Hemeria - L'oeil écoute

Depuis l'apparition du mobile, qui d'entre nous n'a jamais succombé à la pratique du selfie ? Il est devenu si courant qu'on en oublierait presque son ancêtre ! L'autoportrait est pourtant une constante dans l'histoire de l'art et des modes de représentation de nos (é)mois intérieurs. De Van Eyck à Egon Schiele, en passant par Van Gogh, Matisse ou Picasso, qu'ils soient peintres, photographes, sculpteurs, écrivains ou dessinateurs, les artistes n'ont céssé d'explorer leur propre mystère ou de fixer une trace de leur existence.

Crédit photo © Sophie Crépy Pour ce 40e épisode de « L'Œil écoute », Yannick Le Guillanton a rencontré Marie Robert, conservatrice en chef au Musée d'Orsay pour la photographie et le cinéma. Elle évoque avec lui sa résidence de recherche à la Villa Médicis à Rome en 2023, accueillie par Sam Stourdzé l'ancien directeur des Rencontres d'Arles, un lieu chargé d'histoires et de fantômes, siège de l'Académie de France à Rome depuis 1803.

Pour ce 39e épisode de « L'Œil écoute », Yannick Le Guillanton a rencontré le photographe Pierre Faure. Ce choix n'est pas anodin. Il arrive à un moment de notre actualité où toutes nos certitudes et croyances semblent s'évanouir. L'idée d'un monde éternellement prospère, avec la quête du bonheur comme fil conducteur de nos vies, n'est plus. La fragilité de cet espoir en un monde meilleur, le photographe la côtoie au plus près. Il la voit chez tous les invisibles sur qui son objectif s'arrête. Depuis plusieurs années, il rend compte, de l'intérieur, de ces franges de la société française qui restent « en marge ». Il va à la rencontre des déclassés, de ce fameux quart-monde que l'on avait identifié dès les années 1950 mais qui porte aujourd'hui le nom de France périphérique ou de « gilets jaunes ». Sa cartographie de la France du dénuement, qui est aussi celle des lieux abandonnés aux quatre coins du pays, ne peut pas nous laisser indifférents. Ses images nous obligent à nous questionner sur notre propre rapport à l'autre et sur la manière dont le partage des richesses doit impérativement se recomposer.

Image : Anima n° 1 © Tina Merandon Depuis plus de 20 ans, la photographe Tina Merandon explore la relation entre l'animal et l'humain, les corps à corps, la place que l'animal domestiqué occupe au sein de différents milieux sociaux, différentes cultures. À Cergy-Pontoise, au Festival du Regard, fascinée par le monde de l'enfance dans ce qu'il revêt de chahuté, ambigu, furtif, elle expose Anima, une série qu'elle a produite en 2021 et qui met en scène, dans des poses toujours improvisées, des enfants autour de l'âge de 11 ans, et qui évoque la manière dont ils peuvent se rapprocher de façon fusionnelle de leur animal préféré. Dans ce nouvel épisode de L'Œil écoute, elle revient avec Yannick Le Guillanton sur son œuvre qui, série par série, nous confronte, en miroir, à ce que nous disent les animaux de nos propres comportements face à la violence, au pouvoir, au libre arbitre, à la mort. Bonne écoute.

Sortir des à prioris sur la conservation animale en Afrique, c'est l'objectif que s'est fixé le photographe documentaire Guillaume Bonn avec Paradise Inc., un livre mais aussi un projet plus global visant à renouveler la réflexion sur l'écologie en Afrique de l'Est. Parcs nationaux et réserves privées alimentent depuis longtemps une imagerie romantique de la faune sauvage qui passe à côté de la réalité du terrain. En répondant aux questions de Yannick Le Guillanton, Guillaume Bonn raconte cette réalité et donne des pistes pour modifier la manière dont la gestion de la biodiversité en Afrique doit s'opérer pour qu'enfin elle puisse être efficace. Bonne écoute. Photographie de couverture : Un troupeau de zèbres broute au pied d'un pont ferroviaire coupant le parc national de Nairobi, au Kenya, en 2021. Les étendues sauvages ne sont plus sans limites et forment dorénavant des enclaves de plus en plus souvent occupées par des fermes, petites et grandes villes, usines et routes. © Guillaume Bonn

22 juillet 2022. Louane (12 ans) après le déjeuner dans la cour de l'unité USA. USA est l'unité de soins aigus d'UPSILON (Unité psychiatrique d'hospitalisation temps plein accueillant des adolescents de 11 à 17 ans, en situation complexe, résidant en Gironde) © Claire Delfino

Photographie de couverture : Gustave LE GRAY, Le Brick au clair de lune, 1856, tirage sur papier albuminé d'après négatif sur plaque de verre au collodion, 32,2 x 41,5 cm, Paris, Musée d'Orsay © RMN-Grand Palais (musée d'Orsay) / Patrice Schmidt Au Havre, une exposition au MuMa rend hommage à la Normandie comme source d'inspiration et permet de montrer la vivacité des relations entre la photographie et la peinture, entre les précurseurs du médium, présenté officiellement en 1839 à l'Institut de France, et les artistes du mouvement impressionniste. Interrogé par Yannick Le Guillanton, Dominique Rouet, l'un des trois commissaires de l'exposition avec Sylvie Aubenas et Benoît Eliot, revient sur ce dialogue pionnier entre deux arts majeurs. Ce dernier célèbre autant les 150 ans de l'impressionnisme que la révolution que fut l'invention de la photographie en capturant des images, puis des scènes en mouvement. Avec l'évocation de Gustave Le Gray et de Claude Monet, cet épisode de L'Œil écoute raconte ainsi le foisonnement artistique et la place centrale que la Normandie occupa dans la seconde partie du 19e siècle, portée par le développement du chemin de fer, les traversées transatlantiques, mais aussi la croissance du tourisme de bord de mer du Havre à Étretat en passant par Trouville, Dieppe ou Cabourg. Bonne visite !

