Conocimientos Musicales

En realidad no hay mucho más que añadir en esta descripción. Sabemos que igual esta noticia os pilla a contrapié pero la realidad es que, por el desarrollo de nuestras vidas, se nos hace muy complicado seguir con este proyecto divulgativo musical. Por eso, os traemos este último episodio de Conocimientos Musicales en el que, por un lado, repasamos un poco lo que ha dado de sí esta idea y este medio de comunicación y, por otro, os explicamos con calma y serenidad (más o menos) las razones del cierre del podcast. No podemos incidir lo suficiente en lo agradecidos que estamos a todos vosotros y vosotras, por habernos escuchado, visto, disfrutado, odiado y, en general, acompañado en esta bonita etapa de nuestras vidas. David y Pau lo recordaremos siempre con cariño, y esperamos que vosotros también. Un abrazo y larga vida a la música.

Termina la cuarta temporada de Conocimientos Musicales. A partir de ahora se terminarán los episodios, los análisis, los invitados, los chistes malos y, al fin y al cabo, la música y lo que nos apasiona. Para celebrar este final de temporada, os traemos un vídeo algo especial en el que, por vez primera, grabamos al aire libre para enseñaros algunos de nuestros rincones preferidos de la ciudad de Londres. Con la excusa de visitar los auditorios más importantes y hablaros de las orquestas londinenses, os mostramos la capital británica desde su lado más musical, con la esperanza de que os anime a visitar la ciudad o escuchar las grabaciones de las orquestas que mencionaremos. Un podcast diferente que esperamos que disfrutéis tanto como nosotros. De verdad, muchísimas gracias por acompañarnos este año, ha sido un auténtico placer y hasta el año que viene!!

En la Historia de la Ópera hay algunas cimas; consideramos que los éxitos tempranos de Richard Strauss son uno de esos momentos. En el penúltimo podcast de la temporada, nos metemos de lleno en dos pedazos de óperas del compositor alemán como son Salomé y Elektra, con argumentos de una profundidad filosófica y dramática absolutamente tremenda. Primero, la historia bíblica de Salomé, San Juan Bautista, Herodes y la bandeja de plata, una ópera que escandalizó al mundo por su brutalidad y sus excesos pero que ha terminado por convertirse en una obra imprescindible en cualquier teatro de ópera del mundo. Y después, el regreso a los orígenes de la ópera, es decir, a la tragedia griega, con la interpretación de Strauss y Hugo von Hofmannstahl del mito griego de Elektra, Orestes y compañía. La venganza, el asesinato y algunos de los dilemas más famosos de la Historia de la Humanidad se abren paso mediante una orquestación y un cromatismo wagneriano llevado al extremo. A nosotros nos encanta y esperamos que a vosotros también. ¡Hasta el viernes!

Nos (y os) gustan los directores de orquesta, y todavía más cuando sus vidas tienen anécdotas e historias que nos hablan de épocas pasadas y de carácteres extraordinarios. El caso del director holandés Willem Mengelberg es uno de ellos, pues durante el medio siglo en el que ejerció como director titular de la Orquesta Real de la Concertgebouw de Ámsterdam transformó la orquesta hasta convertirla en un referente de la música clásica a nivel europeo. Hoy os contamos su vida, desde su formación en Utrecht, Colonia y Lucerna hasta su exilio en Suiza tras ser acusado de colaboración con el Tercer Reich, pasando por su amistad con Gustav Mahler y su obsesión con el perfeccionismo en la música. En definitiva, un símbolo de la música y la dirección de orquesta durante la primera mitad del siglo XX y un hombre cuya influencia no podemos destacar lo suficiente. Y de propina, un concurso de deletrear.

Sabéis de sobra, por experiencia propia o porque os lo hemos contado muchas veces, que la profesión de músico, especialmente en sus primeras etapas, es una de las más precarias y difíciles que hay. Por eso, es muy importante el patrocinio y el sustento económico de fundaciones y asociaciones privadas como una forma de poder seguir estudiando en los conservatorios o de permitir a los jóvenes intérpretes estudiar y desarrollar su talento sin preocuparse demasiado de los gastos cotidianos. De todo esto y de más cosas nos habla la pianista madrileña Sofía Medina, que nos visita para contarnos su experiencia con mecenas, becas y demás vías de financiación privada. Además, Sofía ha sido premiada con una beca que le permitirá investigar y promover la música de la compositora checa Vitezslava Kapralova, un personaje de quien aprenderemos más y sobre cuya biografía tratará el juego de "El Precio Justo" del final. ¡Esperamos que lo disfrutéis!

Hay algunas obras del canon de la música clásica que nos gustan mucho pero que se suelen quedar en un segundo plano en lo que a este podcast se refiere. Los poemas sinfónicos "Pinos de Roma" y "Fuentes de Roma", de Ottorino Respighi, son un buen ejemplo de ello, pues son dos piezas que hasta ahora habían sido ignoradas injustamente en Conocimientos Musicales. Para hacerles justicia, hoy dedicamos el podcast a analizarlas y a tratar de explicar por qué nos gustan tanto y por qué suponen una agradable novedad dentro de la tradición musical italiana. Con Respighi viajaremos a todos los rincones de la Ciudad Eterna, por sus fuentes más características y sus calles más famosas, descubriendo así una música espectacular y descriptiva que estamos seguros de que os cautivará. ¡Ah! Y Pau ha estado en París, así que también hablaremos de eso.

