientar a importância de que se o festival vive do artista e da rua e do público, é muito importante dar condições para isso. É o que nós sentimos e que nos faltou muito. O festival quer dar muito às pessoas e ao público, mas depois peca também, pelo outro lado, de fornecer ferramentas importantes e básicas, até muitas vezes, para a boa performance do artista.” Marisa Freitas: “Acho que o conceito de Aurillac é bonito porque para entrar cá não há selecção, só há um limite e quando se chega a esse limite, fecham-se as candidaturas. Eu acho isso bonito, mas acho que depois toda a gente tem responsabilidades. O público tem responsabilidade. A produção tem responsabilidade e o artista tem responsabilidade. A responsabilidade do artista, por exemplo, no que nos aconteceu hoje, é deixar o espaço livre e limpo, em boas condições para a companhia que vem a seguir poder actuar. O espaço da produção, se calhar, é limitar: ‘Olha aqui nesta zona mais espectáculos de fogo porque deixam mais sujeira neste espaço, se calhar mais para bailarinos porque precisam do chão liso'. Pronto, esse tipo de atenção. Se calhar deixar alguém da produção a tomar conta desses espaços, por exemplo. E o público, nós estarmos a fazer uma peça e passar um grupo de adolescentes aos gritos com uma coluna só porque sim, também acho interessante haver um bocadinho esse respeito por parte do público, o que se calhar é mais difícil, mas acho que para um festival com os anos que tem Aurillac, era algo que já poderia existir.”

Milhares de pessoas encheram diariamente a cidade francesa de Aurillac durante o Festival Internacional de Teatro de Rua, que terminou este sábado. À margem do programa oficial com 19 companhias convidadas, foram 640 as “companhias de passagem” que apresentaram os seus espectáculos gratuitamente, o que constituiu um desafio financeiro para a maior parte delas. Nesta entrevista, vamos conhecer a experiência da companhia portuguesa A Nariguda, que actuou pela primeira vez em Aurillac. RFI: Como é que nos descrevem a peça que trouxeram ao Festival de Aurillac? Eva Ribeiro: “A Aparição é um espectáculo que pretende provocar o riso, mas também provocar emoções e provocar uma relação de grande cumplicidade com o público. É um espectáculo que aborda o tema da fé, das religiões, mas de uma forma muito absurda, e utiliza as linguagens do clown. Tem esta relação de grande cumplicidade com o público, mas também da comédia física e do humor absurdo. É um trabalho que foi dirigido pelo belga Tom Roos há seis anos e, desde então, já temos circulado por várias salas e festivais.” Incluindo no estrangeiro? Rafa Santos: “Sim, incluindo no estrangeiro. Aqui em França também.” Eva Ribeiro: “Estivemos em Grenoble em Maio, e o espectáculo já foi apresentado várias vezes em Espanha, em vários festivais, e também no Brasil, em festivais e mostras internacionais.” Como é que o público deste festival vos tratou? Como é que reagiu ao espectáculo? Eva Ribeiro: “Tivemos experiências diferentes. Nos três dias em que apresentámos, no primeiro dia, tivemos um público muito participativo, muito numeroso também, e nos outros dois dias foi um público mais tímido, talvez devido ao local que era um local um bocadinho ingrato. Nós trabalhamos com o silêncio e gostamos de trabalhar o incómodo que nasce desse silêncio. Talvez o espaço não tenha sido o mais feliz, mas tivemos muito bons retornos das pessoas que assistiram e isso foi muito positivo. Foi muito bom. Realmente é um espetáculo que quer abordar a fé e o amor, mas também o humor universal.” As pessoas riem imenso, muito mesmo com a personagem da Rafa… Rafa Santos: “As pessoas recebem das duas. Eu tenho um apontamento aqui, ela tem um apontamento ali e isso é que é uma dinâmica.” Eva Ribeiro: “Uma dinâmica clássica, é o que chamamos “o branco e o Augusto”, a autoridade e aquela que quebra a norma. Então, nesta dupla, nós decidimos explorar essas relações clássicas de palhaçaria, que vêm até do circo tradicional, mas trazendo primeiro para o universo feminino, o que é uma apropriação de gags clássicas e sketches clássicas do circo, e depois também para uma linguagem contemporânea. Mas baseia-se muito nessa relação de autoridade que eu represento, a seriedade, a norma, o social. E a personagem da Rafa representa o quebrar da norma, o extravasar, o ir mais longe. E, claro, o público adora isso e libertar-se com isso. Nós adoramos realmente esta dinâmica por causa desse efeito que produz, essa liberação também, porque nós precisamos de rir destas normas sociais em que vivemos.” Como é que correu? Financeiramente valeu a pena? Eva Ribeiro: “É muito complicado avaliar porque realmente é um festival que não oferece as condições a que nós estamos habituadas. Nós somos uma companhia profissional e, realmente, para nós é uma aposta. É vir aqui, mostrar o trabalho, e também na esperança de que esse retorno venha posteriormente, não é? Já nos aconteceu em outras ocasiões, mas realmente é uma pena que não sejam dadas um pouco melhores condições às companhias.” Que tipo de condições? Eva Ribeiro: “Condições básicas, alojamento, alimentação, pagamento de deslocações. Normalmente esse é o básico que a gente pede é não ter que pagar para trabalhar. E neste festival nós tivemos que pagar para trabalhar. E isso é um pouco um sinónimo de precariedade quando nós nos queremos afastar dessa condição. Mas infelizmente o festival não suporta esses custos nem tão pouco de cachê.  Normalmente, estes festivais, pelo menos, conseguem assegurar estas condições básicas que é a alimentação, estadia e deslocação, e aqui não acontece isso. Dependemos muito do ‘chapéu'. O nosso espectáculo não é pensado para massas, não gere uma grande massa de pessoas e as pessoas também estão um pouco sobrecarregadas porque há muitas coisas para ver.” Rafa Santos: “A toda a hora, em todos os sítios, em todas as ruas, cantos e esquinas há coisas a acontecer, mesmo quando sobrepõem os espectáculos na mesma rua.” Eva Ribeiro: “Por isso é que  a remuneração não é muito alta. Nós também programamos um festival em Lisboa, então eu vinha com esse espírito duplo, que é de ver coisas para também possivelmente programar e quero desfrutar do festival e queremos também apresentar o nosso trabalho.” Qual é o festival que programa em Lisboa? Conseguiu fazer contactos aqui? “O festival chama-se Mostra Gargalhadas na Lua, é organizado com A Nariguda e a Lua Cheia - Teatro para todos. É um festival que conta com o apoio da Câmara Municipal de Lisboa, Junta de Freguesia de Carnide e também da Direcção Geral das Artes. Portanto, é um festival onde nós conseguimos, de forma profissional, trazer as companhias. Organizamos workshops, conversas e várias actividades ligadas ao universo do clown e da comicidade, e também das artes de rua. Este festival foi muito bom para vermos algumas coisas, ficámos com alguns contactos e penso que algumas das companhias, um ou dois espectáculos que assistimos vamos poder vê-los em Lisboa. Não, até porque esse não é o objectivo. O objectivo é realmente criar uma mostra internacional para o público de Lisboa, para o público de Portugal e temos pessoas a vir de todos os lados do país para a mostra e até de outros países. Mas acolher bem as companhias, temos uma vintena de companhias todos os anos e tratamos aquelas companhias como família durante aquela semana em que acontece o festival.”

