Podcasts about la gran evasi

Las parejas enamoradas de Mai Zetterling no lo están, se casan por conveniencia, se abandonan, o se aborrecen. La fijación de la directora con la maternidad, el embarazo, la ansiedad y la angustia, o su desprecio del matrimonio como institución debió confundir bastante al personal. Con una narración audaz, a través de saltos en el tiempo y una cantidad de personajes que en una primera visión del film puede confundir, abrumar al espectador. Zetterling adaptó junto a su pareja en ese momento, David Hughes, el ciclo de novelas de la escritora Agnes von Krusenstjerna. La primera parte del film presenta a las tres mujeres protagonistas. Las tres embarazadas en un hospital, a punto de dar a luz, recuerdan sus vidas, un médico cínico, una tía, Petra, la narradora original en la serie de novelas, o un pintor homosexual, personajes bisagra ambos. En la segunda parte, el solsticio de verano reunirá al grupo entero, ahí entran aún más personajes. Domina la señora Landborg, anfitriona promiscua, locuaz, y cínica a más no poder, sus comentarios no tienen desperdicio. Según ella traer un hijo al mundo es procrear otro idiota, y también suelta en otra ocasión que el fin del matrimonio es hacer que la gente se odie. El cine de Zetterling muestra nexos en común con Ingmar Bergman. El acercamiento de la directora es muy natural y ambicioso, Bergman acota más su mirada a sus obsesiones particulares, la existencia y la muerte , el silencio de Dios, el pecado. Zetterling tuvo la suerte de contar con el operador habitual de Bergman, Sven Nykvist. Su trabajo excepcional nos encierra en la clínica, nos transmite la náusea de la paciente, el miedo de la niña escondida bajo la mesa, o en el otro extremo, el goce de vivir, las jóvenes corriendo desnudas por el campo. La osadía de mostrar deseos lésbicos en el año 1964, el primer plano frontal de los rostros de la alumna y la tutora nos traen a la memoria “Persona”, su perturbadora elucubración sobre la locura y la soledad. Esta noche queremos ser felices de una forma melancólica, igual que Petra, la que ya no quiere ser joven… Chari Medina, Zacarías Cotán, Salvador Limón y Raúl Gallego.

Intensa como un amor de verano en la adolescencia es la historia de un verano y una noche memorable. A flor de piel y a base de sofocos y sudores el bueno de Hermine despertará sus sentidos ese verano del 42. Esas vacaciones con sus dos amigos perdurarán en su memoria mientras viva. El terrible trío camina por las playas de Nantucket, absortos entre tanta chica en bañador, el sol calienta y al otro lado del charco se fragua el desenlace de la segunda guerra mundial. Poco preocupa eso a estos tres, más centrados en otros menesteres, en sentarse en el cine al lado de una chica, leer los consejos de un libro didáctico sobre sexo, o conseguir preservativos en la farmacia del pueblo. Desde un planteamiento de inocencia que encandila al espectador, con una fotografía difusa que evoca el recuerdo de un recuerdo, con toques de humor y una sensibilidad acentuada por la música de Michel Legrand. Mulligan nos sitúa en el verano en que Hermie dejó de ser Hermie. Idealizando a una veinteañera con el rostro perfilado de Jennifer o´Neill. La chica de la casa junto al mar, se ha quedado sola, su compañero, al final sabemos que es su marido, ha sido reclutado a filas. A partir de ahí el director nos introduce en el microcosmos de esos chavales, uno con una obsesión entre manos. Le lleva a la chica las compras a casa, le sube cacharros al diván y observa sus curvas con adoración en la escalera, toma café con ella, aunque se queme con la taza hirviendo y de vez en cuando suelte alguna tontería que no viene a cuento. Hasta tal punto vemos todo a través de los ojos de Hermie que a su madre la escuchamos hablar una vez, nunca la vemos, y los otros dos adultos que aparecen son una señora saliendo de la tienda y el farmacéutico que le atiende en búsqueda de anticonceptivos. Esta noche entramos al cine de verano y ponemos la mano sobre el hombro de una chavala… Zacarías Cotán, Chari Medina, Salvador Limón y Raúl Gallego

Un trago de whisky quizá temple el pulso a algunos, los que tienen más aguante y andares de John Wayne sabrán saborear un whisky on the rocks y poner cara de póquer. Ocurre que un Scotch bien destilado también puede desquiciar al personal, al que busca la juerga y disfruta vertiendo desde arriba el licor sobre el amigo borracho en la arena. El protagonista de este melodrama con atmósfera de cine negro, fotografía nItida de Torres Garriga, y la brillantez de Arturo Fernández, un caradura, un gigoló, bastante camuflado por la censura de la época. Se da a entender que vive de las mujeres, un jeta con don de gentes y buen físico que sabe camelarse a las féminas. Todo esto suavizado con la moralista cita del comienzo, el daño que causamos a una persona se prolonga más allá. Todas nuestras acciones tienen consecuencias en el prójimo. Asoma el primer boom turístico con las tres inglesas que Víctor y su amigo el estudiante de medicina (Carlos Larrañaga) emborrachan y llevan a una playa de la costa brava para seguir con la juerga, en el hotel de enfrente los observará desde la ventana la joven regente del negocio, una bella Rossana Podestá célebre por peplums como Helena de Torya (Robert Wise) o el Ulises de Mario Camerini. Aquí se pasea con Víctor entre ruinas griegas, las de Ampurias, la fotografía de nos regala una serie de bellos planos con el Mediterráneo al fondo y nos enteramos de algunos detalles de la vida del borrachín Víctor. En el buen guion escrito por el mismo Julio Coll y José Germán Huici respiran una serie de estereotipos con vidas conectadas por la fatalidad, el playboy, la alcohólica, la buena chica, el amigo estudiante, el inspector de policía, el boxeador. Todos entrecruzan sus vidas y dan la razón a la cita del comienzo: somos fichas de dominó puestas en fila, al lado de un vaso de whisky. Esta noche bailamos el swing de José Solà y su orquesta en el salón de un hotel… Zacarías Cotán y Raúl Gallego

Se hace extraño volver a ver una película como El otro lado de la cama dos décadas después, cuando uno ya peina canas y se piensa menos con los genitales y los dolores de cabeza son más frecuentes, ya no precisamente por las resacas. La comedia de enredo y de malentendidos de Martínez-Lázaro pegó el pelotazo en su momento, y todo dios fue a las salas a verla. Con éxitos de pop rock español de la época, la audacia de los actores de cantar las canciones y hacer las coreografías, aporta naturalidad a la frivolidad de lo expuesto. Amigos comunes con intercambios de pareja, pero estos no son pactados ni en grupo como en el Intercambio de parejas frente al mar, de García Pelayo. Éstos se ocultan los cuernos, como si fuera tan fácil entrar por las puertas con las astas de un ciervo real. La peña salía del cine con una sonrisa de oreja a oreja, y es que el ritmo ágil y buena dirección de actores, los bailes y canciones engarzan las escenas y los diálogos algo tontos en ocasiones. Según uno de los personajes todos somos bisexuales y según otro las lesbianas normalmente llevan el pelo corto y visten con camisas de cuadros. Hoy en día quedan desfasadas estas conversaciones de alcoba, afortunadamente la sociedad ha avanzado, la inclusión y la lucha por la igualdad han logrado que suenen chocantes estos diálogos hoy en día, y este film también contribuye a ese cambio. Esperamos no volver atrás con los vientos de odio que corren con fuerza de nuevo. Un guion del debutante David Serrano, que después dirige “Días de fútbol” con casi los mismos actores. Natalia Verbeke, Paz Vega, Ernesto Alterio, Guillermo Toledo, Alberto Sanjuan o María Esteve se conocían bien y el buen rollo se deja sentir en cada gag, en cada chiste, el desenfado de estas batallas con poca munición entre los sexos, el detective de tebeo de Ibáñez – Ramón Barea- y las peroratas infames del taxista machista -Alberto Sanjuan- nos hacen pasar un buen rato. Esta noche somos el niño melón, el niño melooooooooooooooooónnnnnnn…en La gran Evasión José Miguel Moreno, Chari Medina y Raúl Gallego

Tras triunfar con La naranja mecánica y quedarse con las ganas de llevar al cine su ambicioso proyecto sobre la vida de Napoleón, Kubrick nos sumerge en batallas de la Guerra de los 7 años, en partidas de naipes iluminadas por velas, en duelos absurdos de hombres que sacan pecho y esperan el disparo a pocos metros, sacar pecho a la muerte, entre árboles y prados irlandeses. El film avanza a través de la compasión distanciada hacia la especie humana, el joven Redmond Barry, un ser del que nos compadecemos antes sus desgracias, nos alegraremos de sus venturas y también podremos aborrecer por sus acciones. Un irlandés intrépido, vividor, se propone convertirse en un caballero distinguido en la Europa dieciochesca. Una época presentada a base de planos de gran belleza. Cuadros vivos, Kubrick se inspiró en pintores del siglo XVIII como William Hogarth, George Stubbs o John Constable. La sarabanda de Handel, las piezas de Vivaldi y Schubert, o las canciones irlandesas tradicionales escogidas realzan la emoción de cada escena, añaden solemnidad, erotismo o melancolía según corresponda, un ejemplo, la escena del juego erótico de la cinta entre el joven inexperto y la prima (Gay Hamilton), o el intercambio de miradas entre la señora Lyndon y Barry, a la luz de las velas y el piano de Schubert la pasión se abre paso. Ryan O´Neal y Marisa Berenson están a la altura en la felicidad y la desgracia, él, egoísta y mujeriego, ella, la condesa aburrida de un esposo enfermo será fácil de seducir. Al fin, la providencia les dará la espalda y se trasladará a otra jaula contigua. Las escenas en los salones buscan el realismo. La excepcional recreación pictórica, ambiental y figurativa del director británico, con zooms inversos y panorámicos. Kubrick se empeñó en rodar con luz natural para dar más credibilidad a las imágenes de una era en que no existían las bombillas, por que consiguió tres lentes Zeiss, utilizadas por la NASA para capturar el lado oculto de la Luna en 1966. Esta noche recorremos las cortes de Europa en busca de grandeza... José Miguel Moreno, Rosario Medina, Zacarías Cotán, Salvador Limón y Raúl Gallego

