Podcast appearances and mentions of jos miguel moreno

Una vez me aventuré con el coche por los caminos de agua, pájaros, sol, arroz y tierra, sin conocer la zona de las marismas, y me vi inmerso en un laberinto, me asusté y salí de allí. Las gentes del puntal avisan que para aventurarse por esos canales hay que ir acompañado de algún conocedor de la zona, suelen llevar en el coche una piedra del calibre apropiado para poder romper las lunas en caso de que el suelo de tierra y barro se resquebraje bajo los neumáticos. Atín exploró la comarca con su moto, su cámara y su trípode en los años noventa, después se agenció un todoterreno, que terminó absorbido por las marismas. A Atín se le recuerda por allí, un joven que llegaba en moto con su timidez y se alejaba del progreso de la Expo´92 en Sevilla, para adentrarse en una zona desconocida, furtiva, empantanada en la memoria. Aquel fotógrafo parecía un personaje salido de la Nouvelle Vague, según uno de los compañeros recuerda en el documental. Retrató con profundo respeto a los habitantes de esa comarca de agua, aves y cangrejos. Punto de partida de “La isla mínima”, sus imágenes hipnotizaron a Alberto Rodríguez. El artista retrató la llegada de la modernidad en los 90 a Andalucía, captó las miradas de los lugareños de ese paisaje sobrecogedor, dejó otros trabajos como "Sevillanos", "Paisanos",y tantos más, dado que la mayor parte de su obra está inédita. Los artífices del documental, Hugo Cabezas y Alejandro Toro, apostaron por un formato audiovisual 5:4, con la intención de fundir el trabajo del fotógrafo con esa pantalla similar a las imágenes analógicas del artista. La película fluye y nos impregna, con los rostros de esas gentes fotografiadas con los grises de Atín, y las imágenes actuales de mujeres, labriegos y pescadores, uno de ellos llega a preguntarse mirando a la cámara, entre lúcido y confuso, que ha hecho en su vida, ha bailado, ha trabajado, ha reído, ha llorado, ¿y que?, eso es todo? Esta noche departimos impresiones con el director del largometraje, Hugo Cabezas, el productor Fidel Pérez, el estudioso de su obra, Pablo Cousinou, José Miguel Moreno, Chari Medina y Raúl Gallego.

La visión y el genio de Lubitsch, un judío alemán, nos dejó joyas como esta Ninotchka. Con guion del discípulo aventajado Billy Wilder, mano a mano con su colaborador Charles Brackett, y Walter Reisch. La secuencia de Greta Garbo, la comisaria soviética bajando del tren con su cara de palo, esa cara rígida que irá suavizando una vez conozca al conde astuto y vividor, -Melvin Douglas- Esa inolvidable escena del tren con los tres diplomáticos soviéticos, inolvidable trío, recibiendo a su supervisora, se conecta en mi imaginario con otra estación, con Wilder tras la cámara y con Lemmon y Curtis divisando un cañón rubio con andares cimbreantes. Marilyn muestra mucho más desparpajo que la Garbo, y es que esta fue la primera comedia de la actriz de origen sueco, a la que incluso le daba vergüenza hacer la escena en que se emborracha de champan. La propaganda de Ninotchka aseguraba: “La Garbo se ríe”. Y así es, al principio la rusa parece no pillar los chascarrillos de su aristócrata admirador, hasta que de pronto rompa en una carcajada delante de sus camaradas. En la magnífica escena del restaurante donde el aristócrata intenta confraternizar con los obreros que están allí comiendo, un gigoló en horas bajas, calavera intentando hacerse amigo y exaltando su espíritu solidario para enamorar a la rusa. Si Marilyn sabía cimbrear sus caderas en esa estación, la Garbo es un témpano, rígida y formal como solo una comisaria soviética podría ser, y sin embargo, al film el amor la humaniza, la relación entre el Conde Leo y su compatriota destila fuego, él la desnuda figuradamente quitándole el abrigo en su apartamento y la diosa Garbo se deja llevar sin remilgos, al final le gusta esa música que sale del tocadiscos, Ninotschka sabe besar a un hombre mejor que ninguna. Un inicio mítico con el toque Lubitsch. Los tres camaradas rusos extasiados ante los oropeles del hotel Ritz y sus puertas giratorias. El ridículo sombrero de la época, con forma de embudo, al que Ninotschka echa el ojo en un escaparate, ¿cómo puede sobrevivir una civilización que permite a sus mujeres llevar eso en la cabeza? Ninotchka terminará transigiendo con el capitalismo y se pondrá el horrible sombrero. Según Wilder, esta fue idea de Lubitsch. Rodada en el verano de 1939 con el pacto de no agresión recién firmado entre Stalin y Hitler, esos momentos convulsos del mundo los capea Lubitsch a base de chistes, malentendidos y champán. La propaganda no es solo contra el bloque comunista, Lubitsch se pitorrea con clase de la insoportable duquesa zarista, y profana las convenciones burguesas. Salvador Limón, Raúl Gallego. José Miguel Moreno y Zacarías Cotán nos debatimos entre una copa de champán y la leche de cabra en La gran Evasión.

Se inicia la película con una introducción de John Keats, los versos inmortales de una de sus odas nos aseguran que la belleza es la única verdad, la que nos alumbra, es todo lo que queremos conocer en esta vida. Transita el film de William Dieterle y el productor O Selznick por mundos imaginarios, universos brumosos y visitantes fantasmales. Un film a sentir desde el corazón, con tonos surrealistas y oníricos, una sensualidad profunda y etérea como los motivos de Debussy en la banda sonora compuesta por Dmitri Tiomkim. Jennie desenfoca el encuadre a lo largo del metraje, en su primera aparición detrás de un muñeco de nieve es una cría inquieta con ropajes de otra época. Jennie canta con aire fantasmal una canción…“De donde vengo, nadie lo sabe, a donde voy van todas las cosas, el viento sopla, el mar se mueve… nadie lo sabe». Antes de separarse, pronuncia un deseo: «Deseo que esperes a que crezca para que estemos siempre juntos». La soledad del artista solo se alivia con la presencia de su musa, de la sirena que atraviesa el umbral del tiempo y terminará siendo retratada para siempre. A Jennie solo la ve el pintor, espera siempre su llegada, él ve más allá que el resto, más que la dueña de la galería de arte, más que su amigo el mecánico que le invita a comer. Y ella al principio niña, va creciendo en cada encuentro, un eco que procede de otro tiempo para dar solaz a un solitario. Son Las tres edades de la mujer, la infancia, la juventud y la senectud, Ethel Barrymore, la dueña de la galería, fue Jennie también y perdió un amor mucho tiempo atrás. Y nosotros, como espectadores, entramos en el juego, narrado de maravilla, con un espléndido trabajo del operador Joseph H August en un rodaje largo , no eran capaces de conseguir la luz adecuada y el mismo murió en el rodaje, sustituido por Lee Garmes. Esta noche encontramos el chal de Jennie de nuevo… José Miguel Moreno, Raúl Gallego y Zacarías Cotán

Un film de Guy Ritchie diferente al resto de sus historias de maleantes y su humor negro y rocambolesco. Carece de la coña y la ironía de “The Gentlemen” o “Snatch, cerdos y diamantes”. Aquí hay poca broma, acción y tiros sí, los comandos profesionales , el héroe vengativo, el castigador sin piedad dispara a sus víctimas, camina como un replicante sin ansias de seguir viviendo. En el cartel de la película, Jason Statham mira al suelo, con un impecable traje y los nudillos llenos de sangre. Acostumbrado a pegar ostias como panes, sabe disparar sin mirar a los ojos. El acabado del film es pulcro, las localizaciones aéreas, las grúas, las tomas de los rascacielos, los planos cenitales de los polígonos industriales, sazonado de un nihilismo descorazonado y una violencia que se cierne sobre todos y cada uno de los personajes. Ritchie y sus colaboradores introducen al espectador en la empresa de transporte de dinero, sigue los pasos de este calvo de espaldas de costalero, y juega con los estereotipos: uniformados con cascos amenazantes, parecen salidos del “Heat” de Michael Mann, trabajadoras de pelo corto que saben utilizar el lenguaje masculino con soltura, por cierto, el protagonista se equivocará y pensará que ella es la infiltrada. Ritchie narra con ritmo la pesadilla de este hombre que ha perdido lo que más quiere por su culpa, como suele ocurrir en sus films, la trama no es lineal. El asalto inicial al furgón blindado es rodado desde diferentes perspectivas, Statham, Rashomon frío y directo al grano, como no, hay guiños a Tarantino, el final recuerda a Kill Bill. También están ahí los métodos de Harry el sucio, el villano en este film es Scott Eastwood, el hijo de Clint, el más pirado de la banda de militares retirados que echan de menos las montañas de Afganistán y se han pasado al lado oscuro. Este castigador no se deja atenazar por nada ni por nadie, ha perdido su alma tras comprar dos hamburguesas, se ha ido con el último estertor de un chaval asesinado a sangre fría. En la retribución de H no hay catarsis. Es el baile final del Black Friday más mortífero. Esta noche disparamos al hígado, a los pulmones, al bazo y al corazón… Raúl Gallego, Salvador Limón, José Miguel Moreno y Zacarías Cotán

Existen películas que buscan la indignación en el público, suelen ser hechos deleznables que le han ocurrido a algún infeliz en el lugar y el tiempo menos indicado. En el caso del largometraje de Jim Sheridan, En el nombre del padre, la condena perpetua, la tortura y la muerte por las penalidades en la cárcel del padre del protagonista laceran, nos hacen preguntarnos hasta que límites de miseria puede llegar la condición humana. Gerry Conlon se entrevista con su abogada y le asegura que él ya no cree en la compasión, no puede, fue encerrado junto con su padre y otros sospechosos de pertenecer al IRA y colocar una bomba en un pub. Con pruebas manipuladas y otras ocultas, eran inocentes, parias irlandeses, cabezas de turco en la altiva democracia inglesa de los años 70. La narración de Sheridan avanza como la pólvora por las calles de Belfast, con las tanquetas armadas del ejército británico pisando los talones de un chaval de pelo largo y pocas luces. Encontrará un amigo del colegio y se embarcará en su aventura fatídica por tierras inglesas. El film se ensombrece en las dependencias policiales, las torturas, las conversaciones en la misma celda de un padre y un hijo que nunca se han entendido y terminan conociéndose, acercándose en su sufrimiento. Esa relación paternofilial bien trazada al principio, el padre intenta resolver los entuertos de un hijo con poca cabeza. Siempre utilizaba frases hechas para todo, comenta el joven, rabioso de vivir. Cuando sale de casa en busca de fortuna para tomar el ferry a Inglaterra, la madre susurra al cerrar la puerta que como mucho en un mes estará de vuelta. Respecto al guion Sheridan y George se permiten algunas licencias, padre e hijo nunca compartieron celda, el director lo hizo para mantener la tensión y no hacer aburrida la segunda parte del film. No tuvo lugar el motín en la proyección de El padrino ni tampoco le metieron fuego al funcionario de prisiones. Efectismos que podían haberse ahorrado, no hacían falta, la historia es potente, y nos deja dubitativos, pensamos igual que Gerry. Dónde está la compasión, la justicia en un sistema podrido de intereses creados y burocracia. Esta noche corremos por las calles de Belfast arrojando cócteles molotov… Zacarías Cotán, Salvador Limón, Raúl Gallego, Chari Medina y José Miguel Moreno.

durée : 00:10:50 - Disques de légende du mardi 21 janvier 2025 - José Miguel Moreno enregistre en 1994 un disque qui retrace trois siècles de guitare, de la Renaissance à l'âge romantique, avec des instruments spécifiques à chaque fois…

durée : 00:10:50 - Disques de légende du mardi 21 janvier 2025 - José Miguel Moreno enregistre en 1994 un disque qui retrace trois siècles de guitare, de la Renaissance à l'âge romantique, avec des instruments spécifiques à chaque fois…

En la tertulia económica nuestros expertos analizan la actualidad económica. Con José Luis Moreno, Ramón Mateo, José Miguel Moreno e Itziar Elizalde.

En la tertulia económica nuestros expertos analizan la actualidad económica. Con José Luis Moreno, Ramón Mateo, José Miguel Moreno e Itziar Elizalde.

En la tertulia económica nuestros expertos analizan la actualidad económica. Con José Luis Moreno, Ramón Mateo, José Miguel Moreno e Itziar Elizalde.