El director colombiano Simón Mesa Soto nos habla sobre Un Poeta, su nueva película estrenada en Cannes y ahora presentada en el Festival Internacional de Cine de Melbourne (MIFF).

A 38ª edição do Festival Internacional de Teatro de Rua de Aurillac homenageou o Brasil, com vários criadores brasileiros no programa oficial. A artista Marina Guzzo apresentou “Mistura”, um atelier performativo que se transformou num desfile "profano e sagrado" com muitas plantas, cores e brilhos. Mais de vinte personagens, alegorias de uma outra forma de habitar o mundo, deambularam pelas ruas da cidade em passo lento e contemplativo, acompanhado por murmúrios que convidaram a uma pausa colectiva. “Este é um projecto que nasce de um desejo de cultivar a beleza da contemplação que as plantas ensinam”, resume a artista, para quem “a contemplação é uma resistência política”. Foi um atelier performativo que explorou as relações coreográficas e rituais entre pessoas e plantas. Foi também um laboratório sensorial onde se inventaram outras formas de habitar o mundo e gestos lentos que travaram o frenesim das vidas contemporâneas. Tudo começou com um atelier comunitário durante uma semana e terminou numa experiência performativa colectiva no Festival Internacional de Teatro de Rua de Aurillac, em França. Este foi um espaço para simplesmente “cultivar a beleza que as plantas ensinam”, contou à RFI Marina Guzzo. Inspirada pela lentidão e quietude, a artista convidou os participantes a criarem uma “comunidade provisória” para procurarem “a beleza da vida” na relação com uma natureza cada vez mais fragilizada e domesticada. Juntos, foram criando o que Marina Guzzo descreve como “coreografia vegetal”, que consiste em “olhar para si e pensar como se mover num outro tempo e com uma outra pele vegetal”. No dia do desfile, houve uma deambulação pelas ruas da cidade, num gesto artístico colectivo que reivindicou “um tempo lento e de contemplação” e uma “mistura com a natureza”. É que, diz Marina Guzzo, nos dias de hoje, “abrir um espaço para a pausa e para a contemplação é uma resistência política”. RFI: Em que consiste a “Mistura” que apresentou no Festival de Aurillac? Marina Guzzo, Artista: “Este é um projecto que nasce de um desejo de cultivar a beleza da contemplação que as plantas nos ensinam. É inspirado na possibilidade de a gente se tornar outra coisa mais que humana. Ele nasceu num momento muito duro da minha vida pessoal, da vida do planeta que foi a pandemia. A gente estava confinada em casa e eu comecei a passear, com a minha filha pegar em flores e também pegar e tirar as roupas guardadas da festa que estavam no armário, os figurinos, os brilhos, os carnavais que estavam guardados e quietos. Aí comecei esse jogo de misturar plantas e roupas e brilhos e memórias de uma beleza mais para além do que é uma vida quotidiana e muito veloz desse tempo da produtividade, muito inspirada pela possibilidade de uma lentidão, de um descanso, de uma quietude que a gente tem quando a gente está perto das plantas, na natureza, na floresta. E aí este projecto começou a tornar-se nesta oficina performativa.” Como é que funcionou o processo criativo, nomeadamente aqui em França? “Aqui no festival, a gente fez uma chamada aberta para participantes. A gente fez uma semana de trabalho intenso para construir estas figuras a partir de um acervo que eu já trago, que é um acervo que se vai construindo nos lugares que eu vou passando, das plantas que têm aqui em Aurillac e do desejo também das pessoas de se transformarem. Então é uma prática colectiva de montagem desses seres mais que humanos.” Quem são esses seres? “Eles são misturas, são seres encantados também. Há um pouco de encanto, de alegria, de beleza, de cor. É um pouco estranho, mas é engraçado, um pouco profano, mas também é um pouco sagrado no sentido de que a natureza é sagrada. Também tem um trabalho corporal e coreográfico de busca desse tempo lento, dessa coreografia vegetal. Durante todos estes dias, a gente trabalhou o que eu chamo de coreografia vegetal, que é olhar para si e pensar como se mover num outro tempo com uma outra pele vegetal.” Hoje em dia as pessoas estão habituadas ao movimento, ao frenesim. Como é que os participantes se adaptaram? Como correu esse trabalho? “Acho que foram pessoas muito engajadas. Formam um grupo, uma comunidade provisória. A gente vai criando esse encontro provisório de mostrar esses pequenos murmúrios que a gente faz durante a performance, que é também uma pergunta que eu faço para eles: ‘O que é que passa pela sua cabeça quando você está em silêncio? Você reza? Você canta? Que pensamentos são esses que vão passando quando a gente está meditando, quando está rezando, quando está em silêncio, quando a gente está com a gente mesmo?'   O que é esse mundo vegetal? Quanta vida deve ter também dentro desses seres que a gente não consegue ver. Então, é um pouco praticar o silêncio, praticar a contemplação, praticar a pausa, praticar a escuta colectiva, que são coisas muito difíceis hoje em dia porque a gente está num sistema capitalista patriarcal, muito enraizado e sistematizado a partir de outras lógicas, que são as lógicas opostas a isto. São a lógica da produção, da hiper-conexão e do tempo acelerado. A gente nem áudio de WhatsApp consegue ouvir de uma maneira lenta, não é? E trazendo esse tempo performático lento, numa cidade em que está acontecendo muita coisa, abrir um espaço para pausa, para a contemplação, acho que é uma resistência política.” Como assim uma resistência política? Até que ponto este espectáculo tem uma ambição também ecológica e de alerta? “Sim, esse trabalho fala muito dessa nossa vontade de misturar mais com a natureza porque acho que esse sistema colonial patriarcal capitalista está o tempo inteiro nos colocando separados da natureza, como se a gente não fosse natureza. Humanos e natureza, cultura e natureza, é uma máxima ocidental desse mundo que está destruindo a natureza, mas também alguns corpos dissidentes, corpos racializados, as mulheres, as pessoas trans. Quando a gente fala dessa reivindicação de um tempo lento, de um descanso, da contemplação e dessa mistura com a natureza, a gente está também resistindo a muitas formas de violência que estão colocadas nessa maneira de viver.” Escolheu as ruas como palco para essa deambulação. Qual a simbologia e intuito político? “Há essa ideia de que, principalmente aqui na Europa, que a natureza que está na cidade está muito contida, está muito domesticada. Então, este é um movimento de contra-domesticação dessa natureza, desses jardins que estão muito confinados a pequenos lugares da cidade. As árvores têm pouco espaço para crescer. Os jardins são todos arrumadinhos, não pode crescer uma ervinha ou uma planta diferente que a gente corta. Então, a ideia é também trazer um jardim contra-colonial que sai andando dos lugares onde ele está primeiramente confinado para conseguir ganhar outros espaços e também se misturar com a cidade. Também é uma ideia de tirar as plantas dessa redoma e colocar ela corpo-a-corpo com a gente. A gente só existe por causa das plantas. A gente respira por causa das plantas. A gente está conectada com as plantas. O nosso pulmão é justamente o antagonista da folha. Então, a gente precisa de estar mais perto e, de alguma maneira, apaixonado. Há uma coisa do trabalho que eu gosto muito de falar, que é a ideia do erotismo.” Como assim? “Talvez o erotismo como uma potência política de prazer, de beleza, não como sexualidade. A gente confinou também o erotismo ao sexo, mas tem uma poeta que eu amo, que é Audrey Lorde, uma feminista que fala muito sobre o poder do erótico. Então, como a gente pode trazer para nossa vida a contemplação e a beleza do prazer também vegetal, de estar com outros seres e também de viver a beleza da vida, não só produzir, dormir, comer, sobreviver. O trabalho é um pouco sobre isso.” Essa poética foi a outras cidades e vai continuar a deambular pelo mundo? “Sim, esta é a 11ª ‘mistura'. A gente fez em Paris, no verão. Foi super legal. No Jardim des Tuilleries que é um símbolo também colonial, mas muito lindo, incrível e monumental. Então, também é sobre essas contradições de como que a gente, como seres humanos em sociedade, vai tentando capturar a beleza e perde o principal que é a possibilidade de estarmos juntos, de nos misturarmos, de estarmos com o outro, de viver experiências de prazer.” Quer falar-nos um pouco do seu percurso? “Eu sou professora e pesquisadora da Universidade Federal de São Paulo e sou artista nesse local, onde tenho um laboratório interdisciplinar que trabalha com arte e saúde e corpo e ecologia. O meu percurso, desde muito tempo, tem sido trabalhar com comunidades, equipamentos culturais, mas também equipamentos de saúde, assistência social. E agora, desde 2011, eu tenho trabalhado em territórios. A ideia é também de deslocar territórios, deslocar as plantas de onde elas deveriam estar, deslocar o mar para quem tem acesso ao mar, deslocar pedras com trabalhos artísticos, com as pessoas. Tenho feito isso. Desde 2009 que o meu trabalho se vem construindo nesse perspectiva. Desde 2011, está muito fortemente ligado à questão ecológica, à mudança climática. A minha pesquisa agora é justamente sobre a arte antropoceno, como é que os artistas podem responder de maneira afectiva às questões que estão sendo colocadas, os desafios sociais e políticos que estão sendo colocados por conta das mudanças climáticas, que são também mudanças políticas, económicas e sociais porque não é uma crise climática isolada, ela está ligada a uma maneira de a gente tratar o outro. Acho que tem tudo a ver com arte e com a maneira como eu estou trabalhando agora.”