Imbuidos por el espíritu gótico de una fábula con hada buena, la vendedora de cosméticos interpretada por Dianne Wiest, la vecina ninfómana, bruja traicionera, y Edward Johnny Depp-, una criatura extraordinaria, dotada de bondad, talento, y maldita por una deformación congénita en forma de tijeras metálicas. Eduardo quiere abrazar a los demás y no puede porque los lastima. Sobre todo quiere abrazar a la cheerleader -Wynona Ryder- la hija de la familia que la acoge en esa urbanización tan coqueta y mediocre. El responsable de su génesis es un extravagante confitero -Vincent Price en su última aparición-. Las tijeras eran sus manos originales. las utilizaba para cortar las galletas en forma de corazón, Edward era uno de los robots utilizados en la línea de montaje. A este tipo de creador solitario volverá Burton con el Willie Wonka de Charlie y la Fábrica de Chocolate. El universo artificioso nos alucina, en un pueblo con casas de colorines y coches que salen a trabajar en sinfonía cromática y al lado el caserón gótico de escaleras orgánicas y la criatura en soledad nos mira a través de un ventanal. El mimo incomprendido nos recuerda a Buster Keaton, apenas musita unas pocas frases, sí hace otras cosas prácticas para ese atajo de amas de casa andarinas y maridos currantes, peina a sus perros con estilismos de alta escuela, después las peina a ellas, e incluso trincha pimientos en la barbacoa del domingo. La amenaza de unas cuchillas que pueden amputarte un brazo en cuestión de segundos si él quisiera, este Frankenstein con ropajes de cuero carece de manos y sin embargo tiene un gran corazón. Johnny Depp lloró al leer el guion y lo dio todo. Le vemos al principio más solo que la una en su castillo y cierra igual, con sus pelos de Robert Smith cincelando muñecos de nieve en Navidad. Esta noche intentamos disimular las cicatrices de Edward con ungüentos baratos… Zacarías Cotán, Salvador Limón, Raúl Gallego y Chari Medina.

Peter Falk y Gena Rowlands son marido y mujer en este film magistral. Verdaderamente ambos se quieren, y así es, a pesar de todo. Cassavetes mismo dijo que esta película iba sobre el precio que hay que pagar por mantener una relación. Es agotador observar la relación de los dos, que se entienden bien según el momento, Mabel, en una de las secuencias más recordadas, con el psiquiatra familiar en casa presto a banderillear a la paciente con la dosis necesaria. Ella mira a su marido, se querrán hasta la muerte, nadie del exterior debe interponerse en su amor recíproco, él asiente, y entonces entra la suegra en escena, gritando como una posesa, a esta mujer hay que llevársela, tiene a sus hijos abandonados. Toda esta dantesca situación es mostrada por Cassavetes y su cámara Al Ruban con agilidad y ansiedad, la cámara, inestable, se mueve de izquierda a derecha, de pronto los niños suben corriendo la escalera y el hombre en bata mira hacia arriba con la cara descompuesta, los gritos, los golpes y la desesperación dentro de cuatro paredes. Algún crítico afirmó que esta es la película de amor más profunda, y es curioso que no hay sentimentalismo ninguno, sin trampa ni cartón, Cassavetes despoja de dramatismos superfluos lo que cuenta, monta fragmentos de vida, retazos y flashes fugaces de una familiar peculiar. Enorme está Gena Rowlands dando veracidad con sus gestos, sus carreras, a esa mujer trastornada que desvaría, que se comporta de manera excéntrica, y aun así nos ponemos de su parte. Los hijos la quieren, el marido también, en su trabajo le dice al compañero que su mujer es una lunática, pero no está loca, y al momento le asegura que no sabe de lo que es capaz, que no la puede dejar sola. Rowlands, esposa del director en la vida real, actriz en “Faces”, “Gloria”, o “Noche de estreno” entre otras. Nick, el marido, tampoco está muy normal, una vez ingresan a su esposa en el psiquiátrico, mediante una elipsis, no vemos ni un instante del tratamiento ni de su estancia allí. El padre se lleva a sus hijos a pasar un día en la playa, corre tras ellos como un condenado a trabajos forzados, sin su mujer su existencia es un sinvivir, y a la vuelta emborracha con cerveza a los críos. Esta noche comemos spaghetti con Nick y su mujer… Zacarías Cotán, Salvador Limón y Raúl Gallego

Entre el thriller, el acercamiento a la comunidad Amish y la relación sentimental del policía y la viuda, dos personas poco adaptadas a sus propios entornos. Y todo eso visto a través de los ojos inocente de un niño. Ese niño llega en el momento equivocado a un cuarto de baño de estación, y será testigo de un crimen bárbaro. Los Amish son presentados con respeto y algún toque de humor, y Weir contrapone la pureza de esas gentes sin reparar en aspectos negativos como la intolerancia puritana de estas sectas, el patriarca llama a todos los ajenos a su sociedad cerrada “ingleses”, ten cuidado con los ingleses le espeta a la nuera que viaja a la gran urbe por primera vez con su hijo. El crío -Lukas Haas- admira al policía desde que lo conoce, a ese policía con dotes de carpintero, en su estancia en las bucólicas tierras de los Amish entregará su arma de fuego a la mujer, el símbolo de la violencia de los “ingleses” que ellos rechazan radicalmente. Lo mejor de Único Testigo es el magnetismo que desprende la relación de Harrison Ford y Kelly McGillis, una historia sin porvenir debido a la barrera cultural infranqueable. De pronto arranca el coche, el policía mete la marcha y suena el Wonderful World en un granero, o ella se baña en su intimidad, la forma de mostrar su desnudez al que no puede dejar de mirarla, la renuncia tendrá su explicación. Ella se quitó el bonete blanco, y fue un gesto poco definitorio, la barrera es tremenda, y John Book lo sabe perfectamente. El lenguaje corporal de Ford es de categoría, después será el excéntrico padre inventor de “La costa de los mosquitos”, tambien dirigida por Peter Weir, y así se desmarcará algo de sus estereotipos a lo Han Solo, Blade Runner o Indiana Jones. Los Oscars importantes fueron para la almibarada “Memorias de África”, peor película que “Único Testigo” en mi opinión. Esta noche intentamos ordeñar una vaca por primera vez… Salvador Limón, Alejandro Trujillo, Rosario Medina y Raúl Gallego

La sombra de la guerra de Secesión y la fiebre amarilla se ciernen sobre los personajes de “Jezabel”, el melodrama de William Wyler precedente de la superproducción de la MGM “Lo que el viento se llevó”. Aquí tenemos a Julie (Bette Davis), una jovencita del sur, caprichosa y manipuladora, tanto como Escarlata O¨Hara. En torno a Bette Davis gravitan todos los personajes y objetos del film, los esclavos negros de igual forma parecen vivir felices en su situación, con niños graciosos y el tío Cato, el mayordomo que brinda por el matrimonio del caballero sureño en la cocina para que nadie le vea. Julie, la Davis, resplandece con su vestido rojo en un vals de mujeres de blanco, una mujer adelantada a su época, vanidosa y terca, expresa la ira, la emoción, la pasión y la depresión en esos primeros planos que su ferviente admirador Wyler le dedica. Preston -Henry Fonda- la quiere, aunque es de la misma tierra de pantanos y tradiciones, simboliza los valores de la modernidad, los aires que soplan desde el norte y así se enfrenta en las reuniones con los inmovilistas patrones, los que no ven con buenos ojos que el ferrocarril haga la competencia al comercio marítimo del Mississippi. El hombre del sur es George Brent, el otro pretendiente, con unas convicciones puras, sin diluir, él no diluye el Bourbon con agua en el gran Salón de San Luis, rodeado de hombres de honor, aterrados por la plaga. Wyler nos cuenta esta obra de Owen Davis con movimientos de cámara seguros, con gráciles travellings y barridos por las calles de Nueva Orleans y sus suntuosas mansiones, en las escaleras que en “La loba” también tenían protagonismo, y en la recordada escena del vals, en ese salón todas las miradas de indignación se posan en la joven rebelde y atormentada de sí misma, hasta el punto que su tía (Fay Bainter) la compara con Jezabel, la orgullosa y manipuladora reina bíblica de Israel. Esta noche giramos la cabeza para contemplar a la joven del vestido rojo... Zacarías Cotán, Raúl Gallego, Salvador Limón, David Velázquez y José Miguel Moreno.

Kenji Mizoguchi nos traslada al Japón de la era Meiji, al Tokyo del año 1888 y a un teatro kabuki en la Historia del último Crisantemo. Con un estilo visual muy cuidado y siguiendo su tema habitual, la experiencia de mujeres oprimidas por las reglas sociales, por el entorno patriarcal de la cultura japonesa. Mujeres inteligentes, valientes, en la sombra, como Otoku -Kahuho Mori-, esta niñera sobre la que circula todo el relato, circula en torno a su altruísmo y en torno al aprendizaje de un niño mimado, Kikinosuke – Shotaro Hanagayi-, vástago de un prestigioso actor, debe mantener el abolengo de su apellido. Mizoguchi apela a los sentimientos sin subrayados, con armónicos planos secuencia y travellings fluye su elegía a una mujer, presenta a los personajes encarcelados en sus aposentos, entre el tatami y las celosías de madera espiamos las murmuraciones y preocupaciones privadas de los personajes. La cámara barre lentamente los rincones del teatro y en segundo plano observamos los tramoyistas, los actores, los maquilladores en su rutina, tras mostrarnos los espacios despejados y los bastidores y bambalinas se abre el telón, y Mizoguchi nos planta como espectadores ante diferentes episodios de las obras en las que actúa el frustrado Kiku, un onnagata, actor masculino especializado en papeles femeninos, luchando por mejorar sus dotes. De pronto, la sirvienta Otaku le alumbra y fortalece, tal como en toda la obra de Mizoguchi,¨Los amantes crucificados”, “Oharu mujer galante”, “La señorita Oyu”, etc, el deber y las convenciones sociales se oponen a los sentimientos de lod dos enamorados, Kiku decide plantar cara a su despótico progenitor y pone pies en polvorosa para buscarse el sustento, y mediante las penurias y el trabajo constante accede al conocimiento de su arte, tal como su querida musa Otaku le aconsejaba en sus paseos nocturnos Esta noche partimos la sandía y la saboreamos en compañía de Otaku… José Miguel Moreno, Salvador Limón, Zacarías Cotán y Raúl Gallego.

