Oldies

«Remain in Light», el cuarto álbum de la banda Talking Heads, fue publicado en 1980. Se trata del tercer y último trabajo que contó con la producción de Brian Eno. Talking Heads descartaron los temas compuestos con anterioridad y construyeron el nuevo proyecto sobre improvisaciones en el estudio, que mezclan rock, el funk y el punk con géneros africanos. «Remain in Light» fue aplaudido por su experimentación sonora e innovaciones rítmicas, definido como un puente entre géneros musicales divergentes, con el que Talking Heads llegaron a su plenitud, un álbum tan inventivo como influyente.

En el mes de abril de 1972, Deep Purple alcanzó el #1 con su sexto álbum, «Machine Head», un clásico absoluto del hard rock, compuesto en la carretera y grabado en el casino de Montreux (Suiza) con el estudio móvil de los Rolling Stones. Descubre en nuestro programa qué incidente inspiró «Smoke On The Water», la canción que convirtió «Machine Head», publicado el 30 de marzo de 1972, en el mayor éxito comercial de la banda y sigue siendo una referencia imprescindible del rock.

El 14 de abril de 1983, David Bowie conquistó el mundo con «Let's Dance», un álbum que transformó su carrera. Contó con la producción de Nile Rodgers, una banda estelar con Stevie Ray Vaughan a la guitarra, y un proceso de grabación vertiginoso que dio vida a un disco icónico en sólo 17 días. El éxito de «Let's Dance» llevó a David Bowie a una gira de estadios masivos y le convirtió en una superestrella, aunque a un precio: su relación con la música y el público comenzó a cambiar.

«Crime of the Century», el tercer álbum de estudio de Supertramp, no solo consolidó el sonido único de la banda, sino que también presentó por primera vez a su formación más icónica: Roger Hodgson (teclado y guitarras), Rick Davies (piano), John Helliwell (instrumentos de viento), Bob Siebenberg (batería) y Dougie Thompson (bajo). Con la producción del legendario Ken Scott, conocido por su trabajo con los Beatles y David Bowie, este álbum es una joya conceptual que mezcla el rock progresivo con melodías pop irresistibles. De los casi 40 temas escritos por Hodgson y Davies, solo ocho fueron seleccionados. El título del álbum, inspirado en su tema más potente, refleja la intensidad y profundidad emocional que caracteriza esta obra.

El cuarto álbum de Blur, «The Great Escape», fue publicado en el mes de septiembre de 1995. Fue un año clave para los grupos del britpop, de entre los cuales destacó Blur, cuya música estaba llegando a un público cada vez más amplio. Durante esta época, la rivalidad de Blur con los Oasis de Manchester vivió su capítulo más famoso el 14 de agosto de 1995, día del lanzamiento del single principal de los respectivos nuevos trabajos de las dos bandas. «Country House» de Blur contra el «Roll With It» de Oasis. El éxito del «The Great Escape» sólo intensificó la fama de Blur, y el vocalista Damon Albarn terminó huyendo del ruido y los flashes viajando a Islandia.

«Blood on the Tracks», publicado a principios de 1975, es una ventana a la vida personal de Bob Dylan, al detallar las emociones que estaban provocado en Dylan su matrimonio en crisis. Dylan no se decidía si grabar «Blood on the Tracks» en formato acústico o con un grupo de acompañamiento eléctrico, lo que retrasó su publicación. Cuando por fin vio la luz el 20 de enero de 1975, «Blood on the Tracks» recibió críticas dispares, pero con el tiempo, ha sido aclamado como uno de los mejores álbumes de Bob Dylan, que mostró su destreza creativa.

Los Café Racers era una banda singular. Inspirada en el rockabilly de los años 50, del blues y el country, no encontraba su público en plena ola punk y del rock progresivo. Formado por un profesor de inglés enamorado del jazz y country llamado Mark Knopfler, el grupo sufría graves apuros económicos que llevaron a un cambio de nombre a Dire Straits. En febrero de 1978, Dire Straits grabaron su álbum debut en los estudios de Basing Street, Londres. Publicado a finales del mismo año, rápidamente entró en el Top 10 en toda Europa. La crítica aplaudió el álbum debut de Dire Straits, comparando la composición de Mark Knopfler con la de Bob Dylan. La revista Rolling Stone destacó que la fortaleza de la banda residía, precisamente, en ser consciente de que su estilo no encajaba con la industria actual.

El 7 de febrero de 1964, comenzó la revolución musical conocida como La Invasión Británica. Ese día, un avión despegó del aeropuerto de Londres con destino a Nueva York. A bordo, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Los Beatles llegaban a Estados Unidos tras una exitosa gira por Francia, y con un objetivo claro: conquistar América. El presidente John F Kennedy había sido asesinado a finales de noviembre de 1963, y Estados Unidos necesitaba una alegría. El momento culminante de la gira fue la actuación de Los Beatles en el programa de Ed Sullivan el 9 de febrero de 1964, que tuvo una audiencia de más de 73 millones y medio de personas.

