Fashion Consort News Bytes, edición en español

Por definición, la moda es el estilo o los estilos que lleva la mayoría de la población en un momento dado. En otras palabras, lo que la mayoría de la gente viste en este momento, ya sea un color, un estampado, un corte o una silueta en particular, está "de moda". De esta manera, al revés de lo que se dice de la moda, ésta consiste más en encajar que en destacar. Enfatiza la identidad de grupo, haciendo destacar a aquellos grupos que tienen más poder o importancia social en el momento. La moda subraya y exterioriza el espíritu cultural del momento. Y al reconocer lo que está "de moda", las empresas pueden atraer mejor a su público y obtener ganancias. Parece, de esta manera, que las empresas de moda deberían ser simplemente observadoras del presente para garantizar su viabilidad permanente. Sin embargo, no es tan sencillo en una industria en la que es necesario definir lo que se va a producir dos años antes de que llegue el producto. Esto requiere que las empresas se adelanten constantemente a las posibles tendencias sociales para poder ofrecer estilos adecuados. Los expertos en análisis de tendencias ayudan a facilitar este proceso, y se han vuelto muy sofisticados en la extracción de datos para hacerlo, aunque siguen siendo víctimas de las pandemias mundiales de salud y de la madre naturaleza. Pero hay otra herramienta interesante en juego, y es el papel de la mercadotecnia a la hora de vender una tendencia en particular. Comienza en el espacio de negocio a negocio, o business to business, en donde las fábricas venden a las marcas las telas y materiales que determinan que estarán "de moda", las marcas entonces venden a los compradores minoristas las prendas confeccionadas con esas telas en las ferias o en las pasarelas, y luego los minoristas venden a los clientes esos mismos looks. En resumen, es la industria de la moda, en general, la que vende a la sociedad lo que estará "de moda".  Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Las marcas de lujo se ven cada vez más presionadas para ampliar su mercado más allá de su base de clientes tradicional, sobre todo a los consumidores más jóvenes. Muchas marcas de lujo recurren a las redes sociales como una herramienta para lograr este objetivo. Sin embargo, las redes sociales, por su propia naturaleza, no son exclusivas y se caracterizan por su atractivo masivo, su accesibilidad y su disponibilidad general. De acuerdo con Schanel Bakkouche, fundadora de SFB Creative y editora y estilista de Vogue Publications, "las redes sociales contradicen el propio concepto de lujo". Entonces, ¿cómo pueden las marcas de lujo evitar alienar a su cliente principal, a pesar de la falta de exclusividad existente en las redes sociales y, lo que es más importante, de la regularidad necesaria de distribución de contenidos digitales? De acuerdo con Scahnel, la clave está en entender que, aunque las marcas de lujo sean conocidas y activas en las redes sociales, esto no significa necesariamente que estos seguidores sean dueños de algún producto de la marca. Ella afirma que: "Esta exclusividad de la propiedad ayuda a las marcas de lujo a mantener su estatus. Esencialmente, estas marcas son conocidas por todos, pero paradójicamente, consumidas por unos pocos". Sin embargo, ella comparte también que "esto no significa que las marcas puedan descansar únicamente en esta accesibilidad del producto",  por lo que ofrece algunas estrategias que las marcas de lujo deben tener en cuenta. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Del mismo modo que los tentempiés o snacks de comida nos proporcionan una gratificación instantánea que se extiende más allá del momento, tal es el caso de los snacks de contenido en comparación con el marketing tradicional. Schanel Bakkouche, fundadora de SFB Creative, editora y estilista de Vogue Publications señala a Twitter como el ejemplo perfecto de "content snacking", reforzado por su límite de caracteres. Ella dice que "Twitter nos ha salvado de divagar en lo que expresamos tan frecuentemente en Internet y ha creado una herramienta relevante para conectar repetidamente con los demás". Además, gracias a los algoritmos incorporados, Twitter es capaz de recopilar fácilmente grandes volúmenes de información y posteriormente transmitirlos estratégicamente a los clientes. Es este proceso el que las marcas de moda de lujo pueden recrear en otras plataformas como contrapeso a las típicas campañas de marketing que se basan en narraciones de formato largo. Al respecto, Schanel afirma que: "Debido a que vivimos en una época en donde la visibilidad es lo más importante, y la competencia en el sector del lujo es cada vez mayor, esto obliga a las marcas a encontrar nuevas formas de desarrollar conciencia de marca, también conocida como awareness de marca, de forma creativa". Además explica que: "El contenido en bocados, o content snacking, es una forma diferente de comunicación y debería formar parte de la estrategia de una marca de lujo para llegar a su público". Al igual que en el mercado de masas, las marcas de lujo deben formar parte de la conversación actual o corren el riesgo de quedarse obsoletas rápidamente.  Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Cada mes, en NewsBytes, presentamos una marca de moda que aborda el negocio de forma diferente e innovadora, o que opera fuera de los principales sistemas y capitales de la moda. Esta marca es seleccionada por nuestra colaboradora, Sass Brown, quien es experta en moda ética, sostenibilidad y artesanía. Sass solía ser la decana de Arte y Diseño del Fashion Institute of Technology y es la decana fundadora del Dubai Institute of Design and Innovation. En esta ocasión, Sass eligió al Proyecto IOU, que tiene su sede en Madrid, España, y fue fundado por Kevita Parmar. Kevita trabaja principalmente con tejido madrás de algodón hilado a mano procedente de la India, conocido por sus distintivos cuadros, que suelen ser muy coloridos, específicos y únicos de cada tejedor. Sass Brown explica que "Kevita trabaja con algodón cultivado localmente en esa región, el cual luego se teje a mano, una tela que literalmente no tiene ninguna huella de carbono. Además, ella realmente honra a los fabricantes, ya sea el creador de la prenda o el tejedor de la tela, como un componente realmente vital de la cadena de valor de la prenda. Y en igualdad de posición como el diseñador o el cliente". Sass subraya que "es un programa o empresa muy plana y democrática, no jerárquica, en la que los diseñadores están en la cima y los fabricantes abajo". Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

A primera vista, las colaboraciones en el ámbito de la moda pueden parecer una forma emocionante para generar nuevos negocios e incrementar las ventas. Tanto si la colaboración es relativamente obvia, como Gucci y Adidas, como si es algo más sorprendente, como Crocs y Balenciaga o Alexander McQueen y Target, no cabe duda de que crean interés, normalmente en términos de generación de nuevos clientes. Y está relativamente claro que, en lo que respecta a las marcas de lujo que colaboran con marcas más masivas, el objetivo es conectar con el cliente aspiracional. Si se profundiza un poco más, la eficacia de estas colaboraciones y su capacidad de captar realmente nuevos clientes y aumentar las ventas es, en el mejor de los casos, dudosa, especialmente para la marca de lujo. No es como que el típico cliente de Target de repente compre en una boutique de McQueen y pague miles de dólares más por un artículo que en Target costaba menos de 100 dólares. De hecho, para muchas marcas, estas colaboraciones de alto nivel suelen elevar un los estándares a un nivel que no se puede recrear fácilmente o de manera constante, lo que obliga a las marcas de lujo a perseguir su negocio, lo que no es el modus operandi de las marcas de lujo y su búsqueda de la exclusividad. De hecho, generalmente estas colaboraciones son una señal de que no todo va bien con una marca, y que, sin contar con la afinidad o el éxito de otra marca más accesible, no están llegando a sus números. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