O coreógrafo e bailarino brasileiro Renato Linhares levou a performance “SHAMPOO [Autobiografia do Chão]” ao Festival Internacional de Teatro de Rua de Aurillac, em França, que decorreu de 20 a 23 de Agosto. É sobre rodas que ele conta a sua história, cruzando dança, circo, teatro, patinagem artística e muito movimento ao ritmo de música ao vivo e de ruídos que cria com os objectos inesperados que arrasta. Tudo parte de uma memória de infância: as esculturas de sabão e os penteados de senhora que fazia no chuveiro. “Um manifesto” a lembrar o poder da imaginação das crianças, diz Renato Linhares. RFI: Como é que descreve a peça “SHAMPOO [Autobiografia do Chão]”? Renato Linhares, Coreógrafo e bailarino: “É um espectáculo sobre rodas. Eu faço o espectáculo todo sobre patins. A patinagem artística é uma modalidade, uma fisicalidade que eu tenho no meu corpo desde que sou muito pequeno. Comecei a patinar com dez anos em Porto Alegre, que é a cidade onde eu nasci. Patinei durante nove anos profissionalmente e fui esse tipo de criança que não teve infância, que passou a vida inteira dedicado ao desporto. Durante a pandemia, eu resolvi voltar a patinar e comprei uns patins para sair de casa, pegar ar, voltar a exercitar-me, fazer alguma coisa que não fosse encerrado dentro de casa. Quando eu fiz esse regresso, esse tipo de movimentação, eu comecei a imaginar esse espectáculo. A coisa toda gira em torno de uma imagem da minha infância, que é uma memória. Eu, muito pequeno, com seis ou sete anos, tinha um cabelo comprido e ficava, como muitas crianças, fazendo penteados com champô. Fazia coques altos, fazia actrizes de novela, de cinema, fazia os cabelos da minha mãe e da minha irmã, sempre cabelos de personagens femininos, de mulheres. Eu já tinha a consciência de que aquele mundo se encerrava ali. Foi quando eu comecei a poder tomar banho sozinho. Era um lugar onde eu podia imaginar, onde a minha imaginação ia mais longe do que eu podia exercer na minha vida. Então, foi a partir dessa imagem que era produzida dentro do banheiro, esse jogo, essa brincadeira de criança que depois se desfazia com a janela aberta porque o vapor levava a existência daquele mundo. Quando eu saía do banho, eu já não podia mais ser, de certa forma, aquela criança. E eu resolvi fazer um espectáculo." Um regresso à infância e uma grande brincadeira em palco? "Um manifesto também. Lembrar que a criança pode imaginar tudo. Que tolos somos nós de pensar que elas estão restritas à nossa imaginação ou àquilo que a gente as permite imaginar, ou que a gente sonha que elas imaginem ou que a gente deseja que elas imaginem. Elas estão imaginando coisas incríveis. Um mundo em destruição elas são capazes de entender qualquer coisa, de vislumbrar qualquer mundo. Então, é uma espécie de manifesto: deixem as crianças imaginar o que elas quiserem, isso não faz diferença, pelo contrário, quanto mais a gente puder imaginar e não precisar realizar certas coisas, penso que pode ser melhor." Para recriar esse imaginário, recorre a vários objectos inesperados, nomeadamente os plásticos. Quer-me falar dessas escolhas? "Sim, foi uma escolha bastante prática. Quando você patina, por causa da velocidade que o corpo é capaz de criar, você produz vento. Então, desse sistema, dessa tecnologia que os patins produzem, eu fui pensando em coisas. Comecei a encher um saco desses de supermercado e fui brincando com ele, vendo. Olha, o ar entra, o ar fica por causa da velocidade dos patins eu sou capaz de inflar sacos muito grandes. Comecei a produzir esses infláveis, há um que tem 19 metros, outros de 15 metros de comprimento e três de largura. Eu faço esses grandes banhos de espuma, grandes banheiras, grandes nuvens, pensei naquilo que flutuava no ar, por motor. Comecei a trabalhar e a pesquisar formas com materiais plásticos e, aos poucos, fui vendo que patinar era também fazer desenhos coreográficos no chão. Eu fui vendo que também estava construindo uma história que se passava no rés-do-chão, muito próximo daquilo que a gente pisa. Vi umas imagens assim. Ao mesmo tempo que a gente faz história, a gente pisa na história. Eu comecei a dar a ver ao público tudo aquilo que passa pelo chão. Eu arrasto tudo o que está em volta de mim. No espectáculo, arrasto vasos de plantas, escadas, cadeiras, uma porta de um carro. E também o imaginário faz história no chão." Além dos todos os sons criados pelos objectos que arrasta, também tem música ao vivo. Como é que foi essa escolha e como correu o processo de criação musical? "O Ricardo Dias Gomes é um músico que eu conheço e este já é o nosso quarto trabalho juntos. Ele é muito especial, a gente brinca que temos uma mesma forma de se dispor dentro do palco, ele na música e eu no movimento. A gente comunica muito bem. Somos muito amorosos um com o outro nessa comunicação. E ele é muito sensível para absorver o som que os próprios materiais fazem e, a partir disso, construir a musicalidade, aquilo que que eleva o som da vida para a música, para a arte musical. Ele é um multi-instrumentista, é uma pessoa incrível." Música, dança, circo, teatro, patinagem artística, acrobacias… O Renato Linhares traz diferentes disciplinas das artes performativas para o palco. Porquê? "Eu sou actor, eu colaboro com a companhia portuguesa que produz o espectáculo, que é a Má-Criação, que é uma companhia que tem artistas multidisciplinares, que são artistas de várias áreas, e a Paula Diogo é a minha maior colaboradora. A gente já fez outros trabalhos juntos, a gente escreve, a gente dirige, colaboramos com o outro, a gente está sempre colocando a mão no trabalho do outro. Tem muito teatro também, conto histórias, brinco, converso, é também ligeiro." Em poucas linhas, qual foi o seu percurso até agora? "Eu sou um artista da cena. Eu gosto muito de pensar e de desenvolver trabalhos da performance como dançarino, como acrobata, como director [encenador]. Mas também escrevo. Todas essas áreas que envolvem o teatro e a dança são de igual importância para mim. Eu gosto é de estar na sala de ensaio. O Renato ama a sala de ensaio!"