D'où vient la sensibilité d'un photographe ? Comme se forme son écriture ? L'entretien que le photographe portugais Paulo Nozolino a accordé à Yannick Le Guillanton donne sans doute quelques réponses. Ses images sont des formes poétiques, des formes symboliques, puissantes, radicales. Elles disent la brutalité de l'existence, elles montrent son effroyable banalité. Elles parlent de la même manière des vivants et des morts. Elles sont anguleuses. Elles sont la noirceur sous un soleil de plomb. Elles sont une fente dans laquelle s'engouffrer. L'art photographique est un art du silence, et, dans la contemplation des choses simples, dans la verticalité de l'image, il n'offre aucune échappatoire, aucune ligne de fuite. Rien ne vient contrecarrer sa volonté d'aller à l'essentiel. Vous ne pourrez pas vous attarder sur l'inutile. Inspiré de l'anticonformisme anglais de sa jeunesse à Londres, de la peinture d'un Francis Bacon, d'un Caravage ou du retable d'Issenheim, guidé par les mots d'un Stephan Sweig ou d'un Hugo von Hofmannsthal, et porté par la photographie de son ami Robert Frank, l'art de Paulo Nozolino, fait de noirs charbonneux et de blancs aveuglants, est une plongée vertigineuse vers ce qui nous rattache au monde d'après. La mort est là, qui rôde… « J'ai horreur de ce qui est trop visible, trop évident. J'ai horreur de l'évidence. L'image doit me faire réfléchir, elle doit être ambiguë. Il faut qu'elle pose des questions, qu'elle donne un coup de poing. » — Paulo Nozolino « Et pourquoi les couleurs ne seraient-elles pas soeurs des douleurs, puisque les unes et les autres nous attirent dans l'éternel ? » — Hugo von Hofmannsthal

Avant de découvrir Neige noire, son travail sur le Groenland, qui sera présenté en septembre prochain au sein du festival MAP de Toulouse, le photographe documentaire Olivier Laban-Mattei revient avec Yannick Le Guillanton sur son parcours de photo-journaliste, d'abord à l'AFP puis en indépendant pour prendre le temps de mieux analyser le cours du monde. Des années à saisir les grands événements de l'actualité internationale, du Printemps arabe au Yémen, du tremblement de terre à Haïti en 2010 aux effets néfastes du boom minier en Mongolie. Son enquête sur la nouvelle paysannerie française, dont certains clichés ont rejoint la rétrospective que la BNF a consacrée à « La France sous nos yeux », est représentative de sa volonté de s'inscrire dans le temps long, fidèle à une éthique tant à la prise de vue qu'à la post-production de ses images qui privilégie l'humain délesté de ses artifices. Son utilisation de l'image en général et du noir et blanc en particulier sont les outils qu'il a choisis pour laisser la narration et la réflexion prendre le pas sur l'immédiateté du cliché-choc que la presse se plaît tant à mettre en avant.

Après avoir rencontré Marie-Ève Bouillon, responsable de la mission photographique des Archives nationales, Caroline Stein, en charge de la collection photographique de Neuflize OBC, et Fiammetta Horvat, responsable de la collection de son regretté père, Frank Horvat, décédé en octobre 2020, nous clôturons cette exploration de la collection avec, dans ce dernier numéro, une incursion au sein de la collection de deux collectionneurs privés qui ont accepté — et nous les en remercions chaleureusement — d'ouvrir leurs portes à Yannick Le Guillanton. Liste non exhaustive des œuvres citées - Jean-Michel Fauquet, Untitled ; 2009 - Joel-Peter Witkin, Waiting for de Chirico in the Artist's Section of Purgatory, New Mexico ; 1994 - Denis Dailleux, Deux frères chez le garagiste de Kom el-Dik, Egypte, Alexandrie ; juin 2002 - Denis Dailleux, Mères et Fils - Raed Bawayah, Série « les veines de la terre », Palestine ; 2012 - Michael Ackerman, Napoli ; 2000 - Reza Aramesh, Action 68 South Vietnamese soldiers show of a Viet Cong prisoner captured near Tan Son Nhut Airbase, May 6; 2009 - Matt Collishaw, Série « Last Meal on Death Row », David Allen Castillo ; 2010 - Jean-Michel Pancin, Pelote P29T ; 2011 - Brian Hubble, Electric Love Seat (or the Love Destroyer) - Bogdan Konopka, Sedletz-Ossarium - Eva Koťátková, Out of Sight ; 2013 - Hicham Benohoud, Half Couple ; 2004 - Pierre Molinier, Série « Mon cul » ; Ca 1965 - Lea Crespi, Lieux - Olivier Valsecchi, selfportrait with bubble ; 2009 - Markus Lupertz, Satyr + Nymphe 1, Mixed media on canvas ; 2014 - Alberto García-Alix, Mi un pelo en la cabeza ; 2007 - Luca Giordano, San Sebastiano curato da Sant'Irene, Huile sur toile ; 1670 - Dieter Appelt, Sans titre ; 1979 - Patrick Faigenbaum, Famille Pallavicini, Rome ; 1987

Après le succès de son exposition à Arles cet été au sein de la galerie ISO, Marie Dorigny nous raconte comment elle a composé son nouvel accrochage au sein de la galerie Taylor, cette fois-ci à Paris. Si elle emprunte au photojournalisme sa rigueur intellectuelle et sa curiosité insatiable, elle inscrit surtout ses pas dans ceux des écrivains-voyageurs qu'elle admire tant. Ses images sont le reflet de son souhait d'aller vers l'autre, de s'approcher d'autres vies que la sienne. De ses rencontres aux quatre coins du monde, elle rapporte des images d'une immense sensibilité, à l'humanisme sans équivoque. Avec Yannick Le Guillanton, elle revient sur ses 35 années d'une carrière de photo reporter commencée en Roumanie en 1989 et qui l'ont portée à documenter l'actualité chaude mais aussi des enquêtes personnelles au long cours, réalisées en noir & blanc pour la presse magazine. Des sujets sociaux tels que la condition des femmes, le travail des enfants, la spoliation des terres des petits paysans, la résistance des communautés autochtones ou le sort des réfugiés. On l'écoute…

la collection personnelle de Frank Horvat, un manifeste pour la photographie, racontée par sa fille, Fiammetta Horvat. Après avoir rencontré Marie-Ève Bouillon pour la mission photographique des Archives nationales puis Caroline Stein, directrice de la collection photo de Neuflize OBC, Yannick Le Guillanton continue son exploration de la collection. Il a cette fois rendu visite à Fiammetta Horvat, la fille du grand photographe français disparu en octobre 2020 et dont le travail sur la mode vient de bénéficier d'une très belle rétrospective au Jeu de Paume. La suite sur Hemeria.com Titre habillage : Dystopia © Luke Hall