El marketing de contenidos es una palabra de moda en el mundo de la mercadotecnia, con las redes sociales como base, y cada vez es más se está haciendo importante en el ámbito de la moda de lujo, conforme las marcas compiten por nuevos clientes en un mercado global. En el pasado, las empresas de moda de lujo se centraban por completo en su cliente clave, que representaba una pequeña porción del mercado. Pero hoy, para ser relevantes, también deben formar parte de la conversación cultural más amplia.  Entonces, ¿qué es el marketing de contenidos? Según la experta en marketing en redes sociales Schanel Bakkouche, el marketing de contenidos es principalmente para la eficacia del cliente, un medio de conectar con los clientes actuales y potenciales, a través de una voz de marca única. Ella afirma que "se trata de entretenimiento e información". Y señala que "el marketing de contenidos no es un canal en sí mismo, sino una parte dentro de una conversación más amplia a través de varios canales". Esto puede incluir el propio sitio web o las tiendas físicas de una marca, pero también incluye plataformas externas como Instagram, Tik Tok y Pinterest que ofrecen opciones orgánicas y de pago.  Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Cada mes, en NewsBytes, presentamos una marca de moda que aborda el negocio de forma diferente e innovadora, o que opera fuera de los principales sistemas y capitales de la moda. Esta marca es seleccionada por nuestra colaboradora, Sass Brown, quien es experta en moda ética, sostenibilidad y artesanía. Sass solía ser la decana de Arte y Diseño del Fashion Institute of Technology y es la decana fundadora del Dubai Institute of Design and Innovation. En esta ocasión, Sass eligió a Elvis and Kresse, una empresa con sede en el Reino Unido que empezó reutilizando mangueras de incendio como material principal. En palabras de Sass Brown, "las mangueras contra incendios son un recurso muy particular. Se dejan de usar muy pronto por cuestiones de salud y seguridad, pero en general son muy resistentes". Según explica, estas mangueras de bomberos se cosen para crear una amplia línea de accesorios, que incluye bolsos, pequeñas carteras y grandes bolsas de fin de semana. Sass describe la colección como "elegante y hermosa; tienen esta fantástica especie de pátina, como una capa de óxido de color verdoso, así como un desgaste especial por el uso, que se suma a la historia". Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Si le preguntas a un consumidor promedio qué es la moda de lujo, probablemente responderá con marcas conocidas como Gucci, Yves St. Laurent y Louis Vuitton. Pero, ¿realmente qué hace que estas marcas sean de lujo? Bueno, esa pregunta es un poco más difícil de responder y suscita un abanico más amplio de respuestas: calidad, artesanía, precio elevado, exclusividad, hecho en Francia, hecho en Italia, herencia... y la lista continúa. De hecho, el lujo de la moda no es una sola cosa, y generalmente vive más como un concepto fluido en lo abstracto, que como algo que pueda cuantificarse o formalizarse.  Sin embargo, si cambiamos el contexto de adjetivo a sustantivo, encontramos más claridad. Un lujo es algo que un cliente no necesita, pero que elige comprar de todos modos, para disfrutar y sentir placer. Y aunque esto ya no signifique comprar plata fina que hay que pulir, o cachemira que hay que cepillar (sobre todo cuando no se tiene personal que haga por nosotros), sin duda el concepto puede aplicarse a la compra de ropa que no necesitamos, pero que queremos. Esto puede ser comprar una camiseta negra de 20 dólares en Zara para sumarla a un armario desbordante, o comprar una camiseta negra con el logo de Balenciaga de 750 dólares simplemente porque nos alcanza. Esta última no se define por su calidad, artesanía, exclusividad, etc., sino por el nombre de su marca y su elevado precio. Y por ello, sobresale como algo un poco diferente a nuestra comprensión tradicional de la moda de lujo. Tal vez un término más adecuado sea el de lujo de masas, o incluso el de lujo rápido, más relacionado con su homólogo de la moda rápida o fast fashion en términos de producción en masa y comercialización. Y es un enfoque que está ganando adeptos. Cuanto más digitalizados y globalizados nos hemos vuelto, más crecimiento buscan las marcas de lujo tradicionales, especialmente en Asia. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

El reciente anuncio de Chanel de aumentar precipitadamente los precios de sus bolsos y de limitar las cantidades que los clientes pueden comprar, ha puesto a la marca bajo los reflectores y ha levantado interrogantes sobre cómo la industria de la moda de lujo sigue creciendo a pesar de la inflación económica general. En este caso en particular, considerando el nivel del cambio de precios, Chanel no está subiendo sus precios para combatir el aumento de los costos, sino para ser más exclusiva, para alejarse de otras marcas de lujo.  Las marcas de lujo siempre han tenido tres pilares clave para construir la exclusividad. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Cada mes, en NewsBytes, presentamos una marca de moda que aborda el negocio de forma diferente e innovadora, o que opera fuera de los principales sistemas y capitales de la moda. Esta marca es seleccionada por nuestra colaboradora, Sass Brown, quien es experta en moda ética, sostenibilidad y artesanía. Sass solía ser la decana de Arte y Diseño del Fashion Institute of Technology y es la decana fundadora del Dubai Institute of Design and Innovation. En esta ocasión, Sass eligió a Re;code por ser una marca que trabaja eficazmente con materiales reutilizados creativamente revalorizados, desechados o sin utilizar, también conocido como upcycling.  Re;code son una pequeña parte parte de un conglomerado más grande llamado Kolon Industries. Así que utilizan las existencias muertas y los materiales desperdiciados de las otras etiquetas que se producen bajo la misma empresa paraguas. Utilizan el inventario muerto de su propio almacén. Pero además usan residuos militares y residuos industriales, como sobrantes de autos, que bien pueden ser fundas de asientos, bolsas de aire y cinturones de seguridad, por ejemplo. En general, tienen varias fuentes únicas para obtener sus materiales. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

La educación en moda está lista para un cambio. A medida que salimos de la pandemia de Covid-19, se requerirá un enfoque mucho más flexible, multidisciplinario, omnicanal, y que conecte con los cambios que están sucediendo en la industria, especialmente en términos de herramientas digitales y acceso. Las instituciones tendrán que replantear sus contenidos educativos y la forma de impartirlos para encontrar un balance entre las artes liberales y competencias profesionales más interdisciplinarias que estén en línea con una economía digital. Y la colegiatura de los estudiantes se tendrá que recalcular para estar de acuerdo con las expectativas y los salarios posteriores a la graduación.  Las universidades tendrán que seguir ampliando su base de profesores, reduciendo la brecha existente entre la industria y la academia, y facilitando un mayor cruce entre ambas. Esto requerirá puestos de trabajo mejor pagados que estén de acuerdo con la remuneración de la industria para atraer a los mejores talentos. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Así como el comercio minorista ha tenido que evolucionar para satisfacer las necesidades de los compradores a través de canales físicos y digitales, la educación también se está viendo obligada a evolucionar. Los estudiantes contemporáneos requieren nuevas formas de aprendizaje, tanto en términos de estructura de contenidos como de su impartición, que se basan más en los cambios de los medios de comunicación que en la educación tradicional, dejando a las instituciones académicas en gran medida incapaces de satisfacer las demandas sin depender de asociaciones externas con empresas de tecnología educativa.  El modelo universitario actual depende fuertemente de una experiencia presencial en el campus. No sólo es así como "se ha hecho" durante más de un siglo, sino que también proporciona a las instituciones múltiples centros de ingresos adicionales procedentes de las cafeterías, los dormitorios, los eventos deportivos y otros. Cuando llegó la pandemia de Covid-19, las universidades no pudieron tener a los estudiantes en el campus, lo que significó que los ingresos de estas fuentes adicionales se detuvieron e, incluso, estos espacios, como las aulas y los dormitorios vacíos, se convirtieron en un lastre. Por esto, no es de extrañar que la primera prioridad de estas instituciones fue regresar a los estudiantes a estudiar en persona. Estos preparativos comenzaron en serio una vez que se facilitó el cambio al aprendizaje en línea durante la primavera de 2020. Para el otoño de 2021, la mayoría de las universidades volvieron a abrir sus puertas a pesar de la variante Delta.  Ante todo esto, se resaltó el marcado contraste entre las universidades tradicionales, que centraron su desarrollo en los últimos 50 años en gran medida en la construcción de nuevos edificios y la ampliación de la superficie del campus, a comparación de aquellas que se volvían más digitales. La mayoría de las universidades dedicaron muy poca atención (y presupuesto) al desarrollo de nuevas tecnologías digitales de aprendizaje, modalidades no presenciales y sistemas de apoyo, incluida la compra de equipos de vídeo, estudios de grabación e incluso pedagogía digital. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

En un reciente artículo de la revista New York Magazine, el autor William Deresiewicz afirmaba: "Para las instituciones educativas, los programas de maestría son vacas lecheras, ya que sus estudiantes reciben mucho menos ayuda económica que los de licenciatura. Para los estudiantes, tomar un programa de maestría responde a una necesidad concreta: Los trabajadores estadounidenses compiten cada vez más con los de todo el mundo, y cuantos más titulados universitarios hay, hay que encontrar más formas de distinguirse de la masa." Esto es especialmente cierto cuando se trata de estudios como la moda, donde los programas de maestría han proliferado de un puñado de en todo Estados Unidos, a una oferta constante en cientos de universidades. Por ejemplo, la escuela Parsons School of Design de Nueva York ahora ofrece veinte programas de maestría, y de distintos niveles y estilos. Ya no es solo un MBA, enfocado en temas administrativos, sino que incluso existe un programa dedicado a Maestría en Estudios Profesionales que no se centra en las finanzas y las estadísticas, sino exclusivamente en la industria de la moda.  El costo de estos programas, especialmente en las universidades de alto nivel, desde Columbia hasta RISD, es muy elevado, a menudo más de 50,000 dólares al año. Y eso se acumula en un programa de dos o tres años. Y aunque los datos sugieren que los estudiantes que se gradúan con una maestría ganan más que quienes no cuentan con este título, estos elevados costos hacen que un programa de posgrado sea muy arriesgado, cargando a los estudiantes con una deuda que pueden tardar años en pagar. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