Hace algunas semanas, nos propusimos un ejercicio divertido, encontrar las piezas de música que más relacionadas estuvieses con los colores. Aquel programa nos permitió, por ejemplo, hablar de la sinestesia de Scriabin, del jazz de Duke Ellington o del impresionismo de Debussy. Como nos gustó tanto la idea, hoy os traemos una segunda parte del mismo concepto, un podcast en el que repasaremos otras obras musicales que, por distintos motivos, encuentran su inspiración en los colores. Hablaremos de Farben, de Schönberg, y de una forma nueva de escribir música, de la Sinfonía de los Colores de Sir Arthur Bliss y de Michael Torke y el post-minimalismo. ¡Que lo disfrutéis!

Hace 50 años, en 1973, falleció en San Juan (Puerto Rico), la tierra de su madre, el cellista catalán Pau Casals. Con él se marchó un símbolo y una figura indispensable de la música del siglo XX, no solamente por sus magistrales interpretaciones, su desarrollo de la técnica de su instrumento y por ser responsable del redescubrimiento de las Suites para cello de Bach, sino también por sus valores en favor de la paz y la democracia. Hoy, junto a la cellista barcelonesa Laura Peribáñez, analizamos la figura de Casals medio siglo después de su fallecimiento, además de dar voz a un hermoso proyecto que nuestra invitada de hoy, en compañía de la Jove Orquestra de Barcelona, llevará a cabo en octubre para celebrar la importancia de Pau Casals y los 50 años de su muerte. Esperamos que lo disfrutéis.

Señoras y señores, queridos oyentes, en Londres también hace calor. Se ha hecho esperar pero ha llegado y en el programa de hoy lo sufrimos muchísimo. A pesar de eso, conseguimos concentrarnos para hablar de una obra realmente interesante, como es el ballet El Mandarín Maravilloso del compositor húngaro Béla Bartók. Escrito y estrenado durante las primeras décadas del siglo XX, el ballet es uno de los mayores riesgos musicales que tomó Bartók durante su vida, enmarcado en el periodo más transgresor del compositor. Por eso, no recibió una recepción demasiado entusiasta por parte de sus contemporáneos, aunque con el tiempo se ha terminado asentando como una pieza clave en la producción de un músico muy importante, no solo en Hungría sino en el panorama europeo. ¡Esperamos que disfrutéis este programa y ánimo con las altas temperaturas!

Hoy sí. Parece que la rabiosa actualidad nos da un respiro y no nos pone más obstáculos para tratar el tema que nos quedó la semana pasada. Aunque también os digo una cosa, si ha pasado algo, ya es tarde. El caso es que nosotros, en este sábado de junio, os traemos un programa en el que analizaremos una de las obras más increíbles de la Historia de la Música. El Arte de la Fuga de Johann Sebastian Bach, esa colección de 14 fugas y 4 cánones, es uno de los mayores logros musicales de la Humanidad, especialmente por la complejidad técnica que requiere su escritura y por la inmensa demostración creativa de la que hace gala el compositor. En el podcast de hoy repasaremos todos los misterios que rodean a esta obra, desde su publicación tras la muerte de Bach hasta su instrumentación e incluso si la obra es una pieza de música o un esquema matemático. No os lo podéis perder.

Un día más, nos alejamos de los estudios centrales de Conocimientos Musicales para grabar nuestro programa en las fantásticas instalaciones del Royal College of Music de Londres. ¿El motivo? Os traemos una estupenda charla con el genial Pablo de Pedro, un músico excelente especializado en la interpretación histórica. En su compañía hablaremos de la viola, de cómo interpretar a Brahms con cuerdas de tripa, de músicos como Nikolas Harnoncourt o Thomas Hengelbrock y de la realidad del músico autónomo hoy en día. En definitiva, una entrevista sencilla y agradable con un hombre lleno de pasión por la música y que muy amablemente nos comparte sus experiencias y sus Conocimientos Musicales.

El tema de hoy es algo diferente: nos hemos dado cuenta de la importancia que la caza, como actividad lúdica, ha tenido en la Historia de la Música, y por ello nos hemos propuesto repasar las diferentes obras relacionadas con uno de los entretenimientos favoritos de los alemanes en el siglo XIX. Desde Johann Sebastian Bach con su cantata de cumpleaños hasta las Variaciones Enigma de Edward Elgar, en este podcast hablamos de autores, composiciones y, sobre todo, trompas, muchas trompas. Así que dejad vuestros rifles a un lado y preparaos para disfrutar de una pequeña selección de obras orquestales, cuartetos de cuerda, lieder y mucho más!

Lo que, en teoría, iba a ser un programa sobre una de las obras cumbre del Barroco se ha terminado convirtiendo en un sentido homenaje a una de las figuras musicales más importantes del rock, el pop y el R&B. Hace apenas unos días conocimos la noticia del fallecimiento a los 83 años de Tina Turner, y por eso sentíamos la necesidad de dedicarle un programa a una mujer que, con sus canciones y su inconfundible voz, marcó una época. Hoy repasaremos su vida, desde sus primeros años en una familia algo desestructurada a su ascenso a la fama de la mano del álbum de 1984 "Private Dancer". Por el camino, y como os podéis imaginar, escucharemos a Kings of Rythm, a Ike Turner y mucho rock & roll. Perdonadnos que salgamos por un instante de la música clásica, pero la ocasión lo merecía. Viva Tina Turner.