Las notas de Fabio Frizzi nos abren la puerta del inframundo, el sótano más inundado en un hotel de Lousiana oculta una de las siete puertas del infierno. Fulci el maestro de los gusanos y las entrañas, del terror orgánico, despliega sus obsesiones más enfermizas. Una mujer ciega -Cinzia Monreale- advierte a la propietaria del hotel maldito. La joven de pupilas blancas no puede explicarle el origen del terror, solo la avisa, es una enviada, procede del más allá y conoce las entidades oscuras. Visiones impactantes y efectos grotescos se suceden, saltamos de un escenario dantesco a otro peor, de un sótano anegado a una morgue de blancura diáfana, de una bañera podrida al mar de las tinieblas. Un argumento irracional, lo que ocurre en ese insólito hotel y ese hospital es de pesadilla, la condenación humana, y perruna, la maldición latente desde que mucho tiempo atrás una turba empareda y crucifica al pintor de un cuadro tenebroso, esa pintura del averno, el mismo escenario final, piélago de muerte donde las almas en pena se arrastran y el horizonte se antoja de tormento infinito. Fulci se debate entre el realismo truculento y estomagante y la fantasmagoría cósmica. El libro de Eibon, el que encuentra en la biblioteca el infeliz arquitecto, devorado después por tarántulas, parte de un texto del escritor Clark Ashton Smith, miembro del círculo de Lovecraft. El más allá (L´Aldilá) forma parte de la trilogía sobrenatural conocida como Las puertas del Infierno, junto a Miedo en la ciudad de los muertos vivientes, y Aquella casa al lado de cementerio. Con Catriona McColl como nexo de unión, sangre, vísceras, ojos desorbitados, y una legión de zombis momificados que hacen las delicias de los partidarios del cineasta romano, entre los que me encuentro. Esta noche procuramos no meter la mano en la bañera inmunda con fontanero incluido… Salvador Limón, Zacarías Cotán y Raúl Gallego.

En este místico viaje a través de Berlín, los ángeles, testigos silenciosos, contemplan la ciudad desde torreones y monumentos, la cámara salta y planea sobre los transeúntes, sobre los coches, ellos escuchan sus pensamientos e intentan confortar a los más infelices con su presencia invisible. El reflexivo film de Wenders exalta la celebración de la vida, el amor al prójimo y a uno mismo, como cantaba Walt Whitman en sus poemas. Wenders filmó sin un guion al uso, partía de poemas de Peter Handke, de versos iba recreando imágenes, de ahí la extrañeza que se pueda sentir, sobre todo en la primera parte, etérea y abstracta, con dos heraldos de la bondad que se reúnen en un coche para hacer recuento de sus notas, uno de ellos confiesa que está algo cansado de no poder sentir, desear, de una biblioteca luminosa, catedral de los libros, paraíso poblado de ángeles y mortales, lecturas que se confunden con la música de Jürgen Knieper. Los textos de Handke verbalizados por Homero, el anciano en busca de la plaza donde un día sintió algo parecido a la felicidad, la Postdamer Platz, se sienta en un sillón desvencijado, en medio de un solar baldío. El personaje de Peter Falk, un Colombo con su gabardina, hace de sí mismo, está trabajando en un film sobre la barbarie de la segunda guerra mundial, Wenders añadirá imágenes de archivo mostrando el terror de los bombardeos en Berlín. En la segunda parte el ritmo toma brío, Damiel ya pone los pies en la tierra el personaje de Bruno Ganz, prefiere renunciar a la inmortalidad, encarnarse y sentir el tacto de una trapecista en soledad, Solveig Dommartin, compañera en ese momento del director. Si en Paris Texas la unión entre Travis y la madre de su hijo ya es imposible, las alas del deseo de un ángel transformado en hombre si alcanzan a tocar la piel de su adorada contorsionista, a quien observa ahora desde abajo mientras levita como él solía hacer. Esta noche vendemos la armadura en una tienda de empeños… Raúl Gallego, Zacarías Cotán, y Chari Medina.

Truffaut y Jean-Louis Richard se inspiraron en algunos crímenes pasionales de aquel verano, que poblaba las paginas de sucesos, para redactar el guion. La palabra “Adulterio” proviene del latín “adulterare”, falsificar o alterar el orden de algo establecido, en este caso el matrimonio. La belleza emboba al hombre maduro, el intelectual experto en Balzac se embelesa con una azafata, la pasión de un amor clandestino, su prestigio y cierta fama engatusan a la mujer joven, independiente, con otro estatus profesional al del intelectual, sabe bailar sola, la zozobra está en el otro lado. Esa zozobra la trasmite con brillantez el actor Jean Desailly, otorga al escritor una languidez y una inquietud incómoda, es un niño con zapatos nuevos que no sabe atarse los cordones. Con su rictus de cordero degollado, sale de la gasolinera, la chica ha desaparecido, ha ido a cambiarse esos vaqueros que al niño grande no le convencen, y él mira a un lado y a otro, desconcertado, hasta que el mundo vuelve a girar cuando ella aparece con la falda y se le cambia el semblante. No hubo buena sintonía entre Truffaut y el actor, a Truffaut no le gustaba el estilo de Desailly, prefería a Françoise Dorleac, con ella tuvo un romance los días siguientes al rodaje, una seductora estrella, modelo de la mujer moderna de los años sesenta. Estrella demasiado fugaz, moriría en un accidente de coche tres años después de esta película. La audacia del tímido telefonea en la penumbra de la habitación del hotel, quiere conocer a esa mujer con la que apenas ha habido un cruce de miradas en ascensor, y una foto al salir del avión para la prensa. Truffaut y su operador Raul Coutard despliegan numerosos recursos para que el film fluya sin respiro, en un plano detalle la mano masculina enciende el interruptor, la femenina lo apagará. En la secuencia del ascensor el tiempo cinematográfico se dilata, con el toque Hitchcock,plano y contraplano, el manejo del tiempo, un ritmo apresurado y montaje frenético como los latidos del corazón de un hombre que no sabe manejar su fiebre. Y nos impresiona el desenlace de este film trágico, tan oscuro que será incomprendido en Cannes. Es muy pesimista lo que se cuenta, el cabeza de familia no es un aventurero, es un hombre aburrido que apaga la luz e intenta cumplir en la cama con su mujer, esa intimidad expuesta incomoda al espectador que ya conoce el percal. Esta noche retiramos lentamente las ligas que envuelven la piel más suave… Raúl Gallego, Zacarías Cotán, David Velázquez y José Miguel Moreno

El vals de la viuda alegre suena varias veces en La sombra de una duda, la pantalla se llena de danzantes dando vueltas y vueltas. La amenaza avisa mediante un telegrama a la familia, un tío adorado por su hermana y su sobrina, le tienen en un pedestal, vuelve a la pacífica villa de Santa Rosa. La fascinación que siente el personaje de Theresa Wright por su tío, excepcional Joseph Cotten, irá cambiando al miedo, a medida que va descubriendo la verdadera esencia de su pariente, y el chantaje posterior del aparente ciudadano ejemplar. Antes de albergar la más mínima sospecha, ya quiere descubrir los secretos de su apuesto y adinerado tío. El error de Charlie radica en confiar demasiado en la inocencia de la joven, la admiración a su persona de casi todas las mujeres le ciega. Charlie irá enseñando los dientes, dejando pruebas de su patología criminal, un periódico con recortes, un anillo con unas iniciales, y ciertos soliloquios en la cena con un odio cerval a las señoras viudas, y a la humanidad en general. En un film de su primera etapa americana, Hitchcock retrata la vida provinciana con la ayuda de la pluma del dramaturgo Thornton Wilder (Sinfonía de la vida). Especialista en narrar la vida cotidiana de un pueblo donde todos se conocen, con el mismo guardia de tráfico, la misma biblioteca, el mismo bar. El naturalismo de esa ciudad pacífica se combina con planos expresionistas, picados de la escalera, desde la ventana, y primeros planos del rostro atractivo y perturbador de Cotten. En concreto recuerdo un plano a media distancia de Cotten en la entrada del porche, mira a su potencial víctima desde lejos con una pose de monstruo voyeur, similar a la del Michael Myers de la saga de Carpenter. El terror ha llegado con el aviso de un telegrama, del mismo modo que en la siguiente “Náufragos” el maestro nos mantendrá en vilo en una barcaza a la deriva, en el océano calmo de Santa Rosa también nadan tiburones sedientos de sangre. Asesinos de viudas hay más de uno en el cine, otro memorable es Monsieur Verdoux, el Chaplin de excelentes modales, el Barba Azul de Hitchcock se nos presenta tumbado en la cama de una casa de huéspedes, pensativo, con fajos de billetes alrededor, mientras dos detectives le buscan. La esencia del mal asoma al retorcer sus manos en ademán de estrangular a la sobrina cuando la observa desde una ventana, en otro momento en el pub del pueblo, sigue con sus digresiones abyectas contra el mundo, el mundo es una pocilga, lo peor es que a Charlie argumentos no le faltan para constatarlo, aún no había terminado el conflicto más mortífero del siglo XX. Esta noche leemos el periódico antes que Charlie lo recorte… Raúl Gallego, Zacarías Cotán y David Velázquez.