En Estados Unidos la Ley GI fue aprobada para ayudar a los veteranos de la Segunda Guerra Mundial a aclimatarse a la vida civil. Uno de los componentes más importantes de esta ley era proporcionar a los militares acceso a una educación universitaria asequible. Esto provocó el efecto de que aumentara considerablemente la cantidad de personas con un título universitario de la década de 1950 en adelante, con lo que la educación pasara de ser un privilegio de los ricos a convertirse en una constante para la mayoría de los estadounidenses. Como consecuencia, este acceso a la educación tuvo el efecto de aumentar la clase media, y, por lo mismo, cambió la economía de los trabajos de cuello azul a los de cuello blanco.  Sin embargo, a medida que la economía en Estados Unidos se desplazaba de la fábrica a la oficina en los años 70 y 80, los trabajos manuales también se volvieron menos deseables. Esto obligó a las empresas a reubicar sus fábricas fuera del país, con la ventaja añadida de que la mano de obra era más barata y había menos regulaciones gubernamentales. Esto significó que, para la década de 1990, la mayor parte de la producción relacionada con la moda, como textiles y prendas de vestir, ya no se realizaba en Estados Unidos o en Europa; se había trasladado principalmente a China e India y luego al sudeste asiático. Este cambio en la producción trajo una ola de dinero a estos países, cambiando efectivamente sus economías y facilitando el nacimiento de sus propias clases medias, así como las fortunas de muchos. 

Debido a la naturaleza especializada del comercio minorista y de la moda, la formación "en el trabajo" siempre ha sido una parte integral de la industria. En algunos casos, este aprendizaje era informal, sobre todo en las empresas familiares, pero también era formal a través de las pasantías, en las que jóvenes eran contratados para aprender un oficio en un taller con el objetivo de que se convirtieran en empleados a tiempo completo. Estas pasantías individuales también se convertían en programas de certificación interna, especialmente en los grandes minoristas, en donde este aprendizaje podía proporcionarse a escala, aunque todavía a nivel local. Por ejemplo, los programas de formación en Estados Unidos dentro de Neiman Marcus en Dallas o el de Macy's en Nueva York. Sin embargo, a medida que la moda se fue haciendo más corporativa y comenzó a globalizarse, estos tipos de aprendizaje informales y formales desaparecieron en gran medida, o bien se trasladaron a una función de recursos humanos, dejando un vacío en el proceso de formación de los empleados. Paralelamente al cambio de la enseñanza de la moda hacia programas de licenciatura, se produjo el crecimiento de las prácticas profesionales o internships, en donde las empresas colaboran con las instituciones académicas para contratar a trabajadores no remunerados quienes realizan trabajos de bajo nivel, con la promesa de que los estudiantes obtendrán experiencia y formación en el mundo real y, posiblemente, un trabajo al final de sus prácticas. En teoría, este sistema parecería que beneficia a todos los estudiantes, especialmente si las prácticas forman parte del programa académico que estudian. Pero en la práctica, las prácticas han favorecido en gran medida a los estudiantes más favorecidos económicamente, han normalizado el trabajo no remunerado y a menudo no conducen a un empleo a tiempo completo.  Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

La moda como disciplina académica es relativamente nueva. Esto no quiere decir que no se haya investigado la intersección entre la ropa y la economía, la ropa y la psicología, o la ropa y la cultura, por decir algunas, desde mucho antes, sino que no se había tomado en serio como una disciplina propia. Sin embargo, con la formalización de la moda como disciplina dentro de la academia y su crecimiento en los programas de posgrado, ha habido un aumento en la investigación específica sobre moda, tanto por parte del profesorado como de los estudiantes.  Y como esta investigación no está necesariamente ligada al éxito de una empresa, lo que significa que no se trata de un proyecto realizado como parte del trabajo de una persona, o al servicio de un cliente, esto ha abierto más oportunidades para realizar investigaciones sin un resultado requerido o esperado. En resumen, ha permitido una crítica más directa al sistema de la moda. Por esto es que no es de extrañar que se pueda establecer una correlación entre el crecimiento de la investigación sobre la moda y el aumento en el interés por temas como la sostenibilidad, los derechos humanos y el comercio justo, por mencionar algunos. Temas que se encuentran constantemente entre los cinco primeros dentro de las investigaciones realizadas por los estudiantes.  Con el tiempo, estas áreas de enfoque académico se han desplazado de la institución a la industria, por dos razones. La primera es que los estudiantes se gradúan con estos temas como parte central de su aprendizaje, y la segunda es que mientras las personas adquieren mayor educación, más exigen que hayan cambios dentro de las compañías. Sin embargo, este proceso ha sido lento y resalta la falta de colaboración directa entre el mundo académico y la industria. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Durante muchos años, la responsabilidad de la formación de los empleados de la industria de la moda recayó principalmente en el empresario. En primer lugar, la industria dependía en gran medida de las mujeres y, como la educación superior no estaba abierta de manera general a ellas, las empresas tenían que formarlas con las habilidades que necesitaban para hacer su trabajo. En segundo lugar, la mayoría de las empresas de moda eran negocios familiares y dependían de trabajadores locales, por lo que la formación se daba de forma natural en el trabajo. En tercer lugar, la moda requería conocimientos especializados relacionados con la comercialización, la compra, la producción y la venta al por menor. Y como cada empresa tenía su propio enfoque o estilo, las empresas se beneficiaban de la formación de los empleados de acuerdo a sus necesidades particulares. A medida que las empresas crecieron, estos programas se expandieron para ser más formales, y empresas como Macy's comenzaron a ofrecer programas de formación completos y certificaciones. De hecho, las primeras escuelas de moda, como el Fashion Institute of Technology, basaron sus certificaciones de dos años en registrar a los estudiantes en este tipo de programas.  Aunque algunos de estos programas corporativos aún existen, su enfoque fundamental (y su necesidad) cambió cuando la educación en moda se integró plenamente en los programas de licenciatura de las universidades. La responsabilidad de la formación de los empleados pasó de la empresa a la universidad. Hasta cierto punto, esto ayudó a ofrecer una base más consistente en términos de conocimientos y habilidades. Y le dio a los estudiantes una visión más amplia de la industria, más allá del trabajo específico para el que se estaban formando, además les permitió adquirir otro tipo de habilidades, como la colaboración y la comunicación. Pero también significó que los estudiantes comenzaron a aprender menos habilidades duras, creando un hueco entre lo que se aprendía en la universidad y lo que se necesitaba en el trabajo.  ranscripción completa disponible: FCNewsBytes.com

La educación superior tradicional es un sistema que se autoperpetúa, en el que los títulos dictan el nivel de educación que un profesor puede enseñar a sus alumnos. Por ejemplo, se suele exigir una maestría para impartir un programa de licenciatura y un doctorado para enseñar a nivel posgrado. Además de estos requisitos básicos, a los profesores también se les exige que hayan realizado proyectos de investigación, publicaciones, recaudación de fondos y una práctica profesional relacionada con su área de especialización, con el objetivo de mantenerlos actualizados y conectados con los conocimientos y habilidades que imparten en el aula. En la mayoría de las áreas de la educación, especialmente en las artes liberales o en las materias STEM — ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas, por sus siglas en inglés—, este sistema se ha mantenido durante generaciones, pero este no ha sido el caso para la educación en moda. Cuando las universidades empezaron a integrar la moda en sus planes de estudio, tuvieron que hacer excepciones para sus propias normas de contratación. Esto significó que los profesores tuvieran mayor experiencia profesional, un componente importante en una industria basada en las habilidades prácticas. Sin embargo, también significó que muchos educadores de la moda carecían de experiencia en el manejo de la educación superior en general, además del plan de estudios y la pedagogía.  Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

A mediados de la década de 1990, la enseñanza de la moda se comenzó a integrar más a la academia, permitiendo a los estudiantes de moda recibir algo más que una formación profesional. Sus estudios de diseño de moda o de mercadotecnia de moda se comenzaron a combinar con una educación tradicional de artes liberales o de negocios, que conducía a una licenciatura. Esto tuvo el efecto de formalizar, incluso legitimar, la moda como una actividad académica y una carrera deseable. Y con la creciente proliferación de contenidos de moda en los medios de comunicación, especialmente con Project Runway y con los blogs, seguidos de los teléfonos inteligentes y las redes sociales, las universidades se dieron cuenta rápidamente del potencial económico de ofrecer programas en moda. El cambio de la educación en moda a un entorno de artes liberales requiere que los estudiantes tomen cursos no relacionados con la moda, como ciencias, matemáticas e historia, por mencionar algunos, con el fin de cumplir con los estándares de acreditación para obtener un título universitario. Si bien esto garantiza una educación más completa, también significa menos tiempo para concentrarse en las materias relacionadas directamente con temas de moda, así como en la formación de habilidades técnicas. Para los estudiantes de licenciatura, esto significa tomar una serie de cursos básicos, y tal vez una o dos optativas, sin tener la oportunidad de profundizar o de obtener experiencia en un área en particular. El objetivo se convierte en proporcionar una base de conocimientos y en construir la capacidad de pensar de forma crítica, que son las bases de una educación en artes liberales, sobre la que los estudiantes puedan construir, una vez que entren en la industria. Aunque este enfoque es ciertamente valioso, también ha conducido a una brecha entre los conocimientos y las habilidades reales con las que se gradúan los estudiantes y lo que los empleadores esperan o necesitan de ellos.

