Capitán Pada y sus Monitos

Vives en un edificio lujoso. Quizá el que más de toda la ciudad. Compartes tu espacio con tu guapa esposa y con la mujer que toda tu vida ha sido tu madre. A tu lado tienes amigos que por fin comprenden a lo que te dedicas. Y después de tanto tiempo, eres aceptado por la sociedad. El único problema de todo esto, es que tu nombre es Peter Parker, y los momentos felices, suelen quebrarse muy pronto.

En este nuevo episodio, revisamos uno de los más recientes títulos de Marvel: Strange Academy. El mundo de la magia tiene nuevos alumnos, personajes con los cuales te vas a encariñar de inmediato. Sus profesores son héroes clásicos de este universo que van desde el Dr. Strange hasta la Scarlet Witch. Co-creados por Skottie Young y Humberto Ramos, conoce la siguiente gran apuesta para una nueva generación.

Invincible llegó en formato de serie animada, basándose en la historieta de Image Comics creada por el escritor Robert Kirkman. Esto nos permite platicar en esta entrega de Capitán Pada y sus monitos sobre la primera temporada, del cómic, de este creador y de una que otra curiosidad que se nos presente en el camino relacionada con estos temas.

Con el estreno de la serie "Jupiter´s Legacy" comienzan las adaptaciones del trabajo de Mark Millar en Netflix después de que la plataforma adquiriera el "Millarworld". ¿Es un buen inicio? ¿Cumple con las expectativas? Vamos a revisarlo de la mano con la historia en cómic de esta saga.

Este es el podcast de la reseña de Héctor Padilla de La Liga de la Justicia de Zack Snyder. El Capitán Pada, y sus monitos, da su opinión sobre el famoso corte del director y para no dejar la costumbre, revisa los nuevos Easter Eggs que aparecen en esta versión.

Desde que los Transformers nacieron, en sus cómics conocieron a El Hombre Araña. A lo largo de su historia, se han encontrado con los Ghostbusters, los personajes de Star Trek y hasta la franquicia de The X-Files. Sí, los crossovers son algo común para el universo de Cybertron. En esta ocasión, revisaremos tres encuentros recientes: con Terminator, My Little Pony y Back to the Future.

Pixel + Dinamita son la siguiente generación de superhéroes. Son producto del encierro. En más de un sentido. Son un cortometraje que a su vez vienen de una novela gráfica y del mundo de los cómics. Son de la imaginación de Fernando Llanos, artista y creador audiovisual quien en su momento, también fue un superhéroe. A la ecuación le agregamos a Paco Huidobro, el cerebro detrás de Fobia, quien forma parte de la música del cortometraje. Y Jessica Herreman, quien también se encargo de darle sonido a las imágenes. Prepárense para conocer este trabajo.

Dos temporadas, tres miniseries y algunas historias cortas conforman el mundo de The Umbrella Academy. En este episodio, Capitán Pada le da una amplia revisada al universo creado por Gerard Way.

Dos temporadas, tres miniseries y algunas historias cortas conforman el mundo de The Umbrella Academy. En este episodio, Capitán Pada le da una amplia revisada al universo creado por Gerard Way.

Parece que fue ayer cuando en México tuvimos un nuevo boom del cómic de licencia. Es decir, la adaptación, traducción y/o edición de historietas originales, sobre todo provenientes de Estados Unidos. Tengo muchas ganas de que la serie mejore. Me gusta mucho más que la de Nosferatu eso sí. Y es que no quiero que estos proyectos fracasen, porque creo firmemente que el mundo merece mucho más material de Joe Hill en nuestras pantallas. Por lo pronto, a esperar esos nuevos cómics de Locke & Key, porque esos sí que no saben fallar.

Parece que fue ayer cuando en México tuvimos un nuevo boom del cómic de licencia. Es decir, la adaptación, traducción y/o edición de historietas originales, sobre todo provenientes de Estados Unidos. Tengo muchas ganas de que la serie mejore. Me gusta mucho más que la de Nosferatu eso sí. Y es que no quiero que estos proyectos fracasen, porque creo firmemente que el mundo merece mucho más material de Joe Hill en nuestras pantallas. Por lo pronto, a esperar esos nuevos cómics de Locke & Key, porque esos sí que no saben fallar.

Twitter @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Películas basadas en superhéroes como “Logan” y “Thor: Ragnarok” demostraron que este tipo de producciones pueden adoptar las fórmulas y conceptos de los géneros literarios y cinematográficos. Hoy en día cuando se anuncia un nuevo proyecto de esta área, nos preguntamos si su perfil estará más inclinado a la comedia, al terror o al drama. “Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de una Harley Quinn)” buscó ser la respuesta a “Deadpool”... pero no lo consiguió. Intentó incoporar una narrativa tipo “Pulp Fiction” al contar la totalidad de la trama extrayendo los pasajes que la conforman y acomodándolos una línea de tiempo no lineal...pero no lo consiguió. Otras películas de los personajes de DC Comics siguen siendo recordadas a la distancia por no ofrecer lo que muchos esperaban, tal es el caso de “Batman v Superman” y “Justice League”. Para no pocos, de catalogarlas como “malas” no los vas a sacar. Para otros, como yo, en un día nublado, podré decir “no, pues la verdad sí están malas”, pero en uno en el cual dormí mis ocho horas, podré decir “yo sí las disfruto”. “Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de una Harley Quinn)” no es mala... pero no será memorable. Por ahí de junio de 2020 nos habremos olvidado completamente de su existencia. Y no sé cuál sea peor castigo: recordarla aunque sea por “mala” o no recordarla del todo. Dentro de las cosas rescatables que tiene “Suicide Squad”-les digo: hoy sí dormí mis ocho horas-fue la elección y posterior interpretación de Margot Robbie como Harley Quinn. ¿Suficiente para llevar por sí sola una película? Pues se supone que sí. Sin embargo en ésta entrega, a veces se nota sobreactuada y poco contenida. Sí. El personaje lo exige, pero hasta el caos puede tener un orden. Afortunadamente y para bien de la cinta, se rodea de personajes que sopesan tanta mueca y estridencia. Y no, no estoy hablando de Ewan McGregor cuyo personaje transita entre el quiero ser un tipo Joker pero sin la pintura pero también un mafioso pero no nada más quedarme al nivel del traje elegante. No, las aportaciones de “Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de una Harley Quinn)” recaen en los personajes femeninos. Y voy de menos a más: The Huntress, con una buena interpretación de Mary Elizabeth Winstead. Si el personaje flaquea, no es su culpa. Es culpa de querer debutar a éste personaje de una vez, por lo que su arco es tan flojo, que nunca termina por interesarnos. Bien pudo haber lucido mejor en una segunda entrega. Cassandra Cain, en manos de la actriz Ella Jay Basco, a veces pone un pie en el lado de los clichés del personaje cómico pero que resulta ser importantísimo, y a veces se planta bien en una interpretación más cuidadita. Rosie Pérez como Renee Montoya es la mejor sorpresa que me lleve. Entendieron que no se trataba de un Comisionado Gordon pero en mujer en su papel de personaje de apoyo del protagonista, y podría haber sido mi favorita de no ser por el empeño y fuerza que le dio Jurnee Smollett-Bell al interpretar a Black Canary. Para acabar pronto, supongamos que a la Warner le sobra lana para darse unos cuantos lujitos y hacer un spin-off del spin-off. Bueno, pues la que mejor podría sostener su propia película, seria ésta Black Canary. “Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de una Harley Quinn)” se estrenó en enero de 2020. Y yo ya quiero un reboot. No me malinterpreten: que dejen a las actrices de ésta entrega, pero que consideremos ésta película como un ensayo de algo que pudo salir mejor. Vamos a ver si Margot y su Harley pueden cocerse mejor bajo la dirección de James Gunn en la siguiente “The Suicide Squad” y que nos alcance el tiempo, la vida, las ganas y el presupuesto para hacer una segunda y mejor película de Birds of Prey y Harley Quinn Recuerda escuchar esta reseña en formato podcast para conocer los easter eggs, referencias y homenajes de ésta película.

Twitter @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Películas basadas en superhéroes como “Logan” y “Thor: Ragnarok” demostraron que este tipo de producciones pueden adoptar las fórmulas y conceptos de los géneros literarios y cinematográficos. Hoy en día cuando se anuncia un nuevo proyecto de esta área, nos preguntamos si su perfil estará más inclinado a la comedia, al terror o al drama. “Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de una Harley Quinn)” buscó ser la respuesta a “Deadpool”... pero no lo consiguió. Intentó incoporar una narrativa tipo “Pulp Fiction” al contar la totalidad de la trama extrayendo los pasajes que la conforman y acomodándolos una línea de tiempo no lineal...pero no lo consiguió. Otras películas de los personajes de DC Comics siguen siendo recordadas a la distancia por no ofrecer lo que muchos esperaban, tal es el caso de “Batman v Superman” y “Justice League”. Para no pocos, de catalogarlas como “malas” no los vas a sacar. Para otros, como yo, en un día nublado, podré decir “no, pues la verdad sí están malas”, pero en uno en el cual dormí mis ocho horas, podré decir “yo sí las disfruto”. “Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de una Harley Quinn)” no es mala... pero no será memorable. Por ahí de junio de 2020 nos habremos olvidado completamente de su existencia. Y no sé cuál sea peor castigo: recordarla aunque sea por “mala” o no recordarla del todo. Dentro de las cosas rescatables que tiene “Suicide Squad”-les digo: hoy sí dormí mis ocho horas-fue la elección y posterior interpretación de Margot Robbie como Harley Quinn. ¿Suficiente para llevar por sí sola una película? Pues se supone que sí. Sin embargo en ésta entrega, a veces se nota sobreactuada y poco contenida. Sí. El personaje lo exige, pero hasta el caos puede tener un orden. Afortunadamente y para bien de la cinta, se rodea de personajes que sopesan tanta mueca y estridencia. Y no, no estoy hablando de Ewan McGregor cuyo personaje transita entre el quiero ser un tipo Joker pero sin la pintura pero también un mafioso pero no nada más quedarme al nivel del traje elegante. No, las aportaciones de “Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de una Harley Quinn)” recaen en los personajes femeninos. Y voy de menos a más: The Huntress, con una buena interpretación de Mary Elizabeth Winstead. Si el personaje flaquea, no es su culpa. Es culpa de querer debutar a éste personaje de una vez, por lo que su arco es tan flojo, que nunca termina por interesarnos. Bien pudo haber lucido mejor en una segunda entrega. Cassandra Cain, en manos de la actriz Ella Jay Basco, a veces pone un pie en el lado de los clichés del personaje cómico pero que resulta ser importantísimo, y a veces se planta bien en una interpretación más cuidadita. Rosie Pérez como Renee Montoya es la mejor sorpresa que me lleve. Entendieron que no se trataba de un Comisionado Gordon pero en mujer en su papel de personaje de apoyo del protagonista, y podría haber sido mi favorita de no ser por el empeño y fuerza que le dio Jurnee Smollett-Bell al interpretar a Black Canary. Para acabar pronto, supongamos que a la Warner le sobra lana para darse unos cuantos lujitos y hacer un spin-off del spin-off. Bueno, pues la que mejor podría sostener su propia película, seria ésta Black Canary. “Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de una Harley Quinn)” se estrenó en enero de 2020. Y yo ya quiero un reboot. No me malinterpreten: que dejen a las actrices de ésta entrega, pero que consideremos ésta película como un ensayo de algo que pudo salir mejor. Vamos a ver si Margot y su Harley pueden cocerse mejor bajo la dirección de James Gunn en la siguiente “The Suicide Squad” y que nos alcance el tiempo, la vida, las ganas y el presupuesto para hacer una segunda y mejor película de Birds of Prey y Harley Quinn Recuerda escuchar esta reseña en formato podcast para conocer los easter eggs, referencias y homenajes de ésta película.

Twitter @eseauto Instagram elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Para resolver y darle fin en 1996 a la mal querida saga del clon, de los cómics de Spider-man, se decidió revivir al enemigo más mortal del superhéroe: Norman Osborn, el original Duende Verde. No sólo regrearon al personaje, sino que también revelaron que el había sido el responsable de varios eventos negativos que habían afectado la vida del superhéroe en los últimos años. Fue como aventarle una pelota al perro para que mirara en otra dirección y se olvidara del intento de suplantar a Peter Parker como el Hombre Araña, diciéndole “Hey, pero mira, aquí está el Green Goblin”. Para curar la mala salud en la cual se encontraba “Star Wars” después de “The Last Jedi”, nos arrojaron una pelota de apellido Palpatine, que, de entrada, cumplió con su objetivo: llamar la atención. Fue una inteligente decisión que no se detuvieran a explicarnos el cómo y cuándo fue que revivió el temible Emperador, sino que simplemente pasó y sigamos con la historia. Y es que eso tiene “El Ascenso de Skywalker”, que nunca se detiene, que te agarra desde un inicio y te lleva por una gran aventura. Qué si no eso debería ser una película de La Guerra de las Galaxias. No te da un respiro, y por lo mismo, ni siquiera te da espacio a preguntarte el porqué el color del sable de Leia que vimos en flashback no corresponde al que vemos en el tiempo presente, o porqué ahora si Luke le tiene respeto al arma principal de un Jedi cuando en la cinta anterior aventó el suyo por encima de su hombro. Es más, ni siquiera hubo espacio para los distractores ”flares” o efectos de luz característicos de J.J. Abrams. Ahora no se trataba de hacer una película “del director” porque quizás en otorgar dichas libertades radicaron los pecados del episodio anterior, sino en hacer una cinta que pusiera vendaje sobre vendaje a las heridas que estuvieron a punto de infectarse. Insisto en que para “El Ascenso de Skywalker” los responsables entendieron que de lo que se ha tratado en cada entrega, es de que sea una gran aventura. De no darles respiro a los protagonistas, sin importar que existan pasajes tan simples pero divertidos como buscar esconderse en una cueva...que resulta ser un mounstruo con murciélagos en la panza. Lo que sí creo que nunca entendieron, es que la conexión entre Rey y Kylo nunca fue amor. Fue otras 5 o 10 cosas, pero nunca enamoramiento, nunca amor. Por lo que el beso entre ambos protagonistas, es innecesario y ridículo, sobre todo cuando ésta trilogía se había caracterizado por un bonito coqueteo por parte de algunos de los personajes, sobre todo de Finn, pero sin necesidad de llegar al cliché romántico. Se acabó la nueva trilogía. Se acabaron los episodios. No sin antes darnos una última lección: que el apellido puede pesar, siempre y cuando se lo permitas. Así es como Ben Solo decide regresar al suyo, y así es como Rey decide negar el suyo. Cuando salimos de “The Last Jedi”, el sentimiento fue “Bueno, pues mira, por lo menos ya nada más queda una”. Cuando salimos de “The Rise of Skywalker” nos decimos “Qué lástima que ésta fue la última”, porque con todo y sus heridas, sí que vamos a extrañar a Rey, a Poe, a Finn y demás compañía. Y entonces el saldo, es bueno.

Twitter @eseauto Instagram elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Para resolver y darle fin en 1996 a la mal querida saga del clon, de los cómics de Spider-man, se decidió revivir al enemigo más mortal del superhéroe: Norman Osborn, el original Duende Verde. No sólo regrearon al personaje, sino que también revelaron que el había sido el responsable de varios eventos negativos que habían afectado la vida del superhéroe en los últimos años. Fue como aventarle una pelota al perro para que mirara en otra dirección y se olvidara del intento de suplantar a Peter Parker como el Hombre Araña, diciéndole “Hey, pero mira, aquí está el Green Goblin”. Para curar la mala salud en la cual se encontraba “Star Wars” después de “The Last Jedi”, nos arrojaron una pelota de apellido Palpatine, que, de entrada, cumplió con su objetivo: llamar la atención. Fue una inteligente decisión que no se detuvieran a explicarnos el cómo y cuándo fue que revivió el temible Emperador, sino que simplemente pasó y sigamos con la historia. Y es que eso tiene “El Ascenso de Skywalker”, que nunca se detiene, que te agarra desde un inicio y te lleva por una gran aventura. Qué si no eso debería ser una película de La Guerra de las Galaxias. No te da un respiro, y por lo mismo, ni siquiera te da espacio a preguntarte el porqué el color del sable de Leia que vimos en flashback no corresponde al que vemos en el tiempo presente, o porqué ahora si Luke le tiene respeto al arma principal de un Jedi cuando en la cinta anterior aventó el suyo por encima de su hombro. Es más, ni siquiera hubo espacio para los distractores ”flares” o efectos de luz característicos de J.J. Abrams. Ahora no se trataba de hacer una película “del director” porque quizás en otorgar dichas libertades radicaron los pecados del episodio anterior, sino en hacer una cinta que pusiera vendaje sobre vendaje a las heridas que estuvieron a punto de infectarse. Insisto en que para “El Ascenso de Skywalker” los responsables entendieron que de lo que se ha tratado en cada entrega, es de que sea una gran aventura. De no darles respiro a los protagonistas, sin importar que existan pasajes tan simples pero divertidos como buscar esconderse en una cueva...que resulta ser un mounstruo con murciélagos en la panza. Lo que sí creo que nunca entendieron, es que la conexión entre Rey y Kylo nunca fue amor. Fue otras 5 o 10 cosas, pero nunca enamoramiento, nunca amor. Por lo que el beso entre ambos protagonistas, es innecesario y ridículo, sobre todo cuando ésta trilogía se había caracterizado por un bonito coqueteo por parte de algunos de los personajes, sobre todo de Finn, pero sin necesidad de llegar al cliché romántico. Se acabó la nueva trilogía. Se acabaron los episodios. No sin antes darnos una última lección: que el apellido puede pesar, siempre y cuando se lo permitas. Así es como Ben Solo decide regresar al suyo, y así es como Rey decide negar el suyo. Cuando salimos de “The Last Jedi”, el sentimiento fue “Bueno, pues mira, por lo menos ya nada más queda una”. Cuando salimos de “The Rise of Skywalker” nos decimos “Qué lástima que ésta fue la última”, porque con todo y sus heridas, sí que vamos a extrañar a Rey, a Poe, a Finn y demás compañía. Y entonces el saldo, es bueno.

