Podcasts about coreografia

«La tercera fuga». Idea original de Victoria Szpunberg. Col·laboració en l'escriptura del text: Albert Pijuan. Intèrprets: Sasha Agranov, Emma Arquillué, Anna Castells, Marc Joy, Olga Onrubia, Carles Pedragosa, Carles Roig, Biel Rossell Pelfort, Fede Salgado, Magalí Sare. Clara Segura Crespo, Sergi Torrecilla i Ton Vieira. Escenografia: Max Glaenzel Sílvia Delagneau. Vestuari: Sílvia Delagneau. Il·luminació: Pedro Yagüe. Coreografia i assessorament en el moviment escènic: María Cabeza de Vaca. Composició i direcció musical: Dani Espasa. Espai sonor i composició de la cançó «Rina»: Lucas Ariel Vallejos. So: Iker Rañé. Caracterització: Àngels Salinas. Assessora d’accent argentí: Romina Cocca. Traducció i assessora de l’ídix: Golda van der Meer. Ajudanta d’escenografia: Paula González Infante. Ajudant de vestuari: Marc Udina Duran. Alumnes en pràctiques de l’Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona: Andrea Castells Fernández (direcció- ESAD), Karen Carreño (dramatúrgia-MUET), Clea Granados (escenografia). Construcció d’escenografia: Carles Piera, Showtex. Confecció de vestuari: Goretti Puente. Confecció del cavall i dels esquelets: Laura Garcia Martos. Construcció de les màscares: Eudald Ferré Serra. Producció: Teatre Nacional de Catalunya. Agraïments: Família Szpunberg Witt, Jorge Spunberg, Miquel Cabal Guarro, Arnau Pons, Juan Villareal, Leo Hipaucha Serenelli, Giacomo Passalacqua, Martina Vilarasau, Josefina Torino, Leila Amorós, Manel Fortià. Equips tècnics i de gestió del TNC. Ajudant de direcció: Iban Beltran. Direcció: Victoria Szpunberg. Sala Gran, Teatre Nacional de Catalunya, Barcelona, 29 abril 2025. Veu: Andreu Sotorra. Música: Un vals a París. Interpretació: Ariel Hernandez, Dermor Dunne, Iona Petcu-Colan, Lucas Gonzalez. Malachy Robinson. Composició: Lunfardia Dublin. Àlbum: Acollarados, 2010.

David Ahedo nos platica en Hablando Pajas como salvó a La Tesorito de una caída del escenario y ese clip se volvió viral. A demás David es el encargado de todas las coreografías del show de los 90s POP TOUR y muy pronto los 2000s Pop Tour. Nos platica que hay detrás de cada show y como logra organizar a tantos artistas. INSTAGRAM: @elcanaldemomoTIKTOK: @elcanaldemomoFACEBOOK: El canal de MomoX: @ElcanaldeMomo_________________________Distribuido por: Genuina Media

David Ahedo nos platica en Hablando Pajas como salvó a La Tesorito de una caída del escenario y ese clip se volvió viral. A demás David es el encargado de todas las coreografías del show de los 90s POP TOUR y muy pronto los 2000s Pop Tour. Nos platica que hay detrás de cada show y como logra organizar a tantos artistas. INSTAGRAM: @elcanaldemomoTIKTOK: @elcanaldemomoFACEBOOK: El canal de MomoX: @ElcanaldeMomo_________________________Distribuido por: Genuina Media

Trump quer acabar com guerra entre a Luísa Sobral e os piolhos

Ciutat oberta 24 hores. Crítica teatral de l'obra «Barcelona 24H». Text i música original de Pau Barbarà Mir. Arranjaments de Dídac Flores. Intèrprets: Jaume Casals, Anna Piqué, Àlex Sanz i Mireia Òrrit. Piano 24H: Dídac Flores / Mireia Federico. Coreografia i moviment: Júlia Pérez. Escenografia: Jordi Bulbena. Disseny il·luminació: Dani Gener. Fotografia i vídeo: Helena Palau. Producció: Suerte En Mi Vida. Direcció musical: Dídac Flores. Direcció: Marc Flynn. Primera estrena: Teatre Gaudí Barcelona, 2020. Nova temporada: Teatre Gaudí Barcelona, Barcelona, 17 gener 2025. Veu: Andreu Sotorra. Música: Tard. Interpretació: Cia. Barcelona 24h. Composició: Pau Barbarà Mir. Àlbum: Barcelona 24 hores, 2021.

Programa traz uma conversa enriquecedora sobre a arte de criar movimentos que emocionam e inspiram!

Paneroles estressades a la cuina. Crítica teatral de l'obra «La cuina», de Laura Aubert. Inspirada en «The Kitchen)», d'Arnold Wesker, a partir de la traducció de Jordi Bordas Coca. Intèrprets: Laura Aubert, Bernat Cot, Núria Cuyàs, Ricard Farré i Laura Pau. Música: Ariadna Cabiró. Escenografia: Enric Romaní. Il·luminació: Dani Gener. Vestuari: Maria Albadalejo. So: Damià Duran. Coreografia i moviment: Robert González. Arranjaments musicals i bases: Pere Gual. Caracterització: Eva Fernández. Fotografies promocionals: Sergi Panizo. Tràiler: Marta Caravaca. Maquillatge i perruqueria – Fotografies promocionals: Inma Bono. Atrezzo i producció: Montse Farrarons. Producció executiva: Marina Marcos. Comunicació i premsa: Anna Castillo i Ester Cánovas. Estudiant en pràctiques de regidoria (El Timbal): Xènia Arenas. Una producció d’Els Pirates Teatre i la Sala Beckett. Amb el suport del Convent de les Arts d’Alcover i el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya. Agraïments: Enric Aragonès, Santi Aubert, Joana Blanch, Camila Espinoza, Aura Foguet, David Prieto i molt especialment, al restaurant Mas Ros, al menjador de La Beckett, a la Família Farrarons i a Pepa Bar a Vins. Ajudant de direcció: Carla Coll. Direcció: Adrià Aubert. Sala Dalt, Sala Beckett, Barcelona, 19 desembre 2024. Veu: Andreu Sotorra. Música. Guten Morgen Sonnenschein. Inerpretació: Nana Mouskouri. Composició: Martiho Da Vila, Peter Reber i Rolf Zuckowski. Àlbum: Ich Hab Gelacht Ich Hab Geweint, 2004.