Cada mes en News Bytes, Sass Brown, experta en moda ética, sostenible y artesanal, comparte una marca de moda que se acerca al negocio de una manera distinta e innovadora, o bien que opera fuera de los sistemas tradicionales de la industria y de las principales capitales de la moda. Saas fue la Decana de Arte y Diseño en el Fashion Institute of Technology y es la Decana fundadora del Dubai Institute of Design and Innovation. Este mes, Sass ha elegido a VOZ. Esta marca basada en la Ciudad de Nueva York se lanzó en 2021 por Jasmine Aarons, con la misión de honrar y empoderar a los artesanos Mapuche, en Chile, apoyándolos económica y culturalmente. La colección VOZ se construye en torno a sus principales tradiciones de tejido y teñido a mano, utilizando algodón y alpaca de aquella región.  Sass explica que la gente Mapuche es el grupo indígena más grande en Sudamérica y que nunca fueron conquistados por los Españoles. Ella cuenta que “La gente Mapuche tiene una larga herencia de trabajar con fibras naturales, materiales locales - tanto animales como vegetales - y de tejer a mano e hilar a mano. Como muchos grupos indígenas, hay historias y significados intrínsecos en los patrones y en el simbolismo que está insertado dentro de las cosas que ellos tejen. Visualmente es muy gráfico”. Ella explica que los Mapuche típicamente trabajan con color negro sobre una base blanca o beige, pero que también puede ser de otros colores. Ella dice que “Si ves el trabajo de Jasmine, ella suele incorporar todo tipo de formas distintas. Suele ser un patrón muy gráfico en una base tejida a mano”. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Conforme compañías como The Real Real, 1st Dibs y DePop continúan abriéndose camino en su participación en el mercado en cuanto a ventas generales de ropa y accesorios, dos áreas clave han surgido en la conversación. Una se enfoca en quién tiene el derecho en un mercado secundario de vender ciertas marcas. Específicamente, Chanel ha presentado tres demandas contra The RealReal y 15 órdenes de cesar y desistir. Sus argumentos principales son que ellos deberían tener el control total sobre quién vende su producto; ellos siempre deberían recibir beneficios de la venta de sus productos; y, finalmente, que ellos son los únicos que pueden garantizar autenticidad. Aunque Chanel, y otras marcas de moda, se han vendido desde hace mucho tiempo en tiendas de segunda mano alrededor del mundo, la diferencia aquí es la escala y el control que The RealReal tiene. La otra conversación se enfoca en la sostenibilidad de la moda y el cambio de la conducta del consumidor hacia comprar algo usado, en lugar de algo nuevo. De hecho, ésta ha sido una estrategia de marketing que The RealReal ha estado usando en sus anuncios de televisión. Y aunque hay claros beneficios de vender y comprar productos de segunda mano, para muchos esta afirmación puede parecer más un “engaño verde” (greenwashing) que una verdad. Después de todo, The RealReal se basa en un fuerte esquema de envíos de ida y vuelta para recibir y vender los productos. Lo que es más, el pago para los clientes es bastante bajo, ya que la compañía pone el precio de venta y, por lo tanto, potencialmente debilita la razón del cliente para ser parte de esta transacción. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

La sostenibilidad en la industria de la moda es el tema del día, y con toda la razón. Los efectos adversos de la moda en nuestro ambiente y en los humanos mismos no pueden ser sobreestimados. En los últimos diez años, este tema ha cambiado del mundo de la academia y las ONGs, al de los negocios y los consumidores. De hecho, los consumidores ahora identifican la sostenibilidad como uno de los factores clave para determinar qué marcas comprar, forzándolas a adaptarse. Sin embargo, la realidad es mucho más compleja. Solo porque los consumidores dicen que la sostenibilidad es importante en sus hábitos de compra, no significa que realmente hace una diferencia en el punto de venta. Y solo porque las marcas dicen que son sostenibles, no significa que lo sean en la práctica.   Los valores suelen estar separados de las acciones, porque los valores pueden ser difíciles de determinar y de definir cuantitativamente, y porque son contextuales. Pero en lugar de darnos por vencidos, es un recordatorio de que se necesita más educación y de que el conocimiento empodera a las marcas y a los consumidores para hacer elecciones más informadas y sostenibles y exigir un cambio continuo.  Maria Soubbotina, estudiante de posgrado y asistente de investigación en Parsons School of Design, enfoca su tiempo en analizar cómo las personas utilizan el lenguaje en relación a la moda y al comercio minorista. Y durante el año pasado, ella ha estado descifrando las conversaciones que están sucediendo al respecto en nuestro podcast hermano, Retail Revolution. María dice que “Durante el año pasado, ha notado un cambio en cómo se discuten las problemáticas de retail, incluyendo la sostenibilidad. La sostenibilidad en general solía ser principalmente una conversación multifunción sobre todo lo que está mal en la industria de la moda, o se refería específicamente a los efectos de la producción de moda en el ambiente. Y con toda razón, ya que es en gran parte responsable. Por ejemplo, la contaminación del agua es solo una parte del aspecto ambiental, y el 20 por ciento de la contaminación industrial del agua viene de la manufactura textil”. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

La pandemia aceleró las ventas de e-commerce en 2020. Antes de COVID-19, las ventas de e-commerce representaban entre el 10 y el 20 por ciento de los minoristas de moda, dependiendo en la sofisticación y alcance de sus plataformas en línea. Ante los retos que Covid representó, estos números se duplicaron hasta un 40 por ciento o incluso más, y ahora están en un promedio de alrededor del 26 por ciento, con el comienzo de la vacunación y la capacidad de las personas para poder salir y convivir con mayor libertad. Estos números en realidad son impresionantes y subrayan un verdadero cambio en el consumidor hacia un constante consumo en línea de una gran gama de productos - desde productos del supermercado, hasta muebles y ropa. Y compañías como Amazon, Target y Walmart, que ofrecen una gran gama de productos en un mismo lugar, se han convertido en los líderes. Sin embargo, lo que es particularmente fascinante acerca de estos números es que incluso en el momento más alto de la pandemia, 60 por ciento o más de las ventas seguían realizándose en las tiendas físicas. Y en lugar de que las ventas en línea se conservaran en un 40 por ciento, éstas han bajado, lo que sugiere que las compras en persona aún son más atractivas para los consumidores. Aunque los consumidores aprecian la practicidad y comodidad de comprar en línea, ir de compras no es solo la compra por sí misma, especialmente cuando se trata de moda - que suele ser menos acerca de la pieza que compramos y más acerca de la experiencia de encontrar algo, probártelo y comprarlo. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Cada mes en News Bytes, Sass Brown, experta en moda ética, sostenible y artesanal, comparte una marca de moda que se acerca al negocio de una manera distinta e innovadora, o bien que opera fuera de los sistemas tradicionales de la industria y de las principales capitales de la moda. Saas fue la Decana de Arte y Diseño en el Fashion Institute of Technology y es la Decana fundadora del Dubai Institute of Design and Innovation. Este mes, Sass ha elegido a Tonlé, una marca moda femenina contemporánea de Camboya que se enfoca en ofrecer a sus clientes prendas modernas, usables y cercanas dentro de un rango de precios medio. Sass exalta que “Las piezas son bastante accesibles”. Además, describe que sus colecciones “se basan en el suéter y utilizan un número de técnicas distintas”. La marca se produce y opera por completo desde Camboya, aunque su fundadora, Rachel Faller, divide su tiempo entre este país y la ciudad de Los Ángeles, en Estados Unidos. Sass describe a Rachel como “una persona muy impresionante en su capacidad de comprender el sistema de la moda y el rol que tiene en el colonialismo, el neoliberalismo y la mentalidad de la salvación blanca. Ella está muy consciente de ello y por lo tanto ve que su rol en desarrollar una marca y una compañía de Camboya como un honor”.  Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