Programa especial sobre el Festival de Cine Europeo de Sevilla Vuelve al programa José Miguel Moreno, fundador de La gran Evasión. Raúl Gallego y José Miguel hablan de Ozu, de los hermanos Machado, del magma del cine, de algunas peripecias en las salas y fuera de ellas en esta edición de transición de nuestro Festival sevillano. Palmarés del 21 Festival de Sevilla SECCIÓN OFICIAL Premio Giraldillo de Oro a la Mejor Película de la Sección Oficial: AND THEIR CHILDREN AFTER THEM (Ludovic y Zoran Boukherma) Gran Premio del Jurado de la Sección Oficial: FLOW (Gints Zilbalodis) Premio a la Mejor Dirección: Magnus von Horn (THE GIRL WITH THE NEEDLE) Premio al Mejor Guion: Sandhya Suri (SECRETOS DE UN CRIMEN) Premio a la Mejor Actriz: Trine Dyrholm (THE GIRL WITH THE NEEDLE) Premio al Mejor Actor: Paul Kircher (AND THEIR CHILDREN AFTER THEM) Premio al Mejor Montaje: Gints Zilbalodis (FLOW) Premio a la Mejor Fotografía: Michał Dymek (THE GIRL WITH THE NEEDLE) Premio a la Mejor Dirección Artística: Jagna Dobesz (THE GIRL WITH THE NEEDLE) PUERTA AMÉRICA Premio Puerta América: FLOW (Gints Zilbalodis) LAS NUEVAS OLAS Premio a la Mejor Película de Las Nuevas Olas: THE FLAME OF A CANDLE (André Gil Mata) Mención especial del jurado de Las Nuevas Olas: PREFIRO CONDENARME (Margarita Ledo Andión) RAMPA Premio a la Mejor Película de Rampa: DROWNING DRY (Laurynas Bareiša) Mención especial del jurado de Rampa: Valeria Bruni Tedeschi (SOMEWHERE IN LOVE) Premio Jurado CampUS: Saïd Hamich Benlarbi (ACROSS THE SEA) ALUMBRAMIENTO Premio a la Mejor Película de Alumbramiento: LADS (Julien Menanteau) Mención especial del jurado de Alumbramiento: O VENTO ASSOBIANDO NAS GRUAS (Jeanne Waltz) PANORAMA ANDALUZ Premio Juan Antonio Bermúdez a la Mejor Película de Panorama Andaluz: LOS RESTOS DEL PASAR (Luis (Soto) Muñoz y Alfredo Picazo) Mención especial del jurado de Panorama Andaluz: CAJA DE RESISTENCIA (Concha Barquero Artés y Alejandro Alvarado Jódar) Premio Rosario Valpuesta al Mejor Cortometraje de Panorama Andaluz: TUMBAS VECINAS (José Antonio Gutiérrez Bustos) Premio Especial Rosario Valpuesta a la Contribución Artística: EL CAMBIO DE RUEDA (Begoña Arostegui) OTROS PREMIOS Premio AC/E a la Mejor Dirección de Película Española: Aitor Echeverría (DESMONTANDO UN ELEFANTE) Premio AAMMA Women in Focus: THIS LIFE OF MINE (Sophie Fillières) Premio Queer Ocaña a la Libertad: UN HOMBRE LIBRE (Laura Hojman) Premio Cinéfilos del Futuro: YOUNG HEARTS (Anthony Schatteman) Premio Europa Júnior: DUNIA Y EL ECO DEL TAMBOR (Marya Zarif y André Kadi) XVII Premio Europeo de Cine-Guion Cinematográfico Universidad de Sevilla en categoría de ficción Primer Premio: Y AHORA QUE DUERMES (Beatriz Hohenleiter Márquez y Mario Lerma) Segundo Premio: MADRE PUESTA (Álvaro del Moral Otero) Gran Premio del Público a la Mejor Película de la Selección EFA: SEGUNDO PREMIO (Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez) Blog: cinemalagranevasion.blogspot.com Instagram: la_gran_evasion1_ https://www.instagram.com/la_gran_evasion1_/

Además de dedicarnos a desengranar con lupa los estudios que se están publicando sobre 2025, hemos decidido organizar un podcast con tres grandes profesionales del sector que han compartido con nosotros su termómetro de la situación: optimismo general, no hay euforia, pero sí un mercado fuerte, que sigue creciendo en el 2025, con el incentivo recuperadísimo y la flexibilidad el mayor reto a asumir con los clientes. Hablamos con José Miguel Moreno (vice president corporate & MICE sales strategy in charge of worldwide sales offices en Meliá Hotels International), Milton Rivera (global VP, the Experience Studio Amex GBT Meetings & Events) y Christoph Tessmar (director del Barcelona Convention Bureau).

Lorena Ruiz y Pedro Díaz abordan la propuesta global sobre fiscalidad de España Mejor. Para ello, entrevistan a José Miguel Moreno, economista coordinador del Área de Crecimiento Económico de España Mejor.

Esta noche se charla en el Estudio de Radiopolis sobre el Festival de Cine Europeo de Sevilla de este año 2020. Un año difícil y una situación compleja que todos intentamos afrontar con calma, cuidado y buen cine europeo. José Miguel Moreno conversa con el director del Festival, José Luis Cienfuegos y con el programador Javier Estrada.

Bienvenidos una noche más a vuestro programa de Cine, la Gran Evasión, emitido desde Sevilla, a través de la 92.3 de la FM, en Radiopolis. Esta noche tenemos todo un clásico moderno de la Serie B: Asalto a la comisaría del Distrito 13, dirigida por John Carpenter en 1976. Una película impactante, que fusiona y trasciendo los géneros, partiendo de su amor por Rio Bravo, el mítico Western de Hawks, Carpenter, nos cuenta una historia de supervivencia con un aura de irrealidad, un asedio sin piedad en mitad de una ciudad sin piedad. Y logra un clásico instantáneo, una obra de culto. Nos movemos por un Western Urbano, por una película de Terror, con La Noche de los muertos vivientes de Romero como referente; transitamos la intriga y la paranoia de Hitchcock; pero también es un retrato social, una denuncia, con los barrios marginales de los Angeles y la brutalidad policial de fondo, donde los mestizos, donde los despojos que el sistema deshecha, le declaran una guerra sin cuartel a la Sociedad dominante. Un grupo de personajes inolvidables, héroes y anti héroes marca de la Casa, los personajes de Carpenter no son puros, están llenos de aristas, como el preso, Napoleon y la Secretaria, Leigh, que entablan una hermosa relación solo de miradas. El Teniente Bishop, un tipo honrado y valeroso que cumplirá con su deber, un soldado que defenderá el fuerte peleando mano a mano con aquellos a los que debe proteger. En frente tenemos a un enemigo inaprensible, apenas unas sombras, en frente tenemos un ataque suicida, un juramente de muerte, un “Cholo”, venido de las entrañas de la tierra, que se alimenta de la sangre y la venganza… Una historia de acción y violencia directa, con una banda sonora mítica, compuesta por el propio Carpenter. Una melodía que se mete dentro de la cabeza mientras salpica la sangre y nos salpica el trasfondo de la reflexión que escupe Asalto a la Comisaría del Distrito 13: La desigualdad social, los prejuicios, los actos violentas y sus consecuencias, el individualismo en una sociedad que no empatiza con nada ni con nadie. Nos quedamos aislados esta noche en la oscura y sucia comisaría del Cine, Jose Miguel Moreno, Raúl Gallego, Gervi Navío, Zacarias Cotán y Salvador Limón…. Por cierto...¿Alguien tiene un cigarrillo? Nos marchamos con la banda sonora de Carpenter y un “Hasta luego” con todo nuestro aliento para José Miguel Moreno, que hace una pausa en la aventura de La Gran Evasión, para afrontar su lucha más importante, la única pelea que de verdad importa: La familia. Gervasio Navío Flores

Inspirado en la novela ·La nube de Magallanes", escrita por el prestigioso Stanislaw Lem, el aséptico filme dirigido por el checo Jindrich Polák se sitúa en el siglo XXII. Una nave se dirige a la galaxia más cercana con el objetivo de encontrar nuevos territorios con vida inteligente. El ordenador central avisa a la tripulación, una voz robótica, precursora del HAL 9000 de 2001 da la alerta: un hombre yace muerto . La singladura interestelar de la nave Ikarie, una pequeña ciudad cósmica de 40 habitantes, también influyó al Star Trek, lo reconoció el mismo creador de la saga, Gene Roddenberry, el compañerismo y esperanza de los miembros del equipo se repetirá en la Enterprise. En una plácida primera parte, la tripulación se reúne para comer, baila en fiestas de cumpleaños, tiene lugar hasta un romance con los versos de Romeo y Julieta de fondo. Los habitantes de la Ikarie se hacen preguntas metafísicas, el optimismo y la utopía prevalecen, a pesar de todo la humanidad sigue adelante. En contadas ocasiones asiste uno a un alumbramiento en pleno viaje intergaláctico, Kubrick también tomaría nota de esto. El director Polack no para la cámara mucho tiempo en ninguno de los componentes del numeroso grupo. La unión hace la fuerza ante la amenaza de la radiación y la enfermedad. No hay con quien identificarse, la colectividad frente al individualismo. Todo tan diferente y parecido a títulos de la década anterior realizados al otro lado del telón de acero , en Estados Unidos. El ritmo calmoso y el curioso robot recuerdan al de Planeta Prohibido (Fred M Wilcox, 1956). El encuentro con un naufragio espacial del siglo XX, el fracaso de la humanidad, los últimos supervivientes se mataron entre ellos por consumir el oxígeno que les quedaba. Travellings circulares, movimientos lentos de cámara trasladan el aburrimiento del largo viaje, una fotografía expresionista del interior de Ikarie, los pasillos hexagonales, el vértigo del infinito . Ruidos metálicos, sonidos electrónicos y chirridos inquietantes en la música de Zdenek Liska. La duda queda tras la la conclusión del científico. Con serenidad baraja las hipótesis ante las crecientes dificultades. Se han despertado antes de tiempo y, aunque el miedo sigue latente detrás de cada ojo escrutador, no estamos solos. Afortunadamente, esa esperanza del erudito no se queda para siempre en el planeta remoto que visita la expedición. Esta noche nos dirigimos hacia la constelación Alfa Centauri para buscar vida extraterrestre... José Miguel Moreno, Salvador Limón, Zacarías Cotán y Raúl Gallego.

En el Madrid de los 70 un hombre en la cincuentena no puede dejar de mirar atrás. Sobrellevar la condición homosexual en tiempos en que el oscurantismo sigue ahí, los prejuicios no se han superado a pesar de los vientos de cambio de la transición. El ilusionista ha perdido muchas ilusiones en la ruta, su tren de juguete está perdiendo fuelle, incluso su amante bisexual juega con dos barajas. José -espléndida la caracterización de Héctor Alterio- regresa a Granada, a los jardines de la adolescencia y el despertar, buscando un atisbo de luz, un dios desconocido, el poeta de la tragedia y la alegría, el que tocaba el piano antes de la barbarie, el símbolo que siempre ha pèrseguido al solitario mago. José sueña con la sangre de la luna, con las tardes en que aprendió a montar en bici y en los momentos con Pedro, el primer amor. El pecado era no atreverse, y aquel chaval ya era capaz de coger los frutos más recónditos de la higuera. El mago vuelve a casa de Soledad. En el reencuentro todo ha cambiado, el pozo se ha secado y desde la ventana no se percibe igual la fuente. La verdina del tiempo ha descuidado el sendero conocido y las aguas ya no corren cristalinas. Soledad no le conoce a primera vista, la criada sí, ha adivinado la misma tristeza en los ojos del visitante, al hijo del jardinero la vida no le ha enseñado nada. Jaime Chávarri dirigió A un Dios desconocido en 1977 y escribió también el guion junto con Elías Querejeta. Un tratamiento valiente y respetuoso sobre la búsqueda de la identidad de un hombre solo, con la sombra de Federico García Lorca en el trasfondo. En este film circular, dos enormes momentos se repiten a la mitad y al final, el protagonista se desviste al llegar a la soledad de su piso , con parsimonia y cuidado dobla las prendas y escucha en un magnetofón la Oda a Walt Whitman que le acompañó toda la vida, el poema lo recita el propio José con la foto de Federico observando desde un estante. Al final solo queda dormir, por fin, es lo más placentero, al final no queda nada. Raúl Gallego Esta noche detenemos el tiempo en la Huerta de San Vicente y escuchamos una habanera... José Miguel Moreno, Zacarías Cotán, Gervi Navío y Raúl Gallego.

