Podcasts about Cannes

Aclamado pela crítica, premiado no Festival de Cannes: o filme de Kleber Mendonça Filho entra em cartaz em mais de 700 salas, em todo o Brasil, no dia seis de novembro. A expectativa é que a bilheteria supere antecessores como “Ainda Estou Aqui”, de Walter Salles, vencedor do Oscar em 2024. Nossa reportagem acompanhou a sessão de pré-estreia do longa pernambucano no Festival do Rio, em outubro, e conversou com Carlos Pimenta, gerente de programação da rede UCI Cinemas.Reportagem: Guilherme FelicianoEdição: Gabriel Savelli

durée : 00:12:29 - Les Midis de Culture - par : Marie Labory - En compétition à Cannes 2025, "Deux procureurs" de Sergueï Loznitsa adapte une nouvelle de Gueorgui Demidov pour plonger au cœur des purges staliniennes. À travers le parcours d'un jeune procureur idéaliste, le cinéaste signe une tragédie kafkaïenne sur la loyauté et la machine totalitaire. - réalisation : Laurence Malonda - invités : Murielle Joudet Critique de cinéma au Monde; Olivier Lamm Journaliste et critique à Libération

Will Guidara is the author of Unreasonable Hospitality and co-founder of the world's #1 restaurant, Eleven Madison Park. He joins us to share how lessons from hospitality can be a huge competitive advantage for your brand. We discuss the power of small but impactful gestures, intelligent naivety, the 95/5 rule and investing in the things that can't be measured but make all the difference.Will also reflects on the mindset that took Eleven Madison Park to the top, what businesses can learn from restaurants, and how applying unreasonable hospitality can turn any customer experience into something truly extraordinary.Timestamps00:00:00 - Start00:00:57 - Will's experience writing his book00:02:11 - Getting 4 stars from The New York Times00:04:43 - What marketers can learn from Unreasonable Hospitality00:08:08 - Where did the term “unreasonable hospitality” come from?00:14:13 - Why Will is fine being “The Dining Room Guy”00:16:40 - Why Will added a beer sommelier - reverse benchmarking00:20:29 - Intelligent naivety and the advantages of youth00:23:30 - The power of small thoughtful gestures that make a lasting impact00:27:22 - The 95/5 rule - how to succeed with things that cannot be measured00:31:47 - Restaurant smart vs corporate smart00:36:50 - Why you sometimes need conflicting goals00:41:34 - Is the customer always right?00:45:55 - Turning pain points into highlights00:48:06 - How Will Guidara makes getting the bill a memorable experience00:51:38 - Why nothing in the world can replace persistence00:53:40 - Never waste a good crisis00:56:52 - What Will would do at Cannes with no budget00:59:56 - How Shake Shack kept 11 Madison Park going01:00:48 - Which fast food chains does Will admire01:03:51 - Hiring exceptional talent01:06:17 - Getting siloed teams to work together in harmony01:09:07 - What would you do if you knew you couldn't fail

Présenté exceptionnellement par Valérie BAUD, retrouvez "Homomicro, le podcast qui se prend aux mots", avec l'invité du jour : - Arnaud ARSENI, créateur du projet "HexaBoi", nous présente son projet, son approche artistique, ses thèmes de prédilection, et son dernier projet musical sortit en Septembre dernier Ainsi que le Cercle des Chroniqueurs : - Denis-Martin CHABOT pour « Planète Arc-en-Ciel »  a eu la chance d'interviewer Marinette PICHON, ancienne attaquante de l'équipe de France de Football féminine. - Louis-George TIN « Nos Couleurs, Nos Colères » "Les personnes LGBTQI+ en Russie, entre courage et répression" - Anne-Catherine MEZURE dans sa chronique « Un Film, Un Regard » et Valérie BAUD nous présente le film "La Petite Dernière" réalisé par Hafsia HERZI, qui a remporté au Festival de Cannes la prestigieuse "Queer Palm" Réalisation / Montage : Nathan Hillaireau Soutenez-nous sur PayPal !