No es demasiado difícil encontrar similitudes, apariencias exteriores, entre la película de Koreeda, Un asunto de familia y la obra maestra de Yazujiro Ozu Historia de un vecindario. En ambas el amor vuelve a un lugar donde el vacío encuentra alguien que lo necesita, sin un vínculo de sangre que lo atestigüe. El cine de Koreeda, sin embargo, muy honestamente, siempre se ha visto fuera por gustos propios del Gran Yasujiro Ozu. Koreeda llega a la emoción, llega a través de cada una de sus películas que son magníficas y también en Un asunto de familia, como Erice, otro maestro, a emocionarnos de tal forma que no podemos negar esas interrelaciones, esencialmente en su falta o en su reencuentro que vale mucho más que la presencia que de ella se presupone. En el cine de Ozu, la historia es distinta. Si es Mizoguchi el que dice, entre Ozu y yo hay una gran diferencia. Yo hago de lo cotidiano algo extraordinario, pero Ozu hace de lo cotidiano algo ordinario. Lo que son esos barquitos que pululan a muy baja velocidad, por las bahías de los pueblos cercanos donde vive su protagonista, los que hacen emerger una tensión y una fase que va distando muy poco del ritmo del mundo que quiere entender las cosas. El cine de Ozu es un ritmo vital, de ahí la presencia de su relojes, y esa especie de oráculo que nos hace pensar en que en el tránsito de la emoción al entendimiento, aunque esté detenido de dolor, solo existe la fuerza, la necesidad de encontrar algo y la posibilidad de hacerlo a través de un imperturbable sentido casi místico de la contemplación, que es posible en el ciudadano entonces y ahora. En realidad, hay un mantenimiento de la mirada, no hay una preferencia de los viejos sobre los jóvenes, porque unos fueron otros y los otros lo serán, porque lo importante es el aprendizaje, y a este solo se llega a través de la contemplación, de la eliminación de aquello que no es importante, y de la concreción del presente como una forma de vida que emerge y que alumbra los actos cotidianos y que hace desprestigiar la necesidad de la prisa o el miedo a lo que pasará, en ese futuro que no deja de ser presente continuo en cada una de las películas de Yazujiro Ozu. JMM Esta noche buscamos la raíz de la flor de loto… Raúl Gallego, Zacarías Cotán y José Miguel Moreno.

¿Qué podemos amar que no sea una sombra?. El misterio es un cine, para encontrarse con un amor pasado. La adoración a un padre lacónico que una noche fría perderá su magia tras una copa de coñac. A ritmo de pasodoble, asistimos a esta historia mágica en torno a un padre y una hija, entre el norte y el sur. En una casa alquilada en medio del campo, llamada la Gaviota, vive una cría con sus ausencias. Una madre represaliada de la República y un padre al que adora, un padre que la hipnotiza con un péndulo de zahorí, hace cosas que nadie más puede hacer. Erice consigue tocar la fibra porque apela al subconsciente, a recuerdos de la infancia. Escuchamos ladridos del perro y la luz del amanecer va dando forma a los rincones de la habitación, una adolescente en la cama mira el reloj y el tic tac suena más claro, están llamando a voces a su padre, esa mañana no ha vuelto a casa. Imágenes de gran belleza pictórica cubren estas memorias de fingida alegría. El hombre es un dios cuando sueña y un mendigo cuando reflexiona, de nuevo decía Hölderlin. Esos sueños dorados de la infancia se desvanecen, aunque los ojos tristes de Iciar Bollain sigan recordando el baile con el padre amado. Ojos antes asombrados los de la niña Estrella – Sonsoles Aranguren-, tan abiertos como los de Ana Torrent mirando al monstruo de Frankenstein. Ante la presencia de un padre adorado, a medida que la niña madura irá comprendiendo la verdad de ese padre ensimismado, que se encierra en la buhardilla en silencio. Ya dejará de esconderse debajo de la cama, eso sí, seguirá escuchando los golpes del bastón, rítmicos como las notas del pasodoble que bailaron en su primera comunión. Años después, su padre le preguntará si se acuerda de aquella música que suena en el salón contiguo. Allí lo dejo para asistir a su clase de francés, allí lo dejó solo, abandonado a su suerte. ¿Y ella? Ella tendrá que hacer las maletas, volver al sur, a conocer el enigma que Erice siempre lamentó no poder rodar en tierras de Sevilla. Erice no quería limitar el recuerdo del sur a unas postales coloreadas. El éxito de crítica y público en el Festival de Cannes de la película inacabada fue decisivo para que Elías Querejeta se negara a que fuera completada. Esta noche escribimos una carta de amor en un café de provincias… Zacarías Cotán, Raúl Gallego, Rosario Medina, José Miguel Moreno y Salvador Limón.

Una vez me aventuré con el coche por los caminos de agua, pájaros, sol, arroz y tierra, sin conocer la zona de las marismas, y me vi inmerso en un laberinto, me asusté y salí de allí. Las gentes del puntal avisan que para aventurarse por esos canales hay que ir acompañado de algún conocedor de la zona, suelen llevar en el coche una piedra del calibre apropiado para poder romper las lunas en caso de que el suelo de tierra y barro se resquebraje bajo los neumáticos. Atín exploró la comarca con su moto, su cámara y su trípode en los años noventa, después se agenció un todoterreno, que terminó absorbido por las marismas. A Atín se le recuerda por allí, un joven que llegaba en moto con su timidez y se alejaba del progreso de la Expo´92 en Sevilla, para adentrarse en una zona desconocida, furtiva, empantanada en la memoria. Aquel fotógrafo parecía un personaje salido de la Nouvelle Vague, según uno de los compañeros recuerda en el documental. Retrató con profundo respeto a los habitantes de esa comarca de agua, aves y cangrejos. Punto de partida de “La isla mínima”, sus imágenes hipnotizaron a Alberto Rodríguez. El artista retrató la llegada de la modernidad en los 90 a Andalucía, captó las miradas de los lugareños de ese paisaje sobrecogedor, dejó otros trabajos como "Sevillanos", "Paisanos",y tantos más, dado que la mayor parte de su obra está inédita. Los artífices del documental, Hugo Cabezas y Alejandro Toro, apostaron por un formato audiovisual 5:4, con la intención de fundir el trabajo del fotógrafo con esa pantalla similar a las imágenes analógicas del artista. La película fluye y nos impregna, con los rostros de esas gentes fotografiadas con los grises de Atín, y las imágenes actuales de mujeres, labriegos y pescadores, uno de ellos llega a preguntarse mirando a la cámara, entre lúcido y confuso, que ha hecho en su vida, ha bailado, ha trabajado, ha reído, ha llorado, ¿y que?, eso es todo? Esta noche departimos impresiones con el director del largometraje, Hugo Cabezas, el productor Fidel Pérez, el estudioso de su obra, Pablo Cousinou, José Miguel Moreno, Chari Medina y Raúl Gallego.

Con un tono frío y distante Tavernier adapta la novela de David Compton, realizando el guion junto a David Rayfield. Paisajes urbanos y rurales de desolación, de un futuro poco apacible. Un film premonitorio sobre la miseria de los medios de comunicación, de un reality show capaz de transmitir la muerte en directo. Los últimos días de una mujer enferma terminal en unos tiempos en que la muerte es indolora. Un espectáculo obsceno, sin privacidad. Tavernier vaticina el mundo actual de streamers e influencers que mueren en pantalla ante la mirada de sus seguidores. Ella, escritora, pregunta a un monitor posibles desenlaces para el libro que escribe, en 1980 se adivina la inteligencia artificial y los chats con una máquina. Espectadores voyeurs observan a través de los ojos de Roddy -Harvey Keitel- la huida de una mujer avasallada, engañada por todos- - excepcional Romy Schneider -- Siempre huyendo. Huye de la cadena de televisión, del productor sinvergüenza – Harry Dean Stanton- de un marido displicente. El reportero duerme con los ojos abiertos, asistirá un proceso de cambio, un progreso, de la persecución de su presa a un arrepentimiento desesperado, que culmina en la escena climática de la playa. El productor es un canalla y, sin embargo, todo lo que dice es real. La gente se siente atraída por lo obsceno, por el morbo, he ahí la gallina de los huevos de oro. En Network, un mundo implacable, de Lumet, también hay una muerte en directo, la de un iluminado que batía récords de audiencia. La sociedad del espectáculo, de la telebasura. Al fin, ella buscará controlar su vida, aunque sea pagando el precio más alto. Esta noche vemos nuestro rostro en un cartel de publicidad… Zacarías Cotán, Salvador Limón y Raúl Gallego.

La visión y el genio de Lubitsch, un judío alemán, nos dejó joyas como esta Ninotchka. Con guion del discípulo aventajado Billy Wilder, mano a mano con su colaborador Charles Brackett, y Walter Reisch. La secuencia de Greta Garbo, la comisaria soviética bajando del tren con su cara de palo, esa cara rígida que irá suavizando una vez conozca al conde astuto y vividor, -Melvin Douglas- Esa inolvidable escena del tren con los tres diplomáticos soviéticos, inolvidable trío, recibiendo a su supervisora, se conecta en mi imaginario con otra estación, con Wilder tras la cámara y con Lemmon y Curtis divisando un cañón rubio con andares cimbreantes. Marilyn muestra mucho más desparpajo que la Garbo, y es que esta fue la primera comedia de la actriz de origen sueco, a la que incluso le daba vergüenza hacer la escena en que se emborracha de champan. La propaganda de Ninotchka aseguraba: “La Garbo se ríe”. Y así es, al principio la rusa parece no pillar los chascarrillos de su aristócrata admirador, hasta que de pronto rompa en una carcajada delante de sus camaradas. En la magnífica escena del restaurante donde el aristócrata intenta confraternizar con los obreros que están allí comiendo, un gigoló en horas bajas, calavera intentando hacerse amigo y exaltando su espíritu solidario para enamorar a la rusa. Si Marilyn sabía cimbrear sus caderas en esa estación, la Garbo es un témpano, rígida y formal como solo una comisaria soviética podría ser, y sin embargo, al film el amor la humaniza, la relación entre el Conde Leo y su compatriota destila fuego, él la desnuda figuradamente quitándole el abrigo en su apartamento y la diosa Garbo se deja llevar sin remilgos, al final le gusta esa música que sale del tocadiscos, Ninotschka sabe besar a un hombre mejor que ninguna. Un inicio mítico con el toque Lubitsch. Los tres camaradas rusos extasiados ante los oropeles del hotel Ritz y sus puertas giratorias. El ridículo sombrero de la época, con forma de embudo, al que Ninotschka echa el ojo en un escaparate, ¿cómo puede sobrevivir una civilización que permite a sus mujeres llevar eso en la cabeza? Ninotchka terminará transigiendo con el capitalismo y se pondrá el horrible sombrero. Según Wilder, esta fue idea de Lubitsch. Rodada en el verano de 1939 con el pacto de no agresión recién firmado entre Stalin y Hitler, esos momentos convulsos del mundo los capea Lubitsch a base de chistes, malentendidos y champán. La propaganda no es solo contra el bloque comunista, Lubitsch se pitorrea con clase de la insoportable duquesa zarista, y profana las convenciones burguesas. Salvador Limón, Raúl Gallego. José Miguel Moreno y Zacarías Cotán nos debatimos entre una copa de champán y la leche de cabra en La gran Evasión.

