Les Sens de la Danse

Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Angelin Preljocaj pour une conversation au long cours sur la danse comme langage du vivant, du temps et de la relation à l'autre.Il revient sur son enfance, l'exil de ses parents albanais, et la manière dont cette histoire familiale a façonné son rapport au corps, à la rigueur et à la création.Au fil de l'entretien, il évoque sa formation, de Karin Waehner à Merce Cunningham, ainsi que la construction d'une écriture chorégraphique exigeante et profondément singulière. Une danse où la contrainte n'enferme jamais le geste, mais crée les conditions de son surgissement. Il parle de la danse comme d'un art capable de dire ce que les mots ne savent pas formuler, de relier les corps à l'espace, au temps et aux autres.L'épisode explore son processus de création, la place du collectif, les collaborations artistiques et la transmission de la danse dans des contextes variés : prisons, hôpitaux, écoles ou espace public. Une conviction traverse tout cet échange : la danse est un acte de relation, profondément ancré dans le réel, une manière de rencontrer l'autre autant que soi-même.Angelin Preljocaj aborde également le temps long, la mémoire et la finitude à travers Requiem(s), une œuvre qui ne représente pas seulement la disparition, mais célèbre avant tout l'élan du vivant. Alors que cette pièce poursuit sa tournée à l'été 2026 et qu'il prépare sa nouvelle création Soulèvement, cet échange résonne avec une actualité artistique particulièrement riche.Au-delà de son œuvre, cette conversation nous invite à réfléchir à ce que la danse révèle de notre humanité : notre fragilité, notre capacité à créer du lien et à transformer nos expériences en mouvement.Un épisode dense et profondément inspirant pour entrer au cœur de la pensée d'un des plus grands chorégraphes contemporains.Si cet épisode vous touche, je vous invite à le partager autour de vous, à lui laisser un commentaire et à lui attribuer 5 étoiles sur votre plateforme d'écoute. C'est grâce à votre soutien que Les Sens de la Danse continue de faire voyager les histoires et les artistes qui façonnent le monde de la danse.Pour prolonger la discussion, retrouvez-moi sur Instagram : https://www.instagram.com/lessensdeladanse.podcast/Cet épisode a été enregistré au Théâtre des Champs-Élysées, que je remercie chaleureusement pour son accueil et la mise à disposition d'un espace de travail propice à cet échange.Photo : Julien Bengel.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce Pas de côté du podcast Les Sens de la Danse, je vous propose une plongée dans l'histoire du flamenco, un art né en Andalousie au XVIIIᵉ siècle, à la croisée des cultures gitanes, arabes, juives et populaires espagnoles.À l'occasion du best of consacré à Rubén Molina, dont le spectacle La Salida poursuit aujourd'hui sa tournée avec de nouvelles représentations, cette capsule vous offre les clés pour mieux comprendre l'univers dans lequel s'inscrit son travail.Nous revenons sur les origines du flamenco, son développement dans les cafés-concerts, la structuration des différents styles flamencos et le rôle essentiel de la transmission à travers les écoles, les conservatoires et les lieux emblématiques de formation.Pensée comme un repère pédagogique, cette capsule permet de mieux comprendre le flamenco contemporain, son évolution et la manière dont les artistes d'aujourd'hui font vivre cet héritage tout en le réinventant.Un contenu idéal pour celles et ceux qui souhaitent découvrir le flamenco, approfondir leur culture chorégraphique ou enrichir leur écoute de l'épisode avec Rubén Molina.

Le flamenco est-il une danse… ou une manière d'habiter le monde ?À l'occasion de ce best of estival des Sens de la Danse, je vous propose de redécouvrir ma rencontre avec Rubén Molina, danseur et chorégraphe originaire de Cordoue, dont le parcours incarne toute la richesse d'un flamenco profondément enraciné dans la tradition et résolument tourné vers la création.Depuis notre entretien, Rubén Molina a poursuivi son parcours sur les plus grandes scènes. Il était notamment à l'affiche du Grand Échiquier sur France Télévisions, dans une émission exceptionnelle consacrée à la Méditerranée, confirmant la place qu'il occupe aujourd'hui parmi les grands artistes de la scène flamenca. Son spectacle La Salida, œuvre intime consacrée à la transformation, à la mémoire et aux femmes qui ont façonné son parcours, poursuit également sa tournée avec de nouvelles représentations, notamment le 21 mars 2027 au POC d'Alfortville puis le 4 mai 2027 au Théâtre des Champs-Élysées.Dans cette conversation, Rubén revient sur son enfance en Andalousie, sa formation au Conservatoire de Cordoue puis au Conservatoire supérieur de Madrid, son passage par le mythique studio Amor de Dios et sa découverte de la danse contemporaine à Londres, qui transformera profondément sa manière d'aborder le flamenco.Nous parlons de transmission, d'identité, de création, de blessures, de liberté et de ce dialogue permanent entre la tradition et l'invention.Rubén raconte également la naissance de La Salida, une œuvre profondément personnelle qui interroge les passages de la vie, les héritages que nous recevons et les portes que nous choisissons d'ouvrir pour devenir pleinement nous-mêmes.Une conversation qui dépasse largement le flamenco et nous invite à réfléchir à ce que la danse révèle de notre histoire, de notre mémoire et de notre manière d'être au monde.

À l'occasion de ce best of, je vous propose de redécouvrir ce Pas de côté consacré au sabar, quelques semaines après qu'Amala Dianor a été nommé Personnalité chorégraphique de l'année par le Syndicat de la critique professionnelle théâtre, musique et danse.Pour mieux comprendre son parcours, il faut remonter à l'une de ses racines : le sabar, danse et tradition rythmique majeure du Sénégal.Bien plus qu'une danse, le sabar est un espace de dialogue entre le danseur et les tambours, entre l'individu et le collectif. Une pratique vivante, sociale et festive, où l'écoute, la précision et l'énergie du cercle façonnent le mouvement.À travers cet éclairage, on comprend autrement ce qui traverse aujourd'hui l'œuvre d'Amala Dianor : son rapport au rythme, son goût du dialogue entre les cultures et cette conviction que la danse peut devenir un espace de rencontre et de vivre-ensemble, comme en témoigne notamment sa pièce DUB.Je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse. À travers ces Pas de côté, je vous propose d'explorer l'histoire, les traditions et les cultures qui éclairent autrement les parcours de mes invités.Si cet épisode vous plaît, abonnez-vous au podcast, laissez 5 étoiles sur votre plateforme d'écoute et partagez-le autour de vous. C'est grâce à vous que ces histoires continuent de voyager.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

