ALBUM DE LA SEMAINE

Révolution dans le flamenco avec la Catalane Rosalia, nouvelle star internationale de la pop latine depuis son album “El Mal Querer” qui l'a propulsé sur le devant de la scène. Rosalia a sorti un premier album en 2017, le second “El Mal Querer” est paru l'année suivante. La voilà de retour, 4 ans après, avec “Motomami”, disque sorti courant Mars. Après avoir rafraîchi le flamenco, Rosalia continue d'impressionner avec son style si singulier et décomplexé. Elle s'attaque dans ce nouvel opus à la musique afro-caribéenne. On découvre un reggaeton réajusté, des sons salsa et bachata remis au goût du jour, une rythmique acérée, le tout mixé avec un r'n'b sensuel, des élans hip-hop et trap. La tornade espagnole n'hésite pas à jouer sur tous les tableaux, à se jouer des codes. Elle réinvente une musique hyper traditionnelle et la rend pop, moderne, enflammée et peut-être même un brin subversive. La voix de l'espagnole colle à tous les styles, de cantatrice, dont l'exigence vocale est considérable jusqu'au flow rap qu'elle débite à toute vitesse. Rosalia est un caméléon qui se fond dans tous les styles et les adapte à sa propre personnalité artistique. “Motomami” paraît presque simple et évident à l'écoute. Pourtant, la chanteuse a passé deux ans à l'enregistrer à Los Angeles, des mois à le mixer et, il y a eu des périodes de doute, de remise en question. Elle a trouvé ses réponses en allant chercher l'inspiration auprès de Frank Ocean et auprès des producteurs de The Neptunes, dont Pharrell Williams. Sous des airs de chanteuse superficielle aux fesses généreusement rebondies, ne vous laissez pas embarquer par des préjugés. La chanteuse aborde des sujets intimes. “Motomami” est un autoportrait de la Catalane et explore les deux facettes de sa personnalité à la fois forte et fragile. “Motomami” évoque la sexualité, le féminisme, le chagrin, l'isolement. The Weeknd et la star dominicaine Toshika partagent chacun un morceau avec Rosalia. Avec “Motomami”, Rosalia confirme son statut de star internationale et devrait programmer une tournée mondiale dans les prochains mois.

Pete Doherty, ex-chanteur des Babyshambles et de The Libertines, est Peter Doherty depuis qu'il chante en solo et qu'il s'est installé en Normandie face aux falaises d'Etretat. Un nouveau lieu de villégiature où il a trouvé l'amour et la paix avec lui-même. Après des années de défonce, à lutter contre ses démons, l'anglais est passé par une longue cure de désintox en 2019. Il semble aujourd'hui avoir retrouvé équilibre, sérénité et douceur de vie à la normande. L'anglais vient de sortir un nouvel album avec Frédéric Lo, compositeur renommé qui a travaillé pour Pony Pony Run Run, Alex Beaupain et Stephan Eicher entre autres. Pendant une année, ils ont travaillé ensemble pour sortir mi-Mars “The Fantasy Life of Poetry & Crime”. Dix ans après son premier projet solo, voilà Peter Doherty de retour avec une pop douce et enivrante. Son alliance avec le compositeur français révèle une belle synergie entre ces deux talents, l'un et l'autre se mettant en valeur. Frédéric est au service de la poésie de Peter avec des mélodies soignées et ravissantes, le chant de Peter Doherty est si juste et précis, comme il n'a jamais été, qu'il sublime les compositions de Frédéric. Ensemble, ils se sont tirés vers le haut. Peter Doherty, anxieux d'écrire pour la première fois en étant sobre, relève le défi. Ses textes sont touchants et d'une grande sensibilité. Maurice Leblanc romancier et auteur des aventures d'Arsène Lupin, les poésies de Rimbaud et Apollinaire, les polars de Dashiell Hammet et James Ellroy, la série anglaise Peaky Blinders, tant de hors la loi ont été source d'inspiration pour les textes de Peter Doherty. Ce nouvel album de l'anglais aux côtés du compositeur français Frédéric Lo est d'une beauté saisissante. Je vous conseille de ne pas passer à côté de “The Fantasy Life of Poetry & Crime”. Peter Doherty sera sur scène au Trianon de Paris le mois prochain et au festival Art Rock à St Brieuc le mois suivant.

On a quitté Metronomy en 2019. Cette année-là, le groupe sort “Metronomy Forever”, une tournée devait suivre mais elle est stoppée par la pandémie. Le groupe se retrouve à l'arrêt, chez soi, face à soi-même. Trois ans après, Metronomy est de retour avec un nouvel album “Small World”. Le groupe de Joe Mount nous ouvre les portes de son petit monde, celui dans lequel il s'est confiné lors de cette pandémie avec sa famille, et celui qu'il a retrouvé après, la musique et ses amis. Si le lockdown a été anxiogène au départ, le leader du groupe a su y trouver une routine rassurante et créer un cocon où toute la famille pouvait se sentir bien. Dans le chaos, de belles choses peuvent aussi exister. Les semaines de confinement passant, Joe Mount a réussi à se détendre. Il pu laisser venir les idées et l'inspiration. Le groupe aborde notre rapport à la solitude, l'optimisme qui naît dans une période sombre, nos désirs et nos passions qui se réinventent. Dans “Small World” on retrouve ces sentiments, ces sensations, ces émotions que nous avons tous traversés pendant ces semaines. Le groupe se confie sans filtre sur cette période d'inquiétude, de remise en question, d'introspection et de quête de l'essentiel. Ce nouvel album de Metronomy “Small World” célèbre le retour aux choses simples. Les compositions sont épurées et les textes positifs. “Small World” est un album court, seulement 35 minutes et neuf titres. Mais on aime sa pop efficace, réconfortante et très joyeuse. Production légère et chaleureuse, c'est un doux plaisir de retrouver les mélodies entêtantes et entraînantes du groupe. “Small World” est un témoignage en prise directe avec ce que nous avons tous traversé lors de ces deux dernières années. Actuellement en pleine tournée, on retrouvera les anglais et leur “Small Wordl” sur les scènes de plusieurs festivals français cet été, Musilac et les Vieilles Charrues par exemple.

La Maison Tellier est un groupe de pop folk français créé en 2014, une fausse fratrie de Tellier à la manière des Ramones. Le nom de ce groupe est un hommage à la nouvelle de Guy de Maupassant “La Maison Tellier” et qui se déroule en Normandie, région d'origine des cinq membres. La Maison Tellier a sorti début Mars son septième album “Atlas”. Il a été écrit et enregistré en 2020 pendant les mois de confinement. Après “Primitifs Modernes” un album plein de colère sorti en 2019, le groupe revient avec un disque tout en français plus doux et une écriture plus poétique mais toujours engagée. Le quintet met une nouvelle fois ses préoccupations au cœur de ses textes et évoque la nature, la solitude, les amours déçues, l'inquiétude de notre monde et puis, la lumière et l'espoir toujours là. “Atlas”, comme le dit si bien le titre, est un album ouvert sur le monde. La Maison Tellier nous offre un voyage immobile. On voyage grâce à la musique. Dès le premier titre éponyme, on découvre un album aux arrangements riches, denses et flamboyants. La présence des cuivres donne une envergure forte aux ambitions musicales du groupe. La Maison Tellier renoue avec les mélodies de ses débuts, une folk inspirée et enracinée en Amérique. Les Normands parviennent à relier une folk authentique de l'Amérique et la chanson française. Le cadeau de La Maison, un morceau caché, le treizième, il est écrit en Toki Pona, la langue du bien, une langue minimaliste et positive inventée au début des années 2000. C'est sur cette belle note d'optimisme que se referme l'album. La Maison Tellier est actuellement en tournée dans tout l'hexagone. Le groupe clôturera ce tour de France en Septembre prochain avec deux dates à La Maroquinerie à Paris.

Fishbach est auteure, compositrice, interprète et aussi actrice. Elle a joué dans la série Vernon Subutex de Canal + aux côtés de Romain Duris. En 2017, elle a sorti un premier album très bien reçu, "À ta merci” qui lui a valu d'être nommée aux Victoires de la Musique l'année suivante. Début Mars, est paru sa seconde production “Avec les yeux”, appelée ainsi parce qu'avec les yeux on ne triche pas. “Avec les yeux” un album de vérité qu'elle a écrit loin du tumulte Parisien qu'elle a quitté pour retrouver sa région natale, les Ardennes. La chanteuse voulait quitter la vacarme de la ville qui annihilait son inspiration. La jeune femme aspirait à retrouver la nature et la forêt qui l'ont vue grandir et le silence. Elle s'est installée avec un chien dans un petit village de 200 habitants, le calme plat et inspirant pour la chanteuse. La vérité de cet album, on la trouve aussi dans l'honnêteté de la musique de Fishbach qui ne cède pas aux sirènes de l'autotune très à la mode. Fishbach renoue avec une variété française des années passées. Elle met des guitares électriques parce qu'elle aime ça, quelques synthés pour un son très années 80. Elle a composé les 11 pistes assez instinctivement, par envie ou par besoin, ce qui fait toute la sincérité de ce disque. La plupart des compos et des textes sont des restes de rêves, encore frais dans sa tête au réveil.Elle les a retranscrits tels quels. Dans son premier album, la chanteuse avait écrit sur l'amour, l'attente de la rencontre, l'adolescence. Pour cette nouvelle production, la jeune femme a gagné en confiance et en maturité. Elle chante, avec sa voix grave et charismatique, sa vie de femme épanouie, qui cherche équilibre et nuance entre fragilité et douceur, colère et force. La chanteuse a démarré une longue tournée fin Mars qui l'amènera sur la scène de la mythique salle parisienne de L'Olympia à l'automne, une première pour Fishbach.

Alt-J le groupe de rock britannique originaire de Leeds est de retour avec une quatrième production “The Dream”. Ce disque arrive dix ans après leur premier album. Dans ce nouveau long format, le groupe nous embarque dans un labyrinthe musical sans grande surprise. Le trio sort assez peu de sa zone de confort, quelques incartades nous offrent quand même quelques éblouissements satisfaisants comme la ballade folk “Get better”, un petit bijou blues qui vous mettra les larmes aux yeux. Quelques sons électro viennent aussi saupoudrer le rock enveloppant d'Alt-J. La voix du chanteur Joe Newman se révèle ici beaucoup plus sombre et triste. Non, ce nouvel album de Alt-J ne sonne pas comme un rêve, “The Dream” est plutôt obscur et morose. Le groupe continue de faire passer ses messages et à raconter le monde à travers leurs personnages fictifs. Il y a aussi quelques histoires plus personnelles qui viennent se mêler à la fiction. Les anglais abordent la crypto-monnaie, la covid et l'histoire de cet homme qui a perdu sa femme à cause de la pandémie, et la vie d'un jeune comédien en quête de reconnaissance. Il est aussi question de la masculinité. Les sujets sont vastes et variés ! Même si le groupe ne nous embarque pas dans une cavalcade musicale plus enlevée, ce nouvel album fait le job même s'il reste sur ses acquis. Vous retrouverez ce que vous avez aimé jusqu'ici de Alt-J et prendrez même un peu de douceur au passage, ce qui dans le contexte actuel ne fait pas de mal. Les anglais s'offriront quelques dates cet été en France. Vous les verrez dans quelques salles de concerts jusqu'à l'automne, et aussi en extérieur dans la fièvre de quelques beaux festivals estivaux comme Musilac à Aix les Bains début Juillet.