Desde lo particular hasta lo general. Desde El Hombre Araña hasta los X-Men y los Cuatro Fantásticos, hasta literal, las ocho décadas desde que salió aquel Marvel Comics #1 Si quieres festejar el cumpleaños de Marvel, no te pierdas las reseñas de los cómics que lo celebran, así como de otros que aunque ese no sea su objetivo, también saben a pastel. Twitter @eseauto Instragram elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook

Desde lo particular hasta lo general. Desde El Hombre Araña hasta los X-Men y los Cuatro Fantásticos, hasta literal, las ocho décadas desde que salió aquel Marvel Comics #1 Si quieres festejar el cumpleaños de Marvel, no te pierdas las reseñas de los cómics que lo celebran, así como de otros que aunque ese no sea su objetivo, también saben a pastel. Twitter @eseauto Instragram elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook

Yo ya me había decidido desde septiembre de 2019. Yo ya había elegido el cómic más divertido del año. Un concepto creado hace algún tiempo pero revitalizado con nuevos personajes y sobre todo, con una manera muy innovadora para presentar las siguientes aventuras. Es momento de... "Marcar H de Héroe"

Yo ya me había decidido desde septiembre de 2019. Yo ya había elegido el cómic más divertido del año. Un concepto creado hace algún tiempo pero revitalizado con nuevos personajes y sobre todo, con una manera muy innovadora para presentar las siguientes aventuras. Es momento de... "Marcar H de Héroe"

Este es el guasón ideal. Para éste tipo de película. Acabada la discusión sobre cuál ha sido el mejor Joker de toda la historia, pasemos a lo siguiente. Twitter: @eseauto Instagram: elinstadepada Siguen y seguirán las dudas sobre la elección de Robert Pattinson como el próximo Batman. Para éstas alturas, ya deberíamos haber aprendido que hay que esperar siempre el resultado final y no sufrir en vano. Porque para eso son actores. En menor medida, pero suceden, los casos cuando se anuncia a algún director para un proyecto de un género por el cual no se le tiene identificado. El responsable de llevar las riendas de “Joker” es Todd Phillips. El mismo de Road Trip, la adaptación en cine de Starksy and Hutch y nada más y nada menos que la trilogía de Qué pasó ayer?, o sea The Hangover. Para Due Date, volvió a trabajar con Zach Galifianakis, pero ahora al lado de Robert Downey Jr, y además de ser una excelente cinta que deben ver ya por si se les pasó, sirvió como una perfecta transición entre la comedia pura de sus anteriores trabajos con algo más “serio” como fueron “War Dogs” y ahora, “Joker”. Es así. La persona responsable de contratar a Phillips para encargarse de la cinta del villano de Batman vió algo que nosotros no. Y por eso, esa persona tiene ese puesto, y nosotros no. Porque para eso, son directores. Y para suerte de Phillips, le consiguieron a Joaquin Phoenix. Irónicamente, ambos habían rechazado trabajar anteriormente para alguna cinta del Universo Cinematográfico de Marvel pues no les satisfacía la visión que éstas producciones traen detrás. Al contrario, y por separado, tanto Phillips como Phoenix ya habían expresado realizar algo más de bajo presupuesto, en el caso del primero, e interpretar a un villano, que bien podría ser el Joker, en el caso del segundo. La oportunidad se abrió cuando en Warner Brothers decidieron que a lo mejor había que desencariñarse de su Universo Extendido en el cine, y darle paso a otros proyectos que no formaran parte de aquellas cintas que querían unir a los personajes de la Liga de la Justicia. Si no fuera porque todo esto está documentado, pensaría que ésta película ya se estaba preparando y que alguien sugirió “Y se le ponemos Joker y la hacemos del Joker?”. Aunque claro, si así hubiera sido, nunca lo sabríamos. Porque bien podría ser una película que no se tratara de la nemesis del Hombre Murciélago. Simplemente la historia de un hombre al cual le van llenando el saco de piedras, hasta que explota y comienza su transformación. Porque en los últimos días me han preguntado que qué tanto tiene que ver con el cómic? Y la respuesta simple es: nada. Sin embargo, fue precisamente ahí donde Phillips encontró la oportunidad de hacer su versión. Sin ningún compromiso con los fans y lectores del cómic, y con un campo fértil, para apropiarse del personaje, como también lo hizo Joaquin Phoenix. Cualquier discusión y opinión sobre "Guasón" comienza y finaliza con cómo Joaquin Phoenix la voló del estadio. El reconocimiento de los especializados para con ésta cinta ya comenzó al otorgarle el Leon de Oro, el más alto reconocimiento, en el festival de Venecia. Y no dudemos que así nos la vamos a llevar hasta inicios del 2020, cuando acumule nominaciones y premios, tanto en Globo de Oro como en Óscar. De los cuales, Phoenix tendrá muchos. Si no es que todos. Porque también hizo suyo al Joker. Porque es inhumano cómo logra llorar y reirse al mismo tiempo. El dolor que nos da cuando nos reímos por mucho tiempo, a éste le surge por lo miserable que es. Porque moldeó su cuerpo, literal, para ser una figura patética, y sin embargo, convertirlo en un ser elástico que cuando baila, viaja a otro mundo en el que, posiblemente, las cosas le salieron mejor. Ahora bien, al tener éste lienzo en blanco para crear un nuevo Joker, como ya lo mencionaba, cae en el síntoma de los últimos tiempos de la humanización de los villanos. Perdón si ya había citado éste ejemplo anteriormente, pero lo repito para ejemplificar. Uno de los infortunios que tiene la trilogía precuela de Star Wars fue humanizar a Darth Vader. En las películas originales, era una fuerza del mal. Y ya. Era malo porque era malo. Pero cuando conocimos su historia del niño que quedó sin madre y que ésto permitió su seducción al lado obscuro, entonces ese mal encarnado se convirtió en algo que pudimos justificar. En un ser humano al cual comprendimos. Y al ponerlo al mismo nivel que nosotros, entonces dejamos de tenerle miedo. Lo mismo ocurre con éste Guasón. El tipo al cual le pasó de todo. Enfermedad mental? Adoptado? Maltratado? Perdedor? Todo. Echenselo en una bolsa, pónganselo para llevar y claro, acaba por reventar. Tan es así, que hasta sus acciones se van convirtiendo en situaciones predecibles. Sentado al lado de su madre, la cual se le acaba de caer del pedestal? No me digas que la va a matar? Y la mata. Al 90 por ciento de su transformación en Joker y frente a las cámaras de televisión? No me digas que va a matar al presentador? Y lo mata. Y entonces bu bu, pobrecito Joker, es que ha sufrido mucho. La cinta tan lo lleva por éste camino, que entonces para el final, no se convierte en una amenaza a la cual tanto ellos, el sistema, como nosotros, el pueblo, deberíamos tenerle miedo, sino en una figura más cercana al anarquista de la máscara de Guy Fawkes de V de Venganza. Si tu película comienza con el nombre de la misma en letras grandes, que abarcan toda la pantalla, y con un tinte retro, entonces conocemos bien tu objetivo: la quieres festivalear y nos quieres convencer de que se puede hacer otro tipo de cine a partir de los personajes creados en impresos de cuando costaban 10 centavos. De lo primero, pues muy bien, que te vaya muy bien y que se abra la puerta para más. De lo segundo, también muy bien, porque estamos sastifechos. Logan lo había conseguido, pero no dejaba de ser una película de Wolverine, con compromisos para con la franquicia, los estudios y la audiencia. Joker simplemente no obedece a nadie. Joaquin Phoenix hizo lo que quiso. Todd Phillips hizo lo que quizo. Y hasta Robert De Niro también. En un papel tan pero tan sabroso, que queremos ya, un show nocturno de variedades con él como anfitrión. Los easter eggs, influencias y referencias de “Joker” las encuentran aquí mismo pero en la versión podcast de ésta reseña.

Este es el guasón ideal. Para éste tipo de película. Acabada la discusión sobre cuál ha sido el mejor Joker de toda la historia, pasemos a lo siguiente. Twitter: @eseauto Instagram: elinstadepada Siguen y seguirán las dudas sobre la elección de Robert Pattinson como el próximo Batman. Para éstas alturas, ya deberíamos haber aprendido que hay que esperar siempre el resultado final y no sufrir en vano. Porque para eso son actores. En menor medida, pero suceden, los casos cuando se anuncia a algún director para un proyecto de un género por el cual no se le tiene identificado. El responsable de llevar las riendas de “Joker” es Todd Phillips. El mismo de Road Trip, la adaptación en cine de Starksy and Hutch y nada más y nada menos que la trilogía de Qué pasó ayer?, o sea The Hangover. Para Due Date, volvió a trabajar con Zach Galifianakis, pero ahora al lado de Robert Downey Jr, y además de ser una excelente cinta que deben ver ya por si se les pasó, sirvió como una perfecta transición entre la comedia pura de sus anteriores trabajos con algo más “serio” como fueron “War Dogs” y ahora, “Joker”. Es así. La persona responsable de contratar a Phillips para encargarse de la cinta del villano de Batman vió algo que nosotros no. Y por eso, esa persona tiene ese puesto, y nosotros no. Porque para eso, son directores. Y para suerte de Phillips, le consiguieron a Joaquin Phoenix. Irónicamente, ambos habían rechazado trabajar anteriormente para alguna cinta del Universo Cinematográfico de Marvel pues no les satisfacía la visión que éstas producciones traen detrás. Al contrario, y por separado, tanto Phillips como Phoenix ya habían expresado realizar algo más de bajo presupuesto, en el caso del primero, e interpretar a un villano, que bien podría ser el Joker, en el caso del segundo. La oportunidad se abrió cuando en Warner Brothers decidieron que a lo mejor había que desencariñarse de su Universo Extendido en el cine, y darle paso a otros proyectos que no formaran parte de aquellas cintas que querían unir a los personajes de la Liga de la Justicia. Si no fuera porque todo esto está documentado, pensaría que ésta película ya se estaba preparando y que alguien sugirió “Y se le ponemos Joker y la hacemos del Joker?”. Aunque claro, si así hubiera sido, nunca lo sabríamos. Porque bien podría ser una película que no se tratara de la nemesis del Hombre Murciélago. Simplemente la historia de un hombre al cual le van llenando el saco de piedras, hasta que explota y comienza su transformación. Porque en los últimos días me han preguntado que qué tanto tiene que ver con el cómic? Y la respuesta simple es: nada. Sin embargo, fue precisamente ahí donde Phillips encontró la oportunidad de hacer su versión. Sin ningún compromiso con los fans y lectores del cómic, y con un campo fértil, para apropiarse del personaje, como también lo hizo Joaquin Phoenix. Cualquier discusión y opinión sobre "Guasón" comienza y finaliza con cómo Joaquin Phoenix la voló del estadio. El reconocimiento de los especializados para con ésta cinta ya comenzó al otorgarle el Leon de Oro, el más alto reconocimiento, en el festival de Venecia. Y no dudemos que así nos la vamos a llevar hasta inicios del 2020, cuando acumule nominaciones y premios, tanto en Globo de Oro como en Óscar. De los cuales, Phoenix tendrá muchos. Si no es que todos. Porque también hizo suyo al Joker. Porque es inhumano cómo logra llorar y reirse al mismo tiempo. El dolor que nos da cuando nos reímos por mucho tiempo, a éste le surge por lo miserable que es. Porque moldeó su cuerpo, literal, para ser una figura patética, y sin embargo, convertirlo en un ser elástico que cuando baila, viaja a otro mundo en el que, posiblemente, las cosas le salieron mejor. Ahora bien, al tener éste lienzo en blanco para crear un nuevo Joker, como ya lo mencionaba, cae en el síntoma de los últimos tiempos de la humanización de los villanos. Perdón si ya había citado éste ejemplo anteriormente, pero lo repito para ejemplificar. Uno de los infortunios que tiene la trilogía precuela de Star Wars fue humanizar a Darth Vader. En las películas originales, era una fuerza del mal. Y ya. Era malo porque era malo. Pero cuando conocimos su historia del niño que quedó sin madre y que ésto permitió su seducción al lado obscuro, entonces ese mal encarnado se convirtió en algo que pudimos justificar. En un ser humano al cual comprendimos. Y al ponerlo al mismo nivel que nosotros, entonces dejamos de tenerle miedo. Lo mismo ocurre con éste Guasón. El tipo al cual le pasó de todo. Enfermedad mental? Adoptado? Maltratado? Perdedor? Todo. Echenselo en una bolsa, pónganselo para llevar y claro, acaba por reventar. Tan es así, que hasta sus acciones se van convirtiendo en situaciones predecibles. Sentado al lado de su madre, la cual se le acaba de caer del pedestal? No me digas que la va a matar? Y la mata. Al 90 por ciento de su transformación en Joker y frente a las cámaras de televisión? No me digas que va a matar al presentador? Y lo mata. Y entonces bu bu, pobrecito Joker, es que ha sufrido mucho. La cinta tan lo lleva por éste camino, que entonces para el final, no se convierte en una amenaza a la cual tanto ellos, el sistema, como nosotros, el pueblo, deberíamos tenerle miedo, sino en una figura más cercana al anarquista de la máscara de Guy Fawkes de V de Venganza. Si tu película comienza con el nombre de la misma en letras grandes, que abarcan toda la pantalla, y con un tinte retro, entonces conocemos bien tu objetivo: la quieres festivalear y nos quieres convencer de que se puede hacer otro tipo de cine a partir de los personajes creados en impresos de cuando costaban 10 centavos. De lo primero, pues muy bien, que te vaya muy bien y que se abra la puerta para más. De lo segundo, también muy bien, porque estamos sastifechos. Logan lo había conseguido, pero no dejaba de ser una película de Wolverine, con compromisos para con la franquicia, los estudios y la audiencia. Joker simplemente no obedece a nadie. Joaquin Phoenix hizo lo que quiso. Todd Phillips hizo lo que quizo. Y hasta Robert De Niro también. En un papel tan pero tan sabroso, que queremos ya, un show nocturno de variedades con él como anfitrión. Los easter eggs, influencias y referencias de “Joker” las encuentran aquí mismo pero en la versión podcast de ésta reseña.