« Mon ADN est purement hip-hop. Ma structure, ma colonne vertébrale. »Depuis la diffusion de cet épisode, Amala Dianor a été nommé Personnalité chorégraphique de l'année par le Syndicat de la critique professionnelle théâtre, musique et danse. Une distinction qui récompense l'ensemble de son œuvre et confirme la place singulière qu'il occupe dans la danse contemporaine.C'est l'occasion de redécouvrir cette conversation.Né à Dakar et arrivé en France à l'âge de 7 ans, Amala grandit entre le sabar sénégalais, la culture hip-hop, Michael Jackson et les arts martiaux. Très tôt, la danse devient pour lui un langage, un refuge et un espace de liberté.De la télévision des années 1980 à l'émission de Sidney, des battles en Haute-Savoie et à Angers jusqu'au Centre national de danse contemporaine (CNDC), il traverse les esthétiques.Hip-hop, contemporain, néo-classique : il refuse de choisir. Il refuse de s'enfermer.« Comment rester libre dans ma danse ? »Dans cette conversation, Amala revient sur :• son enfance au Sénégal et la puissance du sabar ;• son arrivée en France et le choc culturel ;• le racisme et la prise de conscience dans le monde du travail ;• son passage audacieux vers la danse contemporaine ;• son désir de faire dialoguer les esthétiques plutôt que de les opposer ;• la création de sa compagnie en 2012 ;• la naissance de DUB, pièce manifeste réunissant onze danseurs venus de communautés urbaines du monde entier.Avec DUB, Amala cherche à « recréer l'utopie du vivre ensemble sur scène ». Une œuvre lumineuse, puissante et profondément politique.Depuis cet enregistrement, son parcours continue de s'écrire. Artiste associé à la MC2: Grenoble, il prépare actuellement Àddina, une création réunissant des interprètes d'Amérique latine et d'Asie, qui sera créée en 2027.

Bienvenue dans Un pas de côté, une capsule du podcast Les Sens de la Danse imaginée par Myriam Sellam pour éclairer chaque épisode.Chaque dimanche, une voix, une histoire, un parcours intime. Et parfois, pour mieux comprendre ce qui se joue entre les mots, il suffit de faire… un pas de côté.Cette fois, on prolonge la rencontre avec Claire Francisci-Ducret, danseuse durant 6 années au Crazy Horse Paris — ce cabaret mythique qui a fait du corps féminin un langage à part entière.Car pour saisir la portée de son parcours, il faut aussi comprendre le lieu qui l'a façonnée.Le Crazy Horse n'est pas un cabaret comme les autres.Fondé en 1951 par Alain Bernardin, il est né d'une fascination pour la beauté, la lumière et la perfection du geste. Ici, pas de strass criards ni de froufrous tapageurs : tout est question d'angle, de ligne, de précision.Les danseuses — les célèbres Crazy Girls — ne sont pas seulement des interprètes : ce sont des instruments de lumière, des sculptures vivantes. Leurs corps deviennent toiles, leurs mouvements, calligraphies.Derrière cette esthétique millimétrée, il y a une véritable chorégraphie du regard.L'art du Crazy Horse, c'est celui de la suggestion, du mystère, de la géométrie sensuelle. Un univers où l'érotisme se fait stylisé, abstrait, presque conceptuel.Et pourtant, derrière le fantasme, se cache une discipline de fer : répétitions, rigueur, synchronisation parfaite. Les shows du Crazy sont le fruit d'une exigence rare, héritée du ballet et du music-hall.En revisitant ce lieu à travers l'histoire et l'esthétique, cette capsule interroge :

Cet été, je vous propose de (re)découvrir les épisodes qui vous ont le plus touchés.Et parmi eux, cette rencontre avec Claire Francisci-Ducret, qui nous invite à porter un autre regard sur la pole dance, entre exigence, liberté et reconquête du corps.Sous les lumières du Crazy Horse, elle a dansé la rigueur, la précision, la beauté géométrique du geste.Sur la barre verticale de la pole dance, elle a trouvé la liberté, la force et la reconquête du corps.Dans cet épisode, Claire Francisci-Ducret, danseuse, chorégraphe et fondatrice de Pole Spirit Paris, revient sur un parcours aussi exigeant qu'inspirant : de ses débuts au Conservatoire d'Avignon à la scène mythique du Crazy Horse, jusqu'à la création de sa propre école à Paris.Pendant six ans, elle a dansé au Crazy Horse, temple de la lumière et de la discipline, où chaque mouvement se mesure au millimètre près.Aujourd'hui, elle enseigne la pole dance comme un art du courage et du dépassement, un espace où le corps se libère des normes, où la puissance et la douceur se rencontrent.Dans cette conversation enregistrée au sein de son école, Claire nous parle de :• rigueur et sensualité,• confiance en soi et dépassement,• beauté du geste et puissance intérieure,• cette liberté que seule la danse peut offrir.Elle raconte comment elle a su transformer la discipline en art, et l'exigence en élan de vie.

Pourquoi les derviches tournent-ils sur eux-mêmes pendant de longues minutes, parfois pendant des heures ?Dans ce Pas de côté, nous remontons aux origines de cette pratique fascinante née au XIIIᵉ siècle autour du poète mystique Rûmî et de la tradition soufie.À travers l'histoire du tournoiement, ses symboles, sa dimension spirituelle mais aussi les découvertes des neurosciences sur les états de conscience, nous explorons ce que cette danse raconte de notre rapport au corps, à la présence et au monde.Une plongée dans l'une des pratiques les plus mystérieuses de l'histoire de la danse, éclairée par le parcours de Rana Gorgani.

Deux ans après notre première rencontre, Rana Gorgani est de retour dans Les Sens de la Danse.Lorsque nous avions échangé pour la première fois, nous parlions de spiritualité, de transmission et de danse soufie. Depuis, le monde a changé. Et son travail aussi.Née en Allemagne d'une mère iranienne et d'un père kurde d'Iran, Rana Gorgani est aujourd'hui l'une des rares femmes au monde à se revendiquer derviche tourneur.Aujourd'hui, nous revenons sur les bouleversements de ces deux dernières années : la guerre, le mouvement Femme, Vie, Liberté, les spectacles annulés, la calligraphie, la notion de trace et la naissance d'Operation Epic Fury, création présentée le 11 juillet 2026 lors de La Nuit de l'Année aux Rencontres d'Arles.Une conversation sur la foi, l'engagement, les femmes, l'art et le pouvoir de la danse lorsqu'elle devient une manière de répondre au monde.Je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse.

Peut-on transmettre une passion sans jamais l'enseigner ?Pourquoi certaines familles semblent-elles liées au mouvement, à l'art ou à la danse depuis plusieurs générations ?Dans cet épisode de Un Pas de Côté, je vous emmène explorer une question fascinante née de ma rencontre avec la chorégraphe Joséphine Tilloy : que transmettons-nous réellement à travers les générations ?Entre histoire de la danse, transmission culturelle, mémoire du corps et héritages invisibles, ce voyage nous invite à regarder autrement les gestes qui nous construisent.Une réflexion sensible sur ce qui circule de corps en corps, parfois sans un mot.