Amber Mark est une jeune chanteuse, compositrice et productrice au parcours assez atypique. Elle est née dans le Tennessee, a grandi à la campagne, en ville, notamment à Berlin en Allemagne puis dans un monastère à Darjeeling, en Inde. Alors qu'elle n'a qu'une petite vingtaine d'année, la jeune femme perd sa mère. Amber se console avec une guitare que sa mère lui avait offerte. Elle apprend à en jouer rapidement. En 2016, elle poste son premier morceau “S P A C E” sur Soundcloud qui lui permet d'être rapidement remarquée. Elle sort son premier EP en 2017 et d'autres singles par ci par là qui lui ont attiré les plus belles critiques du monde de la musique. Elle évolue dans un style assez unique aux multiples facettes. Amber Mark distille un son qui allie hip-hop, R&B, soul et bossa nova. En Janvier dernier, elle a enfin sorti un premier long format très attendu par la critique et le public. Intitulé “Three Dimensions Deep” c'est un album qu'elle a voulu en trois dimensions. Ce disque conceptuel et introspectif est composé en trois actes. D'abord, il y a Without, sans, où il est question de son insécurité, puis il y a la partie Withheld, la retenue, où elle laisse place à la confiance en soi et enfin Within, avec, pour comprendre la place que nous occupons dans ce monde. Sur une musique au groove imparable, aux guitares électriques flamboyantes, Amber Mark chante l'amour et ses souffrances avec une énergie assez unique. Elle nourrit son R'n'B alternatif d'influences en tout genre, à la fois soul, afro, presque psychées parfois. La voix de l'américaine est elle aussi singulière. Elle possède un timbre grave plein de grâce et de sensualité. “Three Dimensions Deep” est le premier album très réussi d'Amber Mark.

Ça fait un peu plus de vingt ans que le dj et producteur Simon Green aka Bonobo a séduit la planète entière avec son electro downtempo. Le dernier opus du Britannique “Migration” est sorti il y a cinq ans maintenant. Après ça, Bonobo est parti sur les routes du monde entier pour assurer une tournée gigantesque. Harassé par ces mois de voyage et de concert, il revient chez lui en Californie où il est désormais installé. À son retour, c'est le monde et ses humeurs qui sont maussades. Il faut dire que le contexte n'est pas très enthousiasmant. La Californie est en proie à de graves incendies dévastateurs, la pandémie s'installe partout, les confinements se mettent en place, et les élections présidentielles américaines fragmentent le pays… Sans réellement perdre l'inspiration, Bonobo ne parvient pas à composer. Alors, il prend son van et part s'isoler pour se reconnecter à la nature et composer cette septième production sortie début Janvier. Il s'agit de “Fragments”. On découvre un album hypnotique aux émotions intimes et pourtant très festif. C'est une nouvelle dimension de la musique de Bonobo. Il relève le tempo de temps à autre mais il n'a pas changé sa recette initiale. L'anglais continue d'allier subtilement, et comme il sait si bien le faire, les instruments acoustiques, essentiellement des cordes, et les sons électros des machines et notamment de synthé. L'album est aussi parsemé de voix oniriques qui nous protègent du chaos extérieur. Le dj a modifié son processus créatif, ne pouvant plus tester ses morceaux dans les discothèques au contact du public. Il a dû se faire confiance. Ses randonnées inspirantes, qui l'ont souvent conduit avec ses chaussures encore boueuses en studio, ont réussi à infuser sa musique et à l'enrichir encore. On continue de reconnaître entre mille la patte Bonobo, pourtant le producteur parvient toujours à faire évoluer sa musique. L'anglais donnera deux concerts au 104, salle parisienne, en Avril prochain. Deux rendez-vous qui sonnent comme une évidence pour renouer de la plus belle des manières avec un le dancefloor cotonneux et solaire.

Les 12 nouveaux titres que je vous recommande chaleureusement vont vous envelopper dans un écrin de velours. C'est d'une douceur imparable. C'est d'un authentisme rare. L'américaine Cat Power que l'on a découverte en 1995 vient de sortir un nouvel album. Il s'agit d'un album de reprises. Les fidèles se diront sûrement “encore” ! Il s'agit en effet de son troisième album de reprise. Non pas que la chanteuse ne sache pas écrire ou composer, bien au contraire. Elle excelle même dans l'art de l'écriture. Mais elle aime aussi s'approprier les morceaux des autres et leur donner une autre dimension. L'exercice n'est pas simple, mais Cat Power a ce don de les réincarner et de se les réapproprier justement. Elle ne cherche pas à faire mieux, juste à faire avec coeur et passion. Elle remplit pleinement l'objectif dans cette nouvelle production; et ce nouveau disque c'est “Covers”. Il est renversant de beauté, de simplicité et de minimalisme. Elle y reprend Frank Ocean, Nick Cave, Lana Del Rey ou encore Billie Holliday et Iggy Pop. Souvent, on ne retrouve pas dès la première écoute le morceau original. L'américaine apporte des arrangements bien plus minimalistes. C'est d'ailleurs ce qui définit bien souvent sa propre musique. Il y a ce qu'elle fait de la musique, mais il y a aussi son interprétation et sa voix. Une voix charismatique, qui est bluesy et poétique, à la fois velouté et soyeuse et aussi puissante. Cat Power referme cet album avec le titre “I'll be seeing you” de Billie Holiday qu'elle reprend pour son ami Philippe Zdar disparu il y a deux ans et qui avait mixé son album “Sun” sorti en 2012. Si vous aimez Cat Power, vous aimerez ce nouvel album, si vous découvrez la chanteuse, vous serez certainement séduit par sa qualité d'interprétation de réinterprétation et ses arrangements. Cat Power assurera quelques dates en France pour faire vivre cet album en live. Vous pourrez la voir entre Mai et Juin dans la douceur de l'été qui commence à s'installer.

FKA Twigs est une auteure compositrice et interprète britannique. Elle a sorti son premier album “LP1” en 2014. Avant ça, elle a été danseuse. On l'a régulièrement vue en second plan de clips, notamment pour Kylie Minogue, Ed Sheeran, Jessie J ou The Shoes. En parallèle de cette passion pour la danse, la jeune femme développe sa carrière de chanteuse. En 2014, sort donc son premier album, suivi d'un second en 2019 “Magdalena” qui fait l'unanimité lors de sa publication. Depuis, Tahliah Debrett Barnett, de son vrai nom, s'est mise un peu en retrait de la scène médiatique après avoir dénoncé des faits d'abus physiques et psychologiques de la part de son compagnon de l'époque. Pendant ces presque trois années, incluant plusieurs mois de confinement, FKA Twigs n'a pourtant pas cessé d'écrire, de composer et de produire. C'est le fruit de ces mois de travail qu'elle a compilé dans une mixtape plutôt qu'un véritable album conceptuel. Intitulée “Caprisongs” évoquant le signe astrologique de la chanteuse, cette mixtape réunit sans véritable fil conducteur 17 morceaux. C'est ainsi qu'elle redonne tout son sens au terme mixtape qui est un peu galvaudé aujourd'hui. FKA Twigs y a mis toute la musique qu'elle a faite avec plaisir, sans exigence extérieure, sans volonté de remplir un cahier des charges. On y trouve des interludes, des morceaux et quelques belles collab dont la participation du Canadien The Weeknd. Musicalement, les directions prises sont variées. On passe d'une pop formatée à des influences jamaïcaines plus solaires. Pour ce qui est du fond, la Britannique nous fait part de ses démons intérieurs et des souffrances dont elle tente de se libérer. Elle a extrait des bribes de conversations qu'elle a eues à distance avec ses amis en visio lors des confinements. Souvent banales, elles étaient aussi intimes mais lui apportaient tout l'amour et le soutien dont elle avait besoin à ce moment de sa vie. “Caprisongs” c'est la nouvelle mixtape de FKA Twigs et c'est à écouter.

Miles Kane est anglais et à la mi-temps de la trentaine. Il est originaire de Liverpool. Il est chanteur, compositeur et musicien. Il a fait partie de plusieurs groupes dont “The Last Shadow Puppet” fondé avec son ami Alex Turner des Arctic Monkeys et dont le dernier album date de 2016. En parallèle de ces expériences en groupe, il a aussi lancé sa carrière en solo avec un premier album sorti en 2011. Les derniers albums et concerts de l'Anglais ont suscité beaucoup de déception pour ses fans. Musique au rock lourdingue, défoncé lors des concerts… l'artiste s'est perdu dans une vie débridée. Alors, quand on apprend la sortie d'un nouvel album du crooneur rockeur anglais qui s'intitule “Change the Show” on met un peu d'espoir dans ce qu'il a à nous proposer. Et on n'est pas déçu ! “Change the show” confirme une nouvelle direction pour l'artiste. L'anglais a quitté cette vie faite d'excès en alcool et en drogue qu'il menait à Los Angeles pour revenir en Angleterre et renouer avec ses racines. Grand bien lui en a pris. On retrouve le Miles Kane des débuts, bien plus élégant et inspiré. Ce nouvel album “Change the show” a pris une nouvelle trajectoire et transpire le rock anglais des 60's et des 70's. Ce rock singulier qui a bercé toute son enfance. Quelques influences vintage, soul et rythm'n'blues apportent une dose de singularité et d'originalité à ces 11 nouveaux titres. Miles Kane y met une touche juste et précise de cuivres et de pianos rendant cet album solaire et feel-good. C'est un petit shoot de vitamines idéal en plein hiver ! Écrit lors des différents confinements de l'année 2020, au cœur des mauvaises nouvelles, et d'une ambiance légèrement anxiogène, l'anglais confie son intimité, sa propre introspection menée pendant ces longs mois. Il est question du vieillissement et d'expérience. Miles Kane donnera quelques concerts en France le mois prochain. Vous le verrez et pourrez découvrir la version live de “Change the show” à Strasbourg, Lille, Reims et même à l'Olympia de Paris.

Le premier album des américains de The Lumineers a 10 ans cette année. Il contenait leur single le plus populaire “Ho Hey”. Depuis, ils ont vendu plus de 7 millions d'albums dans le monde entier. Le duo originaire du New Jersey a sorti en ce début d'année une quatrième production “Brightside”. La bande son idéale pour adoucir ce début d'année et une météo un peu trop grise. Cet album lumineux, comme le dit si bien le titre “Brightside”, évoque ces petits riens des plus grandes romances, l'engagement - dans ces bons et moins bons moments, nos certitudes et nos doutes, le temps qui passe et les souvenirs. “Brightside” est un album joyeux et spontané. Musicalement, le duo se réinvente sans céder aux sirènes du mainstream. Le duo garde sa singularité mais n'hésite pas à prendre un léger virage. En effet, The Lumineers quitte sa rock folk acoustique pour un style plus électrisé et plus produit. Le duo a interprété la quasi-totalité de toute l'instrumentation des 9 nouvelles chansons de cet album. On y trouve beaucoup de claviers, mais bien moins de batterie, qui se fait plus discrète. Des chœurs omniprésents soutiennent la voix du chanteur Wesley Schultz. Ces voix oniriques sont interprétées par les membres que l'on retrouvera sur la tournée, dont la célèbre choriste Cindy Mizelle (que l'on a entendue et vue aux côtés de Bruce Springsteen notamment). Les américains devaient assurer une date au Zénith de Paris ce mois de Février. La date a été reportée au mois prochain. Vous les aurez donc vu le 11 Mars. The Lumineers se doit d'être vu en concert. Sans aucune hésitation, laissez-vous tenter par Brightside le côté lumineux de la force de The Lumineers.

“La Cavale” c'est le titre du nouvel album de Nolwenn Leroy, le huitième sorti il y a quelques semaines. Ces mois de confinements et de repli sur soi ont donné envie de liberté à la chanteuse, de savourer et d'exulter chaque moment de la vie, du quotidien aussi banal soit-il. Elle y crie donc son besoin de lâcher-prise et ses désirs de cavale, de légèreté sans oublier tout son engagement. Nolwenn Leroy est marraine de la fondation L'abbé Pierre. Tous ses espoirs et ses désirs ont été mis en parole par son ami Benjamin Biolay. Quelle belle alliance, la finesse de l'écriture de Biolay et l'élégance de l'interprétation de Nolwenn Leroy. Après quelques rencontres et de longues conversations, il a capté les messages que voulait faire passer la bretonne, aussi bien intimes que sociétaux. Biolay a donc écrit un texte magnifique et émouvant pour Marin, le fils de Nolwenn Leroy : “mon beau corsaire” et aussi “Occident”, avec des paroles engagées pour l'accès au logement. La chanteuse a écrit le dernier texte de l'album : “La Cavale” pour son ami le chanteur Christophe disparu il y a bientôt deux ans. Il s'agit d'un piano voix délicat et sensible qui contrebalance avec le reste de l'album assez éclectique. La cavale de la chanteuse nous emmène aussi dans une échappée belle entre “Brésil, Finistère” qui était le single annonciateur de ce nouvel album. Dans cette nouvelle production, la bretonne n'a pas fait de choix musicaux, il n'y a pas une trajectoire unique. Elle nous embarque dans une cavale musicale et nous fait vivre autant d'émotions que les 11 titres de l'album. On passe d'une ballade romantique à des rythmes disco plus flamboyants et même une electro subtile. L'album déroutera sûrement les fans de la première heure, mais “La Cavale” de Nolwenn Leroy, c'est ça, la liberté jusqu'au bout et avant tout.