Septiembre de 1943, en plena Segunda Guerra Mundial, setenta prisioneros judíos del campo de prisioneros Parisino de Drancy cavan un túnel para intentar escapar. Durante tres meses, se turnan día y noche para excavar, pero a pocos metros de conseguir su objetivo, las guardas de las SS los descubren. Catorce de ellos son detenidos inmediatamente. Detenidos y torturados, son deportados a los campos de exterminio. Pero sin dejarse afectar por el fracaso de su fuga, intentan escapar de nuevo del tren que los lleva a Auschwitz … Y triunfar Esta es la historia de una de las fugas masivas más desconocidas de la segunda guerra mundial, contada por los últimos sobrevivientes.

Dos personas en crisis conectadas en Tokyo comparten su confusión. Mas que esto no hay nada, dice la canción de Roxy Music que Bill Murray canturrea en el Karaoke mirando a Scarlett Johansson, no hay nada más que esa conexión de dos almas perdidas. Una joven en ropa interior contempla la gran urbe a través de la ventana, un actor de viaje en el país del sol naciente se pimpla los whiskies que él mismo anuncia en el bar del hotel: “Un momento de relax es un momento Suntory”. Profundidad de campo, iluminación intimista y el actor, mirando una lámpara, se enciende un habano y bebe en silencio. Bill Murray aporta sus gestos congelados, su cara de póker tan divertida, esas caras que le pone a la joven, natural y bella Scarlett Johansson. Salen de la habitación, entran, se encuentran en la piscina, y comparten su hastío, bucean en compartimentos afines mientras las señoras mayores practican aerobic. El vestuario, los lugares, la iluminación, los tonos neutros escogidos por Sofía Coppola subrayan el abandono y la estupefacción de la insólita pareja. Los tópicos y los lugares el Japón desde la mirada de un occidental. Con esta película hay que conectar, ocurre algo similar a la más reciente “Aftersun” -Charlotte Wells-, momentos de cierta alegría y otros de tristeza, de soledad ociosa en un hotel. Seguramente la joven licenciada en filosofía y harta de un marido fotógrafo y adicto al trabajo nunca más llame al actor en horas bajas, aún así nos quedamos pensando que le susurró al oído mientras sube la distorsión del “Just like Honey” de los Jesus and Mary Chain. Esta noche nos vamos de marcha por Tokyo con pistolas de juguete… Chari Medina. Salvador Limón, Raúl Gallego y Zacarías Cotán

Se inicia la película con una introducción de John Keats, los versos inmortales de una de sus odas nos aseguran que la belleza es la única verdad, la que nos alumbra, es todo lo que queremos conocer en esta vida. Transita el film de William Dieterle y el productor O Selznick por mundos imaginarios, universos brumosos y visitantes fantasmales. Un film a sentir desde el corazón, con tonos surrealistas y oníricos, una sensualidad profunda y etérea como los motivos de Debussy en la banda sonora compuesta por Dmitri Tiomkim. Jennie desenfoca el encuadre a lo largo del metraje, en su primera aparición detrás de un muñeco de nieve es una cría inquieta con ropajes de otra época. Jennie canta con aire fantasmal una canción…“De donde vengo, nadie lo sabe, a donde voy van todas las cosas, el viento sopla, el mar se mueve… nadie lo sabe». Antes de separarse, pronuncia un deseo: «Deseo que esperes a que crezca para que estemos siempre juntos». La soledad del artista solo se alivia con la presencia de su musa, de la sirena que atraviesa el umbral del tiempo y terminará siendo retratada para siempre. A Jennie solo la ve el pintor, espera siempre su llegada, él ve más allá que el resto, más que la dueña de la galería de arte, más que su amigo el mecánico que le invita a comer. Y ella al principio niña, va creciendo en cada encuentro, un eco que procede de otro tiempo para dar solaz a un solitario. Son Las tres edades de la mujer, la infancia, la juventud y la senectud, Ethel Barrymore, la dueña de la galería, fue Jennie también y perdió un amor mucho tiempo atrás. Y nosotros, como espectadores, entramos en el juego, narrado de maravilla, con un espléndido trabajo del operador Joseph H August en un rodaje largo , no eran capaces de conseguir la luz adecuada y el mismo murió en el rodaje, sustituido por Lee Garmes. Esta noche encontramos el chal de Jennie de nuevo… José Miguel Moreno, Raúl Gallego y Zacarías Cotán

Damien Chazelle escribió el guion para un corto previo con algunas escenas claves del film. El montaje del es uno de sus puntos fuertes. La entrada del profesor en la sala de ensayo, el silencio reinante ante su llegada a la hora exacta, plano del reloj de pared, los zapatos relucientes y las pisadas en el parqué, trombones, clarinetes, y afinaciones, hasta que la calva de Fletcher brilla y su dedo índice marca el compás. ¡No es mi puto tempo!, este hombre no perdona los errores, y utiliza la presión, el castigo para intentar sacar lo mejor de sus aprendices, la excelencia. ¿Merece la pena esa vejación? El profesor de música (J K Simmons) asegura que “Haz hecho un buen trabajo” es la peor frase de un idioma. Como el buenismo actual en la enseñanza a todos los niveles está titulando a mastuerzos a los que ya la vida pondrá en su sitio. En cualquier caso, tampoco es eso, los métodos del profesor de jazz no son los más ortodoxos, aunque a su alumno en la batería, parece irle la marcha. Una relación perversa entre alumno e instructor, dependencia que no deja al espectador indiferente, con algún exceso que está de más. No era necesario que el chico llegara sangrante, tras un accidente de su coche alquilado, un latigazo cervical, y con las baquetas a cuestas se arrastra hasta el teatro. Demasiado fuerte el Gong. Chazelle busca el impacto visual y emocional, y lo consigue, claro está, a base de llagas, tiritas, y guantazos en la cara. Un film de gestos, trabajo eficiente de los dos actores, Simmons y Miles Teller. Maestro y alumno se retroalimentan, respiran una obsesión mutua, en su reguero de pérdidas y sinsabores dos narcisistas se entienden. Esta noche nos desatamos tras los bombos y los platillos, y tocamos al ritmo de Buddy Rich…Chari Medina, Raúl Gallego, Zacarías Cotán y Salvador Limón

Un film de Guy Ritchie diferente al resto de sus historias de maleantes y su humor negro y rocambolesco. Carece de la coña y la ironía de “The Gentlemen” o “Snatch, cerdos y diamantes”. Aquí hay poca broma, acción y tiros sí, los comandos profesionales , el héroe vengativo, el castigador sin piedad dispara a sus víctimas, camina como un replicante sin ansias de seguir viviendo. En el cartel de la película, Jason Statham mira al suelo, con un impecable traje y los nudillos llenos de sangre. Acostumbrado a pegar ostias como panes, sabe disparar sin mirar a los ojos. El acabado del film es pulcro, las localizaciones aéreas, las grúas, las tomas de los rascacielos, los planos cenitales de los polígonos industriales, sazonado de un nihilismo descorazonado y una violencia que se cierne sobre todos y cada uno de los personajes. Ritchie y sus colaboradores introducen al espectador en la empresa de transporte de dinero, sigue los pasos de este calvo de espaldas de costalero, y juega con los estereotipos: uniformados con cascos amenazantes, parecen salidos del “Heat” de Michael Mann, trabajadoras de pelo corto que saben utilizar el lenguaje masculino con soltura, por cierto, el protagonista se equivocará y pensará que ella es la infiltrada. Ritchie narra con ritmo la pesadilla de este hombre que ha perdido lo que más quiere por su culpa, como suele ocurrir en sus films, la trama no es lineal. El asalto inicial al furgón blindado es rodado desde diferentes perspectivas, Statham, Rashomon frío y directo al grano, como no, hay guiños a Tarantino, el final recuerda a Kill Bill. También están ahí los métodos de Harry el sucio, el villano en este film es Scott Eastwood, el hijo de Clint, el más pirado de la banda de militares retirados que echan de menos las montañas de Afganistán y se han pasado al lado oscuro. Este castigador no se deja atenazar por nada ni por nadie, ha perdido su alma tras comprar dos hamburguesas, se ha ido con el último estertor de un chaval asesinado a sangre fría. En la retribución de H no hay catarsis. Es el baile final del Black Friday más mortífero. Esta noche disparamos al hígado, a los pulmones, al bazo y al corazón… Raúl Gallego, Salvador Limón, José Miguel Moreno y Zacarías Cotán