A bailarina e coreógrafa brasileira Vânia Vaneau apresentou a peça “Nébula” no Festival Internacional de Teatro de Rua de Aurillac, em França, que decorreu de 20 a 23 de Agosto. “Nébula” sugere que a dança pode ser um “ritual de cura” contra a fatalidade climática, algures entre rituais animistas e pés assentes na terra.  É em plena floresta que um círculo de terra queimada serve de cenário para “Nébula”. A peça de Vânia Vaneau e da companhia Arrangement Provisoire inspira-se de uma paisagem pós-apocalíptica para imaginar “uma alternativa, outro tipo de tempo, de atenção e de sensibilidade". Num ritmo lento e contemplativo, a intérprete avança pelo espaço decorado de carvão, rochas vulcânicas e lentes reflectoras. Em conversa com a RFI, a coreógrafa contou que “a peça começou a ser pensada num momento de uma fatalidade climática” e perante “uma impressão de que já é tarde demais”. Porém, a dança pode ser um “ritual de cura” capaz de “inventar um futuro novo” através de uma “força mais feminina e de valores mais animistas” que respeitem a natureza. RFI: Que paisagem é esta que escolheu para fazer esta peça? Vânia Vaneau, Coreógrafa: “Esta peça vem-se inserir numa paisagem natural, num bosque. Aqui nós estamos num bosque e a versão exterior da peça - porque também tem uma versão para o palco, para o teatro - foi pensada para este tipo de espaço de floresta, de paisagens às vezes também vulcânicas porque a paisagem cenográfica da peça é uma paisagem carbonizada e queimada que começa com carvão, com pedras vulcânicas e, pouco a pouco, ela vai-se iluminando com materiais reflexivos, como espelhos, e logo com cores, com pedras preciosas, flores. Essa paisagem vai-se tornando vida, se reanimando pela actividade do corpo, que vai activando esse espaço e dando vida a forças e entidades um pouco invisíveis e que estariam sendo destruídas já. Então, é reconectar com o que está vivo.” Como é que surgiu a ideia de fazer a peça e até que ponto é também um alerta político para a necessidade de proteger a natureza? “A peça começou a ser pensada num momento de uma fatalidade climática, uma impressão de que já é tarde demais. Mas o que fazer depois? Depois desse fim? Se já há uma destruição da natureza, o que podemos imaginar depois? É uma peça que tenta projectar também um futuro possível, inventar um futuro novo através de uma força mais feminina, mais intuitiva, de valores mais animistas que consideram uma horizontalidade do humano com o que não é humano. Isso é totalmente oposto às formas de poderes e à mentalidade política que a gente vive já há muitos anos, muito masculina, consumista, com poderes muito autoritários e que estão principalmente preocupados em produzir, mesmo se for para destruir todas as fontes naturais que fazem da gente seres vivos como os outros.” É uma peça ecofeminista que também faz pensar no Brasil e nas tragédias ecológicas que o Brasil tem vindo a viver? “O começo da pesquisa foi justamente em 2019, quando teve fogos muito grandes na Amazónia, criminais, pela política de Bolsonaro. Então era uma resposta, buscar uma alternativa. Não vim criticar ou denunciar isso, mas propor uma alternativa, outro tipo de presença, outro tipo de qualidade de tempo, de atenção, de sensibilidade, que é realmente mais ligado ao feminino. E também porque eu sou uma mulher e eu estou actuando na peça, mas eu acho que além de homem e mulher, é mais essa fonte, potência feminina mesmo.” Há uma escrita coreográfica baseada em formas da natureza. Há uma atenção particular aos objectos e àquilo que está em palco, entre aspas, aqui na floresta. Como é que se prepara e se opera esse diálogo entre o humano e o não humano? “Para mim, é um diálogo mesmo. Os objectos, os materiais, são na maior parte orgânicos, mas também tem materiais que levam mais para esse lado mais futurista de olhar o futuro. Tem lentes, tem fornos solares, mas são objectos que levam a olhar para mais longe, para o espaço, para o cosmos. Para mim é um diálogo. Eu dou vida para os materiais, eles dão vida para mim e a gente está no mesmo nível. Eu, o espaço, a paisagem onde a gente se encontra e esses materiais e os elementos. Porque nesse caso, estando aqui fora, tem o vento, tem chuva, tem ruídos, tem folhas.” A peça talvez comece com um lado mais sombrio, mas não é sombria, pelo contrário, dá esperança? “Foi uma maneira de não ter medo de olhar para o escuro, de olhar através da catástrofe, olhar para a destruição e encontrar maneiras de curar. É quase como um ritual de cura. Essa peça tem essa possibilidade de cura, de recolocar os pedaços, de transformar o corpo, transformar a paisagem, a natureza. Então, acho que sim, que tem uma esperança.” O Brasil é o pulmão do planeta. O Festival de Aurillac quis mostrar o pulmão da criação brasileira. Como é que vê este festival e o facto de o Brasil trazer peças que apontam para essa urgência ecológica? “É a primeira vez que eu venho neste festival e estou muito feliz de fazer parte deste programa brasileiro porque eu desenvolvi o meu trabalho muito na Europa, mas eu sinto-me ligada ao Brasil e acho muito importante esse tipo de ponte, de intercâmbio. Eu acho que uma cultura tem muito para aprender da outra. Eu considero isto um encontro de culturas e fico muito feliz quando as duas se encontram ou aqui ou lá, mas que tem essas duas polaridades porque são realidades também de criação e realidades políticas muito diferentes, mas que actualmente se encontram com as mesmas dificuldades também. O perigo de a cultura de ter cada vez menos ajudas e valorização, no Brasil, já existe há muito tempo. Aqui também tem esse perigo e acho que uns têm que aprender dos outros, como resistir, como continuar criando, como inventar outras maneiras.” A Vânia Vaneau vive em França. Quer contar-nos um pouco do seu percurso? “Eu vivo na Europa desde os 17 anos. O meu trabalho sempre é influenciado, alimentado pelas minhas raízes brasileiras. Para mim, é uma maneira de me reconectar a essa fonte criativa que, para mim, se situa em boa parte no Brasil. Se eu aprendi e desenvolvi a minha linguagem na Europa, estive na Bélgica, estudei na P.A.R.T.S., trabalhei com companhias como Maguy Marin vários anos, Christian Rizzo. Criámos a companhia Arrangement Provisoire com Jordi Galí, que é um artista catalão, e a gente colabora também em outros projectos pedagógicos e de pesquisa.”

