Les Sens de la Danse

Dans cet épisode je reçois Karl Paquette, danseur étoile emblématique du Ballet de l'Opéra de Paris.Un artiste dont le parcours force l'admiration : nommé Étoile le 31 décembre 2009 après un Casse-Noisette de Rudolf Noureev, il a marqué plus de vingt-cinq années de scène par sa générosité, sa rigueur et un lien unique avec le public.Dans cette première partie, Karl revient sur :✨ Ses débuts : de l'expression corporelle au studio de Max Bozzoni, figure essentielle de la danse classique.✨ Son entrée à l'École de danse de l'Opéra à 10 ans, sous la direction de Claude Bessy.✨ Ses premières années dans la compagnie, sa progression rapide et ses remplacements de dernière minute qui ont fait de lui “le danseur qu'on appelle pour sauver une représentation”.✨ Ses doutes, ses blessures et ses forces, et la manière dont il a transformé ses “défauts” en signature artistique.✨ Des anecdotes savoureuses, des moments drôles, et des confidences touchantes sur son parcours.✨ Sa passion pour la transmission, héritée de sa famille et ancrée dans sa nouvelle vie de professeur à l'École de danse de l'Opéra.Fils de professeurs, Karl Paquette porte en lui l'envie de transmettre.Il fait aujourd'hui découvrir la danse classique au jeune public à travers sa trilogie :

Et si, derrière la tension, l'énergie et l'adrénaline, les battles racontaient une toute autre histoire ?Dans cette capsule d'Un pas de côté, Les Sens de la Danse vous emmène au cœur du cercle, là où la danse cesse d'être un spectacle pour devenir un miroir :un espace d'humanité, de courage, d'abandon.Cette réflexion s'inspire des rencontres que j'ai eues avec trois artistes majeurs passés par le battle :– Sofiane Chalal,dans les épisodes :

Le Juste Debout, c'est bien plus qu'un événement.C'est une histoire, un héritage, un symbole.Depuis plus de vingt ans, Bruce Ykanji a su transformer une passion en un mouvement mondial — un lieu de rencontre pour des milliers de danseurs venus des quatre coins du globe.Mais pour sa 20ᵉ édition, un grand changement se prépare.Un virage symbolique, fort, qui marque une nouvelle étape dans cette aventure humaine et artistique.

Avant d'être un art, le hip-hop a été une réponse.Une manière de dire “je suis là” quand plus personne ne voulait écouter.Né dans les rues du Bronx au début des années 1970, le mouvement s'est d'abord exprimé au sol, dans la force brute du breakdance — une danse de défi, d'énergie et de survie.Mais pendant que les corps tournaient sur le bitume new-yorkais, une autre révolution se préparait sur la côte ouest : celle des danses debout.À Los Angeles, Don Campbell invente le locking ; à Fresno, Boogaloo Sam crée le popping avec les Electric Boogaloos ; dans la Bay Area, les danseurs de boogaloo font du mouvement un langage poétique.Ces styles, plus musicaux et expressifs, donneront naissance au waacking, à la house dance et au hip-hop freestyle,ouvrant un nouveau chapitre de l'histoire du corps.Arrivé en France dans les années 1980 grâce à l'émission H.I.P H.O.P animée par Sidney, le hip-hop devient un terrain d'expression pour toute une génération.Et c'est au début des années 2000 que Bruce Ykanji rend hommage à ces danses debout en leur offrant enfin une scène mondiale : le Juste Debout.Dans cette capsule, on revient sur cette double histoire —celle des danseurs au sol et de ceux qui se tiennent debout.Deux gestes, deux postures, un même message :celui d'un corps qui refuse de plier.

Il a fait du Juste Debout un phénomène mondial.Mais derrière les battles, les projecteurs et les milliers de danseurs venus du monde entier, il y a un homme lucide et passionné : Bruce Ykanji.Fondateur du plus grand événement de danses hip-hop debout, créateur de la Juste Debout School et entrepreneur infatigable, Bruce continue, plus de vingt ans après, à faire rayonner la culture hip-hop dans toute sa diversité.

Et si la danse n'était pas seulement un art,mais une manière de prendre soin ?À l'occasion d'Octobre Rose,cette capsule d'Un pas de côté explore un territoire où le mouvement rencontre la guérison, où le corps, parfois blessé, retrouve sa force à travers le geste.Depuis plusieurs années, la médecine reconnaît l'importance des soins de support :ces approches qui accompagnent les traitements du cancer et aident à mieux vivre la maladie.Parmi elles, la danse se distingue.Elle agit sur la fatigue, sur le moral, sur la confiance.Elle apaise, libère, reconnecte.Dans cette capsule, la journaliste Myriam Sellam interroge le pouvoir thérapeutique du mouvement :comment danser peut soulager,comment bouger peut réaccorder ce que la maladie a séparé.Des études menées dans le monde entier montrent que la danse-thérapie réduit le stress,améliore l'équilibre, la mobilité et la qualité de vie.Mais au-delà des chiffres, il y a ce que disent les femmes.Comme Muriel, qui confie :“On ne vit pas avec la maladie sans soins de support.Et pour moi, la danse en est un, très important.”À travers son témoignage et ceux recueillis dans l'association Elles dansent,cette capsule raconte la force du collectif,la beauté du mouvement partagé,et la tendresse des corps qui reprennent confiance.Ici, il n'est pas question de prouesse ni de technique,mais d'écoute, de respiration, de présence.La danse devient un espace de soin invisible,un langage qui réconcilie le corps et l'esprit,un souffle qui rappelle que la vie continue de circuler — même dans la fragilité.—