El podcast de hoy nos hace muchísima ilusión. Giacomo Puccini es uno de los compositores más increíbles de la Historia, y poder hablar de sus óperas es siempre un placer enorme. Después de aquel primer programa en el que analizábamos su obra temprana, hoy nos centramos en sus últimas obras maestras, Madame Butterfly y Turandot, para observar la evolución del estilo del compositor italiano y para asistir a la fusión perfecta de la ópera de Verdi y Wagner. Dos óperas exóticas, dramáticas y espectaculares, con una orquestación exquisita y que incluyen algunos de los momentos más memorables de la Historia de la Ópera. Esperamos que lo disfrutéis y que sigáis con nosotros para seguir hablando de ópera, música y muchísimo más!

Hoy en Conocimientos Musicales celebramos un aniversario enormemente especial. El pasado martes (23 de mayo) se cumplieron 100 años del nacimiento en Barcelona de Alicia de Larrocha, sin duda una de las mujeres con más proyección internacional de la música española. En el programa de hoy le haremos el homenaje que creemos se merece repasando su carrera desde su nacimiento hasta su fallecimiento y tratando de entender cómo se convirtió en una especialista en la música de tantos compositores distintos. Sin duda una figura indispensable en el arte español del siglo XX y un referente para muchos de nosotros. Alicia de Larrocha fue, por supuesto, la mayor intérprete de las obras de Falla, Albéniz y Granados, dándole a sus piezas para piano un toque único e inconfundible, pero además fue capaz de construir una carrera en la que dominó otros autores y estilos de manera brillante, dando como resultado un personaje único y que merecía el podcast de hoy.

Por suerte para todos, el mundo de la música es extenso y vasto como el mayor de los desiertos, y, por mucho que creamos saber, siempre hay géneros, obras o corrientes estilísticas que ignoramos y que merecen mucho la pena. Por eso, en este podcast aprovechamos la visita de nuestra amiga Malena Benavent para tratar un tema que, en ocasiones, no recibe el interés que merece: la música de cámara. Para ello, nos valemos de nuestra experiencia personal en este mundillo para explicar cómo funcionan realmente los grupos de cámara famosos a nivel mundial, cuál es el motivo por el que esta disciplina está tan presente en los conservatorios y cuáles son las claves para ganarse la vida como músico de cámara. Bueno, y al final hay un juego para que no os aburráis, de modo que no os podéis perder este episodio.

Los cuartetos de cuerda vuelven a la carga (¡Bieeen!) después de algunos programas de ausencia y, siguiendo la cronología, lo hacen con un grupo de compositores tan influyentes como polémicos. Los miembros de la Segunda Escuela de Viena (Arnold Schönberg, Alban Berg y Anton Webern) también hicieron maravillas con nuestra agrupación de cámara preferida, y de hecho sus cuartetos nos sirven para analizar directamente cómo se fraguó su revolución estilística y cómo llegaron al temido sistema dodecafónico sin el cual no se entiende el siglo XX musicalmente hablando. En el podcast de hoy, repasaremos con calma y sin prisa los diferentes ejemplos que nos dejaron estos compositores, con la esperanza de dar justicia y de entender la música atonal. Especialmente hoy, gracias por escucharnos.

Los directores de orquesta son algunos de los rostros más reconocidos del mundo de la música clásica, y uno de los elementos esenciales de la interpretación musical. En anteriores episodios de esta serie, hablamos del magnífico maestro japonés Seiji Ozawa, y en el programa de hoy nos centramos en el que es, para muchos, el mejor director de la Historia de la Música. Carlos Kleiber parecía destinado desde el principio a convertirse en un nombre relevante dentro de la música por su genealogía familiar, pero curiosamente tuvo que enfrentarse a su padre, el legendario Erick Kleiber, para perseguir su sueño de dedicarse a la dirección. Un director impresionante y una personalidad carismática hicieron de él uno de los músicos más recordados del siglo XX y hoy, en este podcast, os contamos su historia.

Para el programa de hoy os traemos una de nuestras obras favoritas dentro del repertorio sinfónico decimonónico. La Tercera Sinfonía del compositor francés Camille Saint-Saëns suena a todo menos a música francesa, cosa que queda patente cuando miramos en detalle sus influencias y sus puntos de partida. Hablar de esta obra es hablar del famoso órgano que apoda a la sinfonía, del mágico momento del piano a cuatro manos, de texturas y tejidos orquestales verdaderamente impresionantes y de una obra conjunta que constituye uno de los puntos álgidos de la producción del compositor. A lo largo del podcast, os desgranaremos todos los secretos que encierra la obra, movimiento por movimiento y sección por sección, para que conozcáis a la perfección una sinfonía esencial y completamente imposible de olvidar.

El tema del programa de hoy, como suele pasar los sábados, es un pelín abstracto. Después de una introducción algo filosófica, nos disponemos a intentar resumir la manera en la que los colores han influenciado la música clásica, ya sea a través de títulos directos o mediante las emociones que tanto la música como los colores pueden transmitir en las personas. Para empezar, nos vemos obligados de mencionar el concierto para trombón y banda "Colors", de Bert Appermont, que seguro que os encantará tanto como a nosotros, y luego pasamos a piezas tan enigmáticas como "En Blanco y negro" de Claude Debussy, llena de simbolismo bélico y armonías impresionistas, y a un ejemplo del mejor jazz jamás escrito con el "Diminuendo & Crescendo in Blue" de Duke Ellington. Una miscelánea de músicas que nos sirven como la primera parte de una serie que promete más episodios.