Este contenido incluye spoilers Twitter @eseauto Instagram: elinstadepada galgodromo.com En el mismo fin de semana, vi la nueva película de “Chucky” y “Spider-man: Far From Home”. Esperen, voy a llegar a algún lado, no se vayan aún. Durante los primeros minutos de “Child´s Play” nos establecen muy bien de qué va ésta versión reboot, y cuyo título en español, “Chucky, El Muñeco Diabólico”, ya no debería aplicarse, pues toda relación con algo malignamente sobrenatural, ha sido removida. Ah, perdón. Cuando avisé que éste contenido incluye spoilers, debería haberles anticipado que eso también incluye la cinta de Chucky. El origen de la maldad de éste juguete radica completamente en la tecnología, cayendo así en un peligroso recurso que puede ayudarte o puede hundirte. El argumento de que así es como se les llega a las nuevas generaciones me parece, irónicamente, anticuado. Y sin embargo, queda sólidamente establecido y el trato queda hecho. Como espectador, se las compro y ahora, vamos hacia adelante. El problema es que no hay mucho más. La cinta rápidamente se queda sin pilas, je, y lo que sigue son una sucesión de eventos predecibles y poco sorprendentes. Lo contrario ocurre en Spider-man: Far From Home. Son los primeros minutos una versión bastante extendida de lo que habíamos visto en los trailers. Mounstruos gigantes, un Misterio que es bueno y locaciones que ya no son los rascacielos de Nueva York. Recuerdo haber leído hace mucho un comentario que se preguntaba porqué Misterio, siendo un villano que basa sus poderes en los efectos especiales cinematográficos, no había debutado antes en la pantalla grande, con toda la tecnología disponible hoy más que nunca. No encontraba algún argumento contrario a su línea, pero tampoco encontraba cómo apoyarlo, temiendo que, en efecto, una película con Misterio, se tratara sólo de los efectos especiales. Y eso nos habían mostrado en los trailers: ¿un ser enorme formado de tierra y por lo mismo -gasp- invencible? ¿Pues qué eso no lo habíamos visto en “Spider-man 3” hace 12 años? Y entonces, llegó el giro. El verdadero Misterio, valga la expresión y el cómo fue adaptado, y muy bien, a un mundo que convive con drones y realidad virtual. Y entonces todo el largo previo, valió la pena. Afortunadamente, el camino no está exento de algunos dulcesitos con sabor a Peter Parker y Spider-man. El hecho de que el joven superhéroe tenga que ponerse un antifaz de festival por ser lo único que tiene a la mano para proteger su identidad secreta, es un momento clásico de la Parker luck, o la suerte Parker, que en los comics lo llevó a ponerse una bolsa de papel en la cabeza por las mismas razones. Y sí, con el par de secuencias en las cuales se muestra a El Hombre Araña atrapado en un mundo virtual, se confirma que valía la pena hacer una película con Misterio. Nadie se tragó la hipótesis presentada en los trailers sobre el Misterio héroe. Sin embargo, si nos creímos la teoría del multiverso. Ambas, desechadas. Y cuando en los días previos al estreno, los involucrados no dejaron de insistir en que ésta película estaba muy relacionada con Avengers: Endgame, pensábamos que sólo era un argumento que aprovecharía el éxito de la antes mencionada, para que no dudáramos en verla. Pues tenían razón, no sólo es una buena aventura del Hombre Araña y sus amigos, sino un excelente epílogo de dicha película, y ahora sí, un gran cierre de la fase tres del Universo Cinematográfico de Marvel. Ahora, la única crítica que traigo sobre ésta versión de Spider-man, es que... es demasiado feliz. Necesita un poco de obscuridad para terminar de madurar al personaje, y al parecer, esa escena post-créditos, podría ser el adelanto de una etapa muy complicada para el protagonista. Y eso me gusta. Para conocer las referencias, curiosidades y los easter eggs de Spider-man: Lejos de Casa, consulta ésta reseña en su versión podcast, aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers Twitter @eseauto Instagram: elinstadepada galgodromo.com En el mismo fin de semana, vi la nueva película de “Chucky” y “Spider-man: Far From Home”. Esperen, voy a llegar a algún lado, no se vayan aún. Durante los primeros minutos de “Child´s Play” nos establecen muy bien de qué va ésta versión reboot, y cuyo título en español, “Chucky, El Muñeco Diabólico”, ya no debería aplicarse, pues toda relación con algo malignamente sobrenatural, ha sido removida. Ah, perdón. Cuando avisé que éste contenido incluye spoilers, debería haberles anticipado que eso también incluye la cinta de Chucky. El origen de la maldad de éste juguete radica completamente en la tecnología, cayendo así en un peligroso recurso que puede ayudarte o puede hundirte. El argumento de que así es como se les llega a las nuevas generaciones me parece, irónicamente, anticuado. Y sin embargo, queda sólidamente establecido y el trato queda hecho. Como espectador, se las compro y ahora, vamos hacia adelante. El problema es que no hay mucho más. La cinta rápidamente se queda sin pilas, je, y lo que sigue son una sucesión de eventos predecibles y poco sorprendentes. Lo contrario ocurre en Spider-man: Far From Home. Son los primeros minutos una versión bastante extendida de lo que habíamos visto en los trailers. Mounstruos gigantes, un Misterio que es bueno y locaciones que ya no son los rascacielos de Nueva York. Recuerdo haber leído hace mucho un comentario que se preguntaba porqué Misterio, siendo un villano que basa sus poderes en los efectos especiales cinematográficos, no había debutado antes en la pantalla grande, con toda la tecnología disponible hoy más que nunca. No encontraba algún argumento contrario a su línea, pero tampoco encontraba cómo apoyarlo, temiendo que, en efecto, una película con Misterio, se tratara sólo de los efectos especiales. Y eso nos habían mostrado en los trailers: ¿un ser enorme formado de tierra y por lo mismo -gasp- invencible? ¿Pues qué eso no lo habíamos visto en “Spider-man 3” hace 12 años? Y entonces, llegó el giro. El verdadero Misterio, valga la expresión y el cómo fue adaptado, y muy bien, a un mundo que convive con drones y realidad virtual. Y entonces todo el largo previo, valió la pena. Afortunadamente, el camino no está exento de algunos dulcesitos con sabor a Peter Parker y Spider-man. El hecho de que el joven superhéroe tenga que ponerse un antifaz de festival por ser lo único que tiene a la mano para proteger su identidad secreta, es un momento clásico de la Parker luck, o la suerte Parker, que en los comics lo llevó a ponerse una bolsa de papel en la cabeza por las mismas razones. Y sí, con el par de secuencias en las cuales se muestra a El Hombre Araña atrapado en un mundo virtual, se confirma que valía la pena hacer una película con Misterio. Nadie se tragó la hipótesis presentada en los trailers sobre el Misterio héroe. Sin embargo, si nos creímos la teoría del multiverso. Ambas, desechadas. Y cuando en los días previos al estreno, los involucrados no dejaron de insistir en que ésta película estaba muy relacionada con Avengers: Endgame, pensábamos que sólo era un argumento que aprovecharía el éxito de la antes mencionada, para que no dudáramos en verla. Pues tenían razón, no sólo es una buena aventura del Hombre Araña y sus amigos, sino un excelente epílogo de dicha película, y ahora sí, un gran cierre de la fase tres del Universo Cinematográfico de Marvel. Ahora, la única crítica que traigo sobre ésta versión de Spider-man, es que... es demasiado feliz. Necesita un poco de obscuridad para terminar de madurar al personaje, y al parecer, esa escena post-créditos, podría ser el adelanto de una etapa muy complicada para el protagonista. Y eso me gusta. Para conocer las referencias, curiosidades y los easter eggs de Spider-man: Lejos de Casa, consulta ésta reseña en su versión podcast, aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Desde que mi amigo y compañero de radio, Jair Cardoso, usó al fútbol para describir “Dark Phoenix” no he podido pensar en otra relación más acertada, por lo que seguiré con la misma comparación. Imaginen el último partido de la jornada regular. Sabes que no hay manera de calificar a la liguilla (término como se le conoce en el fútbol mexicano a la fase de eliminatorias). Pero eso no es todo: ya se hizo oficial que el equipo cambiará de dueños para la siguiente temporada. Y difícilmente mantendrán al mismo personal. Habrá quienes siempre sacan la casta hasta en el último minuto. Habrá quienes ya están pensando en qué van a hacer el próximo lunes. “Dark Phoenix” tuvo todas las de perder. Y lo consiguió. Al MCU (Mutant Cinematic Universe) que creó la 20th Century Fox y que comenzó en el año 2000, hay mucho qué agradecerle, más no la despedida. Los pecados que comete ”Dark Phoenix” son traicionar lo que se había planteado en esta nueva encarnación de los mutantes de Marvel. Tan sólo miremos su antecesora: “X-men Apocalypse”, en la cual Jean Grey ya mostraba tener poderes que se manifestaban a través de un ave de fuego y en ésta última película nos dicen que acaba de adquirirlos. La misma “Apocalypse” nos dejó ver adaptaciones de algunos de los trajes que los X-men mostrados han utilizado en los cómics. Y nada de ésto se ve reflejado en ésta secuela. No me hagan hablar de la personalidad que tiene Xavier en ésta última entrega. No hay manera de creer que éste mismo personaje va a crecer y a convertirse en la versión de Patrick Stewart. Si los cambios se debieron a las pocas expectativas que la mencionada “Apocalypse” dejó, entonces podría comprenderse, pero “Dark Phoenix” como producto único también se traiciona, al no explicar, por ejemplo, cómo es que Jean Grey sobrevive prácticamente ilesa del accidente automovilístico, o qué, o quiénes, son éstos extraterrestres que al parecer su única gracia es tener todos los superpoderes que el escritor Simon Kinberg iba recordando al vuelo. Superfuerza? Va. Cambiar de apariencia? Va. El que nos falte? También va. Escritor que también hizo su debut como director para ésta cinta, y que, según sus propias palabras, se sentía confiado para ocupar ésta silla debido a su experiencia e involucramiento como productor y escritor de pasadas entregas del universo cinematográfico mutante. Nada en contra de apoyar a un director debutante, pero ésta, no es una historia de éxito. Como no lo fue su primera versión que hizo sobre la Saga de Fénix Obscura de los cómics, pues sí, el también fue el escrito de la película X-Men: The Last Stand Y quizás cuando les diga que Kinberg fue el mismo escritor de la más reciente película de los Cuatro Fantásticos, ajá, la del 2015, entonces ustedes me dirán que por qué no comencé por ahí. Pero ¿saben? Por lo menos en Fantastic Four se atrevió a algo. Que el resultado no haya sido el esperado, es otra cosa. La peor decepción de “Dark Phoenix” es que no propone nada. Es que no hay manera de extraer alguna situación, alguna secuencia o alguna innovación y quedarse únicamente con ello. Prefirieron, por ejemplo, repetir el mismo gag con Quicksilver que, en “Days of Future Past”, nos sacó una sonrisa, que en “Apocalypse” fue igual sólo que ligeramente más grande, y que para éstas alturas, ya no nos provoca ningún sentimiento...como el resto de la película, pues. Para cerrar como comencé, con una expresión típica futbolera: desafortunadamente X-Men Dark Phoenix, se muere de nada. Si quieren conocer los easter eggs y referencias de la película, entonces consulten esta reseña en su versión podcast, aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Desde que mi amigo y compañero de radio, Jair Cardoso, usó al fútbol para describir “Dark Phoenix” no he podido pensar en otra relación más acertada, por lo que seguiré con la misma comparación. Imaginen el último partido de la jornada regular. Sabes que no hay manera de calificar a la liguilla (término como se le conoce en el fútbol mexicano a la fase de eliminatorias). Pero eso no es todo: ya se hizo oficial que el equipo cambiará de dueños para la siguiente temporada. Y difícilmente mantendrán al mismo personal. Habrá quienes siempre sacan la casta hasta en el último minuto. Habrá quienes ya están pensando en qué van a hacer el próximo lunes. “Dark Phoenix” tuvo todas las de perder. Y lo consiguió. Al MCU (Mutant Cinematic Universe) que creó la 20th Century Fox y que comenzó en el año 2000, hay mucho qué agradecerle, más no la despedida. Los pecados que comete ”Dark Phoenix” son traicionar lo que se había planteado en esta nueva encarnación de los mutantes de Marvel. Tan sólo miremos su antecesora: “X-men Apocalypse”, en la cual Jean Grey ya mostraba tener poderes que se manifestaban a través de un ave de fuego y en ésta última película nos dicen que acaba de adquirirlos. La misma “Apocalypse” nos dejó ver adaptaciones de algunos de los trajes que los X-men mostrados han utilizado en los cómics. Y nada de ésto se ve reflejado en ésta secuela. No me hagan hablar de la personalidad que tiene Xavier en ésta última entrega. No hay manera de creer que éste mismo personaje va a crecer y a convertirse en la versión de Patrick Stewart. Si los cambios se debieron a las pocas expectativas que la mencionada “Apocalypse” dejó, entonces podría comprenderse, pero “Dark Phoenix” como producto único también se traiciona, al no explicar, por ejemplo, cómo es que Jean Grey sobrevive prácticamente ilesa del accidente automovilístico, o qué, o quiénes, son éstos extraterrestres que al parecer su única gracia es tener todos los superpoderes que el escritor Simon Kinberg iba recordando al vuelo. Superfuerza? Va. Cambiar de apariencia? Va. El que nos falte? También va. Escritor que también hizo su debut como director para ésta cinta, y que, según sus propias palabras, se sentía confiado para ocupar ésta silla debido a su experiencia e involucramiento como productor y escritor de pasadas entregas del universo cinematográfico mutante. Nada en contra de apoyar a un director debutante, pero ésta, no es una historia de éxito. Como no lo fue su primera versión que hizo sobre la Saga de Fénix Obscura de los cómics, pues sí, el también fue el escrito de la película X-Men: The Last Stand Y quizás cuando les diga que Kinberg fue el mismo escritor de la más reciente película de los Cuatro Fantásticos, ajá, la del 2015, entonces ustedes me dirán que por qué no comencé por ahí. Pero ¿saben? Por lo menos en Fantastic Four se atrevió a algo. Que el resultado no haya sido el esperado, es otra cosa. La peor decepción de “Dark Phoenix” es que no propone nada. Es que no hay manera de extraer alguna situación, alguna secuencia o alguna innovación y quedarse únicamente con ello. Prefirieron, por ejemplo, repetir el mismo gag con Quicksilver que, en “Days of Future Past”, nos sacó una sonrisa, que en “Apocalypse” fue igual sólo que ligeramente más grande, y que para éstas alturas, ya no nos provoca ningún sentimiento...como el resto de la película, pues. Para cerrar como comencé, con una expresión típica futbolera: desafortunadamente X-Men Dark Phoenix, se muere de nada. Si quieren conocer los easter eggs y referencias de la película, entonces consulten esta reseña en su versión podcast, aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Vivimos en un tiempo en el cual la palabra “secuela” forma parte de nuestro vocabulario cuando hablamos sobre cine taquillero. Irónicamente, son pocas las películas que realmente ofrecen una continuación directa de su predecesora, como debería de serlo si nos apegamos al significado de la palabra, y en realidad son “una aventura más de tus personajes favoritos”. Otras nos han engañado dividiendo una entrega en dos partes, pero de inmediato nos dimos cuenta de cómo se tratararon de esfuerzos para ingresar más billetes por medio de una franquicia ya establecida. Por lo anterior dicho, Avengers Endgame me recordó a ambos volúmenes de Kill Bill, ofreciendo una auténtica continuación. Es así como la película cumplió con su primer objetivo, provocando que sea indispensable haber visto Avengers: Infinity War. Y no como en otras ocasiones que cuando te preguntan: “¿Necesito ver la anterior?” la respuesta sea un “Pues en realidad no te pierdes de nada”. Qué poco valor entonces consiguió la pasada entrega ¿no? Y su segundo objetivo no fue sólo cerrar los eventos ocurridos en la mencionada primer película, sino que se nos prometió el cierre de 11 años no sólo de las cintas ubicadas en el mismo universo sino también de otros materiales. Como la infravalorada serie de televisión de “Agent Carter”, demostrando que, si existían elementos y personajes que aportaran a la historia, se incluirían, y no sólo para cumplir con las exigencias de una audiencia que quería ver metidos, por ejemplo, a Daredevil y compañía, del área del MCU que se nos narró en las series de Netflix. Los Russo saben mejor que nosotros qué es lo que queremos nosotros. El presumir a Avengers: Endgame como la gran conclusión, afortunadamente no fue sólo una estrategia de publicidad para provocar FOMO y que nadie se perdiera el final, sino que realmente homenajearon a aquellos que estuvieron antes, a aquellos cuya visión contruyó a éstos personajes, y sobre todo, a aquellos que estuvimos presentes en cada nueva entrega: los fans. Hay poco que reclamarle a Avengers: Endgame. Sabemos que los viajes en el tiempo son el recurso a la mano número 48 para cuando te metiste en un lío tan gordo en tu historia original que te resultará difícil salir bien librado de ello. Y aún así, esta herramienta trae sus consecuencias y confusiones. Pero los hermanos Russo y los escritores Christopher Markus y Stephen McFeely consiguen hacerlo de manera inteligente, sin que se sienta un montaje lleno de fan service y nostalgia, sino que, en su mayoría, pasajes agradables y entretenidos. Y si dije que “en su mayoría”, es porque cuando no lo logra, Avengers:Endgame pierde algo de ritmo, lo cual hace que su antecesora, Avengers: Infinity War, sea una producción mejor y más completa. Así seas el “único y detergente” que no le gustan las películas de superhéroes, sugiero no oponerse al hecho que ésta película, y todo el universo que representa es ya un evento histórico, tanto para la industria cinematográfica, como para la cultura moderna del entretenimiento. Es más que un tren de moda. Es un fenómeno que ha provocado muchas sensaciones, todas ellas positivas, y eso, siempre va a estar bien. Recuerda que las referencias, curiosidades y los easter eggs de Avengers: Endgame se encuentran en exclusiva para el formato podcast de ésta reseña, la cual puedes escuchar aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Vivimos en un tiempo en el cual la palabra “secuela” forma parte de nuestro vocabulario cuando hablamos sobre cine taquillero. Irónicamente, son pocas las películas que realmente ofrecen una continuación directa de su predecesora, como debería de serlo si nos apegamos al significado de la palabra, y en realidad son “una aventura más de tus personajes favoritos”. Otras nos han engañado dividiendo una entrega en dos partes, pero de inmediato nos dimos cuenta de cómo se tratararon de esfuerzos para ingresar más billetes por medio de una franquicia ya establecida. Por lo anterior dicho, Avengers Endgame me recordó a ambos volúmenes de Kill Bill, ofreciendo una auténtica continuación. Es así como la película cumplió con su primer objetivo, provocando que sea indispensable haber visto Avengers: Infinity War. Y no como en otras ocasiones que cuando te preguntan: “¿Necesito ver la anterior?” la respuesta sea un “Pues en realidad no te pierdes de nada”. Qué poco valor entonces consiguió la pasada entrega ¿no? Y su segundo objetivo no fue sólo cerrar los eventos ocurridos en la mencionada primer película, sino que se nos prometió el cierre de 11 años no sólo de las cintas ubicadas en el mismo universo sino también de otros materiales. Como la infravalorada serie de televisión de “Agent Carter”, demostrando que, si existían elementos y personajes que aportaran a la historia, se incluirían, y no sólo para cumplir con las exigencias de una audiencia que quería ver metidos, por ejemplo, a Daredevil y compañía, del área del MCU que se nos narró en las series de Netflix. Los Russo saben mejor que nosotros qué es lo que queremos nosotros. El presumir a Avengers: Endgame como la gran conclusión, afortunadamente no fue sólo una estrategia de publicidad para provocar FOMO y que nadie se perdiera el final, sino que realmente homenajearon a aquellos que estuvieron antes, a aquellos cuya visión contruyó a éstos personajes, y sobre todo, a aquellos que estuvimos presentes en cada nueva entrega: los fans. Hay poco que reclamarle a Avengers: Endgame. Sabemos que los viajes en el tiempo son el recurso a la mano número 48 para cuando te metiste en un lío tan gordo en tu historia original que te resultará difícil salir bien librado de ello. Y aún así, esta herramienta trae sus consecuencias y confusiones. Pero los hermanos Russo y los escritores Christopher Markus y Stephen McFeely consiguen hacerlo de manera inteligente, sin que se sienta un montaje lleno de fan service y nostalgia, sino que, en su mayoría, pasajes agradables y entretenidos. Y si dije que “en su mayoría”, es porque cuando no lo logra, Avengers:Endgame pierde algo de ritmo, lo cual hace que su antecesora, Avengers: Infinity War, sea una producción mejor y más completa. Así seas el “único y detergente” que no le gustan las películas de superhéroes, sugiero no oponerse al hecho que ésta película, y todo el universo que representa es ya un evento histórico, tanto para la industria cinematográfica, como para la cultura moderna del entretenimiento. Es más que un tren de moda. Es un fenómeno que ha provocado muchas sensaciones, todas ellas positivas, y eso, siempre va a estar bien. Recuerda que las referencias, curiosidades y los easter eggs de Avengers: Endgame se encuentran en exclusiva para el formato podcast de ésta reseña, la cual puedes escuchar aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Desde los trailers promocionales, sabía qué me esperaba en la película de Shazam!. Persona común y corriente obtiene superpoderes y en lo que se enseña a usarlos, sufrirá varias situaciones cómicas, para eventualmente, esté listo o no, aceptar su destino y enfrentarse a su primer villano. Y eso fue lo que vimos. Para bien o para mal. Mi problema es que la cinta cree que no hemos observado situaciones similares: lo vimos con Iron Man, y lo vimos con Spider-man, hasta en dos diferentes versiones. Los chistes son tan predecibles, que sabes perfectamente en qué momento aparecerá un camión que impactará al personaje que se encuentra al centro de la pantalla. No es estar en contra del humor, sino estar en contra de repetir lo que ya se ha visto. Y cuando lo consigue, que es lo menos, se agradece. Como en el enfrentamiento en el cielo en el cual Shazam! no alcanza a escuchar el amenazante monólogo del villano. Sin embargo, es de las pocas situaciones que se le pueden rescatar a éste enemigo, pues también recae en la fórmula del malo maloso que debe demostrarlo a través de una voz grave y terrosa para hacernos creer que realmente se trata de una amenaza. Y que se quita y se pone los lentes como herramienta para demostrar que ahora sí va en serio: De todas las veces que ha participado en una cinta de superhéroes o basada en cómics (Green Lantern, Kick-ass, Kingsman) ésta es la peor actuación de Mark Strong. De paso, permítanme mencionar a la mala elección de Djimon Honsou como el mago Shazam, y no por las capacidades del actor, sino porque siempre es mejor que, para interpretar a un hombre viejo...pues contrates a un hombre viejo. Es cierto, las referencias que cito sobre las típicas escenas chuscas del uso de superpoderes ya tienen sus años, más de 10 en el caso de El Hombre de Hierro, y entonces habrá un público nuevo, que podría ser o no el infantil, con el que conecte de inmediato. Y es que Shazam! les ha dado a los niños lo que no han encontrado en la más reciente versión cinematográfica de Superman. Y además, sin tanto trámite: ¿Para qué ser un extraterrestre que llegó a la Tierra si mejor puedo convertirme en un niño que se transforma en superhéroe? Después de tratar de olvidar dichas situaciones que más que divertirme, me estorbaban para encontrar el resto de virtudes, que tiene muchas, de la cinta, preferí quedarme con Shazam! no como un sólo superhéroe, sino como un concepto, y como tal, puede extenderse hacia más integrantes, como valientemente lo hace al presentarnos, de una vez, a toda la familia superpoderosa. De esta manera, nos da un segundo mensaje que gira en torno al núcleo de la sociedad y cómo este no necesariamente debe establecerse con quien naciste, sino con quien creciste. Puedo separar entonces las fallas que presenta la cinta, y volverla a ver sabiendo ya que es lo que me espera y enfocarme en disfrutar su ligera inocencia, sus ganas de sobresalir y de, como lo están haciendo las nuevas cintas de DC Comics, forjar su propio camino. Si a pesar de todo me dejó con ganas de conocer lo que sigue, y sobre todo, esperar el debut del que, espero, sea mejor villano, de nombre Black Adam, entonces sí, me uno al resto. A todos los que, gritando o en voz baja, no pueden evitar decir: Shazam! Si quieres conocer los easter eggs, referencias y curiosidades de la película, escucha ésta reseña en su formato podcast, aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Desde los trailers promocionales, sabía qué me esperaba en la película de Shazam!. Persona común y corriente obtiene superpoderes y en lo que se enseña a usarlos, sufrirá varias situaciones cómicas, para eventualmente, esté listo o no, aceptar su destino y enfrentarse a su primer villano. Y eso fue lo que vimos. Para bien o para mal. Mi problema es que la cinta cree que no hemos observado situaciones similares: lo vimos con Iron Man, y lo vimos con Spider-man, hasta en dos diferentes versiones. Los chistes son tan predecibles, que sabes perfectamente en qué momento aparecerá un camión que impactará al personaje que se encuentra al centro de la pantalla. No es estar en contra del humor, sino estar en contra de repetir lo que ya se ha visto. Y cuando lo consigue, que es lo menos, se agradece. Como en el enfrentamiento en el cielo en el cual Shazam! no alcanza a escuchar el amenazante monólogo del villano. Sin embargo, es de las pocas situaciones que se le pueden rescatar a éste enemigo, pues también recae en la fórmula del malo maloso que debe demostrarlo a través de una voz grave y terrosa para hacernos creer que realmente se trata de una amenaza. Y que se quita y se pone los lentes como herramienta para demostrar que ahora sí va en serio: De todas las veces que ha participado en una cinta de superhéroes o basada en cómics (Green Lantern, Kick-ass, Kingsman) ésta es la peor actuación de Mark Strong. De paso, permítanme mencionar a la mala elección de Djimon Honsou como el mago Shazam, y no por las capacidades del actor, sino porque siempre es mejor que, para interpretar a un hombre viejo...pues contrates a un hombre viejo. Es cierto, las referencias que cito sobre las típicas escenas chuscas del uso de superpoderes ya tienen sus años, más de 10 en el caso de El Hombre de Hierro, y entonces habrá un público nuevo, que podría ser o no el infantil, con el que conecte de inmediato. Y es que Shazam! les ha dado a los niños lo que no han encontrado en la más reciente versión cinematográfica de Superman. Y además, sin tanto trámite: ¿Para qué ser un extraterrestre que llegó a la Tierra si mejor puedo convertirme en un niño que se transforma en superhéroe? Después de tratar de olvidar dichas situaciones que más que divertirme, me estorbaban para encontrar el resto de virtudes, que tiene muchas, de la cinta, preferí quedarme con Shazam! no como un sólo superhéroe, sino como un concepto, y como tal, puede extenderse hacia más integrantes, como valientemente lo hace al presentarnos, de una vez, a toda la familia superpoderosa. De esta manera, nos da un segundo mensaje que gira en torno al núcleo de la sociedad y cómo este no necesariamente debe establecerse con quien naciste, sino con quien creciste. Puedo separar entonces las fallas que presenta la cinta, y volverla a ver sabiendo ya que es lo que me espera y enfocarme en disfrutar su ligera inocencia, sus ganas de sobresalir y de, como lo están haciendo las nuevas cintas de DC Comics, forjar su propio camino. Si a pesar de todo me dejó con ganas de conocer lo que sigue, y sobre todo, esperar el debut del que, espero, sea mejor villano, de nombre Black Adam, entonces sí, me uno al resto. A todos los que, gritando o en voz baja, no pueden evitar decir: Shazam! Si quieres conocer los easter eggs, referencias y curiosidades de la película, escucha ésta reseña en su formato podcast, aquí mismo.