En 1974, Dolly Parton había conseguido algo de fama con sus colaboraciones con el músico Porter Wagoner, pero sabía que necesitaba un éxito propio para impulsar su carrera en solitario. El álbum «Jolene» marcó un antes y un después en su trayectoria, con el que llevó el country a un público más amplio y muestra a Dolly Parton en su mejor momento.

En 1968, los Yardbirds se disolvieron y Jimmy Page formó un nuevo grupo con John Paul Jones, Robert Plant y John Bonham. Tras una exitosa gira en el norte de Europa, la banda adoptó el nombre Led Zeppelin. En solo 36 horas, grabaron su álbum debut en los Olympic Studios. El disco mezclaba temas originales y versiones de clásicos blues y folk, estableciendo las bases del hard rock.

A finales de 1977, los Rolling Stones estaban en una encrucijada. Su popularidad había caído en picado desde 1976, con nuevos grupos como Kiss y Aerosmith dominando las listas en América y la ola punk ganando fuerza en Reino Unido. Para colmo, Keith Richards fue acusado de tráfico de drogas, enfrentándose a una posible condena de siete años en Canadá, que sería el golpe definitivo para la banda. En medio de esta crisis, Mick Jagger y el guitarrista Ronnie Wood asumieron el reto de sacar adelante su nuevo proyecto, «Some Girls», publicado en junio de 1978, que marcó un retorno a las raíces de los Stones, con influencias de la música disco y la energía punk. A pesar de su polémica portada y letras, que dividieron a los fans, el álbum fue un éxito comercial, alcanzando el #1 en la lista Billboard y convirtiéndose en el álbum más vendido de la banda en América, demostrando la capacidad de los Stones de adaptarse a los tiempos, sin perder su esencia.

Sinéad O’Connor se convirtió en una fuerza arrolladora de la música de los años 90 cuando publicó su segundo álbum, ‘I Do Not Want What I Haven't Got’. En él, la cantante irlandesa utilizó su voz intensa, su sinceridad emocional y su desafío a las normas sociales para firmar un álbum en el que exploraba su camino espiritual. Producido por O'Connor, el álbum mezcla rock alternativo, pop y elementos de música tradicional irlandesa, con una producción minimalista que permite que su voz sea la protagonista. "Nothing Compares 2 U", compuesto por Prince, aupó al álbum a lo más alto de las listas de éxitos y catapultó a Sinéad O'Connor a la fama internacional, pero para ella era más importante su lucha por la autenticidad que convertirse en una estrella.

Durante el verano de 1978, Billy Joel entró en los estudios A&R de Nueva York dispuesto a repetir la fórmula de ‘The Stranger’, uno de los mejores álbumes del pianista hasta la fecha. En ‘52nd Street’, Billy Joel traza un retrato robot de la música de finales de los años 70, una época marcada por la exploración musical. La mezcla de rock, glam y jazz de ‘52nd Street’ mostró la adaptabilidad de Billy Joel, su voluntad de experimentar con diferentes estilos, y le dio carta blanca para continuar su camino musical hacia el rock político de los años 80.

‘Tumbleweed Connection’ es considerado uno de los mejores álbumes de country-rock por un artista fuera de América. La crítica lo ha descrito como “un álbum cercano a la perfección” y “un clásico indiscutible”. Entonces, ¿por qué es tan desconocido dentro de la discografía de Elton John? Publicado el 30 de octubre de 1970, la colaboración magistral entre Elton John y el compositor Bernie Taupin demostró que dos londinenses podían codearse con los grandes autores de música americana. Con un sonido y una portada que recuerda a las películas del lejano Oeste, ‘Tumbleweed Connection’ es una joya musical.

En 1975, Stevie Wonder estuvo a punto de dejar la música. A pesar del éxito rotundo de sus últimos cuatro álbumes, estaba agotado. Tras casi 15 años de carrera, consideraba un futuro en Ghana, dedicándose a labores humanitarias. Pero Berry Gordy, presidente de Motown, lo convenció para renovar con el sello. Tras un año sabático, Wonder lanzó su decimoctavo álbum, 'Songs in the Key Of Life', en septiembre de 1976. Este álbum doble, con un EP extra, es la cúspide de su periodo clásico, iniciado en 1972. Artistas como Elton John, Michael Jackson y George Michael han reconocido su influencia, y es el álbum del que más orgulloso se siente Stevie Wonder, en que plasmó su visión de la vida, su carrera y su relación con el mundo.