Enzo Paolo Turchi: il Grande Fratello, I Segreti e il sogno di Amici.Dall'addio al Grande Fratello al desiderio di insegnare ad Amici: ecco cosa ha raccontato Enzo Paolo Turchi!#EnzoPaoloTurchi #GrandeFratello #HelenaPrestes #ShailaGatta #Amici #Coreografia #TalentShow #RealityTV #GiovaniTalenti #DanceExperience

Els set nans de la Blancaneu no són importants. Crítica teatral de l'obra «Ànima». Idea original: Oriol Burés. Text: Blanca Bardagil. Lletres de les cançons: Blanca Bardagil i Marc Gómez. Música addicional: Abel Garriga. Dramatúrgia: Blanca Bardagil, Oriol Burés i Víctor G. Casademunt. Intèrprets: Alexandre Ars, Oriol Burés, Bernat Cot, Víctor G. Casademunt, Marc Gómez, Paula Malia, Bernat Mestre, Berta Peñalver, Diana Roig, Joana Roselló, Pol Roselló Welsz, Aina Sánchez, Clara Solé, Lucía Torres, Annabel Totosaus, Toni Viñals. Músics: Marta Muñoz / Jordi Badia, Eloi López, Antonio Molina, Haizea Martiartu / Marcel·lí Bayer, Aarón Pozón / Aitor Franch, Berta Gala / Maria Antònia Gili, Laia Ferrer / Quim Garcia, Clara Manjón. Escenografia: Pizarro Studio (David Pizarro & Rober de Arte). Vestuari: Oriol Burés. Assistents de vestuari i estilisme: Anna Coma, Jan Alexander Romero. Ajudanta de vestuari: Espe Pascual. Il·luminació: Sylvia Kuchinow. Assessoria de companyia: Sílvia Fiestas. Ajudanta de direcció: Laia Alberch. Attrezzo: Rober de Arte. So: Clara Casanovas, Roc Mateu. Caracterització: Natàlia Albert. Ajudanta d'escenografia: Laura Clos (Closca). Making of: Antoni Font-Mir. Veu de benvinguda: Marta Martorell. Producció: Teatre Nacional de Catalunya. Agraïments: Albert G. Casademunt, Albert Guinovart, Alice Pellegrin, Àngel Llàcer, Anna Rosa Cisquella, Antonio del Valle, Christian Machío, Clàudia Bravo, Dani Pal, Daniel Anglès, David Pintó, David Selvas, Diana Girbau, Edu Carmona, Eduard Prat, EL TERRAT, Enric Cambray, Esbart de Rubí, Escola Aules, Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC), Festival Grec, Festival RIIIING!, Helena Clusellas, Jaime Ferrando, Joan Vives, Jordi Garcia, Jumon Erra, Laia Tardós, Lui Talavera, Lluís Viciana, Mag Lari, Manu Guix, Marc Lleixà, Manuel Álvarez, Maria Garrido, Mariana Gomez Cora, Marina Schiaffino, Mercè Martínez, Meritxell Duró, Miquel Periel, Mireia Farrarons, Mont Burés, Montse Ricart, MyssTic Rooms, Roc Bernadí, Roser Batalla, Sergi Belbel, Sergi Dalmau, Sito Recuero, Teatre Lliure, Toni Font, Toni Garcia, Peris Costumes, Myriam Wais, Josep Rovira, Jorge Maura, Cristina Perea, Antonia Pérez, Inés Mancheño, Laura Ricart, Rosa Tomàs, Rosa Maria Cañameras, Maria Rius, Aurora Cardona. Guanyador del 1r torneig RIIING! - Els musicals que truquen a la porta. Direcció escènica: Gara Roda. Direcció artística: Oriol Burés, Víctor G. Casademunt, Gara Roda. Coreografia i moviment: Clara Casals, Chema Zamora. Coreografia de claqué: Sharo Lavi. Arranjament, orquestració i direcció musical: Enric Garcia. Sala Gran, Teatre Nacional de Catalunya, Barcelona, 26 setembre 2024. Veu: Andreu Sotorra. Música: El llapis i prou (Ànima). Interpretació: Companyia «Ànima». Composició: Adrià Barbosa i Abel Garriga. Àlbum: Ànima, 2024.

Entre lembranças da infância e da adolescência, e sonhos para o futuro, Julia encontra personagens essenciais para enfrentar a solidão ao mesmo tempo que ensaia sua própria coreografia, numa sequência de movimentos de aproximação e afastamento de seus pais que lhe traz marcas indeléveis.

“Promesse” de Anne Rehbinder e Antoine Colnot com coreografia de Tânia Carvalho é uma peça que debate a questão do género. O espectáculo pode ser visto até ao próximo domingo, 21 de Julho, no Théâtre 11, em Avignon, no âmbito do festival OFF de Avignon. Em palco, cinco bailarinas, uma escritora e um encenador debatem a criação de um espectáculo sobre o género. Uma temática difícil onde cada uma delas se bate contra os limites da identidade, da imposição de papéis, das heranças geracionais. Um espectáculo onde teatro e dança se fundem, como sublinhou ao microfone da RFI o encenador Antoine Colnot:Tínhamos feito um espectáculo com cinco homens. E havia esse assunto do género. Então aceitamos esse tema. Mas é difícil, como um problema que não tem solução. Jogamos com esse tema impossível e fazemos um espectáculo impossível de se fazer. Há muito humor e emoção. A dança da Tânia Carvalho entra em relação com o nosso trabalho.Em palco estão cinco bailarinas e uma escritora, cuja autoridade é questionada pelas intérpretes da peça. “Quando se fala em género, fala-se muito, muitas vezes em poder, nos jogos de poder e também na herança com a qual crescemos: a posição da mulher, a posição do homem. É muito difícil esta desconstrução” acrescenta Antoine Colnot.Tânia Carvalho é coreógrafa convidada deste espectáculo, à RFI explicou a sua contribuição para este “Promesse”:Foi o Antoine Colnot que me contactou. Eu não os conhecia. Fizemos, primeiro, uma conversa por internet e eles explicaram o que queriam fazer e mostraram trabalhos deles.Eles já tinham a ideia toda definida. Eu fiz o trabalho de encontrar aquilo que eles queriam. Também ia propondo mais movimento. Estive muito com eles nos ensaios. Pensei mais na parte coreográfica, a nível de forma. Como é que a forma pode complementar isto?Mas eu não estava a pensar ter que fazer movimentos que retratam o género, estava mais a ver o que é que eles estavam a fazer, que movimentos é que faziam naturalmente já a falar e tentar trazer qualquer coisa para dar mais força às palavras, fossem elas quais fossem. A peça “Promesse” de Anne Rehbinder e Antoine Colnot com coreografia de Tânia Carvalho, pode ser vista até ao próximo domingo, 21 de Julho, no Théâtre 11, em Avignon, no âmbito do festival OFF de Avignon.