Clint Eastwood visita esta noche nuestra pocilga del cine, con una de sus obras maestras, quizás el corazón de su inmensa carrera, Sin Perdón (Unforgiven), 1992. Un Western oscuro y amargo, donde los pecados del pasado persiguen a unos tipos, a los que el futuro está arrinconando…Bob el Inglés, Ned Logan, Little Bill, William Munny….Viejos Pistoleros que deben rendir cuentas por la sangre y el plomo derramados, por las vidas segadas. El destino implacable cobrará sus deudas. David Webb Peoples delinea esta historia, con un guión tan negro como la propia alma de William Munny, la grandeza de Eastwood es desmitificar la mitología americana, la esencia de su país, y a la vez, homenajearlo. Porque en este western nos enfrentamos a un mundo crepuscular donde el honor y la valentía son meros dibujos y palabras en el cuaderno de un escritor, de un trovador que llena de gloria y leyenda una realidad sucia y descarnada, desprovista de épica y honor. Eastwood dedica Sin Perdón a Sergio Leone y a Don Siegel, pero en esto fotogramas esta sin duda Sam Peckinpah, está sin duda John Huston y sobre todo, esta el clasicismo del maestro John Ford. No sólo en imprimir la Leyenda, sino en contarla con la mirada de un poeta: Los planos con la linea del horizonte en la parte baja de la pantalla, la cabaña destartalada recortada sobre el cielo en llamas del atardecer, la figura imponente y trágica de un hombre visitando la tumba de su esposa; un joven que ha matado y ahora debe asumirlo, vivir con ello….; o un viejo shérif que no ha terminado su porche, que no está preparado para morir. Nos encontramos a un Eastwood introspectivo que reflexiona sobre temas capitales, Sin Perdón ahonda en la esencia americana, en la amistad, en la aventura, en la venganza, en la violencia, en las pistolas humeantes, pero detrás del humo están las vidas que el plomo se lleva, enfrentarse cara a cara con la muerte, lo difícil que es quitar una vida, lo que implica. Los hombres mancillando el regalo sagrado. También hay reflexiones sobre la Mujer, Eastwood nos presenta a mujeres fuertes e integras en una época donde eran mera mercancía, una inversión, ganado, que se marcaba como propiedad y que había que indemnizar si se dañaba. Una prostituta cortada por cuestionar la virilidad de un vaquero, acarrea un río de sangre y muertes, una mujer que termina siendo un ángel para William Munny, el esbozo de una sonrisa al verle fundirse en la noche. Las ausencias también definen la filmografía de Eastwood, aquí está la esposa fallecida de William, Claudia, que rige los destinos de este pistolero desalmado que ahora malvive en un paraje perdido, incapaz de darle un futuro a sus hijos, apartado del Whisky y la Violencia. Deberá recurrir de nuevo a su negra y atávica esencia, ante la promesa de una vida nueva, de un futuro, ante una bolsa llena de sucias monedas. Una obra maestra de un maestro, el último clásico, que se pierde en la noche a lomos de un caballo pálido, tras haber asesinado a los canallas que cortaron a una prostituta y torturaron y exhibieron el cadáver de su amigo en la puerta de una sucia taberna. Inocentes….Zacarias Cotán, José Miguel Moreno, Raul Gallego, Gervi Navío, Salvador Limón… ¿Inocentes de qué? Gervasio Navío Flores.

En primer plano la efigie de Gong Li da la noticia a su madrastra, se va de casa para ser la concubina de un hombre acaudalado. Dos lágrimas se derraman por el inmóvil rostro de la estudiante. Es la China anterior a Mao, la de principios del siglo XX. Yimou se inspira en la novela Esposas y concubinas de Su Tong, y alcanza las más líricas cotas de su filmografía. Cuatro mujeres encerradas en una jaula dorada. Todo se cuenta desde una perspectiva femenina, al señor apenas se le ve la cara, habla en susurros y muchas veces fuera de campo, solo se oye su voz. El aire viciado del palacete y las intrigas, celos e inquinas entre damas y sirvientas se harán insoportables para la nueva dama. En esa casa de oropeles y piedra las reglas deben respetarse. La cuarta esposa debe olvidar su vida anterior, resignarse a la rutina, a la falsa calidez de unas linternas rojas. De ahí que muy temprano la joven salga a los tejados a escuchar el canto de su compañera de encierro, ella si sonríe y le aconseja, debe aceptar su nueva vida. La belleza pictórica sitúa la película de Yimou a la altura del más colorista Kurosawa, el de "Ran" o "Kagemusha". Los tonos rojos, anaranjados, transmiten una artificiosa calidez, las gamas de grises y azul cobalto en el horizonte invernal anuncian el drama. La puesta en escena, la decoración, la cuidada utilización del color, la minuciosa composición en planos fijos y apenas movimiento de cámara, la iluminación natural sobre el mismo escenario, hacen de este film una obra bellísima. Yimou se preocupa en mostrar los rituales tradicionales con parsimonia. La ceremonia de colocar los faroles en el aposento de la consorte elegida, el relajante masaje en los pies, solo recibido la noche que el señor decide compartir con la afortunada esposa. Y nunca mejor dicho, porque las mujeres en ese lugar están atadas a su destino desde que entran. Las normas son estrictas, marcadas a fuego. La segunda dama, con su cara de Buda y corazón de escorpión, conoce bien la lección. Ya lo recita el niño en el poema: " Me muero de pena en mi jaula dorada...". Esta noche escuchamos el sonido de la flauta de bambú en el patio... José Miguel Moreno, Zacarías Cotán, Salvador Limón, Fran Romero y Raúl Gallego.

Recién llegado a la ciudad costera, el profesor sustituto camina por el espigón del puerto. Sus ojeras permanentes y su expresión abatida dan cuenta de algo que nunca pudo superar. Es como si Dominici hubiera perdido toda ilusión y se moviera por impulsos. Aún le gusta el juego, ama el arte, el misterio en una pintura, en un poema. En el aula se sentirá atraído por una alumna muy bella, le regalará un libro de Stendhal con su propio nombre y la acompañará a ver la Madonna del Parto. Los personajes principales de esta película son náufragos. El profesor, su pareja, y Vanina, la muchacha de gesto lánguido. Su mujer (Lea Massari), siempre acostada, depresiva, le amenaza con suicidarse si la abandona. Tal como responde el propio Dominici, no están juntos por costumbre, sino por desesperación. Una de las secuencias magistrales del film tiene lugar en la discoteca. En un juego de miradas, al son de la romántica balada de Ornella Vanoni los personajes se observan, se desafían. La expresión azul e impasible de Alain Delon suaviza el tono fúnebre general del largometraje, que se asienta en el mismo título, el libro de poemas que ha escrito Dominici. La primera noche del descanso, cuando ya ni se sueña, porque no hay recuerdos ni deseos, por tanto no hay dolor. Dominici se reencontrará con su idealizada musa una noche de tormenta, la besará casi con la misma pasión con que John Wayne besó a Maureen O´Hara en las praderas irlandesas. El penúltimo film del poco reconocido Valerio Zurlini es un melodrama con tono existencial y pocas esperanzas. La apatía del protagonista, solo interesado en encender un cigarrillo tras otro, hasta que encuentra a alguien aún más perdida, Vanina. La muchacha oculta una turbia relación con un novio que ejerce de proxeneta. Será la tabla de salvación o el final del profesor. O quizá este hombre ya caminaba muerto mucho antes de entrar en el instituto de Rimini, un fantasma abatido en la niebla. Raúl Gallego Esta noche asistimos a las honras fúnebres de un hombre que añora la quietud... José Miguel Moreno, Zacarías Cotán, Fran Romero y Raúl Gallego.

Laurence y Fred. Un hombre no acepta su físico y decide actuar, maquillarse, vestirse de mujer. Una mujer abrumada ante los acontecimientos. Ecce Homo, ahí tenéis al hombre, y la multitud quedó satisfecha. Laurence, profesor de literatura, escribe estas dos palabras en la pizarra tras comprobar el rechazo de la comunidad educativa y las firmas de los padres de alumnos, la directiva del instituto acaba de despedirle. Rostros de extrañeza en el comienzo, de sorpresa, miran a la cámara, reacios, distantes, desconfiados. La metamorfosis de Laurence provoca el conflicto con su entorno más inmediato, su pareja, su trabajo, su familia, su madre, otro de los temas recurrentes de Xavier Dolan, ya que el padre prefiere escuchar el final de un anuncio en televisión antes que intercambiar una mísera palabra con su hijo. Fred, Frédérique, pone de su parte, incluso le aconseja al maquillarse, le apoya, hasta que no pueda más. Los modelos están marcados al nacer. Y aún se seguirán buscando, hasta encontrar el ladrillo rosa de los versos de Laurence, la puerta al pasado de su casa de ladrillos blancos. Ahora se ahoga en una vida convencional, cómoda, gris. Es el Fade To Grey en la fiesta, es el recuerdo de un gesto, un amor imposible, la caligrafía de la pasión... Laurence, tu has atravesado las fronteras de mi vida, de mi ciudad, de mi calle, solo resta que atravieses mi puerta. Sé que sabes donde encontrarme. Fred El largometraje quizá más ambicioso del director de Quebec, Xavier Dolan, calificado de intenso y cargante por algunos, genial y rompedor por otros. Podemos afirmar que ha creado su propio estilo, íntimo, barroco, de bellos primeros planos, encuadres inspirados por Douglas Sirk, o las instantáneas de Drag queens y bailarinas de Nan Goldin. El manierismo de su cine encierra el conflicto de almas como la de Laurence, decidido a a ser aceptado. La estética noventera, el pop y techno de los ochenta dan la pauta a los andares ralentizados de un convincente Melvin Poupaud, gran trabajo también de Suzanne Clement, la consternada Fred, y de Nathalie Baye, la madre. Raúl Gallego Esta noche nos empapamos de Dolan y sus cascadas de agua fría... José Miguel Moreno, Salvador Limón, Zacarías Cotán, Fran Romero y Raúl Gallego

Un cuento de hadas al ritmo de la psicodelia de finales de los 60. Las gafas sesenteras de Sharon Tate coquetean con la cámara , la seguimos por la mansión de Playboy, vestida de amarillo, desenvuelta y feliz. Hay un tono alegre en el pincel de Tarantino, ha compuesto un cuadro de colores cálidos, ha reescrito la historia, con su fuerza habitual, su ironía, y también respeto a las gentes del cine: al actor aterrado por el fracaso, al especialista curtido en mil batallas, agentes forrados, niñas prodigio, y una actriz luminosa de ojos castaños . Algunos como Bruce Lee son retratados con una caricatura grotesca, un tipo arrogante que da grititos y afirma sin pestañear que podría tumbar al mismísimo Cassius Clay. La edad de oro no volverá. Tarantino nos muestra la ciudad con pasión, nos cautiva en un brillante ejercicio, recrea con adoración el fin de una época. Cadillacs, cafeterías, salas de cine, los carteles, las señales de tráfico, series de TV, y de fondo la emisora local, la KHJ. Cliff escucha los éxitos del momento, los anuncios de cerveza y jingles familiares, conoce perfectamente la incorporación para llegar al rancho del viejo Pahn. La sonrisa burlona de una Lolita hippy no le hará caer en la trampa. Hay una cosa que se llama jabón, mata los piojos y quita el olor, ya lo dijo otro caústico ilegal, Jorge Martínez. Y es que los hippies no salen muy bien parados en la novena película de Quentin, la secta de Manson se refugió en la estética y forma de vida de un movimiento cuyas bases eran las opuestas a la naturaleza oscura del ser humano, la de un loco fracasado y su prole. La vieja violencia tarantiniana sirve de catarsis y circo liberador. El lanzallamas de Rick Dalton y las latas de comida para perros, armas ideales. Espectaculares DiCaprio, Brad Pitt y Margot Robbie en los papeles principales. La lucha por seguir en la cresta de la ola de un actor en crisis, la indolencia de un superviviente con heridas de guerra, la inocencia y la luz del mito intocable. Damas y caballeros. Pasen y vean. El maestro de ceremonias se saca de la chistera una elegía de vida, ilusión y derrota. Raúl Gallego Esta noche damos un trago largo a la jarra de margarita con la perra de Cliff a nuestros pies... José Miguel Moreno, Gervi Navío, Zacarías Cotán, Salvador Limón y Raúl Gallego.