La moda siempre ha existido en el centro entre el arte y el comercio. Es un esfuerzo que busca balancear la conexión emocional con la rentabilidad. Y esto requiere un acercamiento que una tanto al cerebro derecho como al izquierdo para ser exitosos.  Durante años, captar y analizar datos ha soportado a las compañías de moda en sus esfuerzos para comprender, dirigir y conectar mejor a los consumidores. Esta operación de procesamiento de datos - impulsada por algoritmos complejos e ingenieros de información - ha estado principalmente dentro de los departamentos de finanzas y de mercadotecnia. Sin embargo, con el paso de los años, el mundo de la big data ha comenzado a abrirse camino en el proceso creativo también.  Schanel Bakkouche, fundadora y directora creativa en SFB Creative, así como editora y estilista para publicaciones de Vogue Internacional, dice que este cambio hacia los datos le da a las marcas de moda una ventaja competitiva. Ella indica que “La data puede ofrecer acceso a conocimientos clave del mercado que le permitan a un director creativo enfocarse en lo que es importante para el consumidor, y por lo tanto incrementar la velocidad de comercialización, la eficiencia y la conexión con el consumidor en general”. Ella hace énfasis en que la moda puede ser muy subjetiva, pero los datos pueden ayudar a dirigir a los equipos creativos en la dirección correcta. Al respecto, ella agrega que: “La data puede ayudar a eliminar las confusiones internas y crear consistencia y transparencia en todos los canales. También puede ayudar a establecer expectativas manejables e incluso a optimizar lo que funciona mejor”.  Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

En el mundo de hoy, liderar una empresa de moda es un reto complejo que involucra una larga cadena de suministro global, un ambiente altamente competitivo y un consumidor que está en constante evolución y con acceso a más opciones que nunca. Por lo que las habilidades que se necesitan para operar en este tipo de compañías también deben de balancear la visión con la creatividad, la transparencia y la autenticidad. Renee Cooper, profesora en el Fashion Institute of Technology, concuerda en que lo que se busca no es poca cosa. La experta que se ha enfocado en desarrollo de administración y liderazgo, enfatiza que “en estos días, las cualidades que diferencian a un líder de la moda de los ejecutivos de otras industrias son únicas”. Al preguntarle si hay algunos líderes en particular que ella cree que están dando el ejemplo ideal ella dice que “debería mencionar a John Donahue o Mark Parker de Nike, pero que quisiera resaltar a una líder que ha construido una marca de moda que se está convirtiendo en algo más formidable cada día. Y esa marca es Harlem's Fashion Row, construida por su dueña y fundadora, Brandice Henderson.”  Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Cada mes en News Bytes, Sass Brown, experta en moda ética, sostenible y artesanal, comparte una marca de moda que se acerca al negocio de una manera distinta e innovadora, o bien que opera fuera de los sistemas tradicionales de la industria y de las principales capitales de la moda. Saas fue la Decana de Arte y Diseño en el Fashion Institute of Technology y es la Decana fundadora del Dubai Institute of Design and Innovation. Este mes, Sass eligió a KÛR Collection, una marca basada en la ciudad de Nueva York que produce su colección principalmente en Sri Lanka. De acuerdo con Sass “Ellos son una marca contemporánea y jóven para mujeres y su colección es principalmente vestidos que incorporan encajes hechos a mano Portugueses y Holandeses, pero de Sri Lanka”.  Este encaje tradicional en Sri Lanka lo llaman encaje Biralu. Sass explica que “La cultura tradicional material suele ser justo como la cultura misma, una respuesta a la inmigración y al colonialismo. Esta artesanía fue transmitida a las mujeres de la clase acomodada de Sri Lanka quienes solían hacer encaje a mano en su tiempo. Es muy bello y ahora es parte de su cultura y de su historia” Incorporar este encaje especializado a KÛR Collection se ha convertido en su propuesta de venta única de la marca. De acuerdo con Sass: “Ellos incluyen encaje Biralu en casi todas las piezas de la colección de alguna manera o forma. Aunque a veces sea hasta en una cantidad mínima”. Y Kasuni, la creadora y diseñadora a cago de KÛR Collection está dedicada a garantizar que esta tradición de slow fashion no se pierda, sino que se preserve. Al respecto Sass explica que “Kasuni considera que parte de su rol es preservar esta tradición como algo que es único de su herencia cultural”. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Conforme la industria de la moda continúa haciéndose más corporativa y global, requiere que el liderazgo ejecutivo entienda la complejidad de convertir un diseño en un producto, que entiendan las necesidades emocionales y funcionales del consumidor y que balanceen esto con los objetivos financieros de los accionistas. Esto requiere a alguien con creatividad, visión, habilidades prácticas y flexibilidad. Y ahora más que nunca, requiere un entendimiento de un marco omni canal impulsado por un involucramiento digital y tecnología de punta.  Y aunque en el pasado era típico que un vendedor o un comprador se moviera a través de los diferentes niveles hacia los roles administrativos y después hacia las oficinas ejecutivas de una marca de moda, ahora es igual de posible ver a graduados con maestrías en negocios en los niveles más altos de la empresa, muchas veces sin ninguna experiencia en moda. Ambos escenarios vienen con sus pros y sus contras. Sin embargo, de acuerdo con Renee Cooper, profesora en la Escuela de Negocios en el Fashion Institute of Technology, la habilidad para liderar es fundamental. Ella dice que “Después de todo, un líder influye en las personas para que lo sigan, mientras que un gerente consigue que las personas trabajen para ellos, de esta manera ejecutando la misión del líder”. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Actualmente, la moda sostenible está en la mente de los consumidores y en su comportamiento de compra, así como en la logística y planeación de los negocios. Se ha tratado de un cambio filosófico apresurado de los últimos 20 años, conforme el impacto que tiene la industria en el medio ambiente y en las personas que emplea se ha vuelto más visible al público. Las palabras se han convertido en acciones como una manera de garantizar viabilidad a largo plazo y cumplir con la demanda de los clientes. Sin embargo, este cambio puede ser retador para las compañías, ya que la sostenibilidad abarca distintas partes de una compleja cadena de suministro.     Sydney Price, experta en sostenibilidad y fundadora de The Knew Purpose, recomienda que las compañías adopten un modelo de economía circular que, de manera casi literal, opera como un círculo que se basa en tres principios base.  Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Desde principios del 2020, los consumidores se vieron obligados a repensar su manera de interactuar con las marcas y de hacer sus compras. Debido a la pandemia de Covid-19, no solo las compras se movieron al entorno digital, sino que todo el comportamiento del consumidor cambió. Este cambio ha provocado que las marcas de moda hayan tenido que repensar cómo se conectan con sus consumidores y venden. Al lidiar con una pandemia y tener que atender problemas más importantes, el consumo de moda se convirtió en una realidad lejana. Lo que es más, los consumidores, que en su mayoría estaban trabajando desde casa, se comenzaron a fijar menos en las tendencias y más en la comodidad. Sin embargo,también deseaban un alivio del constante flujo de las noticias acerca de la pandemia y de la monotonía de estar encerrados en casa. Esto hizo que el mercado estuviera listo para que las marcas de moda intentaran nuevas maneras de conectar con sus consumidores - con ideas de marketing nuevas, fuera de sus estrategias comprobadas y confiables de siempre. Y para muchos, esto significó buscar alianzas y colaboraciones con otras marcas para crear nuevas narrativas, así como el elemento sorpresa.  Caryn Pang, profesora adjunta en Parsons School of Design, y consultora de tecnología en retail, también cree que la colaboración ofreció una oportunidad para que las marcas le dieran energía nueva a sus empleados, especialmente cuando las problemáticas raciales le agregaron otra capa de ansiedad a la pandemia. Ella explica que “En el centro de la colaboración está el trabajo en equipo, que es una parte importante de la conversación de inclusión y accesibilidad que comenzó en serio en la primavera de 2020”. Un sentido de inclusión y accesibilidad que puede ser generado a través del trabajo en equipo también puede liderar el sentido de comunidad que se necesita en gran medida. Ella también dice que “En cambio, la comunidad crea un sentido de pertenencia y de optimismo. Esta necesidad real de pertenecer, junto con un sentido de esperanza compartido se le puede atribuir a la pandemia y a estar en casa durante tanto tiempo, desconectado de otros. Es naturaleza humana que las personas quieran estar juntas y colaborar, para crear un futuro juntos”. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Si el evento ocurrido en el Capitolio de Estados Unidos en enero nos indica algo es que el 2021 definitivamente va a ser un año de reflexión profunda y de cambio.  A lo largo del año pasado se hizo más claro los ideales compartidos que crean unidad en la sociedad son delicados y que las disparidades raciales, étnicas y de género son prioridad en el mundo, y se dieron a notar con fuerza en Estados Unidos, China y Europa. Y las marcas de moda han estado bajo el reflector. Cada vez se les pide que tomen una postura pública en temas de justicia social. Sabrina Lynch, Vice Presidente Senior de Cultura, Comunicación y Marketing en Taylor Strategy, así como speaker en la plataforma TED, le ofrece a las compañías tres estrategias claras para mitigar y corregir problemas de justicia social internamente. Primero, ella dice que “Es necesario entender los problemas sociales. Realmente es necesario apreciar el gran mosaico de culturas y las problemáticas complejas que se viven en muchas comunidades. Pero nunca vas a estar en la posición para hacer esto si conscientemente o, algunas veces inconscientemente, has contratado talento que ofrece una sola perspectiva”.  Sobre esto, ella enfatiza en que: “Si ya te encuentras en un problema estadísticos, en el que tus clientes no se pueden ver reflejados en tus empleados, entonces tienes problemas más grandes que debes atender antes de siquiera comenzar a atender problemas externos. Primero hay que arreglar la casa antes de empezar a arreglar el mundo”. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Cada mes en News Bytes, la experta en moda ética, sostenibilidad y trabajo artesanal, Sass Brown, nos comparte una marca de moda que se acerca al negocio desde un ángulo distinto e innovador, o bien que opera fuera de los principales sistemas y capitales de la moda. Saas fue la Decana de Arte y Diseño en el Fashion Institute of Technology y es la Decana fundadora del Dubai Institute of Design and Innovation. Este mes, Sass eligió a Swati Kalsi, originaria de India y conocida tanto por sus diseños de moda como por sus instalaciones artísticas presentadas en varios museos . Sass cuenta que “Swati trabaja principalmente con bordados tradicionales Sujani, provenientes de Bihar, en India, en donde tienen una larga tradición de bordado, sobre todo en artículos para el hogar. Su trabajo es a menudo pictórico y suele contar una historia de la comunidad. El bordado es aquí una tradición de las mujeres”  Debido al alto nivel artesanal y artístico, Sass resalta que mucho de lo que Swati realiza no es barato. Sass dice que Swati “es conocida sobre todo por estas piezas exquisitas, dignas de coleccionistas y museos. Estas piezas, aunque están creadas para ser portadas, son tan preciosas que en muchas ocasiones las personas eligen ponerlas como adorno en las paredes”.  Para lograr este nivel de diseño en sus colecciones, Swati tiene talleres en Bihar, en donde colabora con artesanos Sujani en un proceso creativo colectivo. De acuerdo con Sass “Swati se acerca con ellos con algunas ideas y temas iniciales y trabajan juntos conforme van creando el bordado libremente sobre las telas que ella les provee. Mucho de su enfoque es realizar piezas que no estén muy estructuradas, como kimonos, o bien en prendas que no sean específicas para un género o una talla. Sass explica que, “para la creación de una sola pieza se toman varios días en producirla teniendo hasta a quince artesanos trabajando en ella. Esta es una de las razones por las que con consideradas piezas con calidad de museo o de coleccionistas”. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Casi de la noche a la mañana, las compañías de diseño de moda y los estudiantes de diseño de moda se vieron obligadas a trasladarse principalmente a un ambiente trabajo remoto, lejos de los estudios y de las herramientas de su profesión. Para muchos diseñadores, esto significó modificar su práctica hacia una mayor presencia en el espacio virtual, utilizando tecnologías emergentes como Clo3D. Este es un proceso expansivo y requiere experiencia que en gran parte no existe dentro de la fuerza de trabajo actual. Sin embargo, para compañías y escuelas ya estaban implementando el diseño 3D en su proceso de trabajo, el cambio fue más sencillo, de acuerdo con Soojin Kang, diseñadora de moda y profesora en Parsons School of Design.  Ella nos explicó en entrevista que Tuvo el privilegio de enseñar la primer clase de muestra de Clo3D en Parsons, por lo que cuando la pandemia golpeó no tuvieron dificultades significativas para trasladarse a las clases en línea. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

