Medien Denken

Abstract Spatially and temporal marginal characters in a narrative may not be marginal in terms of meaning and affect. While a marginal character may be incidental, providing an interlude or local colour, he or she may also either, in their marginality deliberately and unintendedly indicate the social parameters of the world of the narrative, or may even constitute a concern that is both central and inadmissible to it. These dynamics of marginality will be discussed through the role of black and gay characters in La dolce vita (Italy 1960 Federico Fellini). Biographical Note Richard Dyer has an MA from the University of St Andrews and a PhD in Cultural Studies from the University of Birmingham. He was Professor of Film Studies at the University of Warwick and King’s College London and Professorial Fellow at St Andrews. He has lectured very widely in Europe, North America and Australia, been honoured by the Universities of Turku, Dublin and Yale, the Society for Cinema and Media Studies and the British Association of Film, Television and Screen Studies and is a Fellow of the British Academy. His work has focused on issues of entertainment and representation and the relationship between them and he has pioneered work on the musical, stars, lesbian and gay cinema and culture, whiteness and popular European cinema, as well as writing books on pastiche, music and film, serial killing and the films Brief Encounter, Seven and La dolce vita. His books include Stars, Only Entertainment, The Matter of Images, White, The Culture of Queers, Pastiche, Nino Rota, In the Space of a Song and Lethal Repetition: The Serial Killer in European Cinema.

Abstrakt Obwohl es in der Medienforschung eine lange, kritische Tradition gibt und insofern keine ‘Diskussion’ eröffnet werden müsste, zeigt doch z. B. die unlängst erfolgte Gründung des ‘Netzwerks kritische Kommunikationswissenschaft’, dass es offenbar Bedarf gibt. In der – im deutschen Sprachraum von der Kommunikationswissenschaft unterschiedenen – Medienwissenschaft ist seit den 1980er Jahren eine starke Tendenz zur Zurückweisung kritischer (besonders wenn marxianischer) Theoriebestände zugunsten von ‘Materialitäten der Kommunikation’ sichtbar. Dass aber allein diese Begriffsbildung an die verschiedenen Formen materialistischen Denkens Marx’scher Provenienz anschließt, blieb weniger beachtet. Im Vortrag soll der Versuch diskutiert werden, eine kritische theoretische Position zu umreißen, die die Frage nach dem Medium ernst nimmt und das Medium nicht zum Mittel von z. B. Klasseninteressen reduziert. Kann man also die ‘Materialität der Kommunikation’ ins Zentrum rücken und dennoch zentrale Einsichten der marxianischen Diskussion bzgl. der krisenhaften, destruktiven Form kapitalistischer Vergesellschaftung bewahren? Biographical Note Prof. Dr. Jens Schröter, Inhaber des Lehrstuhls »Medienkulturwissenschaft« an der Universität Bonn. Professor für Multimediale Systeme an der Universität Siegen 2008-2015. Leiter der Graduiertenschule »Locating Media« an der Universität Siegen 2008-2012. Seit 2012 Antragssteller und Mitglied des DFG-Graduiertenkollegs 1769 „Locating Media“, Universität Siegen. 2010-2014 Projektleiter (zusammen mit Prof. Dr. Lorenz Engell, Weimar): „Die Fernsehserie als Projektion und Reflexion des Wandels“. Sprecher des Projekts „Die Gesellschaft nach dem Geld“, VW Stiftung. Forschungsschwerpunkte: Digitale Medien, Photographie, Fernsehserien, Dreidimensionale Bilder, Intermedialität, Kritische Medientheorie. April/Mai 2014: „John von Neumann“-Fellowship an der Universität Szeged; September 2014: Gastprofessur an der Guangdong University of Foreign Studies, Guangzhou, VR China; WS 14/15 Senior-Fellowship am DFG-Forscherkolleg „Medienkulturen der Computersimulation“, Leuphana-Universität Lüneburg. SS 17 Senior-Fellowship am IFK, Wien. WS 17/18 Senior-Fellowship am IKKM, Weimar. www.medienkulturwissenschaft-bonn.de.

Abstract: In the new data driven, algorithmic cultures of ICT for Development, the subject appears in the dialectics of connected and not-yet connected. Following the earlier tropes of visible and invisible, speaking and silent subjects, this focus on the subject follows an expected script where the promise of the digital is to make the unconnected subject connected. Disguised in the language of universal access, ubiquitous computing, and participatory engagement, the processes of connectivity presume only the binary positions of the subject who has to be connected. In this discourse, what is often undertheorised, or not even recognised is the idea of the disconnected subject – the subject who has been put into conditions of connectivity, and then is either disconnected through acts of censorship and control, or chooses to disconnect for personal reasons. The power of political disconnectedness, and the poetics of resistance that this reticence produces to our big data driven futures, needs to be examined, particularly in the face of growing control on political participation and action. Drawing from two case-studies of social movements in India and Hong Kong, this talk draws attention to the new forms of resistances and appropriations that emerge against the hypervisualised data subject of the contemporary moment. Bionote: Nishant Shah is a Guest Professor at the Institute for the Culture and Aesthetics of Digital Media, Leuphana University, Germany, and the Dean-Research at ArtEZ university of the arts, The Netherlands.