O coreógrafo e bailarino brasileiro Fábio Osório Monteiro apresenta a performance “Bola de Fogo” no Festival Internacional de Teatro de Rua de Aurillac, em França. Este é um espectáculo que junta dança, histórias e preparação ao vivo de uma iguaria culinária afro-baiana chamada acarajé, que o artista diz cozinhar com o “ingrediente da saudade”. Acarajé é também sinónimo de legado e resistência, uma “comida sagrada” e muito política. O Festival Internacional de Teatro de Rua de Aurillac, em França, que arrancou esta quarta-feira e decorre até sábado, tem no programa oficial vários artistas brasileiros no âmbito da temporada cultural França-Brasil. Neste programa vamos conhecer o coreógrafo, bailarino e baiana de acarajé Fábio Osório Monteiro que falou com a RFI depois de ter fritado acarajé para as dezenas de pessoas que assistiam à sua peça. RFI: O que é esta “Bola de Fogo” que fala sobre tanta coisa e que acaba numa panela? Fábio Osório Monteiro, Coreógrafo e bailarino: “Bola de Fogo é uma performance. Ela surgiu no momento em que eu, como artista, estava tendo dificuldade de me sustentar, de subsistência. Como estava começando a aprender a fazer acarajé, surgiu a oportunidade. Comecei a me aproximar desse alimento tão tradicional em Salvador, na minha cidade, que a gente vê em cada esquina. Eu cresci comendo isso, então foi muito forte, em determinado momento da minha vida, encontrar com esse alimento e tirar dele a minha subsistência, o o que acabou gerando “Bola de Fogo” que é esta performance. Falo sobre os meus afectos, memórias, relações familiares, muita história relacionada ao meu pai, a minha mãe, muito questões políticas também, como filosofia e pensamento de progressista para o mundo. Então, é um trabalho em que eu vou passeando por desejos meus pessoais e desejos meu para o mundo, através do alimento que é o acarajé, que é uma comida sagrada, uma comida de Orixá, para quem é do candomblé. Sem dúvida, foi dos trabalhos que mais me tocam pessoalmente.” Cozinhar é político? “Muito, porque a gente entende a comida não só como uma coisa que vai nutrir. A comida alimenta, a comida vai nutrir as suas células, mas tem também uma carga simbólica, política e afectiva que vai-te nutrir de outras coisas. Vai-te nutrir de outras referências, de outras emoções. Isso também te alimenta. O acarajé, que é a comida que eu levo para a vida e que eu faço em Bola de Fogo, eu acredito que ao fazer uma peça sobre o acarajé e, no final, poder servir as pessoas para comerem acarajé, dá para entender como o sabor do dendê pode ser tão político e afectivo, para além de nutritivo.” Também dá sustento ao corpo. O corpo que é um tema omnipresente ao longo da peça, quer naquilo que diz, quer na forma como dança e como se apropria do espaço público… “Ele dá um sustento para o corpo e em especial, falando do acarajé, para o corpo preto, para o corpo da pessoa negra, essas mulheres que iam para a rua vender no início do século XIX, para ter dinheiro para comprar liberdade, alforria, de um marido, de um filho, de um irmão. É uma comida que está literalmente implicada no corpo. O fazer da baiana do acarajé está implicado no corpo dela. Então, ao levar esse trabalho com uma ideia de performatividade, é um corpo público. Eu estou ali em cena, mas acho que o meu corpo, ele traz-me, de alguma forma, a representação de muitos outros corpos, outras pessoas negras, outros brasileiros, outros nordestinos. Eu arrisco dizer que o corpo em bola de fogo, o meu corpo e o acarajé, é um corpo plural.” Também fala da conversa que teve com o seu pai sobre a sexualidade. E mais uma vez, estamos nas questões do corpo e da liberdade ou falta dela. “Ou falta dela. É sempre difícil porque a minha relação com o meu pai sempre foi muito maravilhosa, com essa questão, com esse ruído entre a gente. Esse reencontro que a gente teve, que a gente voltou a se aproximar, também é através de bola de fogo, deste espectáculo, desta performance. Ao levar essa comida para a rua e principalmente ao chegar junto, porque vender acarajé também ajudou em casa, financeiramente. Então, acho que ele começa a perceber que este corpo desse filho dele que é gay, que é uma pessoa negra, que uma pessoa gay, é um corpo político, é um corpo colectivo no sentido de estarmos juntos, eu e ele. O acarajé, a comida, serviu para reaproximar. Eu fico dizendo que o acarajé trouxe um ingrediente na nossa vida, na minha e do meu pai que era a saudade. Isso mudou tudo. Realmente o acarajé salvou a minha relação com meu pai.” Começa o espectáculo dizendo que, além de todas as coisas, é artista. O facto de vender acarajé remete para a precariedade dos artistas? “Com certeza! Só o facto de ter escolhido ou optado em algum momento vender acarajé, eu sendo um artista há mais de 20 anos e ainda assim não conseguir ter uma segurança e uma estabilidade financeira e escolher vender acarajé, isso é um acto político. Isso por si só é um acto político. Eu falo isso. O trabalho também permeia sobre essas questões. Esse corpo que está ali é um corpo de um artista há mais de 20 anos e que desde 2017 precisou de se tornar também uma baiana de acarajé por conta da precariedade do trabalho e a precariedade que a gente vê também no próprio ofício de baiana de acarajé. É um viés que a gente consegue, por exemplo, para conversar sobre a sustentabilidade do artista, mas também a sustentabilidade das pessoas negras, das pessoas autónomas, das pessoas que vão para a rua vender comida, que não sabem se não vão vender nada ou se vai vão vender tudo. É muito difícil, de alguma forma, mas é muito próxima essa relação entre o ofício da baiana e o meio enquanto artista.” É muito diferente actuar num espaço público, na rua, e dentro de sala? Chega a mais pessoas? “Eu acho que chega a mais pessoas. Primeiro porque a rua é o espaço do mundo. Na rua é onde tudo acontece. Eu vi isso no discurso da ColetivA Ocupação, na abertura do festival, que a rua é o lugar onde acontece a prática. A teoria é da porta para dentro, a prática é da porta para fora. A prática está na rua. Rua é onde a gente vive. Então, fazer uma festa na rua é você estar aberto a tudo mesmo, a tudo de bom, a tudo de ruim. Você está ali, expondo o seu corpo e conversando e necessariamente tendo que dialogar com isso. É muito incrível você estar na rua. Tem gente que já chega muito antes e está ali esperando. Tem gente que chega na hora, tem gente que está passando e fica. Tem gente que só passa e é da natureza. É muito incrível. Fazer isso aqui na Europa, eu estava numa expectativa muito grande de entender como é que seria isso.” Simbolicamente no Festival Internacional de Teatro de Rua… “Aurillac é um festival enorme.Quando tive a oportunidade de convite para fazer e fui buscar imagens, vi esse mar de gente que ia assistindo a cada apresentação. Vi o tamanho e a força do festival e o quanto isso poderia reverberar não só no público, mas em mim. Assim, chegar numa praça aqui na cidade de Aurillac, na França, e encontrá-la cheia de gente para ver a minha performance, assim como tem outras praças cheias de gente para ver outros artistas, isso é lindo. Isso é muito potente.” Por que é que tem linguagem gestual também no espectáculo? “Foi um grande acaso, mas foi uma coisa que eu não deixei mais de ter. Virou interesse mesmo de pesquisa artística, dramatúrgica. Já tinha estreado Bola de Fogo em 2017 e em 2018 a gente teve um convite para fazer um festival lá em Salvador chamado FIAC. Nesse festival eles ofereceram um programa de mediação. ‘Vocês podem receber um intérprete de libras', que é Língua Brasileira de Sinais, a linguagem gestual. Primeiro eu fiquei com vergonha porque me senti uma pessoa capacitista. Eu nunca tinha pensado nisso! Como assim? Tem pessoas surdas, pessoas cegas que precisam fruir de arte, claro! Vamos lá. Então, por favor, pede que seja uma mulher que seja negra e que venha vestida de branco. E aí veio Cíntia Santos que, desde então, faz essa performance comigo e que virou interesse mesmo dramatúrgico, entender como a libras está presente não só como uma tradução para quem não consegue ouvir, mas também como elemento dramatúrgico. Como é que ela, fazendo a linguagem gestual, aquilo ali também, por exemplo, vira dança?” Para terminar, quer falar-nos um pouco do seu percurso? “Nas artes eu comecei a fazer teatro na escola e eu acho que eu só virei artista porque eu não parei de fazer aquilo que eu fazia brincando. Então, de começo é isso. Comecei pelo teatro, fui-me aproximando da dança, por isso é que hoje eu tenho uma produção e uma relação muito forte com a criação e artistas. Eu sou um artista da dança também, da performance. Por conta disso e do interesse, por exemplo, sobre o tema de sustentabilidade do artista, o meu mestrado é em Políticas Públicas para a Cultura, eu sou um especialista, um mestre em política pública da vida do artista relacionada com a criação. E, nas artes, eu sou actor, sou director [encenador], sou performer, dançarino, produtor, sou baiana de acarajé. O facto de eu ser isso tudo diz muito sobre a precariedade, sobre a dificuldade que é ser artista, que não dá para se ser só uma coisa, você tem que fazer muito. Você tem que se especializar em muitas funções para conseguir, talvez, viver do seu trabalho.”