Nous sommes en octobre.Partout en France, le rose s'affiche sur les façades, les affiches, les vêtements.Il symbolise la lutte, la solidarité, l'espoir.Ce soir, à la mairie du 3ᵉ arrondissement de Paris, ce message prend une autre forme : il se danse.Dans les coulisses, quatre femmes se préparent.Les rires se mêlent aux gestes du trac.On ajuste une robe, on vérifie une mèche, on respire.Sur scène, elles danseront avec leur professeure Aurélie Lili Boo, au sein de l'association Elles dansent, fondée par Aude Michon.Une association qui accompagne, à travers la danse, des femmes touchées par le cancer.Ici, pas de miroir pour juger.Pas de quête de perfection.Seulement des corps qui se réapprivoisent, des visages qui se relèvent,des gestes qui reprennent confiance.J'ai posé mon micro dans les coulisses, au plus près de leurs voix, de leurs rires, de leurs silences aussi.Ensemble, nous avons partagé ce moment suspendu où la vie, pour un instant, reprend le dessus.Muriel, Sylvia, Régine et Emmanuelle racontent leur rapport au corps, à la féminité, à la maladie, mais surtout à la joie d'être ensemble.Dans chaque mouvement, il y a une victoire intime.Ce reportage est une traversée — de la fatigue à la lumière, de la peur à la fierté, du corps contraint au corps dansant.Une parenthèse pour célébrer la force tranquille de celles qui continuent d'avancer.—

Bienvenue dans Un pas de côté, une capsule du podcast Les Sens de la Danse imaginée par Myriam Sellam pour éclairer chaque épisode.Chaque dimanche, une voix, une histoire, un parcours intime. Et parfois, pour mieux comprendre ce qui se joue entre les mots, il suffit de faire… un pas de côté.Cette fois, on prolonge la rencontre avec Claire Francisci-Ducret, danseuse durant 6 années au Crazy Horse Paris — ce cabaret mythique qui a fait du corps féminin un langage à part entière.Car pour saisir la portée de son parcours, il faut aussi comprendre le lieu qui l'a façonnée.Le Crazy Horse n'est pas un cabaret comme les autres.Fondé en 1951 par Alain Bernardin, il est né d'une fascination pour la beauté, la lumière et la perfection du geste. Ici, pas de strass criards ni de froufrous tapageurs : tout est question d'angle, de ligne, de précision.Les danseuses — les célèbres Crazy Girls — ne sont pas seulement des interprètes : ce sont des instruments de lumière, des sculptures vivantes. Leurs corps deviennent toiles, leurs mouvements, calligraphies.Derrière cette esthétique millimétrée, il y a une véritable chorégraphie du regard.L'art du Crazy Horse, c'est celui de la suggestion, du mystère, de la géométrie sensuelle. Un univers où l'érotisme se fait stylisé, abstrait, presque conceptuel.Et pourtant, derrière le fantasme, se cache une discipline de fer : répétitions, rigueur, synchronisation parfaite. Les shows du Crazy sont le fruit d'une exigence rare, héritée du ballet et du music-hall.En revisitant ce lieu à travers l'histoire et l'esthétique, cette capsule interroge :

Sous les lumières du Crazy Horse, elle a dansé la rigueur, la précision, la beauté géométrique du geste.Sur la barre verticale de la pole dance, elle a trouvé la liberté, la force, la reconquête du corps.Dans cet épisode, Claire Francisci-Ducret, danseuse, chorégraphe et fondatrice de Pole Spirit Paris, revient sur un parcours aussi exigeant qu'inspirant — de ses débuts au Conservatoire d'Avignon à la scène mythique du Crazy Horse, jusqu'à la création de sa propre école à Paris.Pendant six ans, elle a dansé au Crazy Horse, temple de la lumière et de la discipline, où chaque mouvement se mesure au millimètre près.Aujourd'hui, elle enseigne la pole dance comme un art du courage et du dépassement, un espace où le corps se libère des normes, où la puissance et la douceur se rencontrent.Dans cette conversation enregistrée au sein de son école, Claire nous parle de :– rigueur et sensualité,– confiance en soi et dépassement,– beauté du geste et puissance intérieure,– mais aussi de cette liberté que seule la danse peut offrir.Elle raconte comment elle a su transformer la discipline en art, et l'exigence en élan de vie.

Et si danser, c'était se nettoyer ?Pas seulement transpirer ou se défouler,mais vraiment se libérer de ce qui encombre : les pensées, les émotions, les tensions accumulées.Dans cette capsule d'Un pas de côté, Myriam Sellam explore une idée évoquée par Aurélia Monaco :celle de la danse comme hygiène émotionnelle.Un geste simple, instinctif, que l'on retrouve dans toutes les cultures du monde — et qui relie le mouvement à la santé de l'âme.Des derviches soufis aux danses africaines rituelles,du Butô japonais né des cendres d'Hiroshimaà la grâce libre d'Isadora Duncan et aux recherches de Rudolf Laban ou Mary Wigman,la danse a toujours été un moyen de traverser, de transformer, d'apaiser.Avant d'être un art, elle fut un soin.Un rituel de rééquilibrage du corps et de l'esprit.Un espace où l'on remet de la vie là où tout semble figé.Aujourd'hui encore, la danse garde ce pouvoir :celui de libérer, d'alléger, de remettre en mouvement ce qui, en nous, s'est refermé.Pas besoin d'être danseur ou danseuse pour en faire l'expérience :il suffit d'un pas, d'un souffle, d'un geste.Dans un monde saturé de bruit et d'obligations, danser devient un acte d'hygiène intérieure.Un retour à soi.Une manière douce de se vider du trop-plein pour laisser la place à la clarté, à la joie, à la présence.Un pas de côté propose ici une réflexion poétique et accessible sur ce lien essentiel entre le corps, les émotions et le mouvement.Une invitation à penser la danse autrement : non plus comme une discipline,mais comme un espace de respiration, de soin et de résonance.