Ella no es mía, tampoco soy suyo, lo nuestro es temporal, somos un préstamo voluntario de momentos inolvidables que quizás podría durar la vida entera. Mario Benedetti Adaptación libre de la novela de Mario Benedetti, trasladada de Montevideo a Buenos Aires, donde se enmarca una historia de amor entre una pareja con bastante diferencia de edad. Ana María Picchio y Héctor Alterio, él, viudo, cansado de levantarse cada día para ir a una oficina, a quien los hijos le regalan en su cumpleaños un batín gris, y de pronto una nueva empleada en el trabajo, y una conexión inesperada que iluminará sus días, solo algunos días, porque el tiempo pasa y va a su aire, y además hay que contar con los caprichos del destino. Renan traslada los diálogos internos de Santomé en la novela a la sintaxis fílmica mediante los gestos, las emociones, con tanto acierto que el film resultó un éxito de taquilla en su Argentina natal. Además toca otros temas de manera audaz, estamos en la década de los setenta, la homosexualidad del hijo, o la rutina alienada de los chupatintas en la oficina. El film optó al Oscar por película en habla no inglesa, que terminó llevándose “Amarcord” de Fellini. La naturalidad de esa pareja, la humanidad de cada plano, los dos pasean por la ciudad, los diálogos, las salidas en días de lluvia, acaso eso era la felicidad. Secuencias de un sentimentalismo maravilloso, sin cursilerías, que seguro inspiraron al Garci de “Volver a empezar” o al Campanella de “El mismo amor, la misma lluvia”. Al ritmo del bandoneón de Julián Plaza y pasos de tango, de la nostalgia de un corazón al que el destino dio una tregua, un breve lapso de alegría y brillo en las miradas, y de pronto, una tos repetitiva, el destino llama a la puerta con malas nuevas. Y entonces en el restaurante Santomé le dice que él es demasiado viejo, que es mejor sufrir que estar viviendo así, y Laura contesta que no va a pasar por alto ese episodio, y suenan los violines, y Renán se las arregla para que no quede eso dulzón, que no parezca impostado, que se agarren las manos y los recuerdos nos asalten. Esta noche nos preguntamos si puede uno caer en que consiste la felicidad… Salvador Limón, Raúl Gallego y Zacarías Cotán

Existen películas que buscan la indignación en el público, suelen ser hechos deleznables que le han ocurrido a algún infeliz en el lugar y el tiempo menos indicado. En el caso del largometraje de Jim Sheridan, En el nombre del padre, la condena perpetua, la tortura y la muerte por las penalidades en la cárcel del padre del protagonista laceran, nos hacen preguntarnos hasta que límites de miseria puede llegar la condición humana. Gerry Conlon se entrevista con su abogada y le asegura que él ya no cree en la compasión, no puede, fue encerrado junto con su padre y otros sospechosos de pertenecer al IRA y colocar una bomba en un pub. Con pruebas manipuladas y otras ocultas, eran inocentes, parias irlandeses, cabezas de turco en la altiva democracia inglesa de los años 70. La narración de Sheridan avanza como la pólvora por las calles de Belfast, con las tanquetas armadas del ejército británico pisando los talones de un chaval de pelo largo y pocas luces. Encontrará un amigo del colegio y se embarcará en su aventura fatídica por tierras inglesas. El film se ensombrece en las dependencias policiales, las torturas, las conversaciones en la misma celda de un padre y un hijo que nunca se han entendido y terminan conociéndose, acercándose en su sufrimiento. Esa relación paternofilial bien trazada al principio, el padre intenta resolver los entuertos de un hijo con poca cabeza. Siempre utilizaba frases hechas para todo, comenta el joven, rabioso de vivir. Cuando sale de casa en busca de fortuna para tomar el ferry a Inglaterra, la madre susurra al cerrar la puerta que como mucho en un mes estará de vuelta. Respecto al guion Sheridan y George se permiten algunas licencias, padre e hijo nunca compartieron celda, el director lo hizo para mantener la tensión y no hacer aburrida la segunda parte del film. No tuvo lugar el motín en la proyección de El padrino ni tampoco le metieron fuego al funcionario de prisiones. Efectismos que podían haberse ahorrado, no hacían falta, la historia es potente, y nos deja dubitativos, pensamos igual que Gerry. Dónde está la compasión, la justicia en un sistema podrido de intereses creados y burocracia. Esta noche corremos por las calles de Belfast arrojando cócteles molotov… Zacarías Cotán, Salvador Limón, Raúl Gallego, Chari Medina y José Miguel Moreno.

Los surcos arados en el campo, las arrugas marcadas en el rostro, las cicatrices del día a día en la gran ciudad. Los Pérez llegan del campo en un tren de provincias, cargados de bártulos, les llaman palurdos, realquilan las habitaciones de un pariente que antes hizo lo mismo y no le fue tan mal. Volver al pueblo sería la peor vergüenza, sería reconocer el fracaso. Hay que aguantar, acudir a la oficina de empleo, trabajar en la fábrica, malvivir vendiendo caramelos, servir a la señora y ponerse sus medias cuando no esté. Un Madrid en blanco y negro, deshecho y mezquino. La agresividad a flor de piel en todos los rincones y peleas a puñetazos cada dos por tres. El Chamberlain hace y deshace, controla todos los chanchullos, y da trabajo a las pobres almas, dando el soplo, vendiendo tabaco de contrabando, o subiendo en camiones en marcha para robar mercancía a la luz de las estrellas. Nieves Conde rodó este film extraordinario con guion de Torrente Ballester, en plena autarquía del primer franquismo. Tiempos de estraperlo y tranvía, como cantaba Serrat. Una ambientación estupenda, el bar de la época, decorados geniales, los patios de corralas o las calles de Madrid con la estación de Lavapiés de fondo. Con las interpretaciones memorables de Félix Dafauce, María Asquerino o José Prada, y la influencia del neorrealismo italiano, incluso hacen alusión al estilo en un diálogo entre el Chamberlain y la señora burguesa cuando deciden ir al cine, ella le dice que le saque donde sea, está tan aburrida: “Ahora lo que se lleva son las películas neorrealistas, gentes de barrio, problemas sociales…” Mientras la hija de los labriegos, Tonia -Marisa de Leza-, aspirante a artista de la copla, friega la cocina de rodillas. Esta noche nos tomamos unas cañas con el Mellao, la Pili y el Chamberlain… Rosario Medina, Juana Benítez, Raúl Gallego y Zacarías Cotán

La figura del caballo y el jinete se recorta contra el cielo, las crines del equino mecidas por el viento de la sierra y la sonrisa de Kirk Douglas, Jack Burns, el bravo cowboy de Los valientes andan solos. El director David Miller tuvo varios desencuentros con Douglas a lo largo del rodaje, y aún así éste era el papel favorito de Kirk. El resultado es potente, acompañamos las andanzas de este caballero que se niega a comprarse un coche y dejar su montura, a Jack le ha alcanzado la modernidad, se echa sobre un peñasco a contemplar el cielo que ahora surcan aviones, y su huida se ve interrumpida por alambradas y carreteras de asfalto. Atractivos hay para dar y regalar en este film, las miradas y abrazos entre una jovencita Gena Rowlands y su amigo errante, la complicidad entre el pistolero y su yegua semisalvaje, la pelea con el manco excombatiente de Okinawa, un diálogo que seguro el guionista Dalton Trumbo inspiró en su encuentro con John Wayne, un camionero sudoroso que transporta cientos de retretes, o el sheriff Walter Matthau, acompañado por ayudante incapaz, persigue con desgana al fugitivo y escupe su sed a las rocas de la montaña, parece desear que Burns escape más que atraparlo, nada que ver con las mala ostia del sheriff de Acorralado (First Blood), interpretado por Brian Dennehy, una película con muchas conexiones con ésta, un argumento similar al western crepuscular de Miller, y con el mismo compositor, Jerry Goldsmith. La fotografía de Philip Lathrop refleja en blanco y negro la fisicidad de los rostros, el sudor del sheriff, los rasgos curtidos de Burns, o la belleza serena de una mujer sola, encantadora, la esposa del amigo preso, Gena Rowlands, el efímero remanso de paz del inadaptado. Esta noche escuchamos los últimos relinchos de Whisky bajo la lluvia, y conseguimos ver de cerca a Burns… Salvador Limón, Raúl Gallego y Zacarías Cotán

Lúgubre melancolía en cada fotograma del Fuego Fatuo de Louis Malle. Cada ademán del dipsómano Alain Leroy -Maurice Ronet- transmite su su hartazgo de todo, parece que cumplir los 30 le ha postrado en una crisis vital sin retroceso, por mucho que el médico de la clínica afirme que está totalmente curado. Una voz en off en primera persona nos acerca al personaje desde la distancia, con una lente inocua nos hace receptores de la desidia de vivir de un hombre enfermo de si mismo, cansado de un mundo que ha perdido todo el encanto , si alguna vez lo tuvo. Hay mucho más que la mera adicción al alcohol, para que este hombre decida quitarse de en medio, hombre de acción. Al volver del ejército, durante su último recorrido parisino de despedida se reunirá en un bar con dos compañeros de armas, Alain se encoge de hombros y juguetea con su pistola, el 23 de julio escrito en el espejo de la alcolba, ese es el dia escogido. La última lectura del suicida es El gran Gatsby de Fitzgerald, otro ser con aguijón letal, que aun así disfrutó de los placeres de la vida. Alain lamenta la hipocresía despreciable de todos, los momentos que nunca volverán, la carta que espera de su mujer en New York y nunca llega. Se llama borracho, y da la nota rompiendo un vaso en la reunión de pseudoculturetas de salón. Así se despide al final de este filme magnífico : “Me suicido porque no me habéis amado, porque tampoco yo os amé. Me suicido porque nuestras relaciones fueron cobardes, para estrecharlas. Dejaré sobre vosotros una mancha indeleble.” Esta noche derribamos el castillo de cajetillas de tabaco vacías… Salvador Limón, David Velázquez, Raúl Gallego y Zacarías Cotán