Engagée dans le soutien aux arts visuels via une Fondation d'entreprise, la banque privée Neuflize OBC détient une importante collection de photographies axée sur le thème du portrait. Ce thème structure la ligne directrice du choix des artistes qui entrent dans un fonds comprenant aujourd'hui près de 1000 œuvres et proposant, à mesure qu'il se constitue, une écriture en images de notre histoire contemporaine. La conservatrice de la collection Caroline Stein a répondu aux questions de Yannick Le Guillanton pour nous faire accéder à la stratégie mise en place afin d'acquérir, de gérer, de valoriser et conserver cet ensemble à haute portée patrimoniale. Des œuvres accessibles aux acteurs du marché — commissaires d'exposition, centres d'art, institutions, festivals, chercheurs, etc. —, mais aussi aux salariés et aux clients de la banque, tout comme au grand public par le biais d'expositions régulières et de la mise en ligne de son catalogue. Portrait de Caroline Stein : © L. Ridet

Vénérable institution plus que bicentenaire, les Archives nationales de France préservent une part substantielle de la mémoire de l'État français, depuis le Moyen-Âge jusqu'à la période contemporaine. Le testament de Louis XIV, la dernière lettre de Marie-Antoinette ou les constitutions successives qui scandent le rythme de notre régime républicain, sont quelques-unes des « Mona Lisa » conservées à Paris, à l'Hôtel de Soubise dans sa fameuse Armoire de fer. On y pense moins, mais ces kilomètres de documents publics ou privés renferment aussi des fonds photographiques. Au détour de magasins où tout est soigneusement inventorié, classé, restauré, l'histoire se lit aussi à travers des images. Dans ce premier épisode consacré à la collection, Marie-Ève Bouillon, chargée d'études au sein de la mission photographique, balaie quelques idées reçues et pousse les portes d'un autre « coffre-fort », celui de Pierrefitte-sur-Seine, à la découverte de pépites argentiques bien sûr, mais pas que… Mais écoutons-la maintenant au micro de Yannick Le Guillanton. Portrait de Marie-Ève Bouillon © Serge Reby

« Je ne veux pas que l'on me réduise, que l'on me fasse rentrer dans les rangs, dans la ligne. C'est une attitude féministe qui se propage aussi dans l'écriture. »

Venue à la photographie au début des années 2000 après un premier chemin dans la mode et la couture et une grande phase d'introspection, Carolle Bénitah a d'abord exploré le médium en photographiant ses proches et son univers intime. Ses archives familiales sont ensuite venues s'inclure dans sa réflexion autour du lien et de la mémoire. En explorant ce matériel personnel, c'est l'émotion dans toutes ses dimensions qu'elle a voulu faire émerger. Que transmettent ces visages surgis du passé de la matière noire, de ces non-dits, de ces silences qui en disent long sur la face cachée des photographies du bonheur fixées sur papier ? C'est en observant la petite fille qu'elle était et en convoquant les figures du passé qu'elle s'interroge sur le pouvoir de la photographie pour résoudre — recoudre — les plaies ou les frustrations d'hier et se défaire des attentes, des illusions ou des désirs qu'on nous imposerait. Se faisant, elle a aussi trouvé son propre chemin.

Dans le premier épisode de ce podcast consacré à Christine Spengler, vous avez découvert les racines complexes de tout ce qui compose et traverse l'œuvre de la correspondante de guerre devenue plasticienne avec ses photomontages enluminés. Elle revient dans ce second épisode sur sa conception de la photographie, sur le rôle et le pouvoir des images, sur la manière dont elle les fabrique et sur son choix du noir ou de la couleur. Elle raconte aussi ses idoles, Frida Kahlo, La Callas et Marguerite Duras. Femme dans un monde d'hommes pendant ses années sur les terrains de guerre, elle continue inlassablement, obsessivement, de défendre la cause de toutes les femmes. Témoin des oppressions qu'elles subissent partout dans le monde, Christine Spengler les voit comme des amantes magnifiques, des héroïnes tragiques, des incarnations du courage et de la vie contre la mort. Elle pense aujourd'hui aux Iraniennes qu'elle a déjà photographiées en 1979 à l'arrivée au pouvoir de Khomeyni et qui se soulèvent encore aujourd'hui contre les mollahs et pour mettre un terme à leur effacement programmé, et aux Afghanes, dont elle a couvert le terrible sort en 1997 face aux Talibans après leur prise de Kaboul le 27 septembre 1996, et la mise en place de l'émirat islamique d'Afghanistan et de la charia. Cette passion pour les femmes, on la retrouve aussi dans l'image qu'elle vient de créer à la demande du parfumeur Guerlain, à l'occasion de la Journée internationale des droits des femmes.