Si las cuentas no me fallan, éste es el podcast 250 de Capitán Pada y sus monitos. Y si las cuentas a ustedes no les cuadran, pues es que en éste soft reboot que tuvimos pero manteniendo la numeración... Legacy, por llamarlo de alguna manera, se llega así a ésta cifra, sin contar algunos episodios que se han re-publicado, pero que no cuentan como nuevo podcast. Y miren, aunque no fuera, yo de todas maneras diría que es el 250 y que lo vamos a celebrar con un especial atípico a lo que han sido los últimos episodios. Y es que hoy conocerán, la verdadera historia del Spider-man mexicano. @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Todo comenzó un 16 de febrero de 2010, cuando el actual presidente, publisher y jefe creativo de la editorial IDW, Chris Ryall puso un tuit en su cuenta personal, en el cual le preguntaba a sus seguidores cuál serie de cómics o corrida que nunca se ha recopilado les gustaría que viera la luz. Le hicieron varias sugerencias diversas, hasta que el usuario @comickeys, aparentemente ubicado en California, Estados Unidos, le comentó sobre la versión de los setentas de Spider-man por parte de la editorial mexicana La Prensa. Según éste usuario, los responsables de la publicación no creían que los lectores seguirían leyendo el cómic con Gwen Stacy muerta, por lo que se crearon 45 números hechos en México, a partir del número 119, o sea antes del 121 en el cual moría, para seguir con las aventuras del Hombre Araña pero con Gwen viva y con la cual, eventualmente se casa. Debo confesarles que en algún momento, al planear la revisión, ya lo sé, inconclusa, de los primeros 50 años de Spider-man, pensé que ir metiendo la historia de su publicación en México, pero pronto desistí pues consideré que eso significaba una investigación por separado, y en la cual, quizás pronto me toparía con pared o con huecos en las fechas y datos, por tener tan poca documentación, sobre todo, precisamente, de las dos primeras editoriales que lo publicaron. De la tercera no tanto porque pues fue la que me tocó. Y aquí tenemos dicha prueba, porque corren diferentes versiones del por qué se decidió que se hicieran aventuras con Gwen Stacy viva. Total que tanto el tuit de Ryall como la respuesta del mencionado usuario con la portada del comic de El Sorprendente Hombre Araña 128, en el cual Peter y Gwen se casan se viralizaron, y llamaron la atención prácticamente de toda la industria del comic norteamericano, llegando hasta los oídos, o bueno, timeline de twitter de autores del personaje como Dan Slott y Gerry Conway, el escritor que se encargaba de los guiones de the Amazing Spider-man de esa época. Varios usuarios, a los cuales agradezco que me consultaran como referente, me preguntaron si era cierto, y sí, la verdad es que no es un secreto, no es algo que se acaba de descubrir y hasta es una historia conocida, hasta donde nos alcanza. Porque así entonces, comencemos a armar el hilo, y debo hacerle una mención a dos entrevistas que tanto el sitio La Covacha como la revista Comikaze, le hicieron a Jose Luis Durán, el dibujante de aquellas aventuras. Dos fuentes de información en las cuales confío completamente y los invito a buscarlos y seguirlos si es que no lo hacen ya. José Luis hacia mancuerna con el guionista Raúl Martínez González para publicar primero, una tira cómica, o sea en tira de periódico, de El Hombre Araña. De esta manera, Durán se convirtió en el primer mexicano que de manera oficial, dibujó al personaje, y además, muy temprano en su carrera, pues apenas había incursionado en la historieta. Tuvieron, sobre todo el escritor, completa libertad para hacer lo que quisieron, inclusive crear personajes propios, como El Doctor Fuego, Satánika, o el Puercoespín, por mencionar algunos. Esto fue a inicios de la decáda de los setenta, y es que recordemos que palabras como franquicia o globalización no eran algo que le preocupara no sólo a una editorial de comics, sino a muchas marcas. Esa libertad fue la que permitió que en México existieran nombres como Abelardo, Tribilin, Bruno Díaz, La Rana René y Fruti Lupis, para referinos a Big Bird, Goofy, Bruce Wayne, Kermit the Frog y los Froot Loops, por mencionar sólo algunos ejemplos. Como ustedes saben, hoy en día se arman guías del tamaño y longitud de un directorio telefónico con instrucciones precisas de colores, estilos y hasta situaciones en las cuales se puede y no hacer uso de un personaje, logotipo y adaptación. Entonces, la libertad que tenían estos dos autores mexicanos se extendió hacia el comic de El Sorprendente Hombre Araña publicado por editorial La Prensa, que adaptaban y traducían las historias del original The Amazing Spider-man. Sin embargo, al ser éste un comic mensual, y su versión mexicana, quincenal, entonces la editorial nacional los alcanzó y se quedaron sin material, por lo que decidieron sacar sus propias historias. Como verán, aquí se nos juntan dos teorías: la del cariño que el público le tenía a Gwen y la de la falta de nuevas historias provenientes de los creadores estadounidenses. Lo que sí, es que trataron de apegarse lo más posible al estilo del material de origen. Explica Jose Luis Durán que a veces esto era por voluntad propia, y a veces por exigencia de la editorial. Como por ejemplo, ahí si, ser fiel al diseño del traje de Spider-man, pero donde ahi no, en hacer a Stacy mucho más sexy a como la veíamos en la corrida de Estados Unidos. En palabras del dibujante: a los mexicanos nos gustan más rellenitas, más redonditas, con más curvas. Posteriormente, Durán hizo algunas sugerencias de historias, pues, de acuerdo con sus propias palabras, comenzaba a aburrirle la formulita en la cual había caído Martínez, y entonces llegó a convertirse también en guionista. La relación de Durán con El Hombre Araña se extendió cuando La Prensa dejó de publicar comics pero la editorial Macc División Historietas ya tenía listos los derechos para publicar no sólo Spider-man sino otros títulos de Marvel. Y nuevamente, se crearon historias propias de México en una publicación llamada Arañita: Super Historias, que en teoría tendría que ser traducciones de lo publicado en Spidey Super Stories, pero como que nunca les gustó el tratamiento y perfil que tenían éstas, y como ya sabían el camino, se siguieron con las suyas. Cabe aclarar y recalcar que tanto éstas como las del Sorprendente Hombre Araña, fueron realizadas si bien no con la total supervisión de Marvel, sí con su permiso, porque de hecho, la aprobación para que el señor Durán fuera el artista mexicano del personaje, también vino desde la editorial original. Y también hay que decirlo: en no pocas ocasiones, se calcaba o replicaba el arte original para incorporarlo en las historias mexicanas, pero no sólo de los comics del Hombre Araña, sino también de otros personajes, como Batman, como se puede ver en una portada del título de Arañita, donde prácticamente copiaron una portada de un comic del Hombre Murciélago. Y tampoco fueron los únicos, pues ahí está El Loco Rojo, un villano al cual se enfrentó Kaliman y que no era sino una copia tal cual de Galactus. Con todo éste escándalo, en el buen sentido de la palabra, de los números mexicanos de Spider-man, hasta The Guardian, el famoso portal, hizo un artículo sobre el tema, donde práticamente recapitula lo que les he contado aquí. ¿Que queda entonces por hacer para conocer más de ésta historia y crear una sólida conclusión sobre la razón por la cual se creó este universo alterno con Gwen Stacy y Peter Parker casados? Pues ir a la fuente original, y aprovechando su reciente visita a la convención La Mole, en marzo de 2019, aquí la entrevista que le hice al dibujante José Luis Durán (Escucha la entrevista en la versión del podcast al principio de este post). La versión más cercana es la de la falta del material original, a pesar de que si había un cariño especial, sobre todo por parte del dibujante, por Gwen Stacy. Lo que descubrimos gracias a sus propias palabras es que el matrimonio en realidad fue un sueño, y que ellos ya habían matado y revivido al Hombre Araña mucho antes que en el cómic norteamericano. A partir de ésta histora, el mencionado editor Ryall declaró posteriormente en twitter que pudo contactar al señor Durán para platicar sobre éstos mismos temas. IDW ha hecho un esfuerzo en los últimos años por sacar sus artist´s editions, que son recopilaciones en tamaño real, del arte de corridas legendarias, tomadas de los originales de los artistas. Ryall dice que si a Marvel le interesa, podrían hacer algo así con éste material mexicano, pero como ya escucharon, difícilmente sería del material original. Habría que hacerlo a partir de éstas copias o de algunos comics originales que todavía sobrevivan al paso del tiempo. Es así entonces, que le dedicamos éste podcast 250 de Capitán Pada y sus monitos, al folklore que forma la leyenda de El Hombre Araña, y sobre todo, aquellas áreas que alcanzan, cubren y complementan, el trabajo que se ha realizado en México, a través de sus artistas, de sus adaptaciones, de sus traducciones, de sus fans y hasta de sueños, en los cuales Peter Parker, se casa con Gwen Stacy.