Que transmettons-nous sans le savoir ?Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Joséphine Tilloy.Chorégraphe, interprète et fondatrice de la compagnie Vibrisses, elle explore à travers ses créations les liens entre mémoire, héritage, féminité et mouvement.Issue de quatre générations d'artistes, elle grandit entre la danse, la gymnastique, les arts plastiques et le théâtre avant de construire une écriture singulière à la croisée de la danse contemporaine, de la performance et de la transmission.Aujourd'hui, ses pièces interrogent les récits que les corps conservent, les normes qui les traversent et les traces invisibles laissées par celles et ceux qui nous ont précédés.Dans cet épisode, nous parlons de son parcours, de son rapport à la création, du rire comme matière chorégraphique, de maternité, de mémoire familiale et de cette question qui traverse tout son travail : que gardent les corps des histoires qui les ont précédés ?Une conversation sensible autour de la danse comme archive vivante.

Pourquoi certains lieux deviennent-ils des refuges pour les artistes ?Dans ce Pas de côté, je vous emmène dans l'un des endroits les plus emblématiques de Paris : le Ritz.Derrière ses façades élégantes et son histoire prestigieuse se cache un lien discret mais profond avec le monde de la création.Écrivains, musiciens, comédiens, danseurs… depuis plus d'un siècle, des générations d'artistes ont franchi ses portes.Qu'est-ce qui les attire dans ces lieux ?Pourquoi certains espaces semblent-ils nourrir l'imaginaire plus que d'autres ?Une parenthèse pour regarder autrement un lieu que l'on croit connaître.

Danser sur scène… puis faire danser les lieux : comment passe-t-on de l'autre côté du rideau ?Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Frédéric Fontan.Nous nous rencontrons au Ritz Paris, dans le jardin où se tiendront les 13, 14 et 15 juin les Nuits Étoilées.Un nouveau festival dont il est l'initiateur et le directeur artistique, réunissant danseurs de l'Opéra de Paris, chanteurs lyriques et musiciens dans l'un des lieux les plus emblématiques de la capitale.Mais avant d'imaginer des expériences immersives pour certaines des plus grandes maisons de luxe, Frédéric Fontan a lui-même passé quatorze ans sur scène. Danseur, chanteur, comédien.Né à Saint-Gaudens, au pied des Pyrénées, il grandit entre les chants populaires, la nature, les études scientifiques et une passion dévorante pour le spectacle vivant.Dans cet épisode, il revient sur son enfance, le harcèlement scolaire, la danse comme espace de liberté, sa carrière artistique, puis sa transition vers la direction artistique.Une conversation sur le mouvement, l'imaginaire, la transmission et le pouvoir des lieux.

Et si le krump n'était pas seulement une danse… mais aussi une forme d'élévation ?Dans cet épisode de Un pas de côté, Myriam Sellam explore la dimension spirituelle du krump à travers le parcours du danseur Wrestler.Car derrière la puissance des mouvements et l'intensité des battles, le mot KRUMP porte lui-même une signification étonnante :Kingdom Radically Uplifted Mighty Praise que l'on pourrait traduire par :“Louange puissante radicalement élevée au royaume.” Le krump est né à Los Angeles dans des quartiers marqués par les violences sociales et raciales.Mais il puise aussi dans une culture du gospel, de l'église, du collectif et de la transcendance par le corps.Dans cet épisode, il est question :– d'état de grâce,– de flow,– de transe,– de mémoire corporelle,– et de cette étrange sensation où le mouvement semble nous dépasser.Une réflexion intime et sensible sur le lien entre danse, spiritualité et transformation intérieure.

"Le krump, ça m'a accompagné dans des moments hyper sombres de ma vie. Et en fait, le krump était toujours là. Comme un pote qui te lâche jamais."Ce qui traverse les moments sombres — et qui ressort de l'autre côté — finit par construire quelque chose.Dans cette deuxième partie des Sens de la Danse, Wrestler sort de l'intime pour aller vers le monde. L'Opéra Bastille, le Juste Debout, les créations, la transmission — et cette question qui traverse tout : comment fait-on vivre une culture qu'on a reçue en cadeau ?Un danseur qui devient activiste. Un lutteur qui construit des ponts.

Dans le krump, on ne danse presque jamais seul.Même lorsqu'un danseur est au centre du cercle, il est porté par les cris, les encouragements, l'énergie des autres.On appelle ça : la hype.Dans ce nouvel épisode de Un pas de côté, Myriam Sellam explore cette force collective au cœur du krump :Pourquoi certaines personnes arrivent-elles à se dépasser grâce au groupe ?Pourquoi le regard des autres peut-il parfois nous révéler à nous-mêmes ?À travers l'univers du danseur et activiste krump Wrestler, cet épisode plonge dans une réflexion sensible sur :– la puissance du collectif,– le dépassement de soi,– l'énergie des battles et des sessions,– et notre besoin profond d'être soutenus, vus et encouragés.Un épisode sur la danse… mais aussi sur ce qui nous relie aux autres.

Et si certains corps avaient besoin de lutter… pour rester debout ?Wrestler. Le nom dit tout. À trois ans, au mariage d'un oncle à Cotonou, on lui met sa tenue Michael Jackson, on le place au milieu de la salle. Et il danse. Il n'a pas encore les mots. Mais il sait déjà ce que ça fait. "J'étais le roi du monde. Je me sentais libre."Dans cette première partie des Sens de la Danse, je reçois Wrestler, grand danseur de krump, dont le nom signifie littéralement lutteur — et c'est tout un programme.Avec lui, on plonge dans les origines d'une danse née dans les quartiers de Los Angeles, dans le contexte des violences policières et des émeutes de 1992. On parle de révélation, de style, de familles et de ce que le krump transforme vraiment dans un corps et dans une vie.

Et si, parfois, la danse ne pouvait pas sauver tout de suite…Dans ce Pas de côté, Myriam Sellam prolonge la conversation avec Paloma Pradal autour d'un sujet rarement abordé dans le monde de la danse : celui du corps qui se ferme.On parle souvent du mouvement comme d'une libération.Mais que se passe-t-il lorsque le corps reste en alerte permanente ? Lorsqu'il associe certains gestes, certaines formes d'exposition ou de féminité à une mémoire douloureuse ?À travers le parcours de Paloma, cet épisode explore les liens entre danse, trauma, mémoire corporelle et reconstruction.Pourquoi certains corps n'arrivent-ils plus à bouger librement ?Pourquoi la danse, parfois, ne répare-t-elle pas immédiatement ?Et si le corps avait d'abord besoin de sécurité avant de pouvoir se remettre en mouvement ?Myriam Sellam évoque notamment les travaux du psychiatre Bessel van der Kolk, auteur de Le corps n'oublie rien, ainsi que la vision de la chorégraphe Pina Bausch, pour qui le plus important n'était pas la manière dont les gens bougent… mais ce qui les fait bouger.Un épisode intime et profondément humain sur le corps, la mémoire, la survie… et le retour possible du mouvement.✨ Si ce podcast vous touche, vous pouvez vous abonner et laisser quelques étoiles ou un avis sur votre plateforme d'écoute. Cela aide énormément Les Sens de la Danse à continuer d'exister et à toucher de nouvelles personnes.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Danse, trauma, mémoire du corps : que reste-t-il quand le corps ne peut plus danser ?Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Paloma Pradal.Je l'ai découverte sur scène, au Théâtre du Rond-Point, dans son spectacle Et vous, qui êtes-vous ?.Un plateau presque vide. Un corps. Une présence.Danseuse depuis l'enfance, elle grandit dans le flamenco avant de se tourner vers le chant : concerts, collaborations, passage dans The Voice, album Rabia (2018).Mais derrière cette trajectoire, une réalité plus complexe : un corps marqué par les violences, qui finit par se fermer.Jusqu'à ne plus pouvoir danser.Dans cet épisode, elle revient sur le lien entre danse et trauma, la mémoire du corps, et la possibilité — ou non — de revenir au mouvement. 