 ¡Esto es INICIATIVA VAMPIROS de @IniciativasPod!  Disfruta de 30 podcasts tratando la figura del vampiro en el cine y otras plasmaciones.  Apóyanos siguiendo el hashtag #IniciativaVampiros en X e Instagram.  https://linktr.ee/IniciativaVampiros Hoy en CronoCine os traemos un nuevo redux que se encuadra dentro de la #IniciativaVampiros, podéis ver la lista completa de audios en el siguiente link:    https://go.ivoox.com/bk/11050758   En este programa toca partirse la caja con la hilarante Lo que hacemos en las sombras (What we do in the shadows) escrita y dirigida por Taika Waititi y Jermaine Clement. Una de las premisas más originales de los últimos tiempos en cuanto a cine de comedia y que mantiene el pulso humorístico de manera magistral.   Mario Wire, Pablo Wallace, Clara Schwarze y Gonzalo McFly analizan esta desternillante y loca comedia, aunque primero le dedicarán un primer segmento SIN SPOILERS en el que los que aún no conozcan la cinta, podrán decidir si quieren darle una oportunidad.   En este episodio suena la BSO de CronoCine compuesta por el artista musical El Arias (podéis encontrar su música en Facebook y Soundcloud), además de otras músicas y efectos sonoros con licencia Creative Commons.  En INICIATIVA VAMPIROS participan: Bibliocracia, Café Con Podcast, CronoCine, Doble Sesión, El Café De Rick, El Calabozo Del Reverendo Wilson, El Secreto Del Pentagrama, El Terror No Tiene Podcast, Estación Caladan, Familia Asimétrica, Just Live It, La Camarilla, La Gran Evasión, La Nevera De La Sra. Baker, La Taberna Del Irlandés, Los Archivos Secretos Del Dr. Orloff, Maniatic Podcast, +QCine, No Apaguen El Proyector, Pinkerton Podcast, Planeta Bob, Planeta Terror, Podcastwood, Policías Pelis, Puro Vicio, Rancho Drácula, Recamera Horror Podcast Show, Saco De Dados, The Majestic Podcast y Universo Enmascarado.  El apartado visual y las miniaturas son obra de Rediseña (The Majestic Podcast).  INICIATIVA VAMPIROS ha sido coordinada por Rafa Gambín (Doble Sesión) y Fran Maestra (Podcastwood) con la colaboración de Gonzalo Cuélliga (Podcastwood) y Luis Millán (Just Live It).  https://linktr.ee/IniciativaVampiros

‍♂️ ¡Esto es INICIATIVA VAMPIROS de @IniciativasPod! Disfruta de 30 podcasts tratando la figura del vampiro en el cine y otras plasmaciones. #️⃣ Apóyanos siguiendo el hashtag #IniciativaVampiros en X e Instagram. ✅ https://linktr.ee/IniciativaVampiros El cine de vampiros es extenso y posiblemente uno de los subgéneros más tratados en el terror, por lo que elegir una película que fuera influyente y de calidad era la mínimo que podíamos hacer para este evento. Es por eso que nos decidimos por El rojo en los labios y su interesante propuesta e historia de producción. Por supuesto, no podía faltar la inestimable ayuda de Josafat Concepción para tratar cine de vampiras lésbicas. Es un "must". ¡Esperemos que disfrutéis de este episodio! En INICIATIVA VAMPIROS participan: Bibliocracia, Café Con Podcast, CronoCine, Doble Sesión, El Café De Rick, El Calabozo Del Reverendo Wilson, El Secreto Del Pentagrama, El Terror No Tiene Podcast, Estación Caladan, Familia Asimétrica, Just Live It, La Camarilla, La Gran Evasión, La Nevera De La Sra. Baker, La Taberna Del Irlandés, Los Archivos Secretos Del Dr. Orloff, Maniatic Podcast, +QCine, No Apaguen El Proyector, Pinkerton Podcast, Planeta Bob, Planeta Terror, Podcastwood, Policías Pelis, Puro Vicio, Rancho Drácula, Recamera Horror Podcast Show, Saco De Dados, The Majestic Podcast y Universo Enmascarado. ‍ El apartado visual y las miniaturas son obra de Rediseña (The Majestic Podcast). INICIATIVA VAMPIROS ha sido coordinada por Rafa Gambín (Doble Sesión) y Fran Maestra (Podcastwood) con la colaboración de Gonzalo Cuélliga (Podcastwood) y Luis Millán (Just Live It). ✅ https://linktr.ee/IniciativaVampiros

🧛🏻‍♂️ ¡Esto es INICIATIVA VAMPIROS de @IniciativasPod! 🎧 Disfruta de 30 podcasts tratando la figura del vampiro en el cine y otras plasmaciones. #️⃣ Apóyanos siguiendo el hashtag #IniciativaVampiros en X e Instagram. ✅ https://linktr.ee/IniciativaVampiros doblesesion.com @doblesesionpdc #dsaddiction 🧛🏻‍♀️ Nos fundimos en la noche neoyorkina para hablar del vampirismo según Abel Ferrara con The Addiction. En la sección inicial hablamos de la figura del vampiro en el cine. A partir del minuto 0:29:00 hablamos de The Addiction de Abel Ferrara. Para complementar el visionado os recomendamos el documental Vida y Muertes De Christopher Lee (The Life And Deaths Of Christopher Lee; John Spira, 2024); y las películas El Ansia (The Hunger; Tony Scott, 1983) y Arrebato (Iván Zulueta, 1979). Escúchanos y síguenos ➡️ https://linktr.ee/doblesesion 📋 En INICIATIVA VAMPIROS participan: Bibliocracia, Café Con Podcast, CronoCine, Doble Sesión, El Café De Rick, El Calabozo Del Reverendo Wilson, El Secreto Del Pentagrama, El Terror No Tiene Podcast, Estación Caladan, Familia Asimétrica, Just Live It, La Camarilla, La Gran Evasión, La Nevera De La Sra. Baker, La Taberna Del Irlandés, Los Archivos Secretos Del Dr. Orloff, Maniatic Podcast, +QCine, No Apaguen El Proyector, Pinkerton Podcast, Planeta Bob, Planeta Terror, Podcastwood, Policías Pelis, Puro Vicio, Rancho Drácula, Recamera Horror Podcast Show, Saco De Dados, The Majestic Podcast y Universo Enmascarado. 👨🏻‍💻 El apartado visual y las miniaturas son obra de Rediseña (The Majestic Podcast). 🎬 INICIATIVA VAMPIROS ha sido coordinada por Rafa Gambín (Doble Sesión) y Fran Maestra (Podcastwood) con la colaboración de Gonzalo Cuélliga (Podcastwood) y Luis Millán (Just Live It). ✅ https://linktr.ee/IniciativaVampiros

 ¡Esto es INICIATIVA VAMPIROS de @IniciativasPod!  Disfruta de 30 podcasts tratando la figura del vampiro en el cine y otras plasmaciones.  Apóyanos siguiendo el hashtag #IniciativaVampiros en X e Instagram. https://linktr.ee/IniciativaVampiros Nos unimos a #IniciativaVampiros para traer desde la ultratumba a una película que, indiscutiblemente, retrata a la figura del vampiro de una manera brutal, salvaje y enfermiza: 30 DAYS OF NIGHT (2007).  Sinopsis:  En Barrow, un remoto pueblo de Alaska, durante treinta días de cada invierno no amanece y la noche ocupa todo el día. Ese es el momento en el que aparece un misterioso grupo de extraños: vampiros sedientos de sangre, listos para tomar ventaja de la ininterrumpida oscuridad y alimentarse de los pocos residentes que permanecen en el pueblo. El comisario de Barrow, Eben, su esposa Stella y un decreciente grupo de supervivientes deberán hacer lo que sea para resistir hasta que reaparezca la luz del día. 30 Días de Oscuridad es una película de terror estadounidense del 2007, dirigida por David Slade y protagonizada por Josh Harnett y Melissa George. Está basada en la novela gráfica homónima del 2002 escrita por Steve Niles. Episodio disponible en tu plataforma de podcast favorita.  PLANETA TERROR es un podcast semanal en español dedicado al cine de horror/slasher/gore. Reseñas, noticias, rankings y discusión general desde el punto de vista de alguien cuyo “goal” en la vida es mudarse a Woodsboro, vivir en Elm Street y asistir al Campamento Crystal Lake.  En INICIATIVA VAMPIROS participan:Bibliocracia, Café Con Podcast, CronoCine, Doble Sesión, El Café De Rick, El Calabozo Del Reverendo Wilson, El Secreto Del Pentagrama, El Terror No Tiene Podcast, Estación Caladan, Familia Asimétrica, Just Live It, La Camarilla, La Gran Evasión, La Nevera De La Sra. Baker, La Taberna Del Irlandés, Los Archivos Secretos Del Dr. Orloff, Maniatic Podcast, +QCine, No Apaguen El Proyector, Pinkerton Podcast, Planeta Bob, Planeta Terror, Podcastwood, Policías Pelis, Puro Vicio, Rancho Drácula, Recamera Horror Podcast Show, Saco De Dados, The Majestic Podcast y Universo Enmascarado.  El apartado visual y las miniaturas son obra de Rediseña (The Majestic Podcast).  INICIATIVA VAMPIROS ha sido coordinada por Rafa Gambín (Doble Sesión) y Fran Maestra (Podcastwood) con la colaboración de Gonzalo Cuélliga (Podcastwood) y Luis Millán (Just Live It). https://linktr.ee/IniciativaVampiros

Alberto Torres Blandina nos recomienda: Claudia Rodríguez “Cuerpos para odiar” (Barret)Mariana Enríquez “Un lugar soleado para gente sombría” (Anagrama)Elizabeth Duval “después de lo trans” (La caja Books) Virgine Despentes “Querido Capullo” (Random House)

Libros " para aprender cosas" con Alberto Torres Blandina en La Gran EvasiónBerta García Faet “El arte de encender las palabras” (Balin libros)Áurea Ortiz “El arte de inventar la realidad” (Barlin libros)Diego Sánchez Aguilar “Los que escuchan” (Candaya)Agustín Fernández Mallo “Madre de corazón atómico” (Seix Barral)Paul Auster “Leviatán” “4 3 2 1” Eduardo Almiñana “Uzumut” (Osadía ediciones)

Alberto Torres Blandina recomienda libros. series y películas en esta sección de Hoy Por Hoy de Verano, La Gran Evasión 