El 2 de octubre de 1981, el mismo día en que Sting cumplía 30 años, The Police publicaron su cuarto álbum, ‘Ghost in The Machine’. El disco fue grabado en un momento en que el trío se encontraba en la cresta de la ola, pero al borde de la separación. The Police, junto al productor Hugh Padgham, dieron una vuelta de tuerca a su música, equilibrando el reggae y punk de sus comienzos con elementos progresivos y sintetizadores. El grupo se convirtió en la mejor banda del mundo, pero para entonces, la dinámica del trío se había perdido.

En el verano de 1969, los Beatles grabaron su último álbum en los estudios EMI de la calle Abbey Road. El disco incluye algunas de las canciones que figuran entre las mejores compuestas por el cuarteto de Liverpool. A pesar del buen ambiente en el estudio durante la grabación, el 20 de septiembre de 1969 John Lennon anunció su salida del grupo. Publicado seis días después, ‘Abbey Road’ se convirtió en uno de los mejores trabajos del cuarteto de Liverpool, gracias a una portada icónica y a su sofisticada producción.

Celebramos el episodio 100 de Oldies con un álbum icónico: ‘The Wall’ de Pink Floyd, en el que la banda lanzó un potente mensaje sobre el aislamiento y por qué es necesario derribar los muros que nos separan. Sin embargo, la grabación de ‘The Wall’ dinamitó la relación entre los miembros de Pink Floyd, y las sesiones terminaron con la expulsión del pianista Richard Wright, que no volvió a la banda hasta 1987. Publicado el 30 de noviembre de 1979, ‘The Wall’ es el segundo álbum más vendido de Pink Floyd después del ‘Dark Side Of The Moon’, con más de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo.

El quinto álbum de Metallica, publicado en agosto de 1991, es conocido por su portada en negro que muestra el logo de la banda y la serpiente cascabel de los estados del sur de EE.UU. ‘Metallica’ marcó un cambio en la música del grupo, con un sonido más lento, simple y refinado en contraste con las canciones largas y complejas de álbumes anteriores. En su apuesta por la simplicidad, ‘Metallica’ reavivó el heavy metal, y es un buen punto de partida para los novatos en el género, gracias a sus canciones más concisas y su explosiva producción. Como consecuencia, ‘Metallica’ se convirtió rápidamente en el disco más vendido de la banda, superando las 30 millones de copias, la mitad de ellas solo en EE.UU.

En 1985, Genesis se reunió después de un año de descanso para componer el álbum ‘Invisible Touch’, que tiene como columna vertebral la improvisación de Tony Banks, Phil Collins y Mike Rutherford. Publicado en junio de 1986, ‘Invisible Touch’ es el álbum más vendido de Genesis, superando las seis millones de copias vendidas en el Reino Unido y EE.UU. A pesar de su éxito, las críticas de ‘Invisible Touch’ destacaron que Banks y Rutherford ejercían de músicos de sesión de Phil Collins, que seguía saboreando el éxito de su álbum discotequero ‘No Jacket Required’. Con ‘Invisible Touch’, Genesis bajó del Olimpo del rock artístico y se subió a la ola de sobreproducción ochentera.

El segundo álbum de Queen fue grabado en el verano de 1973 en los estudios Trident de Londres. En esta ocasión, Queen tuvo la posibilidad de grabar a su horario y ritmo, con el tiempo necesario para experimentar con nuevas técnicas, texturas y sonidos. ‘Queen II’ reflejó los principales ingredientes que la música de la banda tendrá en el futuro: Overdubs de varias capas, armonías vocales y una variedad de estilos musicales. ‘Queen II’ dividió los lados del vinilo en la Cara Blanca y la Cara Negra. La banda llevó la dicotomía del blanco y el negro a la imagen del álbum, obra del fotógrafo Mick Rock, y al escenario, llevando combinaciones de blanco y negro durante los conciertos de la gira. ‘Queen II’ permanece el Gran Desconocido entre la discografía de Queen. Con los años, sigue aumentando su estatus de álbum de culto entre fans, crítica y otros músicos.

A principios de 1980, Cindy Lauper, en bancarrota, dejó a su banda Blue Angel y volvió a su vida de trabajo en una tienda de ropa de segunda mano durante el día y a cantante de bar de noche. En una de esas noches conoció a David Wolff, quien ofreció ser su manager y fichó a la artista para Portrait Records, hermana menor de Epic Records, con la que publicó su álbum debut. ‘She’s So Unusual’ tomó la new wave como columna vertebral, con las canciones influenciadas por el synth pop y pop rock. El álbum contó con seis sencillos, incluyendo ‘Girls Just Wanna Have Fun’ y ‘Time After Time’, que fueron éxitos mundiales y convirtieron a Cindy Lauper en una de las primeras artistas habituales del canal musical MTV. El éxito de ventas, crítica y premios de ‘She’s So Unusual’ llevó a Cindy Lauper a las portadas de las revistas, tras firmar “un clásico que mezcla confianza, pop efervescente, sentimentalismo y humor inteligente”.