El Galway català. Crítica teatral de l'obra «Malamort», de Daniela Feixas. Intèrprets: Abril Julien Feixas, Josep Julien, Marta Marco i Marc Soler Rull. Escenografia: Anna Tantull. Il·luminació: Sylvia Kuchinow. Vestuari: Bàrbara Glaenzel. So: Judit Farrés. Coreografia i moviment: Nuria Legarda. Fotografia i vídeo promocional: Kiku Piñol. Fotografia d’espectacle: Arnau Bach. Agraïments: Agents Rurals de la Generalitat de Catalunya i Marc Salicrú. Una producció de la Sala Beckett i el Grec 2024 Festival de Barcelona. Ajudantia de direcció: Ruben Ametllé. Direcció: Daniela Feixas. Sala Baix, Sala Beckett, Barcelona, 28 juny 2024. Veu: Andreu Sotorra. Música: Bèsties. Intèrpret: Ferran Palau. Composició: Ferran Palau Matas. Àlbum: Santa ferida, 2015.

O que define um esporte emocionante? Suor e lágrimas? Uma torcida alucinada? Árbitros atentos? Saltar 1,5 metro de altura num cavalinho de pau? Essas e outras discussões sobre competições particularmente curiosas no Vortex de hoje.The Acolyte já chegou no @disneyplusbr com dois episódios! A nova série de @starwarsbr é um thriller de mistério que desenvolve argumentos dos dois lados na disputa entre a luz e as sombras. Clica aqui pra assistirAcesse o link do Vortex e ganhe 15% de desconto na sua matrícula na Alura: https://www.alura.com.br/promocao/vortex ou CUPOM: VORTEX Desconto especial nos planos usando o nosso link no Nordvpn https://nordvpn.com/vortexpod ou CUPOM: VORTEXPOD Host: Katiucha Barcelos. Instagram: @katbarcelos | Twitter/X: @katiucha Convidado: Pedro Pinheiro. Instagram: @odeiopepe | Twitter/X: @OdeioPePe Nossas redes sociais: Instagram: @feedvortex Twitter: @feedvortex Reddit: r/feedvortexLinks comentados no episódio: Coreografia aespa feat Léo Santana: https://vm.tiktok.com/ZMreuERL1/ Competição de Exibição de porcos: https://www.upworthy.com/kids-death-staring-into-judges-souls-while-showing-pigs-has-people-confused-and-howling Hobby Horsing: https://observador.pt/2023/11/03/hobby-horsing-a-modalidade-onde-os-atletas-saltam-obstaculos-com-cavalos-de-madeira-tal-como-numa-prova-de-equitacao/ A verdade dos praticantes do Hobby Horsing: https://www.tiktok.com/@kht_duck/video/7374020042855337249?is_from_webapp=1&sender_device=pc&web_id=7275704044664473093 Onde comprar seu Hobby Horsing: https://www.hobbyhorses.com.br/ Campeonato mundial de Excel: https://olhardigital.com.br/2023/12/12/olha-isso/campeonato-mundial-de-excel-tem-emocao-ate-o-fim/ 15 mil em Paracuru coins: https://www.mundoconectado.com.br/noticias/copa-do-mundo-de-excel-2023-dara-premio-equivalente-a-r-15-mil-ao-campeao/ Casimiro reagindo: https://www.youtube.com/watch?v=IXDKDoBRBbY Final do Campeonato mundial de Excel: https://www.youtube.com/live/UDGdPE_C9u8?si=DLTOeVHcgiji3tPJ&t=2723 Andrew “o Aniquilador”: https://www.theguardian.com/australia-news/2023/dec/15/you-didnt-just-succeed-you-exceled-sydney-man-dubbed-the-annihilator-wins-excel-world-championship ===  Produção: Thyara Castro Edição: Joel Suke Ilustração da capa: Brann SousaSee omnystudio.com/listener for privacy information.

En este episodio recordamos algunas vivencias de nuestra secundaria donde recordamos un concurso de coreografías donde nos tuvimos que encuerar.