C'est en 2016 que l'on a découvert la voix grave et si singulière de l'américaine originaire d'Italie LP, Laura Pergolizzi dans la vie. C'était avec le single “Lost on you”. L'album du même nom a rencontré un très beau succès en Europe mais la chanteuse en n'était pas à premier coup d'essai. LP avait déjà bien lancé sa carrière aux US puisqu'il s'agissait déjà de sa quatrième production. Depuis 2016, LP a sorti un EP “N'oublie pas” avec Mylène Farmer. La française a écrit les paroles, l'américaine a composé le morceau. Elle a aussi sorti un autre album en 2018. Fin 2021, c'est une sixième production qui est arrivée jusqu'à nos oreilles “Churches”. On découvre une pop à la fois douce et explosive qui évolue entre sensualité et séduction. LP est reconnue pour ses qualités d'écriture. D'ailleurs, plusieurs artistes lui ont fait appel, Cher par exemple, Christina Aguilera, Rihanna et aussi les Backstreet Boys. Dans ce nouvel album, LP dévoile à la fois pleinement et subtilement ses émotions les plus profondes. Sa maîtrise géniale de l'écriture lui permet de nous offrir plusieurs niveaux de lecture. Elle a mis dans ses textes tout son amour et toute sa rage. Il est question de son corps, de l'acceptation de soi et de son identité non binaire, du coming-out, des moments sombres dans une vie et de la quête de la paix avec soi-même. Les dernières paroles de l'album sont pour son corps et donnent les clés pour comprendre le titre de l'opus : “You're my church”, lieu de réconfort et dans lequel elle peut désormais se sentir en sécurité. Musicalement, on passe de morceaux pop modernes à un style plus country. On y trouve des synthés, des guitares acoustiques. La chanteuse devait être sur scène à Pleyel ce mois de Mars en raison de la situation sanitaire, les dates ont été repoussées à Juin prochain.

C'est une toute jeune artiste que je vous propose de découvrir aujourd'hui, bien que l'on ne connaisse pas son âge, coquetterie de la chanteuse qui garde le secret. En tous cas, elle démarre dans le métier et vient de sortir son premier album. Elle s'appelle Fatima-Zahra Hafdi et vient de Longueuil près de Montréal. Elle est donc Québécoise. Sur scène, elle est La Zarra. Début Décembre 2021 est paru son premier album “Traitrise”. Depuis l'été dernier déjà, nos oreilles se sont familiarisées à sa voix singulière. C'est avec le titre “Tu t'en iras” qu'elle a commencé à nous séduire. Revenons à ce premier album qui nous ouvre les portes d'un style unique. “Traitrise” nous offre un condensé des influences musicales de la chanteuse, allant du hip-hop à la variété. La Zarra fait le grand écart entre la musique d'hier et celle d'aujourd'hui. Elle fusionne la chanson française classique à une touche pop urbaine, un brun electro, parfois plus hip-hop. C'est osé, mais c'est réussi. Son chant aussi est très classique. Sa voix dense, chaude et mélancolique et sa façon de rouler le R nous font penser à Edith Piaf. La Zarra est l'autrice de quasiment tous les textes de ce premier opus. On décèle une femme de caractère aux punchlines acerbes. Elle raconte ses histoires d'amour déçues, ses blessures et trahisons. Ce sont à la fois ses histoires et nos histoires. Elle nous emmène aussi dans notre moi intérieur pour nous mettre face à notre créativité exacerbée parfois, et face à l'inspiration disparue d'autres fois. Les 14 textes de Traîtrise sont un condensé d'émotions les plus fortes. La Zarra travaille sur ce disque depuis l'été 2019. Elle a beaucoup fait, refait et défait pour arriver au résultat final. La Zarra qui n'a pas encore donné de concert devrait monter pour la première fois sur une scène parisienne à la Mi Mars, à l'Etoile. Elle s'impatiente de partir en tournée en Europe, au Canada et aux US.

Après 20 ans d'existence, Kyo sort un nouvel album “La part du lion” qui renoue avec toute l'ADN de leurs débuts. Benoit Poher et ses copains s'étaient essayés à de nouvelles expériences musicales dans leur précédent album “Dans la peau” qui s'étaient révélées un peu hasardeuses et n'avaient pas permis au groupe de renouer fort avec ses fans. “La part du lion” fait la part belle aux influences les plus authentiques du groupe. On retrouve des inspirations venant de Muse, le rock grunge des années 90 qui sent bon Kurt Cobain et Nirvana. Cette nouvelle production dévoile un son rock plus organique. “La part du lion” est probablement l'album le plus rock du groupe. Kyo a revu ses méthodes d'écriture et de composition. Ils ont délaissé les ordinateurs et ont repris la guitare acoustique pour la composition de ces 12 nouveaux titres. “La part du lion” est conçu comme une mini-série. On découvre trois personnages : Margaux, Omar et Marlow. Ils sont les messagers et témoins de la société actuelle. Kyo avait beaucoup écrit sur l'amour, la séparation. Dans ce disque, le groupe s'attaque à d'autres sujets, plus sociétaux. Il est question de liberté mais aussi d'emprise, de violences policières, de violences faites aux femmes, des attentats du Bataclan, du petit quotidien sous nos fenêtres et dans nos appartements. Kyo a traversé deux décennies et parvient à faire évoluer ses textes. Le public, fan pendant ses années lycée, pourra se retrouver dans cette évolution, comme s'il avait grandi avec le groupe. Kyo va assurer une longue tournée jusqu'à la fin de l'année. Elle démarre dès ce mois de février et traversera toute la France si les jauges ne sont pas à nouveau réévaluées. On souhaite à Kyo de partager cet album en live. C'est sur scène que “La part du lion” prendra tout son sens.

Le dernier album du groupe de new-wave et de rock alternatif britannique Depeche Mode est sorti en 2017. Depuis le groupe s'est mis un peu en retrait. Alors, le leader de Depeche Mode, Dave Gahan, est allé rejoindre le groupe de remix Soulsavers, avec qui il avait déjà collaboré. Mi-Novembre 2021 est parue leur nouvelle collaboration avec l'album “Imposter”. Il s'agit d'un album de reprises emmené par la voix de Dave Gahan avec des textes de Neil Young, Bob Dylan, Nina Simone ou des artistes un peu moins connus comme Mark Lanegan. S'attaquer à des chansons immortalisées par des légendes, c'était audacieux. Dave Gahan relève ce défi avec un profond respect pour ces artistes. “Imposter” parle d'un homme pas toujours satisfait de ce qu'il a été, de ce qu'il a pu devenir mais qui s'attache à vivre le moment présent le plus sereinement possible. Ces textes, qui ne sont pas ceux de Dave Gahan, ont été minutieusement choisis pour dérouler sa propre vie. Par exemple, “Shut me down” évoque les proches qu'il a offensés dans son ancienne vie jalonnée par l'alcool et la drogue. “Imposter” retrace le parcours parfois chaotique de Dave Gahan. “Imposter” est un album délicat, bouleversant et authentique. Il a été enregistré il y a un peu plus de deux ans, avant la pandémie. Dave Gahan a énormément travaillé chaque chanson avant d'entrer en studio pour s'approprier les textes et trouver sa propre interprétation. Une fois acquises, elles ont été enregistrées comme une performance en seulement quelques prises. La jolie surprise de l'album, selon mes oreilles, c'est le titre “Smile” de Charlie Chaplin. Chaplin a écrit la musique pour le film “Les Temps Modernes” sorti en 1936, des paroles ont été ajoutées en 1954. Les artistes ont été nombreux à reprendre le morceau Diana Ross, Michael Jackson, Gregory Porter, jusqu'à Dave Gahan aujourd'hui. Le morceau est incroyable, donc fortement recommandé comme tout le reste de l'album !

En 2015, si vous regardiez The Voice, vous avez forcément vu Camille Lellouche puisqu'elle est allée jusqu'en demi-finale. Après cette expérience télé, elle s'est dirigée vers la comédie et a créé un one-woman-show qui l'a conduite sur toutes les scènes du pays. Elle a continué sa carrière au cinéma. Puis, elle est revenue à la télévision pour une pastille dans l'émission Quotidien. En 2020, on a redecouvert la voix de Camille Lellouche dans un duo poignant avec Grand Corps Malade “Mais je t'aime” présent sur l'album “Mesdames” du chanteur. Un texte qu'elle a écrit en seulement 40 minutes alors que ça ne se passait pas bien avec son ex.. des millions de vues sur Youtube, une victoire de la musique, la carrière de chanteuse de Camille Lellouche est lancée. Forte de ce succès, la chanteuse fait tomber la carapace et écrit son premier album “A” sorti fin 2021. Dans cette première production, l'artiste, qui s'est beaucoup cachée derrière son humour et une répartie implacable, lève le voile sur ses maux et sa vulnérabilité. Elle chante sa vie, ses échecs et ses épreuves. Elle raconte aussi les violences conjugales dont elle a été victime pendant deux ans. “A” n'est certes pas un disque joyeux mais il a été conçu tout en sincérité et authenticité. C'est par la musique que la chanteuse soigne son mal-être. “A” est enveloppé de sonorités R'n'B, soul et pop. Elle y chante et rappe avec une charge émotionnelle puissante. Pourquoi l'album s'intitule simplement “A” ? parce qu'il est question d'Amour. C'est aussi le A de l'Amitié, le A de Authentique, comme le titre du documentaire Canal + qui lui est consacré. Camille renouera avec la scène à la fin de l'année. On devrait assister à une nouvelle version de Camille Lellouche, Camille chanteuse sur scène, Camille au carré parfait, mais qui n'hésitera pas à envoyer quelques vannes de temps à autre. Elle sera à l'Olympia le 9 Novembre prochain.

Bruno Mars et Anderson .Paak forment le duo Silk Sonic. Les deux artistes travaillent ensemble depuis 2017. Anderson .Paak avait accompagné Bruno Mars sur sa tournée européenne. Leur rencontre a été comme un coup de foudre artistique. C'est en plaisantant qu'ils émettent l'idée de former un duo. Finalement, ils prennent ce projet au sérieux et se lancent. Et quelle formidable initiative ! Courant Novembre, ils ont sorti leur premier album “An Evening with Silk Sonic”. Pendant un petit peu plus de 30 minutes le duo nous offre une immersion dans la soul et la funk des années 70 au groove imparable. Silk Sonic nous avait dévoilé le titre “Leave the Door Open” il y a quelques mois. En un seul titre, ils affirmaient déjà leurs ambitions musicales et ce coup d'œil dans le rétro qui nous offre un voyage dans le temps. A peine sorti, le titre est devenu un hit. Leur travail artistique est archi-travaillé et soigné, rien n'est laissé au hasard. Dans cette première production, le duo s'offre de belles collaborations comme Bootsy Collins, a 70 ans il est un bassiste chanteur et compositeur avant-gardiste qui a eu une carrière brillante. Un autre bassiste de génie et plus contemporain compte parmi les collaborations remarquables de cet album, il s'agit de l'américain Thundercat. “An Evening with Silk Sonic” est un album chaleureux, immersif et enveloppant. Il est réussi. Le duo nous montre à quel point ils sont experts de cette décennie musicale. Ils parviennent à faire sonner les années 70 à la perfection, tout y est. On ressent leurs inspirations, leurs influences et les idoles qui les ont imprégnés. Alors si on doit mettre un bémol à ce disque de Silk Sonic c'est le manque de personnalité. On espère et attend maintenant une seconde production plus à leur image et qui marquera leur identité parce que la fusion de Bruno Mars et d'Anderson .Paak ça ne peut être que explosif. A l'évidence, en l'attendant, on ne boudera pas ce premier album “An Evening with Silk Sonic”.