“One of These Nights”, publicado en el mes de junio de 1975, convirtió a Los Eagles en estrellas mundiales. Sin embargo, su éxito no evitó el fin de la formación original del grupo californiano. El álbum se compuso en una época marcada por la dimisión de Richard Nixon y el amanecer de la música disco, y con el objetivo claro de separarse de las baladas country que habían sido marca de la casa. “One Of Those Nights” supuso el primero de una racha de álbumes en el #1 para los Eagles, y entró en la categoría de Disco de Platino tras superar las cuatro millones de copias vendidas en Estados Unidos. Muchos lo consideran uno de los mejores álbumes de la discografía de los Eagles.

Supertramp tardaron diez años en publicar lo que muchos consideran su obra maestra. ‘Breakfast in America’, publicado a mediados del mes de marzo de 1979, registró el momento en que las composiciones del pianista Rick Davies y el guitarrista Roger Hodgson alcanzaron su cénit comercial. A la vez, las sesiones del ‘Breakfast in America’ demostraron que la relación entre ambos compositores era la del agua y el aceite y se decía que muchas de las canciones del álbum estaban dirigidas a criticar al otro. Con todo, ‘Breakfast In America’ pronto se convirtió en el álbum más vendido de Supertramp. Alcanzó la categoría de Disco de Oro en abril de 1979 y encabezó las listas de éxitos en Estados Unidos, Reino Unido, Noruega, Austria, Canadá, Australia y Francia.

En 1968, los Who planteaban disolverse. Su último single apenas llegó al Top 20 de las listas de éxitos, y la banda dependía del dinero que recaudaba en sus conciertos. Los Who sabían que se jugaban mucho con su siguiente álbum, “Tommy”. El disco, compuesto en su mayoría por el guitarrista Pete Townshend, narra la historia de Tommy Walker, un chico que queda sordo, mudo y ciego tras presenciar un evento traumático, pero descubre que tiene un talento excepcional para el pinball. Cuando “Tommy” vio la luz el 19 de mayo de 1969, la crítica lo aclamó como la obra maestra de la discografía de los Who, que revitalizó la carrera del grupo y lo salvó de la bancarrota.

En 1987, The Cure alcanzó la fama con su álbum “Kiss Me Kiss Me Kiss Me”, pero el vocalista Robert Smith no veía con buenos ojos la creciente popularidad del grupo. Quería que el público tomase su música en serio, y la única manera de quitarse la careta pop era regresando al lado oscuro de la banda. El octavo trabajo de The Cure, “Disintegration”, publicado en mayo de 1989, marcó el regreso a las raíces de rock gótico y letras introspectivas de los primeros discos de la banda. El éxito de ventas de “Disintegration” confirmó los temores de Smith: The Cure era un grupo que llenaba estadios, y declaró que "nunca fue intención de la banda llegar a ser tan grandes".

La publicación del «Greatest Hits» de ABBA en 1976 permitió al cuarteto formado por Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny Andersson y Anni-Frid Lyngstad ganar tiempo para preparar lo que se convertirá en su mejor álbum. «Arrival», publicado en octubre de 1976, incluyó varios de los temas clásicos del repertorio de ABBA, como ‘Dancing Queen’, ‘Knowing Me, Knowing You’ o ‘Money, Money, Money’. «Arrival» llevó a Europa y EE.UU. la ABBAmanía, convirtiéndose en el disco más vendido de 1977 y disco de Oro. Es un álbum clave en la discografía de ABBA, que sustituyó los temas pop por un estilo musical más pulido que mezclaba diferentes géneros.

El éxito de Eric Clapton durante la primera mitad de los años 70 contrastó con las dificultades en su vida privada. El alcohol fue el combustible de sus conciertos, en los que el guitarrista tocaba borracho. Asimismo, el guitarrista había recuperado el contacto con la modelo Pattie Boyd, que había dejado a su marido, el ex beatle George Harrison. Sin embargo, la relación entre Pattie Boyd y Eric Clapton estuvo afectada por las adicciones. Cada vez más cansado de su estatus de dios de la guitarra, Eric Clapton grabó el álbum «Slowhand» como un músico más de la banda del bajista Carl Radle, el teclista Dick Sims y el batería Jamie Oldaker. El resultado, publicado en noviembre de 1977, es uno de los mejores álbumes de Clapton a nivel crítico y comercial.