Dans ce premier épisode, Christine Spengler revient sur ses premières années, marquées par le traumatisme des séparations, d'abord de ce petit frère adoré, Éric, envoyé en pension chez les Jésuites, puis de sa mère, quand son père divorce et que la petite fille, à l'âge de 7 ans, est envoyée loin du domicile familial chez son oncle Louis, diplomate, et sa tante Marcelle qui vivent à Madrid. Elle s'élève alors dans un monde de paradoxes. Dans ce Madrid sous Franco, elle est fascinée par la vision de scènes étranges qui disent à la fois le luxe de l'aristocratie et la misère sourde des paysans qui poussent leurs charrettes. La jeune fille est choquée autant par les costumes militaires des forces de police, l'architecte monumentale d'une capitale et les inégalités criantes d'une société sclérosée, que par la richesse picturale du Prado où elle découvre Goya, la puissance symbolique de la corrida, les décors des riches églises, l'or omniprésent, l'iconographie et les objets religieux. Mais laissons-nous porter par son récit raconté au micro de Yannick Le Guillanton.

Comment disséquer les strates du récit familial et l'expérience du secret ? Lire l'article sur Hemeria.com https://hemeria.com/podcast-loeil-ecoute-24-alexandra-bellamy-ou-comment-dissequer-les-strates-du-recit-familial-et-lexperience-du-secret/

La Galerie Harcourt accueille en ce moment l'exposition d'Arnaud Baumann consacrée au Palace de Fabrice Emaer, la mythique salle de concert parisienne. À cette occasion, nous vous proposons d'écouter le photographe nous raconter son parcours. Reconnu pour son travail de portraitiste, il revendique son goût des autres qui a toujours guidé ses choix artistiques. Depuis 40 ans, il ne s'est refusé aucun domaine de recherche, aucune technique, aucun sujet, en véritable touche-à-tout. D'abord photographe de presse (en tant qu'indépendant puis chez Sipa), il s'est peu à peu affranchi du monde des médias pour proposer un travail plus personnel, porté par l'exigence et la créativité qui le caractérisent, et ponctué par de nombreux livres parmi lesquels Carnet d'Adresses, Dans le ventre de Hara Kiri et L'âge du siècle. Bonne écoute ! « Fête au Palace », une exposition au Studio Harcourt à Paris, jusqu'au 31 décembre 2022. 6, rue de Lota, 75016 Paris

« Good girls go to heaven, but bad girls go everywhere. » Nous avons quitté Éliane Laffont au moment où elle nous racontait ses premières années new yorkaises, quand, avec le culot obstiné et l'innocence des débutants, elle commença à faire paraître dans Time magazine les premiers reportages en provenance de l'agence Gamma basée à Paris : de véritables histoires, éditées, au cœur de l'actualité, très loin des images habituelles envoyées par les agences filaires.

Indissociable de la trajectoire du photographe Jean-Pierre Laffont, avec qui elle a participé notamment à la création de l'agence Sygma, Éliane Laffont a pourtant sa propre orbite dans l'univers de la photographie. Éduquée dans l'amour des livres et de la chose intellectuelle, férue de philosophie, d'histoire et de géographie, ce n'était pourtant pas le destin que sa famille imaginait pour elle. Leur espoir de la voir devenir la prochaine Simone de Beauvoir s'éteindra en même temps que s'allumera son goût de transgresser les règles, d'affirmer son verbe haut et sa liberté, et de prendre, plus tard, le chemin des images, quand elle s'installe à New York en 1965 pour ne plus jamais en repartir. Bienvenue dans ce premier épisode du podcast consacré à Éliane Laffont. Elle nous entraîne avec cette énergie qui la caractérise dans une histoire personnelle riche, pleine, faite de mille rencontres plus passionnantes les unes que les autres.

Empire State Building, vue aérienne, New York City, 1969. © Jean-Pierre Laffont Nous sommes ravis de vous retrouver pour la suite de cet entretien consacré à Jean-Pierre Laffont. Le photographe français installé à New York poursuit son exploration de la société américaine dont il a toujours partagé le goût de la liberté et de l'action, ainsi que ses récits de reportages à travers le monde. Les histoires qu'il nous raconte et qu'il a vécues sont des témoignages précieux, et elles sont l'essence même de la production d'images : garder des traces, construire une mémoire collective, associer les souvenirs intimes à un récit universel. Bienvenue dans ce deuxième épisode de « L'Œil écoute » de celui qui fut aussi le premier correspondant de Gamma aux États-Unis.

Manhattan, New York City, 28 janvier 1974. © Jean-Pierre Laffont Mohamed Ali avant son second combat avec Joe Frazier. Beaucoup de photographes français ont sillonné les États-Unis, notamment pendant l'âge d'or du photojournalisme des années 60 aux années 90. Rares sont ceux pourtant qui ont décidé de s'y installer pour de bon. C'est le cas de Jean-Pierre Laffont. Fasciné par l'Amérique, il s'y rend à partir de 1965 pour ne plus la quitter. Jean-Pierre Laffont a tout documenté, les grands mouvements de protestation ou de libération, les soubresauts de la vie politique, les évolutions de la société et les grandes figures du monde médiatique, la vie de la Maison-Blanche, le Watergate, sans parler de la construction du World Trade Center jusqu'à sa disparition. Mais comment résumer près de 60 ans de carrière ? Nous avons confié les rênes de ce défi à Yannick Le Guillanton pour vous emporter dans cette plongée puissante au cœur des profonds bouleversements qui ont secoué les États-Unis depuis la guerre du Vietnam. Nous vous invitons à parcourir à leurs côtés et en deux épisodes le portrait de cette nation tumultueuse, toujours au cœur de l'actualité internationale, et dont Jean-Pierre Laffont a su si bien capturer l'énergie vitale.