Pourquoi une œuvre née au XIXe siècle continue-t-elle de toucher autant le public aujourd'hui ?Dans cet épisode de Un pas de côté, Myriam Sellam revient sur l'histoire de La Dame aux Camélias, chef-d'œuvre littéraire devenu opéra, puis ballet.Du roman d'Alexandre Dumas fils à La Traviata de Giuseppe Verdi, jusqu'au ballet de John Neumeier, cette figure féminine traverse les époques et les arts sans jamais perdre sa force émotionnelle.Pourquoi cette histoire nous bouleverse-t-elle encore ?Que raconte-t-elle du corps féminin, du désir, de l'épuisement, du regard social… et de la danse elle-même ?À travers ce format court, Myriam Sellam explore ce qui fait de La Dame aux Camélias l'un des ballets les plus intenses du répertoire contemporain.Un épisode également en résonance avec l'actualité de Roxane Stojanov, actuellement à l'affiche de cette œuvre à l'Opéra national de Paris dans les rôles de Prudence et de Manon.

Et si devenir Étoile n'était que le début ?Dans cet épisode des Sens de la Danse, je vous propose de redécouvrir ma rencontre avec Roxane Stojanov, enregistrée en janvier 2026, quelques mois après sa nomination comme Danseuse Étoile à l'Opéra national de Paris.À ce moment-là, nous parlions de ce que ce titre change.Dans le corps. Dans le regard des autres. Dans la manière d'habiter la scène.Mais aujourd'hui, cette conversation résonne autrement.Car depuis, quelque chose s'est ouvert.Le 18 avril 2026, à Skopje, en Macédoine du Nord — le pays où elle a grandi — Roxane Stojanov a lancé la première édition de son propre concours : le Prix Roxane Stojanov.Un projet tourné vers la transmission, qui offre à de jeunes danseurs une immersion artistique à Paris.Dans le même temps, elle poursuit son parcours sur scène, à l'Opéra de Paris, où elle danse La Dame aux Camélias de John Neumeier, dans les rôles de Prudence et Manon, et s'apprête à interpréter Gamzatti dans La Bayadère de Rudolf Noureev du 21 juin au 2 juillet 2026.Alors, écouter cet épisode aujourd'hui, c'est entendre autre chose.C'est écouter le moment juste après la bascule.Avant que le parcours ne s'élargisse.Avant que la danse ne se transmette autrement.Un épisode sur ce que signifie devenir Étoile.Et sur ce que cela engage, au-delà du titre.

Pourquoi Rudolf Noureev a-t-il bouleversé l'histoire du ballet ?Et en quoi son héritage continue-t-il encore aujourd'hui de transformer les danseurs de l'Opéra de Paris ?Dans cet épisode d'Un Pas de côté, le format court du podcast Les Sens de la Danse, Myriam Sellam revient sur la révolution artistique portée par Noureev : son arrivée fracassante en Occident en 1961, sa virtuosité, son intensité dramatique… mais surtout sa manière de réinventer la place des hommes dans le ballet classique.Avant lui, les danseurs étaient souvent relégués au rôle de partenaires.Avec Noureev, ils deviennent des interprètes à part entière : physiques, sensibles, théâtraux, profondément incarnés.De Roméo et Juliette à Don Quichotte, en passant par son travail à l'Opéra national de Paris, cet épisode explore comment Noureev a déplacé la danse du simple geste vers l'incarnation.Un éclairage qui résonne particulièrement aujourd'hui, alors qu'Andrea Sarri danse actuellement Roméo et Juliette de Noureev à l'Opéra Bastille.

Après avoir exploré son enfance en Sicile, ses années à Nanterre et la rigueur de l'École de danse de l'Opéra de Paris dans le premier épisode, Andrea Sarri revient ici avec un regard plus intérieur, plus apaisé.Dans cette seconde partie, le danseur de l'Opéra de Paris se livre sur son rapport à la scène, ses doutes et cette maturité qui s'installe peu à peu dans son parcours d'interprète.Aujourd'hui Premier danseur du Ballet de l'Opéra de Paris que l'on peut voir en ce moment dans Roméo et Juliette à l'Opéra Bastille, Andrea Sarri incarne une nouvelle génération de danseurs classiques, à la croisée de la technique et de l'interprétation.Il évoque son attachement aux grands ballets du répertoire classique (Giselle, Roméo et Juliette), mais aussi son goût grandissant pour la danse contemporaine.Danser du William Forsythe, du Alexander Ekman ou du Crystal Pite, c'est pour lui explorer de nouvelles dynamiques, libérer le mouvement et trouver une autre forme de vérité du corps.Au fil de cet entretien, Andrea Sarri aborde les enjeux de l'excellence dans le ballet :la pression, le perfectionnisme, la peur de ne pas être à la hauteur… mais aussi la nécessité de rester aligné avec soi-même.Il revient également sur les distinctions qui ont marqué son parcours — Prix AROP de la danse, Giovani Talenti Siciliani nel Mondo, Taobuk Award et sur ce qu'elles représentent réellement : non pas une finalité, mais une étape dans un chemin artistique en constante évolution.Cet épisode explore aussi des thématiques essentielles dans la vie d'un danseur professionnel : la gestion du corps, la fatigue, la récupération, le travail invisible et cette compréhension progressive que la danse n'est pas seulement un art de la performance, mais aussi un art de l'écoute et de la présence.À travers cet échange, on découvre un artiste en transformation, un danseur qui interroge son art, qui doute, qui évolue — et qui trouve dans chaque rôle une opportunité de grandir.Un épisode sur la danse, bien sûr… mais aussi sur le corps, l'exigence, l'identité et le dépassement de soi.

Et si, dans Roméo et Juliette, le personnage le plus libre… était aussi le plus condamné ?Dans ce nouvel épisode Pas de côté du podcast Les Sens de la Danse, Myriam Sellam vous emmène au cœur d'un rôle aussi fascinant que vertigineux : Mercutio, dans le ballet Roméo et Juliette de Noureev.Souvent éclipsé par les amants tragiques, Mercutio est pourtant le véritable point de bascule de l'histoire. Ami de Roméo, provocateur, insaisissable, il incarne une énergie brute, une liberté presque dangereuse. Sur scène, son corps va vite, trop vite — comme s'il dansait déjà au bord du précipice.À travers ce Pas de côté, découvrez pourquoi ce rôle est l'un des plus intenses du répertoire classique :— une écriture chorégraphique explosive signée Noureev— un mélange unique d'humour, de virtuosité et de tragédie— un moment charnière qui fait basculer tout le balletAujourd'hui interprété sur la scène de l'Opéra Bastille par Andrea Sarri, Mercutio devient un véritable défi pour les danseurs : tout donner, sans retenue, jusqu'à frôler la rupture.Mais au fond, Mercutio dépasse la danse.Il incarne la jeunesse, l'insouciance, ce moment fragile où le corps se croit invincible… juste avant que tout ne bascule.