El rock alternativo de los años 90 nació con “Blood Sugar Sex Magik”, el quinto álbum de los Red Hot Chili Peppers, publicado en septiembre de 1991. Con ayuda del productor Rick Rubin, que aportó consejos para mejorar el sonido y las letras de la banda, los Red Hot grabaron el álbum en la mansión del mago Houdini. Durante un mes, tanto el vocalista Anthony Kiedis como el guitarrista John Frusciante apenas salieron de su habitación. A John Frusciante le costó adaptarse de nuevo a la vida de gira, durante la cual anunció su intención de dejar los Red Hot Chili Peppers en mayo de 1992. Para entonces, “Blood Sex Sugar Magik” había llegado a la categoría de Disco de Platino, alcanzado el #3 en las listas americanas, y sus ventas subían como la espuma, superando las 13 millones de copias vendidas en todo el mundo.

U2 celebraron la llegada del año 1983 en pie de guerra. «War» , el tercer álbum de la banda irlandesa, toma una senda política y reivindicativa después del muy personal «October» . Publicado el 28 de febrero de 1983 y producido por Steve Lillywhite, «War» , denuncia la guerra y sus consecuencias psicológicas y emocionales y rompió la imagen que muchos tenían de U2. Con el álbum todavía sin acabar, U2 salieron de gira. A medida que las ventas de «War» aumentaban, el grupo tocó en escenarios cada vez más grandes, convirtiéndose en una de las mejores bandas en directo del momento.

Los Beatles publicaron su álbum debut, «Please Please Me», en marzo de 1963. El álbum fue producido por George Martin, que había quedado impresionado con la energía del grupo. Martin quiso grabar un elepé en The Cavern, el bar de Liverpool donde, desde 1961, Los Beatles habían tocado cerca de 300 veces, pero no era el escenario apropiado. Por tanto, el productor llevó al grupo al estudio EMI de la calle Abbey Road, en Londres y grabó el álbum en una sesión maratoniana de 10 horas el 11 de febrero de 1963. «Please Please Me» permaneció más de un año en el Top 10 de las listas británicas tras ser publicado a mediados de marzo de 1963 y solo bajó del primer puesto para acomodar el segundo álbum de los Beatles, en mayo de 1963. Pronto se convirtió en uno de los mejores álbumes debut de todos los tiempos.

Genesis publicó su álbum «A Trick Of The Tail» a principios de febrero de 1976. Fue el primer álbum en que Phil Collins salió de detrás de la batería para ponerse enfrente del micrófono tras la marcha de Peter Gabriel en 1974. Dentro y fuera de Genesis había dudas de que el grupo, reducido a un cuarteto, pudiera seguir adelante, pero «A Trick Of The Tail» fue Disco de Oro y entró en los primeros puestos de las listas. El éxito del álbum fue la puerta a la fama de Genesis en Estados Unidos, un mercado que siempre se le había resistido, dando lugar a la etapa que, si bien es la más criticada, es la más exitosa de Genesis.

A principios de 1975, los miembros de Queen se encontraban en una situación financiera desesperada que tuvo un efecto contrario en la creatividad del grupo. Queen se jugó su supervivencia con la grabación de su cuarto álbum, «A Night At The Opera». Sin límites en la producción, pronto fue considerado el elepé más caro de la historia hasta el momento, alcanzando las 360 mil libras actuales. «A Night At The Opera» es el álbum en el que la creatividad de Queen alcanzó su cúspide y convirtió al grupo en estrellas mundiales, aupado por la canción ‘Bohemian Rhapsody’, cuyo éxito llevó al elepé a lo más alto de las listas.

George Michael tenía 24 años cuando publicó su primer álbum en solitario, «Faith», con el que entró en la liga de los grandes nombres del pop de los 80. Las canciones de «Faith» suenan a R&B, funk y soul, pero con letras introspectivas polémicas. La revista Rolling Stone alabó el trabajo de George Michael en «Faith» como “uno de los artesanos meticulosos del pop”, confirmando su legítimo lugar en la cima del género, junto a Michael Jackson y Prince. A pesar de las buenas críticas, y de ganar varios premios Grammy, incluyendo Disco del Año, George Michael no supo cómo gestionar el éxito de «Faith».

El disco «Imagine» (1971) contiene la canción más conocida de un ex beatle en solitario. Tras la experiencia terapéutica del «Plastic Ono Band» (1970), para John Lennon había llegado el momento de volver a hacer música comercial, dando a sus composiciones "un baño de chocolate". «Imagine» fue escrito y grabado en un periodo particularmente difícil en la relación entre Lennon y Paul McCartney. Lennon se obsesionó con los supuestos ataques por parte de su antiguo compañero de composición en su álbum «Ram», y decidió devolver el golpe en «Imagine» en temas como «Crippled Inside» y «How Do You Sleep?». «Imagine» fue un éxito de crítica y público cuando fue publicado en 1971, alcanzando el #1 a ambos lados del Atlántico. El propio McCartney alabó el álbum. Esto encendió la ira de Lennon, que criticó el sonido comercial de un álbum “antirreligioso, antinacionalista, anticonvencional y anticapitalista, pero recubierto de azúcar”.