CDMX es sede del Festival Internacional de Cine de Horror MacabroProfepa denuncia tala ilegal en Reserva de la Biosfera de la Mariposa MonarcaAlcaldesa de Boston defiende a migrantes de los ataques de Trump 

El programa comienza con la compositora española Alba Sánchez Torremocha, creadora de la banda sonora de 'Los futbolísimos 2'. Su trabajo se suma a una franquicia muy querida por el público joven, aportando una identidad musical renovada que acompaña la energía y el humor característicos de la saga que dirige Miguel Ángel Lamata.Desde Málaga viajamos al Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, donde se estrena 'Los hermanos', de Terencio, bajo la dirección de Chiqui Carabante. La obra, protagonizada por Pepón Nieto, plantea con humor el eterno debate sobre los modelos educativos: una crianza severa y rígida frente a otra más abierta y liberal. A través de los personajes interpretados por Cristina Medina y Eva Isanta, la comedia contrapone estilos de vida y concepciones sociales que aún hoy siguen vigentes. La cobertura la ofrece Julio Noriega.El Museo de América, dependiente del Ministerio de Cultura, avanza en la renovación de sus exposiciones con un enfoque más actual y participativo. Una de sus nuevas muestras se centra en un objeto cotidiano cargado de simbolismo e historia, poniendo de relieve cómo la museografía puede actualizar la mirada hacia piezas que parecían relegadas al pasado. Lo cuenta Ángela Núñez.En Barcelona, el Museo del Diseño dedica una amplia exposición a Miguel Milá, referente del diseño barcelonés y figura clave en su modernización. La muestra reúne 200 piezas entre prototipos, planos y obras recientes, ofreciendo un recorrido de más de 70 años de trayectoria creativa. La información llega de la mano de Agnes Batlle.La música clásica cierra el programa de la mano de Martin Llade con una adaptación de 'Romeo y Julieta' de Sergei Prokofiev. Cristina Cordero (viola) y Juan Barahona (piano) presentan una lectura personal estrenada en el Palau de la Música Catalana y ahora publicada en disco por el sello Pirastro. Con ilustraciones de Emma de la Fuente y la narración a cargo de los propios intérpretes, la obra conecta tanto con la tragedia de Shakespeare como con la versión anterior de Luigi da Porto. Una propuesta que une interpretación musical, relato y tradición literaria en un mismo proyecto.Escuchar audio

Ana Mateu habla con Jesús Cimarro, director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

Carmina Solares es campeona de Excel Spreadsheets, un talento inusual captado en un documental que la trajo de Guatemala a Australia para el Festival Internacional de Cine de Melbourne (MIFF).

El regreso de los bonos de bienvenida dispara el número de enganchados a las apuestas online.Eduardo Viñuales explora las características de las truchas y otros peces con la ayuda del pescador Adrián Satué. Hablamos de la situación de los cines de los pueblos que todavía sobreviven y de la programación de cine a la fresca de la Comarca de Sobrarbe.  Descubrimos los detalles del V Festival de música clásica de Cabra de Mora y los más de 4.000 cortometrajes que competirán en el Festival Internacional de Cine de Mequinenza.

Leticia Vaquero y Ayanta Barilli entrevistan a Jesús Zimarro, director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

Marko Montana nos habla del Festival Internacional de Cine de Almagro en "No es un día cualquiera".Escuchar audio

En 2021, després d'onze anys d'existència, el FILAF, el Festival Internacional del Llibre d'Art i del Film s'ha aturat. Des de fa poc, dues emanacions d'aquest projecte van néixer en l'àmbit literari: KAZAAA i Les éditions kilogrammes.Vam conversar amb Sébastien Planas, el creador i president del festival sobre l'aventura que va ser el FILAF, aquest esdeveniment cultural prestigiós que tenia lloc al centre ciutat de Perpinyà.També vam parlar del seu vincle amb l'escriptura i la literatura, i del seu nou editorial, Les éditions kilogrammes, creat a l'inici únicament per Instagram (és a dir 100% gratuït i digital) amb la col·lecció 2K2 (2.200 signes). D'això en va sorgir una versió paper escrita de pròpia mà pels autors. Dos conceptes antagonistes. Les altres col·leccions són una continuació dels textos publicats sobre Instagram i es presenten també segons la quantitat de signes del text: 22.000 signes (22K) i 220.000 signes (220K). L'ambició de l'editorial és de publicar textos de molt bon nivell escrits per gent coneguda, però també per gent vinent de tots els horitzons per tal de barrejar i trencar les capelles habituals de la literatura.  Sempre en l'àmbit literari, el projecte de residència d'artista que té un lligam estret amb Catalunya Sud, KAZAAA. L'objectiu és crear un pont entre l'escena literària catalana i l'escena literària francesa que, avui dia, no es coneixen, unint així els dos àmbits.A més de tot això, hem parlat de la seva relació amb el català, amb Perpinyà, Sant Jaume, amb l'escriptor Salvador Dalí, amb David Lynch...