Si las cuentas no me fallan, éste es el podcast 250 de Capitán Pada y sus monitos. Y si las cuentas a ustedes no les cuadran, pues es que en éste soft reboot que tuvimos pero manteniendo la numeración... Legacy, por llamarlo de alguna manera, se llega así a ésta cifra, sin contar algunos episodios que se han re-publicado, pero que no cuentan como nuevo podcast. Y miren, aunque no fuera, yo de todas maneras diría que es el 250 y que lo vamos a celebrar con un especial atípico a lo que han sido los últimos episodios. Y es que hoy conocerán, la verdadera historia del Spider-man mexicano. @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Todo comenzó un 16 de febrero de 2010, cuando el actual presidente, publisher y jefe creativo de la editorial IDW, Chris Ryall puso un tuit en su cuenta personal, en el cual le preguntaba a sus seguidores cuál serie de cómics o corrida que nunca se ha recopilado les gustaría que viera la luz. Le hicieron varias sugerencias diversas, hasta que el usuario @comickeys, aparentemente ubicado en California, Estados Unidos, le comentó sobre la versión de los setentas de Spider-man por parte de la editorial mexicana La Prensa. Según éste usuario, los responsables de la publicación no creían que los lectores seguirían leyendo el cómic con Gwen Stacy muerta, por lo que se crearon 45 números hechos en México, a partir del número 119, o sea antes del 121 en el cual moría, para seguir con las aventuras del Hombre Araña pero con Gwen viva y con la cual, eventualmente se casa. Debo confesarles que en algún momento, al planear la revisión, ya lo sé, inconclusa, de los primeros 50 años de Spider-man, pensé que ir metiendo la historia de su publicación en México, pero pronto desistí pues consideré que eso significaba una investigación por separado, y en la cual, quizás pronto me toparía con pared o con huecos en las fechas y datos, por tener tan poca documentación, sobre todo, precisamente, de las dos primeras editoriales que lo publicaron. De la tercera no tanto porque pues fue la que me tocó. Y aquí tenemos dicha prueba, porque corren diferentes versiones del por qué se decidió que se hicieran aventuras con Gwen Stacy viva. Total que tanto el tuit de Ryall como la respuesta del mencionado usuario con la portada del comic de El Sorprendente Hombre Araña 128, en el cual Peter y Gwen se casan se viralizaron, y llamaron la atención prácticamente de toda la industria del comic norteamericano, llegando hasta los oídos, o bueno, timeline de twitter de autores del personaje como Dan Slott y Gerry Conway, el escritor que se encargaba de los guiones de the Amazing Spider-man de esa época. Varios usuarios, a los cuales agradezco que me consultaran como referente, me preguntaron si era cierto, y sí, la verdad es que no es un secreto, no es algo que se acaba de descubrir y hasta es una historia conocida, hasta donde nos alcanza. Porque así entonces, comencemos a armar el hilo, y debo hacerle una mención a dos entrevistas que tanto el sitio La Covacha como la revista Comikaze, le hicieron a Jose Luis Durán, el dibujante de aquellas aventuras. Dos fuentes de información en las cuales confío completamente y los invito a buscarlos y seguirlos si es que no lo hacen ya. José Luis hacia mancuerna con el guionista Raúl Martínez González para publicar primero, una tira cómica, o sea en tira de periódico, de El Hombre Araña. De esta manera, Durán se convirtió en el primer mexicano que de manera oficial, dibujó al personaje, y además, muy temprano en su carrera, pues apenas había incursionado en la historieta. Tuvieron, sobre todo el escritor, completa libertad para hacer lo que quisieron, inclusive crear personajes propios, como El Doctor Fuego, Satánika, o el Puercoespín, por mencionar algunos. Esto fue a inicios de la decáda de los setenta, y es que recordemos que palabras como franquicia o globalización no eran algo que le preocupara no sólo a una editorial de comics, sino a muchas marcas. Esa libertad fue la que permitió que en México existieran nombres como Abelardo, Tribilin, Bruno Díaz, La Rana René y Fruti Lupis, para referinos a Big Bird, Goofy, Bruce Wayne, Kermit the Frog y los Froot Loops, por mencionar sólo algunos ejemplos. Como ustedes saben, hoy en día se arman guías del tamaño y longitud de un directorio telefónico con instrucciones precisas de colores, estilos y hasta situaciones en las cuales se puede y no hacer uso de un personaje, logotipo y adaptación. Entonces, la libertad que tenían estos dos autores mexicanos se extendió hacia el comic de El Sorprendente Hombre Araña publicado por editorial La Prensa, que adaptaban y traducían las historias del original The Amazing Spider-man. Sin embargo, al ser éste un comic mensual, y su versión mexicana, quincenal, entonces la editorial nacional los alcanzó y se quedaron sin material, por lo que decidieron sacar sus propias historias. Como verán, aquí se nos juntan dos teorías: la del cariño que el público le tenía a Gwen y la de la falta de nuevas historias provenientes de los creadores estadounidenses. Lo que sí, es que trataron de apegarse lo más posible al estilo del material de origen. Explica Jose Luis Durán que a veces esto era por voluntad propia, y a veces por exigencia de la editorial. Como por ejemplo, ahí si, ser fiel al diseño del traje de Spider-man, pero donde ahi no, en hacer a Stacy mucho más sexy a como la veíamos en la corrida de Estados Unidos. En palabras del dibujante: a los mexicanos nos gustan más rellenitas, más redonditas, con más curvas. Posteriormente, Durán hizo algunas sugerencias de historias, pues, de acuerdo con sus propias palabras, comenzaba a aburrirle la formulita en la cual había caído Martínez, y entonces llegó a convertirse también en guionista. La relación de Durán con El Hombre Araña se extendió cuando La Prensa dejó de publicar comics pero la editorial Macc División Historietas ya tenía listos los derechos para publicar no sólo Spider-man sino otros títulos de Marvel. Y nuevamente, se crearon historias propias de México en una publicación llamada Arañita: Super Historias, que en teoría tendría que ser traducciones de lo publicado en Spidey Super Stories, pero como que nunca les gustó el tratamiento y perfil que tenían éstas, y como ya sabían el camino, se siguieron con las suyas. Cabe aclarar y recalcar que tanto éstas como las del Sorprendente Hombre Araña, fueron realizadas si bien no con la total supervisión de Marvel, sí con su permiso, porque de hecho, la aprobación para que el señor Durán fuera el artista mexicano del personaje, también vino desde la editorial original. Y también hay que decirlo: en no pocas ocasiones, se calcaba o replicaba el arte original para incorporarlo en las historias mexicanas, pero no sólo de los comics del Hombre Araña, sino también de otros personajes, como Batman, como se puede ver en una portada del título de Arañita, donde prácticamente copiaron una portada de un comic del Hombre Murciélago. Y tampoco fueron los únicos, pues ahí está El Loco Rojo, un villano al cual se enfrentó Kaliman y que no era sino una copia tal cual de Galactus. Con todo éste escándalo, en el buen sentido de la palabra, de los números mexicanos de Spider-man, hasta The Guardian, el famoso portal, hizo un artículo sobre el tema, donde práticamente recapitula lo que les he contado aquí. ¿Que queda entonces por hacer para conocer más de ésta historia y crear una sólida conclusión sobre la razón por la cual se creó este universo alterno con Gwen Stacy y Peter Parker casados? Pues ir a la fuente original, y aprovechando su reciente visita a la convención La Mole, en marzo de 2019, aquí la entrevista que le hice al dibujante José Luis Durán (Escucha la entrevista en la versión del podcast al principio de este post). La versión más cercana es la de la falta del material original, a pesar de que si había un cariño especial, sobre todo por parte del dibujante, por Gwen Stacy. Lo que descubrimos gracias a sus propias palabras es que el matrimonio en realidad fue un sueño, y que ellos ya habían matado y revivido al Hombre Araña mucho antes que en el cómic norteamericano. A partir de ésta histora, el mencionado editor Ryall declaró posteriormente en twitter que pudo contactar al señor Durán para platicar sobre éstos mismos temas. IDW ha hecho un esfuerzo en los últimos años por sacar sus artist´s editions, que son recopilaciones en tamaño real, del arte de corridas legendarias, tomadas de los originales de los artistas. Ryall dice que si a Marvel le interesa, podrían hacer algo así con éste material mexicano, pero como ya escucharon, difícilmente sería del material original. Habría que hacerlo a partir de éstas copias o de algunos comics originales que todavía sobrevivan al paso del tiempo. Es así entonces, que le dedicamos éste podcast 250 de Capitán Pada y sus monitos, al folklore que forma la leyenda de El Hombre Araña, y sobre todo, aquellas áreas que alcanzan, cubren y complementan, el trabajo que se ha realizado en México, a través de sus artistas, de sus adaptaciones, de sus traducciones, de sus fans y hasta de sueños, en los cuales Peter Parker, se casa con Gwen Stacy.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Habrá a quien le gusten las fórmulas. Las de los guiones de las películas de terror, las de los guiones de las chick flicks y las de los guiones de las películas de superhéroes. Porque no nos gusta el cambio, lo que nos gusta es el sentimiento de cambio. Casi siempre. La fórmula de personaje principal se convierte en superhéroe y se enfrenta a una versión maligna con sus mismos superpoderes pero mejorados se estaba desgastando. Y entonces llegó “Capitana Marvel” para contarnos, sí, una historia de cómo se convierte en superheroína, pero por lo menos, no haciendola lineal, jugando con el presente y con el pasado. El problema que tiene la cinta, es que no le salió. Y es que provoca el sentimiento que te aflige cuando llegas a una fiesta y ya pincharon las mejores canciones, ya mostraron los mejores memes y ya ocurrieron las mejores anécdotas. Sí, eventualmente te pondrás al corriente, pero para cuando ésto ocurre, ya no sabes si quieres quedarte en ésta fiesta. “Captain Marvel” busca meterte de lleno en la acción durante los primeros minutos. Pero no estás involucrado. Porque no tienes interés por éstos personajes. Porque aún no los conoces. No sabes a cuál quieres que golpeen y a cual no. Y entonces, cuando comienza a explicarte, quizás, sólo quizás, ya sea demasiado tarde. Recuperar nuestra atención será difícil, por lo que la película se mueve en un terreno plano, con pocas sorpresas. Por si fuera poco, no sólo no hay escenas y situaciones que sumen, sino que hay otras que restan. La explicación del porqué Nick Fury perdió el ojo no sólo es innecesaria, sino ridícula. Qué rebajada le han dado al fundador de la Iniciativa Avenger. A uno de los estrategas más inteligentes de éste universo. Vencido por un arañazo de gato. Es tanto o más ridículo que aquél pasaje en el cual nos explicaron que Han Solo se apellida “Solo”, pues porque viene solo. En la explotación de la nostalgia y los revivals de otras épocas, la música ha jugado un papel muy importante para entregar el paquete completo. Todos chuleamos la elección de canciones en Stranger Things. Pero hasta en ésto, hay que tener oficio. “Aventar” canciones de la década de los noventa sin una curaduría muy específica, pareciera más que nos están presumiendo que obtuvieron la licencia del trabajo de Nirvana, Garbage, Hole, TLC y R.E.M. que realmente sirvan para ilustrar lo que está ocurriendo en la cinta. Las únicas excepciones en ésta película son el uso atinado de “Just a girl” de No Doubt, y la playera de NIN de Carol Danvers. Esta película, para mi, es un déjà vu y me remontó al 2011, cuando se estrenó “Captain America: The First Avenger”. La película que va antes de “Avengers”. Y que me dejó preocupado, por la manera en la cual llegábamos a la primera reunión de dichos protagonistas. Ahora, tengo el mismo sentimiento. El más reciente estreno del Universo Cinematográfico de Marvel es la cinta previa a “Avengers: Endgame” y estamos llegando en no muy óptimas condiciones. Vaya coincidencia que las dos películas que me dejaron este sabor amargo, están protagonizadas por un(a) “Capitán”. Y por si fuera poco, la escena post-créditos que nos liga con la mencionada siguiente entrega de los Vengadores, es obvia. Pero “obvia” en tonto. Es lo que queríamos y lo que esperábamos. Pero los realizadores no están ahí para darnos lo que queremos y lo que esperamos. Están ahí para darnos lo que queremos y lo que esperamos, pero no cómo lo queríamos y lo esperábamos, sino sorprendiéndonos. Queríamos y sabíamos que ibamos a ver a la Capitan Marvel al lado de los Avengers. Y que nos dieron? A la Capitana Marvel al lado de los Avengers. Así, sin pensarle ni un tantito más. “Captain Marvel” cuenta con una llamativa protagonista, literal y figurativamente. Con un elenco y situaciones que, rumbo al futuro, tienen mucho potencial. Pero mientras llegamos ahí, esta primera entrega arranca con muchas impurezas en el motor. Recuerden que si quieren conocer los los easter eggs, curiosidades y referencias, entonces consulten esta reseña en su versión podcast, aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Habrá a quien le gusten las fórmulas. Las de los guiones de las películas de terror, las de los guiones de las chick flicks y las de los guiones de las películas de superhéroes. Porque no nos gusta el cambio, lo que nos gusta es el sentimiento de cambio. Casi siempre. La fórmula de personaje principal se convierte en superhéroe y se enfrenta a una versión maligna con sus mismos superpoderes pero mejorados se estaba desgastando. Y entonces llegó “Capitana Marvel” para contarnos, sí, una historia de cómo se convierte en superheroína, pero por lo menos, no haciendola lineal, jugando con el presente y con el pasado. El problema que tiene la cinta, es que no le salió. Y es que provoca el sentimiento que te aflige cuando llegas a una fiesta y ya pincharon las mejores canciones, ya mostraron los mejores memes y ya ocurrieron las mejores anécdotas. Sí, eventualmente te pondrás al corriente, pero para cuando ésto ocurre, ya no sabes si quieres quedarte en ésta fiesta. “Captain Marvel” busca meterte de lleno en la acción durante los primeros minutos. Pero no estás involucrado. Porque no tienes interés por éstos personajes. Porque aún no los conoces. No sabes a cuál quieres que golpeen y a cual no. Y entonces, cuando comienza a explicarte, quizás, sólo quizás, ya sea demasiado tarde. Recuperar nuestra atención será difícil, por lo que la película se mueve en un terreno plano, con pocas sorpresas. Por si fuera poco, no sólo no hay escenas y situaciones que sumen, sino que hay otras que restan. La explicación del porqué Nick Fury perdió el ojo no sólo es innecesaria, sino ridícula. Qué rebajada le han dado al fundador de la Iniciativa Avenger. A uno de los estrategas más inteligentes de éste universo. Vencido por un arañazo de gato. Es tanto o más ridículo que aquél pasaje en el cual nos explicaron que Han Solo se apellida “Solo”, pues porque viene solo. En la explotación de la nostalgia y los revivals de otras épocas, la música ha jugado un papel muy importante para entregar el paquete completo. Todos chuleamos la elección de canciones en Stranger Things. Pero hasta en ésto, hay que tener oficio. “Aventar” canciones de la década de los noventa sin una curaduría muy específica, pareciera más que nos están presumiendo que obtuvieron la licencia del trabajo de Nirvana, Garbage, Hole, TLC y R.E.M. que realmente sirvan para ilustrar lo que está ocurriendo en la cinta. Las únicas excepciones en ésta película son el uso atinado de “Just a girl” de No Doubt, y la playera de NIN de Carol Danvers. Esta película, para mi, es un déjà vu y me remontó al 2011, cuando se estrenó “Captain America: The First Avenger”. La película que va antes de “Avengers”. Y que me dejó preocupado, por la manera en la cual llegábamos a la primera reunión de dichos protagonistas. Ahora, tengo el mismo sentimiento. El más reciente estreno del Universo Cinematográfico de Marvel es la cinta previa a “Avengers: Endgame” y estamos llegando en no muy óptimas condiciones. Vaya coincidencia que las dos películas que me dejaron este sabor amargo, están protagonizadas por un(a) “Capitán”. Y por si fuera poco, la escena post-créditos que nos liga con la mencionada siguiente entrega de los Vengadores, es obvia. Pero “obvia” en tonto. Es lo que queríamos y lo que esperábamos. Pero los realizadores no están ahí para darnos lo que queremos y lo que esperamos. Están ahí para darnos lo que queremos y lo que esperamos, pero no cómo lo queríamos y lo esperábamos, sino sorprendiéndonos. Queríamos y