Jeff Buckley se convirtió en una leyenda de los años 90 con su álbum «Grace», el único trabajo publicado en la vida del artista, que fue encontrado ahogado en el Mississippi en 1997. «Grace» fue publicado en agosto de 1994, y recibió el aplauso de David Bowie, Paul McCartney o Bob Dylan, quien nombró a Jeff Buckley uno de los mejores compositores de la década. Sin embargo, Jeff Buckley no pudo saborear el éxito de «Grace». Su cuerpo fue descubierto en el río Mississippi en mayo de 1997. Si bien el impacto de «Grace» en su momento fue mínimo desde el punto de vista crítico y comercial, la temprana y trágica muerte de Jeff Buckley disparó el interés por el álbum, y pronto se convirtió en uno de los discos más populares de los años 90 firmado por un artista de talento único.

El segundo álbum de Pink Floyd, «A Saucerful Of Secrets», ejerce de bisagra entre la época con Syd Barrett al frente y los años en los que el guitarrista David Gilmour formó parte del grupo londinense. El elepé se gestó con varios problemas, incluyendo censura de la discográfica, rechazo de la crítica y el cada vez peor estado de salud mental de Syd Barrett. La solución de la banda fue llamar a David Gilmour, con la idea de mantener a Barrett en la banda como compositor, mientras Gilmour le sustituiría en los directos. Sin embargo, Barrett fue expulsado de la banda sin completar el álbum. El éxito del «Dark Side Of The Moon» en 1973 avivó el interés por un álbum que incluye muchos elementos presentes en la futura carrera de Pink Floyd.

Los Bee Gees publicaron su álbum número 15 en plena racha. «Spirits Having Flown» era la secuela de la banda sonora de «Fiebre del Sábado Noche», con la que los hermanos Barry, Robin y Maurice Gibb se convirtieron en apóstoles de la música disco. En 1978, sin embargo, este género musical mostraba signos de cansancio, y su veto en las radios americanas estaba cerca. «Spirits Having Flown», por tanto, marca el final de la época más exitosa de la banda, antes de la ola de censura que sufrió el trío en los años 80. «Spirits Having Flown» fue nombrado el Disco del Año en los American Music Awards de 1980, cerrando una década prodigiosa para los hermanos Gibb con lo que muchos apuntan como el álbum definitivo de los Bee Gees.

El segundo álbum de los Pet Shop Boys, «Actually», fue publicado en 1987. El disco consolidó la posición del dúo británico, compuesto por Neil Tennant y Chris Lowe, como una de las bandas más influyentes del pop electrónico de la década de 1980. El álbum contó con la colaboración de artistas invitados de renombre, como la leyenda Dusty Springfield, que en 1986, estaba retirada y en horas bajas a nivel profesional y personal. Sin embargo, el éxito de «Actually» revitalizó su carrera con numerosos éxitos hasta la llegada de los años 90, introduciendo su música a una nueva generación de oyentes. Las letras escritas desde el punto de vista personal, las colaboraciones creativas y una cuidadosa producción contribuyeron al éxito y la longevidad del «Actually», que alcanzó el #2 en las listas británicas y vendió 4 millones de copias en todo el mundo.

«In Utero», el tercer y último álbum de Nirvana, fue publicado a mediados de septiembre de 1993. El trabajo supuso un regreso a las raíces del trío después del éxito del «Nevermind» dos años antes. Según Kurt Cobain, el nuevo proyecto de Nirvana muestra mejor las dos caras del grupo, con temas pop y letras más crudas que hablan de enfermedad, muerte, la mala relación de la banda con la prensa y la presión que conlleva el estatus - inesperado - de estrellas del rock. Steve Albini, productor del «Surfer Rosa» de los Pixies, se puso a los mandos de la producción de un disco que se grabó en solo seis días en los Pachyderm Studios de Minnesota. La crítica aplaudió el regreso al sonido original de Nirvana. La gira del álbum fue interrumpida en febrero de 1994 después de que Kurt Cobain sufriera una sobredosis. El 8 de abril de 1994, fue encontrado muerto en su casa de Seattle. La muerte de Cobain aumentó las ventas del «In Utero» un 122% en solo una semana.