In the recent futuristic film Her, the protagonist Theodore falls in love with his intelligent OS Samantha. Their romance ends when Samantha decides to leave Theodore in order to join other operating systems in new and ever faster evolving ways of learning and communicating post-verbally. It is quite remarkable that in spite of its concern with the new media of the imminent future, Her also features such seemingly obsolete media as the handwritten letter and the printed book. This lecture will explore how these old media are invoked in order to reflect on the medial conditions of sentimental and romantic love today.

Der ‚Avant-garde’ wohnt der Konflikt inne. Seit der Einsetzung des Begriffs mit der Kriegstheorie des Spätmittelalters und genauso in seiner ästhetischen Wendung markiert er die nicht selten radikale Opposition politischer wie künstlerischer Terme. So erscheint Paul Strands und Charles Sheelers experimenteller Kurzfilm MANHATTA (1921) nicht nur als Entfaltung innovativer Strategien filmischer Repräsentation, sondern ein um das andere Mal selbst als Bild- und Sinnkonstellation, in der – zwischen Erzählung und Fragment, Stand- und Bewegtbild, Nostalgie und Fortschritt – formale, mediale, ideologische Gegensätze insistieren. Diesem grobmechanischen Modell reagierender Kräfte will der Vortrag begegnen, indem er in MANHATTAs Ein-Bildungen von Stadt und Mensch die Figuren kleinstmöglicher Abweichung aufsucht: Anstelle der großen Utopie sollen die geringen „atopischen“ Verschiebungen in den Arrangements des Films Aufschluss geben über die Konsistenzen des Bildes (von einer Wahrnehmung der Festkörper bis zur gasförmigen Materieströmung) und zugleich über die Aggregatzustände und die lockere Körnung amerikanischer Gemeinschaft. Dann wäre – zumindest in diesem Fall – die Avantgarde nicht länger nur ein Streitfall, sondern schlüge der Kunst wie der Politik den kleinen Abweg und die kontinuierliche Modulation vor.

Friedrich Kittlers „Grammophon. Film. Typewriter“ beginnt mit einer lakonisch-verdichteten Formel, welche das Programm einer im Veröffentlichungsjahr 1986 gerade zu sich kommenden Medienwissenschaft auf den Punkt bringt. Kittlers Satz lautet: “Medien bestimmen unsere Lage.” Der Vortrag wird den Hintergrund der von Kittler postulierten Bestimmtheit der Lage durch die Medien im literarisch-philosophischen Kontext der 1930er und 40er Jahre nachzeichnen. So wurde im Umkreis von Phänomenologie, philosophischer Anthropologie und Kulturanthropologie (Heidegger, Jaspers, Rothacker) die Diskussion der Differenz von Situation und Lage zu einem zentralen Ort, die existentielle Verfasstheit des Menschen als ein welterschließendes Wesen zu denken. Die paradigmatische Verdichtung zur zitierbaren Formel “Erkenne die Lage” geschieht dann im Werk Gottfried Benns, für den sich die militärische Lagebestimmung zum medientechnologisch vermittelten Existential des modernen Menschen verwandelt.

Serial killing is an extremely rare phenomenon that is nonetheless not only extremely widespread in cultural production but also widely taken to be symptomatic of, inter alia, human nature, masculinity and modernity. What assumptions – and fears – is the representation of this excessively marginal reality carrying about such broad cultural categories? Serial killing is also often presumed to be a characteristically American phenomenon, although it is – in its actual rarity and its cultural dominance – fully present in European culture, including film. It is also assumed to be a specifically white and male thing, again at variance with reality. What is it about ideas of both whiteness and masculinity that fit at once so comfortably and uncomfortably with ideas of serial killing? This presentation will consider these issues, with reference to such films as ANGST (Austria 1983), ANTI- KÖRPER (Germany 2005), LA CASA DALLE FINESTRE CHE RIDONO (THE HOUSE WITH THE LAUGHING WINDOWS, Italy 1976), COPYCAT (USA 1995), FEMINA RIDENS (Italy 1969) and PEEPING TOM (UK 1960).