sabíamos que ibamos a ver a la Capitan Marvel al lado de los Avengers. Y que nos dieron? A la Capitana Marvel al lado de los Avengers. Así, sin pensarle ni un tantito más. “Captain Marvel” cuenta con una llamativa protagonista, literal y figurativamente. Con un elenco y situaciones que, rumbo al futuro, tienen mucho potencial. Pero mientras llegamos ahí, esta primera entrega arranca con muchas impurezas en el motor. Recuerden que si quieren conocer los los easter eggs, curiosidades y referencias, entonces consulten esta reseña en su versión podcast, aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook No lo pude evitar. Mientras transcurría el primer episodio de “Titans”, me imaginaba la instrucción que se había dado desde las oficinas de Warner Bros: “Queremos nuestra Daredevil”. El problema es que a Daredevil, y a Jessica Jones y a Luke Cage y a The Punisher, el tono les va. No así al micro-universo de los Teen Titans. Se necesita algo más que un “Fuck Batman” pronunciado por Robin, o sangre salpicando a la menor provocación para sobresalir de entre la variada y múltiple oferta de contenido que tenemos hoy en día. Afortunadamente, todo mejora. Y de que manera. El episodio número 2 cambió completamente mi percepción y jamás me imaginé que me emocionaría tanto ver una versión en vivo de Hawk and Dove. Y no porque pudiera declararme fan de los personajes, porque, seamos sinceros, es difícil ser fan de un equipo que, de las cinco series de cómic que ha tenido, sólo una ha superado los 10 números. Más bien es la manera en la cual se detuvieron para presentarlos y contar su origen, sin que esto se sienta como un episodio aparte. Y entonces entendí a quién le debíamos dar las gracias y confiar más en sus nombres. Akiva Goldsman, quien afortunadamente se ha alejado de su trabajo para las películas Batman Forever y Batman and Robin, para ganar el Oscar y Globo de Oro por Mejor Guión Adaptado por A beatiful mind. El nombre de Greg Berlanti tampoco es desconocido, sobre todo en los últimos años, pues es una figura involucrada no sólo en el Arrowverse, sino también en las adaptaciones televisivas de Riverdale y Sabrina. Y por último, pero no menos importante, Geof Johhns. He aquí una de las razones por las cuales renunció a ser Chief Creative Officer de DC Entertainment, para volver al campo de batalla. Y encargarse, por ejemplo, del guión de por lo menos tres episodios de Titans. Y así como hemos aprendido a ser pacientes y no juzgar por sólo un episodio, la historia también nos ha enseñando, bueno no a todos... bueno, a pocos, a que esperemos al resultado final antes de llorar por nuestra infancia por las fotografías del producto, tanto las oficiales como las filtradas. Pronto en Titans se nos olvida el aspecto físico de Starfire puesto que el personaje es lo suficientemente fuerte como para interesarnos por ella. Y lo mismo con el resto del elenco... excepto Dick Grayson. Es muy interesante el momento de su vida en el cual lo conocemos. En la transición entre el sidekick y el superhéroe independiente. El no saber si cortar completamente con su pasado, pero reconociendo que tiene una gran deuda con Bruce Wayne. Tiene líneas muy interesantes pero desafortunadamente el actor Brenton Thwaites se queda corto, muy corto, en el que debería ser el personaje con mayor personalidad del grupo entero. Esperemos, que una vez que ya lo conoce y sabe para dónde va, mejore en la segunda temporada. Me hace pensar que estamos en 2019, y es increíble que no tengamos una buena versión de Robin en live action. Tuvimos una, y nadie quiere recordarla, y en la trilogía de Nolan, solamente quedó insinuado. Mención aparte hay que darle al soundtrack de la serie, pues la selección de las canciones que aparecen se sienten cuidadas y le dan color a las escenas. Lo mismo podemos escuchar a Nathaniel Rateliff como los Foo Fighters, MGMT, LCD Soundsystem y hasta a los Beach Boys para ilustrar la vida falsa y linda que tiene Dick Grayson en el último episodio. En lo único en lo que fallaron fue en meter a AC/DC. Y aprovecho para enviar un mensaje: a partir de este momento, queda prohibidísimo usar cualquier canción de dicha banda para serie o película de superhéroes o de acción. Basta. Echenle más ganitas. Hay vida fuera de AC/DC. En resumen, este nuevo micro-universo de las series del servicio de stream DC Universe, comienza bien, es atrevido y como en todo, una sólida base hace toda la diferencia para tener un futuro prometedor. Recuerden que si quieren conocer los easter eggs, curiosidades y referencias de “Titans” entonces escuchan esta reseña en su versión podcast, aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook No lo pude evitar. Mientras transcurría el primer episodio de “Titans”, me imaginaba la instrucción que se había dado desde las oficinas de Warner Bros: “Queremos nuestra Daredevil”. El problema es que a Daredevil, y a Jessica Jones y a Luke Cage y a The Punisher, el tono les va. No así al micro-universo de los Teen Titans. Se necesita algo más que un “Fuck Batman” pronunciado por Robin, o sangre salpicando a la menor provocación para sobresalir de entre la variada y múltiple oferta de contenido que tenemos hoy en día. Afortunadamente, todo mejora. Y de que manera. El episodio número 2 cambió completamente mi percepción y jamás me imaginé que me emocionaría tanto ver una versión en vivo de Hawk and Dove. Y no porque pudiera declararme fan de los personajes, porque, seamos sinceros, es difícil ser fan de un equipo que, de las cinco series de cómic que ha tenido, sólo una ha superado los 10 números. Más bien es la manera en la cual se detuvieron para presentarlos y contar su origen, sin que esto se sienta como un episodio aparte. Y entonces entendí a quién le debíamos dar las gracias y confiar más en sus nombres. Akiva Goldsman, quien afortunadamente se ha alejado de su trabajo para las películas Batman Forever y Batman and Robin, para ganar el Oscar y Globo de Oro por Mejor Guión Adaptado por A beatiful mind. El nombre de Greg Berlanti tampoco es desconocido, sobre todo en los últimos años, pues es una figura involucrada no sólo en el Arrowverse, sino también en las adaptaciones televisivas de Riverdale y Sabrina. Y por último, pero no menos importante, Geof Johhns. He aquí una de las razones por las cuales renunció a ser Chief Creative Officer de DC Entertainment, para volver al campo de batalla. Y encargarse, por ejemplo, del guión de por lo menos tres episodios de Titans. Y así como hemos aprendido a ser pacientes y no juzgar por sólo un episodio, la historia también nos ha enseñando, bueno no a todos... bueno, a pocos, a que esperemos al resultado final antes de llorar por nuestra infancia por las fotografías del producto, tanto las oficiales como las filtradas. Pronto en Titans se nos olvida el aspecto físico de Starfire puesto que el personaje es lo suficientemente fuerte como para interesarnos por ella. Y lo mismo con el resto del elenco... excepto Dick Grayson. Es muy interesante el momento de su vida en el cual lo conocemos. En la transición entre el sidekick y el superhéroe independiente. El no saber si cortar completamente con su pasado, pero reconociendo que tiene una gran deuda con Bruce Wayne. Tiene líneas muy interesantes pero desafortunadamente el actor Brenton Thwaites se queda corto, muy corto, en el que debería ser el personaje con mayor personalidad del grupo entero. Esperemos, que una vez que ya lo conoce y sabe para dónde va, mejore en la segunda temporada. Me hace pensar que estamos en 2019, y es increíble que no tengamos una buena versión de Robin en live action. Tuvimos una, y nadie quiere recordarla, y en la trilogía de Nolan, solamente quedó insinuado. Mención aparte hay que darle al soundtrack de la serie, pues la selección de las canciones que aparecen se sienten cuidadas y le dan color a las escenas. Lo mismo podemos escuchar a Nathaniel Rateliff como los Foo Fighters, MGMT, LCD Soundsystem y hasta a los Beach Boys para ilustrar la vida falsa y linda que tiene Dick Grayson en el último episodio. En lo único en lo que fallaron fue en meter a AC/DC. Y aprovecho para enviar un mensaje: a partir de este momento, queda prohibidísimo usar cualquier canción de dicha banda para serie o película de superhéroes o de acción. Basta. Echenle más ganitas. Hay vida fuera de AC/DC. En resumen, este nuevo micro-universo de las series del servicio de stream DC Universe, comienza bien, es atrevido y como en todo, una sólida base hace toda la diferencia para tener un futuro prometedor. Recuerden que si quieren conocer los easter eggs, curiosidades y referencias de “Titans” entonces escuchan esta reseña en su versión podcast, aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Este no es mi Hombre Araña. Conforme nos fueron soltando adelantos de Spider-man: Into the Spider-verse fue creciendo el miedo dentro de mí. Temía que, para engrandecer y posicionar entre una mayor audiencia a Miles Morales, empequeñecieran y degradaran a Peter Parker. Y entonces recordé aquél tuit que me llevó a ver Cars 3 que decía algo así como que, conforme estábamos más cerca del final del Universo Cinematográfico de Marvel, éste debería de estudiar de la cinta de Pixar el cómo se puede hacer un cambio de estafeta de manera inteligente, digna y respetuosa. Ese Peter Parker panzó y desaliñado, y que, caray, aparecía columpiándose en pants, no era mi Hombre Araña. Pero conforme avanzó la cinta, no sólo decidí dejarme de preocupar por ello, sino hacerle caso a los multiversos: por más que pareciera que quisieran dejar en claro que éste era el Spider-man original, preferí verlo como uno de un futuro alterno. Como hay muchos, como hay cientos en los cómics. Mi sorpresa es que esa sería la primera lección que me daría la película. Y a la segunda, llego en unos momentos más. Porque primero quiero hablar del diseño y la imagen de éste material. De su propuesta visual que ha sido aplaudida por la crítica y especialistas que le saben a ésto, pero en general por toda la audiencia que no puede negar que es un agasajo para los ojos tener algo así de frente. Que empleó técnicas, estilos y herramientas para crear su propia identidad, aunque me hubiera gustado que fueran más claros en sus propias reglas. Por ejemplo: ¿Por qué a veces sí las onomatopeyas y a veces no? Me respondo a mi mismo pensando en que abusar de ese u otro recurso podría afectar la atención del espectador pero también es cierto que me quedé con ganas de ver más de ese y muchos otros elementos. En el tema de abusos, también es cierto que dentro de la inteligencia que tiene el guión de la película, fue una decisión acertada no permitir que Spider-Ham se llevara la cinta como el recurso cómico, situación peligrosa y que en muchas ocasiones, ha provocado una desilusión para productos que pudieron haber ofrecido mucho más. Inteligencia que también muestra al presentarnos los complejos conceptos de los multiversos que, si se tratan con descuido, podrían espantar para siempre a la audiencia de historias de éste tipo. Así, están asegurando que todos regresemos para la secuela, y también para el rumorado spin-off con más Mujeres Araña como protagonistas. Ese no era mi Hombre Araña. Me quedaba claro. Es más, mi Hombre Araña es el de Romita y el de Mary Jane. Pero lo mejor de Spider-man: Into the Spider-verse me daría una pequeña cachetada: su mensaje. Claro que no era mi Hombre Araña. Porque para mi Hombre Araña, ahí tengo mis comics. Los viejos y los nuevos. Y las otras películas. Y las otras caricaturas. ¿Quién sino Stan Lee para darnos nuevamente una y más lecciones? Al decirle a Miles, y de paso, a nosotros que la máscara y el traje, siempre terminan por quedarnos. Al decirnos, en la escena de mitad de crétidos que la persona que ayuda a los demás simplemente porque debe hacerlo y porque es lo correcto, sin duda alguna es un verdadero superhéroe. Frase acompañada de un agradecimiento por parte de los realizadores para Stan Lee y Steve Ditko, por decirnos que no somos los únicos. Porque ahí radica la importancia de que exista un Miles Morales. Y una Spider-Gwen, y una Peni Parker. Porque hay voces que dicen que deberían crear nuevos personajes en lugar de “meterse” con los clásicos. Y lloran cuando hay un Capitán América afroamericano y una Thor mujer. La creación de nuevos personajes está bien. Pero mejor está que Miles Morales no sea un Spider-kid o el Sneakers Spider. Sino que sea un Spider-man. Porque, sí, eventualmente, el traje termina por ajustarse. Y para ese niño que acaba de ver Spider-man: Into the Spider-verse, ese será su Hombre Araña. Ese no era mi Hombre Araña. Porque yo ya tengo el mío. Y espero, que ustedes, también tengan el suyo. No somos los únicos. Si quieren conocer las referencias, curiosidades y los easter eggs de Spider-man: Into the Spider-verse entonces escuchen esta reseña en su versión podcast.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada galgodromo.com @pistagalgodromo en Twitter y en Facebook Este no es mi Hombre Araña. Conforme nos fueron soltando adelantos de Spider-man: Into the Spider-verse fue creciendo el miedo dentro de mí. Temía que, para engrandecer y posicionar entre una mayor audiencia a Miles Morales, empequeñecieran y degradaran a Peter Parker. Y entonces recordé aquél tuit que me llevó a ver Cars 3 que decía algo así como que, conforme estábamos más cerca del final del Universo Cinematográfico de Marvel, éste debería de estudiar de la cinta de Pixar el cómo se puede hacer un cambio de estafeta de manera inteligente, digna y respetuosa. Ese Peter Parker panzó y desaliñado, y que, caray, aparecía columpiándose en pants, no era mi Hombre Araña. Pero conforme avanzó la cinta, no sólo decidí dejarme de preocupar por ello, sino hacerle caso a los multiversos: por más que pareciera que quisieran dejar en claro que éste era el Spider-man original, preferí verlo como uno de un futuro alterno. Como hay muchos, como hay cientos en los cómics. Mi sorpresa es que esa sería la primera lección que me daría la película. Y a la segunda, llego en unos momentos más. Porque primero quiero hablar del diseño y la imagen de éste material. De su propuesta visual que ha sido aplaudida por la crítica y especialistas que le saben a ésto, pero en general por toda la audiencia que no puede negar que es un agasajo para los ojos tener algo así de frente. Que empleó técnicas, estilos y herramientas para crear su propia identidad, aunque me hubiera gustado que fueran más claros en sus propias reglas. Por ejemplo: ¿Por qué a veces sí las onomatopeyas y a veces no? Me respondo a mi mismo pensando en que abusar de ese u otro recurso podría afectar la atención del espectador pero también es cierto que me quedé con ganas de ver más de ese y muchos otros elementos. En el tema de abusos, también es cierto que dentro de la inteligencia que tiene el guión de la película, fue una decisión acertada no permitir que Spider-Ham se llevara la cinta como el recurso cómico, situación peligrosa y que en muchas ocasiones, ha provocado una desilusión para productos que pudieron haber ofrecido mucho más. Inteligencia que también muestra al presentarnos los complejos conceptos de los multiversos que, si se tratan con descuido, podrían espantar para siempre a la audiencia de historias de éste tipo. Así, están asegurando que todos regresemos para la secuela, y también para el rumorado spin-off con más Mujeres Araña como protagonistas. Ese no era mi Hombre Araña. Me quedaba claro. Es más, mi Hombre Araña es el de Romita y el de Mary Jane. Pero lo mejor de Spider-man: Into the Spider-verse me daría una pequeña cachetada: su mensaje. Claro que no era mi Hombre Araña. Porque para mi Hombre Araña, ahí tengo mis comics. Los viejos y los nuevos. Y las otras películas. Y las otras caricaturas. ¿Quién sino Stan Lee para darnos nuevamente una y más lecciones? Al decirle a Miles, y de paso, a nosotros que la máscara y el traje, siempre terminan por quedarnos. Al decirnos, en la escena de mitad de crétidos que la persona que ayuda a los demás simplemente porque debe hacerlo y porque es lo correcto, sin duda alguna es un verdadero superhéroe. Frase acompañada de un agradecimiento por parte de los realizadores para Stan Lee y Steve Ditko, por decirnos que no somos los únicos. Porque ahí radica la importancia de que exista un Miles Morales. Y una Spider-Gwen, y una Peni Parker. Porque hay voces que dicen que deberían crear nuevos personajes en lugar de “meterse” con los clásicos. Y lloran cuando hay un Capitán América afroamericano y una Thor mujer. La creación de nuevos personajes está bien. Pero mejor está que Miles Morales no sea un Spider-kid o el Sneakers Spider. Sino que sea un Spider-man. Porque, sí, eventualmente, el traje termina por ajustarse. Y para ese niño que acaba de ver Spider-man: Into the Spider-verse, ese será su Hombre Araña. Ese no era mi Hombre Araña. Porque yo ya tengo el mío. Y espero, que ustedes, también tengan el suyo. No somos los únicos. Si quieren conocer las referencias, curiosidades y los easter eggs de Spider-man: Into the Spider-verse entonces escuchen esta reseña en su versión podcast.