Ya sabéis que, normalmente, en los programas de los jueves nos suele acompañar un invitado o invitada. En el día de hoy, sin embargo, hemos tenido algún problemilla interno al respecto y, para no dejaros sin vuestra dosis de Conocimientos Musicales, nos hemos inventado una idea curiosa e interesante: nos hemos planteado el reto de encontrar las obras que definen, por sus características y simbología, el siglo en el que fueron escritas. Para ello, intentaremos definir con palabras los diferentes estilos musicales que se desarrollaron en los siglos XX, XIX, XVIII y XVII y luego daremos una serie de piezas musicales candidatas a ser las representativas de su siglo. Imaginamos que no estaréis del todo de acuerdo con nuestras decisiones, pero aún así os animamos a disfrutar este programa y a dejarnos vuestra opinión al respecto!

Bienvenidos a otro programa de vuestro programa musical favorito. Hoy repasamos la influencia en la música de una de las parejas más icónicas de la literatura universal, Romeo y Julieta. Tomando la tragedia de William Shakespeare como punto de partida, analizamos las obras musicales más importantes que han recibido la influencia de los amantes de Verona. Para ello, tenemos que hablar de la innovadora sinfonía de Héctor Berlioz, la ópera de Charles Gounod, la obertura (y falsa ópera) de Tchaikovsky, el ballet de Serguéi Prokofiev y el musical de Bernstein, todo grandes logros musicales que significan el homenaje de la Música hacia la historia de amor más famosa del mundo. Por eso, no puede faltar el inocente enamoramiento de Berlioz, el Romanticismo de Gounod y Tchaikovsky, la intensidad de Prokofiev y la modernización de West Side Story, elementos que diferencian claramente estas obras y que nos permiten elaborar un relato de los últimos 150 de música clásica.

En el episodio de hoy de Conocimientos Musicales rendimos homenaje a una de esas figuras algo desconocidas de la música española. Emilio Cebrián Ruiz, compositor y director de bandas, es uno de los personajes más curiosos de la Historia de las bandas de música, pues antes de su trágica muerte a los 43 años consiguió realizar un impecable trabajo de divulgación musical allí donde vivió. Nacido en Toledo en el año 1900, es también hijo adoptivo de Talavera de la Reina y Jaén por la influencia que tuvo sobre la población de esas ciudades en su periplo como director de ambas bandas municipales. Un hombre que consiguió llevar la música clásica hasta los rincones más rurales del territorio mediante esfuerzo, dedicación y pasión y que, además, compuso piezas tan amadas hoy en día como los pasodobles "Churumbelerías" y "Ragón Fález" o la marcha de procesión "Nuestro Padre Jesús". En definitiva, un relato que nos sirve para echar un ojo a la importancia de las bandas en la España de principios del siglo XX y para recordar a aquellos maestros que, con todo en contra, hicieron felices a mucha gente gracias a la música.

Como os podéis esperar, siempre que recibimos la visita de nuestro amigo Salva Sánchez, compositor y pianista, significa que vamos a tratar un tema algo distinto pero siempre curioso y original. En el caso de hoy, con un bigote a lo Imanol Arias, nos presenta su nueva composición para piano y orquesta, "El Miserere". Durante el programa de hoy Salva nos contará la historia, el origen y el proceso creativo que siguió para componer esta obra, cuya relación con las Rimas y Leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer es de lo más interesante. Sabéis que desde Conocimientos Musicales apostamos firmemente por apoyar a las nuevas generaciones de compositores, por lo que esperamos que disfrutéis el programa con Salva, que la pieza os parezca tan atractiva como a nosotros y que sigáis escuchándonos para más divulgación musical. ¡Un abrazo!

Pues aquí estamos otra vez. Después de nuestro pequeño descanso durante el mes de abril, volvemos a la acción con toda la ilusión del mundo y con muchísimas ganas de seguir compartiendo nuestra pasión por la música con vosotros. Por eso, hemos escogido una obra monumental y gigantesca, una de nuestras favoritas dentro del repertorio sinfónico decimonónico, la Octava Sinfonía de Anton Bruckner. Esta pieza, que representa a la perfección el estilo de Bruckner, híbrido entre el formalismo de Brahms y la innovación wagneriana, está llena de grandes momentos tan emocionantes como solemnes y en el programa de hoy os los explicamos todos. Como siempre con el compositor austriaco, veremos como el carácter indeciso de Bruckner afectó a la composición de la sinfonía, de la que existen varias versiones distintas como resultado de las habituales correcciones de su autor en un intento por complacer a los críticos y colegas del mundillo. En conjunto, la Octava de Bruckner es una de esas obras inolvidables e imprescindibles de las que nos encanta hablar, y que esperamos que cause el mismo efecto en vosotros.

Este es el útlimo episodio de Conocimientos Musicales hasta dentro de unas semanas. Lo sentimos mucho, pero vamos a parar durante unos días para descansar y recargar pilas para los siguientes meses. Sin embargo, para que no os olvidéis de la música clásica, os hemos preparado una pequeña recopilación de obras que están ambientadas o tienen que ver con la Semana Santa. Ello nos permite tener la ocasión de hablar de composiciones menos conocidas de maestros como J. S. Bach, Haydn o Beethoven, que escribieron fantásticos oratorios relatando la vida y la Pasión de Cristo aunque cada uno desde su perspectiva personal y abordando el asunto desde sitios distintos. Aparte de eso, tendremos tiempo de hablar de ópera wagneriana y opera verista, además de de la Pascua ortodoxa con la música de Rimsky-Korsakov. ¿Nos acompañas?