Podcast « L'Œil écoute » #20 : Floriane de Lassée, d'une discrète fenêtre sur cour à la quête illimitée du lointain et de l'altérité, l'affirmation d'un regard sur le monde. Livre disponible sur Hemeria.com

Quel est l'impact de la photographie, dans sa dynamique de production, sur notre environnement ? De quelle manière le médium est-il soumis lui aussi aux diktats d'une logique de consommation et d'épuisement des ressources ? Comment concilier son métier et les valeurs qu'on défend ? Comment adapter sa technique à ses préoccupations profondes ? Que peut dire la photographie de la transmission, de l'héritage, du lien entre les générations ? Et, finalement, quel est le rôle d'un artiste ? Quand sa pratique devient-elle naturellement la source de son œuvre ? Lire la suite sur Hemeria.com

a carrière photographique de Jérémy Lempin a pris un nouvel élan en 2021 quand il a raconté l'histoire hors-du-commun d'un étalon au sein d'une unité de soins palliatifs, dans un hôpital de Calais. Son reportage, « Docteur Peyo et Mister Hassen », très largement primé, notamment par le Visa d'or Magazine du festival Visa pour l'Image de Perpignan et par le Grand Prix et le Prix Jean-Luc Monterosso des Transphotographiques de Lille, lui a valu une véritable reconnaissance auprès de ses pairs et du grand public, en France et à l'étranger. Pourtant, il n'est qu'une pierre à l'édifice d'un travail documentaire entrepris depuis de nombreuses années. Formé à la photographie, Jérémy Lempin choisit les rangs de l'Armée pour se confronter aux exigences du métier avec l'idée, plus tard, de devenir reporter de guerre. Engagé à 24 ans, il couvre pour le service communication du Ministère les derniers conflits où la France s'est engagée et suit les opérations extérieures des troupes au Mali ou en Centrafrique. S'il a quitté sous-officer les terrains de guerre après 10 années de service, il revient s'y intéresser à l'occasion d'un work shop au Prix Bayeux où il est confronté à l'ampleur des dégâts causés par l'état de stress post-traumatique. Quatre années d'enquête lui sont nécessaires pour documenter ces blessures invisibles et rencontrer des victimes. Ce reportage est publié en 2021 par Le Figaro magazine. .. Lire la suite sur Hemeria.com Habillage musical « L'Œil écoute » #18 : « Drums military », Archimusic « For Reggae », TexasBrother « A band of heroes », NikiNPhaser « Loneliness sad piano », Praded « Claps and Stomp Female Vocals », Orchestralis « Dollars », Soundroll

« il n'y a pas de hasard. » — Les dessous de la production du coffret Lux in Tenebris de Patricia Canino Conversation avec Alain Touminet, cofondateur de Hemeria et de printmodel®

[...] Denis Dailleux serait-il comme ces Égyptiens qu'il photographie un photographe « mendiant et orgueilleux » ? Parce que l'on peut être pauvre mais élégant, vivre de peu mais être fier de sa destinée et de ce que l'on a construit avec les siens, droit et digne face à l'adversité ? Observateur attentif de la société, il est avant tout un sociologue dont l'outil serait la photographie. Attiré par la sincérité de ses sujets, par leur vérité, il affirme qu'« avec la photographie, on découpe le réel, on se reconstruit une vie qui peut être supportable ». [..] - Habillage musical « L'Œil écoute » #17 : Arabic is Remix / Compositeur : Jonathan Shapiro / Éditeur : Kulanu Music Prise de son lors la révolution égyptienne de 2011 par Denis Dailleux Hip Hop Arabic / Compositeur : Jonathan Shapiro / Éditeur : Kulanu Music Gospel Church Choir de Luca Francini

Podcast « L'Œil écoute » hors série #4 : Alice Fernay x Patricia Canino by Hemeria

Podcast « L'Œil écoute » hors série #3 : Lydia Kamitsis x Patricia Canino by Hemeria

Podcast « L'Œil écoute » hors série #2 : Ossian Perez x Patricia Canino by Hemeria

Patricia Canino, connue pour ses courts métrages sur l'art et ses photographies de mode, a réalisé un travail photographique tout particulier sur les icebergs à la dérive du Groenland. Si, du cinéma, elle a gardé le sens de la mise en scène, le travail de la lumière est devenu le cœur de son travail à la prise de vue. Avec les icebergs, les images elles-mêmes deviennent matières à transformation et métamorphoses de la lumière. Des éclats de lumières négatives solarisées vibrent, la profondeur du noir se déploie dans toute sa puissance, le blanc des glaces devient minéral, la surface de l‘eau prend des reflets métallisés. Le calme est là, mais tout présage d'une catastrophe passée ou à venir. À la question de Lydia Kamitsis (historienne de la mode) : « Comment passer du monde du luxe au monde des glaciers, comment photographie-t-on la mode, et après les icebergs », Patricia Canino répond : « C'est tout le chemin entre l'intérieur et l'extérieur. J'aime à travailler la mise en lumière de la matière, des tissus, des formes, des silhouettes de la mode. Ce travail sur la lumière, j'ai eu envie de l'éprouver avec l'extérieur lointain, un monde de l'extrême fait de glace, d'eau, de nuages. Il y a une vraie continuité, un traitement qui se prolonge. »

Podcast « L'Œil écoute » #16 : Régis Samba-Kounzi ou « la nécessité de faire corps tout en gardant ses spécificités ». - La scène photographique africaine, francophone et anglophone, retient de plus en plus l'attention du public et des organisateurs de festivals. Preuve en est la place des artistes issus de ce continent présentés aux dernières Rencontres d'Arles avec THAWRA ! RÉVOLUTION ! SOUDAN, HISTOIRE D'UN SOULÈVEMENT ou The New Black Vanguard. Souvent peu connus en Europe, leur présence manifeste la vigueur de leur création, son foisonnement et la puissance des messages à transmettre, qu'il s'agisse des enjeux liés à l'égalité hommes/femmes ou à la persécution des minorités sexuelles dans certains pays d'Afrique. Parmi ces nouvelles générations, une voix s'élève dans l'espace francophone pour dénoncer le sort des populations homosexuelles ou LGBT. Cette voix est celle de Régis Samba-Kounzi, un artiste qui se définit comme un photographe « afro-queer » dont les racines traversent la France, le Congo-Brazzaville et la RDC. Une épithète qui témoigne de ses choix de vie, de son engagement dans la lutte contre le SIDA auprès d'Act UP-Paris dans les années 2000, mais aussi du combat qu'il mène actuellement auprès des communautés LGBT en Afrique. Yannick Le Guillanton l'a rencontré à Paris pour évoquer son projet « Minorités ». Ses images ne documentent pas seulement son activisme, elles sont avant tout le moyen de raconter des histoires, de rendre visible la vie d'êtres confrontés de près ou de loin à la maladie et de soulever la question de l'homoparentalité... L'article complet sur Hemeria.com/le-magazine - Habillage musical, extraits de "Lion" par Sapajou, "Funk and Clap" et "Brass and Groove" par Loopslab.