En este episodio, “Un año turbulento para el retail llega a su fin,” hablamos sobre la importancia de fuertes ventas para superar un año complicado, así como de la tecnología y la innovación que muy probablemente comience a surgir en el 2021, conforme los minoristas comiencen a reconstruir.  2020 fue un año como ningún otro. Los minoristas de moda recibieron un fuerte golpe desde el principio de la pandemia de Covid-19. Desde entonces, han estado apresurándose y peleando para adaptarse, evolucionar e innovar suficientemente rápido para salvar sus negocios. Los cambios que en algún momento fueron parte de una estrategia a largo plazo tuvieron que implementarse de inmediato, muchas veces de manera remota y con menos personal. En algunos casos, esta aceleración del cambio les ayudó a evitar pérdidas generales. Pero para muchos, ésta fue una aceleración hacia la insolvencia y la quiebra. Para quienes lograron pasar estas trabas iniciales, el foco se movió hacia el cuarto cuarto del año, la temporada más importante para los retailers de moda en cuanto a ventas generales. Para la mayoría de los retailers, esto significó poner más énfasis en e-commerce, reestructurar el cronograma de promociones y realinear las estrategias de distribución directo al consumidor. Para otros, esto incluyó medidas aún más drásticas, como reconfigurar las tiendas físicas para convertirlas en locaciones sólo para recoger productos o incluso en almacenes de operaciones para tiendas en línea o en bodegas. Durante el cuarto cuarto del año, las miradas de los ejecutivos de retail se centraron en descubrir si sus esfuerzos fueron suficientes para proveer una base sólida para reconstruir sus negocios en el corto plazo, post-pandemia. ¿Cuáles eran las expectativas de la temporada de fiestas? Massimo Volpe, cofundador de Retail Hub y fundador de Global Retail Alliance, una asociación que conecta a los líderes globales del retail, dice que esa es una pregunta muy compleja e interesante porque se tendría que hablar de distintas geografías. Explica que se ha visto un aumento en el cuarto cuarto, espacialmente en el mercado de Estados Unidos. Un aumento de casi doble dígito. Asimismo, declara que definitivamente se ha visto un crecimiento alto a doble dígito en el mercado asiático, siendo China quien lleva la delantera. Pero aún se ven retos en Europa. Explica que hubo un repunte en todo Europa, pero por las posteriores olas de Covid en áreas específicas como Francia, Reino Unido, Italia y Alemania, se vio una desaceleración muy fuerte. Por lo que depende mucho de la geografía.  Aunque esto suena positivo a primera vista, por lo menor para China y Estados Unidos, estos crecimientos a doble dígito siguen estando por debajo de las expectativas y por debajo del crecimiento año contra año. Sin embargo, en un año turbulento, los ejecutivos han tenido que ser más optimistas de lo usual. Massimo dice que “Al inicio del año no estaban esperando ver ningún aumento. Probablemente no iban a igualar sus predicciones y probablemente tendrían que esperar hasta la próxima primavera para ver un retorno decente en el sistema de la moda”. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Cada mes en News Bytes, Sass Brown, experta en moda ética, sostenible y artesanal, comparte una marca de moda que se acerca al negocio de una manera distinta e innovadora, o bien que opera fuera de los sistemas tradicionales de la industria y de las principales capitales de la moda. Saas fue la Decana de Arte y Diseño en el Fashion Institute of Technology y es la Decana fundadora del Dubai Institute of Design and Innovation. Este mes, Sass eligió a Carla Fernandez, quien es una diseñadora cuya marca homónima está ubicada en la Ciudad de México. Sass explica que “Carla es fantástica en la manera en la que apoya y promueve las artesanías tradicionales de los pueblos indígenas en todo México. Ella es famosa por decir que la alta moda de México se encuentra en los pueblos indígenas. Sass dice que hay una gran diversidad de tradiciones de materiales en todo México, en todas las artesanías y en todas las comunidades que son únicas y especiales. Sass comparte que además Carla ve como un honor poder trabajar en sociedad con las personas de estas comunidades. Al respecto dice que “Ella tiene una larga historia de trabajo con comunidades indígenas ya que va a estos pueblos y pasa grandes temporadas de tiempo con ellos, escuchando y aprendiendo acerca de sus tradiciones, los significados y los códigos grabados en estas tradiciones y procesos, así como sobre sus verdaderas necesidades. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