«Moving Pictures» significó un antes y un después en la carrera de Rush. El trío canadiense era consciente de que recoger la antorcha del rock progresivo a principios de los años 80 era todo un riesgo. Con todo, la banda comenzó la década con un oído pegado al suelo, publicando temas rock ‘n’ roll que recordaban a The Police y los Talking Heads. El disco «Moving Pictures» y la canción «Tom Sawyer» consiguieron que Rush rompiese el molde de una banda de culto y consiguiera el éxito ‘mainstream’ con un álbum que fue para muchos la introducción a un grupo que llenase el vacío dejado por Led Zeppelin.

Oasis debutó en 1994 con el álbum «Definitely Maybe», tres años después de la formación del grupo. Publicado el 29 de agosto de ese año, es el único disco que cuenta con los cinco miembros originales. Las semillas de «Definitely Maybe» se plantaron a finales de 1993. La discográfica Creation Records buscó recrear el sonido directo y crudo que buscaban los hermanos Noel y Liam Gallagher. El productor Owen Morris mezcló el disco, dándole un sonido más alto que cualquier otro álbum publicado hasta el momento. Cuando «Definitely Maybe» llegó a las tiendas de discos, fue un éxito para público y crítica en el Reino Unido, donde alcanzó rápidamente el #1. El optimismo del «Definitely Maybe» en los años del grunge americano y su papel como origen del resurgir del pop británico en los años 90 fue la clave de su éxito.

Elvis Presley resucitó en 1968. Ese año, su manager, el coronel Tom Parker firmó un contrato para un especial televisivo navideño con la NBC. Las altas cifras de audiencia convencieron a Presley de volver a grabar un álbum de música original con el que comenzar con fuerza la década de los 70. ‘From Elvis in Memphis’, publicado el 2 de junio de 1969, fue grabado en el estudio American Sound. Además de grabar canciones escritas por compositores afiliados al estudio donde se grabó el ‘Sweet Caroline’ de Neil Diamond y el ‘Son Of A Preacher Man’ de Dusty Springfield, Presley colaboró con los Memphis Boys, banda formada por los músicos de sesión, para conseguir un sonido ‘soul’ y ‘gospel’. La crítica elogió la evidente pasión que Presley había puesto en ‘From Elvis in Memphis’ para complacer a sus fans más acérrimos y llamar la atención de sus fans más recientes. Muchos apuntan a este álbum, el renacimiento de Elvis Presley, como uno de los mejores de su carrera.

En 1966, los Beatles demostraron al mundo que habían crecido con su álbum «Revolver», para muchos, el mejor trabajo del grupo, que mostró a los Beatles en el cénit de su creatividad. El séptimo álbum de los ‘Fab Four’, publicado a principios de agosto de 1966, mostró al cuarteto de Liverpool explorando, experimentando y expandiendo las fronteras musicales dentro del estudio. «Revolver» cuenta con influencias de la Motown, música barroca y música clásica india. El álbum, además, estuvo marcado por el continuo uso de drogas y el interés de los Beatles por la filosofía oriental. «Revolver» introdujo una nueva visión a la hora de componer los álbumes de los años 60: cada vez eran menos importantes los sencillos en relación a los álbumes sólidos. En el Reino Unido, las críticas definieron al «Revolver» como el álbum que cambió el curso de la historia de la música pop, al romper las convenciones del género.

En 1989, Queen estaban cansados. Su último álbum, «The Miracle», no tendría gira. Freddie Mercury había sido diagnosticado con el virus del SIDA dos años antes y no sabía cuánto tiempo de vida le quedaba. Como consecuencia, la grabación de «Innuendo» fue deliberadamente lenta. Según Brian May, el vocalista apenas podía mantenerse en pie durante las sesiones finales. Sin embargo, nada de eso se nota en el resultado final del álbum. En «Innuendo», Mercury deja claro su objetivo de seguir trabajando a pesar de su delicado estado de salud. Cuando «Innuendo» fue publicado en febrero de 1991, la banda siguió grabando canciones nuevas con la idea de publicarlas como caras B o, incluso, un nuevo álbum. «Innuendo» espoleó a Queen a un nuevo nivel de excelencia que estaba dispuesto a seguir explorando en los años noventa. Sin embargo, el proceso frenó en seco en el verano de 1991, cuando Freddie, demasiado enfermo para continuar, se recluyó en su mansión londinense. El 23 de noviembre de 1991 publicó un comunicado en el que confirmaba que tenía SIDA. 24 horas después, había fallecido.