Durante la última visita de nuestro amigo Juan Marco, os prometimos que este simpático violista de Caudete volvería pronto para hablar de un tema que le toca bien de cerca. Ese día ha llegado, ya que hoy nos acompaña para hablar sobre el compositor inglés William Walton, famoso por haber escrito un concierto para viola absolutamente espectacular y muy querido por todos los intérpretes de este instrumento. Además de eso, analizaremos por qué Walton fue un músico inglés con muy poco en común con el resto de compositores de su país, pues su exilio voluntario en Ischia es solo el final de una carrera un tanto diferente de la de sus contemporáneos. En nuestra opinión, un compositor muy infravalorado y cuyas obras, el concierto para viola incluído, merecen otro sitio en el repertorio de las grandes orquestas.

Habiendo superado ya el amplio y maravilloso obstáculo que supusieron las óperas de Richard Wagner y Guiseppe Verdi, nos disponemos a continuar nuestro recorrido por la Historia de la Ópera. Igual a alguno de nuestros oyentes le suena cierto compositor de la Toscana que, a finales del siglo XIX y principios del XX, se convirtió en el gran heredero de Verdi en el género lírico italiano. Y es que Giacomo Puccini es un nombre con mayúsculas, cuyas obras representan un estilo tan trágico como hermoso, y cuya obra "temprana" analizaremos hoy. En este programa, desgranaremos las razones que convierten a "La Bohème" y "Tosca" en dos de las óperas más representadas a nivel mundial, y trataremos de entender el fenómeno Puccini desde varias perspectivas diferentes, con la esperanza de transmitiros el mismo amor por su música que sentimos nosotros. Un abrazo, y que disfrutéis el podcast de hoy.

Muchos de vosotros habréis escuchado alguna vez de la existencia del Premio de Roma, un galardón otorgado anualmente en Francia que, durante muchas décadas, premió a muchísimos artistas de disciplinas diferentes con la oportunidad de pasar una temporada en la Ciudad Eterna dedicándose exclusivamente a la creación artística. En la música, el Premio de Roma ha estado asociado, desde su implementación en 1803, a los mayores compositores franceses de la Historia, pues ilustres como Héctor Berlioz, Claude Debussy o Charles Gounod consiguieron hacerse con él. Sin embargo, hoy contaremos cómo uno de los compositores franceses más queridos, Maurice Ravel, jamás pudo hacerse con el galardón pese a sus múltiples intentos. Esto, que podría pasar por una simple anécdota, nos sirve en realidad para reflexionar sobre el cambio de estética de la música francesa a principios del siglo XX y para descubrir una de las redes de corrupción más impresionantes de la música.

Manuel de Falla es el compositor español más importante de la Historia. Esto es un hecho. También es un hecho que su ópera con marionetas "El retablo de Maese Pedro" fue una de sus obras más exitosas y que contribuyeron a que su reputación y fama internacional aumentara. Por tanto, no podíamos evitar celebrar con todos vosotros el centenario del estreno de esta pieza, que se produjo el 23 de marzo de 1923 en París después de muchos años de creación durante los que la princesa de Polignac, que le había encargado la obra a Falla, llegó a pensar que jamás vería representada la famosa escena del Quijote. Y es que si juntamos una novela tan rica como la de Cervantes con una musicalidad tan exuberante como la de Manuel de Falla obtenemos como resultado una ópera única, en la que realidad y ficción parecen fundirse y en la que el Neoclasicismo español se abre paso con instrumentos antiguos y melodías medievales, que contribuyen a formar una pieza indispensable en el repertorio lírico español.

Si pensamos en las grandes tragedias de la historia de la música, todos podríamos pensar en la incorporación del flautín al repertorio orquestal o en la versión del himno nacional de Marta Sánchez, pero pocas veces nos paramos a pensar en el protagonista de hoy, Claude Vivier. En este programa, hablaremos sobre la trágica muerte de este compositor francés y de como, quizás por primera vez en la historia de una partitura, las notas y el texto de una obra pueden estar prediciendo la muerte del autor de si mismas. Estad preparados para un podcast terrorífico digno de Iker Jiménez o incluso de la escena del tiburón en "Buscando a Nemo". David no es un detective de criminalística experto, pero con la ayuda del grandioso investigador Pau, nos abriremos paso por las oscuras sombras del caso que envuelve el fallecimiento de la gran futura de la música contemporánea francesa.

Para el programa de hoy recuperamos un formato que teníamos la temporada pasada y que, francamente, echábamos de menos. Aprovechando la visita del estudiante de viola Adrián Martínez, os proponemos un duelo tremendo y épico para tratar de descubrir quién es el mejor compositor de bandas sonoras: John Williams o Hans Zimmer. La mecánica del concurso es sencilla, Pau representará a Williams y Adrián a Zimmer, y cada uno elegirá una de las obras de cada compositor para enfrentarlas entre ellas, debatiendo y tratando de convencer al juez, David, de que su propuesta es mejor que la del oponente. Así, asistiremos a enfrentamientos tan igualados como El Caballero Oscuro contra Parque Jurásico o Piratas del Caribe contra Indiana Jones. En resumen, un combate que versa entre lo serio y lo cómico y que esperamos que os sirva para pasar un rato agradable. Nosotros nos divertimos mucho.

En Conocimientos Musicales decidimos de manera inconsciente omitir hablar demasiado de Pyotr Ilich Tchaikovsky durante tres temporadas. Para tratar de enmendar ese despiste, últimamente estamos muy decididos a hablar sobre obras del genial compositor ruso. Hoy le dedicamos el programa a la Sinfonía Manfred, un híbrido entre la sinfonía y el poema sinfónico que se basa en unos poemas del poeta inglés Lord Byron. Tchaikovsky la completó en 1885 después de que el compositor Mili Balakirev le insistiera sobremanera, y pasó de ser un encargo cualquiera por el que Tchaikovsky no sentía nada especial a una de sus obras sinfónicas preferidas. Hoy os contaremos todo lo que aconteció para la creación de esta pieza, tan magnífica como olvidada por parte del gran público y las orquestas, y también aprenderemos el motivo detrás del nombre de una de las bebidas alcohólicas más consumidas en el mundo. ¿Nos acompañas?