ΛƬSUMOЯI é um espectáculo que cruza dança, teatro, instalação sonora e instalação visual e que se afirma como “uma construção de arte contemporânea”. A obra de Catarina Miranda é apresentada, a 17 e 18 de Maio, no centro de arte contemporânea Pompidou, em Paris. A história parte de uma peça japonesa de teatro Noh, do século XV, em que o fantasma de uma criança-guerreira deambula pelo campo de batalha. A peça fala de espectros e rituais e mostra como a dança pode tornar visível o invisível. ΛƬSUMOЯI é apresentada como “uma peça de dança para um quinteto e um palco luminoso”, mas os palcos de Catarina Miranda mobilizam movimento, teatro, instalação sonora, instalação visual, histórias visíveis e rituais invisíveis. A criadora resume que ΛƬSUMOЯI é “uma construção de arte contemporânea”, inspirada na peça japonesa de teatro Noh de título homónimo, em que o fantasma de uma criança-guerreira, morta em combate, deambula por um campo de batalha. A inspiração surge da formação em teatro Noh, no Kyoto Art Center, no Japão, depois de se ter licenciado em Coreografia pelo Instituto Internacional de Coreografia/Centro de Montpellier e em Artes Visuais pela Escola Superior de Belas-Artes do Porto.ΛƬSUMOЯI é uma peça também definida como apotropaica, ou seja, uma dança que afasta o mal e que convoca o invisível. O resultado é um espectáculo em que se cruzam espectros e sombras, danças ancestrais e linguagens futuristas. O espaço cénico oscila entre a penumbra e reflexos fosforescentes, nos quais os corpos se dissolvem e se revelam, ao ritmo de uma composição sonora também ela "apotropaica".ΛƬSUMOЯI estreou a 27 de Abril no festival Abril Dança Coimbra e foi apresentado a 30 de Abril no Festival Dias da Dança no Porto. A 17 e 18 de Maio, a peça vai estar no Centro Pompidou, em Paris, onde Catarina Miranda apresentou, em Março de 2022, o espectáculo “Cabraqimera” e a instalação vídeo “Poromechanics”.Catarina Miranda: "Não é só dança, é arte contemporânea" RFI: A Catarina Miranda está no Centro Pompidou pela segunda vez. O que significa para si, artista visual, mas também coreógrafa?Catarina Miranda, Artista: “Eu penso que enquanto artista ou arquitecta de palco, é super entusiasmante apresentarmos estes espectáculos em diferentes palcos e com diferentes públicos. Para mim, vir ao Pompidou - e vir uma segunda vez a convite da Chloé [Siganos] - é de uma importância extrema porque durante todo o meu percurso eu nunca me senti artista visual ou coreógrafa ou música. Eu senti-me sempre uma artista de arte contemporânea, uma criadora de arte contemporânea. Mais do que artista, eu sou criadora e o Pompidou para mim também é a confirmação de que o trabalho que eu desenvolvo - e que desenvolvo sempre com equipas- é uma construção de arte contemporânea, não fica preso no formato da dança. Para mim, o Pompidou, que é um espaço a que eu vim muito nova, em que estudei as peças, que é dos museus com o maior espólio de arte contemporânea, obviamente, é um grande apreço estar cá porque sinto que estou no local correcto para apresentar este género de trabalho. Porque não é só dança, é arte contemporânea.”O que significa ΛƬSUMOЯI?"ΛƬSUMOЯI é o título homónimo de outro espectáculo de uma peça de teatro Noh, que eu estudei em 2018, num programa que se chama Traditional Theater Training, em Kyoto. Foi uma peça que, de certa forma, criou algum afecto comigo em algumas questões e eu pensei que seria interessante usar o mesmo título. Em termos de tipografia está manuseado, mas mesmo a palavra é o nome de um fantasma, de uma criança-guerreira que voltou ao campo de batalha para se vingar da sua própria morte. Depois foi uma personagem ficcionada e popularizada porque era uma criança aristocrata, era poeta, músico, artista. Então, era uma pessoa que não estava de todo preparada para enfrentar uma guerra e que acaba por ser morta e ser apanhada num conflito entre território e poder, que é uma temática que podemos rapidamente transpor para hoje, para toda a ontologia humana - uma criança que é apanhada no meio de marcas, no meio de um clã ou de outro."Como é que toda essa história e essa fantasmagoria se reflectem em palco? "O que me marcou e me afectou nesta peça foi não tanto a narrativa do espetáculo Noh, mas alguns conceitos que eu senti que gostaria de traduzir em palco e na temporalidade da arquitectura do palco. A primeira foi a sensação de: qual é o devir de ser espectro? O que é que implica ser espectro? Como se estabelece comunicação? Que corpo é este? Que sensação é esta de um espectro voltar para sempre ao sítio onde houve ruptura com o seu corpo e que cria uma segunda dependência que é a espectro-geografia, ou seja, a geografia está impregnada dos eventos que ali acontecem, que podíamos também facilmente dar exemplos concretos de hoje. E qual é essa relação do mundo dos vivos com o mundo do desconhecido que levanta questões mais filosóficas do que é que acontece quando há separação, quando há ruptura do corpo e o corpo fica desmembrado."A dança e o corpo são presença. Como é que se torna presente o que está ausente?"O que eu pensei é que seria muito interessante, por um lado, trabalhar níveis de visibilidade e níveis de presença, quase viajar entre níveis do que é visível e o que não é visível. Por isso, a arquitectura do palco é estabelecida enquanto lugares lumínicos e de sombra, quase como se estivéssemos sempre a atravessar vários níveis de comunicação e de visibilidade, mas também a necessidade de afirmar esse espectro na sua realidade, na sua condição nova. E na sua condição, se for o seu centro, reencontrará o seu corpo ou “remembrará” o seu corpo numa nova condição, até física. Por outro lado, não estará tão dependente desta obsessão de voltar para sempre a um ponto no tempo e no espaço."A obra começa na penumbra, ao som de uma composição sonora metálica. Depois há sons mais techno e electrónicos que marcam o compasso dos bailarinos em transe, por vezes em modo robótico. Há qualquer coisa de ancestral que se cruza com o futurista. Como é que cruzou estas diferentes linguagens e porquê estas escolhas?"Eu fui buscar várias referências de movimento ao teatro Noh em termos da essencialidade de gesto, do gesto essencial, da manipulação de objectos e também a elementos de outras danças mais religiosas, como o vudu e o candomblé, onde tanto a dança como a música têm o denominador comum do ritmo e do êxtase e da comunidade.  Ao escolher uma equipa de co-criadores de dança contemporânea e de danças também urbanas e de teatro, fomos compondo gestualidades que são composições de grupo, quase como se fossem memórias de organização social, mas também depois afirmações individuais de personagens que são sempre a mesma personagem e que aí também vai beber um pouco aos fantasmas que cada bailarino tem na sua memória muscular. Ou seja, o nosso corpo carrega também em si fantasmas, não no sentido filosófico, mas realmente temos toda uma aprendizagem impregnada na nossa musculatura a que também fomos tirar partido e, por isso, muitas danças ou muitas técnicas contemporâneas foram também traduzidas nesta composição coreográfica.Um ponto muito carinhoso para nós durante a peça toda, tanto em termos coreográficos como em termos da composição musical, é a questão apotropaica."Quer explicar-nos o conceito?"São todos os comportamentos, todas as acções e objectos que servem para afastar o mal, afastar a morte, afastar a doença, afastar o azar. Isso ocupa a banda sonora inteira, do início ao fim, e também as acções da peça, como o manuseamento de isqueiros para fazer faísca, palmas, vocalizes, chamamentos vocais, sussurros… Foi sempre tudo gravado pelo Lechuga Zaphiro e desenvolvido com os bailarinos para que houvesse realmente uma dança apotropaica, no sentido desta peça não só espantar, mas ser atraída por…"Espantar os fantasmas, mas ao mesmo tempo chamar os fantasmas?"Sim. Este palco é um quadrado suspenso, tem um chão e tem um tecto. A luz vem de cima e de baixo, quase como se estivéssemos a dobrar a luz do sol que pudesse iluminar de cima e de baixo ao mesmo tempo. O palco é todo desenhado por linhas de horizonte. Na cultura nipónica não existe nem céu nem inferno como na cultura cristã. Então, sendo ilhas, as almas podem repousar para além do mar, para além da linha do horizonte. Esta cenografia é toda cheia de linhas de horizonte."A linha é um elemento que não está apenas no espaço desenhado em palco, no rectângulo do chão e no do tecto. Há também uma fita vermelha que une os intérpretes. Esta é uma fita lendária na cultura nipónica. Que fita é e porquê utilizá-la?"É quase como se eu pudesse transportar a minha alma para outro corpo. Na cultura nipónica, seria uma fita do destino em que as almas estão juntas. Elas são irmãs gémeas e amam-se mutuamente, mas penso que aqui não é tão relativo a essa simbologia. É mais como eu consigo manter a minha linha de existência de várias formas, não só pelo gesto, mas também por me transportar para outro corpo ou por me projectar noutro corpo porque estamos sempre a falar de duplos e de dimensões dobradas.E a questão da linha do horizonte vem porque eu estava a falar sobre comunicação. Se eu pensar que este espaço é um espaço intersticial de linhas de horizonte onde eu não sei tudo - nós não sabemos tudo em termos de quântica e de compreensão do mundo - mas se nós pudéssemos ter todas as dimensões ao mesmo tempo, num só espaço, seria quase uma caixa de comunicação, uma telefonia em que podemos ter tudo a comunicar com tudo. E essa linha vermelha também vem nessa leva de comunicação entre corpos."A comunicação também acontece porque temos não apenas a dança, o movimento, mas também a instalação sonora, a instalação visual. Além de coreógrafa, é artista visual. Há uma vontade deliberada de acabar com as fronteiras em palco?"Penso que não é uma opção individual, pessoal, mas há realmente uma grande liberdade, de um grande prazer de podermos imaginar, projectar ideias que não estão só contidas num só formato. A arquitectura do palco permite-nos potenciar todos os sentidos e é, por isso, que me interessa trabalhar níveis de percepção que não são só dependentes do movimento, mas de como é que é percebido e, muitas vezes, como é que eu posso criar tensão pela oposição do som e da luz e do movimento ou como os posso dinamizar todos ao mesmo tempo e criar uma sensação de alívio, por exemplo."Falámos do som, do movimento, ainda não falámos propriamente da luz. Há cores fosforescentes, chamas douradas com as tais faíscas, há néons azuis... Como foram orientadas estas escolhas?"A peça é uma peça nocturna que vive entre os brancos, os roxos, os lilases e os azuis frios. À medida que a peça se vai desenvolvendo, nós vamos entrando num vermelho sangue, a linha vermelha que sai da boca, uma linha que aparece mais tarde com ‘o diabo da Costa do Marfim, o diabo dos casacos'. Há também um grande sol que aparece na plataforma de cima, em contraposto com uma pessoa sozinha a confrontar-se com a sua própria morte. A peça foi gerida de um luar para algo que é mais ontológico, que é mais carnal. Daí esta viagem, dos tons frios para o vermelho."Falou do ‘diabo dos casacos'. Há personagens atribuídas a cada intérprete?"A meu ver, todos os intérpretes são a mesma personagem, são o fantasma cansado desta criança. E são mais do que isso, são o confronto com a própria perda, com a perda de si próprio, de uma desintegração do corpo e, ao mesmo tempo, confronto também com o início de um novo ciclo e a afirmação desse novo ciclo.O monstro dos casacos, se assim lhe chamarmos, é uma personagem diferente. Ele é a adição de todas as superfícies, de todas as peles desta personagem, como se fosse o tempo. São várias peles, são várias superfícies. No teatro Noh existe uma ponte que leva da porta até ao palco, que é simbolicamente uma ponte que leva da realidade dos mortos à realidade dos vivos. Muitas vezes, a personagem principal sai com um figurino e volta a entrar com um figurino demoníaco. Ao longo de todas as peças Noh, há sempre uma revelação da personagem que começa, por exemplo, como uma rapariga inocente que está a contar uma história, mas que depois se revela um demónio que foi ruturado por alguma razão. E a mesma coisa também no espetáculo de marionetas japonesas, o Bunraku. Há sempre transformações, clivagens e revelações e isso interessa-me muito. Esta personagem vem nessa leva do que é mais do que humano, a temática é mais do que humana, passa para o abstracto, são superfícies que se movem de formas caóticas e não temos de explicar tudo no sentido narrativo."