« Avec la photographie, j'essaie de saisir une sensation du corps, plus que de saisir un objet à regarder. Avec l'écriture, j'essaie de donner chair. […] La photographie révèle quelque chose de plus énigmatique en moi, que je ne sais même pas formuler. Je ne sais même pas que c'est là avant de l'avoir fait. » Lire la suite sur Hemeria.com

Sophie Zénon mène un travail photographique qui interroge la mémoire et l’oubli, la perte et l’absence, au sein d’une réflexion plus large sur le passage du temps et la mort. Comment rendre compte du passé quand le langage manque ? Comment rendre visible l’indicible ? Quelle histoire, quel imaginaire produire, transmettre quand tout vous manque ? Comment produire des images malgré tout ? Lisez la suite sur Hemeria.com

Sophie Zénon sait que l’histoire est une « matière vivante ». Historienne de formation, inspirée par les travaux de Georges Didi-Huberman, elle a développé une démarche holistique qui s’intéresse plutôt aux petites histoires anonymes qu’à l’épopée des grands bouleversements, et qui donne, en plus d’un solide socle théorique, une vraie place à l’instinct de la chercheuse, l’attirant vers des dimensions oniriques, voire chamaniques. Ses thèmes de prédilection, depuis qu’elle a commencé à utiliser la photographie comme outil de recherche en 1996 jusqu’à en faire une pratique artistique à part entière à partir de 2001, tirent leur source d’un voyage initiatique en Mongolie, qu’elle qualifie volontiers d’« expérience de vie » fondatrice... La suite sur hemeria.com

Portrait de Sabine Weiss : © Peter Adams « Ça vous étonnerait mais je connais très peu les photographes, j’ai eu une vie extrêmement chargée, occupée par ma vie privée, mon mari, mes voyages, ma fille, les bons dîners à faire, beaucoup de copains. Et il n’y avait pas non plus beaucoup d’expositions ». Dans la première partie de notre podcast « L’Œil écoute » consacré à Sabine Weiss, on apprenait comment, fille d’un chimiste-inventeur genevois, elle était venue à la photographie d’abord par la technique. Bricoleuse assoiffée de curiosités, elle n’était entrée dans le métier de photographe professionnelle qu’en arrivant à Paris, point de départ d’une carrière foisonnante. Dans ce second épisode, la dernière lauréate du prix Women in Motion remis par la Fondation Kering en collaboration avec les Rencontres d’Arles revient sur l’ambiance des agences photo pour lesquelles elle a travaillé depuis les années 1950, Rapho en tête, raconte sa rencontre avec Edward Steichen, son exposition à l’Art Institute of Chicago, commente sa volonté de ne pas se cantonner à la photographie de reportage mais de s’intéresser à la photographie sous toutes ses formes, ainsi qu’à tous les sujets. Témoin des bouleversements de nos sociétés urbanisées et des grands événements des années 1960, qu’elle a documentés avec passion, elle s’est surtout intéressée aux gens de la rue et leur vie au quotidien, sans se soucier de savoir si son travail aurait valeur, un jour, de document mémoriel ou de trace pour l’histoire. Elle s’amuse d’ailleurs d’avoir oublié tant de ses images et planches-contacts… Nous vous laissons en très bonne compagnie aux côtés de Sabine Weiss, interrogée par Yannick Le Guillanton.

Sabine Weiss devrait fêter ses 100 ans au Musée de l’Élysée à Lausanne, à qui elle a fait don de l’ensemble de ses archives. Cet anniversaire célébrera une des plus grandes signatures de la photographie mondiale, estimée et admirée unanimement, qui aura connu toutes les grandes transformations liées au médium, celles du photojournalisme, des secteurs de la publicité, de la mode, celles des agences, du changement de statut de l’image... Lire la suite sur Hemeria.com

En ce 15 octobre gris, à Cergy-Pontoise, au sein des locaux de La Poste qui accueillent la 5e édition du festival du Regard, dont l’exposition de quelques clichés de son Voyage mexicain (1965-1966), le froid de la pièce où Bernard Plossu répond aux questions de Yannick Le Guillanton n’a d’égal que la chaleur de son regard et l’intensité de sa flamme pour la littérature, la peinture et la photographie. S’il parle vite, c’est parce qu’il a beaucoup à dire. S’il parle vrai, c’est parce qu’il...Lire la suite sur Hemeria.com