Normalmente, si nos da por pensar en Joseph Haydn, pensamos en un señor serio, calmado y reflexivo, autor de más de cien sinfonías y no sé cuántos más cuartetos de cuerda que sirvieron para establecer la forma y estructura de ambos géneros. Pero todo eso termina hoy. En este programa, os contaremos la parte más bromista, canalla y traviesa del compositor austriaco, desde algunas anécdotas de infancia hasta los pequeños trucos (o "easter eggs" que dirían los modernos) que escondió en muchas de sus obras. Prepárate para un podcast en el que descubrirás a un hombre que disfruta con la confusión, una pianista con risa fácil y un dependiente de tienda con muchos humos. Quizás no analicemos en profundidad la influencia del "Sturm un Drang" en los movimientos lentos de los cuartetos de cuerda, pero os garantizamos que jamás volveréis a escuchar la sinfonía nº93 de la misma forma.

El mundo de la música puede ser amenazante e incierto para cualquiera que reúna el valor necesario para adentrarse en él, pero en el caso de la composición hablamos de una situación todavía más difícil de gestionar. En este programa de Conocimientos Musicales, tenemos el privilegio de contar con la compositora argentina Micaela Carballo, que visita nuestro podcast para contarnos su experiencia en el mundo de las bandas sonoras y para dar visibilidad a una realidad triste como es la de las compositoras en la industria del cine. Junto a Micaela nos adentraremos en conversaciones acerca de la realidad de jóvenes compositores y compositoras que aspiran a ganarse la vida de este modo y sobre la tremenda desigualdad existente entre hombres y mujeres en el mundo de las bandas sonoras, en el que apenas un minúsculo porcentaje de las producciones cuentan con música compuesta por compositoras. Esperamos que disfrutéis este episodio y que os haga reflexionar sobre los problemas a los que se enfrenta la sociedad musical actual.

A primera vista, parece algo extraño entender cómo un músico fiorentino se convirtió en toda una institución en la corte del Rey Sol en la Francia del siglo XVII. Sin embargo, esta fue exactamente la vida del protagonista del podcast de hoy, Jean-Baptiste Lully. Hablamos de Lully y hablamos de un compositor cuya influencia en el arte barroco está fuera de toda duda y cuya música define una era clave para el desarrollo de la cultura francesa. En este programa, en el que descubrimos que hay algunas muertes que merecen ser contadas, nos adentramos en la vida y en la figura de Lully, para reivindicar su música y su fantástica labor de síntesis entre la ópera francesa e italiana. Esperamos que disfrutéis de este podcast dedicado al creador de la "Tragédie Lyrique" y que sigáis con nosotros en el resto de episodios de la semana!

Tal y como decimos al inicio del programa, creemos que últimamente estamos hablando más bien poco de los directores de orquesta, un colectivo esencial para la interpretación musical y formado por algunos de los personajes más icónicos que nos ha dejado la Historia de la Música. Uno de ellos es el director japonés Seiji Ozawa, precisamente el protagonista del podcast de hoy por una tremenda carrera que lo ha llevado a derribar enormes barreras culturales y sociales para convertirse en todo un pionero. Por ello, en este episodio repasaremos su carrera, desde sus primeros años como pianista y jugador de rugby infiltrado hasta su retirada progresiva de los escenarios en el siglo XXI. Para nosotros, uno de los directores más brillantes que ha dado la música y, sobre todo, alguien que ha contribuido a una normalización en la industria musical que todavía no se ha terminado de alcanzar.

Ha tenido que venir un pianista (que, por cierto, acaba de actuar como solista en el Teatro Real) para que hablemos de uno de los compositores más queridos por todos los amantes de la música. El programa de hoy, en el que contamos con la visita del estudiante de piano Nico Varela, versará sobre Serguéi Rachmaninov, poniendo el foco en su producción pianística. Los primeros compases del famoso Segundo Concierto para Piano nos inspirarán para debatir un buen rato sobre diferentes temas relacionados con las obras de uno de los compositores rusos más importantes del siglo XX, como por ejemplo una buena recopilación de anécdotas sobre su curioso carácter o el tremendo tamaño de sus manos. Sabemos que seguramente no disfrutaréis el programa tanto como disfrutáis las obras de Rachmaninov, pero al menos esperamos que paséis un rato agradable en nuestra compañía.

Hoy celebramos que hemos llegado a la nada desdeñable cifra de 250 programas de Conocimientos Musicales. La verdad es que nos hace muy felices poder decir esto y sobre todo hacerlo en las circunstancias en las que lo hacemos, pues el crecimiento de nuestro podcast últimamente ha sido espectacular y todo os lo tenemos que agradecer a todos los que estáis al otro lado escuchando o viendo nuestros podcasts. Por todo eso, nos embarcamos en un recorrido por las grandes preguntas que rodean a Conocimientos Musicales: ¿Cómo surgió la idea? ¿Por qué decidimos empezar un podcast sobre música clásica? ¿Cuáles son nuestros episodios preferidos? Todo esto y más en un programa muy especial para nosotros que nos ha encantado preparar. Sin embargo, y como decíamos antes, lo más importante es agradeceros a todos vuestro apoyo y desear que sigáis confiando en nosotros para vuestra ración semanal de ¡CONOCIMIENTOS MUSICALES!