Vean esta película, véanla, porque es excelente. Y, además, escuchen este postcad . Porque, si no lo hacen, dejarán de escuchar a Raül arrancar suavemente en una presentación asombrosa, solo anunciando, de corrido, dejando espacio a seguir hablando, después, como quien suma y da lugar. Y luego el maestro, el bueno de Zacarias, que dejó diez segundos opacos, con la elegancia meridiana de quien no tiene complejos, porque sabe, en su ponencia inicial donde abría, en canal, el plantel de posibilidades y virtudes de una película que no teniendo en el Olimpo sin embargo apreciaba, y dijo, es una hermosa obra. Y vino Salvador, como siempre despacio, casi escondido, para decirnos de temas, y ventanas y andamiaje perfecto de quien hizo maravillas que aún roban el alma. Y ahí anduvo uno, que ya lo sabía, para augurar el mejor programa, el mejor hecho, desde que tengo consciencia. Y vino la música, y los espacios, las oportunidades y los turnos consensuados, con el límite de la educación y el amor a la sapiencia, dado en el cine cuando este se acerca, a esa voladura de color a verdad que a nosotros nos calla y a él lo enaltece. Un hombre escribe un libro, luego no lee un papel y por fin deja de hablar, para siempre. ¿Que ha Pasado?, no lo sé, pero algo ha ocurrido. Otro hombre, joven, de gafas, busca. Tiene una cámara, una mirada, e intenta con los suyos ganarse el pan; hasta que se da cuenta: ganarse el pan no basta. Cambia. La excelente película de Theo Angeolopoulos trata el concepto de frontera como una noción permeable, la física, la moral, la existencial, hasta llegar al corazón del espectador ya trasladado al vagón desde donde nos miran los capturados, ilegales, de frontera. Nos miran, nos auscultan, asombrados ante nuestra indolencia, espejo narrativo de unos espectadores, desde entonces protagonistas, que se han visto asaltados en su pasiva situación en la sala. Ya no habrá escapatoria, nos vemos inmersos en esta epopeya mística de reencuentro espiritual del hombre con el entorno, defraudado, en el que el artista dibuja al otro con nuestros ademanes y vicios, para poder sentirlo. Dicen los compañeros, desde Renoir y su naturalismo hasta López con las sobreimpresiones del paisaje reforzado, de Welles y su tiempo no de niño, de viejo, histórico, de Mizoguchi y su pincelada, la maravilla de Öphus y su temple, hasta de un Coppola existencial pero más optimista o el mismo Dreyer, sagaz, orquesta en una estructura de férreas líneas invisibles. Y todo marcha, y se define mientras vamos avanzando por el camino penoso de un sufrimiento tan necesario como certero. Magistral, véanla y escuchen este podcast. José Miguel Moreno

Claro tenía Ford, con esa maravilla que partió el cine en dos, que el final, y el principio, de “El Hombre que mató a Liberty Valance” auspiciaba los nuevos tiempos, llenos de anodina barbarie. En ella un hombre negro fuerte y bueno, ya canoso y de pocas palabras, le hacía luto en su despedida, antes que el otrora inquebrantable Wayne, desapareciese por completo del recuerdo. Ni siquiera cuando la visita de su amigo, a quien dio vida y su amada, que le fue usurpada por una débil moralidad de progreso, acariciasen la ruda tabla de su ataúd clavado a golpe de rutina y hastío. O lo que es lo mismo, mentira, un negro bueno, una esposa fiel y un amigo con memoria. Y todo este espécimen cae de plano a la hora de ver la historia de Bogdanovich. Porque esa sensación del biógrafo fordiano acosa y templa todo su cine desde Luna de Papel hasta el gran Buster. Un ambiente apagado, tenso, que destripa el argumento , nunca puesto en claro del todo, para que se deshaga en las manos del espectador, que las halla limpias con gotas de agua clara. Ahora, dirá el americano, empieza todo, deja vacío un mundo acostumbrado, como en el ahora del tuteo indebido, a tener razón y respuesta, a saberlo todo, a confiar en todo aquello que se ve obvio e incontestable, ¡qué imbeciles!. Solo falto de alguien que se desprecie tanto a sí mismo como para no ser imprescindible en su duda, en su callar y en su vida, todo tan necesario. El autor no explica nada, no hace falta. Salí como un conejito saltarín y cabalgando, alegre, con una sola apetencia de mundo y es que por favor no me explicasen nada. Y lo disfruto. Y todo eso es su cine. JMM Tiene mérito captar el espíritu y el sentir de una época, los años 50, y de un lugar, un pueblo perdido de Texas. Trasladar la idiosincracia de una comunidad, el despertar sexual de unos adolescentes, el tono amargo, la insatisfacción y el desengaño de los adultos. Bogdanovich consigue emocionar desde el distanciamiento en este drama coral. Muchos personajes y mucho amor al cine, así lo refleja con naturalidad y nostalgia, con un estilo pausado, deudor de los westerns de John Ford y Howard Hawks. The last Picture Show, la última sesión del cine Royal, en la pantalla los caballos y las reses inundan el universo, ahí fuera sigue soplando el viento, ante las casas destartaladas y en los caminos de polvo los cowboys conducen camionetas, juegan al billar en el bar y suena el country del viejo Hank Williams. El paso del tiempo ensucia las amistades y descubre las cartas marcadas, las de un chaval roto que acelera en su huída a no sabe dónde, sin palabras, porque ya ni hacen falta, a una mujer madura que hará menos insoportable la pérdida de la única persona que sonreía de verdad, que llevaba gorra, y buscaba con la mirada a su amigo. Las urgencias de la adolescencia, el despertar del sexo y el choque generacional. Tras la muerte del dueño del bar todo cambiará. Sam el león, el personaje más romántico, el eje vertebrador y elemento de cohesión de la trama, con la secuencia más memorable quizá del metraje. Una pintura hecha cine, las aguas del pantano fluyen como recuerdos de juventud, dos amantes desnudos se bañaban cobijados por la noche, una historia de amor en el fondo del alma, como tantas otras, como la de Ethan y la esposa de su hermano en Centauros del Desierto. Sonny y Duane tomarán consciencia de que allí queda poco que hacer, atrás queda una muchacha bella y manipuladora, tan desubicada como ellos, sujetos a sus circunstancias, a su posición, a las alegrías y a los sinsabores, como todos nosotros en definitiva. RG Esta noche barremos las calles del pueblo con la gorra de lado... José Miguel Moreno, Zacarías Cotán, Salvador Limón y Raúl Gallego

Ser audaz a golpes de cobardía, cuando no queda otra opción que meterte una cuchilla oxidada en la boca, aunque te cortes la lengua y un hilo de sangre asome. Es preciso actuar, la sangre llama a la sangre, aunque no puedas mirar lo que acabas de hacer, y convivas de por vida con el fantasma de tu primer muerto. La barbarie suele encontrar los recipientes más apropiados en su ejercicio, y el capo corso Luciani confía en su intuición, es un perro viejo. Transigente como un buen maquiavelo del crimen. El chico entro en prisión sin contactos ni dinero, carne de cañón que debe espabilar, no olvidar nunca de donde procede, de la basura, del barro, no olvidar quien es, el árabe, el profeta, Malik El Djebena (espléndido Tahar Rahim). El joven conoce el tiempo de su condena, seis años, no va a alargarlos, debe ser paciente, aún no forma parte de ningún clan. Títere y protegido del corso (un convincente Niels Arestrup), va descifrando las leyes internas del centro penitenciario. Un calabozo oscuro, un agujero maloliente, una celda dentro de otra, puede ser la salvación, los muros contienen el peligro en tiempos de vendetta. Sólo hay que actuar, esperar, sobrevivir, y la media sonrisa asomará tras la revelación. Muy buen escrita por Jacques Audiard y Thomas Bidegain sobre una idea: deAbdel Raouf Dafri, bien llevada a la pantalla, a veces con una cámara al hombro para transmitir el nervio necesario, sin caer en el subrayado. Audiard transciende el genero, su pulso narrativo e intensidad nos mantienen en vilo en la carrera hacia el poder de un paria con más luces de las que sugiere en una primera impresión. Raúl Gallego Esta noche medramos entre barbudos y corsos para salvar el pellejo... José Miguel Moreno, Zacarías Cotán, Gervi Navío, Salvador Limón y Raúl Gallego. Da miedo. Al pobre lo inculpan, no hay escapatoria, en un asesinato convenido para saldar cuentas y eliminar posibles testigos incómodos. Luego va, y baila y lo ve siempre y hasta lo quema, o arde, pero ya está todo dentro y se acuerda. Aparecerá largamente, como un amigo no invitado, que sin embargo acompaña, para quedarse. El patio es grande, y la playa blanca de aguas claras es preferible al gasto; se respira un ambiente que tiene que ver con la vida y nos deja un momento, solo, con la curiosidad de que podría haber pasado; en silencio, con una tranquilidad pasmosa. Pero luego vuelve al mundo, sin pestañear, y sin dolor ninguno, para que no se note, en régimen semipresencial y todo eso. Tiene los ademanes, y las palabras, y el encuadre discreto, aguantando la pose desinhibida suficiente, para agregar su tiempo, que es de muerte y escarnio. Sin un átomo de vida, que cree y denuncia, rota por otros, el muy hijodeputa. Descansa y muere, en su sillita de madera y balanceo lento, benévolo, como un tal y un cuál, o un nosotros, cualquiera que no mira a su espejo. José Miguel Moreno

Esta noche vamos a viajar con dos truhanes que se convirtieron en Reyes, con el aliento literario de Rudyard Kipling y el talento cinematográfico de John Huston. “Hermano de un príncipe y amigo de un mendigo con tal de que sea digno” El Hombre que pudo Reinar, John Huston,1975. Intentaremos ser dignos. Magistral obra de madurez de Huston, épica y aventura al servicio del hombre, humor y melancolía para el retrato crepuscular de dos viejos amigos huyendo hacia su destino. Peachy y Danny, Michael Caine y Sean Connery. Mirada clásica a un mundo en retirada, las nuevas generaciones de cineastas que venían, iban a narrar de distinta forma y con héroes distintos éstas aventuras, Spielberg o Lucas, por ejemplo. Este hecho incide mas si cabe en el tono crepuscular de El Hombre que pudo Reinar, John Huston filma una de sus obras maestras, una historia en la que se desenvuelve de maravilla: dos amigos, dos perdedores, dos vividores, dos antihéroes, dos aventureros en el final de sus correrías....un pacto de amistad, de fraternidad...un acuerdo que las debilidades humanas ponen en jaque. Adaptar a Kipling era un viejo anhelo de Huston, desde los cuarenta había intentado llevarlo a la gran pantalla, pero la espera mereció la pena, porque Peachy Carnehan y Danny Dravot, no pueden ser otros que Michael Caine y Sean Connery, el joven Kipling lo interpreta un solvente Christopher Plummer. Un relato magnifico del Nobel Inglés que plasma la complejidad e inmensidad de la India, el imperialismo británico, la condición humana, la religión y la mitología...todo ello de la mano de seres reales, dos veteranos sargentos ingleses, dos truhanes, dos sin vergüenzas que sobreviven en la Colonia británica y que El Progreso los está acorralando. Ya no tienen sitio en la India, tampoco pertenecen ya a la vieja Inglaterra, su destino es cruzar los límites del conocimiento, atravesar lo que parece imposible y llegar a mundos ignotos, volver a conquistar lo inconquistable.... El periplo de esta maravillosa pareja expone las relaciones humanas de una manera palmaria, la ambición desmedida, la fraternidad, el endiosamiento, creerse y convertirse en Reyes acarrea un peso enorme, ser un Dios con deseos humanos no es compatible.....Firman un contrato renunciando a lo único que le da sentido a la vida, el licor y las mujeres, para el siglo XIX, quizás también en nuestros días... Alejandro el Magno, el signo del compás y la plomada, con el ojo que todo lo ve, una flecha que se clava en el cuerpo y del cual no brota sangre, un beso de miedo que rasga la mejilla y desvela la verdad...un país aislado en el tiempo y la historia antigua, la invasión de la civilización moderna, el saqueo de la moralidad y la fe...menos mal que tenemos a Billy Fish protegiendo nuestro flanco.... Esta ardiente noche Imbra castiga nuestra osadía, miramos desde el desfiladero del Cine como se derrumba el puente de cuerda, con Danny arrepentido de haberse creído un Dios....José Miguel Moreno, Raúl Gallego, Gervi Navío, Zacarias Cotán y Salvador Limón. Gervasio Navío.

Un melodrama de altura, con toques de comedia de sobremesa y de nostalgia. George Stevens, sutil cineasta de lo cotidiano, nos trae una obra deudora de su época. Una pareja mágica. la de Cary Grant e Irene Dunne. nos acercan un romance que comienza en una tienda de discos, nos recuerdan una noche de bodas en un vagón en marcha, o un rincón de Japón donde un desastre natural rompe todos los planes. Irene Dunne, con su encantador estilo y un Cary Grant enorme, se conocían bien y saben dar vida al costumbrista relato de Stevens. Cary Grant, divertido como siempre, añade un toque dramático, el despreocupado reportero conocerá la amargura tras el aborto de su esposa, una mujer que no concibe la vida en pareja sin hijos. Ese matiz dramático lo desarrollará el actor británico después en Murmullos en la ciudad (Joseph L. Mankiewicz). Posee grandes aciertos el film, el estilo lacónico y sereno de Stevens se cimenta en un montaje que va narrando a través de diversos flashbacks retazos de la vida de ese matrimonio, a medida que ella escucha melodías del pasado en la gramola. La secuencia en el compartimento del tren, a través de las puertas entreabiertas del vagón intuimos el deseo consumado en 113 millas de trayecto, después un abrazo de despedida bajo la nevisca nocturna. No les hace falta hablar, procedente del cine silente, Stevens respeta los sentimientos de ambos en su silencio y sus miradas. Otro momento de espléndida factura, la elipsis tras la muerte de la niña adoptada, en lugar de alargar su enfermedad para que el respetable gaste pañuelos , Stevens aligera la trama con una carta dirigida a la directora del orfanato. Por cierto, un trascendente personaje el de Beulah Bondi, parece manejar los hilos y guardar los designios del destino. Una suerte de Señorita Rottenmeier, sin Heidi y con buen corazón. La señora Bondi también formó parte del reparto de Sinfonía de la vida (Sam Wood) otro film de la época con nombre musical, periódico local y toque melancólico. Raúl Gallego Esta noche ponemos un disco en el gramófono, recordando alegrías y sinsabores... José Miguel Moreno, Gervi Navío, Zacarías Cotan y Raúl Gallego.