Cowboys del infierno es el nuevo libro de Antonio Pampliega. El periodista fue secuestrado por Al Qaeda en Siria hace diez años. Su cautiverio de 299 días y sus heridas tras el secuestro son algunos de los aspectos que trata en su nueva novela. Hablamos con el periodista sobre su más reciente trabajo. El terremoto registrado en la península rusa Kamchatka, ha dejado alertas de tsunami en varias zonas del océano Pacífico. La noticia ha sido seguida de cerca por un grupo de ciudadanos que están viajando por los fiordos de Alaska abordo del crucero Silver Moon. Saludamos a Xavier Pons, director comercial de la agencia de viajes Viatget Magon. El director de cine Christopher Nolan está rodando su nueva película, 'La Odisea' en Dajla, en el Sáhara Occidental. Varias organizaciones pro derechos humanos han denunciado la utilización de un territorio ocupado como escenario cinematográfico. Una de estas organizaciones es el Festival Internacional de Cine del Sáhara Occidental, el FiSáhara. Hablamos con la directora ejecutiva del Festival Fisahara. 

Ell, director artístic del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges, ella directora de la Fundació del Festival, i junts els dos capitans del gran vaixell que representa el Festival de Sitges i que enguany celebra 58 anys amb la il·lusió intacte. Més enllà de la dificultat de l'espai generada per la manca del Retiro (encara en obres) i el fet que la petició que fan cada any de demanar un auditori de moment no arriba el Festival avança amb èxit gràcies principalment a una programació amb criteri que no passa exclusivament pel gust dels directors sinó per entendre i pensar en el públic del Festival, un públic que respon comprant entrades i generant una demanda a hores d'ara inassumible al 100% i precisament és aquesta la gran frustració dels directors, deixar gent sense entrades. La part burocràtica i econòmica també pesa i més encara quan la subvenció pública amb prou feines supera el 40%, la cerca de patrocinis costa en l'àmbit cultural. Aquesta és la conversa amb els dos capitans del Festival de Cinema de Sitges, Àngel Sala i Mònica Garcia L'entrada Nova edició sense El Retiro i amb desig d’auditori. El 58è Festival de Cinema de Sitges arribarà amb la il·lusió intacte i amb una programació que és clau de l’èxit i inspiració en el sector. En parlem amb els directors, Àngel Sala i Mònica Garcia ha aparegut primer a Radio Maricel.

Nuria Richart repasa canciones que fueron éxitos pero que actualmente estarían vetadas. No es un buen verano para Pedro Sánchez. No sólo le costará salir al paseo marítimo a tomarse un helado, desde hace meses los ciudadanos le esperan con una buena dosis de abucheos, si no que una de sus aficiones más conocidas, la música en directo, ha pasado a ser de riesgo. Nada más llegar al gobierno fue muy sonado el uso privado que hizo del Falcon para irse al FIB, el Festival Internacional de Benicasim. En aquella ocasión Moncloa dijo que era "por interés general del país". El 4 de julio en Llanera (Asturias) Víctor de Andrés, el guitarra del grupo de folk-metal Mägo de Oz, en un momento del concierto cogió el micrófono y dijo: "¡Pedro Sánchez, hijo de puta!", "¡Sánchez, me cago en tus muertos, gilipollas!". Y añadía, en alusión a la trama de Koldo, Ábalos y Cerdán: "Os voy a decir una cosa para que esto no se repita jamás en la historia: me da igual que gobierne quien gobierne, dejad de robarnos sobre todo la cocaína y las putas". El público le siguió con cánticos contra el Presidente del Gobierno. No es la primera vez que en un concierto o evento el público se corea algo parecido. Ocurrió lo mismo, por ejemplo, en la actuación que el dj Juan Magán ofreció en Arganda del Rey hace pocas semanas. Interrumpió el espectáculo y con una sonrisa dijo: "Es que yo no puedo decir estas cosas, pero…", y extendió el micro a los asistentes.El PSOE cancela a Mägo de Oz en Villagarcía de Arosa por meterse con Pedro Sánchez en otro conciertoNuria Richart Pues la primera reacción del PSOE se ha producido en la localidad pontevedresa de Villagarcía de Arosa, donde se ha cancelado la actuación que Mägo tenía previsto ofrecer el 19 de agosto en las fiestas locales de San Roque. El ayuntamiento, gobernado por el socialista Alberto Varela, ha argumentado que lo que hicieron en Llanera son "frivolizaciones" sobre las drogas y la prostitución. Parece que les escandaliza más lo que se opina desde un escenario que lo que hacen sus propios compañeros de partido. Podemos Galicia, que no tiene representación municipal, apoyó al PSOE diciendo que: "frases como "deixade de roubarnos a cocaína e as putas" non son só de mal gusto: son machistas, groseiras e violentas". En su lugar actuarán Los Toreros Muertos, banda liderada por Pablo Carbonell. ¿Sabrá el PSOE que este grupo tiene un tema que se llama "Falangista"?Canciones de putas, palizas y homosexuales Hubo días en España en los que nos escandalizábamos menos y bailábamos una banda sonora que bien podríamos dedicar hoy a Ábalos, a los fiesteros socialistas de los paradores a los que no oyó Pilar Alegría o a la familia Sánchez-Gómez y sus negocios de saunas gais. En la sección No te Equiwokes de La Trinchera de Llamas hemos seleccionado sólo algunos ejemplos de temas sobre pingos verbeneros, homosexuales y agresiones sin censura, para provocar a los neoconservadores progres: Loquillo y su "Himno de prostitutas" (1985). "Cuanta puta y yo qué viejo" de Siniestro Total. Una letra sin complejos: "Papaíto entra. ¿qué me haces rockero? / Las niñas bonitas cobran mucho más dinero / Mujeres desnudas con hombres desnudos / ¿Qué es lo que hacen cuando están todos juntos? / Cuánta puta y yo qué viejo". "Me gusta ser una zorra" de Vulpes. En el año 1983 la interpretaron en el programa de TVE Caja de ritmos, dirigido por Carlos Tena, que se emitía en horario infantil. El Fiscal general del Estado, Luis Burón, presentó una querella por escándalo público y al final Tena dimitió. La magnífica "Miss Carrusel" de Nacho Vegas (2001) de su disco "Actos Inexplicables". "Una canción para la Magdalena" de Joaquín Sabina (1999). "Geishas en Madrid" de Ariel Rot (2000). "Me llaman calle" de Manu Chao (2007). "Buena chica" de Los secretos. (1991). Canción dedicada a Luisa Martínez, drogadicta y amiga personal de Enrique Urquijo. La archiconocida "Roxane" de The Police (1978). Un hombre se enamora de una prostituta y le pide que abandone esa vida. En la sección hemos aprovechado para recomendar otras canciones para desintoxicarse del wokismo: "La ramona pechugona" de Fernando Esteso. Canción del año 1976. En tiempos de delitos de odio por gordofobia escuchar esto de: "La Ramona es barrigona su cuerpo da miedo verlo / La Ramona es pechugona tié dos cantaros por pechos / Los brazos de la Ramona son mas anchos que mi cuerpo / Le han hecho un retrato en casa del retratero, como era tan gorda solo ha salío medio cuerpo", es bastante fuerte. "Sí, sí" de Los Ronaldos. En el año 1987 Coque Malla cantaba: "Estas haciendo mal al dejarme pasar / estas haciendo mal y no se lo que va a pasar. / Tendría que besarte, desnudarte, "pegarte" y luego "violarte" / hasta que digas sí. / Mírame el ojo derecho niña y dime que ves en el / seguro que hay ansia y fuego muchas pagarían por el". "La mataré" de Loquillo y los Trogloditas. "La cintura morena que me volvió loco / llevo un velo de sangre en la mirada / y un deseo en el alma / que jamás la encuentre / Sólo quiero que una vez/ algo la haga conmover / Que no la encuentre jamás / o sé que la mataré / Por favor sólo quiero matarla / A punta de navaja/ Besándola una vez más". "Uma Thurman me toca la banana" de los Petersellers. Escena de placer en soledad: "Me paso las horas tratando de encontrar / una mano amiga que me ayuda a caminar / el mando está caliente y mi mano se resiente / el volumen bajo mientras oigo a Supertramp / Uma Thurman me toca la banana, ¡hey! Uma Thurman me toca la banana". Siniestro Total tiene muchas antiwoke, sin que existiera todavía esta palabra: "Más vale ser punkie que maricón de playa", "Ayatollah!" (no me toques la pirola) o "¿Qué tal homosexual?". ¿Cuántos padres siguen poniendo a sus hijos "Así planchaba" de los Payasos de la Tele? En YouTube es más fácil encontrar la que se ha hecho ahora con la versión en masculino. Mägo de Oz ha tenido que sacar un comunicado en el que dice: "No aceptamos chantajes ni lecciones de moralidad". Nada más que añadir.