Découverte d'un nouveau talent de la scène française, P R2B. Derrière ce nom de code se cache Pauline Rambeau de Baralon. Elle est auteure, compositrice, interprète et multi-instrumentiste. Elle est la nouvelle pépite de la scène française sur qui on va garder une oreille. P R2B vient de sortir son premier album “Rayons Gamma”. Je vous disais multi-instrumentiste dans sa description, mais l'artiste est aussi multi-talent, par ses multiples formations. Elle a appris la clarinette, elle est passée par les cours Florent, elle a ensuite été diplômée de la FEMIS, une prestigieuse école d'audiovisuel. Passionnée de musique, elle se concentre essentiellement sur cet art, mais parvient à y mêler tous ses talents. Pauline a sorti un premier EP “Des rêves” l'année dernière qui a été salué par la critique. Elle a aussi assuré quelques premières parties de la tournée de Clara Luciani. Dans “Rayons Gamma”, sa première production, il est question d'amour, de mouvement, des petits riens du quotidien, de révolte, d'espoir. Pauline nous emmène dans une visite de notre intérieur, de notre intime. Elle nous guide vers le lâcher-prise sur le dance-floor. Elle a commencé à l'écrire il y a deux ans. Il y a deux ans, c'était une autre vie. On ne connaissait pas encore le Covid. Et puis la crise sanitaire est venue percuter P R2B pendant sa phase de création. Elle a transformé cette période en richesse et a su en faire son allié. Musicalement, Pauline dégage une pop dense, chargée de synthé et d'instruments classiques comme la clarinette, le saxo et la trompette. C'est rythmé et dansant et puis parfois plus dépouillé et organique. Pauline a travaillé avec le producteur Tristan Salvati, collaborateur d'Angèle, Julien Doré, Louane et Clara Luciani. P R2B sera sur scène ce premier trimestre 2022 un peu partout en France, une belle occasion de découvrir ce jeune talent en live. Pauline donnera très certainement plusieurs dates dans les festivals de l'été prochain.

Béatrice Martin aka Cœur de Pirate s'est imposée sur la scène musicale française il y a maintenant 13 ans avec le titre “ Comme des enfants” devenus un énorme succès. Elle est de retour avec un sixième album “Impossible à aimer”. La sortie de ce disque a été repoussée de deux ans à cause de la pandémie d'une part, et aussi à cause d'un problème aux cordes vocales qui a tenu la chanteuse loin des micros pour se remettre d'une opération et se reposer. Après un album instrumental “Perséides” sorti au printemps dernier, pour assurer qu'elle était toujours là, et qu'elle faisait toujours de la musique, Cœur de Pirate est enfin de retour en chanson. On retrouve sa voix dans “Impossible à aimer”. Le titre de l'album fait référence à l'étiquette médiatique dont elle a souvent été affublée. Elle était régulièrement traiter de femme difficile à aimer. Ces commentaires l'ont souvent blessée et fait douter d'elle-même. Dans cette dizaine de nouveaux titres, elle se confie sur sa vie sentimentale et ses ruptures. Ce sont aussi toutes ces expériences qui l'ont amenée à rencontrer l'homme de sa vie aujourd'hui et avec qui elle s'apprête à avoir un second enfant. Bien que certaines expériences aient été déroutantes et l'ont amenées à se remettre en question, quand elle a rencontré la bonne personne il n'a pas été tout de suite évident de donner sa confiance. Pourtant l'amour s'est imposé. Elle a su trouver dans cette relation des rapports sains et de l'insouciance. Elle le raconte dans le titre “On s'aimera toujours”. Auteure des textes, Cœur de Pirate s'approprie un style plus direct. Elle laisse tomber la carapace et se dévoile intimement. Musicalement, l'album navigue entre plusieurs styles, quelques titres pianos voix sont entrecoupés de morceaux plus dansants, presque disco.

La chanson française s'offre une nouvelle recrue, sous l'œil bienveillant et l'oreille protectrice de Vianney. Elle a 26 ans et vient de sortir son premier album “Toujours des fleurs”. Elle s'appelle Janie. La Sarthoise est arrivée à Paris alors qu'elle n'avait que 19 ans. Elle chantait dans un duo féminin puis a rejoint la comédie musicale “Le rouge et le noir” mise en musique par Zazie. Janie est la contraction du prénom de son père disparu, Jany, et de son prénom, Julie. Janie s'était dévoilée en solo dès l'année dernière en nous séduisant avec son premier EP “Petite Blonde”. Dans cette première longue production, la chanteuse nous ouvre les portes de son univers rempli de douceur et de poésie. “Toujours des fleurs” est un journal intime où la jeune artiste se livre avec une sincérité pure. Les textes ont pourtant une réelle portée universelle. Elle touche à l'âme et au cœur parce que chacun peut s'y reconnaître. Il y a une sincérité et une singularité propres aux textes de Janie. Vous ne manquerez pas d'être saisi par le très beau titre “Mon idole” dont elle a écrit les paroles en hommage à son père. J'avoue avoir versé une petite larme. Le texte est simple et pourtant si puissant. La jeune chanteuse ne cache pas puiser son inspiration chez Véronique Sanson, France Gall ou encore Michel Berger. Musicalement, l'ensemble est assez dépouillé et organique. Quelques cordes et un piano soulignent avec délicatesse des mots et la voix cristalline et doucement éraillée de la chanteuse. Vianney, qui a pris Janie sous son aile, signe l'arrangement des cordes sur ce disque. Janie sera sur la scène du café de la danse à Paris en Mars prochain.

Imany a sorti son premier album il y a dix ans. Elle vient de sortir une troisième production “Voodoo Cello”. Celle qui avait pourtant annoncé vouloir arrêter la musique revient avec un chouette album de reprises de tubes incontournables de l'histoire de la pop. Plus que des reprises d'ailleurs, elle réinvente chaque morceau. Imany a choisi de ne s'entourer que de violoncelle. On ne retrouve donc que sa voix et un violoncelle, enfin… pas un violoncelle, un ensemble de huit violoncelles ! Il n'y a rien d'autre, pas le moindre artifice supplémentaire. Un joli challenge fixé par la chanteuse. Et le résultat ne manque pas de groove. Elle reprend un titre de Black, un autre de Madonna en passant par Cat Stevens et Radiohead, Donna Summer, Hozier. Ce sont 12 titres qui ont été réarrangés. Blasée par l'industrie de la musique, le business qui l'entoure, Imany a choisi de prendre en charge tout le processus de création de ce disque. Elle s'est occupée de l'enregistrement, des arrangements, et de diriger pour la première fois une formation de violoncellistes. Un projet ambitieux qu'elle relève haut la main. Elle nous offre un nouveau point d'écoute de morceaux légendaires et collectors que l'on connaît par cœur. Elle n'hésite pas à offrir de nouvelles tonalités ou à changer les tempos pour s'approprier chaque titre. D'origine Comorienne, Imany a repris le titre “Wild Word” de Cats Stevens en comorien. Aidée par sa mère, elle en change un peu le sens du propos. Dans le texte original, il est question d'une femme qui quitte son mari et qui le prend mal mais plutôt que de le reconnaitre, il lui dit “bonne chance dans ce monde de merde sans moi”. Un peu trop paternaliste à son goût, elle a, sans changer véritablement les mots, offert un nouveau sens au texte. Imany donne le rôle d'une mère au protagoniste. Elle s'adresse à sa fille et la prévient que le monde n'est pas facile, qu'elle lui souhaite bonne chance et que ses parents l'aiment. Imany offre une orchestration symphonique de grands standards qui prendront vraiment corps en live.

L'évènement rap de la rentrée 2021 après la sortie de “Donda” de Kanye West, c'est le sixième album de Drake “Certified Lover Boy”. La nouvelle production du rappeur canadien est comme celle de son comparse américain très dense et compte 21 nouveaux titres, ce qui représentent près d'une heure et demie d'écoute ! L'album a battu tous les records d'écoute le premier jour de sa sortie. Ce succès a conduit l'album à la première place des ventes tout style de musique confondu d'après le magazine Billboard. Il est resté deux semaines en tête. Drake est l'un des artistes les plus influents du rap game. Pourtant, on assiste depuis quelques albums à une certaine uniformisation de sa musique. “Certified Lover Boy” ne déroge pas à ce triste constat. L'album n'est pas très surprenant. On retrouve Drake là où on l'attend, entre rap et pop. Si ces 21 inédits sont efficaces, ils n'ont rien de très surprenants. C'est le gros reproche qui est fait à ce disque. Cette sensation de tourner en rond est aussi amenée par les textes et ces sujets qu'il abordait déjà dans son précédent album. Il évoque son fils, sa jeune paternité, son côté dragueur, sa solitude pesante et en même temps son indépendance sentimentale. Drake dépeint une certaine masculinité toxique. On a l'impression que le rappeur n'a plus rien à nous dire. Il nous sert toujours les mêmes atermoiements et manque cruellement de singularité. Le gros point fort de l'album est le carnet d'adresse de qualité de Drizzy ! Il s'est entouré de grands noms. Les artistes invités sont plus prestigieux les uns que les autres. Vous trouverez Jay-Z, Travis Scott, Young Thug, Kid Cudi, Lil Wayne, Rick Ross, et j'en passe. La pochette de l'album signée de l'artiste britannique Damien Hirst a aussi été beaucoup commentée. On y voit trois rangées de quatre femmes enceintes aux couleurs de peaux et de cheveux différents. Certains y voient une façon une allusion à la vie amoureuse débridée du rappeur. D'autres y voient une illustration du processus de création de ce disque, 9 mois pour en accoucher. Voilà ce qui peut être dit de “Certified Lover Boy” pas mauvais mais pas fantastique !

Sept ans après la parution de leur premier album, les Anglais du collectif Jungle, toujours emmené par Josh et Tom, sont de retour avec une troisième production “Loving in Stereo”. Conçu pendant ces mois de confinement, l'album regorge de ce qui nous a manqué ces derniers temps : de lâcher-prise et de liberté. La sortie du premier single “Keep Moving” au printemps dernier donnait déjà le ton festif de l'album. Faites de la place dans le salon, vous allez enclencher la bande-son parfaite pour danser et faire la fête. Jungle y concentre tous les meilleurs ingrédients pour une belle explosion d'énergie : des cordes, des cuivres, des basses envoûtantes et des chœurs haut perchés ensorcelants. “Loving in stereo” est plus spontané, mais surtout solaire et groovy. Le temps qui s'est étiré par les multiples confinements a donné à Jungle toute la liberté de faire la musique qu'ils avaient envie de faire, sans contrainte, sans pression. Leurs quatorze nouveaux titres se laissent influencer par des airs de soul 70's, de disco et de funk. C'est à la fois lascif, langoureux, sensuel. Les adjectifs ne manquent pas pour décrire cet album - osons le dire - le meilleur des trois. “Loving in stereo” enchaîne des titres raffinés qui ne se ressemblent pas. Des mélodies accrocheuses jalonnent tout l'album et nous invitent constamment à rejoindre le dancefloor. On ne peut pas ne pas se balancer, taper du pied. “Loving in stereo” s'écoute par les oreilles et se vit dans le corps. Jungle balance des airs de fête pour nous parler d'amour, d'espoir et de positivisme. Après les mois que l'on vient d'éprouver, cette ode à la vie et à la fête ne peut que nous faire du bien. Les Anglais de Jungle seront au Zénith de Paris le 27 Janvier prochain. On a hâte qu'ils réchauffent notre hiver avec leur bande-son solaire et intemporelle.