Longtemps, a cherché à bien faire. À cocher toutes les cases.Avocate fiscaliste dans un grand cabinet parisien, elle vivait dans un monde où tout devait être maîtrisé, planifié, prouvé.Une vie brillante, mais où la tête prenait toute la place.Jusqu'au jour où son corps a dit stop.Fatigue, perte de sens, surcharge émotionnelle : il n'y avait plus d'air.Ce jour-là, Aurélia comprend qu'elle ne peut plus continuer à s'éloigner d'elle-même.Ce qu'elle ressent trop fort, ce qu'elle croyait devoir cacher, est en réalité sa plus grande force : son hypersensibilité.Alors elle quitte le droit, sans plan B.Et se met à reconstruire sa vie, pas à pas.Par l'écoute, par l'écriture, par le mouvement.Aujourd'hui, Aurélia Monaco accompagne les personnes hypersensibles à retrouver leur équilibre.Elle les aide à transformer cette intensité en puissance d'action, à se reconnecter à leurs émotions, à leur intuition et à leur joie.Son approche est globale : le corps, la parole, l'image, la respiration…Et surtout, la danse. Car Aurélia enseigne l'Afrovibe, une danse joyeuse, libre et profondément ancrée, qui invite à lâcher le mental pour revenir au corps.Une danse sans jugement, sans performance, où l'on bouge pour se sentir vivant.Un espace où tout peut circuler — les rires, les larmes, la fatigue, la joie.Une véritable hygiène émotionnelle, comme elle aime le dire.Elle est aussi l'autrice du livre J'assume mon hypersensibilité (et je retrouve ma liberté !), publié aux éditions Gereso.Un ouvrage qui réconcilie le lecteur avec sa sensibilité, et l'invite à en faire une boussole plutôt qu'un fardeau.Dans cet épisode, Aurélia revient sur ce grand basculement :le moment où tout a vacillé, ses premiers cours en talons, la découverte du collectif, et la joie de danser sans chercher à bien faire.Une conversation lumineuse et sincère, où l'on parle de vulnérabilité, d'énergie, et de ce lien mystérieux entre mouvement et liberté.

Bienvenue dans Un pas de côté, une capsule des Sens de la Danse pour éclairer chaque épisode.Parce que pour comprendre les mots des artistes, il faut parfois revenir aux origines des œuvres qu'ils interprètent.Aujourd'hui, je vous emmène à la rencontre de Giselle , le chef-d'œuvre du ballet romantique créé à Paris en 1841.Un ballet né du génie du compositeur Adolphe Adam, chorégraphié par Jean Coralli et Jules Perrot, sur un livret inspiré d'une légende racontée par le poète romantique Heinrich Heine.L'histoire est connue, mais sa puissance reste intacte. Giselle, jeune paysanne amoureuse d'un homme qu'elle croit villageois, découvre qu'il s'agit du comte Albrecht , déjà fiancé à une autre.Brisée par la trahison, elle sombre dans la folie et meurt.Au deuxième acte, elle rejoint les Wilis, ces esprits vengeurs de jeunes fiancées mortes avant leur mariage.Mais au lieu de condamner Albrecht, elle le sauve — dans un ultime geste d'amour et de pardon.Ce ballet, créé pour la danseuse Carlotta Grisi et resté depuis au répertoire de l'Opéra de Paris, incarne toute l'essence du romantisme : la passion, la mort, la rédemption.Il a traversé les époques, interprété par les plus grandes étoiles — de Yvette Chauviré à Aurélie Dupont, de Sylvie Guillem à Myriam Ould-Braham —, et continue d'émouvoir des générations entières.Mais Giselle n'est pas seulement un drame d'amour : c'est aussi un miroir de notre humanité.Chaque version, chaque interprète, redonne vie à ce récit universel : celui de l'amour qui survit à la mort, de la douceur qui triomphe de la violence, et du corps qui devient le messager de l'âme.Pour un danseur comme Andrea Sarri, qui interprète aujourd'hui Albrecht à l'Opéra Garnier, Giselle est un rôle d'équilibre : entre la force et la fragilité, entre le contrôle et l'abandon.Un rôle qui, à chaque représentation, prend une nouvelle couleur, une nouvelle profondeur.Près de deux siècles après sa création, Giselle demeure l'un des ballets les plus dansés au monde.Et si son histoire nous bouleverse encore, c'est peut-être parce qu'elle nous parle de ce que nous sommes : des êtres capables de tomber, de trahir, de regretter, mais aussi d'aimer au-delà de tout.

Après avoir exploré son enfance en Sicile, ses années à Nanterre et la rigueur de l'École de danse de l'Opéra dans le premier épisode, Andrea Sarri revient ici avec un regard plus intérieur, plus apaisé.Il parle du présent, de la scène, des doutes, et de cette maturité qui s'installe peu à peu chez le danseur qu'il est devenu.Aujourd'hui, Premier danseur de l'Opéra de Paris, Andrea poursuit un chemin où la technique laisse davantage place à l'interprétation. Il évoque le plaisir de danser les grands rôles classiques, mais aussi son goût grandissant pour le contemporain, où le corps retrouve une liberté nouvelle. Danser du Forsythe, de l'Ekman ou du Pite, c'est pour lui apprendre à respirer autrement, à se réinventer, à trouver la vérité du mouvement.Au fil de la conversation, Andrea se confie sur ce que représente l'excellence, mais aussi sur la fragilité qu'elle suppose : la peur de ne pas être à la hauteur, la tentation du perfectionnisme, et l'importance de rester fidèle à soi. Il évoque les distinctions reçues — le Prix AROP de la danse, le prix Giovani Talenti Siciliani nel Mondo et le Taobuk Award — non pas comme des aboutissements, mais comme des encouragements à continuer d'apprendre, à garder cette humilité face à l'art.Il parle aussi du corps, de la fatigue, du travail invisible. De la nécessité de s'écouter, de canaliser son énergie, et de comprendre que la danse n'est pas seulement un art du dépassement, mais aussi un art de la mesure. Andrea évoque cette idée qu'à force de danser, on apprend à moins en faire : à laisser place au silence, à la présence, à l'âme.À travers ce dialogue, on découvre un artiste en pleine conscience de son parcours : un danseur qui doute, qui cherche, mais qui trouve aussi dans chaque rôle une nouvelle raison de danser. Car chaque personnage, dit-il, le rend un peu meilleur — non seulement comme interprète, mais comme être humain.Et c'est sans doute ce qui rend cet épisode si lumineux : au-delà des projecteurs et de l'exigence de l'Opéra, on y entend la voix d'un homme qui a choisi de profiter de chaque instant sur scène, de savourer les rôles qui passent, d'habiter le temps présent.Un échange intime, sincère et inspirant, enregistré à quelques jours de sa représentation le 5 octobre 2025 d'Albrecht dans Giselle à l'Opéra Garnier — un rôle qui symbolise à lui seul la puissance, la fragilité et la grâce de sa danse.