Suspense, bombas y whisky irlandés para un viernes santo que realmente se le hará largo a Harold Shand, el jefe de la banda que corta el bacalao en el submundo criminal londinense. Un conflicto inesperado con un enemigo desconocido, Harold irá dando palos de ciego ante los ataques que va recibiendo, hay bajas entre los suyos en el momento más inoportuno. Acaba de llegar un viejo conocido de la mafia norteamericana con quien pretende cerrar un lucrativo negocio en la zona de los muelles del Támesis. No contarán con la irrupción de la gente del IRA, la sangre va a correr y lo que Harold no entiende es que esos tipos son algo mas que otra banda de maleantes. El escocés John Mackenzie (Cónsul Honorario, El cuarto protocolo) contó con la portentosa interpretación del recio Bob Hoskins, que asimila el personaje del afable gangster que gobierna en la escena criminal de Londres y quiere ascender y aprovecharse de los nuevos tiempos, el Mercado Libre, son los inicios de la década de los ochenta con el gobierno de Margaret Thatcher recién constituido. Así Harold se cree el rey del mambo ,asistimos a su ascenso y caída en cuestión de horas. Fanfarrón, seguro de sí mismo, de sus métodos, cuando sabe con quien se enfrenta, infravalora a los idealistas del IRA, ya le avisa el delator Jeff (Derek Thompson), su hombre de confianza, en una de las escenas claves del film: "Podrás matar a diez, a veinte, pero se multiplicarán como un ejército de hormigas". Localizaciones excelentes, otro momento genuino , Bob Hoskins dirigiéndose a su comitiva de matones, mafiosos, policías y concejal corrupto, en su yate con el Puente de Londres al fondo, su busto napoleónico pronuncia un ambicioso discurso. El vigoroso e impulsivo capo conoce su remanso de calma, su oasis, es Victoria (Helen Mirren), su amante, el glamour entre tanto personaje siniestro. Este espléndido thriller, iniciado en Belfast, impulsado por la música de sintetizadores de Francis Monkan, con una serie de asesinatos que luego serán explicados con las investigaciones del protagonista, nos regala un final de los más intensos. El primer plano de Bob Hoskins atrapado en un coche con sus verdugos, su reino ha terminado, los músculos de su rostro irán expresando en cuestión de segundos ira, estupor, consternación y, finalmente, resignación. Raúl Gallego Esta noche discutimos colgados boca abajo en el matadero de La gran Evasión... José Miguel Moreno, Gervi Navío, Zacarías Cotán, Salvador Limón y Raúl Gallego.

Nueva edición de la Gran Evasión, esta noche tenemos una crisis matrimonial, que siempre va precedida de una crisis existencial. Una realidad que desprende mucho dolor, con preguntas y decisiones muy duras; preguntarse si se es o no una buena madre, o un buen padre. El abandono, el egoísmo, el desconcierto y sobre todo, vemos como se forja el vinculo entre un Padre y su Hijo….. Kramer contra Kramer, Robert Benton, 1979. Un drama contenido y de una vigencia incuestionable. Esta historia escrita y dirigida por Benton está basada en la novela de Avery Corman, que trata un tema muy candente en la sociedad americana de finales de los setenta, el Divorcio y la custodia de los hijos. La singularidad de la historia es invertir los roles, el abandonado es el hombre. Meryl Streep y Dustin Hoffman forman una pareja portentosa, despliegan todo su talento bajo la dirección de Benton, que trata con suma delicadeza y contención temas de una trascendencia fundamental. La culpa por el abandono, el sacrificio para criar a un hijo, las consecuencias de una vida centrada en el trabajo y el éxito, las relaciones familiares, las esperanzas e ilusiones perdidas en un matrimonio vacío. Excepcional el trabajo de los actores dando vida a Joanna y Ted, con el chico, Billy interpretado por Justin Henry, de tan solo siete años, todo un hallazgo. Benton consigue cargar de emoción esta historia, contada con elegancia y sensibilidad, sin llegar nunca a caer en la sensiblería ni en la manipulación. A destacar la fotografía de Nestor Almendros, retrata ese Nueva York otoñal en el que la vida cotidiana fluye y se pasea con Vivaldi y Purcell de fondo. Kramer vs Kramer fue todo un éxito, se llevó los cinco grandes en la entrega de los Oscar, en España fue también todo un acontecimiento, nuestra primera Ley de divorcio no llegaría hasta el 81 y la película fue todo un shock en nuestro país. Convivimos con este Padre que nunca había ejercido como tal a jornada completa, asistimos a desayunos desastrosos y problemas laborales, hasta que poco a poco, Billy se convierte en todo su mundo. La aparición de la madre, después de reencontrarse consigo misma para reclamar la custodia, volverá a poner patas a arriba el mundo de Ted. Un proceso judicial en el que los dos aprenderán a escuchar y conocerán el dolor y el sacrifico del otro para criar al hijo que tienen en común. Como siempre veremos que la máxima expresión del Amor es la Renuncia. Un drama, un matrimonio que se ha desmoronado y deja a tres seres abandonados, que tendrán que aprender desde cero a quererse, a reconocerse.…..a escucharse. Esta noche compartimos una hermosa tarde de otoño en Central Park, mientras Billy recorre la distancia que separa a sus padres…José Miguel Moreno, Raúl Gallego, Zacarías Cotán, Gervi Navío e Isabel Moncada, que nos regala la presencia de nuestro cinéfilo más joven, Hector. Gervi Navío.

Esta noche recibimos un soplo de aire fresco y anárquico en La Gran Evasión con los Hermanos Marx: Una Noche en la Opera, dirigida por Sam Wood en 1935. Una obra maestra de la comedia, más necesaria y más viva que nunca. Los Hermanos Marx habían terminado su etapa con la Paramount, con algún éxito pero no demasiado convencidos del paso siguiente. Sus experiencias con el celuloide habían sido dispares, prácticamente adaptaron sus obras de Vodevil a la gran pantalla, pero la formula parecía agotada. Una partida de Bridge y un tal Irving Thalberg, cambiaron el sino de estos cómicos geniales. Thalberg era el niño prodigio de la Metro Golding Meyer, con apenas 30 años dirigía el estudio más grande y distinguido de Hollywood. Con la simpleza de los genios tuvo una idea brillante, encauzar la locura de los Marx sobre una trama amorosa. El Caos no se puede controlar, pero tal vez si se pueda dirigir… Un proyecto sustentado en los reputados guionistas de Broadway, George S. Kaufman y Morrie Ryskind, con los que los Marx habían triunfado en los teatros americanos, y con toda la maquinaria del Estudio al servicio de estos tres genios locos, el resultado fue simplemente brillante, Una Noche en la Opera, el resto…..es historia. Las escenas más grandes de la comedia clásica corresponden a esta union maravillosa entre Thalberg y los Marx, desgraciadamente el productor murió muy joven, en 1936, con solo 37 años, cuando ya estaba terminando Un día en las Carreras, pero no hay momento en el que no agradezcamos su genio y su talento. Una noche en la opera mezcla el deseo y la representación, un par de chicos enamorados al que la autoridad y el poder humillan, son la excusa perfecta para que Chico, Harpo y Groucho hagan saltar todo por los aires. Es Brillante que la acción sea en un lugar sagrado y elitista, La Opera, un espacio vedado para el pueblo llano, para los espectadores corrientes. Los que se agolpan en los teatros riendo a carcajadas y comiendo palomitas. Los Hermanos Marx sacan todo el partido a esta premisa y llevan la comedia a otro nivel. Con números que no han perdido ni un ápice de frescura. De hecho los habían pulido en una gira por los teatros de todo el país, otra gran idea de Thalberg, para trasladar esa espontaneidad e improvisación, de las tablas a las salas de Cine. Para la memoria colectiva nos quedan escenas imperecederas: El dialogo de la Parte Contratante, El baile de las Camas, la Fiesta en la cubierta, el climax final con Harpo trepando por los decorados del Trovador de Verdi, y quizás la escena mas grande jamás rodada en comedia, El Camarote. Una pieza maestra que se inicia, desarrolla y concluye por sí sola. No hay mucho más que decir, sólo hay que dejarse llevar por la contagiosa locura de Chico, Harpo y Groucho, los hermanos Marx. Esta noche, compartimos risas y emoción, apretujados en el camarote del cine: José Miguel Moreno, Raúl Gallego, Gervi Navío y Zacarias Cotán. Gervi Navío.

En 1974 Tobe Hooper sentó las bases de cine de terror moderno y lo colocó en primera línea, junto con otros films anteriores como La noche de los muertos vivientes de Romero. o El exorcista, estrenada un año antes. El director tejano prescinde del aspecto sobrenatural de éstas últimas y nos asesta con un mazo directo al cráneo. Lo grotesco y atávico de una región, el paroxismo llevado al límite. Hooper no especula, va al grano. Suspense hay poco, el espanto atenaza al espectador, que sabe lo que va a ocurrir desde los primeros flashes de muerte. El nihilismo extremo tiene lugar en un ámbito rural. Un cuento de terror, Hansel y Gretel metiéndose en la boca del lobo. Estos cinco jóvenes no pueden imaginar que espantoso destino les espera , especialmente a Sally, porque para su desgracia sobrevive, su particular viacrucis no se lo deseo a nadie. La obra escrita por Hooper y Kim Henkel triunfó en los cines. La propaganda decía que los espectadores comenzarían a hablar de ella cuando cesaran los gritos. Un armadillo en la carretera, la agonía de una res, cadáveres en descomposición, una gallina en una jaula. Monumentos de lo horrendo, antesala de la masacre perpetrada. Un gancho en primer plano, los chillidos se confunden con gruñidos de cerdo. Cara de Cuero, embutido en un maloliente peto, bajo su máscara de piel muerta, enarbola su sierra mecánica al amanecer. Esta noche ponemos la mesa para cenar con el abuelo... José Miguel Moreno, Zacarías Cotán, Salvador Limón, Gervi Navío y Raúl Gallego.

Nuevo episodio de La Gran Evasión, esta noche tenemos una historia de Pasión y de Muerte, de Sensualidad y Fatalidad: El Cartero siempre llama dos veces, dirigida por Bob Rafelson en 1981. La base literaria es magnifica, la novela homónima de James Mallahan Cain es una obra mítica del género negro. El guión de David Mamet añade el toque salvaje y erótico que no tuvo la película original dirigida por Tay Garnett en 1942. La escena de sexo en la cocina ya forma parte de la historia del cine; las miradas abrumadoras entre Cora y Frank, también. Jessica Lange y Jack Nicholson, una paliza de seguros, un pobre cornudo, unos abogados sin escrúpulos, una ciudad sin corazón….El Cartero siempre llama dos veces. El vagabundo que recala en un área de servicio de una carretera secundaria, un buscavidas que sobrevive de pueblo en pueblo, viviendo en el camino, consiguiendo unos dólares aquí y allá, un seductor que no pasa mucho tiempo en ningún lugar, hasta que se cruza con Cora, una mujer atrapada, perdida en ningún parte….y salta la chispa. Esta es una película de personajes y de actores, El Cartero siempre llama dos veces es Jessica Lange, en uno de los papeles de su vida y también es Jack Nicholson, que esta portentoso. Desprenden un magnetismo brutal, este vagabundo, Frank y la esposa del dueño, Cora, planearán un crimen despreciable, Nick Papadakis, John Colicos, es el dueño del local, es el esposo de Cora, es un inmigrante griego que ha materializado el sueño americano, pero para Cora y Frank, sólo es un obstáculo que se interpone a su pasión…..La fatalidad merodea por entre las piernas de estos tres seres infelices. El título, El Cartero siempre llama dos veces, es genial, juega con las dobles oportunidades, las segundas llamadas del destino. Una historia de amor y sexo, de pasión y deseo salvaje que se corrompen hasta convertirse en asesinato… Magnifica la dirección de Rafelson, que traía un aire nuevo, se curtió en la televisión con el show The Monkees, y en el cine tiene títulos memorables, su productora BBS Produtions nos dejó Easy Rider de Dennis Hopper, Mi vida es mi vida del propio Rafelson, The Last Picture Show de Peter Bogdanovich. Rafelson ha contado con Jack Nicholson en muchos de sus proyectos, se nota la complicidad y la confianza entre ambos. El director logra la atmósfera negra que la intriga necesita, siendo muy fiel a la novela de Cain, añadiendo el toque sexual, escandaloso para la época y captando el devenir de los años treinta, con la depresión económica flotando en al ambiente. Mérito de la excelente fotografía de Sven Nykvist y la banda sonora de Michal Small, fantástica, que mezcla perfectamente el suspense, el deseo, la violencia y el amor de la historia, La película esta llena de oscuridad, de sensualidad, de traición, de alcohol, de fatalidad…y con un regusto romántico y sexual que no te deja indiferente. Esta noche especialmente oscura, empujamos el coche del cine colina abajo, José Miguel Moreno, Raúl Gallego, Zacarias Cotán y Gervi Navío. Gervasio Navío Flores.