Falar sobre os cachorros dos últimos presidentes franceses, desde Charles de Gaulle, é uma alegoria adotada pela coreógrafa Maguy Marin para fazer um esboço político e socioeconômico da sociedade contemporânea. A peça “2023” mistura dança, sons e atuação dos sete intérpretes no palco, incluindo o franco-brasileiro Kostia Chaix. Patrícia Moribe, em ParisO espetáculo "2023" foi criado no ano passado e está em turnê pela França. Em Paris, acontece até 9 de março, no Les Abesses - Théâtre de la Ville. Mesmo assim, Maguy Marin repassa de tarde a peça antes de o público chegar à noite, conferindo movimentos, entonações e cobrando também do pessoal técnico.Os temas navegam pela crise da imigração tão atual, produto de uma sociedade que se empoderou às custas de outros, desde os tempos da colonização, passando por novas explorações e pela soberba da classe sempre dominante. “Eu acho que é uma forma de fotografia da nossa história social aqui na França, desde que o liberalismo entrou na política francesa até 2023; é uma fotografia parada em 2023 do que aconteceu e como é que o sistema midiático e político hoje”, diz Kostia Chaix, 28 anos, nascido no Rio de Janeiro.O engajamento político e social é uma tônica do trabalho de Maguy Marin. O lado criador vem desde os tempos em que era solista do grupo Balé do Século 20, de Maurice Béjart. Ela pesquisa e incorpora elementos teatrais em suas coreografias, o que a torna uma das criadoras marcantes da chamada Nova Dança Francesa. Um de seus trabalhos icônicos é “May B”, inspirado no teatro absurdo do irlandês Samuel Beckett, prêmio Nobel de Literatura. Em 2018, Lia Rodrigues e seus alunos da Escola da Maré, no Rio de Janeiro, apresentaram “May B” em Paris. Marin também acompanhou pessoalmente a preparação dos dançarinos.Preparação intensaKostia Chaix conta que a preparação de “2023” teve várias etapas. Em uma delas, durante três semanas, o grupo se reuniu para “se conhecer, ler coisas, compartilhar jornais, filmes e ideias. “Nada a ver com o espetáculo. Depois, a gente se encontrou sete ou oito meses até a estreia em 8 de novembro de 2023”, lembra. O dançarino conta que as discussões históricas e sobre a atualidade continuavam em paralelo. “É jogo de ida e volta no palco, você tem uma ideia cênica, o grupo discute como melhorar ou até descartar a proposta.”Sobre como se tornou bailarino, Chaix mostra que é carioca, dizendo que nasceu “em dia de bloco de carnaval no Rio de Janeiro”. Mas explica: “acho que sendo brasileiro, a dança é parte da cultura; você fica vendo as pessoas dançando, é parte da sua vida e do dia a dia”.Inspirado por "Billy Elliott"Ele conta que uma influência importante foi o filme “Billy Elliot”, em que um garoto inglês descobre a dança clássica e enfrenta a família e tabus para ser bailarino. Na França, ele passou pelo Conservatório Nacional de Paris e, depois, pelo Conservatório Nacional de Lyon.Na formatura, Chaix experimentou o vocabulário coreográfico Maguy Marin. Depois de um tempo em Berlim, ele voltou para a França e, durante a pandemia, escreveu para a coreógrafa, dizendo que queria fazer “May B” de novo. O retorno veio logo e assim o franco-brasileiro passou a fazer parte de uma das companhias mais emblemáticas da Franca.Sobre o Brasil, Chaix gostaria de desenvolver algo, mas é consciente. “Já tem muitos artistas no Brasil que precisam ter visibilidade, que merecem essa visibilidade”, diz,  como os amigos da Escola da Maré, de Lia Rodrigues, e outros profissionais brasileiros atuando na Europa. “É um sonho para mim criar essa ponte e não ter o Brasil só para férias, é um pais muito mais interessante que isso”. 