Regisseure der Tauwetter-Ära schufen in den 1960er Jahren einen Repräsentationskanon, der die Filme jener Zeit auf charakteristische Weise auszeichnete und von Andrej Tarkowski erfolgreich ins Ausland exportiert wurde. Dieser Kanon wurde in den 1980er Jahren korrigiert, und mit dem Untergang der Sowjetunion in den 1990ern zerbrach er. Die Kombination visueller und akustischer Zeichen in den Filmen aus jüngster Zeit (Andrej Swjaginzews Elena; Anna Melikjans Star, 2014; Roman Prygunows Духless, 2014 u.a.) stellt Körper, Verhaltensweisen und den Raum im Film völlig neu dar. Diese Umgestaltung (und Umwertung) hängt zusammen mit der Herausbildung einer neuen symbolischen Gemeinschaft auf der Basis einer neuen medialen Erfahrung, mit der sich dieser Vortrag auseinandersetzt. Diese Veränderungen werden am Beispiel zweier Kriterien analysiert: die Schnittfrequenz (Geschwindigkeit), die von einem neuen Umgang mit der Zeit zeugt, und die Oberflächenbeschaffenheit („faktura“). Beide Phänomene haben eine lange Vorgeschichte in russischen und sowjetischen Diskussionen um Film, sie führen vom Futurismus und Konstruktivismus bis hin zur neuen Phänomenologie und zu haptischem körperlichen Sehen. Sie eröffnen auch den Weg, über Atmosphäre und Stimmungen in der russischen Gesellschaft von heute zu sprechen.

Since 2000s onward, the popularity of “Asian”-looking and “Asian flavor” cultural products has been significantly increasing in Indonesian screen culture [especially film, TV, advertising, social media and mobile devices]. The phenomenal interest among young people in Indonesia—and other part of East/Southeast Asia—in Korean TV drama, Japanese music video, and other “Asian flavor” cultural products has indicated the emerging moment of so-called “Asianization of Asia”. Since the latter decade of 20th century, globalization of western popular culture has been accompanied by intra-regional cultural flows within the region of Asia. Within the phenomenon of “Asianization of Asia”, the West is ceased to be the only point of reference for production/consumption of popular culture not merely in Indonesia but also in other parts of Asia. This phenomenon is also termed as ‘trans-Asia’, or ‘intra-/inter-Asia’. The main feature of “Asianization” is not the essentialist idea of ‘Asian values’ or self-conscious project of localism and regionalism. Rather, it involves a significant shift and refashioning of what were previously deemed stereotypically Western cultural attributes. In this sense, Western cultural products remain influential, while at the same time, the act of referencing each other in Asia becomes more prominent. The notion of “Asian flavor” itself does not represent a monolithic entity; rather, it involves a highly hybrid and multi-layered entity. In the context of Indonesia, religious [Islamic, particularly] and local racial issues also play a significant role in the act of articulating “new” identity as being modern and global-oriented Asians. This lecture will focus on how “Asian Flavor” is articulated and circulated through screen media in Indonesia. It will discuss how the popularity of screen culture particularly television, social media and mobile devices has emboldened a sort of liberty among young people to explore and articulate “new” identity as modern and global- oriented persons.

Dieser Vortrag beschäftigt sich mit High Definition (HD) – hochaufgelösten, digitalen Kinobildern – einerseits als ästhetisches Phänomen, jedoch auch als mediales Format. Als detaildichtes, konturenscharfes Filmbild zeigt HD seine ästhetische Qualität. Gleichzeitig bleibt HD aber nicht am Bild haften sondern existiert als Meta-Label, welches, von der Produktion bis zur Speicherung, Existenzen des Kinobildes aufzeigt. HD soll als mediales Aggregat verstanden werden, als eine Infrastruktur, die die Zirkulation des digitalen Filmbilds beschließend, einen Prozess von festeren und loseren visuellen Kopplungen beschreibt. Zwischen Bildontologie und Bildoperation unterliegt HD damit einer Logik der Definition und Auflösung. Das Changieren zwischen ästhetischem Nahkontakt mit dem Bild und einer strukturellen Logik der Beziehungsbereitschaft des Bildes soll mit der medien-philosophischen Kategorie des Affekts eingeholt werden. HD affiziert: als visuell aufgeladenes Bild sowie als formale Möglichkeit der medienübergreifenden Anteilnahme. Gilles Deleuze definiert das Affektbild als Großaufnahme des Gesichts. In Analogie hierzu soll HD ein Status des Facialen zugesprochen werden. HD ist Affektbild und gibt so dem Film ein Gesicht.