Bienvenue dans Un pas de côté, une capsule des Sens de la Danse imaginée comme un prolongement des épisodes.Chaque dimanche, une voix, une histoire, un parcours intime vous est confié. Mais pour saisir pleinement la richesse de ce qui est dit, il est parfois nécessaire de prendre un peu de recul.C'est ce que propose Un pas de côté : en quelques minutes, replacer un nom, une idée, une esthétique dans son contexte. Pas pour compliquer les choses, mais pour élargir le regard et faire résonner plus fort chaque épisode.Aujourd'hui, faisons ensemble un pas de côté… vers l'histoire du Ballet de l'Opéra de Paris, la plus ancienne compagnie de danse classique encore en activité, et l'une des plus prestigieuses au monde.Une institution fondée en 1661 par Louis XIV, le Roi Soleil, qui voit dans la danse un outil de pouvoir et de discipline. Avec l'Académie royale de danse, treize maîtres à danser fixent les règles et codifient les postures, donnant à cet art une légitimité nouvelle.Quelques décennies plus tard, en 1713, l'Académie royale de musique crée une école. Les fameux « petits rats de l'Opéra », ces enfants formés dès l'âge de 8 ou 9 ans, y reçoivent une éducation rigoureuse qui les prépare à devenir solistes ou membres du corps de ballet. Cette tradition, installée aujourd'hui à Nanterre, perdure encore.Le XIXᵉ siècle marque l'âge d'or du romantisme : La Sylphide en 1832, où une ballerine aérienne incarne un esprit de l'air, ou encore Giselle en 1842, tragédie d'amour et de surnaturel qui devient l'un des sommets du répertoire. Ces œuvres imposent un style poétique et dramatique, mais révèlent aussi la dureté d'une discipline exigeante.Au XXᵉ siècle, des figures comme Serge Lifar ou Rudolf Noureev modernisent et transforment l'institution, entre fidélité aux grands classiques et ouverture à la création contemporaine.Aujourd'hui, le Ballet de l'Opéra de Paris danse encore les grands chefs-d'œuvre – Le Lac des cygnes, Don Quichotte – mais invite aussi Pina Bausch, William Forsythe, Crystal Pite et bien d'autres, témoignant d'un équilibre fragile entre mémoire et innovation.Derrière chaque arabesque, derrière chaque envolée, se cachent plus de trois siècles et demi d'histoire, faite de rois, de fantômes, de maîtres visionnaires et d'artistes passionnés.Et si cette capsule vous raconte ce parcours, c'est parce qu'il résonne avec notre invité : Andrea Sarri, formé à l'Opéra de Paris, héritier de cette tradition, mais aussi danseur d'aujourd'hui qui la réinvente à sa manière.

Le 5 octobre prochain, Andrea Sarri apparaîtra sur la scène de l'Opéra Garnier dans l'un des rôles les plus mythiques du répertoire romantique : Albrecht dans Giselle.Une étape décisive pour ce danseur d'exception, récemment nommé Premier danseur du Ballet de l'Opéra de Paris.Né à Palerme en 1998, Andrea quitte sa Sicile à seulement dix ans pour intégrer l'École de danse de l'Opéra de Paris. Un arrachement culturel et familial, mais aussi la promesse d'un rêve. Comment un enfant issu d'une culture marquée par la tradition et la virilité a-t-il trouvé sa place dans le temple de la danse classique ?Andrea raconte la discipline quotidienne, les sacrifices, mais aussi les moments de doute et de fatigue. Il se souvient de ces instants rares où la scène efface tout calcul :« T'es juste toi », dit-il, quand il ne reste plus que l'authenticité d'un artiste face au public.Ces confidences dessinent un portrait sincère et touchant d'un danseur qui construit pas à pas sa carrière.Son parcours est jalonné de distinctions : le Prix AROP de la danse, le prix Giovani Talenti Siciliani nel Mondo, le Taobuk Award. Mais Andrea ne s'arrête pas aux récompenses. Il explore aussi le contemporain, passant de Forsythe à Ekman, de Pite à Kylián, prouvant une polyvalence rare : incarner les grands rôles romantiques et se réinventer dans les langages modernes.Cet échange est aussi une réflexion sur le corps : outil, limite, fragilité, mais aussi source de joie. Andrea parle de l'urgence d'une carrière courte, des sacrifices qu'elle implique, et de la puissance transformatrice de la danse. Au-delà de la performance, il interroge ce que signifie grandir, s'affirmer et trouver sa vérité sur scène.Dans cette première partie, nous revenons sur les fondations : son enfance en Sicile, sa formation à Nanterre et ses premiers pas dans la hiérarchie de l'Opéra. Un récit intime et inspirant, qui ouvre la voie à la seconde partie, consacrée aux grands rôles et à la consécration.✨ Bienvenue dans Les Sens de la Danse, le podcast de Myriam Sellam qui explore le pouvoir infini du mouvement — celui qui libère, qui transforme, qui fait renaître.

Lil Buck est aujourd'hui reconnu comme l'un des danseurs les plus singuliers de sa génération. Mais derrière son succès international se cache une histoire profondément ancrée dans une ville, un style et une rencontre.Originaire de Memphis, Lil Buck a grandi dans un environnement difficile, marqué par les inégalités sociales mais aussi par une énergie créative hors du commun. Memphis, c'est à la fois la ville du blues, du rock'n'roll et de la soul, avec des figures mythiques comme Elvis Presley, Otis Redding ou Isaac Hayes. Mais c'est aussi une ville où la jeunesse afro-américaine a transformé la rue en scène, donnant naissance au jookin, une danse fluide et acrobatique, faite de glissés de pieds et de pivots de chevilles.Très vite, Lil Buck s'impose comme l'un des plus brillants représentants de ce style. Ce qui fait sa force, c'est sa capacité à garder les racines de cette danse tout en osant l'emmener ailleurs. Et ce « ailleurs » prend une forme inattendue en 2011, lorsqu'une vidéo le montre dansant Le Cygne de Camille Saint-Saëns aux côtés du violoncelliste Yo-Yo Ma. Le choc est immédiat. Des millions d'internautes découvrent un langage inédit : le dialogue entre danse urbaine et musique classique.À partir de là, la carrière de Lil Buck bascule. Madonna l'invite à rejoindre sa tournée mondiale, Benjamin Millepied l'intègre au L.A. Dance Project, Spike Jonze le filme. La Fondation Cartier, l'Opéra de Paris et la Fondation Vuitton ouvrent leurs portes à son art. Lil Buck devient un pont vivant entre deux univers que tout semblait opposer : la rue et les institutions de la culture légitime.Pourquoi cette histoire est-elle essentielle aujourd'hui ? Parce qu'elle incarne une brèche. Lil Buck a montré qu'une danse née dans les quartiers populaires pouvait trouver sa place dans les temples de la culture classique, sans rien perdre de son authenticité.C'est cette brèche que poursuit aujourd'hui Yann Antonio, danseur français que vous avez découvert dans un autre épisode de Les Sens de la Danse. Lui aussi ose l'improvisation hip-hop face à des orchestres symphoniques, à la Philharmonie de Berlin ou à l'Alte Oper de Francfort. Lui aussi prouve que la danse n'a pas besoin de choisir entre la rue et le classique : elle peut être les deux à la fois.