En 2012, on découvrait Jake Bugg, le Britannique avait tout juste 18 ans. Acclamé par les critiques, on lui promettait un avenir brillant et on lui endossait déjà le rôle de jeune prodige de la scène folk rock anglaise. Le chanteur et guitariste fête les 10 ans de sa carrière musicale avec un cinquième album “Saturday Night, Sunday Morning”. Depuis sa troisième production, le public s'est un peu désengagé de la relation qu'il partageait avec Jake Bugg. Les ventes ont inexorablement chuté et ont conduit Jake Bugg à quitter sa maison de disques Virgin EMI. Désormais signé chez Sony, l'anglais prend un nouvelle direction musicale avec “Saturday Night, Sunday Morning” en s'orientant vers une pop rock accrocheuse et bien plus mainstream. Forcément, ce choix ne met pas toutes les critiques d'accord. Ça tombe bien parce que, finalement, il en faut pour tous les goûts ! Et lui, Jake Bugg, a pris un plaisir fou à faire ce disque. Il dégage de cette dizaine de titres une énergie incontestable. Loin de la folk de ses débuts, Jake Bugg s'offre quelques envolées funk et disco sur ce nouvel album. Et puis parfois, Jake Bugg nous fait la surprise de s'adoucir pour des pianos/voix minimalistes mais efficaces. “Saturday Night, Sunday Morning” nous fait revivre les hauts et les bas de nos week-ends, de l'euphorie à la dégringolade. Dans un monde où tout va bien, Jake Bugg sera sur la scène de la Cigale à Paris le Vendredi 15 avril 2022. De quoi concentrer en quelques heures les affres et les joies d'un week-end le temps d'un concert.

Au début des années 2010, l'actrice Cécile Cassel s'est fait connaître en tant que chanteuse sous le pseudo Hollysiz. Elle dévoilait un premier single “Come back to me” festif et ultra addictif. Son premier album sortait en 2013 et un second cinq ans plus tard. Début Mai, Hollysiz annonce son retour sur la scène musicale avec un troisième projet en dévoilant le single “Thank you all I'm fine”. La reine du dance floor a rallumé la piste de danse avec une pop toujours aussi rythmée et entêtante. Le clip qui l'accompagne est fabuleux. Hollysiz danse sur les toits de Paris avec à la fois légèreté et confiance. Ce morceau prône l'optimisme. On peut se relever de tout, les lendemains seront toujours meilleurs. Fin Août, la chanteuse blonde platine a enfin sorti son mini album “Thank you all I'm fine” de cinq titres dont un en français, une première pour Hollysiz. Elle dévoile une pop toujours aussi acidulée, fraîche, dansante et légère, idéale pour une rentrée vitaminée. L'essentiel de ces 5 titres est le propos et l'engagement féministe de la chanteuse. Hollysiz déconstruit les stéréotypes féminins et toutes les injonctions auxquelles nous devons faire face quotidiennement. C'est une ode à l'insoumission et à la rébellion. Elle ne manque pas d'évoquer les violences faites aux femmes. Un EP plutôt qu'un LP ? C'est concis, intense et ramassé, mais un choix assumé par Hollysiz qui a voulu concentrer son travail. C'est court peut-être mais elle assure vouloir revenir plus souvent. Et ça, ce n'est pas pour nous déplaire.

Juillet dernier est sorti un album dont je ne vous ai pas encore parlé ! C'est un album idéal pour repartir en vacances, pour retrouver le soleil qui vous dore doucement la peau, l'été indien c'est avec Twin Shadow, il s'agit du cinquième opus de l'américain Twin Shadow. Le chanteur musicien qui officie depuis le début des années 2010, nous déroule une dizaine de titres groovy et résolument rétro où se mêle reggae, funk et rock. Il nous baigne dans une pop soft marquée par les années 80. Cet album éponyme révèle rapidement son ambiance feel-good. Les arrangements sont lumineux. La basse est enveloppante. C'est à la fois solaire et doucement festif. L'ex de Zoe Kravitz (fille de Lenny) a enregistré cet opus sur ses terres natales en République Dominicaine. Ce retour aux racines a eu le pouvoir d'apaiser George Lewis, le vrai nom de Twin Shadow. Pour écrire et composer, il a eu besoin de prendre de la distance avec les US, ce grand pays qui vit dans l'agitation, souvent tourmenté par les médias, les élections, l'ancien président Trump. George Lewis avait simplement besoin de calme. En retournant à la maison, à ses origines, le chanteur est parvenu à se délester de ses angoisses personnelles dans ses textes. Cet album éponyme de Twin Shadow se révèle être un doux antidépresseur à la morosité ambiante.

Être "fils de" n'est pas une mince affaire, tant on doit sentir un poids, une pression sur les épaules. Alors quand en plus on décide de faire le même métier que son père et que celui s'appelle Paul Hewson, autrement dit Bono, on a le monde entier de la musique qui nous attend et veut nous entendre. Elijah Hewson est à la tête du groupe Inhaler qui vient de sortir son premier album. Forcément, notre curiosité nous presse d'aller écouter ce disque intitulé “It Won't always be like this”. Le quatuor s'est formé en 2012 pendant les années lycées. Ils ont mis presque dix ans pour se forger une identité, un style propre. Ces dernières années plusieurs singles sont parus. La filiation de Elijah a permis au groupe de tourner dans le monde entier avant même d'avoir sorti un album. Inhaler s'est offert une première partie d'un concert de Noel Gallagher. L'album aurait dû sortir l'année dernière. La crise sanitaire a tout repoussé. Depuis quelques semaines on peut enfin entendre “It won't always be like this”. Cette première production concentre tout le travail et l'énergie déployés ces dernières années par le groupe pour se démarquer. Les Irlandais de Inhaler dévoilent une pop rock efficace, un brin mélancolique. Elijah Hewson est au chant, sa voix ressemble souvent à celle de son père, c'est parfois même déroutant. Le groupe possède un son authentique mais quand même bien imprégné des influences familiales. Malgré tout, on se laisse embarquer par des mélodies accrocheuses. Dans le propos, on est moins convaincu par les textes mièvres qui relatent des amours d'ado. Ce premier coup d'essai de Inhaler offre quand même de belles surprises. Inhaler a tout pour réussir et s'imposer sur la scène musicale. On souhaite à Elijah au moins la même réussite que son père !

Courant Juin, la nouvelle étoile montante de la chanson française, référence aussi à son pseudo ("hoshi" signifie étoile en japonais) Hoshi a sorti une réédition de son second album “Sommeil Levant”. Cette réédition a donné un nouveau nom à l'album désormais intitulé “Étoile Flippante”. Et il faut dire que c'est presque une nouveauté ce disque puisque près de la moitié des titres sont inédits, 13 morceaux sont tout neuf. En quelques semaines seulement, l'album a été certifié disque d'or. La chanteuse de 24 ans dévoile des textes puissants et libérateurs. Elle les a tous signés. Après un album sorti en période de confinement et sans tournée pour le défendre, Hoshi partage ses émotions ressentis ces derniers mois. Ça va du repli sur soi aux propos misogynes à son égard. Elle développe malgré tout beaucoup d'optimisme dans ses textes. Il est question d'amour, d'amour universel, de tolérance, de pardon et de résilience. Hoshi s'offre de belles collaborations avec Corine, la reine du disco, Five, jeune talent rap et le confirmé et adoré Benjamin Biolay. “Pleurs de fumoir” le duo qu'ils partagent se révèle être un beau succès. Et au milieu de ces collaborations, il y également ce duo marquant avec Babouchka, de qui s'agit-il ? Et bien de sa grand-mère. “Mieux avant” est un duo merveilleux où elles abordent les différences et les écarts entre générations. “Étoile Flippante” est un album marqué, engagé, et très poétique où la guitare prend un peu plus de place encore.

Voici l'un des jeunes espoirs féminins de la musique, elle s'appelle Carla de Coignac et a 22 ans. Signée il y a seulement quelques mois chez Polydor, elle a sorti son premier EP éponyme fin Juin, un album devrait voir le jour d'ici la fin de l'année. Carla de Coignac est une artiste complète auteure, compositrice et interprète. Retour en 2017, Carla participe à La Nouvelle Star saison 13 mais échoue le soir de la demi-finale. Ce soir-là, alors que Benjamin Biolay lui dit qu'elle est une véritable artiste, sa carrière démarre. Repérée par Louane, elle assure quelques premières parties de sa tournée. C'est sur l'une des dates, qu'elle propose à la chanteuse des textes qu'elle a écrits. Louane en choisit 2. Finalement, sur l'album “Joie de vivre” ce sont 5 textes de Carla de Coignac que l'on retrouve. L'écriture est une véritable psychanalyse pour la jeune artiste qui aime cet exercice depuis l'enfance. Elle a partagé l'amour des mots avec son père. Lycéenne, elle glissait des poèmes dans les casiers pour les faire circuler. Après cette belle expérience avec Louane, la jeune femme lance sa carrière solo. Dans son premier EP sorti il y a quelques semaines, on découvre 5 titres à la plume délicate, faussement simples, mais tellement évidents. Avec sa voix pure, parfois cassée, elle raconte sa vie, ses ressenties, son vécu. Cet EP est une plongée dans l'intimité de la chanteuse. C'est un voile qui se lève sur une jeune femme qui a toutes les qualités pour aller loin. Musicalement, c'est pop, frais et coloré. Sa pop résonne sur des airs de soul et de reggae. En attendant, le premier album de Carla de Coignac, on vous recommande ce premier EP sincère et plein d'espoir.

Taylor Swift vient de sortir un nouvel album. En moins d'un an il s'agit de son troisième opus. Cet album c'est “Fearless”. Si vous connaissez bien l'artiste, vous devez être surpris qu'elle lui donne le même titre que sa deuxième production sortie en 2008 alors qu'elle n'avait que 19 ans. C'est le disque qui a fait basculer sa carrière et l'a propulsée sur la scène internationale. Il y a une subtilité, la mention derrière ce titre (Taylor's version). Kézako ? Ce nouvel album est bien note pour note, tempo pour tempo identique à celui de 2008, une version ré-enregistrée en tout point équivalent. Seule la voix de la chanteuse qui a mûri apporte un subtil changement. Pourquoi l'américaine propose ce réenregistrement alors ? Au départ, il s'agit d'un problème financier et de propriété. En 2019, l'acquisition du label, avec qui elle travaillait, par un entrepreneur américain la dépossède de tous ses droits sur ses six premiers albums. Elle n'est plus la propriétaire de ses masters ni des enregistrements originaux. En gros, les titres ne lui appartiennent plus. Pire encore, c'est le label qui touchait les droits, donc les rentrées financières, de chaque diffusion ou de chaque stream de ces six premiers albums. Taylor Swift ne s'est pas laissée faire. Elle a entamé un long bras de fer avec le label, un bras de fer qu'elle a médiatisé. Elle s'est bagarrée de toutes ses forces pour retrouver ses droits sur sa propre musique. En vain. Elle a donc décidé de réenregistrer ses six premiers albums. “Fearless” (Taylor's version) n'est que le premier de tous les réenregistrements. En réenregistrant ses albums, elle espère que ses fans écouteront ces nouvelles versions. Ainsi les “Taylor's Version” remontront plus facilement et les anciennes versions se verront perdues dans les tréfonds d'internet. Le coup semble bien joué puisqu'en quelques jours l'album a battu des records et a pris la tête des charts américains et britanniques.