« La femme est un moment furtif qu’il faut savoir saisir. » Ne pas faire de photographies qui soient cataloguées comme des photographies de mode, c’était certes la demande des magazines pour lesquels il travaillait, mais c’était surtout la volonté d’André Carrara : dans le Marie Claire des années 1980 et 1990, à Elle, chez Vogue ou Cosmopolitan, dans le Marie Claire bis, considéré comme la référence par les historiens de la mode, le photographe a ainsi pu exprimer toute sa palette créative. En conciliant mode et reportage, photographie et art, il a fait entrer la rue et la beauté naturelle des femmes au cœur de sa quête esthétique faite d’élégance, de style et de glamour. Sa carrière fut entièrement dédiée à célébrer la féminité ; il créait des images «sans artifices», pleinement conscient de vivre une époque bénie, entouré des plus grands talents de son temps, photographes, couturiers, stylistes, directeurs artistiques, rédactrices. Témoin, après 1968, de la libération du carcan emprisonnant les femmes, il a mis en images l’affirmation de leur personnalité. La femme André Carrara est une héroïne de cinéma qu’il met en scène pour mieux la sublimer. Il la voit déterminée, en mouvement, libre, le regard franc et volontaire, affirmée dans sa séduction, actrice de son destin. Une femme en laquelle chaque lectrice pouvait se reconnaître, s’identifier ou s’inventer. Paloma Picasso a souligné que «Marie Claire avait su montrer l’image d’une femme moderne, bien ancrée dans la vie, qui prend sa place et façonne le monde à son image.» André Carrara n’a pas eu son pareil pour véhiculer et transmettre cette modernité. Ses photographies sont intemporelles. Chacune d’elles est une histoire singulière qu’il nous raconte. En 2020, après le porno chic ou la débauche des moyens mis au service de la haute couture, la simplicité sophistiquée des images d’André Carrara célèbre le retour de l’élégance et de la beauté brute. Un mélange de rêve, de réalisme et de fiction, où les références de l’art contemporain sont là pour mettre en valeur le vêtement grâce à un langage photographique puissant. Certaines de ses images sont devenues iconiques, restait à mettre un nom sur ces clichés de légende. Interrogé par Yannick Le Guillanton, André Carrara évoque ses débuts à la SNIP, ses rencontres, son amour du cinéma et sa conception du métier. Avec lui, nous entrons à la fois dans la petite et dans la grande histoire de la photographie de mode, aux côtés de Saint-Laurent, Courrèges ou Lagerfeld...

Au sein de la photographie contemporaine, l’artiste Laurence Leblanc a tracé un chemin tout à fait singulier, éloigné des choses attendues ou des cases habituelles, et à l’écart des contingences du marché de l’art. Son œuvre plastique, un dialogue constant entre photographie, vidéo et son, fait confiance à son instinct. Surtout, elle est fidèle à la manière dont son histoire s’est construite, sur le socle d’une « liberté guidée » acquise dans ses jeunes années au sein d’un atelier de l’école Martenot. Avec Yannick Le Guillanton, nous faisons un tour d’horizon des différents moments de son parcours professionnel commencé aux côtés de Jacques Higelin puis de Peter Gabriel qu’elle a suivi lors de sa tournée mondiale « Secret World » au début des années 1990. Photographe de l’émotion, elle n’a eu de cesse de chercher à nous montrer ce qui se cache « sous l’apparente surface des choses et des êtres ». Avec Laurence Leblanc, la photographie est cet art de rendre visible l’invisible, d’immortaliser un monde avant qu’il ne disparaisse ou de rendre hommage à ceux qui ont survécu ou qui vivent au-delà de la mort, qu’il s’agisse des âmes errantes des victimes du génocide perpétré par les Khmers rouges qu’elle a cherché à faire surgir en faisant le portrait des figurines en argile de « L’Image manquante » du cinéaste Rithy Panh ou qu’il s’agisse des enfants qu’elle a saisis dans les rues cambodgiennes en produisant des images où le flou magnifie à merveille le mouvement pour la vie, coûte que coûte.

Lors du premier volet de L’Œil écoute consacré à Sylvie Hugues, vous l’avez entendue évoquer la programmation du Festival du Regard, qui se déroulera finalement jusqu’à fin décembre à Cergy-Pontoise. L’ancienne directrice de la rédaction de Réponses-Photo est également revenue sur les différents workshops qu’elle organise avec la photographe Flore pour faire « accoucher » les stagiaires qu’elle accueille des projets les plus prometteurs. Ce deuxième volet vous dévoile une facette plus intime de la femme et surtout de la photographe qu’elle est aussi. Si Sylvie Hugues a toujours été discrète sur sa pratique, nous découvrons que celle-ci a été incessante depuis son plus jeune âge. Avec Yannick Le Guillanton, elle se raconte et revient à la fois sur les livres qu’elle a déjà publiés mais surtout sur « El Pueblo », le travail récent et très personnel qu’elle a entrepris de mener à bien lors de sa résidence à la Fondation des Treilles. Elle explique comment elle vient puiser son inspiration dans un passé où la brutalité d’un licenciement professionnel a fait resurgir la tragédie d’une enfance heureuse en Espagne soudainement brisée par le drame. La photographie comme catharsis, comme outil pour se confronter aux souvenirs d’une histoire familiale… Écoutons le récit de Sylvie Hugues qui confirme sa passion pour l’écrit et la narration photographique et son souhait de la partager avec le plus grand nombre.

Sylvie Hugues compte parmi les personnalités les plus investies pour défendre la photographie sous toutes ses formes. Certains pourraient la qualifier d'incontournable mais ce serait pour mieux saluer son implication sans faille pour transmettre le goût de la photographie auprès du plus grand nombre. Parmi ses nombreuses activités, elle est, avec Mathilde Terraube, la directrice artistique du Festival du regard, qui met la photographie à l'honneur dans l'ouest parisien depuis sa création par Éric Vialatel en 2015. Yannick Le Guillanton a rencontré cette amoureuse de la photographie et des livres cet été, alors qu'elle était en pleine préparation de la 5e édition du festival qui ouvrira ses portes à Cergy-Pontoise ce 9 octobre. Avec lui, elle revient sur l'identité de ce jeune festival, sur la programmation éclectique mais très cohérente qu'elle a élaborée autour de la thématique des voyages extra-ordinaires avec un fil conducteur en forme de question : « Que reste-t-il de l'esprit des grands photographes voyageurs qui ont fait découvrir le monde, dans sa beauté comme dans ses violences, au moment où tout est vu, filmé, diffusé, commenté en temps réel ? ». Elle revient aussi bien sûr sur son parcours personnel, en évoquant d'abord son rôle dans la création du magazine Réponses photo et son métier de rédactrice en chef du mensuel dont elle a été aux commandes de 1992 à 2014 avec Jean-Christophe Béchet, puis en abordant avec passion ses missions régulières de lecture de portfolios et d'organisation de masterclass en compagnie de la photographe Flore où elle permet à de nouvelles écritures visuelles d'émerger et de se faire connaître. La pédagogie, la volonté de créer des passerelles, des rencontres, l'ouverture d'esprit, la confrontation des regards, la curiosité, c'est tout cela qui porte Sylvie Hugues et lui donne une énergie qu'on lui envie. Écoutons-la dans cette première partie du podcast L'Œil écoute.