Et si le hip-hop, né dans la rue, pouvait dialoguer avec Mozart, Beethoven ou Mahler ?Et si l'énergie brute du freestyle pouvait entrer dans les temples de la musique classique, face à un orchestre symphonique entier ?C'est le pari audacieux de Yann Antonio, danseur français d'origine congolaise, qui s'impose aujourd'hui comme une figure singulière de la danse.Sur scène, il improvise son hip-hop devant des orchestres prestigieux – de la Philharmonie de Berlin à l'Alte Oper de Francfort – et ses prestations cumulent déjà plusieurs millions de vues sur les réseaux sociaux.Un succès fulgurant qui intrigue autant qu'il inspire : comment un danseur venu du Val-d'Oise a-t-il réussi à tracer une telle trajectoire ?Dans cet épisode des Sens de la Danse, le podcast que je crée et anime, je pars à sa rencontre.Je m'appelle Myriam Sellam, journaliste et passionnée de danse, et à travers chaque entretien je cherche à comprendre comment le mouvement transforme nos vies.Avec Yann Antonio, nous revenons sur son enfance, marquée par une famille où l'art circule naturellement : une grand-mère danseuse, un grand-père musicien, une mère chanteuse de gospel, et surtout un frère, Loïc Mabanza, danseur professionnel et premier mentor.Il évoque ses années de travail acharné, ses doutes, ses efforts pour dépasser le simple cadre des battles et inventer une voie nouvelle.Et il partage ce détail marquant : dans sa chambre d'adolescent, il avait accroché sur un mur des images de ses rêves – des affiches de salles de concert, des orchestres – qu'il contemplait chaque jour.« J'ai affiché mes rêves sur un mur… et je les ai réalisés. »Ce rituel de visualisation, cette capacité à transformer une vision en réalité, est au cœur de son histoire.Car Yann Antonio n'a jamais cessé de croire qu'un jour, il danserait son hip-hop face à un orchestre.Il a porté ce rêve pendant dix ans, jusqu'à le voir se concrétiser.Aujourd'hui, ses performances bouleversent les spectateurs : il entre dans l'instant, improvise chaque geste, laisse son corps dialoguer avec la musique sans préparation ni partition.C'est une rencontre improbable, mais profondément évidente : un langage né de la rue qui s'élève aux côtés de la musique savante, et qui rappelle que la danse est universelle.Au fil de notre conversation, Yann Antonio parle aussi de la nécessité de s'inspirer, de l'importance des mentors, de la patience et de la persévérance.Son parcours est une leçon d'humilité et de détermination :

Bienvenue dans Un pas de côté, une capsule du podcast Les Sens de la Danse pensée pour éclairer chaque épisode.Pourquoi ce format ? Parce qu'écouter un danseur raconter son parcours, c'est passionnant, mais pour vraiment saisir la richesse de ses propos, il faut parfois replacer un nom, une esthétique, une révolution artistique dans son contexte.

Il y a ceux pour qui tout semble couler de source… et ceux qui avancent, un pas après l'autre, à la force du travail. Ceux qui ne rentrent pas dans les cases, mais qui finissent par redessiner les contours de leur art.Cédric Andrieux fait partie de ceux-là.Dans ce premier épisode d'un diptyque exceptionnel, Les Sens de la Danse vous emmène à la rencontre d'un danseur au parcours aussi exigeant que passionnant — entre Bretagne, New York et Lyon, entre admiration et transmission, entre rigueur et intuition.Formé au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, Cédric Andrieux rejoint à 21 ans l'une des compagnies les plus mythiques de l'histoire de la danse contemporaine : celle de Merce Cunningham. Dix années d'un travail rigoureux, abstrait, épuré — à l'image du chorégraphe américain qui a bouleversé la relation entre la musique et le mouvement, séparé les disciplines pour en faire surgir de nouveaux possibles.

Et s'il existait des états de danse que l'on ne peut pas décrire, seulement traverser ?Dans ce Best Of de fin d'été, je vous propose un extrait profond et suspendu avec Nelson Ewandé, danseur, chorégraphe, champion du monde de popping et fondateur du collectif Enfants Prodiges.Dans ce passage rare, il partage ces instants où la danse nous déplace, nous transporte, nous transforme.Des moments où la conscience s'efface, où le corps se met à bouger sans que l'esprit ne le commande.Où l'on danse… mais sans plus rien contrôler.

Dans ce Best Of du podcast Les Sens de la Danse, je vous propose un extrait fort, intime et lumineux, tiré de ma rencontre avec Sofiane Chalal, danseur, chorégraphe et auteur du solo Ma part d'ombre.Sofiane y évoque avec une rare sincérité son rapport au corps, à la honte, et au regard des autres.Il parle de ce ventre qu'il a si souvent voulu cacher, qu'il a appris à haïr, à dissimuler, à camoufler…Et de la manière dont il a choisi, un jour, de ne plus en faire un ennemi mais une matière chorégraphique.

Cet été, Les Sens de la Danse vous ouvre son carnet de voyage en Best Of.Suspendu entre science et pole dance, Jemi Van Dijk nous entraîne dans un « laboratoire de mouvement » où la gravité devient complice, la rigueur se métamorphose en grâce et chaque figure raconte une histoire.Professeur agrégé de physique, circassien et champion de France de pole sport, il explore un territoire où l'art rencontre la discipline, où la précision se conjugue avec l'abandon.Dans cet extrait, il revient sur un instant-charnière : un simple cadeau d'anniversaire qui l'a mené à la pole dance. Depuis, il apprivoise la verticalité, maîtrise la rotation, et trouve dans chaque suspension une forme de renaissance.Ses mots résonnent comme une invitation à défier l'apesanteur, à écouter le corps, et à redécouvrir la joie pure du mouvement.