En Nápoles, hace (justo hoy) 150 años, nacía un muchacho destinado a cambiar el mundo de la ópera. Y es que estamos de celebración, pues no todos los días tenemos el honor de poder conmemorar el 150 aniversario de uno de los mayores iconos de la música clásica a nivel mundial. Enrico Caruso, que demostró desde niño tener una voz fuera de lo común, terminó convirtiéndose en la estrella de la Ópera de Nueva York y en un referente de las óperas de Verdi, Puccini, Massenet, Rossini y demás autores. En este episodio especial os narramos su vida, desde su nacimiento hasta la apertura de su casa-museo en su ciudad natal hace dos años, haciéndole así un homenaje en esta fecha tan señalada. Esperamos que disfrutéis el programa tanto como Caruso nos hizo disfrutar con su música.

En Conocimientos Musicales nos dedicamos, de manera recurrente, a hablar sobre cómo eran las vidas de los compositores durante los siglos pasados, de cuáles eran sus preocupaciones, sus retos y sus mayores adversidades. Sin embargo, pocas veces hacemos el mismo ejercicio en la época actual. Para abordar este tema, hemos decidido invitar al programa de hoy al compositor chileno Aníbal Vidal, un joven músico que conoce perfectamente la situación de los compositores en los tiempos que corren al vivirla él mismo en primera persona. Junto a Aníbal hablaremos de sus variados proyectos y de su enfoque musical a cada uno de ellos, así como intentaremos analizar cómo es hoy en día la relación entre compositores e intérpretes y cuál es el camino a seguir por el compositor durante el siglo XXI.

Nos hemos dado cuenta de que hacía demasiado tiempo que no hablábamos de zarzuela, como si por algún motivo la hubiésemos apartado de la programación de Conocimientos Musicales. Nada más lejos de la realidad, ya que la zarzuela es uno de los géneros de ópera que más nos gustan y que más disfrutamos como espectadores. Por eso, hoy dedicamos el programa a hablar sobre tres buenas representantes del género chico: "La Gran Vía", "Agua, azucarillos y aguardiente" y "La Revoltosa". Las dos primeras, compuestas por el maestro Chueca, son claras muestras de la zarzuela madrileña tal y como las entendemos todos. Por ejemplo, el argumento de "La Gran Vía" trata sobre la construcción de la famosa calle de la capital, y en "Agua, azucarillos y aguardiente" se dan cita una serie de personajes muy estrambóticos que construyen el retrato de la sociedad española costumbrista de finales del XIX. Por último, un gran clásico que no puede faltar, "La Revoltosa", de Ruperto Chapí, uno de los mayores logros de la zarzuela y una música que no os dejará indiferentes.

En el mundo hay bastantes cosas góticas, como por ejemplo la Catedral de Burgos o la música de Joy Division. Ninguna de esas cosas, sin embargo, es remotamente parecida al tema que trataremos en este podcast, la Sinfonía Gótica del compositor inglés Havergal Brian. Esta obra está considerada como la pieza musical que más músicos necesita para su interpretación, pues son indispensables dos orquestas bien pobladas, solistas, dos coros completos y una escolanía para una correcta puesta en escena. En el podcast de hoy, dirigido por David Antón, os contaremos todos los detalles detrás de una de las obras más curiosas de la Historia de la Música, y intentaremos explicar por qué una sinfonía escrita hace casi un siglo solamente se ha tocado 7 veces. Alerta spoiler para todos los compositores y orquestadores del mundo: es DEMASIADO.

Nos podréis decir que somos unos irresponsables, que cómo somos capaces de grabar un podcast por la noche, tan tarde que incluso celebramos la llegada de un nuevo día. Pero los invitados y el tema bien merecían estos impagables esfuerzos: un día más, la visita de Diego y Rodolfo nos llena de alegría y nos hace reflexionar sobre un aspecto de la música clásica muy presente en la vida de los intérpretes, los concursos. Tras escuchar la Obertura más castiza de Mili Balakirev, nos adentramos en un programa en el que diferentes opiniones y perspectivas sobre los grandes concursos, la virtud de los solistas y los sacrificios que conlleva todo esto se ponen en común; un programa en el que, como suele pasar, nos resulta difícil sacar una conclusión redonda porque seguramente es imposible hacerlo. Por ello, esperamos que disfrutéis la visita de estos dos fenómenos y que os guste un programa único en varios sentidos.

La serie de "Los Cuartetos de Cuerda a lo largo de la Historia" amenaza con alargarse más en el tiempo que Los Soprano. Muy lejano se ve ya aquel primer episodio en el que empezamos a diseccionar los cuartetos de Haydn, pero aún así nuestra ambición sigue intacta y lo demostramos en este programa, en el que analizamos los cuartetos de cuerda de Claude Debussy y Maurice Ravel. Ambos compositores, símbolos indiscutibles del Impresionismo francés, escribieron un solo cuarteto cada uno, que la Historia ha terminado hermanando para siempre. Pau Hernández se pone a los mandos de este programa para tratar de entender el movimiento y la revolución del Impresionismo desde la perspectiva de los cuartetos de cuerda. Además, David nos cuenta un chiste sobre violines absolutamente desternillante. DE VERDAD, NO OS LO PODÉIS PERDER.

Para el programa de hoy abandonamos el mundo de la música clásica para acercarnos a un movimiento estilístico que nació en Brasil y se expandió como cierto virus del que preferimos no hablar por todo el mundo, la bossa nova. Para ello, pondremos el foco en su canción más representativa, La Chica de Ipanema, para contar su historia y la de los protagonistas que la crearon. Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, Joao Gilberto, Astrud GIlberto y Heloísa Pinheiro son los actores principales de un relato que comienza con una joven brasileña paseando por Río de Janeiro y termina con la irrupción de una de las voces más especiales del jazz y la bossa nova de la segunda mitad del siglo XX. Esperamos que disfrutéis esta macedonia de historias cuyo único hilo conector son unos acordes de guitarra inolvidables y una playa idílica.

Quizá alguno de nuestros oyentes recuerde que hace varios meses, hicimos una pequeña serie de programas decididos a analizar la evolución de los conciertos para piano a lo largo de la Historial. En su día, hablamos de los conciertos de Beethoven, Chopin, Tchiakovsky y Ravel, pero por alguna razón que no conocemos ni siquiera nosotros decidimos para esa serie y no continuarla. Ese inexplicable silencio termina hoy, pues nos adentramos en dos obras esenciales dentro del repertorio pianístico del siglo XX, el tercer concierto para piano tanto de Serguéi Prokofiev como de Béla Bartók. Ambos compositores, uno ruso y otro húngaro, compusieron estas dos obras con un contexto estadounidense, pues Prokofiev lo escribió pensando en su gira como solista por ese país y Bartók abordó el suyo desde su exilio en Nueva York. Ambas obras son realmente maravillosas y nos permiten contar una serie de misterios y detalles que estamos seguros que os sorprenderán tanto como a nosotros. Y si no, al menos podréis disfrutar de dos conciertos como la copa de un pino escritos por dos autores de enorme talento musical. ¡Gracias por seguirnos!

Hace varios programas, nos propusimos repasar la manera en la que la novela más leída en castellano de todos los tiempos, Don Quijote de la Mancha, ha influido en la música clásica occidental. Aquel día no fuimos capaces de terminar el recorrido debido al abundante número de obras que han tomado escenas o personajes del Quijote y les han puesto música. En este episodio, repasamos tres obras realmente curiosas de tres autores muy importantes. En primer lugar, hablamos de "Don Quijote", una de las últimas óperas de Jules Massenet y en la que el compositor se identifica con el protagonista por unas razones muy determinadas. Luego descubrimos las tres canciones para voz y orquesta de Maurice Ravel en las que, utilizando ritmos como el zortzico o la jota, Don Quijote expresa sus sentimientos hacia Dulcinea; y, para terminar, hablamos del descomunal poema sinfónico de Strauss, en el que el violonchelo y la viola se convierten en Sancho y Quijote para reconstruir en música una de las obras más ilustres de la literatura mundial. Esperamos que lo disfrutéis.

Hoy tenemos preparado un programa algo diferente, pues no vamos a hablar (prácticamente) sobre compositores, obras y demás. Aprovechando la visita de la pianista barcelonesa Laura Casas, nos centraremos en uno de los aspectos más gratificantes de la música, como es su poder para conectar con todo tipo de personas sin importar su clase social, raza o condición. Laura nos hablará sobre su experiencia liderando proyectos y actividades con todo tipo de colectivos, desde convictos hasta escuelas primarias, con el objetivo de enseñaros una cara algo más oculta del arte que tanto nos apasiona. Esperamos que disfrutéis este nuevo programa y que su contenido consiga visibilizar una labor importantísima y encomiable.

Para el programa hoy hemos tenido una idea algo diferente. Originalmente habíamos pensado dedicarle un programa a la Quinta de Tchaikovsky, pero luego se nos ocurrió que podríamos darle una vuelta y tratar de encontrar cuál es la mejor (entendido "mejor" como la que más nos gusta) Quinta sinfonía de todas las escritas durante la Historia de la Música. Por ello, hemos seleccionado cuatro finalistas de muchísimo renombre que podrían ser las vencedoras de este particular concurso: la Quinta de Beethoven, la de Mahler, la de Tchaikovsky y la de Shostakovich. Las cuatro son obras de enorme envergadura e importancia, cada una con detalles y características únicas que las hacen muy especiales. David Antón nos hablará brevemente de cada una de estas piezas para argumentar por qué o por qué no pueden ser consideradas la "mejor". Al final, David y Pau intentarán llegar a una conclusión que, como suele pasar cuando se comparan obras tan fantásticas, no deja contento a nadie. Por lo menos tendremos la oportunidad de escuchar fragmentos de todas las obras, cosa que siempre es motivo suficiente para disfrutar este programa. Y vosotros, ¿qué pensáis al respecto?

En el último programa de 2022 comenzamos a contar una historia que dejamos incompleta. Era la historia que unía las vidas de Richard Wagner, compositor y genio, y del rey Ludwig II de Baviera. Ambos hombres tuvieron una de las relaciones mecenas-artista más fructíferas de la Historia del Arte, y había tantos detalles que contar que tuvimos que dejar el desenlace para otra ocasión. Ese día ha llegado, pues hoy volvemos al punto donde habíamos detenido el relato, en el momento en el que Wagner tuvo que exiliarse de Baviera por su enfrentamiento con la aristocracia de la corte de Ludwig II. A partir de ahí reconstruimos los hechos que marcaron los años finales de la relación entre ellos, desde el intento de abdicación del monarca en 1866 hasta las discusiones con motivo de los estrenos de El Oro del Rin y La Valquiria. Os prometemos que el final del programa no os dejará indiferentes.