Marion Brunetto est à la tête du projet musical Requin Chagrin depuis 2014. Elle a déjà sorti deux albums : “Requin Chagrin” en 2016 puis “Sémaphore” en 2019. Elle est de retour depuis quelques semaines avec une troisième production “Bye bye baby”. Marion Brunetto est une multi-instrumentiste, elle joue chaque instrument de ses albums, synthé, guitare, basse… Avant de se faire connaître, elle a d'abord publié ses premiers morceaux et des reprises sur la toile. C'est là qu'elle est repérée par le label La Souterraine qui lui offre ensuite la possibilité de sortir son premier album. En Décembre 2016, le groupe de Marion Brunetto monte sur la scène des Transmusicales de Rennes où un certain Nicola Sirkis vient les voir. Sous le charme, Requin Chagrin sera le premier groupe qu'il signera sous son label KMS qui voit le jour en 2017. Marion ne cache d'ailleurs pas son admiration pour le pilier d'Indochine et toute l'influence qu'il a sur sa propre musique. C'est donc le deuxième album de Requin Chagrin qui sort sous le label de Nicola Sirkis. “Bye bye baby” c'est un album du premier confinement. Les dix textes qui le composent ont été écrits sur le rebord de la fenêtre de l'appartement parisien de Marion. Un contexte peu ordinaire, qui l'a poussée à regarder dehors, à surveiller les étoiles, à s'évader vers de nouveaux cosmos. Elle a aussi pris le temps de l'introspection et d'observer les autres. La pochette de l'album, une illustration sublime de Guy Billout, est une invitation à s'arrêter pour regarder, admirer, contempler jusqu'à la lune et aux étoiles. C'est une pause dans un nouveau départ, une nouvelle aventure. À ses textes mélancoliques et nostalgiques, Requin Chagrin déploie une musique plus affinée. Les synthés et les guitares gagnent en maturité. Requin Chagrin nous embarque avec une dream pop ajustée de quelques réverb rock, de sonorités 60's et 80's. On quitte la surf music qui a jalonné les deux premiers albums de Requin Chagrin pour un style plus vaporeux et lumineux, mais aussi paradoxalement assez mélancolique. Pour accompagner la sortie de cette nouvelle production, Requin Chagrin sera sur la scène de La Maroquinerie à Paris en Octobre prochain si tout va bien.

Les youtubeurs s'offrent aussi un peu de l'ancien monde ! Squeezie a été le premier youtubeur français à sortir un album il y a quelques mois. C'est autour de Lola Dubini aujourd'hui, la youtubeuse que l'on a découverte dans l'émission “un incroyable talent” de sortir son premier album. “Je te le dis” est dispo depuis quelques semaines. Depuis sa participation à l'émission en 2015, la chanteuse a développé sa chaîne youtube, a participé à la comédie musicale “Ado”, a monté son spectacle “C'est pas que d'la musique”. A 27 ans, Lola Dubini collectionne plus de 500 000 abonnés sur YouTube et réalise enfin son plus grand rêve avec la sortie de ce premier disque. On y découvre 14 titres d'une pop folk joyeuse et lumineuse. C'est de la chanson française qui n'a pas à rougir. C'est léger et rempli de fraîcheur. C'est à l'image de la pétillante Lola. Elle a écrit les textes. On en découvre un peu plus sur la jeune femme. Elle se dévoile comme elle le l'avait encore jamais fait jusqu'ici. Elle évoque sans détours ses histoires sans lendemain. Elle raconte avec beaucoup de tendresse sa relation pas toujours facile avec son père. Elle dévoile aussi son histoire la plus intime, la plus blessante ; le harcèlement scolaire dont elle a été victime. Lola Dubini pose des mots sur les complexes nés dans les mots et les regards des autres, ce qu'elle a dû entendre et supporter. Elle écrit ce qu'elle a vécu jusqu'ici, 27 ans de sa vie. Des hauts, des bas, mais en 2021, on peut le dire, beaucoup de réussite et d'accomplissement. Lola Dubini s'offre de belles collaborations pour ce premier album. A ses côtés, on retrouve Joyce Jonathan avec qui elle partage un titre engagé et féministe. Il y a aussi Boulevard des airs et Patrick Fiori ainsi que l'américain Matt Simons. “Je te le dis”, c'est le premier album de Lola Dubini.

Il y a 10 ans, Lana Del Rey faisait sensation avec son titre “Video Games” extrait de son premier album. Sa carrière explose, et le succès est au rendez-vous immédiatement. En 2019, Lana Del Rey sort “Norman Fuckin Rockwell”, son sixième opus considéré comme l'un des chefs-d'œuvre de sa carrière. Le jour de la parution de cet album, elle annonce aussi être déjà en train de travailler sur un prochain projet. Ce disque qui aurait dû paraître l'année dernière, vient enfin de voir le jour. Il s'agit de “Chemtrails over the country club”. Dans cette nouvelle production l'américaine évoque la célébrité et les dégâts que cela peut engendrer dans des textes subtiles et poétiques. Elle déclare aussi tout son amour à l'Amérique, son pays et tout ce qu'elle déteste de cette grande nation. Lana Del Rey est une autrice et compositrice hors-pair. Elle réalise une nouvelle fois un travail musical minutieux qui valorise tout son talent. Le glamour enveloppe les onze nouveaux titres très organiques de ce disque aux harmonies d'une rare élégance. La musique dépouillée de Lana Del Rey laisse une immense place à la voix, sa voix torride, chaleureuse et enveloppante. Musicalement, l'américaine explore des sonorités folk qu'on avait peu entendues jusqu'ici dans son répertoire. Des percussions douces et légères soulignent l'esthétique minimaliste de sa musique. Si la chanteuse explore une folk langoureuse, il n'empêche que l'on se laisse quand même surprendre par de jolies ballades aux accents country et quelques cuivres jazzy. L'album se conclut par une sublime reprise du titre “For free” de Joni Mitchell, un bijou de délicatesse. Si vous aimez collectionner, les albums, les disques, les vinyles plutôt que les playlists de stream, Lana Del Rey propose une version vinyle collector de “Chemtrails over the country club”. Le vinyle est rouge, il est sublime. Lana Del Rey promet un autre album pour la fin de l'année. Il s'agirait d'un recueil de poèmes personnels.

Le groupe de rock psyché fondé à Biarritz en 2010 par l'inconditionnel binôme Sacha Got et Marlon Magnée, La Femme, est de retour avec un troisième album “Paradigmes”. Souvenez vous, ce sont les Transmusicales de Rennes qui ont révélé le groupe il y a 10 ans. Ce soir de Décembre 2011, le public se pressait pour s'agglutiner dans un petit bar du quartier Sainte Anne pour découvrir le groupe dont tout le monde parlait. Ils ont tout de suite conquis et séduit leur auditoire, s'ensuit un premier album, puis un second, chacun sacré disque d'or. La Femme reçoit une Victoire de la musique en 2014, celle de la révélation de l'année. En 2016, ils assurent quelques premières parties de la tournée européenne des Red Hot. En seulement deux albums, le groupe s'impose comme le nouveau pilier de la scène rock psyché française. C'est aussi grâce à La Femme que l'on a découvert Clara Luciani. Elle a chanté sur leur premier album avant de lancer sa carrière solo. Clara Luciani retrouve ses copains pour ce nouveau projet. Elle pose sa voix sur le titre “Paradigme” aux côtés d'Alma Jodorowsky et Ariane Gaudeaux. La Femme s'est mis en pause cinq ans. Les deux leaders ont mené chacun leur projet, l'un en Espagne, l'autre aux États-Unis, et puis il a été temps de se retrouver, de se remettre au travail. Cinq ans après “Mystère”, le groupe dévoile enfin sa nouvelle production “Paradigmes”. On découvre 15 titres d'un rock planant ou se mêlent cuivres, notes électros et quelques élans lyriques. Le rock de la Femme est toujours imprégné de quelques effervescences rocks des années 60/70. Le groupe nous embarque dans un monde fantastique et féérique. On est emmené par la voix d'une créature à la fois vampirique et enchanteresse. Les textes nous racontent le monde incertain dans lequel on vit. Ils sont carrément ancrés dans notre époque, alors que les textes ont été écrits bien avant la pandémie mondiale. A l'image du titre “ Foutre le bordel”, La Femme est prêt à faire bouillonner les salles de concert dès la réouverture.

Trois ans après son premier album “Cure”, Eddy De Pretto est devenu l'un des chanteurs les plus emblématiques de sa génération. Ce premier coup d'essai a reçu un joli succès, 300 000 ventes et quatre nominations aux Victoires de la Musique. L'aventure a démarré tout de suite très fort pour De Pretto. Le cristolien (originaire de Créteil) vient de sortir un nouveau disque “À tous les bâtards”. Il contient 16 titres dans lesquels De Pretto se livre toujours autant. Il aborde l'homosexualité, la masculinité, la drogue, les différences et sa relation avec sa mère. Des sujets qui étaient déjà centraux dans l'album “Cure” mais qu'il revisite sous un nouvel angle. En 3 ans, le chemin de l'acceptation de soi parcouru par l'artiste est immense. On peut le dire, De Pretto s'assume totalement depuis la parution de son premier album, alors forcément évoquer ces sujets aujourd'hui prend un nouveau sens, et ouvre de nouvelles perspectives. “À tous les bâtards” est un disque aux textes inclusifs et fédérateurs. Ils invitent chacun et sa différence à se rassembler et à créer une nouvelle unité. Ses textes coups de poings et son franc-parler sont contrebalancés par des mélodies entraînantes, douces et légères. Mais derrière ces mélodies exaltantes, Eddy De Pretto ne cache pas son envie de bousculer, de questionner, de sensibiliser, de lever des a priori et de faire accepter les différences de chacun. Vous découvrirez dans cet album des morceaux soul, des rythmes hip-hop, une pop lumineuse et surtout un son plus organique et authentique. Ce disque on l'aime et on l'a aimé dès la sortie du premier single “Bateaux-Mouches” Eddy De Pretto y raconte sa propre histoire. Le texte décrit toutes ces années qu'il a passées sur les scènes des Bateaux Mouches à chanter des reprises devant des touristes. Une expérience qui lui a donné le goût de la scène et qui l'a mis au contact du public. Le public que De Pretto espère retrouver à la fin de l'année.

Depuis plus de 20 ans on suit les aventures musicales de la famille Followill. Trois frères et un cousin sont à la tête du groupe Kings of Leon. Le nom du groupe provient du père et du grand-père appelés tous les deux Leon. Le groupe originaire de Nashville dans le Tennessee a explosé en 2008 avec la sortie de leur quatrième album “Only be the night” qui contenait le titre désormais incontournable “Sex on fire”. Le groupe vient de sortir un nouvel album “When you see yourself”. Il s'agit de leur huitième opus, certainement pas le plus débordant d'énergie. “When you see yourself” est un disque bien plus charmant et captivant, Kings of Leon s'y montre plus joyeux aussi. La famille Followill décoche quand même quelques bons riffs de guitares, il y a une basse généreuse et des instruments surprises comme un orgue qui s'invitent tout au long de cette nouvelle production. Dans le texte il est question de changement climatiques, du vieillissement, d'introspection, il y a aussi quelques lettres d'amour qui parsèment les 11 titres de “When you see yourself”. La nouveauté qui accompagne la sortie de ce disque c'est sa disponibilité sous le format NFT. C'est un moyen cryptographique de vendre de la musique ou même de l'art en ligne. Trois types de jetons cryphto sont disponibles : un album spécial, des accès VIP aux concerts avec taxi, place au premier rang inclus et de l'art audiovisuel exclusif. Ce contenu est disponible via la plateforme YellowHeart. Le but est de mieux rémunérer les artistes, ça s'assimile clairement à un acte militant pour plus d'équité. Le groupe prévoit des concerts en livestream puis une grande tournée internationale à partir de 2022.

L'été 2020 a été marqué par la sortie de l'album “Women in Music Pt III” le troisième album de Haim. On avait aimé la légèreté dans laquelle baignait la musique des trois sœurs californiennes et les influences nombreuses qui s'étalaient dans l'opus. C'est vrai, on passait de ballades rock 70's, à des hits electro-pop et puis quelques douceurs plus folk. On a aimé l'audace musicale des trois frangines qui venait contrecarrer des propos intimes bien plus lourds. On a aimé la simplicité avec laquelle elles racontent le pire, leur intimité, leurs souffrances, leurs doutes, leurs frustrations. Chacune à partager une expérience personnelle pouvant être traumatisante. Il était question de disparition, des difficultés à vivre avec une maladie, de dépression, de sexisme. Pour tout ça l'album des frangines de Haim était l'un des albums qu'on a le plus aimé l'année dernière. Et si je vous en reparle aujourd'hui c'est parce qu'une édition Deluxe de “Women in music Pt. III” est disponible et à l'intérieur on trouve une collaboration avec Taylor Swift. Danielle, Este et Alana avaient collaboré avec la reine de la folk sur son dernier album. L'invitation a été renvoyée, on retrouve donc Taylor Swift sur le titre “Gasoline” et cette nouvelle version est un petit bijou. Haim revisite aussi le titre “3 am” avec le chanteur Thundercat. Cette version upgradée de l'album nous offre également trois nouvelles chansons qui au départ n'étaient pas sur l'album mais que le public connaissait déjà, parce que interprétées régulièrement sur scène. Pour une bonne nouvelle, on en a aussi une mauvaise… Hélas ! Les dates que les frangines avaient calées dans les festivals français cet été sont reportées sans plus d'info aujourd'hui. Mais à l'évidence, il faut s'attendre à voir les frangines dans l'hexagone à l'été 2022. Et ça sera immanquable !