El joven Witek (Boguslaw Linda) emite un grito interminable. Ha perdido la ilusión, deja la carrera de medicina, necesita poner tierra de por medio. Tras el exilio de infancia para estudiar en Dinamarca, la posterior muerte del padre años después. Los acontecimientos marcan de por vida, y la responsabilidad del propio individuo que intenta gestionar lo mejor que pueda los giros del destino. Witek buscará la figura paterna en cada una de sus vivencias paralelas, en Varsovia será el veterano comunista ya de vuelta, en la segunda el sacerdote organizador de la resistencia, en la tercera el Decano de la facultad. Tres giros distintos en una película trifásica confluyen bajo el sentimiento trágico del director polaco. Un determinismo ineludible atenaza a los personajes, de fondo la Polonia comunista de principios de los ochenta, y la lucha del sindicato Solidaridad que propició poco después la caida del régimen prosoviético. En un plano de pesadilla, regueros de sangre en un hospital, unas medias rasgadas, y el recuerdo eterno de la madre que murió en el parto. Más que preocuparse por lo exterior, el director polaco mira hacia adentro, la ruptura ineludible y la seguridad de que no hay vuelta atrás, la posesión momentánea al asir la felicidad y, en un parpadeo, la pérdida. Tres viajes en busca de respuestas, tres circunstancias y una mujer ilumina cada una de ellas. La atmósfera y la relación entre personajes tan lograda como siempre en la obra del polaco, con la música en esta ocasión del reconocido Wojciech Kilar. Raúl Gallego Esta noche corremos con todas nuestras fuerzas en pos del próximo tren... José Miguel Moreno, Zacarías Cotán, Gervi Navío y Raúl Gallego.

Esta noche grabamos el programa desde nuestras casas, no podemos desplazarnos al estudio de Radiopolis como es lógico en las circunstancias que vivimos. El sonido falla en ocasiones,intentamos seguir con el programa, con nuestra mejor voluntad y esperamos que todo vaya bien. Salud y cine más que nunca. El hombre del hoyuelo de oro, el hijo del trapero, llamado Issur, de ascendencia judía y orígenes pobres. Kirk siempre tuvo presente de donde venía. Pasó de buscarse la vida de jovencito como repartidor de periódicos o de botones, a ser el esclavo Espartaco mirando desde la cruz, el valiente que cabalga solo, el vikingo tuerto y salvaje, el viudo herido del tren de Gun Hill, el productor sin escrúpulos de Cautivos del mal, el pintor atormentado, el tenaz Coronel Dux de Senderos de Gloria, el pícaro delincuente de El día de los tramposos, el empresario suicida de El compromiso, el fanfarrón arponero de 20000 leguas de viaje submarino, el ambicioso púgil de El ídolo de barro, el desalmado periodista de El gran carnaval,el inspector amargado de Brigada 21, el profesor de lengua de Carta a tres esposas, el músico de jazz de El trompetista, el Doc Holliday tuberculoso de Duelo de Titanes, junto a su amigo Burt Lancaster, otro espléndido Wyatt Earp. El último grande de los viejos tiempos nos dejó, sin embargo su fuerza, su furia y atracción perdurarán en la pantalla para siempre. Empieza a trabajar en el cine tras la Segunda Guerra Mundial, de la mano de su amiga de juventud, Lauren Bacall, que le recomendó al productor Hal B Wallis. Le dio un papel en El extraño amor de Martha Ivers, compartiendo reparto con Barbara Stanwyck y Van Heflin. Puro nervio y temperamento llenaron las pantallas de los cines. Kirk aportaba su intensa forma de concebir los papeles , se metía en el pellejo de sus personajes. Exigente en todos los proyectos que integraba, participaba en los guiones y si tenía que enfrentarse al director lo hacía. En cierta ocasión terminó a puñetazos con King Vidor durante el rodaje de La pradera sin ley, intentó convencer a Kubrick en Senderos de Gloria de que hiciera algunos cambios, pero ese era otro cantar, Kubrick siempre tuvo las cosas bastante claras. Esta noche recordamos la obra y milagros del temperamental Issur... José Miguel Moreno, Gervi Navío, Zacarías Cotán y Raúl Gallego.

Único y escandaloso, Albert Serra vuelve a sorprender al personal con su poema sobre la noche. Una noche de lascivia y libertinaje en un bosque alemán durante el siglo XVIII. Un grupo de libertinos procedentes de la Corte de Luis XVI desea continuar sus sádicas aficiones en el destierro. Serra, provocador como nadie, nos convierte en voyeurs, sentados en la butaca quedamos en nivel paralelo al gordinflón que mira furtivo entre los matorrales. La frustración del deseo más perverso y la imposibilidad del goce más abyecto.En la bacanal las concubinas reciben azotes encantadas, otros practican la lluvia dorada, el sexo entre duques, criadas y sirvientes más allá de cualquier consideración moral. Como en toda su obra, Serra juega con el fuera de campo, con la confusión, con la performance abierta a lo espontáneo, en plano sostenido adivinamos los cuerpos sudorosos, los rostros demacrados, desde el interior de la calesa se escuchan los jadeos. Los gritos en la oscuridad se unen a los graznidos de pájaros, los chasquidos de ramas, el aire, la lluvia llega y acentúa la sensación hipnótica, la atracción de lo desconocido. La literátura erótica de Sade y el Saló de Pasolini subyacen en el malditismo y la perversión. En el prólogo se narra el descuartizamiento de un infeliz que planeó el asesinato del rey Luis XV. Las palabras laceran más que los latigazos de los depravados, los adoradores de un Dios invertido se solazan en el abrazo desnudo de la oscuridad. Raúl Gallego Esta noche Albert Serra habla con José Miguel Moreno y Raúl Gallego sobre las posibilidades del medio digital, el primitivismo y algunas cosas más.

La insana obsesión se presenta desde el primer momento de vigilia , los días que le quedan al Doctor Frankenstein perderán su razón de ser si renuncia a su experimento. Crear la vida desde la muerte, retar los equilibrios de la naturaleza y resistirse a no cumplir sus objetivos. Transplantar el cerebro de un gran médico y devolverle la cordura en el cuerpo de un ser ajeno. Utilizar a seres humanos como conejillos de indias y asesinar si es necesario. Fisher consigue crear un enorme suspense en su búsqueda del terror interior de cada persona. Los mejores productos de la factoría de los monstruos de la Hammer fueron rodados por el británico. Una puesta en escena magistral y sobria planificación, el característico technicolor y un cine de género que abría las puertas del cine fantástico moderno. El mito de Frakenstein inició su saga en la conocida compañía británica con La maldición de Frankenstein, con Cristopher Lee en la imponente criatura y Peter Cushing como el Barón. Terence Fisher, amigo de Cushing, dirigió la mayoría de los títulos de la saga, excepto La maldad de Frankenstein, de la que se encargó Freddie Francis, y El horror de Frakenstein, de Jimmy Sangster, otros dos habituales de la Compañía De Shelley al Doctor Mabuse y el Nosferatu del expresionismo alemán, el Boris Karloff de Whale, el Reanimator de Stuart Gordon. La perversidad y la ambición del ser humano que utiliza la ciencia para conseguir sus fines. Quizá sea éste el retrato de Frankenstein más abyecto que podamos recordar. El creador es el monstruo. Cushing encarna la vileza y la audacia, insulta a los huéspedes de la casa, chantajea a la pareja de enamorados, los domina, incluso violará a la joven de tirabuzones, estupenda Veronica Carlsson en su belleza dorada, otra musa de la Hammer (Drácula vuelve de la tumba, El horror de Frankenstein). Peter Cushing se encorva en pose de murciélago, arroja despojos de cadáveres por la trampilla. Esconder el delito no es la solución, en cualquier momento puede ceder una tubería vieja y salir a flote la atrocidad. Raúl Gallego Esta noche visitamos a nuestra esposa en el cuerpo de otro hombre, hablamos tras el biombo de Radiopolis.. José Miguel Moreno, Gervi Navío, Salvador Limón y Raúl Gallego.

Una noche al raso bajo los cielos de París, ese París que tantos autores han retratado, René Clair, Godard, Rivette, Chabrol, Garrel, Vigo, Rohmer, Varda...Y Truffaut en su primer largometraje, dedicado a su mentor André Bazin que murió durante los días que se rodaba. Los 400 golpes de Antoine Doinel, el niño desertor de mirada huidiza y lector de Balzac. Jean Pierre Léaud es Antoine, y Antoine es Truffaut, el chaval en fuga del colegio, de la familia, del reformatorio. Corre sin mirar atrás en uno de los finales más bellos de la historia del invento de los Lumière. Truffaut y sus coetáneos de la Nueva Ola francesa reinventaban el cine a finales de los años 50. Doinel finge la muerte de su madre. Huye de los problemas conyugales. Que duro es dormir en el pasillo de casa, con una madre que lo ignora, un padrastro que le abofetea Esa noche va a dormir en la calle, como un vagabundo, se lavará la cara en una fuente, desayunará con tragos largos de leche robada. La adolescencia, el desconsuelo y la rabia de un niño al que no han sabido querer. Un aula lúgubre en la escuela con pupitres de madera y maestro con regla y borrador arrojadizo. Antoine hace novillos con su amigo René, se sienten libres en sus aventuras de infancia, van al cine, a la feria, cometen fechorías. Reflejo de la propia infancia del autor, el escritor Marcel Moussy le ayudó a organizar el guion, a suavizar un poco la melancolía, a convertir su confesión en cine eterno. Doinel mira a la cámara, el fatalismo de un crío que pasa la noche en el calabozo de una comisaría nos mira cara a cara. La verdad del cine de Truffaut, la frescura, el realismo. El plano inicial de los barrios de París, la Torre Eiffel filmada desde abajo, la fotografía sobria y elegante de Henri Decaë ilumina los espacios de forma naturalista. Con ese travelling final de un pequeño que huye de los golpes, de las patadas, de los castigos, sin resuello, como los personajes de Al final de la escapada de Godard. Se confunden las notas de la partitura de Jean Constantin con las pisadas sobre la arena, al fondo el mar, el objetivo se acerca a su abandono, y la imagen se congela. Raúl Gallego Esta noche giramos y giramos en la atracción de feria detrás de la gran evasión... José Miguel Moreno, Gervi Navío, Zacarías Cotán y Raúl Gallego.