L’univers de la photographie et plus globalement de l’imprimé a longtemps été « un monde en noir et blanc », pour reprendre l’expression de l’historien Michel Pastoureau. Faute de techniques disponibles, le monde réel, reproduit en images photographiques, restait donc dans des niveaux de gris. Aujourd’hui encore, le noir et blanc est très souvent utilisé par les photographes. Olivia Gay, elle, travaille en couleur. Lors de cette interview, elle revient sur les fondements de sa démarche photographique et sur la manière dont elle utilise la couleur pour composer et rendre visible. Sa réflexion s’appuie sur de nombreuses références, philosophiques, littéraires, et offre un panorama très riche de toute la palette de cette créatrice passionnée et passionnante.

Voici la 2e partie de l’Œil écoute consacrée à Pascal Maitre. Nous l’avons quitté au moment où il évoquait les conséquences de l’arrivée du numérique sur le métier de photojournaliste. Il nous rappelait à juste titre que l’appareil ne fait pas le photographe, tout comme le ballon ne fait pas le génie du foot. Aujourd’hui au sein de l’agence Myop, il nous raconte ses pérégrinations aux confins d’un monde – l’Afrique – à la géopolitique mouvante. Dans ce volet, il revient ainsi sur l’Éthiopie de 1984, sur la Somalie de 2002 et 2011 et évoque son travail plus récent réalisé à Kinshasa. En filigrane, se dessinent les tenants d’une pratique où le temps joue un rôle crucial dans son approche de création et sa quête d’informations. Il a su convaincre les journaux pour lesquels il collabore que sans le temps long, il n’est pas de sujets qui tiennent la route. Conscient de la portée d’une photographie lorsque des événements tels que des famines se déroulent loin des regards, il sait aussi que « la photographie n’est qu’une question de choix. » Ses choix l’ont toujours guidé vers une photographie tournée vers l’humain, et la volonté de témoigner de sujets dont les impacts touchent autant le particulier que le collectif, comme il l’a fait fin 2017 lors de son exposition « Quand l’Afrique s’éclairera » ou quand il nous parle de sa rencontre avec la militante Marguerite Barankitse. Bonne écoute.

Yannick Le Guillanton a recueilli les propos de Pascal Maitre, un des plus grands photojournalistes de sa génération. Pascal Maitre n’a pas son pareil pour raconter des histoires. Il les raconte en images, bien sûr, pour les plus grands magazines du monde (Paris Match, Le Figaro magazine, Stern, National Geographic aux États-Unis, Géo en Allemagne, etc), mais cette interview est l’occasion d’écouter sa voix et le récit des rencontres qui ont ponctué sa vie de reporter. Voici donc la première partie d’une histoire digne des écrivains-voyageurs qui l‘ont fait rêver, depuis ses débuts à Jeune Afrique en 1979, sa collaboration avec Gamma, la création de l’agence Odyssey Images, en 1989, jusqu’au bouleversement du métier induit par l’arrivée du numérique et du téléphone mobile. Avec, en pointillé, un hommage à ses consœurs et confrères.

Yannick Le Guillanton a recueilli les propos de Frédérique Founès, la cofondatrice avec Marie Karsenty de l’agence Signatures. Avec lui, elle revient sur son parcours, depuis ses premières amours pour le cinéma, dont elle a arpenté les plateaux plusieurs années, jusqu’à la création, en 2007, de Signatures pour continuer de « raconter des histoires en images ». Écouter Frédérique Founès, c’est avoir un aperçu, lucide, de l’évolution du marché de la photographie de ces dernières décennies et du rôle de ses principaux acteurs. C’est comprendre comment les bouleversements au sein de la presse, avec l’arrivée du numérique, ont reconfiguré le paysage du secteur et fragilisé les sources de revenus des photographes, leurs prises de risque et leurs pratiques. C’est surtout apprendre comment une agence fonctionne : ce n’est pas pour rien que Signatures se présente comme une « maison de photographes ».

Elle évoque son parcours, ses inspirations, son approche de la photographie, documentaire pour ne pas dire sociologique, et son attachement particulier à décortiquer les relations entre l’individu et le collectif au sein d’espaces où ils sont étroitement liés, dans le travail, au sein de centres d’accueil, ou en maisons d’arrêt. Photographe « concernée », dans le sens défini par Cornell Capa, elle est une femme qui photographie d’autres femmes, toujours avec la bonne distance, celle qui lui permet à la fois d’entrer avec elles dans une pratique de réciprocité et d’enrichir sa réflexion sur l’évolution de leur rôle dans notre société. Photographe du dedans comme du dehors, de l’intime comme du monde extérieur, du corps comme de l’âme, elle porte un regard émouvant et intelligent sur ses contemporains tout en nous interrogeant sur l’isolement et la solitude des individus, sur le mystère du monde.

Résidente à la Cité internationale des arts depuis septembre 2019, diplômée de l’International Center of Photography à New York, Amira Alsharif documente depuis maintenant 17 ans le quotidien des femmes yéménites avec passion. Un travail pour lequel elle a mis sa vie privée entre parenthèses afin de s’immerger de longs mois auprès de celles qui sont pour elle bien plus qu’un sujet photographique.

Depuis l’apparition des premières peintures sur les parois des grottes préhistoriques, la couleur a joué un rôle primordial dans notre représentation du monde, notre représentation du réel. À l’heure de la suprématie de l’image, partagée sur les réseaux sociaux, nous avons souhaité interroger les photographes sur la couleur, la manière dont ils l’utilisent pour construire leurs images. Pour inaugurer cette série de réflexions autour de cette notion, nous avons souhaité rencontrer Franck Ferville, photographe de portrait représenté par l’agence Vu.Article de présentation de notre série à lire ici Le lien : https://hemeria.com/la-couleur-en-photographie/