A philosophical discussion of the emergence of the new media cannot be limited to the analysis of the structure and inner logic of the different media themselves. Its importance is in raising the abiding philosophical predicaments of human experience, feeling and knowledge. Walter Benjamin and Roland Barthes are both famous for their writings about photography; their discussion, however, is not limited to the nature of the medium itself, but provokes a series of questions referring to the unbreakable connection between photography and feeling, specifically, sadness. This talk seeks to trace the connection between the photographic medium and feeling as it appears in Benjamin and Barthes, so as to argue that the uniqueness of this medium lies not in the way it captures or represents feeling, but rather in its ability to evoke it. Benjamin’s and Barthes’ investigation of the photographic medium is shown to be an investigation of the nature of human feelings and its fundamental connection with the photographic medium.

In der Reihe Medien|Denken des IfM-Kolloquiums Bochum beleuchtet Renate Wöhrer in ihrem Vortrag »Vielschichtige Anfänge – Zur Geschichte der Kategorie der Dokumentarfotografie« am 30. Juni die Geschichte der Dokumentarfotografie.

Reise zum Mittelpunkt der Wirklichkeit – Über das Dokumentarische Wir sind zu Dokument-Junkies geworden. Wir wollen dokumentieren und dokumentiert werden. In immer schnellerer Frequenz entstehen neue dokumentarische Formate: Doku-Soaps, Doku-Dramas, Doku-Fiction, Scripted Realiy … Die auf den ersten Blick paradox anmutenden Begriffe sind mittlerweile fester Bestandteil unserer Wortschatzes. Aber wie konnte es dazu kommen? Warum sind wir heute süchtig nach Dokumenten und nach dem, was sich dahinter verbirgt und von dem keiner weiß, was genau das eigentlich sein soll: die Wirklichkeit? Eine Reise von der Fotografie bis You Now.

Das medientheoretische Problem des Dokumentarischen hat die Game Studies schon beschäftigt, als von documentary games wie JFK Reloaded, Waco Resurrection oder Super Columbine Massacre RPG! noch keine Rede war. Schon 2001, im vermeintlichen Gründungsjahr der Computer Game Studies, interessierte sich ein junger Autor namens Gonzalo Frasca im Wesentlichen für zwei miteinander eng verknüpfte Fragen: 1. Was kennzeichnet den medienspezifischen Wirklichkeitsbezug des digitalen Spiels als Simulation (im Unterschied etwa zu Romanen oder Filmen)? 2. Welches Potential hat das digitale Spiel als wirklichkeitsverändernde, interventionistische Praxis? Beide Perspektiven sind auch in der gegenwärtigen Debatte um sogenannte documentary games, newsgames oder serious games bestimmend, erfordern jedoch, wie der Vortrag zeigen soll, eine kritische Wendung und Neujustierung, die sich an folgender Beobachtung orientiert: Was nicht nur die ästhetische Praxis der dokumentarischen Spiele, sondern gerade auch ihre wissenschaftliche Reflexion auf spezifische Weise zu kennzeichnen scheint, ist der Umstand, dass sie die Autorität dokumentarischer Gesten und Einsätze des digitalen Spiels gemäß einer Logik der Repräsentation eher zu stabilisieren (affirmieren) als zu hinterfragen suchen. Damit steht die Theorie und Praxis des dokumentarischen Spiels (noch) im deutlichen Kontrast zu jener langen Tradition des repräsentationskritischen Denkens im Bereich des (Dokumentar)Films und der Fotografie. Kurzbio: Andreas Jahn-Sudmann ist wissenschaftlicher Mitarbeiter am John-F.-Kennedy-Institut der Freien Universität Berlin. Er leitete zuletzt die Abteilung Medienwissenschaft des Zentrums für interdisziplinäre Medienwissenschaft (ZiM) an der Universität Göttingen und war parallel am Institut für Information und Medien, Sprache und Kultur der Universität Regensburg tätig. Während der ersten Förderphase der Forschergruppe »Ästhetik und Praxis populärer Serialität« (2010-2013) war er Bearbeiter des Teilprojektes »Die Dynamik serieller Überbietung«. In der zweiten Förderphase (2013-2016) leitet er gemeinsam mit Shane Denson das Teilprojekt »Digitale Serialität«.

Der Vortrag verfolgt die Frage, wie der von Seiten der Kunst ausgerufene »documentary turn« erklärt werden kann und welche Formen der Kunst ihm zugerechnet werden. Leitende These dabei ist, dass »das Dokumentarische« als ästhetische Kategorie ohne die technischen Medien nicht denkbar ist. Daher führt der Weg über die Musealisierung der Fotografie, die Aufnahme der Videokunst in den Ausstellungsraum und die seit den 1990er Jahren proklamierte Repolitisierung der Kunst. »Das Dokumentarische« erweist sich danach zugleich als Bestand wie als Störfaktor der Kunst und trägt mit seiner Verschleifung von Kunst und Medienkultur zur unentwegten Aushandlung der Kunst mit ihrem Außen bei.

Vom Gerät zum Gefährten. Computer aus medienanthropologischer Sicht