La Generación Z esta teniendo un efecto profundo en cómo las marcas de moda se relacionan con sus consumidores. Ellos prefieren comprar marcas con las que compartan valores y están demandando más transparencia de las marcas en cuanto a sus proveedores de materiales, precios, impacto ambiental y prácticas laborales para la toma de decisión de sus compras. Cada vez más clientes de la Generación Z prefiere marcas que se pronuncien abiertamente en temas como justicia social o problemáticas políticas, temas que las marcas generalmente evitan. Después de todo, un paso en falso puede significar problemáticas como prensa negativa, boicots o pérdidas en ventas.  Sin embargo, debido a sus altos precios y su enfoque en un cliente más maduro, la moda de lujo no ha tenido que lidiar con estos asuntos tan directamente como las marcas más de precios más accesibles. Aunque por supuesto, han habido múltiples percances que han provocado prensa negativa, como los recientes escándalos de Dior, Gucci y Marny, pero éstos en su mayoría pasaron al olvido.  Y lo que es más, las marcas de lujo siempre han estado en el negocio de crear un escape del mundo real, creando productos que son más acerca del deseo que de la necesidad. Marcas como Chanel y Hermes han estado confeccionando su imagen con mucho cuidado durante décadas, creando a detalle un aura de misterio y autenticidad - una perfecta creación de mitos y ciertamente lo opuesto de la transparencia y autenticidad real.  Luca Marchetti, analista cultural, semiótico y cofundador de The Prospectivists in Paris, coincide con que “En lo general, es cierto que estos conceptos son, de cierta manera, contradictorios con la visión tradicional del lujo, por lo menos en Europa. Él agrega que incluso si, históricamente, este campo se construyó sobre la más alta calidad y excelencia, su atractivo está arraigado culturalmente a la opacidad y al aura proyectada sobre sobre productos. La transparencia no era una opción. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Cuando la pandemia de Covid-19 llegó durante la primavera, muchas compañías de moda tuvieron que poner sus campañas de publicidad en pausa. Ya no era posible juntarse con los equipos creativos - directores, fotógrafos, modelos, etc - en persona, en un estudio o en una locación. Entonces, las compañías tuvieron que ponerse creativas rápidamente. Algunas marcas decidieron mandarle prendas de sus nuevas colecciones a modelos e influencers, pidiéndoles que fueran creativas y que utilizaran lo que tuvieran a la mano, deseando el mejor resultado. Para muchas marcas, esta era la primera vez que cedían el control creativo a la modelo o influencer. Al final, muchas de estas campañas, aunque realizadas en casa, se volvieron virales y fueron muy exitosas. Otras, no tanto. Esto ha hecho surgir una nueva pregunta en la industria, ¿han llegado las marcas a una nueva era de estrategias de marketing? Y ¿vale la pena incluir este nuevo modelo en estrategias futuras de mercadotecnia?   Laura Lanteri, directora creativa y consultora en LLNYC Worldwide, una firma global de publicidad y mercadotecnia basada en la Ciudad de Nueva York contesta esta pregunta con un rotundo no. Ella cree que esta estrategia tiene una vida muy corta y produce resultados en cuanto a métricas, data y participación activa en redes sociales. Pero Laura considera que una campaña es realmente exitosa cuando se vuelve parte parte de la conversación del día a día, cuando se vuelve parte de nuestro entorno cultural. Ella explica que el marketing de influencers no tiene el poder de hacer todo eso y que todo depende de en qué decidimos enfocarnos: relevancia cultural o likes en Instagram. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Durante este año, las escuelas de diseño de moda se han visto forzadas a repensar la manera en la que educan a sus estudiantes y los preparan para sus trabajos. Haciendo un esfuerzo monumental, cuando hay tanto acerca de Covid-19 que aún se desconoce, planear para los futuros años académicos es bastante complicado. Además, con un cambio repentino a educación en línea y un enfoque en racismo sistémico en el plan de estudios de moda, los educadores están cambiando los modelos de educación que han estado vigentes durante décadas, especialmente en cuanto al aprendizaje con enfoque occidental.   Y mientras las instituciones lidian con estos cambios, estudiantes potenciales de diseño de moda se preguntan cómo, o incluso si esas problemáticas pueden cambiar los procesos de inscripción. De acuerdo con Susanna Moyer, profesora en el programa de licenciatura de Diseño de Moda en Parsons School of Design y consultora en educación en la Ciudad de Nueva York, “algunas escuelas y universidades estarán buscando estudiantes que puedan conectar con problemas globales, siendo la inclusividad uno de ellos”. Susanna enfatiza que “los estudiantes que lleven innovación y pensamiento crítico a esas problemáticas a través de su proceso creativo serán los candidatos más atractivos para estas instituciones”. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Cada mes en News Bytes, la experta en moda ética, sostenibilidad y trabajo artesanal, Sass Brown, nos comparte una marca de moda que se acerca al negocio desde un ángulo distinto e innovador, o bien que opera fuera de los principales sistemas y capitales de la moda. Saas fue la Decana de Arte y Diseño en el Fashion Institute of Technology y es la Decana fundadora del Dubai Institute of Design and Innovation. Este mes, Sass ha elegido a Zazi Vintage, una compañía basada en Ámsterdam, fundada por Jeanne de Kroon. De acuerdo con Sass, “la compañía se conoce por su uso de textiles ancestrales que han sido producidos a lo largo de la Ruta de la seda tradicional, incluyendo ikat de Uzbekistán, bordado de cachemira y bordados Suzanis”. Zazi Vintage produce una pequeña línea de ready-to-wear de piezas de moda contemporánea - coordinados, pero predominantemente vestidos. Esta colección se vende principalmente en línea, empleando un modelo directo al consumidor. Además, la marca ofrece opciones a la medida para clientes más exigentes. Al respecto Sass comenta que “Tienen una línea de abrigos suzanis, que son esos fabulosos abrigos Afganos con ribete de pelo. Con estos abrigos buscan evocar a los Beatles y el abrigo bordado del icónico Sergeant Pepper. Esos son hechos a la medida y es posible personalizarlos un poco, en cuanto a la elección del pelo que se utiliza, el color o el tipo de bordado”.  Al preguntarle a Sass qué es lo que otras marcas más populares pueden aprender de Zazi Vintage, ella comparte que cree que se puede hacer mucho con intención y motivación. Jeanne, la fundadora de la marca, es una de las personas más comprometidas que Sass ha conocido en cuanto a ética y a la manera en la que trabaja. Además de su pasión por los textiles y por contar historias. Adicionalmente, Sass subraya que Jeanne cuenta historias a través del tejido, a través de los hilos del bordado. Es por ello que Sass piensa que sus valores y su motivación son increíbles.  Cuando la pandemia de Covid-19 golpeó Europa, Sass comparte que Jeanne se acercó con los artesanos y les preguntó directamente qué es lo que necesitaban para sobrevivir el confinamiento y cómo cubrir sus costos a raíz de las órdenes canceladas de otras marcas. Pero no se detuvo en este punto. Sass cuenta que Jeanne se acercó a las otras marcas con las que los artesanos estaban trabajando y les dijo ‘esto es lo que necesitan para sobrevivir, para mantener un techo sobre sus cabezas y comida en sus mesas. ¿Cómo podemos armar un plan para trabajar juntos y asegurarnos que puedan sobrevivir a esto?' Sass describe el enfoque que Jeanne tiene con Zazi Vintage como centrado en ser humano, con capas que hablan de su entendimiento de la compleja cadena de suministro de la moda y de cómo esto afecta en exceso a los proveedores que están a merced de las marcas. Para conocer más acerca de Zazi Vintage, puedes visitar su sitio web zazivintage.com o seguirlos en su cuenta de Instagram @ZaziVintage.