À 22 ans, Verónica Christiny décide de tout quitter pour partir apprendre la salsa caleña à Cali, en Colombie.Seule, sans plan B, elle débarque dans une ville inconnue pour suivre un rêve né… d'une simple cassette VHS.Dans ce Best of, elle raconte ses premiers jours sur place : le choc culturel, la solitude, les peurs…Mais aussi sa rencontre déterminante avec ses professeurs, Viviana et Diego,et cette force intérieure qui ne l'a jamais quittée.Un extrait brut, intime et inspirant — qui dit tout du pouvoir du mouvement quand il devient une boussole.

Cet été, Les Sens de la Danse vous fait revivre les moments forts de la saison 2.On commence avec France Schott-Billmann — une femme qui a changé ma façon de danser… et de penser.France Schott-Billmann est psychanalyste, anthropologue, et pionnière de la danse-thérapie.Avec elle, j'ai découvert qu'il est possible de mettre des mots sur ce que je ressens en dansant.Sa méthode, la danse-rythme-thérapie, puise dans l'expression primitive, les rituels, les mythes, et surtout… dans le rythme.Dans cet extrait, elle nous rappelle que tout commence par la musique, que la pulsation est en nous depuis le ventre de notre mère, et que — oui — tout le monde sait danser.✨ Une parole simple, poétique, essentielle.À écouter, réécouter, partager… les yeux fermés, le corps ouvert.

Le podcast Les Sens de la Danse termine sa saison !Merci à toutes et tous pour votre écoute, votre fidélité et vos partages.C'est l'occasion rêvée pour (re)découvrir des épisodes marquants :✨ France Schott-Billmann, qui nous parle du pouvoir de la transe et du mouvement ancestral

Dans ce deuxième épisode du podcast Les Sens de la Danse, la danseuse et chorégraphe Queensy revient sur une étape fondatrice de son parcours : la création de Blazin', le premier collectif féminin de ragga dancehall à marquer la scène française.Elle raconte comment ce groupe a façonné sa carrière et sa vision de la danse comme lieu d'expression, de sororité et d'empowerment.On parle aussi de transmission, de pédagogie, de style ancré, de lien au corps, et de son engagement au sein du mouvement Afrovibe, qui mêle danses afro-descendantes, fitness et libération.« Ce n'est pas que de l'entertainment. Quand tu comprends le sens de ces mouvements-là, ta façon de danser change. » — Queensy

Dans ce premier épisode du podcast Les Sens de la Danse, partez à la rencontre de Queensy, danseuse, chorégraphe et professeure française, figure incontournable du ragga dancehall en France et en Europe.Née à Nanterre dans une famille béninoise et martiniquaise, Queensy revient sur ses débuts autodidactes, sa rencontre décisive avec les jumelles Jayane et Kayliss, et la fondation de Blazin', le premier collectif féminin français référent en ragga dancehall. Elle partage aussi les coulisses de sa participation à La Meilleure Danse sur M6 et ses premières vidéos virales sur YouTube.

Après avoir brillé dans les battles du monde entier, Nelson Ewandé, le danseur de hip-hop le plus titré au monde, cherche aujourd'hui autre chose :

4 victoires au Juste Debout. Des battles remportés aux quatre coins du monde. Un style inimitable.Nelson Ewandé est aujourd'hui le danseur de hip-hop le plus titré au monde.Mais derrière les trophées, il y a un parcours.Celui d'un enfant de banlieue bercé par la musique, formé auprès des légendes du popping, marqué par la solitude, et porté par une quête de liberté absolue.Dans cet épisode, il nous parle de ses débuts, de son rapport viscéral au battle, de la pression mentale, de la paternité… et de la danse comme espace de survie, de vérité, de transformation.

Dans ce second épisode, Verónica Christiny revient sur son immersion dans l'univers de la salsa caleña à Cali, en Colombie.Après avoir tout quitté pour suivre une passion née d'une simple cassette VHS, elle se forme auprès des plus grands, entre entraînements intensifs, chocs culturels et scènes mythiques.Elle nous raconte comment, en quelques mois, elle est passée de l'anonymat à la scène du Salsódromo de Cali, avant de s'envoler vers de nouvelles expériences professionnelles au Japon, puis à New York.C'est aussi le moment du retour : revenir à Paris, et transmettre. Transmettre une danse, un style, une culture.Un récit puissant sur le courage, la résilience, et l'art de créer sa propre légitimité.

À 13 ans, elle monte sur scène. À 18, elle enseigne.Mais c'est à Cali, capitale mondiale de la salsa, que Veronica Christiny décide de tout quitter. Seule, sans plan B.Un simple message : "Quand tu seras là, passe à l'école."Elle prend un billet. Et ce qu'elle va vivre là-bas va tout changer.Dans cette première partie, on découvre :• ses débuts à Paris, entre double culture et passion précoce,• sa fascination pour la salsa caleña,• le moment où la danse devient une évidence,• et ce saut dans le vide qui la mènera jusqu'en Colombie.Veronica nous livre un récit vibrant sur le feu intérieur, l'engagement du corps, et le besoin de transmettre.

À l'occasion de sa grande programmation au musée du quai Branly – Jacques Chirac (les 17-18 et 24-25 mai 2025), je vous propose de (re)découvrir le parcours de Fouad Boussouf dans cet épisode de Les Sens de la Danse.Chorégraphe, danseur et directeur du Phare – Centre chorégraphique national du Havre Normandie, il évoque dans cet épisode ses racines marocaines, l'importance du collectif, la puissance du geste, et cette urgence intérieure qui traverse toute sa danse.Entre hip hop, cultures orientales et hommage à la diva Oum Kalthoum, Fouad Boussouf déploie un univers profondément incarné, où le mouvement devient territoire, mémoire, et acte poétique.