Le groupe franco-britannique François and the Atlas Mountains vient de sortir son septième album “Banane Bleue”. Depuis 10 ans, François Marry, le leader et chanteur du groupe est maqué avec le label Domino Records. D'ailleurs, il est le seul français signé sur ce label anglais. Fránçois and the Atlas Mountains nous embarque avec sa pop baladeuse au tempo ralenti. C'est un retour aux sources, à l'indie pop des débuts. “Banane Bleue” a été enregistré un peu partout en Europe, de Berlin à Athène en passant par Paris, Helsinki et Londres et aussi à Nogent sur Marne dans un lieu qui accueille à la fois un Ephad et une résidence d'artiste. Toute cette odyssée a été possible parce que c'était en 2019, une période où le connaissait pas encore LA COVID !! L'enregistrement s'est achevé en Décembre 2019. Pendant le confinement du printemps 2020, l'album a été mixé. Ce titre “Banane Bleue” assez énigmatique fait référence à la banane bleue qui symbolise en géographie l'hyper densité urbaine européenne de Londres à Milan. Selon François Marry, cette vue de l'Europe témoigne d'un écrin de douceur, de romantisme, d'inspiration pour les artistes, c'est un zone propice à la création et aux artistes. Le chanteur s'est délesté de ses musiciens Atlas Mountains pour nous offrir une musique plus aérée, moins chargée. Il a beaucoup travaillé avec le finlandais Jaako Eino Kalevi. C'est cette collaboration qui rend la musique de Fránçois and the Atlas Mountains si minimaliste et contemplative. Dans les dix textes, il est question d'errances, de voyages, de fugues. C'est une belle fuite en avant, prometteuse pour ces nouvelles semaines printanières.

“Palais d'Argile” c'est le troisième album de Feu! Chatterton. Le quintet parisien fait sensation sur la scène rock depuis le début des années 2010. Feu! Chatterton glisse dans cette nouvelle production une pointe d'electro dans son rock, un twist qui galvanise un peu plus leur style si singulier. Pour ajuster ce cap electro, le groupe a demandé à Arnaud Rebotini d'assurer la réalisation et la production. Arnaud est un musicien et compositeur de musique electro. Il est l'un des fondateurs du groupe Blake Strobe. Il y a 3 ans, il a reçu le César de la Meilleure Musique Originale pour le film “120 battements par minute”. Cette rencontre entre le rock et l'electro sonne comme une rencontre entre du vintage et du moderne. Chaque style trouve sa place et l'ensemble forme une belle harmonie. Arnaud Rebotini apporte ses synthés et ses machines en réponse aux guitares de Feu! Chatterton. “Palais d'Argile” gagne en vigueur, c'est rythmé, parfois même dansant. Cette énergie permet de ne pas plomber l'ambiance, parce que les textes sublimes sont plus sombres. Si la musique prend une nouvelle orientation, Feu! Chatterton reste fidèle à ses textes toujours si poétiques. Arthur Teboul et sa bande nous embarquent dans un nouveau monde, pas idéal, les textes sont empreints de nostalgie et de l'angoisse ambiante. Ils rapportent les conséquences des réseaux sociaux sur nos vies. L'album est aussi politique et dénonce l'homme providentiel chahuté par les révoltes populaires. “Palais d'Argile” a été enregistré dans les studios ICP de Bruxelles, l'un des studios les plus prisés au monde et qui a vu passer Johnny Hallyday, Indochine, Bashung, Christophe et bien d'autres. Une expérience qui a préparé et galvanisé le groupe à faire tourner ces 13 nouveaux morceaux sur scène. Un objectif en ligne de mire pour Feu! qui ne veut pas tomber dans l'apathie. Le groupe sera là quand les salles rouvriront et nous on sera dans la salle !

Django Django est un groupe de pop rock électro britannique qui officie depuis bientôt une dizaine d'années. Ils ont sorti il y a quelques semaines “Glowing in the Dark”. Un disque qui a l'humble ambition de ramener un peu de joie et de positif dans nos vies. En ces temps maussades, ça ne se refuse pas ! Cette nouvelle production s'est pourtant terminée avant l'arrivée de la pandémie mondiale. Ce n'est donc pas la Covid 19 qui a été à l'origine de l'inspiration des textes de cet album. C'est l'ambiance délétère causée par les différentes oppositions face aux Brexit, auquel le groupe s'est farouchement opposé, qui les a inspirés. Avec “Glowing in the dark” Django Django veut dire que des jours meilleurs sont possibles et qu'ils vont arriver. En attendant ces jours meilleurs, on a le droit de s'échapper, de rêver notamment grâce à l'art et la musique. C'est de tout cet optimisme et ce positivisme qu'est imprégné le nouvel album de Django Django. Le quatuor continue de proposer de nouvelles expérimentations musicales. Django Django revient avec un album audacieux et excentrique associant à merveille son pop et synthétique. L'album est aussi teinté de quelques sonorités plus orientales. Le groupe a invité Charlotte Gainsbourg, avec qui ils partagent le même label. On retrouve la frenchie sur “Waking up”. Avec un titre comme “Glowing in the dark” qui signifie brillant dans le noir, comme une lumière au bout du tunnel, on peut s'autoriser de rêver et de voir bientôt, peut-être, sûrement le groupe sur scène. Il y a dans ces 13 nouveaux morceaux suffisamment d'énergie pour emballer une salle de concert pleine à craquer !

“Hi” c'est le titre du nouvel album de Texas, le dixième du groupe qui fête aussi ses 30 ans. La chanteuse, auteure compositrice et musicienne Sharleen Spiteri est toujours à la tête du groupe écossais. Elle a écrit son premier succès “i don't want a lover” à l'âge de 17 ans. En 30 ans de carrière, Texas a sorti beaucoup de titres et en a aussi mis pas mal de côté. C'est dans ces “mis de côté”, ces archives qu'est né “Hi”. À l'origine, “Hi” devait être un best of et puis en fouillant dans ce qu'ils avaient écrit et composé il y a quelques années en arrière, Sharleen Spiteri et Johnny McElhone, le bassiste et auteur compositeur de Texas, sont retombés sur des morceaux écartés, des titres qui auraient dû apparaître sur l'album “White on blonde” sorti en 1997. Ils ont eu l'envie de les reprendre, de les réenregistrer, de les réinvestir. Ce qui donne par exemple “Mr Haze” sur lequel ils ont ajouté un sample de Donna Summer. Toutes ces réécoutes les ont nourris et inspirés pour écrire un nouvel album et “Hi” est arrivé. Dans “Hi” il y aussi “Hi”, le titre que Texas partage avec leur rappeur du Wu-Tang Clan. Quand l'album a été prêt en Février 2019, pile pour les 30 ans du groupe, et qu'il devait sortir, Sharleen Spiteri perd sa mère, une semaine après c'est le confinement. Le groupe décide de prendre le temps, c'est pour tout ça qu'il n'a vu le jour que fin Mai de cette année, au moment où la vie a pu reprendre. “Hi” est un album à la pop rock toujours aussi lumineuse. Ambiance groovy et élégante sont au programme de cette nouvelle production. Ce n'est pas surprenant, mais c'est Texas comme on aime. Et surtout on prend toujours autant de plaisir à retrouver la voix chaleureuse et emblématique de Texas, celle de Sharleen Spiteri. Texas devait être en tournée à l'automne, finalement les dates ont été repoussées à 2022.

Olivia Merilahti, chanteuse et musicienne franco-finlandaise est la moitié de The Dø, le duo qu'elle forme avec Dan Levy. Elle prend quelques libertés en solo, une simple parenthèse et quelle bonne idée ! Elle vient de sortir son premier album sous le pseudo Prudence. Il s'agit de "Beginnings". Elle a pris ce pseudo pour se plonger dans un autre monde, proche de la science-fiction. Un stratagème pour sortir de son quotidien. Prudence est le nom qu'elle donne à l'héroïne futuriste qu'elle endosse. L'artiste travaille sur ce projet depuis plusieurs mois. Il y a un an, elle annonçait ses intentions avec deux premiers titres, l'un en anglais et l'autre en français “Offenses”. Ecrire en français n'a pas été une démarche si évidente pour l'autrice de ses textes, même si elle en a envie depuis longtemps. Elle y travaille de plus en plus. D'ailleurs la part des textes dans la langue de Molière est vouée à être plus large. Mais, pour Prudence, le français est plus difficile à faire sonner que l'anglais. La langue de Shakespeare lui permet de mettre plus de distance avec les mots. C'est aussi la pudeur qui la retient d'écrire dans sa langue maternelle. Pour écrire, Prudence s'inspire des histoires des autres, de ce qui fait notre monde d'aujourd'hui. Il est question d'amour, de liberté, de féminisme, d'émancipation. Elle s'octroie un aparté dans le titre “City on fire” qui évoque les attentats de Novembre 2015. Ce soir-là, elle était sur scène à l'Olympia avec The Dø. Musicalement, Prudence s'éloigne de ce qu'elle fait avec The Dø. Elle navigue entre synth pop magnétique et musique electro. Ses inspirations américaines de R'n'b se font aussi sentir. Parmi les artistes qui ont assuré avec elle la production de cet album, on retrouve Xavier de Justice. Prudence devrait assurer quelques festivals cet été et donner une dizaine de dates dans toute la France à partir de la rentrée. “Beginnings”, le premier projet solo de Olivia Merilahti aka Prudence prendra alors tout son sens.

C'est le nouvel EP d'une ancienne révélation RIFFX qui a accroché mes oreilles. Il s'agit du duo Lillois haut en couleur Dimanche. Noémie Alazard et Ulysse Thevenon ont gagné nos cœurs et nos oreilles en 2019. Depuis ils ont fait un bout de chemin avec leur pop estivale, malicieuse et lumineuse et s'intègre parfaitement à la nouvelle scène musicale française. D'abord, ils ont dû traverser 2020, ce qui n'était pas une mince affaire alors qu'ils venaient de se lancer. Durant cette année de confinement, ils ont su ne pas se faire oublier. Ils se sont même rendu quasi indispensable. Ils ont abreuvé leur public de reprises de titres connus, de tubes, de chansons de Disney en leur apportant une touche pop ASMR étonnante. Ils ont aussi alimenté généreusement leur chaîne Youtube pendant toute cette période. Ils se sont connectés avec leur public en devenant des jukeboxes vivants et reprenant les titres demandés par leurs spectateurs. Une manière de créer un lien fort avec leurs auditeurs. Dimanche vient de sortir un nouvel EP rafraîchissant “Grenadine”. Le duo solaire et coloré distille une chill pop urbaine sentimentale. Noémie est au chant et n'hésite pas à user et abuser de l'auto-tune. Dimanche c'est une pop dans l'air du temps, qui va gagner nos cœurs par sa simplicité et son efficacité. “Grenadine” c'est 4 titres que l'on connaissait déjà et avec lesquels le duo nous avait déjà convaincus, c'est aussi 4 inédits, tour à tour planants, dansants et mélancoliques. Dans les textes, il est question d'amour et de solitude Dimanche navigue entre espoir d'enfant et craintes de l'adulte. Dimanche écrit avec le cœur et une immense sincérité. On aime leur approche festive et colorée qui ambiancera tout en douceur nos débuts de soirée autour d'une piscine, ou sur les plages ces prochains soir d'été. Dimanche, le duo sur qui on va garder une oreille. Sans hésitation, on vous recommande ce second EP “Grenadine” ! Des glaçons et tchin, c'est l'été !