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada Me gusta el sashimi. De hecho, durante mucho tiempo, era la única comida japonesa que comía, además del arroz. Pero hoy en día, y con el paso de los años, si me das a elegir entre éste pescado crudo o uno preparado de diferente manera, entonces escogeré algunas de las variedades de la segunda opción. La película de Aquaman es sashimi. Sabe bien, pero pudo haber estado mejor. Y el responsable, es el director James Wan. Y me duele reconocerlo, al ser el creador de una de mis sagas favoritas: Saw. Y lo peor, es que su mayor deficiencia la encuentro en la dirección de actores, habilidad que, citando a la misma Saw sabemos que puede hacer. Sin embargo, no dejó de distraerme durante toda la película del superhéroe de DC Comics la debilidad que muestran, sobre todo Jason Momoa y Amber Heard en no pocas secuencias de la cinta. Pero también falla con Nicole Kidman, y con Willem Dafoe. Nos duele verlo en un papel tan plano, y no podemos evitar recordar lo bien que lo hizo interpretando al Duende Verde, o mejor dicho, a Norman Osborn, en la primer película de Spider-man Quizás engañándome a mi mismo, podría decir que no fue culpa de Wan, sino posiblemente de una presión exterior que le evitó poder repetir algunas tomas hasta que se pudiera pulir y entregarnos una cinta más consistente, más maciza... más cocida, pues. La columna vertebral del guión de Aquaman, es fuerte. Es una creación del mencionado Wan, además de Will Beall y de Geoff Johns. Para los seguidores de los comics, y supongo, de éste podcasts, éste último no les debe extrañar nada, ya que, entre muchos trabajos en las historietas, fue lo que hizo mientras era el responsable de las aventuras de Linterna Verde lo que lo convirtió en Director Creativo de DC Entertainment, hasta hace poco tiempo. El librarse de esta responsabilidad le permitió tener tiempo no sólo para regresar a escribir comics, sino también para meterse en el guión de Aquaman, y también en el de la secuela de la película de la Mujer Maravilla. Y quizás, sin saberlo, cuando por allá del 2011 y hasta el 2013 se hizo cargo del relanzamiento del comic de Aquaman como parte de la etapa conocida como Los Nuevos 52, estaba presentando el pitch perfecto para la cinta del hombre mitad atlante y mitad humano pues si ustedes se quedaron con el interés de leer más sobre Aquaman, el primer material al que deben recurrir, es éste. Y por ello, todos los elementos de esas aventuras funcionan muy bien. Desde el cómo se establece a los siete reinos, hasta las terroríficas criaturas de the trench, pasando por la aparición de su hermano Orm, de Mera, de Shin, de Vulko y de todos los personajes a los cuales Johns recurrió en su paso por el comic, y de los cuales ya les explicaré más en los easter eggs. Pero insisto, todo eso hacen la columna del guión. Sin embargo, existen huequitos provocados cuando los guionistas no se pasan del otro lado de la pantalla y entonces creen que ya todo quedó explicado, cuando en realidad, están permitiendo que la audiencia responda a sus propias dudas con un “pues porque si”. Porqué Mera tiene el poder de manipular el agua y los otros atlantes no? La respuesta en los comics es clara. En la cinta, parece ser que es un “pues porque si”. Son además las pequeñas desviaciones en el guión las que no aportan y sí quitan. Si, como ese momento en el cual pareciera más una película de Lara Croft, como si estas fueran buena referencia, que una de Aquaman. Si, como esos momentos en los cuales vemos tanto a Atlanna como a Mera, comportarse como La Sirenita cuando desconoce el uso de un cachivache. Hasta en el pelo rojo se parecen. Este tipo de gags ya los habíamos visto en Thor, ya los habíamos visto en Wonder Woman, así que... eran necesarios? La respuesta es “No”. Aquaman, la película, tiene la mejor de las intenciones de los responsables. Y no me malinterpreten, deben estar satisfechos con su trabajo. Porque entregaron un producto que puede sostenerse por sí solo, y eso debe de reconocerse y aplaudirse. No será la mejor entrega de la más reciente etapa de las películas basadas en los personajes de DC Comics, pero vamos a darle un sello de aprobación por no quedarse en el intento y crear, a partir de ya, su propia mitología, de la cual, eso sí, queremos ver más. Y recuerden que si quieren conocer los easter eggs, datos curiosos y referencias de ésta película, pueden escuchar esta reseña en su versión podcast aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada Me gusta el sashimi. De hecho, durante mucho tiempo, era la única comida japonesa que comía, además del arroz. Pero hoy en día, y con el paso de los años, si me das a elegir entre éste pescado crudo o uno preparado de diferente manera, entonces escogeré algunas de las variedades de la segunda opción. La película de Aquaman es sashimi. Sabe bien, pero pudo haber estado mejor. Y el responsable, es el director James Wan. Y me duele reconocerlo, al ser el creador de una de mis sagas favoritas: Saw. Y lo peor, es que su mayor deficiencia la encuentro en la dirección de actores, habilidad que, citando a la misma Saw sabemos que puede hacer. Sin embargo, no dejó de distraerme durante toda la película del superhéroe de DC Comics la debilidad que muestran, sobre todo Jason Momoa y Amber Heard en no pocas secuencias de la cinta. Pero también falla con Nicole Kidman, y con Willem Dafoe. Nos duele verlo en un papel tan plano, y no podemos evitar recordar lo bien que lo hizo interpretando al Duende Verde, o mejor dicho, a Norman Osborn, en la primer película de Spider-man Quizás engañándome a mi mismo, podría decir que no fue culpa de Wan, sino posiblemente de una presión exterior que le evitó poder repetir algunas tomas hasta que se pudiera pulir y entregarnos una cinta más consistente, más maciza... más cocida, pues. La columna vertebral del guión de Aquaman, es fuerte. Es una creación del mencionado Wan, además de Will Beall y de Geoff Johns. Para los seguidores de los comics, y supongo, de éste podcasts, éste último no les debe extrañar nada, ya que, entre muchos trabajos en las historietas, fue lo que hizo mientras era el responsable de las aventuras de Linterna Verde lo que lo convirtió en Director Creativo de DC Entertainment, hasta hace poco tiempo. El librarse de esta responsabilidad le permitió tener tiempo no sólo para regresar a escribir comics, sino también para meterse en el guión de Aquaman, y también en el de la secuela de la película de la Mujer Maravilla. Y quizás, sin saberlo, cuando por allá del 2011 y hasta el 2013 se hizo cargo del relanzamiento del comic de Aquaman como parte de la etapa conocida como Los Nuevos 52, estaba presentando el pitch perfecto para la cinta del hombre mitad atlante y mitad humano pues si ustedes se quedaron con el interés de leer más sobre Aquaman, el primer material al que deben recurrir, es éste. Y por ello, todos los elementos de esas aventuras funcionan muy bien. Desde el cómo se establece a los siete reinos, hasta las terroríficas criaturas de the trench, pasando por la aparición de su hermano Orm, de Mera, de Shin, de Vulko y de todos los personajes a los cuales Johns recurrió en su paso por el comic, y de los cuales ya les explicaré más en los easter eggs. Pero insisto, todo eso hacen la columna del guión. Sin embargo, existen huequitos provocados cuando los guionistas no se pasan del otro lado de la pantalla y entonces creen que ya todo quedó explicado, cuando en realidad, están permitiendo que la audiencia responda a sus propias dudas con un “pues porque si”. Porqué Mera tiene el poder de manipular el agua y los otros atlantes no? La respuesta en los comics es clara. En la cinta, parece ser que es un “pues porque si”. Son además las pequeñas desviaciones en el guión las que no aportan y sí quitan. Si, como ese momento en el cual pareciera más una película de Lara Croft, como si estas fueran buena referencia, que una de Aquaman. Si, como esos momentos en los cuales vemos tanto a Atlanna como a Mera, comportarse como La Sirenita cuando desconoce el uso de un cachivache. Hasta en el pelo rojo se parecen. Este tipo de gags ya los habíamos visto en Thor, ya los habíamos visto en Wonder Woman, así que... eran necesarios? La respuesta es “No”. Aquaman, la película, tiene la mejor de las intenciones de los responsables. Y no me malinterpreten, deben estar satisfechos con su trabajo. Porque entregaron un producto que puede sostenerse por sí solo, y eso debe de reconocerse y aplaudirse. No será la mejor entrega de la más reciente etapa de las películas basadas en los personajes de DC Comics, pero vamos a darle un sello de aprobación por no quedarse en el intento y crear, a partir de ya, su propia mitología, de la cual, eso sí, queremos ver más. Y recuerden que si quieren conocer los easter eggs, datos curiosos y referencias de ésta película, pueden escuchar esta reseña en su versión podcast aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG: elinstadepada Nada como ir a ver una película y crearte tu propio juicio. Por eso, las opiniones vertidas en éste espacio cuando se trate de reseñas, básicamente se reducirán a dos caminos: a que no dejes pasar una película, y sobre todo, a que, con base en lo me leíste, decidas si quieras verla o no. Difícilmente les diré que no vean algo. Háganle caso a su instinto. Porque imagínense, si todos le hubíeramos prestado demasiada atención a las primeras críticas de la película de Venom, entonces ésta no hubiera roto el récord de mejor estreno en octubre de todos los tiempos. Que no está taaaan complicado, considerando que no hay estrenos fuertes y que se encuentra entre el limbo de los estrenos del verano y los estrenos de Navidad. Ahora bien: claro que se van a encontrar con una película que no cumple con lo que todos hubiéramos querido. Que se complica la existencia solita, que se revuelve sin que nadie la agite y que, perdonen la comparación pero no puedo creer que en un mismo año tuvimos Avengers: Infinity War y Venom, y existen kilómetros de diferencia entre la buena realización de una y de otra. Sí. Ya sé. Me van a decir que la primera lleva construyéndose 10 años, y la otra...pareciera de dos sentadas de guión, pero aún así, la formulita de origen del personaje con villano copia en negativo del protagonista se ha gastado. La tuvo Iron Man... hace 10 años. La tuvo Ant-man hace 3 años...y no es la más fuerte ni del MCU ni de nada. La tiene Venom, y hoy en día, es imperdonable. Y abusados porque te estoy mirando a ti, película de Shazam. Es por esta razón que mi primer pensamiento al salir de la sala, fue que Venom hubiera sido un peliculón. En 2003. Si. Aquel año en el cual todavía nos dabamos permiso de tolerar producciones como la primera película de Hulk o hasta las de Daredevil, la primera de Tomb Raider y la adaptación de The League of Extraordinary Gentlemen, porque pues es lo que habia, y a veces nos iba muy pero muy bien como con la primera de Spider-man y X2, la secuela de X-Men. Hoy en dia no es lo que hay, y el mal llamado genero de superhéroes ya está bastante madurito como para dar unos pasos hacia atras, como lo hace la película de Venom. Saben cómo me sentí? Como cuando vimos en el mismo mes de 2008, The Dark Knight, y Hellboy II: The Golden Army. Dos secuelas pero con un abismo de diferencia entre ellas. Tom Hardy es un excelente actor... de reparto. Duro pero cierto. A menos que queramos culpar al director de Venom, Ruben Fleischer, por no convertirlo en un protagonista mucho, pero mucho más carismático. Apenas y se esboza algo de verdadera personalidad que llene la pantalla en su totalidad, y la soporte durante sus 112 minutos. Pero a pesar de todo, habrá secuela, claro. Porque dejo dinero y porque morimos por ver a Carnage. Corrijo: queremos ver a Woody Harrelson como Carnage, como ya estaba más que cantado que pasaría para el final de ésta primera entrega. Pero deberán tener mucho cuidado: porque deberán comprender que lo que menos queremos es ver simbionte contra simbionte contra simbionte para entonces convertirse en una película de Transformers donde lo único que alcanzas a percibir son pedazos de metal dándose chinazos, pero aquí serían chicles contra chicles. Además, es muy probable que si se sigue descuidando a Hardy, el mencionado Harrelson se lo coma, de manera figurativa, convirtiéndose en el Jack Nicholson de su Michael Keaton. Sí. No hay nada como ir a ver una película y crear tu propia opinión. No hay nada como ir a ver Venom, y decidir en dónde acierta, y en dónde falla. Si quieren checar los easter eggs, las curiosidades y la información extra sobre “Venom” escuchen esta reseña en formato podcast aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG: elinstadepada Nada como ir a ver una película y crearte tu propio juicio. Por eso, las opiniones vertidas en éste espacio cuando se trate de reseñas, básicamente se reducirán a dos caminos: a que no dejes pasar una película, y sobre todo, a que, con base en lo me leíste, decidas si quieras verla o no. Difícilmente les diré que no vean algo. Háganle caso a su instinto. Porque imagínense, si todos le hubíeramos prestado demasiada atención a las primeras críticas de la película de Venom, entonces ésta no hubiera roto el récord de mejor estreno en octubre de todos los tiempos. Que no está taaaan complicado, considerando que no hay estrenos fuertes y que se encuentra entre el limbo de los estrenos del verano y los estrenos de Navidad. Ahora bien: claro que se van a encontrar con una película que no cumple con lo que todos hubiéramos querido. Que se complica la existencia solita, que se revuelve sin que nadie la agite y que, perdonen la comparación pero no puedo creer que en un mismo año tuvimos Avengers: Infinity War y Venom, y existen kilómetros de diferencia entre la buena realización de una y de otra. Sí. Ya sé. Me van a decir que la primera lleva construyéndose 10 años, y la otra...pareciera de dos sentadas de guión, pero aún así, la formulita de origen del personaje con villano copia en negativo del protagonista se ha gastado. La tuvo Iron Man... hace 10 años. La tuvo Ant-man hace 3 años...y no es la más fuerte ni del MCU ni de nada. La tiene Venom, y hoy en día, es imperdonable. Y abusados porque te estoy mirando a ti, película de Shazam. Es por esta razón que mi primer pensamiento al salir de la sala, fue que Venom hubiera sido un peliculón. En 2003. Si. Aquel año en el cual todavía nos dabamos permiso de tolerar producciones como la primera película de Hulk o hasta las de Daredevil, la primera de Tomb Raider y la adaptación de The League of Extraordinary Gentlemen, porque pues es lo que habia, y a veces nos iba muy pero muy bien como con la primera de Spider-man y X2, la secuela de X-Men. Hoy en dia no es lo que hay, y el mal llamado genero de superhéroes ya está bastante madurito como para dar unos pasos hacia atras, como lo hace la película de Venom. Saben cómo me sentí? Como cuando vimos en el mismo mes de 2008, The Dark Knight, y Hellboy II: The Golden Army. Dos secuelas pero con un abismo de diferencia entre ellas. Tom Hardy es un excelente actor... de reparto. Duro pero cierto. A menos que queramos culpar al director de Venom, Ruben Fleischer, por no convertirlo en un protagonista mucho, pero mucho más carismático. Apenas y se esboza algo de verdadera personalidad que llene la pantalla en su totalidad, y la soporte durante sus 112 minutos. Pero a pesar de todo, habrá secuela, claro. Porque dejo dinero y porque morimos por ver a Carnage. Corrijo: queremos ver a Woody Harrelson como Carnage, como ya estaba más que cantado que pasaría para el final de ésta primera entrega. Pero deberán tener mucho cuidado: porque deberán comprender que lo que menos queremos es ver simbionte contra simbionte contra simbionte para entonces convertirse en una película de Transformers donde lo único que alcanzas a percibir son pedazos de metal dándose chinazos, pero aquí serían chicles contra chicles. Además, es muy probable que si se sigue descuidando a Hardy, el mencionado Harrelson se lo coma, de manera figurativa, convirtiéndose en el Jack Nicholson de su Michael Keaton. Sí. No hay nada como ir a ver una película y crear tu propia opinión. No hay nada como ir a ver Venom, y decidir en dónde acierta, y en dónde falla. Si quieren checar los easter eggs, las curiosidades y la información extra sobre “Venom” escuchen esta reseña en formato podcast aquí mismo.