Il a quitté sa mer à 10 ans pour danser.Aujourd'hui, Andrea Sarri est sur la scène de l'Opéra Bastille, dans Roméo et Juliette de Rudolf Noureev — en Mercutio.Né à Palerme en 1998, il grandit dans une culture où les garçons ne dansent pas.Ou plutôt, où ils ne sont pas censés danser.À 10 ans, il quitte tout pour rejoindre l'École de danse de l'Opéra de Paris.Depuis, il a gravi chaque échelon de cette hiérarchie si singulière: Corps de ballet, Coryphée, Sujet...Jusqu'à être nommé Premier danseur en janvier 2025.Quand je l'ai rencontré, c'était quelques jours avant qu'il monte sur la scène du Palais Garnier dans le rôle d'Albrecht de Giselle.Dans cet épisode, Andrea Sarri revient sur :— l'enfance qu'on laisse derrière soi— le déracinement et les choix irréversibles— le doute, même au sommet— ce que ça demande, profondément, de tenirUn échange intime, sur le corps, l'exigence et ce qui nous fait continuer, même quand tout vacille.

Et si la danse pouvait révéler ce que les mots ne suffisent pas à dire ?Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, je vous propose d'explorer Ce que le jour doit à la nuit, œuvre emblématique du chorégraphe Hervé Koubi, inspirée du roman de Yasmina Khadra.Un texte et une pièce au cœur de thématiques puissantes :identité, mémoire, exil, transmission, héritage franco-algérien.À travers ce récit, on revient sur un moment fondateur du parcours d'Hervé Koubi :la découverte tardive de ses origines, son voyage en Algérie et la rencontre avec des danseurs de rue qu'il décrira comme ses “frères retrouvés”.Un basculement qui va transformer sa manière de créer et donner naissance à une écriture chorégraphique unique, à la croisée de la danse contemporaine et du hip-hop.Dans cet épisode, on explore aussi une question essentielle :comment la danse peut-elle devenir un langage universel, capable de relier les cultures et de réparer les histoires ?Ce Pas de côté vous donne les clés pour mieux comprendre l'univers d'Hervé Koubi et entrer plus profondément dans son travail artistique. 

Et si la danse pouvait révéler ce que l'on ignore encore de soi ?Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Hervé Koubi, chorégraphe français de renommée internationale, dont le travail mêle danse contemporaine, hip-hop et héritages culturels.On revient sur son parcours singulier — de la pharmacie à la scène —, sur sa formation, et sur ce moment fondateur : la découverte tardive de ses origines algériennes.Un basculement qui le conduit en Algérie, à la rencontre de danseurs de rue qu'il décrit comme ses “frères retrouvés”, et qui transforme profondément sa manière de créer.À travers cet échange, on explore la question de l'identité, du groupe, de la transmission, et la manière dont la danse peut devenir un langage universel, capable de relier les cultures et de porter une mémoire.

Pour Jann Gallois, méditer c'est danser mais de l'intérieur. Ce qu'elle faisait avec le mouvement : désarticuler, réarticuler, harmoniser.Elle l'a retrouvé dans la méditation bouddhiste : concentrer l'esprit sur un point et le travailler. Encore et encore.Les neurosciences le confirment : ces deux pratiques modifient le cerveau de manière similaire, renforcent l'attention et la conscience de soi. Elles travaillent le même espace, entre le dedans et le dehors.Méditer n'est pas s'immobiliser. Danser n'est pas maîtriser. Les deux demandent d'accueillir ce qui est là. De travailler avec, pas contre.Pour Jann, la méditation est devenue sa source créative. Ses idées chorégraphiques naissent de cet espace intérieur cultivé en silence.Deux disciplines, une seule question : comment habiter ce corps, cet esprit, cette vie avec un peu plus de grâce ?

Dans ce deuxième épisode avec Jann Gallois, on descend plus loin.Derrière le succès, derrière Chaillot, derrière les tournées qui se multiplient — il y a une souffrance que personne ne voyait. Un traumatisme intérieur. Une fracture profonde. Un moment où le sens disparaît complètement.Et c'est là, au cœur de cette chute, qu'elle a trouvé un chemin inattendu.Le bouddhisme. La méditation. Un travail intérieur radical qui a tout changé — dans sa vie, dans sa manière de créer, dans sa manière d'être avec les autres.On parle de reconstruction. De spiritualité. De ce que ça signifie de se reconstruire quand on a tout misé sur son art. De la différence entre chercher le bonheur dans ses créations… et le construire d'abord en soi.On parle aussi de transmission. De l'Agora à Montpellier, qu'elle co-dirige aujourd'hui aux côtés de Dominique Hervieu, Pierre Martinez et Hofesh Shechter. Un lieu pensé pour accueillir, soutenir, faire grandir — la création, la recherche, les nouvelles générations.Et notamment Boost — cette toute nouvelle formation conçue pour les jeunes danseurs autodidactes, éloignés des circuits classiques, qui ont développé une singularité rare mais manquent encore des clés pour s'inscrire dans le milieu professionnel.Jann Gallois leur dit : votre danse existe. Et tout peut se danser.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Que signifie vraiment habiter son corps ?Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, Myriam Sellam propose une exploration sensible et accessible d'une notion au cœur du mouvement : la relation que nous entretenons avec notre propre corps.À travers la danse, mais aussi la philosophie, la psychologie et l'expérience des danseurs et danseuses, cet épisode interroge une sensation universelle : celle de ne pas toujours se sentir “à sa place” dans son propre corps. Trop grand. Trop petit. Trop visible. Ou au contraire, absent.Pourquoi certaines personnes semblent pleinement incarnées, quand d'autres ont l'impression d'être en décalage ?Comment la danse peut-elle devenir un espace de réconciliation ?Et que se passe-t-il, concrètement, quand on commence à habiter son corps autrement ?En écho à l'univers de Jann Gallois, ce Pas de côté propose des repères pour mieux comprendre ce que le mouvement révèle de notre identité, de notre rapport au monde, et de notre capacité à nous sentir vivants.Un épisode court, comme une respiration, pour remettre du lien là où parfois tout semble fragmenté.

Dans ce pas de côté des Sens de la Danse, Myriam Sellam revient sur trois figures majeures de la danse contemporaine africaine : Germaine Acogny, Nadia Beugré et Nora Chipaumire.Trois femmes. Trois trajectoires. Mais un même geste : ouvrir la voie.De la fondation de l'École des Sables par Germaine Acogny, à l'engagement physique et politique du corps chez Nadia Beugré, jusqu'à la radicalité et la désobéissance revendiquée par Nora Chipaumire, ce passage propose des repères essentiels pour comprendre comment la danse contemporaine africaine s'est construite — et transformée.Ces chorégraphes ont profondément déplacé la place du corps africain sur scène :un corps qui ne se contente plus d'être regardé, mais qui crée, pense et s'impose.Un éclairage précieux pour comprendre le parcours d'artistes d'aujourd'hui, comme Jolie Ngemi, et plus largement les enjeux de transmission, d'identité et de création dans la danse.