Hoy desde el Festival Internacional de Cine Curtas Vila de Conde, en Portugal. Con su director, Miguel Dias. Y con Gala Hernández López, que ha participado en la Competición Internacional con su último trabajo: +10K.Escuchar audio

Abrimos el programa con la música en directo de Santiago Motorizado. Escuchamos 'La revolución', uno de los temas de su nuevo disco 'El retorno'. Diez canciones que giran en torno a una idea: qué hacer en un mundo que parece descomponerse. Para él, la única salvación posible es el amor. Ese es su motor y su revolución, una respuesta íntima, sensible y poderosa ante el presente.Continuamos con ciencia e historia junto a Miguel Ángel Delgado, quien nos acerca al libro '1493' de Charles C. Mann, editado por Capitán Swing. Este ensayo plantea una visión global de los siglos posteriores al viaje de Cristóbal Colón, analizando cómo los intercambios biológicos, culturales y comerciales iniciaron un nuevo orden mundial. Un enfoque claro y fundamentado sobre cómo un hecho aparentemente localizado puede alterar ecosistemas enteros.En el apartado literario, Susana Santaolalla nos descubre una obra singular: 'La piedra blanda', firmada por el cineasta Rodrigo Cortés y el grabador Tomás Hijo. Una pieza que es tanto libro como objeto, una propuesta artesanal y simbólica. Tallado íntegramente en linóleo, cada ejemplar ha sido impreso de manera manual, convirtiendo el acto de lectura en una experiencia táctil y visual.Por último, Jordi Barcia repasa la programación oficial del Festival Internacional de Cine de Venecia 2025. En su 82.ª edición, el certamen se celebrará entre el 27 de agosto y el 6 de septiembre en el Lido. Analizamos los títulos seleccionados, los nombres más destacados y las apuestas más esperadas del evento.Escuchar audio

Javier Espada, director del Festival Internacional de Cine Buñuel-Calanda, nos habla de los detalles y la programación de la edición de este año, que es la número 20 y coincide con el 125 aniversario del nacimiento de Buñuel en Calanda. Escuchar audio

José Luis Garci, Andrés Aberasturi, Emilio Oliete y Pedro Piqueras, en directo desde Calanda, nos hablan del festival y del cineasta Luis Buñuel. Escuchar audio

El actor Vladimir Cruz, nos habla de su trayectoria en el cine, como "Fresas y chocolate" o "Siete días en la Habana", y de su participación en el Festival Internacional de Cine Buñuel-Calanda.Escuchar audio

Rubén Amón y todo el equipo han trasladado La Cultureta Gran Reserva hasta Almagro (Ciudad Real) para rendir homenaje al teatro clásico y reflexionar sobre la vigencia del mismo en la actualidad.

Rubén Amón y todo el equipo han trasladado La Cultureta Gran Reserva hasta Almagro (Ciudad Real) para rendir homenaje al teatro clásico y reflexionar sobre la vigencia del mismo en la actualidad.

La actriz Ángela Molina, desde el Festival Internacional de Cine Buñuel, repasa su trayectoria junto a Pepa Fernández. La actriz protagoniza el cartel de esta edición aniversario, ya que fue quien interpretó el papel principal en la última película del genio de Calanda, Luis Buñuel: Ese oscuro objeto del deseo (1977).Escuchar audio

Calanda, cuna del cineasta Luis Buñuel, celebra la XX edición del Festival Internacional de Cine. Hablamos con Carmen Molina, que vive un merecido homenaje. Fue la protagonista de la última película de Buñuel, "Ese oscuro objeto del deseo", y este año su rostro ilustra el cartel del festival.

¿Qué ocurre cuando los temores cotidianos se convierten en materia narrativa? El escritor y cineasta Luis López Carrasco propone una respuesta en 'Europa', su nuevo libro de relatos, publicado por Anagrama. Desde la extrañeza y la distorsión del mundo contemporáneo, los textos se sitúan entre la verosimilitud y la irrealidad, en un entorno de angustia latente que resuena con el presente.El primer relato, 'Papá está estropeado', da el tono al conjunto: un adolescente narra con naturalidad cómo su padre deja de funcionar de un momento a otro, como si se tratase de un electrodoméstico, y decide llamar al servicio técnico. La escena, perturbadora y cotidiana a partes iguales, adelanta una serie de cuentos que construyen un continente emocional, político y cultural en crisis. Este nuevo libro llega tras la publicación de 'El desierto blanco' (Premio Herralde de Novela en 2023) y del impacto cinematográfico de 'El año del descubrimiento', galardonada en los Premios Goya 2021.El programa también recoge el paso de 'La Celestina' por el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, en versión de ficción sonora de RNE. Daniel Galindo estuvo en el Corral de Comedias para grabar esta propuesta sonora con la participación de Elena Rivera y Pablo Béjar, quienes interpretan a Melibea y Calisto en esta adaptación del clásico de Fernando de Rojas.Y para cerrar, el espacio musical de Martín Llade, que propone su habitual selección de piezas de música clásica para terminar el programa en clave sonora y melódica.Escuchar audio

A la Quinta va la vencida. MiniPisto. Tiempo y Clima. Post-tecnocracia. Entrevista: Jesús Cimarro, Director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.Escuchar audio

Hablamos con el actor Arturo Querejeta desde el 71 Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida sobre su trayectoria en el mundo de la interpretación. Escuchar audio

Desde el 71 Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, por lo que Pepa conversa con Andrés Aberaturi, Pilar Varela y Andrés Lara sobre los temas del teatro clásico.Escuchar audio

Jorge Eliecer Cárdenas, secretario de cultura, turismo y patrimonio de Sogamoso, estuvo en 6AM para hablar del Festival Internacional del Sol y del Acero, en Sogamoso.