Final. De Aline Bei

Escritora. De Aline Bei

Ho tenim tot: remixos de S

Ho tenim tot: remixos de S

Continuação. De Aline Bei

Continuação. De Aline Bei

Continuação. De Aline Bei

Continuação. De Aline Bei

Benidorm Fest 2024 - Capítulo 06 Esta semana, queremos poner en valor el trabajo de muchos profesionales que están dándolo todo para que el espectáculo que veréos por televisión, sea bestial. En este capítulo 06 de Benidorm fest 2024: La importancia de la coreografia Charlamos en el hall del hotel Don Pancho con Toni Espinosa, y con Jorge González y sus bailarines Dori, Pablo, Álvaro y Fran. Nos cuentan algunas curiosidades de la creación de la coreografia de Toni, charlamos de los ensayos de "caliente", de la vida del bailarín y de la familia y del buen rollo que han creado en Benidorm Fest. --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/stories-de-radiocastellar/message

Continuação. De Aline Bei

Continuação. De Aline Bei

Continuação. De Aline Bei

Continuação. De Aline Bei

Continuação. De Aline Bei

De Aline Bei

La gènesi d'un temps de foscor. Crítica teatral de l'obra «La madre de Frankenstein», d'Almudena Grandes. Adaptació d'Anna Maria Ricart Codina. Intèrprets: Ferran Carvajal, Jordi Collet, Pablo Derqui, David Fernández “Fabu”, Gabriela Flores, Belén Pince de León, Blanca Portillo, Macarena Sanz, José Troncoso. Espai escènic: Paco Azorín i Alessandro Arcangeli. Il·luminació: David Picazo (AAI). Vestuari: Carlota Ferrer. Coreografia i moviment: Ferran Carvajal. Música i espai sonor: Jordi Collet. Audiovisuals: Miquel Àngel Raió. So: Carles Gómez. Ajudanta de direcció: Montse Tixé. Ajudant d'il·luminació: Daniel Checa. Ajudanta de vestuari: María García Concha. Fotografia: Geraldine Leloutre. Vídeo: Bárbara Sànchez Palomero. Equips tècnics i de gestió del TNC. Editorial d'Almudena Grandes: Tusquets Editores. Producció: Teatre Nacional de Catalunya i Centro Dramático Nacional. Direcció de l'espectacle: Carme Portaceli. Sala Gran, Teatre Nacional de Catalunya, Barcelona, 23 novembre 2023. Veu: Andreu Sotorra. Música: Chotis fusión. Interpretació: Alpargata. Composició: Santiago Cañete. Àlbum: Al borde del colapso, 2012.

Una tempesta amb pedregada de colors inclosa. Crítica teatral de l'obra «La tempesta». Versió de Roberto García a partir de William Shakespeare. Intèrprets: Marina Alegre, Álvaro Báguena, Paula García Sabio, Nelo Gómez, Jaume Ibáñez, Jacobo Julio Roger, Jaime Linares, Teresa Lozano, Manuel Maestro. Escenografia: Eduardo Moreno. Vestuari: Susa Martínez (IVC) i Esther Estrella. Il·luminació: Miquel Llop (IVC) i Marc Gonzalo (AAI). Il·luminació decorativa - leds: Ramón Jiménez (IVC) i Iluminale S.L., Composició musical: Carles Salvador. Caracterització: Imma Fuentes. So: Santiago Fuentes (IVC). Assessorament lingüístic: Nelo Gómez i Càrol Ferrer. Coreografia trampolí: Lucas Juan Ruiz Molina. Imatge: Assad Kassab. Fotografia: Vicente A. Jiménez. Grvació vídeo de l'espectacle: Senina Moreno. Mediació social Habitem el Rialto: Sílvia Clavel (IVC), Anna Albadalejo i Maribel Bayona. Veus en off: Paula García Sabio, Darío Torrent, Teresa Lozano i Victòria Mínguez. Realització escenografia: Priamo Estudio. Equips tècnics i de gestió de la companyia: Coordinació tècnica IVC: Tito Beltrán, Juan Gallego, Carmen Huerta, Alberto Suesta, Francisco González, Miquel Llop. Producció executiva: Esther Moreno (IVC). Direcció adjunta arts escènniques IVC: Roberto García. Producció: Institut Valencià de Cultura. Agraïments: A Darío Torrent i Victòria Mínguez. Equips tècnics de gestió del TNC. Auxiliars de direcció: Isabel Puig, Victòria Mínguez. Ajudanta de direcció: Lucía Sáez. Direcció: Roberto García. Sala Petita, Teatre Nacional de Catalunya, Barcelona, 9 novembre 2023. Veu: Andreu Sotorra. Música: Nisi Dominus, RV 608 IV. Cum dederit directis suis. Interpretació: Jakub Burzynski. Composició: Antonio Vivaldi. Àlbum: Vivaldi, Vespers of Sorrow, 2004.

Today I share my first foreign title, still currently unavailable in English: Pequena Coreografia do Adeus (Little Choreography of the Goodbye) by Brazilian author and poet Aline Bei. This book, written as one long poem, is beautiful and painful. It is about how a family (particularly the daughter) navigates a divorce. Aline Bei plays a lot with format to convey meaning, which reminds me of another excellent book I read recently, Maps of our Spectacular Bodies by Maddie Mortimer. Click here for an interview with Aline Bei about the book. You can buy Pequena Coreografia do Adeus here and Maps of Our Spectacular Bodies here. --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/natasha-t-baker/message Support this podcast: https://podcasters.spotify.com/pod/show/natasha-t-baker/support

Rebentar la caixa forta amb la clau sueca. Rebentar la caixa forta amb la clau sueca. «The Producers». Lletres de Mel Brooks i Thomas Meehan. Música de Mel Brooks. Intèrprets: Armando Pita, Ricky Mata, Àngel Llàcer, Oriol Burés, Mireia Portas, José Luis Mosquera, Bittor Fernández, Clara Lanzani, Alexandre Ars. Cos de ball: Pol Roselló, Adrià García, Enric Marimon, Raúl Maro, Jordi Garcia, Guillem Gamell, Empar Esteve, Ana Micó, Tamara Suárez, Julia Saura, Paula Pérez, Chema Zamora, Pablo López, Clara Casals i Marta Manotas. Coreografia i direcció original: Susan Stroman. Traducció i adaptació: Marc Gómez. Director resident i ajudant de direcció: Joâo Duarte Costa. Resident: Gerard Alonso. Disseny escenografia: Enric Planas. Disseny vestuari: Marc Udina. Disseny il·luminació: Albert Faura. Disseny so: Roc Mateu. Disseny caracterització: Helena Fenoy. Coreografia i claqué: Maria Bossy. Direcció musical: Manu Guix i Gerard Alonso. Coreografia: Miryam Benedited. Direcció: Àngel Llàcer i Enric Cambray. En col·laboració amb Music Theatre International. Producció: Nostromo Live. Teatre Tívoli, Barcelona. A partir del 15 setembre 2023. Veu: Andreu Sotorra. Música: Springtime for Hitler. Interpretació: Mel Brooks, Patrick S. Brady i cors. Composició: Mel Brooks. Àlbum: The Producers, 2005.