Physicien, ingénieur hydraulicien, artiste de cirque et champion de France de pole sport : Jemi Van Dijk est un homme aux trajectoires multiples.Né à Saint-Martin, il grandit entre les vagues et les saltos autodidactes sur la plage. Brillant élève, il décroche l'agrégation de physique, devient professeur en classes préparatoires, et poursuit un doctorat.Mais un jour, la danse entre dans son corps — et tout bascule.Dans cet épisode, il revient sur ce chemin inattendu : du monde scientifique à la scène, de la rigueur mentale à la liberté du mouvement. Il raconte ses débuts en salsa, ses formations en yoga, pilates et pole dance, discipline dans laquelle il excelle aujourd'hui au niveau international.Entre force et vulnérabilité, Jemi interroge les normes, les stéréotypes, et le regard posé sur les corps masculins dansants.Avec sincérité, il nous parle du pouvoir de la danse : celui de se réconcilier avec soi et de reprendre possession de son corps.Il sera le 24 mai 2025 dans le spectacle Les Cœurs Rouges d'Alexandre Blondel au Carreau du templehttps://www.lecarreaudutemple.eu/evenements/festival-jogging-2025-les-coeurs-rouges-alexandre-blondel/

Dans ce troisième et dernier épisode avec Sofiane Chalal, on retrouve ses débuts de la création :sa première pièce chorégraphique Sofaz, imaginée avec Aziz El Yousfi,les battles, les concours, les premières scènes…Et peu à peu, on entre dans un autre chapitre :vcelui de la reconnaissance.Une performance dans un canapé. Une invitation à Beyrouth.Et un coup de fil improbable qui va l'embarquer dans le monde du cinéma avec Michèle Laroque.On y parle de collaborations fondatrices, de visibilité, d'étiquettes, et de ce que ça change quand on prend enfin la place qu'on mérite.Un épisode qui donne à voir la suite d'un parcours fort, et qui rappelle que la création est toujours un acte d'exposition —mais aussi de transformation.00:00 – IntroductionContinuer à danser, malgré le regard.01:21 – La naissance de Sofaz, premier duo chorégraphiqueUne amitié, une scène, une nouvelle écriture.03:02 – Une impro dans un canapé… jusqu'à BeyrouthDanser pour être vu autrement.06:30 – Toujours devoir prouver qu'on sait danserLe corps jugé avant le geste.11:17 – Déjouer les attentes avec humour et puissanceUne pédagogie directe, sensible.14:44 – L'appel de Michèle LaroqueQuand la fiction rejoint le réel.18:10 – Chorégraphier pour le cinéma : Thierry Lhermitte, tutos et tournagesLe hip-hop au service de l'émotion.25:21 – Ma part d'ombre : un solo pour le corps grosDanser ce qu'on veut cacher.33:34 – XXL : une pièce pour faire trembler les siègesCréer ensemble un espace pour tous les corps.43:10 – ConclusionTransformer le regard, redessiner le cadre.

Dans ce second épisode, on entre dans l'intimité du travail de création de Sofiane Chalal, danseur, chorégraphe et interprète au corps hors norme.Après avoir fait de la danse un refuge, il en fait une œuvre.Ma part d'ombre, c'est un solo brut, sensible, viscéral. Une prise de parole silencieuse, portée par un corps qu'on ne s'attendait pas à voir sur scène — et qui finit par imposer sa présence.Sofiane nous raconte le vertige de créer, le doute, la puissance du geste, et ce que la danse peut réparer en profondeur.Un épisode fort, habité, où il est question de liberté, de regard, de scène… et du cinéma qui viendra bientôt.

Dans cet épisode, Sofiane Chalal nous ouvre la porte d'un parcours rare et profondément inspirant.Né dans une famille de danseurs, bercé par le hip-hop dès l'enfance, il découvre très tôt que son corps, jugé "hors norme", devra se frayer sa propre voie.La danse devient alors bien plus qu'un art : un refuge, un souffle, une affirmation de soi.Avec sincérité, tendresse et puissance, Sofiane revient sur ses premiers pas dans les battles, ses victoires, ses blessures silencieuses, et ce chemin intime qui l'a mené jusqu'à son solo Ma part d'ombre.Un épisode qui célèbre la liberté du mouvement et rappelle que tous les corps ont droit à la scène.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Et si l'on pouvait danser une émotion ? Dans cet épisode un peu à part, j'ai proposé à Aurélien Lehmann un défi en deux temps :

Dans ce dernier épisode, Aurélien Lehmann nous raconte comment il est passé de l'obscurité d'un sous-sol de piscine… à la lumière de la scène du Théâtre du Châtelet.Il y évoque ses doutes, ses années de solitude, ses entraînements parfois absurdes mais nécessaires, et ce moment où tout bascule : celui où quelqu'un lui fait confiance.On découvre les coulisses de ses créations (Tap Virtuoso, À la Table des Dieux), son obsession du rythme, ses collaborations avec des pianistes d'exception, mais aussi sa volonté de redonner à la danse — et aux claquettes — toute leur puissance expressive, poétique, spirituelle.Aurélien parle aussi de ses scènes internationales, de New York à Mexico, de ce qu'il reste à conquérir… et de ce qu'il a gagné en osant croire en lui, même quand il était le seul.Un épisode puissant et lumineux, sur ce que signifie trouver son pas — et rester fidèle à son propre rythme.Vous pouvez retrouver toutes les informations sur Aurélien Lehmann ( concerts, cours, masterclass...) sur son site :https://www.aurelienlehmann.com/Voici égalementLe compte instagram du podcast : https://www.instagram.com/lessensdeladanse.podcast/Le compte facebook du podcast : https://www.facebook.com/lessensdeladanse.podcastTrès belle écoute !#AurélienLehmann #Claquettes #TapDance #DanseContemporaine #PodcastDanse #CréationArtistique #Châtelet #DanseurSoliste #Rythme #LesSensDeLaDanseHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce deuxième épisode, Aurélien Lehmann nous raconte une étape décisive de son parcours.À la sortie de Sciences Po, il se lance dans la chanson humoristique, enchaîne les scènes, les succès… mais quelque chose résiste. Et puis il y a cette rencontre avec un danseur de claquettes fulgurant, légende vivante. Un choc artistique. Une révélation.On parle ici de doute, de discipline, de solitude créative, de ce qu'il faut traverser pour affirmer sa voix, avec ses pieds. Et de ce moment où, sur un balcon ou sur scène, le rythme devient langage.Un épisode intime, vibrant, pour toutes celles et ceux qui cherchent — dans la danse ou ailleurs — à trouver leur propre pas.