Ver la vida desde una pecera, los peces no tienen memoria, y aún así da que pensar como sacan a un compañero de fatigas para cocinarlo a la parrilla. Para nuestra memoria queda la última creación donde aparecen juntos todos los Monty Python. Tal como dice la limpiadora del restaurante, la vida es un juego, unas veces se gana y otras se pierde. Los Python volvieron a ganar, y eso que una vez más dividieron opiniones en esta serie de sketches con hilo musical y magníficas coreografías. El grupo de cómicos tuvo la inmortal idea de desentrañar el sentido de la vida, y como no podía ser de forma, el resultado fue el caos más universal, y es que la vida no parece tener ningún sentido. Situaciones de lo más surrealista, las secuencias se suceden, a cual más irreverente, no queda títere con cabeza.La iglesia protestante y la católica, el ejército del imperio británico, los judíos, la sanidad, la educación,la televisión, ni la misma Muerte se salva del pitorreo de cinco británicos y uno nacido en Minneapolis, el excesivo Terry Gilliam. Terry Jones, la católica madre llama a sus decenas de hijos, a cada uno por su nombre. Todo esperma es sagrado, su marido Michael Palin ha decidido donar a todos a la ciencia, mientras el matrimonio protestante los critica desde la ventana de enfrente, con lo fácil que es ponerse un condón. Insuperable la pareja formada por un flemático Graham Chapman, que moriría pocos años después, y Eric Idle, su reprimida señora. John Cleese, el maestro enseña educación sexual haciendo el amor con su propia esposa en la clase, los alumnos se aburren y preguntan dudas. Introducida por un corto inicial de Terry Gilliam, Seguros Permanentes Crimson, en este prólogo los viejos contables en su barco piratas se revelan contra los ambiciosos ejecutivos. Y que podemos decir del señor Creosote, mal gusto y libertad creativa explotan y salen a chorro libre de la boca del mórbido comensal, Palin arrima un cubo con la esperanza de recoger algo del vómito, la porquería cae sobre la miseria de los adinerados que tan bien saben guardar las formas. Cuando Terry Jones y Michael Palin escribieron la escena, tenían a Terry Gilliam en mente, acostumbrado a dar vida a personajes grotescos, como el rastafari a quien extraen el hígado sin anestesia. Parece que Gilliam no estaba muy dispuesto a sufrir la tortura del maquillaje y las prótesis, y le cedió el testigo a Jones, que también hizo las labores de dirección. La película ganó el Premio del Jurado en Cannes, John Cleese, haciendo amigos, refirió que seguramente Orson Welles, que formaba parte del jurado, se sintió identificado con Mr. Creosote. Del nacimiento y la muerte, de la lujuria, la gula, la avaricia, los pecados, la inteligencia y la falta de prejuicios de unos tipos geniales. Números musicales enormes quedarán para siempre, el de los niños en Yorkshire, o Eric Idle y Terry Jones paseando por la Vía Láctea, haciéndonos ver que somos tan insignificantes como las hojas que caen de un árbol en otoño. Así que mejor no preocuparse y disfrutar del espectáculo. Raúl Gallego Intentamos mantener la compostura como peces en un acuario... José Miguel Moreno, Gervi Navío, Raúl Gallego y la colaboración especial de Sergio Álvarez.

Unos colores pastel, claros, de los que no hay duda, acompañan a la cama a David, seguro de no estar confundido. Ya descansa, ha visto lo que costaba y cuánto tiempo tardó en todo lo nuestro, por eso es tiempo ya de una larga siesta. Ahí fuera se ve la vorágine de alguien mirando. En el exterior, coches, carreras, chiquillos, mucha arena, y un malestar inquieto de no se sabe donde. Pero Antonioni ya lo ha logrado y nos da tiempo, ahora somos nosotros lo que tenemos por delante. Un sólo aviso, romper con algo, coger el amor, el deseo, si apareciese, e ignorarlo todo, mintiendo, porque vendrán los vándalos. José Miguel Moreno El periodista huye de su propia sombra, en un hotel destartalado, en pleno corazón del Sahara, se transmuta en otra persona. Intercambiar la identidad no consiste en cambiar la foto del pasaporte de un tipo con rasgos similares. La otredad. Morar en otra piel y llevar la cruz del otro, en este caso un traficante de armas con varias citas apuntadas en su agenda. David Locke no dudará en acudir a cada una de ellas, en Munich, Londres o Barcelona. Busca un contacto. Hastiado, no se reconoce, no sabe quien es. De ahí a la usurpacion vital. Y sin esperarlo, se encuentra en la Pedrera con una chica que le habla de Gaudí. La aridez más cegadora se pierde en el horizonte del desierto, a cada paso una duna, un amor torcido, la muerte en la vida, y un plano secuencia para la historia del cine. Antonioni puso sobre la mesa su elegancia y distanciamiento en El Reportero, integrada en la trilogía americana, junto con Blow-up y la incomprendida Zabriskie Point. Las obsesiones más recurrentes en su obra, la incomunicación, la alienación, o la muerte, terrible el fusilamiento del lider prisionero, en las filmaciones de archivo que revisionan su mujer y amigo. Un Jack Nicholson contenido y una espontánea María Schneider, la estudiante de arquitectura que se despista de su grupo de turistas. Las apariencias enturbian aún más las respuestas. En estructura circular el pasajero disfruta de una libertad efímera. En el teleférico, en la iglesia, en el aeropuerto un hombre pide un billete de avión a cualquier destino donde pasar el resto de su días. Y al fin, un hotel perdido en un pueblo de Almería. La cámara deja atrás al hombre postrado, el plano secuencia se aproxima a los barrotes de la ventana, sale al exterior, en rotación, vemos a la chica desorientada, llega la policía, pasa un coche de autoescuela, unos niños corren, gira sobre su propio eje y nos muestra el contraplano. Roland Barthez dijo que mirar más tiempo del necesario era peligroso, querer comprender, atisbar la verdad. Tal como hace esa chica sin nombre que quizá también quiere aceptarse a sí misma. Raúl Gallego Esta noche morimos dos veces en el estudio de Radiopolis... José Miguel Moreno, Salvador Limón, Manuel Broullón y Raúl Gallego.

George Cukor, uno de los más prolíficos directores de Hollywood dirige en 1964 My Fair Lady, inspirada en el mito de Pygmalion y la obra del irlandés Bernard Shaw. La obra de Broadway, con música de Frederick Loewe y libreto y letras de Alan Jay Lerner, estuvo en cartel más de seis años, con Julie Andrews y Rex Harrison en los papeles principales. El profesor Higgins necesita moldear a su bella dama, pulir a la violetera de Covent Garden, lavarle la cara y convertir su dialecto de barrio bajo en el inglés mejor pronunciado del baile. También Cukor necesitó dirigir esta superproducción de la Warner, quizá para quitarse la espina clavada de Lo que el viento se llevó, para la que fue elegido inicialmente por el productor de Hollywood David O. Selznick, barco del que tuvo que bajar para ser sustituido por Victor Fleming. My Fair Lady invita a soñar. El arrogante y misántropo profesor de fonética en la soledad de su caserón de la calle Wimpole, y la gritona florista, el diamante en bruto con la ilusión de salir del arroyo, de comerse los mejores bombones de la caja. Audrey Hepburn, el alma de la película, no fue ni siquiera nominada a mejor actriz en los Oscars, para más inri se lo llevó Julie Andrews por Mary Poppins. La voz de Audrey en sus canciones la dobló la soprano Marnie Nixon. Momentos mágicos. La cenicienta coge las riendas en casa de la madre del profesor, la alumna ha aprendido perfectamente la lección, ya tiene la cara limpia. El cínico encontró la vitalidad en el luminoso semblante del que ya no puede prescindir. Todos se enamoran de Eliza Doolittle, Higgins en su salón lleno de gramófonos, el joven Freddy en el hipódromo de Ascot, el alumno húngaro en el baile de la embajada, el coronel Pickering, interpretado por Wilfrid Hyde-White, y como no, su borrachín padre, un estupendo Stanley Holloway. Raúl Gallego Esta noche confirmamos que la lluvia en Sevilla es una maravilla... José Miguel Moreno, Rosario Medina, María Royo y Raúl Gallego.

El contorno de Paul Newman se recorta contra los clarooscuros del interior de un bar, suenan las bolas de la máquina recreativa, una jarra de cerveza de buena mañana, y las guirnaldas de las fiestas al fondo del plano. Sidney Lumet ya demostró desde el principio que sabía realizar enormes dramas judiciales, ahí está su ópera prima Doce hombres sin piedad. En Veredicto Final asistimos a las horas bajas de un abogado que ha perdido a su mujer en un divorcio, su reputación en su trabajo, y aún le quedan fuerzas para pelear por el último caso. Es el caso. Frank Galvin se aferra a su última oportunidad de salvarse. Seguirá corriendo a pesar de las zancadillas. El abogado contricante (James Mason) es el Príncipe de las Tinieblas, así lo llama su amigo y maestro (Jack Warden) para avisarle de con quien se enfrenta, aunque en el bar donde se refugia cada noche se enamore de una mujer desganada, de párpados caídos y ojos entornados (sugerente y misteriosa Charlotte Rampling), su principal testigo pericial desaparezca de pronto, a pesar del rechazo de sus propios clientes, aunque incluso el juez (un sibilino Milo O´Shea) se ponga de parte de la Archidiócesis y le anime a aceptar la oferta monetaria. Los rivales le insultan, le llaman picapleitos acabado. A Galvin sólo le queda confiar en la Justicia. Una de las escenas fundamentales, la del letrado en la habitación del hospital donde languidece la chica en estado vegetativo, víctima de una negligencia médica. De pronto Frank Galvin vislumbra la verdad mientras toman forma las fotos recién hechas de su Polaroid. Siempre ha sido igual, los débiles siempre han perdido frente a los poderes fácticos. Todos piensan que no se puede luchar contra lo establecido. El último giro del guion puede resultar a muchos mas ficción que otra cosa. Para eso está el cine también, para enseñarnos que la Justicia debe ser más fuerte que el dinero y el poder de las instituciones. Lumet controla la cámara y la puesta en escena con maestria. Con su estilo naturalista, la fotografía de ocres, negros, blancos rotos y arquitecturas clásicas en interiores escogidos. El dramaturgo David Mamet transforma la novela original en agudas frases. La acertada dirección de actores y un ritmo pausado y ágil dan forma al espléndido conjunto final. Raúl Gallego. Percibimos el color de la justicia a medida que las fotografías toman forma esta noche en Radiopolis... José Miguel Moreno, Chari Medina, y Raúl Gallego.

¿Habéis observado el sol cuando se pone en el horizonte del mar? Sí, sin duda alguna ¿Lo habéis seguido hasta que la parte superior del disco desaparece rozando la línea del horizonte?. En el preciso instante en que el astro radiante lanza su último rayo. No será, como podría presumirse, un rayo rojo lo que herirá la retina de vuestros ojos, sino que será un rayo verde, pero un verde maravilloso, un verde que ningún pintor puede obtener en su paleta. Si existe el verde en el Paraíso, no puede ser más que este verde, que es sin duda, el verdadero verde de la Esperanza". Julio Verne Dolphine y sus planes veraniegos rotos. Ha roto con su pareja y su amiga la deja plantada a poco tiempo del viaje. La joven parisina nos lleva de la mano en su paseo estival, una epifanía de soledades y desencuentros en la monotonía y la fugacidad de un verano. La protagonista, interpretada con brillantez por Marie Rivière, no parece encontrarse a gusto en ningún lugar, ni en los Alpes, ni en Cherburgo, ni en las playas abarrotadas de bañistas, ni en el caluroso París de julio. La mujer abatida busca un destello que la guíe, encuentra cartas que le dicen cosas, confía sin mucha seguridad en el azar. Ella no tiene nada que ofrecer, le dice a la chica sueca, recién conocida, no busca subterfugios, sólo quiere encontrar una señal. Éric Rohmer, director de mirada serena, acerca la cámara con calma, sin subrayados ni énfasis, muestra mediante conversaciones y diálogos. Hasta que llega el rayo verde, la magia del momento, la esperanza de los versos de Rimbaud, ya llegará el tiempo en que los corazones prendan. El encuentro inesperado de dos almas sedientas en una estación de tren, ella lee El idiota de Dostoievski, la virtud de Lev Mishkin reflejada en dos miradas, el tránsito de los días, las tres notas de un violín y la armonía del amor. Hay algo verdadero en el artificio de Rohmer, la fotografía granulosa, el realismo, lo diáfano de su prosa fílmica, la austeridad del encuadre, los diálogos aparentemente improvisados, la ausencias de una muchacha que camina triste por el campo y rompe a llorar mientras el viento mueve las ramas con más fuerza. Rohmer amaba tanto a las mujeres como Truffaut, quería captar la presencia de la naturaleza como Rossellini o Murnau, y sus mágicas actrices recuerdan a las de Philip Garrel, en sus contradicciones, sus turbulencias y sus gestos. Raúl Gallego Esta noche esperamos que no se nuble el día para poder contemplar el rayo verde... José Miguel Moreno, Zacarías Cotán y Raúl Gallego.

Bienvenidos a un nuevo programa especial de La Gran Evasión sobre el Festival de Cine Europeo de Sevilla, edición 16. Desde Radiopolis, en la 92.3 de la FM repasamos nuestro amado festival con el entusiasmo y la devoción acostumbradas. Comentamos el palmarés, nuestras impresiones y conmociones sufridas, por los golpes de las obras de Jessica Hausner, Abel Ferrara, Robert Guédiguian, Nadav Lapid, Albert Serra, Eloy Enciso, Pietro Marcello, Marco Bellocchio o Bruno Dumont, entre otros. Tenemos la suerte de poder contar con el programador del festival, Javier Estrada, que nos relata su visión del certamen al teléfono. Una amena charla regada con la música de los grupos que han participado en el Seff Noche, nuestras críticas "crípticas", nuestras entrevistas absurdas y sobre todas las cosas, nuestra pasión por el cine. Esta fría noche, compartimos experiencias y emociones cinéfilas, José Miguel Moreno, Raúl Gallego, Gervi Navío, "Guti" y Javier Estrada, mientras, un solemne canto ortodoxo, nos recuerda lo insignificante que somos. De coda final os dejamos extractos de las entrevistas "perpetradas" por nuestro intrépido y bilingüe reportero.