Agradece a este podcast tantas horas de entretenimiento y disfruta de episodios exclusivos como éste. ¡Apóyale en iVoox! Cerramos con un clásico entre los clásicos, un película muy querida por los amantes del cine de aventuras, del cine de acción y del cine bélico. Película basada en hechos reales, la planificación de una fuga masiva a través de tres túneles de un campo de prisioneros de la Luftwaffe. Las escenas, las anécdotas, los actores y el trasfondo histórico te lo cuentan 📽️ Imanol López y 👨‍🚀 Dani Caran. Además, a 📽️ Imanol lo encontrarás en el blog Todo sobre mi Cine Bélico https://todosobremicinebelico.blogspot.com/ Produce 🛠️ PodFactory http://podfactory.es Casus Belli Podcast pertenece a 🏭 Factoría Casus Belli. Casus Belli Podcast forma parte de 📀 Ivoox Originals. 📚 Zeppelin Books zeppelinbooks.com y DCA Editor son sellos editoriales de la 🏭 Factoría Casus Belli. 👉https://podcastcasusbelli.com 👉En Facebook, nuestra página es @casusbellipodcast https://www.facebook.com/CasusBelliPodcast 👉En Instagram estamos como @casusbellipodcast https://www.instagram.com/casusbellipodcast 👉En Twitter estamos como @casusbellipod @CasusBelliPod 👉Telegram, nuestro canal es @casusbellipodcast https://t.me/casusbellipodcast 👨‍💻Nuestro chat del canal es https://t.me/aviones10 ⚛️ El logotipo de la Factoría Casus Belli están diseñados por Publicidad Fabián publicidadfabian@yahoo.es 🎵 La música incluida en el programa es bajo licencia CC. https://creativecommons.org/licenses/by-nd/3.0/ O bajo licencia privada de Epidemic Music, Jamendo Music o SGAE. de Ivoox. 📧¿Queréis contarnos algo? También puedes escribirnos a casus.belli.pod@gmail.com ¿Quieres anunciarte en este podcast, esponsorizar un episodio? ¿Alguna otra idea? Hazlo a través de 👉 https://www.advoices.com/casus-belli-podcast-historia Si te ha gustado, y crees que nos lo merecemos, nos sirve mucho que nos des un like, ya que nos da mucha visibilidad. Muchas gracias por escucharnos, y hasta la próxima. Escucha el episodio completo en la app de iVoox, o descubre todo el catálogo de iVoox Originals

A partir de hoy Guillermo Balmori, de Notorius Ediciones, se convierte en uno de nuestros colaboradores con una nueva sección en la que viajaremos por la historia a través del cine clásico.  Comenzamos con 'La gran evasión', de 1963

A partir de hoy Guillermo Balmori, de Notorius Ediciones, se convierte en uno de nuestros colaboradores con una nueva sección en la que viajaremos por la historia a través del cine clásico.  Comenzamos con 'La gran evasión', de 1963

Segunda Guerra Mundial (1939-1945) Un grupo de oficiales ingleses y norteamericanos que están prisioneros en un campo de concentración nazi, se proponen organizar una fuga en la que se verán implicados doscientos cincuenta presos. Para llevar a cabo su plan comienzan a excavar tres túneles. Se cumplen 60 años del estreno de 'La gran evasión', la estupenda película de John Sturges que contaba la fuga masiva de prisioneros en un campo de concentración alemán durante la Segunda Guerra Mundial. En este episodio recordaremos el caso real gracias a las maravillosas narraciones de Miguel Ángel Tocado en el que se inspiraba y la película que protagonizaron Richard Attemborough, Steve McQueen y compañía, todo esto acompañado nuevamente del gran Alberto García-Salido. Esperamos que disfrutéis plenamente de esta nueva incursión cinematográfica y sonora y no olvidéis comentar, darle me gusta al programa y seguir en las siguientes plataformas: Twitter: https://twitter.com/webbpodcast Instagram: https://www.instagram.com/webbtertainment/ Telegram: https://t.me/webbtertainment

Min 4: EL FILTRO LUCHINI: DE ÁNGELES Y DEMONIOS Analizamos el justificado batacazo en la salas de “El Exorcista: Creyente” y la entrada fuerte de “Sound of Freedom”. La película protagonizada por Jim Caviezel (La Pasión) llega a España marcada por la ruidosa controversia que ha tenido en el mercado americano por su cuestionado bombazo en taquilla. Este thriller que denuncia el imparable mercado del tráfico de menores tiene un fuerte respaldo del entorno ultra católico americano y nuestros críticos nos desvelan qué hay de bueno y de malo en el estreno más destacado de la semana. Min 14. ME HE HECHO VIRAL Pero para quienes huyan de películas tan intensas y prefieran dedicar un rato a reír y a disfrutar de lo nuestro sin complejos, resulta que la película de la semana es española, la protagoniza Blanca Suárez y se titula “Me he hecho viral”. Alberto Luchini y Raquel Hernández explican por qué lo que parecía un título menor es en realidad una comedia refrescante con secuencias tan divertidas como actuales. Min 20. PATRULLA CANINA Aunque la película de este Puente del Pilar sin duda es infantil y arrastrará a las salas a miles de niños y a sus familias. “La Patrulla canina: La Super Película” es lo más llamativo para los más pequeños, pero aquí te desvelamos por qué no es oro todo lo que parece relucir en esta apuesta animada Min 26. O CORNO Alberto Luchini analiza lo mejor de la intimista y personalísima cinta gallega que se ha llevado la Concha de Oro en San Sebastián. Min 30. SITGES SE RINDE A UN BAYONA DE OSCAR “La sociedad de la nieve” tiene serias opciones de dejar un nuevo Oscar para España”. El titular es de nuestros críticos de cabecera, que tras visionar la película de J.A. Bayona y de comprobar la doble ovación que se llevó en Sitges, ven claras opciones de estatuilla. Min 36: ESPECIAL BSO LA GRAN EVASIÓN Pero el mejor regalo de este veraniego Puente del Pilar viene en forma de tarta de cumpleaños. Celebramos los 60 años de “La Gran Evasión” rindiendo homenaje a la gloriosa banda sonora que el gran Elmer Bernstein le compuso a John Sturges. Ángel Luque y Roberto Lancha se ponen de pie para rendir honores a una joya cinéfila y musical que va mucho más allá de su “silbable” y reconocible melodía principal.

Se cumplen 60 años del estreno de 'La gran evasión', la estupenda película de John Sturges que contaba la fuga masiva de prisioneros en un campo de concentración alemán durante la Segunda Guerra Mundial. En este episodio recordamos el caso real en el que se inspiraba y la película que protagonizaron Richard Attemborough, Steve McQueen y compañía. Nuestra “Enciclopedia curiosa del cine” nos cuenta esta semana cómo han sido retratadas las fiestas de San Fermín en el cine. Hemos charlado con el director Luis Tinoco, conocido hasta ahora por sus trabajos como especialista en efectos digitales en películas como 'Interestelar', de Christopher Nolan, que debuta en la realización con 'La paradoja de Antares', una película con una sola protagonista y una sola localización. Y para terminar, 'Irreversible', la película de Gaspar Noé que levantó un gran escándalo en la edición de 2002 de Festival de Cannes, es el título que os traemos esta semana en “Cine incómodo”. Una de las películas más perturbadoras de la historia del cine.

Se cumplen 60 años del estreno de 'La gran evasión', la estupenda película de John Sturges que contaba la fuga masiva de prisioneros en un campo de concentración alemán durante la Segunda Guerra Mundial. En este episodio recordamos el caso real en el que se inspiraba y la película que protagonizaron Richard Attemborough, Steve McQueen y compañía. Nuestra “Enciclopedia curiosa del cine” nos cuenta esta semana cómo han sido retratadas las fiestas de San Fermín en el cine. Hemos charlado con el director Luis Tinoco, conocido hasta ahora por sus trabajos como especialista en efectos digitales en películas como 'Interestelar', de Christopher Nolan, que debuta en la realización con 'La paradoja de Antares', una película con una sola protagonista y una sola localización. Y para terminar, 'Irreversible', la película de Gaspar Noé que levantó un gran escándalo en la edición de 2002 de Festival de Cannes, es el título que os traemos esta semana en “Cine incómodo”. Una de las películas más perturbadoras de la historia del cine.

Nieves Concostrina nos cuenta una de las mayores fugas en masa de un campo de prisioneros franquista, la huida del fuerte de San Critóbal, un 22 de mayo de 1938.Ya puedes escuchar Polvo eres, exclusivo en Podimo: https://go.podimo.com/es/polvoeres

Nieves Concostrina nos cuenta una de las mayores fugas en masa de un campo de prisioneros franquista, la huida del fuerte de San Critóbal, un 22 de mayo de 1938.Ya puedes escuchar Polvo eres, exclusivo en Podimo: https://go.podimo.com/es/polvoeres

Nieves Concostrina nos cuenta una de las mayores fugas en masa de un campo de prisioneros franquista, la huida del fuerte de San Critóbal, un 22 de mayo de 1938.Ya puedes escuchar Polvo eres, exclusivo en Podimo: https://go.podimo.com/es/polvoeres

Nieves Concostrina nos cuenta una de las mayores fugas en masa de un campo de prisioneros franquista, la huida del fuerte de San Critóbal, un 22 de mayo de 1938.Ya puedes escuchar Polvo eres, exclusivo en Podimo: https://go.podimo.com/es/polvoeres

Nieves Concostrina nos cuenta una de las mayores fugas en masa de un campo de prisioneros franquista, la huida del fuerte de San Critóbal, un 22 de mayo de 1938.Ya puedes escuchar Polvo eres, exclusivo en Podimo: https://go.podimo.com/es/polvoeres

En la Segunda Guerra Mundial, se planeó la mayor fuga de la historia del Stalag Luft 3. En esta recreación dramatizada, seguimos la planificación y ejecución de uno de los mayores actos de valentía de la guerra. Cientos de soldados aliados arriesgaron sus vidas para desafiar a Hitler e intentar escapar de la Polonia ocupada por los nazis. Sólo tres hombres lograron salir con vida, pero la esperanza y la planificación de la huida mantuvieron vivos a muchos hombres. Esta serie de tres partes presenta archivos y reconstrucciones, intercalados con entrevistas especialmente rodadas con los hijos de los supervivientes.

¡Emprendeduros! En el episodio de hoy Rodrigo y Alejandro hablan como Google esta comprando Mandiant. También hablan de cómo Disney+ esta agregando anuncios a su sistema. Finalmente hablan de un par de anuncios de Amazon y sus repercusiones.