Derrière le son des claquettes, il y a un sens du rythme, du jeu, de la scène — et beaucoup d'humour.Dans cet épisode, je vous emmène à la rencontre d'Aurélien Lehmann, l'un des plus grands claquettistes français. Chorégraphe, improvisateur, musicien du sol… il transforme chaque pas en note. On parle de son enfance dans un cabaret du Nord, de son amour du jazz, de la solitude sur scène, de la transmission… Et on rit. Beaucoup.

J'ai eu la chance d'assister le 2 mars 2025 à Juste Debout, l'événement international de danse debout qui rassemble les meilleurs danseurs du monde entier ! Entre battles de haut niveau et énergie électrisante, j'ai pu capturer l'essence de ce rendez-vous incontournable.Et ce n'est pas tout…

Vous sentez ce petit goût de printemps qui arrive, cette envie de liberté qui pointe le bout de son nez ?C'est souvent le moment propice pour faire émerger de nouveaux projets, c'est aussi le moment où l'on a envie de bouger son corps et de le laisser s'exprimer après son hibernation…  Retrouver de la liberté dans le mouvement, c'est ce que propose Caroline Lecouturier.Elle anime depuis 2002 des ateliers de danse libre avec sa propre patte, sa propre approche qu'elle a baptisée la Dança Vida. Pour elle, le corps est celui qui détient la clé !Thérapeute psycho-corporel et psychologue clinicienne,  elle a également mis ses compétences au service de sa danse , notamment pour aider à se laisser-aller et ouvrir un espace de liberté.Quand la danse libre rencontre la psychologie, c'est ce dont on va parler ensemble aujourd'hui dans un entretien plein de joie que je vous propose aujourd'hui et qui j'espère vous plaira.Vous pouvez retrouver toutes les informations sur ses prochains ateliers sur son site :https://www.danca-vida.com/et sa page facebook : https://www.facebook.com/profile.php?id=100049286210729Le compte instagram du podcast : https://www.instagram.com/lessensdeladanse.podcast/Le compte facebook du podcast : https://www.facebook.com/lessensdeladanse.podcastTrès belle écoute !Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode, je vous emmène au cœur d'un atelier pas comme les autres, où la danse devient un véritable outil thérapeutique. À l'hôpital de la Pitié-Salpêtrière, des patients atteints de la maladie de Parkinson se retrouvent chaque semaine pour explorer la danse rythme thérapie, une méthode développée par France Schott Billmann.Guidés par Svetlana Panova, ancienne danseuse des Ballets Russes, ils réapprennent à se mouvoir, à exprimer leurs émotions et à retrouver du plaisir dans le mouvement. Entre témoignages bouleversants et moments de partage, cet épisode vous plonge dans une expérience humaine et artistique unique, où la danse transcende la maladie.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Bienvenue dans cet épisode final de notre série avec France Schott-Billmann ! Ici, la danse, ce n'est pas juste bouger – c'est un langage qui parle à notre cœur, qui nous relie à nos ancêtres et même à l'univers.Aujourd'hui, nous vallons parler de cette magie des rythmes, que ce soit l'électro ou les battements plus primitifs, qui, bien au-delà d'une simple vibration, nous aide à guérir et à nous reconnecter. Nous allons aussi découvrir des histoires de séances de danse thérapie en Afrique, en Haïti, en Israël... Des moments forts qui montrent comment chaque battement est un écho de notre mémoire collective.Alors, installez-vous confortablement, détendez-vous et laissez-vous porter par ces témoignages et réflexions sur le pouvoir de la danse, surtout quand on a besoin de se retrouver et de se soutenir les uns les autres. On est tous un peu danseurs, et c'est ce qui nous unit. C'est parti pour un moment et plein d'émotions !Vous pouvez retrouver toutes les informations sur ses prochains ateliers sur son site :www.atelierdugesterythme.comet sur son livre : https://www.odilejacob.fr/catalogue/art-et-litterature/musique-danse/therapie-par-la-danse-rythmee_9782738151599.phpLe compte instagram du podcast : https://www.instagram.com/lessensdeladanse.podcast/Le compte facebook du podcast : https://www.facebook.com/lessensdeladanse.podcastHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Et si la danse permettait d'accéder à une part cachée de nous-mêmes ? Avec France Schott-Billmann, nous explorons comment le rythme, la pulsation et la répétition du geste peuvent modifier notre état de conscience et réveiller des forces enfouies.

Et si la danse était bien plus qu'un simple mouvement ? Si elle était une pulsion de vie, une force capable de réveiller notre corps, d'apaiser notre esprit et de nous reconnecter à nous-mêmes ?Dans cet épisode fascinant, je reçois France Schott-Billmann, psychanalyste et pionnière de la danse-thérapie, qui nous plonge au cœur des pouvoirs ancestraux du rythme et du mouvement. Ensemble, nous explorons comment la danse, depuis les rituels traditionnels jusqu'à la transe contemporaine, peut libérer nos émotions, stimuler notre énergie et même favoriser la guérison.De l'expression primitive aux cérémonies vaudou, en passant par le rôle du battement du cœur et la magie de la pulsation collective, cet épisode vous invite à ressentir, vibrer et redécouvrir la danse sous un nouveau prisme.

Dans cet épisode spécial, je vous remercie chaleureusement pour votre soutien tout au long de cette aventure incroyable. Retour sur les moments forts avec Fouad Boussouf, Roxane Stojanov, Angelina Bruno et Tahia Cambet, qui nous ont inspirés par leurs histoires uniques. Je vous donne rendez-vous en janvier pour une saison 2 pleine de nouvelles rencontres et de surprises. En attendant, dansez, partagez, et n'hésitez pas à m'envoyer vos idées et suggestions sur Instagram. Merci d'être là, et belles fêtes de fin d'année !Voici les liens du podcast Les Sens de la Danse sur les réseaux sociaux:Le compte Instagram du podcast : https://www.instagram.com/lessensdeladanse.podcast/Le compte Facebook du podcast : https://www.facebook.com/lessensdeladanse.podcastTrès belle écoute !Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.