Trois chanteuses de la scène française, trois amies se sont retrouvées pour sortir ensemble un album. Amel Bent, Camélia Jordana et Vitaa propose “Sorore”, sœur en latin. C'est parce qu'elles ont un lien fort, parce qu'elles défendent une certaine idée du féminisme aussi qu'elles ont choisi de nommer ainsi ce disque. Dans ce projet musicale, les trois femmes reprennent leurs propres succès. Le projet est né par hasard, alors qu'elles partagent la même maison de disques, elles se croisent régulièrement. Un jour, elles ont repris par hasard “Où je vais” d'Amel Bent, et l'idée est née d'en faire un album. La chanson qui ouvre ce disque est le seul morceau qui n'appartient à aucune des trois chanteuses. Il s'agit d'une reprise du titre “Marine” de Diam's. Cette chanson date de 2006, c'est une lettre à Marine Le Pen. A quelques mois de la présidentielle, les 3 femmes voulaient en proposer une nouvelle version, la remettre au goût du jour pour donner envie à la nouvelle génération d'aller voter comme ça a été le cas pour Amel Bent quand elle l'a entendue l'année de sa sortie en 2006. On est 4 ans après le scrutin qui a mené Jean Marie Le Pen au second tour des élections présidentielles. Diam's veut avec ce titre mobilisé les citoyens pour aller voter à la prochaine élection et éviter une nouvelle débâcle. Le reste de l'album n'est pas aussi engagé. Ce sont des reprises des plus grands succès des trois chanteuses. A l'unisson, elles remettent un coup de frais sur leurs morceaux. De “Soeur” de Vitaa à “Moi, c'est” de Camélia Jordana ou encore “Ne retiens pas tes larmes” d'Amel Bent, vous avez ici un bel aperçu des reprises de ce disque. Elles apportent beaucoup de douceur et de rondeur à leur morceaux. C'est doux et délicat, très suave. On n'est pas sans penser au duo des Brigitte quand on entend cet album. Parmis les 10 titres de “Sorore” on découvre trois interludes acapella où chacune des voix trouve sa place sans l'emporter sur une autre. C'est d'un équilibre juste. “Sorore” c'est un joli coup de coeur qui nous ramène en arrière sur des titres qui ont marqué quelques une de nos jeunes années !

C'est parce que ça commençait mal que Jerôme Fragnet se lançait véritablement dans la musique. Un accident le cloue au lit avec une vertèbre cassée. Assigné à son lit, il s'investit pleinement dans sa passion, la musique. C'est comme ça que naît Broken Back. Depuis deux albums sont sortis, et un troisième vient de voir le jour. Le Malouin Broken Back nous offre “Oh My”. Il s'agit d'un album de dix titres conçu pendant le tout premier confinement. Cette dizaine de morceaux nous fait la promesse de la vie, de la joie, de la positivité et de jours meilleurs. “Oh my” est un disque qui nous incite à changer notre façon de regarder le quotidien. Ce quotidien, on l'a tous expérimenté et éprouvé chacun à sa façon, comme on a pu pendant ces longues semaines de confinement au printemps 2020. Avec “Oh my” Broken Back va chercher l'extra dans l'ordinaire. Le musicien capture nos émotions les plus invisibles dans notre quotidien. Il s'agit de ces petits plaisirs qui nous collent un sourire sans même que nous nous en rendions compte. Il est question de voyage, du bonheur de retrouver sa maison, de la rencontre de l'amour, de la découverte d'un lieu. Broken Back a mis la liberté, le bonheur et le positivisme au cœur de ce disque. Des jours meilleurs viendront, en attendant il nous enjoint à considérer les plaisirs de la vie, des plus minuscules aux plus petits là où ils sont chaque jour que nous vivons. Musicalement, Broken continue de faire évoluer sa musique et partage dans cet album ses envies d'évasion et de soleil. On découvre un mélange élégant d'électro et d'airs traditionnels. Quelques airs caribéens apportent une touche solaire délicieuse et enivrante à cet album. Les percussions sont enveloppantes et dansantes. Cette nouvelle production de Broken Back va faire du bien à notre été, c'est déjà un bout de l'extra dans l'ordinaire. Et pour ça on a plein de gratitude pour Broken Back.

On a découvert le Belge Antoine Delie dans la saison 9 de The Voice en France. Il a terminé finaliste de cette saison. Il avait également participé à la version belge du télé-crochet dans la team de Chimène Badi. Il vient de sortir son premier album “Peter Pan”. A l'image du personnage de James Matthew Barrie, Antoine Delie a gardé toute son âme d'enfant. Et c'est ce qu'il retranscrit dans cette production de 14 titres. Il nous embarque dans un monde imaginaire, un pays enchanté, là où chacun trouve sa part de rêve et un bout de sa propre histoire. C'est lors d'un voyage en Bolivie qu'il rencontre des gens qui n'ont presque rien mais qui sont heureux, plus heureux que lui-même. Antoine Delie prend alors conscience qu'il doit vivre de ses envies et de ses rêves et assumer ses différences et devenir un être singulier et authentique. En rentrant de son voyage, il commence par s'inscrire au conservatoire. C'est une nouvelle naissance pour lui, à 21 ans il devient lui-même. Il ouvre d'ailleurs cet album avec cette confidence dans le titre “Peter Pan”. Dans l'album, il est aussi question de harcèlement scolaire dont il a été victime plus jeune. On découvre des textes très intimes sur des morceaux dansants et hauts en couleur. Musicalement, ça groove, c'est enchanté et enchantant, rythmé et efficace. On découvre une pop acidulée. La voix haut perchée d'Antoine Delie n'est pas sans nous rappeler celle de son idole Mika. Antoine Delie s'est formé au solfège, à la percu, il joue aussi du piano. Des acquis qui lui offrent de beaux atouts artistiques. Pour un premier coup d'essai, le jeune artiste s'offre de belles collaborations. On retrouve à ses côtés Marc Lavoine, son coach dans the Voice, Chimène Badi, Ycare, Slimane et Alice on the roof. “Peter Pan”, c'est le premier album d'Antoine Delie.

Aujourd'hui, je vous présente Yarol Poupaud. Il est multi-instrumentiste mais principalement guitariste. Il a beaucoup travaillé pour les autres. Il a notamment été le guitariste de Niagara, de Johnny Hallyday, le batteur d'Adrienne Pauly ou encore bassiste pour d'autres. Il a aussi produit pas mal d'albums et de musiques de films. Yarol Poupaud vient de sortir son second album en son nom “Hot like dynamite”. Ce disque a été conçu sur les routes de sa première tournée en solo. Il a ensuite été enregistré dans le mythique studio parisien Motorbass de feu Philippe Zdar. Les mélodies sont nées spontanément mais avec une envie particulière et le choix assumé de ne pas suivre de stéréotype. Yarol a travaillé avec Victor Mechanik qui l'accompagnait lors de cette tournée. Au gré de leur pérégrinations, ils ont posé leurs instruments dans une grange aménagée en studio. Ils ont commencé à composer en prenant donc le partie de déconstruire l'écriture systématique et les schémas mélodiques classiques. Ce sont des sessions de bœuf avec les musiciens de la tournée qui ont donné naissance aux premiers titres, puis à l'album. Pendant les trois années d'élaboration de cette nouvelle production, Yarol a poussé le son, le rock, la funk et le groove pour un résultat éclatant. “Hot like dynamite” est fougueux, efficace, endiablé. Poupaud déploie un rock viril, à l'énergie débordante et un peu énervée. Le chanteur guitariste nous surprend là où on ne l'attend pas. Sans crier gare, l'auto-tune s'invite dans ses compos et même quelques sonorités plus electro. Yarol Poupaud prend un malin plaisir à mélanger les styles et nous fait voyager entre rock et funk et des sonorités moins attendues. La surprise de cet album se sont aussi les quelques titres en français qui jalonnent le disque. Sur ces morceaux il a travaillé avec le chanteur et auteur Lescop. Ce nouvel album court mais efficace de Poupaud a tous les atouts pour être l'hymne de votre prochain road trip estival, musique à fond, fenêtres baissées, bol d'air assuré ! Avec le retour des concerts, Yarol Poupaud nous promet aussi des lives enivrés et enivrants.

Je vous présente aujourd'hui Vénus VNR, un duo français formé par Laurène, et Félix, ex-Thérapie Taxi. Ils ont produit leur premier EP en 2018 après avoir été repérés par le label Etic System, qui héberge entre autres Stupeflip. Juste ça, ça en dit long sur l'ADN du duo. Cette première mini production les a conduit en première partie de Naive New Beaters et Cadillac. En 2019, ils ont occupé une scène des Transmusicales de Rennes puis ont enchaîné sur une série de programmation dans des festivals l'été suivant. Depuis quelques semaines, on peut écouter leur second EP “Idéal turfu”. On découvre un style sans complaisance, des émotions brutes, des textes directs, un franc parler qui pourrait écorcher les oreilles les plus fragiles, un vrai ton libre et libérateur. Le duo se livre plus intimement dans ces 6 nouveaux morceaux. Il est question de doute et de certitude, de langueur et de l'envie d'avancer. Dans cette période incertaine que l'on traverse depuis plus d'un an maintenant, on est tous en proie au doute. C'est en cela que chacun peut se retrouver dans les textes de Vénus VNR. Le duo s'amuse de ceux qui s'enferment sur un chemin tout tracé plutôt que de réaliser leurs propres envies, leurs rêves. Le musique de Vénus VNR est puissante et énervée, presque hystérique mais toujours maîtrisée. Leur compositions débridées les mènent à un style singulier. Venus VNR c'est une pop à l'esprit punk qui crache rage et violence. Le duo est toujours sur le fil, au bord de l'explosion. La voix douce et chantante de Laurène vient contrebalancer les mélodies. De toute évidence, dans un turfu idéal, la scène pop française comptera avec Vénus VNR. Allez écouter “Idéal turfu” le nouvel EP de Vénus VNR.

Je vous propose de vous laisser parcourir par un frisson délicat avec le premier album de Mustafa, Mustafa Ahmed, qui se faisait aussi appeler “Mustafa, The poet” il y a quelques années. Il est de Toronto au Canada et est issu d'une famille soudanaise. Il a grandi dans le quartier pauvre de Regent Park où les gangs faisaient et font encore la loi. Tout jeune, il écrivait des poèmes. Dès ses 12 ans, il est reconnu pour ses qualités d'écriture. Mustafa a aussi réalisé un court-métrage où il raconte toute la violence qui gangrène les communautés de sa ville. Il a aujourd'hui 24 ans. Mustafa s'est fait remarquer il y a un peu plus d'un an outre-atlantique par l'intensité des textes qu'il pose sur une folk qui allie subtilement rap et r'n'b et des chœurs traditionnels soudanais. Ses premiers morceaux, il les a publiés instinctivement sur sa chaîne Youtube en Mars 2020. C'est le début d'une belle aventure artistique pour le jeune homme. Il a depuis collaboré avec Drake et FKA. Il a été la voix d'une pub pour Valentino et a aussi écrit des textes pour Usher et Camila Cabello. Remarqué par James Blake, ils ont partagé un duo ensemble. A l'automne 2020, Mustafa a sorti un nouveau morceau qui annonçait son premier album. Il est sorti au printemps dernier et s'intitule “When Smoke rises”. Ce premier opus bouleversant est un hommage à son ami Smoke Dawg abattu à l'âge de 21 ans lors d'une fusillade. Cet album, c'est aussi un hommage à la vie de son quartier. Le songwriter y affronte le chagrin, la perte, la survie et le manque de liberté. On découvre un album dans la douceur, une musique délicate, une voix singulière et une production acoustique habile. Guitare et piano suspendent le temps. Mustafa exprime des sentiments intimes. Toute l'esthétique de sa folk apporte une puissance considérable à l'ensemble. Vous serez très vite séduit par la chaleur et la douceur de la voix de Mustafa. “When smoke rises” c'est le premier album de Mustafa, et c'est déjà un coup de coeur.