Tears For Fears publicaron su segundo álbum, ‘Songs From The Big Chair’, en febrero de 1985. Es el álbum que cambió todo para el dúo británico formado por Curt Smith y Roland Orzabal. El curioso título del álbum era una metáfora del maltrato que el grupo había recibido por parte de la prensa inglesa. La música colocó al grupo en la generación del ‘synth pop’ británico de los años 80, como Orchestral Manoeuvres in the Dark o Pet Shop Boys. Las letras estaban basadas en los escritos del psicólogo Arthur Janov y en los traumas del dúo con el dinero, el poder, el amor y la guerra. La combinación de letras filosóficas envueltas en melodías pegadizas en temas como ‘Everybody Wants To Rule The World’ fue la clave del éxito de ‘Songs From The Big Chair’, que justificaba la mirada de soberbia que muestran los Tears For Fears en la carátula.

A finales de los años 70, Tina Turner se liberó de su relación abusiva con su ex marido y representante, el cantante Ike Turner. Los primeros álbumes de Tina Turner en solitario se hundieron sin dejar rastro y la cantante empezó a actuar en un cabaret en Las Vegas, pensando que había llegado el fin de su carrera. No obstante, en 1983 Tina Turner fichó por Capitol, colocó un sencillo en el Top 10 y trabajó en un álbum, ‘Private Dancer’, con un fuerte acento británico: grabado en los estudios Abbey Road de Londres, incluye temas escritos por Los Beatles, David Bowie y Mark Knopfler. ‘Private Dancer’ tenía todos los ingredientes para ser un nuevo fracaso, pero es uno de los álbumes más importantes de la década de los 80. Relanzó la carrera de Tina Turner que, a sus 44 años, comenzó una segunda edad de oro, de la que salieron varios de los éxitos con los que hoy la recordamos como la Reina del Rock.

El cuarto álbum de los Byrds, ‘Younger Than Yesterday’ , fue publicado en febrero de 1967, en un momento en que el principal compositor de la banda, Gene Clark, abandonó el grupo, y los Byrds se enfrentaban a una feroz competencia: Los Beatles habían publicado ‘Revolver’ , los Beach Boys, ‘Pet Sounds’ y Bob Dylan, al que habían versionado desde 1965, se había desmarcado con ‘Blonde On Blonde’ . Ante la necesidad, los guitarristas Roger McGuinn y David Crosby, así como el bajista Chris Hillman, aportaron más temas para rellenar el vacío que había dejado Clark. Con todo, los Byrds permanecieron fieles a lo que se había convertido en su fórmula: temas country rock y las versiones de temas de Bob Dylan. ‘Younger Than Yesterday’ se mantenía perfectamente en línea de lo que estaba ocurriendo en la escena musical de 1966 y 1967, en un momento en que un álbum era una expresión artística por sí mismo y tenía más peso que los singles de éxito. Con el tiempo, se ha convertido en uno de los mejores álbumes de la década de los sesenta.

Duran Duran publicaron su segundo álbum, ‘Rio’, en mayo de 1982. El disco puso al grupo en el mapa y es uno de los esenciales de la música ‘new wave’ de los años 80. Los vídeos musicales fueron la puerta de entrada a ‘Rio’: seis de las nueve canciones del elepé contaron con este elemento promocional. La discográfica tenía fe en que los vídeos harían que el disco se vendiera por sí solo. En cuestión de un mes, los singles de ‘Rio’ estaban en el Top 10. ‘Rio’ fue la puerta a una nueva edad de oro del pop, el chispazo de la llamada ‘Segunda Invasión Británica’ de los 80 con bandas como Human League, A Flock of Seagulls, o Culture Club.

Mezclaron jazz, reggae y punk con unas letras fuertemente comprometidas por la política y los asuntos sociales. Lo que Los Beatles fueron para los años 60 y Led Zeppelin a los años 70, Los Police lo fueron para los años 80: la banda más grande del mundo. El batería americano Stewart Copeland y el bajista Gordon Sumner, más conocido como Sting, formaron el trío The Police con el guitarrista corso Henry Padovani. En mayo de 1977, Sting conoció al guitarrista Andy Summers, que se había codeado con Clapton y Jeff Beck. Padovani fue expulsado en el verano de 1977. Apenas seis años después, The Police publicaron su último trabajo, 'Synchronicity'. Por entonces, eran la banda más grande del mundo.

A mediados de 1970, Bruce Springsteen seguía buscando su oportunidad, a pesar de haber publicado dos álbumes. ‘El Jefe’ era consciente que a la tercera oportunidad tenía que ir la vencida, si no, tendría que colgar la guitarra. En mayo de 1974, Springsteen se puso a trabajar en un nuevo álbum, ‘Born To Run’, que el artista definió como si Roy Orbison cantase temas escritos por Bob Dylan con la producción del Muro de Sonido de Phil Spector: el álbum se grabó en 14 meses, y solo seis de ellos se dedicaron a la producción de la canción titular. ‘Born To Run’ es el álbum con el que Bruce Springsteen consiguió por fin irrumpir en la cultura popular. Para muchos críticos, es uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos.