Podcast de JAZZNOEND RADIO

El poder de la balada en el jazz reside en su capacidad para crear atmósferas sofisticadas, románticas y evocadoras. Y con ese concepto en mente la discográfica británica Black Lion publicaba en el año 1971, el disco Atmosphere for Lovers and Thieves, una selección de dos sesiones grabadas por el saxofonista Ben Webster en 1965 que consiguieron capturar la esencia del arte baladístico en el que el viejo saxofonista, en sus años crepusculares, había alcanzado niveles de excelencia artística. Ben Webster, en aquellos años, refugiado en Europa desde 1964, había dejado atrás sus tiempos gloriosos en la orquesta de Duke Ellington, veinte años antes de estos registros. La vehemencia de su estilo, su sonido rudo y rocoso dejaba paso al susurrante sonido de su saxo, deslizándose seductor en la interpretación de las baladas que cada vez ocupaban mayor espacio en su repertorio. Webster nunca regresaría a su país, y fallecería en Copenhague en el año 1973, dejando como legado un amplísimo acervo discográfico así como un sonido y un estilo único y excepcional que le ha hecho merecedor un lugar privilegiado entre los más grandes de la historia del jazz y en especial del saxo tenor junto con otros dos gigantes del instrumento, Coleman Hawkins y Lester Young. Radio Jazznoend rinde homenaje en este nuevo programa a este viejo maestro del saxo tenor, a través de este singular registro en el que asistiremos a interpretaciones conmovedores de algunos de los clásicos de la balada de la historia del jazz.

Radio Jazznoend os ofrece en este nuevo programa un recorrido por un álbum de culto de la música brasileña. El conocido como “disco do tênis” por la foto de las zapatillas Adidas sucias y desgastadas que ilustran la portada. El primer disco de un joven hippie de 20 años llamado Lô Borges al que, en el año 1972, una gran discográfica de Rio de Janeiro le encargó grabar en unos pocos meses, un disco, cuando no tenía ni una sola canción compuesta para él. Nos sumergiremos en el torbellino de creatividad al que este reto le arrastró envuelto en los efectos psicodélicos del LSD y la marihuana. Escucharemos su música experimental y alternativa, las letras oníricas y misteriosas, en un enloquecido crisol de rock progresivo, música folk y jazz con la permanente presencia de los ecos del movimiento del Clube da Esquina del que Borges fue cofundador y uno de sus más destacados representantes. Le acompañaremos a esas sesiones de grabación nocturnas al lado de algunos de los más grandes artistas de la época, sus compañeros de Belo Horizonte, como su hermano Marcio, Toninho Horta, Beto Guedes, Flavio Venturini o Novelli. Un tesoro discográfico de la década de los setenta y un descenso a los infiernos de su protagonista que, tras esta grabación, abandonó la música profesional durante siete años. Un experimento incomprendido en su época y despreciado por los ejecutivos de la discográfica EMI. Una grabación legendaria que es conocida como el “disco do tênis”, por la imagen de las sucias y desgastadas Adidas de Borges, que ilustran su portada, fotografiadas por su amigo Cafi. Una experiencia fascinante que no puedes perderte.

Art Farmer es una “rara avis” en el panorama musical del hard bop de los 50 y 60 del pasado siglo cuando a los trompetistas se les imponía unas capacidades atléticas exorbitantes con sonoridades brillantes y fraseos vertiginosos. En ese panorama desafiante y hostil se abre paso Farmer que, sustituyendo la trompeta por el fliscornio, encuentra su lugar con una sonoridad suave y aterciopelada y con un discurso improvisativo sereno y expresivo, alejado de los excesos y los alardes del be bop. La banda The Jazztet que Farmer co-lidera a finales de la década de los cincuenta, es considerada uno de los conjuntos seminales del hard bop, a pesar de que su música se alejaba de los exigentes estándares impuestos por otros conjuntos como los Jazz Messengers de Art Blakey o el quinteto de Max Roach y Clifford Brown. A pesar de todo, a finales de la década de los sesenta, Farmer se unió a esa legión de jazzmen expatriados que buscaron refugio en Europa, encontrando su hogar en Viena, donde su ya extenso y destacado curriculum, le sirvió de carta de presentación en los escenarios y estudios de grabación del continente y del mundo entero. A partir de la década de los ochenta, con el redescubrimiento del jazz acústico en los Estados Unidos, Farmer disfrutó de un exitoso homecoming, siendo reconocido como una de las grandes leyendas de la historia del jazz moderno, compartiendo, a partir de entonces, su vida y su actividad laboral entre Austria y Estados Unidos. Radio Jazznoend rinde homenaje en nuestro nuevo programa a este maestro de la trompeta, recorriendo sus registros de madurez, efectuados a partir de los años ‘70 para discográficas norteamericanas, europeas y japonesas. Te invitamos a compartir con nosotros una velada mágica iluminada por los destellos del estilo lírico y emocional de Art Farmer y por la conmovedora belleza de su sonido que hicieron de él uno de los más destacados contadores de historias del jazz moderno.

A mediados de la década de los '60 del pasado siglo irrumpe en Estados Unidos el Free Jazz como una manifestación más de los movimientos emergentes que reivindicaban, cada vez con mayor vehemencia, los derechos de los negros norteamericanos. Esta nueva música, suponía un nuevo paradigma en la concepción del jazz que prescindía de las normas que regían hasta el momento la forma de hacer jazz en sus aspectos melódicos, armónicos y rítmicos. Un movimiento rebelde y disruptivo, más político que musical, que rompía amarras con los estándares impuestos por la sociedad y la cultura blanca que mantenía una intolerable opresión sobre el colectivo afroamericano hastiado de abusos e injusticias. Sin embargo. una buena parte de los músicos de aquella generación, aún simpatizando con los principios políticos y sociales que justificaban esa nueva música, decidieron no dar un paso tan osado hacia aquellos territorios desconocidos y se mantuvieron en una frontera musical en un límite que, conservando en lo esencial los vínculos con el jazz ortodoxo, introducía elementos innovadores procedentes de aquel revolucionario movimiento encabezado por músicos como Ornette Coleman, Don Cherry o Cecil Taylor y del que John Coltrane fue proclamado su líder espiritual. El resultado sería una música fronteriza y apasionante, navegando entre dos aguas, con continuas incursiones dentro y fuera de la tonalidad, que conformaría finalmente el mainstream jazzístico de los ‘60 y ‘70 del pasado siglo y que, aún hoy en día, es la principal referencia del jazz acústico contemporáneo. Radio Jazznoend os invita en nuestro nuevo podcast a un largo viaje por aquella frontera azarosa y aventurera de la mano de algunos de los mas relevantes artistas de aquella era, como Miles Davis, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Joe Henderson, Charles Tolliver, George Russell o Booker Ervin, entre otros.

El universo musical de Bill Evans, su pianística de extraordinario y profundo lirismo, ha sido un tema recurrente en Radio Jazznoend al que nos hemos aproximado, a través de los años, desde muy diversas perspectivas. En nuestro nuevo programa os proponemos un recorrido a través de aquellos registros en los que el pianista introdujo en su música el sonido del piano eléctrico Fender Rhodes. El invento de Harold Rhodes estaba destinado a marcar el sonido de una era y Evans, más allá de su imagen de pianista académico, efectuó durante la década de los 70 del pasado siglo, una excitante inmersión en el sonido innovador y sofisticado de este legendario instrumento. Mucho más que una anécdota o un mero experimento, Evans supo hermanar en su música los sonidos acústicos, con los del piano eléctrico sin desvirtuar la esencia de su música, dotando a sus interpretaciones de colores y texturas que hoy forman parte inseparable de su inmenso legado musical.

En nuestro nuevo programa, los estudios de Radio Jazznoend, reciben al guitarrista Doug Raney, un maestro de la seis cuerdas, hijo del gran Jimmy Raney, uno de los padres de la guitarra del jazz moderno. Un personaje maldito de las postrimerías de la gran era jazzística, que con tan solo veinte años, decidió instalarse en Europa, donde desarrollo una fértil carrera artística. A través de algunos de sus muchos registros, efectuados durante más de dos décadas para la discográfica danesa Steeplechase, conoceremos la excelencia de su arte, su propuesta estilística, moderna y sofisticada, el soberbio tono de su guitarra de jazz y su lenguaje improvisativo fluido, fresco y lírico, caracteres que le sitúan finalmente como uno de los más grandes de la historia de la guitarra de jazz. Pero también conoceremos los aspectos más sombríos de su existencia atormentada por el fantasma de las adicciones que, aunque no interfirieron de manera sustancial el desarrollo de su carrera, si que desencadenaron una prematura decadencia física y su muerte a la edad de 59 años.

Hace ahora diez años que desde nuestros estudios en el barrio de Ruzafa en la ciudad de Valencia, se ponía en el aire el primer programa del podcast de Radio Jazznoend. Una iniciativa que no era más que la continuación del proyecto musical Jazznoend que nacía nada menos, que en el año 1996. La idea de dos amigos apasionados por el jazz, Lorenzo Orriols y Enrique de Ramón, que iniciaba su andadura sin pretensiones ni beneficios y que ha funcionado con el único combustible de nuestra insana pasión por la música improvisada. Para celebrar este feliz aniversario, nuestro nuevo podcast se transforma en un larga charla entre sus protagonistas, sobre nuestra historia y nuestra forma de sentir y vivir el jazz, amenizado todo ello con la música de algunos de nuestros héroes musicales que forjaron nuestra devoción por el jazz y que contará con la intervención de nuestros más estimados colaboradores que nos han acompañado durante estos diez años en esta apasionante aventura. Un homenaje a nuestro proyecto, sin duda, pero también a esos queridos amigos que han acudido fielmente a nuestra cita mensual con el mejor jazz de la red y a los que emplazamos para que nos sigan acompañando en este incansable recorrido nocturno por los más recónditos y seductores rincones de la gran era jazzística.

Desde hace más de seis décadas, el compositor y multinstrumentista brasileño Hermeto Pascoal, viene ofreciendo al mundo una visión novedosa y original de la música de su país. Una aproximación heterodoxa y desafiante que supera los estándares y rehuye cualquier tentación comercial. La aparente extravagancia que en ocasiones puede transmitir su propuesta, se nos presenta como el camino hacia una vivencia musical total. Sus conductos son el jazz y una exploración del folclore cargada de connotaciones oníricas, casi mágicas. La música de Hermeto Pascoal se presenta como un acontecimiento comunitario en el que la improvisación y la espontaneidad, tienen un papel protagonista. El piano, el acordeón, el saxo, la batería o el bajo, son un todo sin individualismos, son elementos de un complejo collage que no permite un análisis aislado, mas bien exige un alejamiento, una perspectiva sin pretensiones críticas o técnicas Radio Jazznoend os invita a una excursión al universo musical del brujo de Alagoas. Una experiencia iniciática que, dejando atrás las rutas más trilladas, nos ofrece grandes recompensas al final del camino.

El 24 de enero de 1975, el majestuoso Teatro de la Ópera de la ciudad alemana de Colonia era testigo de un histórico acontecimiento musical protagonizado por el pianista Keith Jarrett. El evento, registrado y publicado por la discográfica germana ECM, con el título de The Köln Concert, consagraría al artista como una leyenda del piano y cimentaría definitivamente el prestigio de la discográfica del productor Manfred Eicher, convirtiéndose en el disco de piano solo más vendido de la historia. Sin embargo, al contrario de lo que pudiera pensarse, el soberbio resultado artístico de aquella velada, aquel derroche de imaginación y creatividad que Jarrett desplegó sobre las teclas del piano, fue en realidad, el resultado de una sorprendente sucesión de nefastos acontecimientos que llevaron al pianista aquella noche, al límite de sus capacidades físicas y artísticas y que a punto estuvieron de dar al traste con aquel evento que hoy es objeto de veneración y recordado como el más brillante concierto de la carrera de Jarrett. En Radio Jazznoend, siempre enamorados de las leyendas, historias y anécdotas que rodean el universo jazzístico, revivimos aquella noche mágica en el Teatro de la Ópera de Colonia en la que, entre una insólita conjunción de infortunios y adversidades, triunfó la belleza.

Durante los meses de febrero y marzo de 1974, se graba en Los Angeles un disco destinado a erigirse como un icono de la música popular brasileña del siglo XX. El álbum Elis & Tom reunía en un estudio de grabación por primera y última vez a la cantora Elis Regina con el compositor Antonio Carlos Jobim. De entre las brumas de los prejuicios y la beligerancia, de los recelos y las trincheras, que desde el principio nublaron el futuro de aquel proyecto, fue abriéndose paso entre ambos artistas, con el transcurso de las semanas, una corriente de respeto y admiración, una empatía humana y artística que finalmente alumbraron el arte y la emoción, la más perfecta y sublime expresión de la creatividad y la inspiración de dos figuras totémicas de la historia de la música brasileña. Radio Jazznoend, celebra en este nuevo podcast, los 50 años de aquel registro, considerado como uno de los más destacadas e influyentes de toda la historia de la música grabada. Un recorrido que nos llevará a su música pero también al proceso, al anecdotario y la intrahistoria de una obra maestra que el crítico del New York Times Jon Pareles ha descrito poéticamente como "Un diamante fluyendo en la belleza del espacio más brillante."

Este es el primer programa conjunto entre dos podcasts hermanos, Radio Jazznoend y Autopista Sin Fin. Y su contenido no podía ser otro que el blues, ese género musical histórico nacido del dolor de un pueblo oprimido, el de las comunidades afroamericanas del sur de los Estados Unidos en los albores del siglo XX. Una estructura musical sencilla pero que por su enorme significado, por los sentimientos que transmite, ha permanecido en el tiempo como una corriente principal que alimenta a todos los géneros musicales modernos, entre los cuales se encuentran sin lugar a duda nuestras principales pasiones, el jazz y el rock. Por ello, en el programa escucharemos, de la mano de los presentadores de ambos podcasts, temas de blues legendarios, especialmente relevantes en el jazz y en el rock, con aproximaciones completamente distintas al género que nos permitirán comprobar de que maneras tan variadas puede sustanciarse el sincero, el emotivo homenaje de los músicos de ambos mundos al impresionante legado de sus antepasados artísticos y espirituales.

Radio Jazznoend realiza una nueva incursión en la mitología del jazz moderno para documentar el encuentro entre el saxofonista Julian Cannonball Adderley y el pianista Bill Evans. El encuentro de dos astros emergentes, apadrinado por el trompetista Miles Davis en cuya banda coincidieron durante algunos meses en el año 1958. Dos personalidades diferentes, Cannonball jovial, locuaz y extrovertido; Evans. tímido y reservado. Dos estilos divergentes, Cannonball era puro blues, un destacado representante del soul-jazz. Evans pionero en una nueva pianística de inspiración clasicista, lírica y etérea, que se abrÍa camino entre las nuevas corrientes del jazz modal que el propio pianista lideraba en aquellos años. Cannonball fascinado, al igual que Davis, por la cautivadora concepción armónica de aquel joven pianista blanco y por el potencial de aquel innovador estilo, no dudó en contar con él en tres álbumes grabados a su nombre entre los años 1958 y 1961, que le permitieron, alejarse por un momento de los clichés de un estilo arraigado en el blues y el góspel y exhibir la versatilidad de su saxofón para adentrarse con osadía, en las nuevas tendencias de un jazz más complejo y cerebral. Los discos Portrait of Cannonball, Know What I Mean y Jump for Joy, son el resultado de aquel improbable encuentro de artistas alejados en personalidades y estilos, pero unidos en la grandeza de su arte.

La irrupción del jazz fusión a principios de la década de los '70 del pasado siglo, marcó el inicio de un periodo de vacas flacas para el jazz acústico, una travesía del desierto que puso a centenares de músicos en el dilema de mantenerse fieles a sus raíces musicales o dejarse llevar por los derroteros de los nuevos estilos emergentes. En este desértico y desolador escenario, hasta los Jazz Messengers de Art Blakey, garantes de las esencias de un hard bop académico y acústico hasta la médula, se enfrentó a este inquietante dilema. Radio Jazznoend, explora en este nuevo programa, un breve periodo en la larga vida de aquella legendaria banda, en el que Blakey, bajo contrato con la discográfica Prestige, protagonizó una tímida incursión en las sonoridades del jazz fusión que nacía en aquellos años. Unos mensajeros verdaderamente excepcionales, no sólo por la introducción de instrumentación electrónica o por la peculiar naturaleza de su repertorio, sino también porque suponen la única oportunidad de escuchar, en las filas de Blakey, a esa leyenda de la trompeta que fue Woody Shaw. Estas recónditas sesiones desarrolladas en estudios de New Jersey y California dieron lugar a tres discos: Child's Dance, Anthenagin y Buhaina. Os invitamos pues, a disfrutar de estos registros efectuados entre los años 1972 y 1973, un instante casi olvidado en la ingente producción discográfica de los Jazz Messengers, que por su rareza y singularidad y merece ser recordado.

En los años 1970 y 1971 del pasado siglo el poeta brasileño Vinicius de Moraes, grabó en Argentina para el sello argentino Trova, dos discos que se transformarían en uno de los grandes éxitos discográficos de todos los tiempos y que hoy en día constituyen un icono de la música y la cultura del siglo XX. Buena parte del éxito de aquellos registros debe atribuirse al acierto del productor Alfredo Radoszynski, que supo llevar al estudio de grabación el ambiente del espectáculo que el poeta ofrecía en el Cafe concert La Fusa, al lado del guitarrista Toquinho y con las cantantes Maria Creuza y Maria Bethania, alentados por un público entusiasta formado por amigos y familiares. Los registros reproducen vívidamente la atmósfera bohemia de aquellas largas sesiones nocturnas, de humo y de alcohol, de música y poesía, de amigos y mujeres hermosas, presididas por la personalidad carismática, intensa y vehemente del viejo poeta. Estos trascendentes registros que os ofrecemos en nuestro programa se efectúan en un momento crucial en la vida de Vinicius de Moraes y reflejan el pasado y el futuro del poeta. Su pasado como padre intelectual de la bossa nova que vistió de largo el movimiento musical carioca con la calidad literaria de las letras que escribió para las maravillosas melodías compuestas por algunos de los grandes protagonistas del movimiento como Antonio Carlos Jobim o Carlos Lyra. Y su futuro como el poeta vagabundo liberado de su máscara de respetabilidad, viajando por el mundo hasta su muerte, al lado de su escudero, el guitarrista Toquinho. Acompáñanos en este regreso a La Fusa, a una de esas noches de música y poesía en la compañía de Vinicius de Moraes, una de las más brillantes personalidades de la música y la cultura brasileñas del siglo XX.

Radio Jazznoend os invita en este nuevo programa a un viaje excitante y vertiginoso, un recorrido por buena parte de la historia del jazz, a través de veintiuna grabaciones de temas encadenados, unidos por circunstancias tan diversas como los músicos que intervienen en ellas, los temas registrados, sus compositores o productores. Una excursión en la que, partiendo de una grabación elegida al azar, volveremos finalmente a ella, tras completar un círculo de 21 etapas con los más sorprendentes y originales saltos sin red en el abismo nocturno de la gran era jazzística. Un juego en el que pretendemos demostrar que el jazz y en general, cualquier estilo musical, no es más que un microcosmos, en el que, como en una intrincada tela de araña, todo está relacionado y mucho más próximo de lo que nuestros criterios estilísticos y temporales, nos invitan a pensar. Y en definitiva, este divertimento que os ofrecemos, es también la oportunidad de disfrutar de casi dos horas de algo del mejor jazz de la red, que es siempre el principal propósito de los que, desde hace casi diez años, ideamos y dirigimos los programas de Radio Jazznoend.

Radio Jazznoend inagura una nueva modalidad de podcast, los shorts, programas de corta duración en los que abordaremos temas que, por su propia naturaleza, su actualidad o la necesidad de una atención inmediata, no requieren o permiten la extensión habitual de nuestros programas. Y lo hacemos con un programa dedicado a Carlos Lyra uno de los padres de la bossa nova brasileña, protagonista de la creación y difusión de este revolucionario estilo en el Rio de Janeiro de finales de la década de los 50 del pasado siglo y que nos ha dejado el día 16 de este mes de diciembre de 2023. Sus melodías constituyen una parte esencial del corpus de la bossa nova clásica y sin ellas no se puede entender este estilo, tal y como hoy lo conocemos. Radio Jazznoend os invita a un breve, aunque completo repaso a la carrera de este gran compositor, deteniéndonos especialmente en sus legendarias parcerias con Vinicius de Moraes y Ronaldo Boscoli.

El pianista y compositor Horace Silver es uno de los arquitectos del Hard Bop, la corriente principal del jazz moderno que nace a mediados de los años cincuenta del pasado siglo. Entre los hitos de su curriculum artístico podemos citar el haber sido cofundador de la legendaria banda The Jazz Messengers, junto al batería Art Blakey o haber liderado durante décadas su propio quinteto por el que desfilaron artistas de la talla de Art Farmer, Clifford Jordan, Blue Mitchell, Joe Henderson o Randy Brecker por citar solo algunos de ellos. Finalmente Silver será recordado como compositor de algunos de los más brillante standards jazzísticos de aquel periodo. Temas como Senor Blues, Peace, Nica´s Dream o Song for my Father, son algunas de su más célebres composiciones. Así que Radio Jazznoend, en este nuevo podcast, rinde homenaje a esta eminente figura de la historia del jazz, relatando episodios y anécdotas de su carrera y escuchando algunas de su más destacadas grabaciones registradas para la discográfica Blue Note, en la primera década de su actividad como líder de banda.

En Radio Jazznoend hemos sabido que ha llegado el otoño. Dicen que las hojas comienzan a caer de los árboles y cubren las calles y los jardines con un tapiz crujiente, que los bosques cambian sus colores y se visten de amarillos y ocres. Algunos cuentan que el aroma de la tierra mojada les ha traído recuerdos de infancias felices o amores perdidos. Así que, hemos decidido encender la chimenea en nuestros estudio de Radio Jazznoend y organizar una íntima velada, alrededor de aquellos temas, casi todos ellos standards del jazz, que se inspiraron en esta estación y en ella encontraron su leitmotiv. Nuestros invitados junto al fuego del hogar, serán los más grandes artistas de la historia del jazz, aquellos que mejor supieron encarnar y expresar en su música, los sentimientos asociados a la estación otoñal: la añoranza, la melancolía, el abandono o la contemplación.

No se puede concebir el nacimiento ni la evolución del jazz, sin la trompeta. Ningún otro instrumento representa más la esencia del jazz. Su sonido metálico, brillante e implacable reclama inmediata atención y ofrece al extasiado oyente intensidad, espectáculo y emoción. En la eterna noche de la gran era jazzística brillan con fuerza los grandes astros que dominaron este instrumento. Sus épicas gestas en clubes y escenarios todavía se narran y recuerdan en los anales de la historia y la leyenda del jazz Freddie Hubbard y Woody Shaw forman parte esencial de esa leyenda. Los inapelables reyes del jazz más moderno y vanguardista que se desarrolla a lo largo de la década de los sesenta. Un periodo en el que ambos, siguiendo sus propios caminos, escribieron las leyes de la trompeta para las siguiente décadas. Por ello, sus encuentros discográficos producidos durante la década de los años ochenta del pasado siglo, son hitos de la tradición trompetística que nace con el mismísimo Louis Armstrong a las orillas del rio Mississippi en los albores del siglo XX. Radio Jazznoend explora en este programa, los momentos más destacados de estos registros históricos en los que ambos artistas desde la humildad y el respeto mutuo, muestran al mundo el bagaje de su maestría, de su técnica y de su portentosa inspiración. Un legado artístico de tal magnitud que aún hoy no ha podido ser superado por ninguno de los también grandes trompetistas que les siguieron en las décadas siguiente.

La década de los setenta vio la llegada del jazz fusión, una panorama en el que el pianista Herbie Hancock, irrumpió con fuerza con su banda de jazz-funk, Head Hunters. Con esta propuesta, Hancock protagoniza una inmersión total en el naciente universo de la electrónica musical, desarrollando en sus registros de aquella década, algunos de los más impactantes solos de piano Fender Rhodes de la historia de este instrumento a la vez que envolvía su música en el embrujo de los sonidos vintage de los primitivos sintetizadores analógicos de la era, en cuya ejecución fue un maestro. En nuestro programa, distanciándonos de los temas mas comerciales, que hicieron de la banda una de las más exitosas de la época, nos centraremos en otras composiciones que, sin abandonar las características de ligereza y accesibilidad de su propuesta, incorporan la inconfundible impronta del genio intemporal de Hancock, del carácter exploratorio y aventurero que siempre caracterizó su música.

La poesía del jazz es uno de los proyectos más queridos de Radio Jazznoend. Una propuesta de fusión entre la poesía y el jazz, que os hemos ido ofreciendo a lo largo de los ya muchos años que llevamos en antena. En esta nueva entrega, dos poetas, Mariano Moreno y José María García Barrio, grandes amigos de Radio Jazznoend, unen sus esfuerzos para acompañar la música del saxo tenor Stan Getz, un maestro del lirismo en la interpretación de la balada. Poseedor de un sonido único, tan hermoso y excepcional, que le valió el sobrenombre de “The Sound”. Un músico que, tras el extraordinario éxito de sus grabaciones de bossa nova en los años sesenta, supo alcanzar en sus años de madurez, el cénit de su arte y de su técnica, liderando cuartetos por los que desfilaron algunos de los más grandes maestros de la pianística del jazz moderno, pues el piano fue sin duda, la verdadera pasión frustrada del saxofonista. De esas excepcionales grabaciones, registradas casi todas ellas en la década de los años ochenta del pasado siglo, hemos seleccionado la totalidad de los temas que podremos escuchar en el programa. La profundidad emocional del discurso improvisativo de Getz, su desbordante imaginación, la abrumadora belleza de su sonido ha servido de inspiración a nuestros poetas que nos ofrecen, en nuestro nuevo podcast, algunas de sus creaciones más intensas y conmovedoras.

En el año 1962 en el momento álgido de la guerra fría que enfrenta a la Unión Soviética con el bloque occidental liderado por Estados Unidos, una banda de jazz dirigida por el clarinetista Benny Goodman, cruza el telón de acero y durante seis semanas recorre distintos territorios, recibiendo en todos ellos el aplauso y el entusiasmo del público soviético, protagonizando un breve pero significativo momento de distensión en aquel irremediable enfrentamiento que amenaza al mundo con un inminente holocausto nuclear. La crónica oficial nos habla de un rotundo éxito musical y diplomático, pero en el año 1986, el bajista de la banda Bill Crow, nos ofrece un panorama distinto de aquel acontecimiento y, en concreto, un retrato del lider Benny Goodman que solo puede ser calificado como devastador. En este nuevo programa, Radio Jazznoend os invita a conocer aquel olvidado acontecimiento a través de los jugosos textos del implacable Bill Crow, escucharemos la música de aquella banda y disfrutaremos de los ecos discográficos de la gira que se produjeron en los meses posteriores al regreso al hogar de los músicos norteamericanos.

El 26 de junio de 1956, con apenas 25 años, fallecía en un trágico accidente de tráfico el trompetista Clifford Brown. Aunque este fatal accidente frustró el prometedor futuro de aquel gran artista, lo bien cierto es que tan solo cuatro años de carrera profesional le habían bastado para cambiar las estructuras del jazz de su época, creando un nuevo paradigma que rompía con las agotadas formulas del bebop clásico para alcanzar nuevos horizontes estilísticos, técnicos e improvisativos. Y de esa breve carrera musical los dos últimos años al lado del batería Max Roach, escribieron una parte fundamental de las sagradas escrituras del hard bop, un libro de texto del que han aprendido en mayor o menor medida todos los músicos que les siguieron hasta el día de hoy y muy especialmente los trompetistas de todas las épocas y estilos para los que Clifford Brown, su sonido y su estilo improvisativo, es una referencia necesaria y permanente fuente de inspiración. En Radio Jazznoend recorreremos en nuestro nuevo programa, la discografía de aquel legendario quinteto que en su breve existencia, cambió el jazz para siempre.

El día dos de este mes de marzo de 2023, el saxofonista Wayne Shorter ha partido para continuar su viaje. Ha dejado atrás un formidable legado, una huella imborrable en la historia de la música del siglo XX. En sus geniales composiciones late el corazón del jazz, la noche, el misterio, lo imprevisible y hoy forman parte esencial del canon del jazz moderno. A la vez sus improvisaciones retienen la esencia del jazz de los más grandes, de Lester Young hasta John Coltrane. Pero esas referencias no son más que el punto de partida de un universo improvisativo complejo, en el que se encuentran en armonía, una profundidad intelectual insondable, que causa vértigo, con un lirismo penetrante y conmovedor. Un revolucionario tranquilo y silencioso, que, rechazando los planteamientos radicales de los líderes del free jazz, decidió cambiar el jazz desde dentro, conservando sus esencias y sus principios fundacionales. Difícilmente las palabras pueden explicar la música de este gran maestro, así que desde Radio Jazznoend, os invitamos a conocer más a fondo a este seminal artista y a escuchar algunos de los temas grabados por Shorter en las épocas más innovadoras y fértiles de su carrera musical.

En el período comprendido entre Mayo de 1.967 y el mismo mes de 1.970, Tom Jobim graba para la discográfica de Creed Taylor CTI tres discos de extraordinaria calidad. Se trata de las grabaciones más jazzísticas de la carrera de Jobim; discos esencialmente instrumentales, todos ellos con la clara impronta de las grabaciones CTI: una sonoridad cálida, deliciosa, con sutiles arreglos orquestales y la participación de algunos de los mejores solistas de jazz y músicos de estudio del momento. Los arreglistas, Claus Ogerman y Eumir Deodato, fueron los seleccionados para los discos de Jobim. Por otra parte, la perfecta acústica de la grabación lograda por el mítico ingeniero de sonido Rudy Van Gelder, fue también una de las características esenciales de estos registros. Radio Jazznoend os invita a recorrer estos tres álbumes Wave, Tide y Stone Flower, a escuchar su música y conocer su historia. Unas grabaciones que marcaron, en la carrera de Jobim, una frontera entre una música basada esencialmente en el movimiento bossa nova del que el maestro carioca puede ser considerado como padre musical, y la exploración de otros parajes musicales más complejos y ambiciosos, encuentro de las aguas del clasicismo y el folclore y que vinieron a completar el vasto universo musical jobiniano.

A mediados de los años ochenta del pasado siglo, el batería Tony Williams ya podía ser considerado uno de los grandes protagonistas del jazz moderno. En el segundo gran quinteto de Miles Davis de los '60 había construido el paradigma de la rítmica postbop que iba a influir en varias generaciones de músicos en las siguientes décadas. Había sido también el gran pionero del jazz-rock, con su banda Lifetime, que con el álbum Emergency de 1969, dio a conocer al mundo este concepto musical revolucionario, antes incluso de que el propio Davis grabara su seminal registro Bitches Brew. En el año 1986, cuando ya pocas cosas tenía que demostrar al mundo este genial artista, puso en la carretera un quinteto, que tendría un importante papel en el regreso del jazz acústico que se produce desde finales de los años 70, especialmente con la banda VSOP, cuya rítmica estaba también a cargo del propio Williams y que hoy podemos contemplar como un elemento precursor de la generación de los Young Lions que irrumpiría en la década de los noventa. Los cinco registros producidos por esta banda desde el año 1986, hasta su despedida en los escenarios de Tokyo en 1992, nos muestran la originalidad y la frescura de una propuesta artística inspirada sin duda en la música de los Jazz Messengers de Art Blakey, modernizada con los elementos más vanguardistas de la banda del Davis de los 60. La solidez rítmica de Williams, la originalidad de sus composiciones que constituyeron el repertorio de la banda y el virtuosismo e inspiración de sus solistas, son los tres pilares que sostienen este legendario conjunto. En Radio Jazznoend os ofrecemos algunos de los momentos más brillantes del gran quinteto de Tony Williams de los ochenta que ha de ser recordado como una de las piezas esenciales de la historia del jazz moderno.

Desde la muerte del genial bajista y compositor Charles Mingus en 1979, su viuda Sue Mingus se consagró a la tarea de eternizar su música a través de diversas formaciones cuyo único repertorio serían las composiciones de su esposo. De entre ellas, la más brillante y exitosa es la Mingus Big Band, una banda de 14 músicos que debutó discográficamente en 1993 con el álbum Nostalgia in Times Square. Desde su sede neoyorquina en el club Jazz Standard, la banda no ha cesado su actividad en las últimas décadas, en los escenarios del mundo entero y con una intensa actividad discográfica, reintepretando una y otra vez la compleja e insondable obra de Charles Mingus en la que se resume la historia del jazz, desde sus inicios en Nueva Orleans hasta la mismísima vanguardia del Free Jazz de los 60, siempre bajo la óptica de la heterodoxia y la rebeldía que definieron la personalidad y la música del compositor. En este nuevo programa de Radio Jazznoend tendremos la oportunidad de disfrutar de la obra de Mingus, de la mano de algunos de los más brillantes músicos del jazz contemporáneo y su música servirá también de homenaje y despedida a tres personas de indudable relevancia tanto en la creación y trayectoria de la banda, como en la propia vida de Charles Mingus, y que nos dejaron en este año de 2022: el saxofonista Ronnie Cuber que militó en la banda desde su creación hasta su muerte, el arreglista Sy Johnson, autor de muchos de los arreglos de la orquesta, y la propia viuda de Mingus, alma mater de la Mingus Big Band, Sue Mingus.

Kenny Dorham fue llamado el rey sin corona, no conoció el éxito ni la fama. Sin embargo su estilo cool, moderno, minimalista, señaló en su época, un camino diferente para la trompeta en el jazz moderno. Su genio como compositor nos dejó clásicos intemporales que han sido interpretados por varias generaciones de artistas a lo largo de los años. Y aunque no recibió del público la atención que sin duda hubiera merecido, fue un músico de músicos, reconocido por muchos como una de sus más grandes influencias. Radio Jazznoend te invita a recorrer la carrera de este héroe no cantado, desde sus comienzos en el Nueva York de los años cuarenta al lado del saxofonista Charlie Parker, hasta sus incursiones en la vanguardia del jazz de mediados de los años sesenta. Un viaje apasionante jalonado por sesiones de grabación legendarias que dejaron una huella indeleble en la historia del jazz y que hoy recuperamos para nuestros fieles oyentes.

Algunas ciudades transmiten su espíritu, su esencia a la música que en ellas se interpreta. Una relación simbiótica que, por un lado, enriquece el acervo musical y cultural de esos lugares y por otra, inspira a los artistas que allí residen o transitan. Y Paris es uno de esos lugares. Su historia, la bohemia arraigada a su cultura, el aura mágica que se desprende de su arquitectura, de sus monumentos y callejas y la pasión por el jazz que se remonta a los mismos albores de esta música, todo ello se refleja en la música que centenares de artistas del jazz norteamericano, han producido en esta ciudad a lo largo de las décadas. En este nuevo programa, en Radio Jazznoend, hemos seleccionado algunos momentos verdaderamente excepcionales que reflejan esa influencia, a esa invisible corriente de inspiración que condujo a estos artistas a algunos de los momentos más creativos de sus carreras. Acompáñanos en este viaje en el tiempo y en el espacio para disfrutar juntos del mejor jazz en París de la mano de artistas de la talla de Bill Evans, Dexter Gordon, Chet Baker, Phil Woods, o Frank Sinatra, entre otros.

En el festival de Newport de 1976 comienza su andadura la banda V.S.O.P. (very special one time performance), liderada por el pianista Herbie Hancock e integrada por los antiguos miembros del segundo gran quinteto de Miles Davis. Junto al propio Hancock, formaban aquella banda all stars, el saxofonista Wayne Shorter, el bajista Ron Carter y el batería Tony Williams, y la completaba el gran trompetista Freddie Hubbard, que venía a ocupar el lugar que hubiera correspondido a Miles Davis. El éxito obtenido por aquel conjunto, creado para una sola representación, les llevó por los escenarios del mundo entero durante los años siguientes, contribuyendo de forma decisiva al redescubrimiento del jazz acústico que comenzaba a producirse en aquellos años. En nuestro nuevo programa seguiremos a estos músicos legendarios por los escenarios de Estados Unidos y especialmente por los de Japón, donde la banda cosechó sus mayores éxitos y donde año tras año era recibida con verdadero entusiasmo y veneración por el público nipón.

La década de los 70 del pasado siglo, un periodo tan frecuentemente explorado en Radio Jazznoend, nos dejó en el ámbito del jazz, un rastro de grandes estrellas cuyo brillo llegó a rivalizar con el de las grandes personalidades del rock y la música pop de la época. Otros, sin embargo, aunque no carentes de genio y personalidad y sobrados de méritos para merecer mayor reconocimiento, tuvieron una carrera mucho más gris. Entre ellos se encuentra el gran saxofonista y flautista Joe Farrell, que alcanzó su mayor notoriedad como integrante en los conjuntos de Chick Corea, durante más de una década y muy especialmente en la banda de jazz fusión Return to Forever, con la que grabó sus primeros dos álbumes en el año 1972. A partir de 1970, comenzó su carrera discográfica como líder en la discográfica del productor Creed Taylor, CTI, con registros, que sin alcanzar el éxito comercial de otras estrellas de la discográfica como George Benson o Freddie Hubbard, son obras verdaderamente destacables que se encuentran entre lo mejor del jazz de la época. Radio Jazznoend en este nuevo programa, rinde homenaje a este gran artista olvidado a través de algunas de su más brillantes colaboraciones con Chick Corea así como en sus propios registros como solista para CTI y sus inolvidables encuentros con artistas como George Benson o el compositor brasileño Antonio Carlos Jobim.

Este año de 2022 se cumplen 50 años de la grabación en Rio de Janeiro del álbum Clube da Esquina que suponía la puesta de la largo, la proclamación oficial de la última gran revolución musical de Brasil en la segunda mitad del pasado siglo. Su protagonista fue el cantante y compositor Milton Nascimento que encabezaba un colectivo de jóvenes que desde la región de Minas Gerais, proponían una nueva y revolucionaria visión de la música popular que incluía el folklore de su región, la música de los Beatles, el rock progresivo, el jazz fusión y la bossa nova. Todo en este disco es una leyenda, desde su concepción, su portada, los preparativos en una casa de pescadores junto a a playa en Niteroi donde Nascimento se instaló con los miembros del colectivo, para componer ensayar y compartir música y pensamientos y vivencias. Allí, algunos de los protagonistas del colectivo como Lô Borges, Beto Guedes, Wagner Tiso o Robertinho Silva, vivieron durante varias semanas en un universo de amistad, música y poesía. La música de aquel movimiento causó gran impacto en el jazz norteamericano, como antes lo había hecho la bossa nova, y algunos grandes jazzmen de la época, como Herbie Hancock, Wayne Shorter o Pat Metheny, quedaron fascinados por aquellas novedosas estructuras armónicas, y aquellas melodías a caballo entre lo mágico y lo mundano, entre la aparente ingenuidad de lo folklorico y la sofisticación del jazz y del rock progresivo. En este nuevo programa, Radio Jazznoend os ofrece algunas de las más destacadas manifestaciones discográficas de esta nueva fusión entre el jazz y la música brasileña, una pieza esencial para comprender el collage de estilos y tendencias que construyeron el fascinante panorama musical de los setenta, cuyos ecos resuenan hasta nuestros días.

La cantante brasileña Flora Purim, representa la nueva alianza entre el jazz y la música brasileña, que, a partir de la década de los setenta del pasado siglo, viene a sustituir el romance entre el jazz y la bossa nova que había irrumpido en Estados Unidos algunos años antes y que en el ámbito de la voz femenina, venía representado por el estilo lánguido y desapasionado de Astrud Gilberto. Desde su llegada a Estados Unidos a finales de los sesenta, en compañía de su esposo, el percusionista Airto Moreira, Flora da a conocer al mundo entero la existencia de otra música brasileña más comprometida y pasional, menos complaciente que la hermosa bossa nova del amor, la sonrisa y la flor. El carácter de su voz supone también un cambio radical en el paradigma del estilo vocal de la bossa nova y sorprende con su fuerza, su vigor y su contundencia. Una nueva propuesta que casi de inmediato encuentra acogida en el universo del jazz de aquella época que también se enfrentaba a cambios y nuevos desafíos. Su participación en las grabaciones efectuadas en el año 1972 por la banda de jazz fusión Return to Forever, liderada por el pianista Chick Corea y sus propios álbumes grabados durante aquella década para las discográficas Milestone y Warner nos la muestran en el cénit de su creatividad y representan, sin duda, los momentos más destacados y relevantes de su ya larga carrera. En este nuevo programa de Radio Jazznoend, os invitamos a disfrutar de algunos de aquellos momentos inmortales grabados por Flora al lado de figuras legendarias como el saxofonista Joe Henderson, los pianistas George Duke McCoy Tyner o Hermeto Pascoal o los bajistas Stanley Clarke y Miroslav Vitous y siempre junto a su esposo el percusionista Airto Moreira.

En el mes de marzo de 2020, nos dejaba el trompetista Wallace Roney, víctima de la primera oleada de la pandemia del Covid, que por aquellos entonces arrasaba el mundo dejando a su paso, muerte y sufrimiento. Una dolorosa pérdida en las cada vez más menguadas legiones de los grandes artistas del jazz moderno. Un colosal artista que tuvo que sufrir los ataques de parte de la crítica musical que le acusaba de ser un mero imitador o clon de Miles Davis. Pero allá donde esta crítica injusta y miope creyó descubrir el talón de Aquiles de este notable trompetista, residía probablemente su gran virtud, la de haber sido capaz de comprender y reinterpretar el universo musical davisiano, asumiendo el legado del que fue su amigo y maestro, difundiéndolo y enriqueciéndolo con sus aportaciones, con su propio y original estilo. Radio Jazznoend reivindica todo este bagaje artístico y os invita a disfrutar de algunos de los momentos mas brillantes de la discografía de Roney como líder y como sideman a lo largo de sus más de 40 años de carrera musical.

El jazz es la corriente principal de la música del siglo XX, de la que todo nace y a la que todo regresa. Incluso la música de la banda británica The Beatles, tan profundamente enraizada en una cultura pop, aparentemente ajena al jazz tradicional, fue acogida, interpretada y reinventada por centenares de artistas del mundo de la música improvisada. Radio Jazznoend te invita a una apasionante excursión a la cara oculta de la música de la banda de Liverpool, las más originales y creativas versiones que el mundo del jazz ha podido ofrecer de sus eternas melodías desfilarán a lo largo de nuestro programa en el que te contaremos sus historias, sus anécdotas, pero sobre todo, disfrutaremos de una experiencia musical inigualable.

En este nuevo programa, Radio Jazznoend dice adiós al guitarrista Pat Martino, que nos dejó en el mes de noviembre del pasado año y cuya extraordinaria historia, relatamos en dos programas, hace ya algunos meses. Y lo hacemos recuperando los que son probablemente, los instantes más intensos, reflexivos y líricos de la carrera de este excepcional guitarrista. Momentos de éxtasis como los define el propio Martino, pura poesía musical, que el guitarrista registró para la posteridad junto al pianista Gil Goldstein en tres álbumes inolvidables: We´ll Be Together Again y Starbright, ambos del año 1976 y We Are Together Again de 2012, este último un tesoro musical, prácticamente desconocido, editado únicamente en Japón y que ofrecemos en exclusiva a nuestros oyentes para el eterno recuerdo de una de las figuras más destacadas de la guitarra del jazz moderno.

“El jazz es para mí una especie de presencia continua, incluso en lo que escribo. Mi trabajo de escritor se da de una manera en donde hay una especie de ritmo, que no tiene nada que ver con las rimas y las aliteraciones, si no una especie de latido, de swing, como dicen los hombres de jazz, que si no está en lo que yo hago, es una prueba de que no sirve y hay que tirarlo" Así describía el escritor argentino, uno de los grandes de la literatura universal, su relación con el jazz. No hay que olvidar que Cortazar, nacido en 1914 y fallecido en 1984, pudo asistir, casi desde sus albores, a todos los grandes momentos de la gran era jazzística y todos sus movimientos y estilos despertaron su interés, desde los músicos más clásicos como Louis Armstrong o Sidney Bechet, pasando por el advenimiento del jazz moderno en los años 40 y llegando incluso al free jazz. Pero pocos personajes despertaron en él tanto interés como el saxofonista Charlie Parker, padre del jazz moderno. El impacto que la personalidad y la música del genial saxofonista causo en el escritor, le llevó a situarlo como protagonista de uno de sus más brillantes relatos, El Perseguidor. En Radio Jazznoend, a través de varias lecturas de esta obra, alguna en la voz del propio Cortazar, nos aproximaremos a la mente genial del escritor argentino y a ese romance con el jazz que permea su obra y, como no podría ser de otro modo, nos servirá también como excusa para disfrutar nuevamente, en nuestro programa, de la música de Charlie Parker, gran cronopio del jazz moderno, del que escucharemos algunos de sus más brillantes registros para la discográfica Verve, en los años crepusculares de su breve pero fulgurante carrera.

En el verano de 1971, el saxofonista Joe Henderson, viajaba a Japón en una breve gira de apenas una semana. Sus actuaciones con músicos locales en el Junk Jazz Club de Tokio y el Toshi Center Hall de aquella ciudad, fueron registradas por discográficas locales y posteriormente publicadas en occidente en los álbumes Joe Henderson in Japan y Sunrise in Tokyo. Estas grabaciones hoy casi olvidadas nos descubren al saxofonista en la cresta de la ola de su creatividad y de su técnica, volando sin ataduras en los límites de la ortodoxia del hard bop, explorando con entusiasmo parajes de vanguardia y progresividad, que ya venían insinuándose en sus grabaciones de la época para la discográfica Milestone, espoleado sin duda, por los extraordinarios músicos locales que le acompañan en esta aventura, que exhiben no solo una técnica soberbia, sino también un profundo conocimiento de las propuestas musicales de Henderson. En Radio Jazznoend asistiremos a algunos de los momentos más destacados de aquellas actuaciones y finalizaremos nuestro programa con el tema Black Narcissus grabado en el Junk Jazz Club, que tan solo fue publicado en Japón y que pocos aficionados occidentales han tenido la fortuna de escuchar.

Lee Morgan es una leyenda del jazz moderno. Como trompetista fue el creador de un estilo único, cuyos ecos se perciben en todos aquellos otros trompetistas que desde los años 60 del pasado siglo han elegido el jazz como su lenguaje de creación y expresión artística. Pero detrás de las capitales aportaciones artísticas que Lee Morgan efectuó a la historia del jazz, durante su breve existencia, hay una dramática historia vital que merece ser contada, una historia de desgracias y desdichas, que concluyeron con su trágica muerte a la temprana edad de 33 años. Acompáñanos en este recorrido a través de la vida y de la obra de este genial trompetista cuyos méritos y aportaciones solo puede compararse a los de otros grandes dioses del instrumento como Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Clifford Brown o Freddie Hubbard.

El encuentro entre el cantante Frank Sinatra y la big band de Count Basie, constituye un acontecimiento capital en la historia del jazz y de la música popular del siglo XX. Un momento largamente esperado por Sinatra que había comenzado su carrera como cantante en las big bands de Harry James y Tommy Dorsey, aunque siempre había soñado cantar con la orquesta de Count Basie, uno de los grandes profetas de la era swing. Y ciertamente aquellas expectativas estaban bien justificadas, a la vista del éxito comercial y el nivel artístico de los tres registros discográficos que produjeron aquellos encuentros, desde el primero de ellos, en el año 1962, hasta el último en el casino The Sands de las Vegas en 1966. Nuestro nuevo programa es la crónica detallada de aquellos históricos registros que consiguieron colocar de nuevo la big band de Basie en los primeros puestos de las listas de éxitos y demostraron sin ningun género de duda que Sinatra, antes que cualquier otra cosa, es un gran cantante de jazz.

La gran era jazzística fue testigo de momentos memorables, muchos de los cuales fueron preservados en viejos acetatos o cintas magnéticas. Noches de sublime inspiración, encuentros y despedidas. Instantes eternos que han construido en gran medida la épica del jazz, ese acervo dramático que forma parte inseparable del componente musical que constituye su verdadera esencia. En nuestro nuevo programa, asistiremos a algunos de aquellos conmovedores instantes protagonizados por personajes legendarios como Duke Ellington, Billie Holiday, Bill Evans o Frank Sinatra.

Rio de Janeiro, a mediados de los años cincuenta. Un puñado de jóvenes cariocas, en sus apartamentos, frente a la playa de Copacabana, escuchaban sin cesar los discos de un exitoso trompetista norteamericano llamado Chet Baker. Esos jóvenes músicos, llamados a crear la bossa nova, una de las grandes revoluciones musicales del siglo XX, descubrieron en el estilo desapasionado y cool del trompetista, todo aquello que andaban buscando con su música. Sin embargo cuando se produjo la eclosión del movimiento, Baker estaba demasiado ocupado intentado sobrevivir a la debacle de su propia existencia y de su carrera, para aprovechar el tirón comercial de aquellas atractivas melodías. Así que, durante décadas, Baker permaneció ajeno a aquel repertorio que tantos éxitos había proporcionado a otros músicos de su generación, hasta que en el año 1980, en Paris, tuvo la ocasión de grabar un disco con el grupo de jazz brasileño, Novos Tempos, liderado por el percusionista Josè Boto, confirmando lo que resultaba obvio, que el sonido de su trompeta y su voz eran idóneos para la naturaleza y las texturas y los ritmos de la bossa nova y el jazz brasileño, porque ambos estilos compartían una misma manera de concebir la creación musical. En este nuevo programa de Radio Jazznoend, partiendo de este improbable encuentro parisino, recorreremos los principales encuentros del trompetista con la música brasileña, hasta llegar hasta las playas de Rio de Janeiro. Una historia poco conocida en la que tendrá un papel protagonista el teclista y compositor brasileño Rique Pantoja.

Desde antiguo se ha considerado que el arte va unido a la locura y el mundo del jazz no es ajeno a esa singular simbiosis. Nuestro nuevo programa os mostrará algunos de los más ilustres dementes de la historia del jazz. Seres extravagantes, excéntricos, con historias dramáticas y trágicos finales, cuya locura dejó como legado las revolucionarias innovaciones sobre las que se ha construido el edificio del jazz. Personajes como el cornetista de Nueva Orleans Buddy Bolden que murío a los 28 años en un manicomio de Louisiana, o el pianista Thelonious Monk cuya mente atormentada dio a luz una pianística excepcional. la más original e influyente de su generación. Acompáñanos a este viaje más allá de los límites de la cordura, para descubrir las oscuras fuentes del genio y la creatividad.

En el año 1992 se publicaba el álbum Secret Story. El más exitoso de la ya entonces larga carrera del guitarrista Pat Metheny y sin duda, su registro más personal e íntimo. Una grabación de culto, en palabras del propio guitarrista, en la que despliega todo su arsenal de recursos como intérprete y compositor para relatarnos la historia real de un amor malogrado, el romance que durante varios años mantuvo Metheny con una joven brasileña y que finalmente, fue incompatible con la vida itinerante del guitarrista cuyo verdadero hogar era el camino. En Secret Story, el guitarrista asume un papel protagonista, como compositor de la totalidad de los temas del álbum e intérprete, no solo de su instrumento la guitarra, sino también de los teclados y sintetizadores. En este registro tan monumental y ambicioso que llevo meses de intenso trabajo, Metheny cuenta con la colaboración de algunos de los músicos de su Pat Metheny Group, entre ellos su alter ego Lyle Mays con el que se encuentra brevemente en dos de los temas, así como algunas otras intervenciones estelares como las de su amigo el bajista Charlie Haden, el percusionista Nana Vaconcelos o el armonicista Toots Thielemans y todo con el respaldo orquestal de la London Orchestra. Radio Jazznoend te invita a este viaje al universo emocional de Pat Metheny, a través de las escenas que nos ofrece el genial guitarrista a lo largo de este registro de culto, con esa capacidad mágica que posee la música de Metheny de crear una película en tu mente. Una grabación tan relevante que el propio guitarrista la definió como la culminación de todo aquello que había hecho hasta el momento en el mundo de la música.

En el año 1983 el productor holandés Wim Wigt reunía al trompetista Chet Baker con saxofonista Stan Getz, en una gira de 35 conciertos que les llevarían a través de varias ciudades europeas para concluir en Arabia Saudita. Un encuentro maldito, marcado por las envidias, los celos e incluso el odio existente entre ambos artistas. Dos personalidades incompatibles atrapadas en sus propias adicciones, la heroína para Baker y el alcohol para Getz. Noche tras noche estos sentimientos se avivaban y recrudecían, hasta estallar poco antes de la llegada de la banda a Arabia Saudita. Los registros de aquellas actuaciones obtenidos en los escenarios de Estocolmo en Suecia y de Baerum, en Noruega, nos muestran de forma paradójica, que la estatura artística de ambos músicos fue capaz de ocultar al público toda aquella animosidad y ofrecer, a pesar de todo, un jazz del más alto nivel. Acompáñanos en nuestro podcast a revivir una de esas grandes historias que nos ha ofrecido la gran era jazzística, una historia protagonizada por dos personajes legendarios que en aquellos días del invierno de 1983, nos mostraron la estrecha frontera entre lo sublime de su arte y lo más oscuro que reside en el fondo del alma humana.

El pianista y compositor Chick Corea nos dejaba el pasado 9 de febrero. No hay palabras que puedan describir lo que esa pérdida supone para el mundo del jazz. Su partida nos priva de un artista seminal, de un compositor prodigioso , de un pianista de colosal virtuosismo. Fue pionero en el ámbito del jazz fusión, en el piano acústico creo un estilo propio, original e inconfundible. Sus álbumes conceptuales de jazz fusión nos mostraron mundos imaginarios, fantásticos, basados en leyendas o en la ciencia ficción. La música de Chick Corea, en definitiva, es un universo en el que se encuentran en armonía, la intimidad del piano solo, el hard bop más vibrante, los contundentes ritmos del jazz rock, la música clásica, la música latina y el flamenco. Todo eso y mucho más es Chick Corea, un artista definitivo, con el que hemos tenido la fortuna de compartir un mundo y una época.

George Benson es el invitado especial de esta nueva edición del podcast de Radio Jazznoend. A lo largo de los años este gran artista consiguió convertirse en una rutilante estrella de la música pop sin abandonar nunca del todo el jazz, un estilo al que ha dedicado álbumes enteros durante su dilatada carrera musical, y que impregna cada una de sus interpretaciones musicales en cualquier estilo. Junto con el jazz, el soul, el funk o el rhythm and blues forman un estilo único e irresistible, una fórmula invencible que ha convertido a Benson en una leyenda de la música del siglo XX. En nuestro programa, recorreremos algunas de sus interpretaciones más destacadas centrándonos en las manifestaciones más jazzísticas, pero sin olvidar alguno de sus temas comerciales en otros ámbitos musicales, pues también éstos forman parte del ADN de este formidable artista cuyas manos están grabadas en el pavimento del paseo de la fama de Hollywood. Despediremos a nuestro ilustre invitado escuchando su clásico Moody's Mood, intepretado ante un público entregado, en su emocionante aparición en el escenario del club londinense Ronnie Scott's en el año 2019, con ya setenta y siete años a sus espaldas.

Esta es la historia de una conspiración. Los protagonistas, los miembros del segundo gran quinteto del trompetista Miles Davis. El momento, el mes de diciembre de 1965. El lugar, el club Plugged Nickel de Chicago. Es la historia de un sabotaje que, orquestado desde el seno de la propia banda de Davis, produjo la música más vanguardista y aventurera de su época. Una música revolucionaria y experimental que la discográfica Columbia no se atrevió a publicar en su momento. Varias décadas habría que esperar para poder escuchar aquellos registros olvidados, varias décadas para poder asistir a aquél momento tan especial en la carrera de Davis y del jazz moderno. Un documento "emocionante y conmovedor" en palabras del biógrafo de Davis, Ian Carr, un documento tan valioso que, de inmediato, tras su publicación, se convirtió en la Biblia del jazz contemporáneo como ha señalado algún crítico. Décadas perdidas, ya que sólo se puede imaginar el impacto que estas grabaciones podrían haber causado en el curso del jazz moderno, si hubieran visto la luz en la época de su grabación. Radio Jazznoend os invita a conocer esta historia detectivesca y a asistir como testigos privilegiados a lo que aconteció en el escenario del Plugged Nickel de Chicago aquellos tres días de diciembre que cambiaron la historia del jazz moderno.

En el mes de noviembre de 2008, nos dejaba el trompetista Roy Hargrove con apenas 49 años. Su muerte, prematura e inesperada, simbolizaba, como una metáfora, el olvido de toda aquella generación de jóvenes leones que, en la década de los noventa fueron aupados a los altares de la industria discográfica como paladines y defensores de las esencias del hard bop, de la corriente principal del jazz moderno. Músicos jóvenes, sanos y preparados, que asumieron la misión de devolvernos todo aquel gran jazz acústico de la década de los cincuenta y sesenta del pasado siglo que había sido relegado y amortizado demasiado pronto, barrido por las mareas del rock y el jazz eléctrico. Roy Hargrove fue probablemente el más grande de aquella generación, un artista carismático, trompetista de técnica soberbia y sonoridad exquisita. El buen gusto y la elegancia constituyen la esencia de un estilo que, aunque nació en la estela de los grandes maestros del pasado, pronto adquirió una personalidad propia y distintiva. En el segundo aniversario de su muerte, Radio Jazznoend, rinde homenaje a este gran jazzman, y os invita a asistir a algunos de los más destacados momentos de su brillante, aunque demasiado breve, carrera musical.

En el mes de noviembre de 2008, nos dejaba el trompetista Roy Hargrove con apenas 49 años. Su muerte, prematura e inesperada, simbolizaba, como una metáfora, el olvido de toda aquella generación de jóvenes leones que, en la década de los noventa fueron aupados a los altares de la industria discográfica como paladines y defensores de las esencias del hard bop, de la corriente principal del jazz moderno. Músicos jóvenes, sanos y preparados, que asumieron la misión de devolvernos todo aquel gran jazz acústico de la década de los cincuenta y sesenta del pasado siglo que había sido relegado y amortizado demasiado pronto, barrido por las mareas del rock y el jazz eléctrico. Roy Hargrove fue probablemente el más grande de aquella generación, un artista carismático, trompetista de técnica soberbia y sonoridad exquisita. El buen gusto y la elegancia constituyen la esencia de un estilo que, aunque nació en la estela de los grandes maestros del pasado, pronto adquirió una personalidad propia y distintiva. En el segundo aniversario de su muerte, Radio Jazznoend, rinde homenaje a este gran jazzman, y os invita a asistir a algunos de los más destacados momentos de su brillante, aunque demasiado breve, carrera musical.

En el mes de noviembre de 2008, nos dejaba el trompetista Roy Hargrove con apenas 49 años. Su muerte, prematura e inesperada, simbolizaba, como una metáfora, el olvido de toda aquella generación de jóvenes leones, que, en la década de los noventa fueron aupados a los altares de la industria discográfica como paladines y defensores de las esencias del hard bop, de la corriente principal del jazz moderno. Músicos jóvenes, sanos y preparados, que asumieron la misión de devolvernos todo aquel gran jazz acústico de la década de los cincuenta y sesenta del pasado siglo que había sido relegado y amortizado demasiado pronto, barrido por las mareas del rock y el jazz eléctrico. Roy Hargrove fue probablemente el más grande de aquella generación, un artista carismático, trompetista de técnica soberbia y sonoridad exquisita. El buen gusto y la elegancia constituyeron la esencia de un estilo que, aunque nació en la estela de los grandes maestros del pasado, pronto adquirió una personalidad propia y distintiva. En el segundo aniversario de su muerte, Radio Jazznoend, rinde homenaje a este gran jazzman, y os invita a asistir a algunos de los más destacados momentos de su brillante, aunque demasiado breve, carrera musical.