Esta pandemia de Covid-19 ha puesto a prueba el carácter de los ejecutivos de moda en todo el mundo. Ellos han tenido que adaptarse rápidamente, cambiando las operaciones de retail principalmente para estar en línea, reimaginando su distribución y producción, y moviendo su fuerza de trabajo a oficinas remotas. En casos más extremos, han tenido que dar bajas temporales o incluso despedir a sus empleados, cancelar órdenes y cerrar tiendas. El efecto dominó se ha visto a lo largo de toda la cadena de suministro. De acuerdo con la Asociación de la Industria de la Moda en Estados Unidos, la confianza en el negocio de la moda ha caído en más del 8% desde 2019 y 95% de las marcas esperan que la ganancia de ventas disminuya para el año fiscal de 2020.    Además de todo, los disturbios civiles en Estados Unidos y a nivel global han dejado al descubierto los problemas de racismo sistémico y desigualdad salarial de género. Sobre todo los consumidores más jóvenes no dudan en rechazar a las marcas que no están respondiendo transparentemente a estos temas con verdaderas acciones de cambio.  En pocas palabras, los ejecutivos de moda han tenido que ser más visibles conforme los consumidores exigen más transparencia, y de muchas maneras esto ha cambiado el rol de liderazgo de marca y por ende ha modificado cómo están contratando las compañías. De acuerdo a Meghan Houle, reclutadora senior de The Bowerman Group, las empresas de moda están tomando este momento para ser muy exigentes en la contratación de nuevos ejecutivos. Ella hace referencia al dicho de que tu pasado puede volver para perseguirte, con lo que enfatiza que todo se reduce a la reputación. Transcripción completa disponible: FCNewsBytes.com

Cuando se habla sobre el comercio minorista y la moda durante la pandemia de Covid-19, la conversación se ha centrado principalmente en cómo mantener el negocio de los retailers y sus estrategias para sobrellevar la disminución de compras en tiendas físicas. Y esto tiene todo el sentido, considerando el impacto de declaraciones de bancarrota que se desató en la primavera y la preocupación de lo que estos cierres provocarían en empleos y en la economía en general.  Sin embargo, para las compañías que tenían una situación suficientemente fuerte para evitar la bancarrota, su enfoque se basó en dos acciones: impulsar sus ventas en línea y reabrir sus tiendas físicas. Y aunque esta última en teoría fue bienvenida, en la práctica significó poner a los empleados de las tiendas de los retailers de moda en la primera línea de batalla de una crisis sanitaria, volviéndolos más vulnerables al Covid-19, así como poniéndolos en el centro del debate acerca de los cubrebocas.   Christopher Lacy, quien fue Director de Experiencia del Consumidor, Aprendizaje y Desarrollo en Barneys New York y ahora Profesor Asistente en Parsons School of Design lo describe de la siguiente manera: “Antes del Covid-19, ya estábamos viendo un aumento de exigencias de privilegios del lado del cliente y en la manera en la que los vendedores eran tratados en las tiendas. Ahora, este privilegio tiene una capa adicional de que los clientes no quieren que les digan que tienen que usar una mascarilla o que tienen que mantener su distancia. Tienes un cliente que está viviendo una situación estresante, un cliente que está estresado acerca de la proximidad con otro cliente y una sensación agudizada de querer terminar la transacción rápidamente. Lacy agrega que los retailers han olvidado que los vendedores también están bajo estrés por mantenerse sanos, por tener necesidad de trabajar y por la necesidad de ofrecer un servicio excepcional. Por esto, los retailers deben ser conscientes de que los empleados de las tiendas son el cliente interno. Ellos son parte del ecosistema del retail. Adicionalmente, en la prisa por reabrir las tiendas, los retailers realmente no consideraron a fondo los turnos operacionales necesarios, en especial en relación con los vendedores en las tiendas, para garantizar el nivel adecuado de servicio al cliente. Como Christopher lo ve es que la implementación de la mayoría de las operaciones se realizó solo para regresar las tiendas a su operación y generar ventas. El problema es que la mayoría de los sistemas de punto de venta aún requiere contacto entre clientes. Aún se tiene a clientes que están en contacto con los sistemas de puntos de venta y vendedores que aún están intentando facilitar este proceso.  Transcripción completa disponible: www.FCNewsBytes.com

Entender las tendencias macro, tanto sociales como económicas, es parte importante del proceso de diseño en moda. Estas tendencias generales tienen un efecto que recae en el color, la silueta y la textura de una temporada a otra. Por ello, los diseñadores de moda y los comerciantes trabajan con sus equipos, y con agencias externas, generalmente con un año de anticipación, para determinar cómo podrían integrar estas tendencias de la mejor manera a la visión que tienen de la marca. Ya que estos equipos trabajan con tanto tiempo de anticipación, planear tendencias es una ciencia inexacta, aunque hoy es un poco más fácil con la ayuda de datos algorítmicos.  Sin embargo, ni siquiera estos datos pudieron haber predicho el Covid-19 y el efecto inmediato que tiene sobre las tendencias en moda, provocando que las marcas tengan que repensar sus planes justo en medio de otoño 2020 y primavera 2021. En muchos casos, las compañías tuvieron que detener sus procesos por completo, con el cierre de oficinas y estudios. Y aquellos que pudieron, transformaron sus procesos para comenzar a hacer equipo de protección personal, como cubrebocas y caretas, para aprovechar contratos gubernamentales, y, por ende, mantener a sus empleados y apoyar las necesidades de sus comunidades. Conforme la pandemia ha avanzado, y los cubrebocas o mascarillas, se requieren en muchos lugares. La demanda aumentó, aunque ya no solo como equipo de protección, sino ahora como una declaración de moda. Nancy Pelosi, Presidenta de la Cámara de Representantes de Estados Unidos se convirtió en una sensación con sus trajes coordinados con su cubrebocas. Las mascarillas también encontraron su camino en las pasarelas de primavera 2021 y se predice que se verán nuevamente en colecciones futuras, de acuerdo con Keanan Duffty, diseñador de moda y director del programa de Administración de Moda en Parsons School of Design.  De acuerdo con Duffty, durante la temporada de influenza, los cubrebocas eran la norma de la sociedad educada en Asia. Ahora, la mayoría del resto del mundo ha aceptado las mascarillas y por lo tanto se convertirán en una tendencia de moda de temporada para combatir la influenza y las alergias. Entonces la pregunta ahora es si hay lugar para que marcas de lujo ofrezcan a sus clientes accesorios relacionados con la pandemia. Como la careta de Louis Vuitton de cerca de mil dólares, o las mascarillas de Burberry de más de cien dólares. Al respecto, Keanan considera que el sector de lujo ha comenzado a apropiarse de ideas de streetwear, como sneakers y pants, por lo que las versiones de lujo de accesorios relacionados a la pandemia eran el siguiente paso obvio. También comenta que proveen una protección basada en el estatus, por lo que para el consumidor de lujo, éstas son como las nuevas “it bags” o bolsas de moda. Después de todo, no hace más de 25 años que las marcas de ropa de moda comenzaron a incluir bolsos de mano como parte de sus colecciones y las compañías de bienes de piel se convirtieron en proveedores de las firmas de ready-to-wear. Tal vez en 25 años, cuando la pandemia sea parte de la historia, los clientes seguirán utilizando cubrebocas y caretas sin ninguna conexión real a cómo salvaron vidas en 2020. Y las marcas considerarán los accesorios de protección personal como una parte esencial de su oferta. Transcripción completa disponible: www.FCNewsBytes.com

Hola a todos, yo soy Christin Parcerisa, presentadora de la edición en español de Fashion Consort NewsBytes. News Bytes fue creado por Joshua Williams, profesor y consultor en la industria de la moda, con un enfoque en negocio y comercio, así como su unión con la creatividad y el diseño. Él comenzó este podcast único, de formato corto a inicios del 2020, como una manera de amplificar su voz y compartir con una audiencia más grande, interesada en el funcionamiento interno de la moda. Él eligió la modalidad del podcast, no sólo porque es altamente compartible, sino porque ofrece una manera más íntima y personal de conectar con la audiencia, mucho más que un artículo escrito.  Y ahora, poco menos de un año después, News Bytes anuncia con emoción que será distribuido en colaboración con Fashion United, tu red global de confianza en noticias de moda, inteligencia de negocio y empleos. Esta alianza realmente expande nuestro alcance internacional. Y como presentadora de la edición en Español de este podcast, espero con mucha emoción poder interactuar contigo, nuestro radioescucha.    Esperamos que nos muestres tu apoyo al suscribirte a este podcast, en la plataforma en la que lo estés escuchando. Ahora también estará disponible en los sitios en español de FashionUnited así como en Apple Podcasts, Spotify, Stitcher, Google Play, Amazon Music, iHeart Radio y muchos más. Y asegúrate de calificarnos y compartirnos tus comentarios, esto nos ayuda a darle visibilidad a este podcast para llegar a todos quienes estén buscando noticias sobre la industria de la moda.  Finalmente, visita FCNewsBytes.com, Bytes con “Y”, para más información, incluyendo transcripciones completas en inglés y en español.  ¡Hasta la próxima! Transcripción completa disponible: www.FCNewsBytes.com