@eseauto IG elinstadepada Más de 350 personajes creados y co-creados por él. Y eso, sólo en un rápida repasada. Cuando se habla de Marvel, es imposible no mencionar a el hombre que lo hizo posible. Bienvenidos a éste episodio sobre la vida y obra de… Stan Lee. Esto fue el homenaje hecho en dos emisiones que aún en vida le hizo Capitán Pada, a Stan "The Man" Lee... Excelsior!

@eseauto IG elinstadepada Más de 350 personajes creados y co-creados por él. Y eso, sólo en un rápida repasada. Cuando se habla de Marvel, es imposible no mencionar a el hombre que lo hizo posible. Bienvenidos a éste episodio sobre la vida y obra de… Stan Lee. Esto fue el homenaje hecho en dos emisiones que aún en vida le hizo Capitán Pada, a Stan "The Man" Lee... Excelsior!

@eseauto IG elinstadepada Más de 350 personajes creados y co-creados por él. Y eso, sólo en un rápida repasada. Cuando se habla de Marvel, es imposible no mencionar a el hombre que lo hizo posible. Bienvenidos a éste episodio sobre la vida y obra de… Stan Lee. Esto fue el homenaje hecho en dos emisiones que aún en vida le hizo Capitán Pada, a Stan "The Man" Lee... Excelsior!

@eseauto IG elinstadepada Más de 350 personajes creados y co-creados por él. Y eso, sólo en un rápida repasada. Cuando se habla de Marvel, es imposible no mencionar a el hombre que lo hizo posible. Bienvenidos a éste episodio sobre la vida y obra de… Stan Lee. Esto fue el homenaje hecho en dos emisiones que aún en vida le hizo Capitán Pada, a Stan "The Man" Lee... Excelsior!

@eseauto IG elinstadepada Más de 350 personajes creados y co-creados por él. Y eso, sólo en un rápida repasada. Cuando se habla de Marvel, es imposible no mencionar a el hombre que lo hizo posible. Bienvenidos a éste episodio sobre la vida y obra de… Stan Lee. Esto fue el homenaje hecho en dos emisiones que aún en vida le hizo Capitán Pada, a Stan "The Man" Lee... Excelsior!

@eseauto IG elinstadepada Más de 350 personajes creados y co-creados por él. Y eso, sólo en un rápida repasada. Cuando se habla de Marvel, es imposible no mencionar a el hombre que lo hizo posible. Bienvenidos a éste episodio sobre la vida y obra de… Stan Lee. Esto fue el homenaje hecho en dos emisiones que aún en vida le hizo Capitán Pada, a Stan "The Man" Lee... Excelsior!

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada Mentiría si les dijera que soy un seguidor regular de la caricatura Teen Titans Go!, pero es cierto que posiblemente, si estoy cambiando de canales y está, le dejo. Y es que uno nunca sabe cuando puede encontrarse con un capítulo en el cual, por ejemplo, Nicolas Cage, Halsey o Jimmy Kimmel, ya sea como ellos o haciendo la voz de algún personaje, salgan de invitados. O bien, ver las versiones Go! de otros personajes del Universo DC como Batichica, Los Gemelos Fantásticos o hasta Carrie Kelly, la Robin de la saga The Dark Knight Returns. Además, se han incluido apariciones de otros universos como Scooby Doo y compañía, Las Chicas Superpoderosas y las Tortugas Ninja. Y mis sorpresas favoritas son aquellas referencias a los comics, que pueden estar escondidas como easter eggs y que sólo aquellos que conozcan el fondo de dicho chiste, lo entenderán, sin que esto interfiera en el desarrollo de la historia. Me recuerdan a los Tiny Titans, versiones de aún menor edad que vivieron en los comics, gracias a las dupla de Art Baltazar y Franco Aureliani, y que, gracias a estos mismos guiños, además de ser adorables, fue una serie muy disfrutable. Si, no soy un seguidor fiel de los Teen Titans Go!, pero conozco a mis Teen Titans Go! Es por eso que cuando apareció el primer trailer de la película y contenía un chiste de pedos, de gases pues, me sentí un poco decepcionado. Si esa era una de las cartas que querían presumir, pues entonces estabamos en problemas, porque yo sabía que los Jovenes Titanes en Acción daban para mucho más. Y no es que no existan chistes de pedos dentro de la serie, pero hoy en día hay muchas cintas animadas que recurren a los flatos y eructos para sacarle una sonrisa fácil a los niños, sin ofrecer nada más. Afortunadamente Teen Titans Go! To the Movies es fiel al espíritu de su caricatura y se atreve a todo. Primero se divierte ella y después nos divierte a los demás. Es un producto sin límites, y que, por más cliché que parezca, la puede disfrutar el público infantil, pero también los fans del Universo DC, pues se autohomenajea y revisa el gran legado de personajes que tiene y que debe ya, comenzar a abrazar mucho más. Jovenes Titanes en Acción: La película es un sorbo a un raspado tamaño grande, que primero te congela el cerebro, y te encanta. Después te da un subidón de azúcar, el cual no quieres que nunca termine, y cuando llega el bajón, te das cuenta de que los adornos y las chispas extras estuvieron muy bien, pero rumbo a su conclusión, se siente más sencilla de lo que realmente aparenta. Tal y como pasa con The Lego Batman Movie. Por eso no me gusta caer en lugares comunes que aseguran que ésta mencionada, es la mejor película del Hombre Murcielago. Y que Teen Titans Go! To the Movies es la mejor película de DC. No. No se puede comparar porque no son las mismas canchas ni tienen los mismos objetivos. Aunque sí los más básicos: entretener, porque si entretiene, traerá dinero. Y el dinero sólo me interesa si eso nos asegura una secuela, porque ésta, se lo merece. Teen Titans Go! To The Movies sí que entretiene, y mucho. Y todavía me pregunto cómo es la secuencia en la cual bailan al ritmo de EDM, me hizo reir tanto. Supongo que aún no estoy muerto por dentro. Como tampoco lo está DC. Porque Jovenes Titanes en Acción: La Película, es la clara muestra de que es un amigo al cual claro que queremos, pero a veces se toma la vida demasiado en serio, y nos dan ganas de decirle: Ay, ya bájale. Mira, mejor vamos a bailar. Como bailan los Titanes el EDM. Si quieren conocer los easter eggs de “Teen Titans Go! To the movies” escuchen esta reseña en formato podcast, aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada Mentiría si les dijera que soy un seguidor regular de la caricatura Teen Titans Go!, pero es cierto que posiblemente, si estoy cambiando de canales y está, le dejo. Y es que uno nunca sabe cuando puede encontrarse con un capítulo en el cual, por ejemplo, Nicolas Cage, Halsey o Jimmy Kimmel, ya sea como ellos o haciendo la voz de algún personaje, salgan de invitados. O bien, ver las versiones Go! de otros personajes del Universo DC como Batichica, Los Gemelos Fantásticos o hasta Carrie Kelly, la Robin de la saga The Dark Knight Returns. Además, se han incluido apariciones de otros universos como Scooby Doo y compañía, Las Chicas Superpoderosas y las Tortugas Ninja. Y mis sorpresas favoritas son aquellas referencias a los comics, que pueden estar escondidas como easter eggs y que sólo aquellos que conozcan el fondo de dicho chiste, lo entenderán, sin que esto interfiera en el desarrollo de la historia. Me recuerdan a los Tiny Titans, versiones de aún menor edad que vivieron en los comics, gracias a las dupla de Art Baltazar y Franco Aureliani, y que, gracias a estos mismos guiños, además de ser adorables, fue una serie muy disfrutable. Si, no soy un seguidor fiel de los Teen Titans Go!, pero conozco a mis Teen Titans Go! Es por eso que cuando apareció el primer trailer de la película y contenía un chiste de pedos, de gases pues, me sentí un poco decepcionado. Si esa era una de las cartas que querían presumir, pues entonces estabamos en problemas, porque yo sabía que los Jovenes Titanes en Acción daban para mucho más. Y no es que no existan chistes de pedos dentro de la serie, pero hoy en día hay muchas cintas animadas que recurren a los flatos y eructos para sacarle una sonrisa fácil a los niños, sin ofrecer nada más. Afortunadamente Teen Titans Go! To the Movies es fiel al espíritu de su caricatura y se atreve a todo. Primero se divierte ella y después nos divierte a los demás. Es un producto sin límites, y que, por más cliché que parezca, la puede disfrutar el público infantil, pero también los fans del Universo DC, pues se autohomenajea y revisa el gran legado de personajes que tiene y que debe ya, comenzar a abrazar mucho más. Jovenes Titanes en Acción: La película es un sorbo a un raspado tamaño grande, que primero te congela el cerebro, y te encanta. Después te da un subidón de azúcar, el cual no quieres que nunca termine, y cuando llega el bajón, te das cuenta de que los adornos y las chispas extras estuvieron muy bien, pero rumbo a su conclusión, se siente más sencilla de lo que realmente aparenta. Tal y como pasa con The Lego Batman Movie. Por eso no me gusta caer en lugares comunes que aseguran que ésta mencionada, es la mejor película del Hombre Murcielago. Y que Teen Titans Go! To the Movies es la mejor película de DC. No. No se puede comparar porque no son las mismas canchas ni tienen los mismos objetivos. Aunque sí los más básicos: entretener, porque si entretiene, traerá dinero. Y el dinero sólo me interesa si eso nos asegura una secuela, porque ésta, se lo merece. Teen Titans Go! To The Movies sí que entretiene, y mucho. Y todavía me pregunto cómo es la secuencia en la cual bailan al ritmo de EDM, me hizo reir tanto. Supongo que aún no estoy muerto por dentro. Como tampoco lo está DC. Porque Jovenes Titanes en Acción: La Película, es la clara muestra de que es un amigo al cual claro que queremos, pero a veces se toma la vida demasiado en serio, y nos dan ganas de decirle: Ay, ya bájale. Mira, mejor vamos a bailar. Como bailan los Titanes el EDM. Si quieren conocer los easter eggs de “Teen Titans Go! To the movies” escuchen esta reseña en formato podcast, aquí mismo.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada Hacer una secuela de Los Increíbles era muy sencillo. Parece entonces... increíble, que se tomaran 14 años en hacerlo. Quizás porque, fuera de Toy Story, Pixar quería seguir demostrando que eran los líderes mundiales de la animación por sus ideas originales. Hasta que ya no. Y hasta que recurrieron a ver qué más se podía contar de sus personajes ya establecidos. Secuelas con buenos resultados, como las de Toy Story o Monsters University. Y otras horribles, como Cars 2 y Buscando a Dory. El éxito de Coco parece haberles cambiado la mentalidad, y entonces ya han declarado que volverán a darle más peso a las historias originales. Claro, una vez que pase Toy Story 4, y de ahi en fuera, no han dado a conocer más planes a futuro. Hacer una secuela de Los Increíbles era muy sencillo, porque la cinta original contiene el final más abierto de todas las producciones de éstos estudios. Y hacer una y otra y otra aventura típica de superhéroes, no debería ser muy complicado. De hecho, se han contado varias, en comics y en videojuegos. Sin embargo, debemos aplaudirle a Pixar que se nota que hay un cuidado en The Incredibles 2. Se siente una planeación sobre qué y cómo se va a contar. Y esto se demuestra al enfocar la trama principal en Elastigirl y cómo afectan sus decisiones al resto de la familia. Y hablando de otras historias de Los Increíbles, recordemos que ya hace tiempo, para el formato casero de la película original, se habían realizado dos cortos. Uno, enfocado completamente en el bebé Jack-Jack, y cuando vi los primeros avances de ésta secuela, temía mucho que fuera a ser lo mismo que la pieza antes mencionada, pero de dos horas de duración. De balbuceos, caritas chistosas, de tropiezos y de felices accidentes. De ver nuevamente un clon de la formulita de los Minions. Y no estaba tan equivocado. Pero tampoco estaba en lo cierto. La primera gran secuencia del bebé en The Incredibles 2, es muy buena. La segunda: innecesaria, así como la entendible pero poco aprovechada aparición de Edna Moda que ocurre en ésta parte. Y la tercera... esa sí que estuvo a punto de provocarme que clasificara a ésta cinta como de las peores de Pixar. Sin embargo, todo recompone hacia el final, y qué bueno que el bebé no es el que salva todo, sino que todo recae en las cualidades individuales de cada uno de los otros cuatro integrantes, pero también, del trabajo en equipo. No por nada siempre se ha dicho que The Incredibles es la mejor película de Los Cuatro Fantásticos que se ha hecho. Y esta secuela, también podría compartir dicho pensamiento. Precisamente en el final, el escuchar la música, nuevamente compuesta por Michael Giacchino me hizo recordar todo lo que amaba de ésta franquicia, y me tranquilizó, con esas reminicencias más que a una cinta de superhéroes, a una de espías y cuarteles secretos. Por cierto, ya que mencioné a Edna Moda, puntos extra por haber conseguido que Victor Trujillo, Consuelo Duval, Dario T. Pie, Leyla Rangel y Martín Hernández regresaran a hacer las voces en español de Mr Increíble, Elastigirl, Edna Moda, Violeta y Frozono, respectivamente. La taquilla y la crítica van muy bien para esta secuela, por lo que, en una de esas, Pixar dirá... “Bueno, una más y ya”, y al contrario de lo que ya les explicaba al inicio, decidan anunciar ”Los Increíbles 3”. Pero también seamos sinceros: dudo mucho que para diciembre de este mismo año, nos estemos acordando de “Los Increíbles 2”. Es decir: Hay que verla, pero tampoco volverse a formar en la siguiente función. Si quieres conocer los easter eggs de “The Incredibles 2”, escucha esta reseña en formato podcast.

Este contenido incluye spoilers @eseauto IG elinstadepada Hacer una secuela de Los Increíbles era muy sencillo. Parece entonces... increíble, que se tomaran 14 años en hacerlo. Quizás porque, fuera de Toy Story, Pixar quería seguir demostrando que eran los líderes mundiales de la animación por sus ideas originales. Hasta que ya no. Y hasta que recurrieron a ver qué más se podía contar de sus personajes ya establecidos. Secuelas con buenos resultados, como las de Toy Story o Monsters University. Y otras horribles, como Cars 2 y Buscando a Dory. El éxito de Coco parece haberles cambiado la mentalidad, y entonces ya han declarado que volverán a darle más peso a las historias originales. Claro, una vez que pase Toy Story 4, y de ahi en fuera, no han dado a conocer más planes a futuro. Hacer una secuela de Los Increíbles era muy sencillo, porque la cinta original contiene el final más abierto de todas las producciones de éstos estudios. Y hacer una y otra y otra aventura típica de superhéroes, no debería ser muy complicado. De hecho, se han contado varias, en comics y en videojuegos. Sin embargo, debemos aplaudirle a Pixar que se nota que hay un cuidado en The Incredibles 2. Se siente una planeación sobre qué y cómo se va a contar. Y esto se demuestra al enfocar la trama principal en Elastigirl y cómo afectan sus decisiones al resto de la familia. Y hablando de otras historias de Los Increíbles, recordemos que ya hace tiempo, para el formato casero de la película original, se habían realizado dos cortos. Uno, enfocado completamente en el bebé Jack-Jack, y cuando vi los primeros avances de ésta secuela, temía mucho que fuera a ser lo mismo que la pieza antes mencionada, pero de dos horas de duración. De balbuceos, caritas chistosas, de tropiezos y de felices accidentes. De ver nuevamente un clon de la formulita de los Minions. Y no estaba tan equivocado. Pero tampoco estaba en lo cierto. La primera gran secuencia del bebé en The Incredibles 2, es muy buena. La segunda: innecesaria, así como la entendible pero poco aprovechada aparición de Edna Moda que ocurre en ésta parte. Y la tercera... esa sí que estuvo a punto de provocarme que clasificara a ésta cinta como de las peores de Pixar. Sin embargo, todo recompone hacia el final, y qué bueno que el bebé no es el que salva todo, sino que todo recae en las cualidades individuales de cada uno de los otros cuatro integrantes, pero también, del trabajo en equipo. No por nada siempre se ha dicho que The Incredibles es la mejor película de Los Cuatro Fantásticos que se ha hecho. Y esta secuela, también podría compartir dicho pensamiento. Precisamente en el final, el escuchar la música, nuevamente compuesta por Michael Giacchino me hizo recordar todo lo que amaba de ésta franquicia, y me tranquilizó, con esas reminicencias más que a una cinta de superhéroes, a una de espías y cuarteles secretos. Por cierto, ya que mencioné a Edna Moda, puntos extra por haber conseguido que Victor Trujillo, Consuelo Duval, Dario T. Pie, Leyla Rangel y Martín Hernández regresaran a hacer las voces en español de Mr Increíble, Elastigirl, Edna Moda, Violeta y Frozono, respectivamente. La taquilla y la crítica van muy bien para esta secuela, por lo que, en una de esas, Pixar dirá... “Bueno, una más y ya”, y al contrario de lo que ya les explicaba al inicio, decidan anunciar ”Los Increíbles 3”. Pero también seamos sinceros: dudo mucho que para diciembre de este mismo año, nos estemos acordando de “Los Increíbles 2”. Es decir: Hay que verla, pero tampoco volverse a formar en la siguiente función. Si quieres conocer los easter eggs de “The Incredibles 2”, escucha esta reseña en formato podcast.