Edição de 05 de Outubro 2023

As navegadoras ganharam à Noruega, com mais de 6 mil nas bancadas! Toni já deixou o hospital... e ainda histórias de turistas, à força, relacionadas com futebol!

Pas a pas... Volta, volta... No hi ha alternativa. Crítica teatral de l'obra «Le congrès ne marche pas». Dramatúrgia de Joan Yago. Intèrprets: Roser Batalla, Joan Esteve, Xavier Francès, Aitor Galisteo-Rocher, Esther López, Tamara Ndgong, Marc Rius, Carles Roig i Júlia Truyol. Veu en off: Pau Masaló. Veu en off francesa: Corentine Sauvetre. Espai escènic: Bibiana Puigdefàbregas. Vestuari: Albert Pascual. Caracterització: Anna Madaula. Il·luminació: Rodrigo Ortega Portillo. Espai sonor: Guillem Rodríguez i David Solans. Coreografia i moviment: Vero Cendoya. Traducció i assessorament fonètic en francès i anglès: Julia Calzada. Traducció i assessorament fonètic en rus: Gerard Adrover i Yulia Karaganova. Ajudant de direcció: Pau Masaló. Ajudanta d'escenografia: Alba Paituví. Ajudanta de vestuari: Elisabet Rovira Ribas. Assessorament cant coral: Laia Santanach. Cap de producció: Roser Soler. Cap tècnic: Jordi Llunell. Estudiants en pràctiques: Andrés Galián (Xarxa de productores) i Leonardo Vicente (Institut del Teatre). Construcció d'escenografia: Carles Piera. Confecció de vestuari: Gustavo Adolfo Tarí. Construcció de llums de prosceni: Pere Sànchez. Construcció dels ninots: Eudald Ferré. Pròtesis: David Chapanoff. Agraïments: Cristina Oliver, Xisca Latorre i Demid Goncharov. Fotografies espectacle: Sílvia Poch i Sergi Panizo. Enregistrament i teaser: Raquel Barrera. Coproducció de La Calòrica, Teatre Lliure i Centro Dramático Nacional. Direcció: Israel Solà. Companyia La Calòrica. Teatre Lliure Gràcia, Barcelona, 20 setembre 2023. Veu: Andreu Sotorra. Música: Der Glorreiche Augenblick, Op. 136 Europa Steht! Interpretació: City of London choir, Claire Rutter, Hilary Davan Wetton, Matilde Wallevik, Peter Hoare, Royal Philarmonic Orchestra, Stephen Gadd, Westminster Boy's Choir. Composició: Ludwig van Beethoven. Àlbum: Le congrès ne mrche pas, Teatre Lliure, La Calòrica, 2023.

Buenos días, soy Yoani Sánchez y en el "cafecito informativo" de este viernes 18 de agosto de 2023 tocaré estos temas: - EE UU reabre una oficina en Cuba para los trámites de asilo y reunificación familiar - Dos provincias cubanas entran en "fase epidémica" por un repunte de dengue - Lula y Mujica irán a Cuba para promover una "apertura" - Comedia 'Ay... Love Miami!', de Mijail Mulkay Gracias por compartir este "cafecito informativo" y te espero para el programa del lunes. Puedes conocer más detalles de estas noticias en el diario https://www.14ymedio.com Los enlaces de hoy, para abrirlos desde la Isla se debe usar un proxy o un VPN para evadir la censura: El brasileño Lula y el uruguayo Mujica irán a Cuba para promover una "apertura" del régimen https://www.14ymedio.com/cuba/brasileno-Lula-Mujica-Cuba-apertura_0_3589441025.html Pese al cierre de la frontera terrestre con EE UU, el flujo de cubanos hacia Nicaragua no disminuye https://www.14ymedio.com/cuba/Pese-terrestre-EE-UU-Nicaragua_0_3588841088.html Los rumores de julio en Cuba: un barco ruso para intimidar, crímenes en alza y presuntos sabotajes https://www.14ymedio.com/cuba/Cuba-intimidar-crimenes-presuntos-sabotajes_0_3588841087.html Coreografía de una cola para comprar el gas licuado bajo un sol de justicia en Cuba https://www.14ymedio.com/cuba/Coreografia-comprar-licuado-justicia-Cuba_0_3588841089.html En tres meses, EE UU ha expulsado a más de 145.000 migrantes que llegaron a la frontera https://www.14ymedio.com/internacional/EE-UU-expulsado-migrantes-frontera_0_3589441022.html Dos provincias del centro de Cuba entran en "fase epidémica" por un repunte de contagios de dengue https://www.14ymedio.com/cuba/provincias-Cuba-epidemica-repunte-contagios_0_3588841086.html EE UU reabre una oficina en Cuba para los trámites de asilo y reunificación familiar https://www.14ymedio.com/cuba/Cuba-recibe-deportados-Unidos-quinto_0_3588841090.html Presentación de la comedia 'Ay... Love Miami!', de Mijail Mulkay https://www.14ymedio.com/eventos_culturales/teatro/Ay-Love-Miami-Mijail-Mulkay_13_3588371131.html

14-07-23 - Morde e Assopra - (Melhor Coreografia de Michael Jackson)

Minutos Literários é o programa que traz uma indicação de leitura de um(a) petiano(a). No episódio de hoje a obra é Pequena coreografia do adeus, escrita por Aline Bei e indicada pela petiana Julia Bazila. Acompanhe o PET Letras (UFRGS) nas redes sociais: Instagram: @petletras.ufrgs Twitter: @LetrasPet Website: https://www.ufrgs.br/pet-letras - "Evening Melodrama" Kevin MacLeod (incompetech.com) Licensed under Creative Commons: By Attribution 4.0 License http://creativecommons.org/licenses/by/4.0/