"Lo peor es escribir. Es muchísimo más difícil escribir que nada. Eso no se aprende. Como nadie va a aprender a ser Hemingway, o a ser Scott Fitzgerald. Eso...O naces o no naces El oficio de director sí lo aprendes. El cine...plano medio, plano corto, primer plano, la cámara de izquierda a derecha, la subes un poco de arriba a abajo, haces un travelling para llevar el movimiento, son ocho cosas las que tienes que aprender..." Esto lo afirma en el programa José Luis Garci, como si fuera lo más fácil del mundo hacer cine de calidad, hacer películas como El Crack Cero...La precuela que cierra su trilogía, todos recordamos al gran Alfredo Landa y a Miguel Rellán en las dos primeras entregas rodadas en los ochenta, dos personajes indelebles y eternos, el detective privado Germán Areta y su ayudante el Moro. En El crack cero, un Carlos Santos de gesto huraño y ademán discreto, y un Miguel Ángel Muñoz perfectamente caracterizado para recomponer al Moro de joven no se andan a la zaga de Landa y Rellán. Areta acude al lugar a la hora convenida, un nuevo trabajo, un caso tan enrevesado como el que afrontaba Humphrey en las primeras secuencias de El Sueño Eterno. Humphrey Bogart y Lauren Bacall, Fritz Lang y Los sobornados son el cine negro. Mientras escuchamos a Garci parece que el humo de las salas de billar entra por la puerta del estudio y el tintineo de un Coñac con hielo suena cerca. Garci traslada los bajos fondos de Hammett, Chandler o James M Cain al Madrid de los 70. El turbio suicidio, o asesinato, quien sabe, de un prestigioso sastre sirve como excusa para rescatar los viejos esquemas. La melodía conocida y perfecta es la de Jesús Glück, la fotografía en blanco y negro de otros tiempos, otras marcas, otros muebles, otros ritmos, otra Gran Vía. Interiores de otra época, de otro boxeo, de otro fútbol, de partidas de mus, teléfonos de rosca, matasellos y máquinas de escribir. Raúl Gallego Esta noche los hijos bastardos de Que Grande es el Cine charlamos con José Luis Garci en el estudio de Radiopolis... José Miguel Moreno, Raúl Gallego, Zacarías Cotán, Salvador Limón, y al teléfono José Luis Garci.

Fija la cámara Bollain, un hombre de ojos ilusionados, con la certeza del que no busca algo, sólo una mirada, que se acomode en su tiempo de reflexión nerviosa. Un instante meditabundo, que contempla, como Flaherty, los ratoncillos humanos que pululan la ciudad, como unos intérpretes que bordan su día a dia. Su montaje acelerado, como si de un Pavlo urbano se tratara, coteja la colmena poblada de reinas, que en su inmensa naturalidad no necesitan obreras, ni sirvientes mas allá de la limpia y deseante superficie del celuloide. Bollaín, amigo de la mirada distante y hermano de la gracia, no es un romántico, ni siquiera un poeta, de existir su lírica es belleza que sale al encuentro de un voyeur, calamitoso y secreto, con el rigor delineante de efluvios y atmósferas. No es un narrador que deje de contar, lo hace, pero siempre de cara con algo indeleble y hermoso que anida en nuestras entrañas. Esta noche en Radiopolis se encuentran en animada tertulia José Miguel Moreno, Raúl Arteaga, autor del documental sobre Bollaín, Juan Antonio Bermúdez y el director, arquitecto y urbanista Juan Sebastián Bollaín,

La curiosidad de dos hermanos en un rincón de la India, sus correrías por los campos de caña de bambú, suena el sitar y las flautas de Ravi Shankar y se hace el milagro del cine. Aromas hindúes nos acercan a la canción del camino, las vicisitudes de una familia con problemas de vacas flacas. El padre soñador sonríe a la adversidad, lo que Dios disponga estará bien, la madre, más pragmática, mira de frente a la miseria con su ademán de amargura, de vergüenza mal disimulada, la anciana despegada, arisca, camina encorvada y come la fruta robada que la niña le trae del huerto y su madre le repite: "está usted malcriando a mi hija". Durga y Apu, Apu y Durga, los dos hermanos corretean entre arbustos, pájaros, gatitos, barro, imágenes vivísimas nos hacen viajar a la India de los años 50, a un entorno rural de aguas plácidas, insectos flotantes, troncos, hojarasca, chozos de palmas y ladrillos de adobe. La mística y el realismo, la naturaleza, el monzón que debía llevarse la ruina, y sin embargo trae la desgracia, Durga nunca se pondrá el sari que le regala su padre. Obra maestra, manantial de vida y muerte dirigido por Satyajit Ray. Estrenada en 1955, pocos años después de la independencia de la India y la muerte de Gandhi. La canción del camino abre la trilogía de Apu, seguida de Aparajito (El invencible) y Apu Sansari (El mundo de Apu). El artista indio Ray, fascinado por el cine occidental, amaba los planos de Welles, el humanismo de De Sica, el documental étnico de Robert Flaherty, la fluidez de Wyler, la calidez de Ford, el realismo, la austeridad y la poesía de Jean Renoir. Renoir viajó a la India pocos años antes del rodaje de Pather Panchali, allí iba a buscar localizaciones para filmar El río y Ray luchó por ver el rodaje y conocer al cineasta que admiraba. Los ojos despiertos del crío nos dicen cuando hay que sonreir y cuando hay que llorar. La sencillez de la vida en un lugar retirado del mundo, el tren es el progreso,pasa tapando los campos y evoca la ciudad lejana, desconocida, la esperanza de seguir hacia adelante, de recorrer el camino y de continuar el ciclo. Los ojos azabache de Apu descubren el mundo con su hermana, corren a los arrozales y la cámara sube en panorámica de la tierra hacia el cielo mismo, mira a través de las sábanas antes de ir al colegio por primera vez. La abuela ya no ve apenas, ya no realiza sus abluciones, espanta su mal cantando a la luna, encorvada se retira, su última mirada al perro, a la fuente, al hogar que la rechaza, la anciana se va a morir en soledad. Raúl Gallego Esta noche comemos arroz blanco con las manos y buscamos la purificación del agua... José Miguel Moreno, Gervi Navío y Raúl Gallego.

“Todo el mundo pensaba al verme en el escenario o en el cine que era desgraciado en mi vida personal. Nada más lejos de la verdad. Hasta donde recuerdo, siempre me consideré afortunado”. Buster Keaton El gag físico continuo busca las carcajadas del respetable, el hombrecillo impertérrito, el cara de palo se levanta después del batacazo. El pionero Buster Keaton se patea las calles detrás de una cámara de ferrotipos, ya en desuso en los locos años 20, camina al ritmo del tintineo de un piano, del latido de jazz sincopado por una secretaria dulce con la que se prenda nuestro escuálido amigo, y peleará por ella hasta el final. A partir de ahí todo serán obstáculos para su torpe cortejo: el policía cretino, el fornido pretendiente, y la multitud urbana que se apiña al subir al bus, demasiada gente estorbando y alejando al pamplinas de su princesa. El hombre de la cámara de Vertov en torpe , el cine sobre el propio artefacto, el individuo contra su entorno, el gimnasta adorado por Buñuel y Dalí renuncia a sentimentalismos baratos. La inexpresividad lo dice todo, acciones espontáneas y secuencias memorables. El mequetrefe pierde el bañador en la piscina, un salto ridículo desde el trampolín, el saludo a su sirena antes de robarle la prenda de baño a una oronda señora, el fotógrafo rompe los cristales con el trípode, y sus rasgos de payaso triste siempre reviven. Keaton escribió en sus memorias que entrar en la MGM, el mayor estudio de Hollywood, fue el mayor error de su vida, allí coartaron su libertad a la hora de trabajar. El cameraman fue dirigida por Edward Sedgwick y el propio Keaton. Aún conserva el frenesí de sus primeras obras, la imaginación desbordante del artista, si embargo el joven productor Irving Thalberg se propuso controlar su forma de rodar y manipuló todo lo que pudo, después llegaría el sonoro. Nada ya que ver con sus inicios en el cine, cuando comenzó haciendo cortos con Fatty Arbucke, el gordito cómico después caído en la ignominia y el escándalo, de él Keaton aprendería muchos gags y trucos, sin embargo era su inverso, el pamplinas no esbozaba ni un asomo de sonrisa, con eso conseguía que se le tomara en serio, el excéntrico e impasible luchador en busca de fortuna provocará la hilaridad del personal desde la seriedad. Raúl Gallego Esta noche filmamos la batalla de Chinatown con el mono dándole a la manivela... José Miguel Moreno, Zacarías Cotán, Gervi Navío y Raúl Gallego.

Emprendemos una huida desesperada, cargando dos kilos de heroína y toda la miseria existencial de la América de finales de los sesenta. Karel Reisz dirigió en 1978 Who´ll Stop the rain, titulada en España “Nieve que quema”. Adaptación de la gran novela de Robert Stone, "Dog Soldiers". Reisz, emigrante Checo, venía de formar parte activa del Free Cinema inglés, aquella generación de jóvenes airados (Angry Young Men), comprometidos socialmente y a rebosar de talento. Nieve que quema recoge la devastación interna que la guerra provoca, un conflicto prohibido para los medios, que empezaba a analizarse a finales de los setenta. El Final de una época rezuma en la película, Reisz explora las ruinas morales y espirituales de América, la maldita guerra del Vietnam, con sus miserias políticas y económicas. La Creedence Clearwater Revival y su icónico Who'll Stop the Rain, como referencia cronológica e hilo musical. Todo arranca con el agotamiento mental de un reportero de Guerra, John Converse (Michael Moriarty), sumido en una crisis existencial, ha descubierto la manera perfecta para escapar, la heroína; un hombre al que siempre utilizan los poderes superiores. Su mujer es frágil y también está desamparada (Tuesday Weld), Marge lo espera en un San Francisco Hippie desalmado, su forma de soportar el día a día son también las drogas, en forma de pastillas, pero con el mismo fin. El tercero en discordia es el amigo del reportero, Ray (Nick Nolte) un marine, duro, brusco, idealista, noble, que sabe muy bien lo que es la guerra y asume el control cuando se destapa que han usado al inocente John para traer la droga a los EE.UU Gran Interpretación de Nick Nolte, intensa y tormentosa, un veterano que no se puede adaptar a la vida civil, cansado de que gente inferior le dé ordenes. Nietzsche de fondo, la soledad, las armas, la promesa de un amor imposible…            Apareciendo la droga llegan los perros que se enriquecen con ella. Un agente federal corrupto, Antheil, interpretado por el magnifico Anthony Zerbe y dos sicarios siniestros, mitad cómicos mitad aterradores. Tarantino, o los mismos Cohen, podrían haber descrito a estos tipos. Hay una escena de tortura que lo atestigua, igual de inquietante es aquella en la que Ray prepara unos “picos” para unos pijos que no se enteran de nada, otros desertores morales a los que castigar. Reisz narrar la historia de manera eficaz, no hay excesos ni adornos….esa imagen final del desierto y el agente corrupto del gobierno arrastrándose para salvar un poco de la Heroína derramada es otro ejemplo de hacia dónde iba aquella sociedad. Un viaje de sueños rotos y desesperación, de traiciones y amistad, un triangulo amoroso de nieve que quema….Errores que dejan heridas. Nos vamos con Gimme some Lovin, interpretda por The Spencer Davis Group y como Bonus Tracks, os dejamos Put a little love in your heart de Jackie Deshannon. Atrincherados en la Torre de Radiopolis, mientras la Creedence suena a todo volumen y las explosiones emocionales hacen retumbar el estudio, defendemos el alijo del Cine…. Zacarías Cotán, Raúl Gallego, José Miguel Moreno y Gervi Navío. Gervi Navío.

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Los alimentos del espíritu por José Miguel Moreno, que tuvo lugar en la Asociación de Estudios Espíritas de Madrid el 11 de Diciembre 2015. ---------------------------------------------------------------------- www.espiritasmadrid.com http://www.mindalia.com - La Red Social de Ayuda a través del Pensamiento http://www.mindaliaradio.com - La Radio del Pensamiento Positivo http://www.circulosdeayuda.com Los vídeos de esta y otras conferencias y entrevistas de interés en http://www.mindaliatelevision.com Puedes escuchar este y otros audios en http://mindaliacomradio.ivoox.com