Et si la danse était une manière de rester debout ?Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Jolie Ngemi, danseuse et chorégraphe originaire de Kinshasa.Elle revient sur son parcours : ses débuts entre l'église et la rue, les interdits familiaux, sa rencontre déterminante avec Jacques BanaYanga, puis sa formation à P.A.R.T.S. à Bruxelles.Elle évoque aussi ses collaborations avec Boris Charmatz et David Zambrano, et la création de son spectacle MBOK'ELENGI.Au cœur de cet épisode : une idée forte — la joie comme résistance.Un échange sur le pouvoir de la danse, entre identité, transmission et création

Et si la danse ne servait pas seulement à s'exprimer… mais à révéler ce qui résiste ?Dans ce Pas de côté de Les Sens de la Danse, Myriam Sellam explore un endroit plus discret du mouvement : celui de la faille.À partir du parcours de Suzanne Degennaro, danseuse et chorégraphe de la scène waacking, cet épisode interroge ce moment où le geste ne suffit plus, où quelque chose échappe, résiste — et devient précisément le point de bascule.Entre exigence technique, répétition, doute et transformation, la danse apparaît ici comme un espace de recherche plus que de maîtrise.Un endroit où le corps ne corrige pas immédiatement, mais apprend à rester, à traverser, à se déplacer.Un regard sensible sur ce que la danse peut révéler, au-delà de la performance. 

Et si la danse n'était pas seulement une forme… mais une exigence ?Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, Myriam Sellam reçoit Suzanne Degennaro, artiste et chorégraphe, figure singulière du waacking en France.Formée au modern' jazz, au hip-hop et au dancehall, elle traverse plusieurs esthétiques avant de rencontrer — presque par hasard — un langage qui va profondément transformer son rapport au corps : le waacking.Née dans les clubs queer de Los Angeles dans les années 1970, cette danse est à l'origine flamboyante, rapide, théâtrale. Mais chez Suzanne, elle devient un espace d'exploration intérieure, un terrain de recherche où le geste se dépouille pour toucher à quelque chose de plus essentiel.Dans cet échange, il est question d'un corps qui cherche, qui doute, qui travaille. D'un rapport exigeant au mouvement, à la précision, à la présence. D'un moment charnière où la danse ne sert plus à montrer… mais impose d'être là, pleinement.Nous évoquons également deux œuvres qui jalonnent son parcours : LIMBO, son solo, qui explore les zones de transition et d'entre-deux, et STUCK, création de Mounia Nassangar, présentée notamment au festival Groove'N'Move.Un épisode sur la faille, sur ce qui résiste, sur ces endroits où le corps vacille — et sur la manière dont la danse peut devenir un révélateur puissant de ce que nous traversons.

Dans ce Pas de côté, on s'éloigne un instant de l'entretien pour explorer une question qui traverse l'épisode avec Sonia Duchesne :Pourquoi a-t-on appris aux femmes à immobiliser leur corps pendant la grossesse ?Longtemps, dans de nombreuses cultures, le mouvement du corps faisait partie de la préparation à la naissance. Pourtant, avec la médicalisation progressive de l'accouchement en Europe, la grossesse est devenue un moment où l'on demande souvent aux femmes de ralentir, se reposer, et parfois de ne plus bouger.Ce Pas de côté revient sur l'histoire de cette transformation du regard porté sur le corps enceinte, et sur les recherches de figures comme Bernadette de Gasquet ou Blandine Calais-Germain, qui ont remis le mouvement, la respiration et la biomécanique du bassin au cœur de l'accompagnement de la maternité.Un éclairage pour comprendre pourquoi aujourd'hui encore, des pratiques comme la danse prénatale ou le mouvement pendant la grossesse peuvent transformer la manière de vivre cette période.Si cet épisode vous inspire,

Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, je reçois Sonia Duchesne, chorégraphe, professeure de danse et créatrice de la méthode MamDanse®.Formée à la danse classique, au jazz, au contemporain et au hip-hop, Sonia Duchesne a travaillé comme danseuse et chorégraphe au théâtre, à la télévision et au cinéma. Mais un moment va transformer profondément sa relation au mouvement : la maternité.Que devient un corps de danseuse quand il porte la vie ?Peut-on continuer à bouger, respirer, danser pendant la grossesse ?À partir de cette expérience intime, Sonia Duchesne développe MamDanse®, une approche qui accompagne les femmes pendant la grossesse, l'accouchement et le post-partum. Aujourd'hui, cette méthode est transmise dans des maternités, des cabinets de sages-femmes et des centres spécialisés, et fait également l'objet d'un parcours de formation certifié Qualiopi.Pour rendre cette approche accessible à toutes, même sans expérience de la danse, elle publie aussi le livre La danse prénatale.Dans cette conversation, nous parlons :– du premier souvenir de danse– du corps qui change pendant la grossesse– des idées reçues autour du corps enceinte– du mouvement comme ressource pendant l'accouchement– du lien entre danse, souffle et féminitéEt puis il y a la scène.En 2026, Sonia Duchesne signe la chorégraphie du spectacle Voltige, présenté au Théâtre du Petit Montparnasse jusqu'au 26 avril 2026. Le spectacle retrace le destin exceptionnel de Dorine Bourneton, seule survivante d'un crash d'avion à 16 ans, devenue la première femme paraplégique pilote de voltige au monde.Un épisode sur le pouvoir du mouvement dans les moments de transformation.

Dans ce Pas de côté, Myriam Sellam propose un éclairage historique sur le waacking, une danse aujourd'hui présente dans les battles, les clips et les scènes contemporaines à travers le monde.Né dans les clubs queer afro-américains et latino de Los Angeles dans les années 1970, ce style — d'abord appelé punking — s'est développé au cœur de la culture disco et des communautés LGBTQ+ qui trouvaient dans ces espaces un lieu d'expression et de liberté.Cet épisode revient sur les origines du waacking, ses pionniers, son lien avec l'émission Soul Train, et la manière dont cette danse s'est construite entre performance, attitude et culture club.Il évoque également l'impact de l'épidémie de sida dans les années 1980, qui a profondément marqué cette génération d'artistes et failli faire disparaître cette culture.Un détour historique pour mieux comprendre l'histoire du waacking, aujourd'hui pratiqué dans le monde entier et porté par des artistes comme Mounia Nassangar, invitée de l'épisode principal.