"Em seu segundo livro, Aline Bei – autora do premiado 'O peso do pássaro morto' – constrói um retrato tão sensível quanto brutal sobre família, amor e abandono. Livro finalista dos prêmios Jabuti e São Paulo de Literatura 2022. Julia é filha de pais separados: sua mãe não suporta a ideia de ter sido abandonada pelo marido, enquanto seu pai não suporta a ideia de ter sido casado. Sufocada por uma atmosfera de brigas constantes e falta de afeto, a jovem escritora tenta reconhecer sua individualidade e dar sentido à sua história, tentando se desvencilhar dos traumas familiares. Entre lembranças da infância e da adolescência, e sonhos para o futuro, Julia encontra personagens essenciais para enfrentar a solidão ao mesmo tempo que ensaia sua própria coreografia, numa sequência de movimentos de aproximação e afastamento de seus pais que lhe traz marcas indeléveis. Escrito com a prosa original que fez de Aline Bei uma das grandes revelações da literatura brasileira contemporânea, Pequena coreografia do adeus é um romance emocionante que mostra como nossas relações moldam quem somos." – site da editora. Link pra página do livro a seguir: https://www.companhiadasletras.com.br/livro/9786559210411/pequena-coreografia-do-adeus E vi que tem o audiobook, com a própria Aline narrando! Procure no Instagram por @alinebei. Eu sou @helenagsalgado e vc pode acompanhar o TáTó no Instagram @tatopodcast. Lá encontra, na bio, os links para todos os episódios e o contato, caso queira mandar alguma mensagem. O episódio foi gravado em São Paulo, em maio de 2023. A vinheta de início é uma interpretação minha pra música “Antônia” (Fabio Torres) e a imagem da capa é um print de trecho da obra de Louise Bourgeois, chamada Etats modifiés (estados alterados, 1995), usada na capa de Julia Masagão, pra edição da Companhia das Letras. Espero que curta e até o próximo TáTó!

Cris Pás nos presenteia com uma narrativa repleta de emoção, uma bela homenagem que toca o coração de todos, celebrando o amor e a dedicação das mães.

SOLIFEST 2023 - 1 Julio en Garrucha (Almeria) ...Hoy sonaron Niña Pastori, Captain Planet, Chanel, Abraham Mateo, Algiva... Sigue la venta de TICKETS SOLIDARIOS para nuestro fiestón solidario del 1 de Julio en Garrucha ( Almeria ) , si puedes escaparte vente con nosotros porque esto va a ser un auténtico fiestón..... ARTISTAS CONFIRMADOS que se suman a colaborar en la causa: CLASE A OFI LA MELODIA SON DEL BARRIO LUNA RAMOL ANTONIO POLO ROCIO LOPEZ DASEIN MUSIK EDU MAMBO JAMBIER EL MAESTRO SULE SANZ BROW QUINTANA Varios equipos de Coreografia como VINADANCE Y más de 15 dj´s durante todo el dia Apúntate a SOLIFEST 2023

Este programa especial será um espaço para dialogarmos sobre o mercado de trabalho existente para o/a profissional da iluminação em várias regiões brasileiras. Queremos conhecer sobre as diversas realidades existentes no país. Para isso, chamaremos alguns convidados e convidadas do estado do Amazonas para compor essa “mesa” de diálogos. Participantes: Tabbatha Melo é nascida em Manaus, é graduada em Comunicação Social e pós-graduada em Políticas Públicas pelo Centro Universitário de Ensino Superior do Amazonas (CIESA). Atua profissionalmente como iluminadora e produtora cultural. É também especialista em Gestão e Produção de Eventos e em Produção Cultural pela Universidade do Estado do Amazonas (UEA). Márcio Braz é artista da cena, crítico teatral, professor e iluminador. Participou de cursos de iluminação ministrados por Hamilton Saraiva, Luiz Paulo Neném e Aurélio de Simoni. Atua como iluminador de shows musicais e espetáculos teatrais há 23 anos tendo recebido o prêmio especial do júri do VIII Festival de Teatro da Amazônia pela Iluminação dos espetáculos “Coisas para depois de meia noite”, “Francisca” e “Dorothy Garland, a estrela dos desejos”. Foi indicado ao prêmio de melhor iluminação no 21º Prêmio Cenym de Teatro Nacional pelo espetáculo “Amazonas, o maior espetáculo do Brasil”. No Festival Folclórico de Parintins, atua como membro do Conselho de Artes do Boi Bumbá Caprichoso contribuindo, dentre outras funções, com o desenho de luz de arena e alegorias. Márcio Braz é ainda cientista social, especialista em Gestão e Políticas Culturais e mestre em Ciências Humanas. Tércio Silva é amazonense, diretor, gestor e produtor cultural. É licenciado em História. Tem formação técnica em Artes Cênicas. Graduando em Produção Cultural na Universidade Belas Artes (São Paulo). É EX – Presidente da Federação de Teatro do Amazonas – FETAM, atua há 22 anos na cena teatral em produções de eventos e montagem de espetáculos. É fundador do BUIA TEATRO COMPANY (2015), criador e curador do FESTARI – Festival Altamente Recomendável à infância, que vai para sua 4ª edição. Monique Andrade é bailarina e coreógrafa Amazonense, iniciou seus estudos de dança em Manaus, capacitando-se em São Paulo. É Graduada em Publicidade e Propaganda. Trabalha para Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa via Agência Amazonense de Desenvolvimento Cultural desde 2001. Desenvolveu trabalhos como Maitre de Ballet Clássico, Assistente de Coreografia e Direção Artística do Corpo de Dança do Amazonas (2001 a 2014) e Direção Artística do Balé Experimental do corpo de Dança do Amazonas (2014 a 2019). Coreografou diversos espetáculos para os Corpos Artísticos do Teatro Amazonas, para o Liceu de Artes e Ofícios Cláudio Santoro, para o Festival Amazonas de Ópera e Concerto de Natal, além de participar de várias curadorias de projetos na área de dança da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Amazonas.

A nossa convidada de hoje é a escritora genial Aline Bei. Com formação em Letras pela PUC-São Paulo e em artes cênicas pelo teatro-escola Célia Helena, Aline escreveu os romances O PESO DO PÁSSARO MORTO (vencedor do prêmio São Paulo de Literatura e do prêmio Toca, além de finalista do Prêmio Rio de Literatura) e PEQUENA COREOGRAFIA DO ADEUS (publicado neste ano pela Companhia das Letras). No bate-papo, Aline contou sobre como se deu seu início dentro da literatura, falou do processo de encontrar seu estilo próprio de escrita, contou o caminho que percorreu para lançar de forma independente o seu primeiro livro e também falou de suas histórias protagonizadas por mulheres. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/as-amigas-geniais/message