Dans cet épisode des Sens de la Danse, Myriam Sellam reçoit Mounia Nassangar, danseuse et chorégraphe, figure majeure du waacking en France et à l'international.Formée entre les battles, les clubs et les scènes contemporaines, Mounia Nassangar a contribué à faire rayonner cette danse née dans les clubs queer afro-latinos de Los Angeles dans les années 1970.Elle a notamment collaboré avec Jean Paul Gaultier, dansé dans des clips d'Aya Nakamura ou de Travis Scott, et développé un travail artistique singulier entre performance, mode et création chorégraphique.Dans cette conversation, elle revient sur son parcours, son rapport au waacking et sur un moment de rupture dans sa trajectoire : un burn-out qui donnera naissance à la pièce S.T.U.C.K, présentée notamment au festival Groove'N'Move .Un échange autour du corps, de la pression de la réussite et de la manière dont la danse peut parfois transformer une chute en puissance.Dans cet épisode, on parle notamment :– de waacking et de culture club– de battles et de transmission– de création chorégraphique– de burn-out et de reconstruction– de la danse comme langage de résistance 

Dans ce Pas de côté de Les Sens de la Danse, je vous propose de remonter à l'une des racines du parcours de Amala Dianor : le sabar, danse et tradition rythmique majeure du Sénégal.Bien plus qu'une danse, le sabar est un espace de dialogue entre le danseur et les tambours, entre l'individu et le collectif. Une pratique vivante, sociale et festive, où l'écoute, la précision et l'énergie du cercle façonnent le mouvement.À travers cet éclairage, on comprend autrement certaines forces qui traversent le travail d'Amala Dianor aujourd'hui : la relation au rythme, le dialogue entre les cultures et cette idée de faire société par la danse, notamment dans sa pièce DUB.Je suis Myriam Sellam, journaliste et danseuse, et avec Les Sens de la Danse, j'explore le pouvoir du mouvement : ce que la danse révèle de nos corps, de nos histoires et du monde qui nous entoure.Si cet épisode vous plaît, abonnez-vous au podcast et n'hésitez pas à le partager autour de vous.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

« Mon ADN est purement hip hop. Ma structure, ma colonne vertébrale. »Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Amala Dianor, danseur et chorégraphe majeur de la scène française et internationale. Je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse, et je vous propose ici une conversation profonde, intime et politique autour du pouvoir du mouvement. Né à Dakar, arrivé en France à 7 ans, Amala grandit entre sabar sénégalais, culture hip-hop, Michael Jackson et arts martiaux. Très tôt, la danse devient pour lui un langage, un refuge, un espace de liberté.De la télévision des années 80 à l'émission de Sidney, des battles en Haute-Savoie et à Angers, jusqu'au Centre national de danse contemporaine (CNDC), il traverse les esthétiques.Hip-hop, contemporain, néo-classique. Il refuse de choisir. Il refuse de s'enfermer.« Comment rester libre dans ma danse ? »Dans cette conversation, Amala revient sur :– Son enfance au Sénégal et la puissance du sabar– Son arrivée en France et le choc culturel– Le racisme et la prise de conscience dans le monde du travail– Son passage audacieux vers la danse contemporaine– Son désir de casser les frontières esthétiques– La naissance de sa compagnie en 2012– Et la création de DUB, pièce manifeste réunissant 11 danseurs venus de communautés urbaines du monde entierAvec DUB, Amala cherche à « recréer l'utopie du vivre ensemble sur scène ». Un spectacle lumineux, puissant, profondément politique. 

Dans ce Pas de côté, on s'arrête un instant pour approfondir ce que la conversation avec Raïssa Lei a ouvert.Danseuse amazighe, elle nous a parlé de transmission, de deuil, d'identité.Mais au-delà de son parcours personnel, une question plus large apparaît :Que transmet-on quand tout vacille ? Comment le corps devient-il un lieu de mémoire ?À travers son récit, c'est toute la notion d'héritage culturel qui se dessine — non pas comme folklore figé, mais comme mouvement vivant.Ce Pas de côté propose une réflexion sur :– la mémoire incarnée– la transmission intergénérationnelle– le rôle du corps dans la construction identitaireParce que la danse n'est pas seulement un art.Elle est aussi un langage. Et parfois, un refuge.

Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Raïssa Leï, danseuse et chorégraphe qui fusionne le waacking, né dans les clubs queer afro-américains de Los Angeles, avec les danses amazighes traditionnelles du Maroc.Née à Paris, dans le 20ᵉ arrondissement, entre conservatoire, culture hip-hop et héritage nord-africain, elle crée un langage chorégraphique profondément identitaire.En 2017, elle fonde la compagnie Kif-Kif Bledi.En 2022, elle lance Timazighin, un projet dédié au matrimoine amazigh.Son travail interroge la transmission, la mémoire corporelle et la responsabilité de ne pas laisser disparaître une culture.Dans cet épisode, nous parlons :– de danse et d'identité– de waacking et de réappropriation culturelle– de matrimoine amazigh– de transmission intergénérationnelle– de mémoire inscrite dans le corpsUne conversation intime et politique sur ce que signifie continuer.

Dans ce Pas de côté du podcast Les Sens de la Danse, Myriam Sellam explore une question essentielle : le hip-hop est-il vraiment une culture réservée à la jeunesse ?Né en 1973 dans le Bronx à New York avec les block parties de DJ Kool Herc et d'Afrika Bambaataa, le hip-hop a aujourd'hui plus de cinquante ans. Des pionniers du breaking, du popping et du locking aux juges de battles contemporains, une génération entière continue d'influencer la scène internationale.À travers des repères historiques — de l'émission H.I.P H.O.P en France dans les années 1980 à l'entrée du breaking aux Jeux Olympiques de Paris 2024 — cet épisode analyse l'évolution d'une culture née dans la rue et devenue patrimoine vivant.Que devient le corps hip-hop avec l'âge ? Comment la transmission s'organise-t-elle entre générations ?Le hip-hop est-il une culture “jeune” ou une culture du renouvellement ?Un éclairage historique et culturel pour mieux comprendre l'épisode consacré à Sébastien Boucher, danseur, chorégraphe et fondateur du festival Groove'N'Move à Genève.

Ça commence par un cercle.Un cercle de danse hip-hop, au milieu d'un club de boxe.Des corps différents, des styles, des identités. Une énergie brute, instinctive.Et la sensation qu'à l'intérieur de ce cercle, quelque chose peut changer.Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, je reçois Sébastien Boucher — danseur, chorégraphe, programmateur et fondateur Groove'N'Move, festival des danses urbaines à Genève.Figure de la scène underground depuis les années 90, il a vu le hip-hop évoluer des cercles et des battles vers les scènes institutionnelles, les musées et les grandes salles de spectacle.Son parcours raconte cette traversée : de la rue aux institutions, de l'énergie brute à la programmation culturelle,du collectif spontané à la transmission organisée.Avec lui, on parle :– des premiers cercles et de la culture hip-hop– de la différence entre battle et rituel– de la place du hip-hop dans les institutions culturelles– de transmission intergénérationnelle– et de la naissance d'un festival devenu une véritable plateforme internationale : Groove'N'Move, qui célèbre en 2026 sa 16e édition et se tiendra du 4 au 15 mars à Genève.Un épisode sur le pouvoir de la danse à relier les mondes, à décloisonner les territoires et à faire vibrer une ville entière.

Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, retour sur une histoire souvent méconnue : celle de la danse auprès des corps fragilisés.Danser à l'hôpital, au chevet, auprès de personnes malades ou âgées… Cette pratique n'est pas née d'hier.Dès les années 1960–70, des artistes comme Anna Halprin remettent en question l'idée du corps idéal et ouvrent la danse à des corps réels, vulnérables, traversés par la vie.Dans les années 1990, la community dance au Royaume-Uni affirme une autre vision : la danse comme lien social, comme espace de présence et de participation, loin de la seule performance.Comment ces mouvements ont-ils transformé notre regard sur le corps dansant ?En quoi la danse peut-elle devenir un espace relationnel, sans se substituer au soin médical ?Ce Pas de côté propose des repères historiques et internationaux pour mieux comprendre comment la danse a progressivement quitté les scènes traditionnelles pour rejoindre tous les corps — quels qu'ils soient.

Dans cet épisode des Sens de la Danse, Aude Michon raconte comment la danse a progressivement quitté les scènes traditionnelles pour s'inscrire dans des lieux inattendus, notamment à l'hôpital, auprès de personnes touchées par le cancer.Danseuse et chorégraphe, fondatrice de l'association Elles Dansent, Aude Michon revient sur son parcours personnel, ses choix professionnels, les renoncements nécessaires, et la manière dont son rapport à la danse s'est transformé au fil du temps.Au cœur de cet échange d'une heure, il est question de danse à l'hôpital, de présence au chevet des patientes, mais aussi des enjeux éthiques liés à l'intervention artistique dans les contextes de soin. Comment danser avec des corps fragilisés ? Que peut — ou ne peut pas — la danse face à la maladie ? Où se situe la frontière entre art, accompagnement et soin ?Aude Michon partage également les réalités concrètes de son travail : l'adaptation aux lieux, la relation avec les équipes soignantes, la place du silence, et la nécessité de repenser la notion même de scène.

Créé en 1994 pour le Ballet de l'Opéra de Paris, Le Parc est l'une des œuvres les plus emblématiques du chorégraphe Angelin Preljocaj. Une pièce entrée au répertoire, régulièrement reprise depuis plus de trente ans, et qui sera à nouveau présentée à l'Opéra Garnier du 3 au 25 février 2026.Dans ce pas de côté, nous prenons quelques minutes pour éclairer cette œuvre majeure : son contexte de création, ses thèmes, et les raisons pour lesquelles Le Parc continue de nous parler aujourd'hui.Inspirée de l'imaginaire des jardins à la française et portée par la musique de Mozart, la pièce explore les jeux de séduction, le désir, le regard et la relation à l'autre.Loin d'un récit amoureux idéalisé, Le Parc propose une véritable cartographie du désir : un désir observé, retenu, négocié, inscrit dans les corps et dans le temps.À travers des scènes devenues iconiques — notamment celle du baiser suspendu — Le Parc interroge la confiance, le consentement et l'abandon, avec une écriture chorégraphique où la lenteur et la précision font émerger une tension rare.Pourquoi cette œuvre traverse-t-elle les époques ? Parce que notre regard sur l'amour, sur les relations et sur les corps a changé — et que Le Parc change avec nous. Un éclairage sensible et accessible, pour mieux entrer dans l'univers d'Angelin Preljocaj et dans la conversation qui suit.

Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Angelin Preljocaj pour une conversation au long cours sur la danse comme langage du vivant, du temps et de la relation à l'autre.Il revient sur son enfance, l'exil de ses parents albanais, et la manière dont ces histoires ont façonné son rapport au corps, à la rigueur et au cadre.Au fil de l'entretien, il évoque sa formation — de Karin Waehner à Merce Cunningham — et la construction d'une écriture chorégraphique exigeante et profondément structurée. Une danse où la contrainte n'enferme jamais le geste, mais crée les conditions de son surgissement. Il parle de la danse comme d'un art « très puissant », capable de dire ce que les mots ne savent pas formuler, et de relier les corps à l'espace et au temps.L'épisode explore son processus de création, la place du collectif, les collaborations artistiques, et la transmission de la danse dans des contextes variés : prisons, hôpitaux, écoles, espace public. Une conviction traverse tout l'échange : la danse est un acte de relation, profondément ancré dans le réel, et une manière d'aller vers l'autre.Angelin Preljocaj aborde également le temps long, la finitude, et son rapport à la mort à travers Requiem(s), une pièce pensée non comme une représentation de la disparition, mais comme une manière de réaffirmer le vivant.Alors que la pièce Le Parc, créée en 1994, sera reprise à l'Opéra Garnier du 3 au 25 février 2026, cet épisode propose un retour sur Angelin Preljocaj, en explorant l'origine du geste, la pensée du corps et ce que la danse permet de dire.Un épisode dense pour entrer au cœur de l'œuvre d'un chorégraphe majeur — au plus près de ce qui le met en mouvement.Si cet épisode vous inspire,

Dans cet épisode, Les Sens de la Danse fait un pas de côté vers l'une des institutions majeures du ballet mondial : l'American Ballet Theatre.Compagnie mythique basée à New York, l'American Ballet Theater incarne une vision du ballet à la fois exigeante, vivante et profondément ouverte, où les traditions classiques dialoguent avec la création contemporaine, les identités multiples et le monde d'aujourd'hui.À travers ce détour, l'épisode interroge ce que représente une grande institution chorégraphique : un lieu de transmission, de renouvellement, mais aussi de mouvements intérieurs, de choix artistiques et de chemins singuliers.Un pas de côté pour regarder la danse autrement. Pour comprendre comment une maison emblématique peut devenir un espace de respiration, d'évolution et de liberté du corps.

Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, Myriam Sellam reçoit Thibaut Eiferman, danseur et chorégraphe contemporain au parcours international, passé par certaines des institutions les plus prestigieuses du monde de la danse.Formé à l'American Ballet Theatre à New York, puis au San Francisco Conservatory of Dance, Thibaut Eiferman a construit son langage chorégraphique entre rigueur classique et recherche contemporaine. Il a dansé au sein de compagnies majeures comme Ballet BC au Canada, Ate9 à Los Angeles, avant de rejoindre Batsheva en Israël, la compagnie mythique dirigée par Ohad Naharin.Dans cette conversation au long cours, il revient avec sincérité sur son parcours non linéaire, les déplacements géographiques, les remises en question, et la manière dont la danse est devenue pour lui bien plus qu'un métier : une nécessité vitale. Il évoque sa découverte du Gaga, ce langage du mouvement fondé sur la sensation, l'écoute du corps et la vérité du geste, qu'il enseigne aujourd'hui en France et à l'international.Thibaut parle aussi de sa pièce HHH (Hand, Heart, Head), création primée à l'international, née d'un geste presque punk, interrogeant les normes du corps, la masculinité et le rapport à l'autorité. Il partage enfin sa recherche actuelle, au croisement de la danse et des arts visuels, menée dans le cadre d'une résidence à la Cité internationale des arts et à l'Académie des Beaux-Arts, autour de la gravité, de la matière et de la fragilité.Un épisode  sur le pouvoir de la danse, le corps comme lieu d'ancrage, et le mouvement comme espace de vérité.