The Secret Agent | Brennpunkt: Brasilien Gefeiert und mit dem Darsteller- sowie Regiepreis bei den Internationalen Filmfestspielen von Cannes ausgezeichnet, hat es der brasilianische Film „The Secret Agent“ nun endlich offiziell in die deutschen Kinos geschafft. Dort startet die neueste Regiearbeit von Kleber Mendonça Filho am 6. November. Im Mittelpunkt steht „Narcos“-Star Wagner Moura als Technikexperte, der 1977 versucht, einen Neuanfang zu wagen und vor dem Militärregime jener Zeit unterzutauchen – was sich allerdings als alles andere als einfach erweist. Nicht untertauchen, sondern über den Film sprechen Johannes und Stu im Podcast. Viel Spaß mit der neuen Folge vom Tele-Stammtisch! Trailer Werdet Teil unserer Community und besucht unseren Discord-Server! Dort oder auch auf Instagram könnt ihr mit uns über Filme, Serien und vieles mehr sprechen. Wir liefern euch launige und knackige Filmkritiken, Analysen und Talks über Kino- und Streamingfilme und -serien - immer aktuell, informativ und mit der nötigen Prise Humor. Website | Youtube | PayPal | BuyMeACoffee Großer Dank und Gruß für das Einsprechen unseres Intros geht raus an Engelbert von Nordhausen - besser bekannt als die deutsche Synchronstimme Samuel L. Jackson! Thank you very much to BASTIAN HAMMER for the orchestral part of the intro! I used the following sounds of freesound.org: 16mm Film Reel by bone666138 wilhelm_scream.wav by Syna-Max backspin.wav by il112 Crowd in a bar (LCR).wav by Leandros.Ntounis Short Crowd Cheer 2.flac by qubodup License (Copyright): Attribution 4.0 International (CC BY 4.0)

Новости на радио «Русские Эмираты» в Дубае:- Дубайский муниципалитет объявил о запуске нового экологического проекта Circle Dubai под девизом «Сокращай, используй повторно, перерабатывай». Инициатива направлена на сокращение всех видов отходов на свалках до 0% к 2041 году и предусматривает долгосрочную трансформацию систем управления отходами.- Новый роскошный Hôtel Cannes, вдохновленный атмосферой Лазурного берега Франции, откроют на архипелаге The World Islands у берегов Дубая в третьем квартале 2026 года. Гостиница разместится в курортной зоне Côte d'Azur Resort проекта The Heart of Europe.

C'est l'histoire d'une femme qui a délaissé une carrière brillante pour un homme. Mais il y a tout de même des aspects plutôt charmants dans la relation de Grace Kelly et de Rainier III. On sent qu'ils se sont beaucoup aimés, même si à un moment, comme pour beaucoup de couples, la routine a fini par s'installer et, avec elle, son lot de regrets. Mais pourquoi, en 1955 à Cannes, avoir organisé une rencontre entre un prince et une actrice Hollywoodienne comme Grace Kelly ? Un podcast Bababam Originals Ecrit et raconté par Alice Deroide Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

durée : 00:18:55 - Les Nuits de France Culture - par : Albane Penaranda - En 1974, Pier Paolo Pasolini explique ce qui fait la trame et l'originalité de son film "Les Mille et Une Nuits", récompensé du Grand Prix Spécial du Jury au Festival de Cannes quelques jours après cet entretien. - réalisation : Virginie Mourthé - invités : Pier Paolo Pasolini Cinéaste italien

Ed Sheeran BioSnap a weekly updated Biography.Ed Sheeran has once again proven his mastery of both music and pop culture headlines in the past week. On Halloween, fans were left doing double takes as Ed unveiled an astonishing costume transformation into Pennywise from Stephen Kings It. According to Parade, the singer documented this unforgettable metamorphosis on Instagram, sharing every step as he navigated cafes, bars, and the rainy streets of Brooklyn with his signature red balloon, thoroughly delighting—and terrifying—fans. The vivid Pennywise look with detailed hair and makeup sparked a flood of raves in the comments, confirming that, even offstage, Ed knows how to command the spotlight.Elsewhere, anticipation is mounting for a new Netflix exclusive event. IMDB broke the story of One Shot with Ed Sheeran, a musical experience directed by Emmy-winner Philip Barantini and set to debut on November 21. The special promises to follow Ed through New York City as he delivers impromptu performances in his trademark single-take style, fusing documentary realism with live music. Industry insiders suggest this project could signal a new chapter in Sheerans relationship with streaming and visual storytelling, reflecting his expanding creative ambitions.In the concert world, Shazam and multiple international outlets have charted a near-continuous run of arena and stadium dates for Sheeran stretching into late 2026, including stops at Madison Square Garden and Allegiant Stadium. India is preparing for the ultimate Ed Sheeran experience as he dusts off his loop pedal for a six-city tour across the subcontinent in early 2025, as reported by IANS and BookMyShow. The buzz is that these shows will strip back production for an up-close showcase of Eds songwriting and onstage charisma, building upon the afterglow of his sold-out Mumbai show earlier this year.Fans will also see a cross-cultural twist soon. CelebMix revealed that Ed has teamed up with Jonita for a fresh and global version of his track Heaven, a move expected to reach diverse charts and audiences in the next cycle.On the awards front, Ed was a featured performer at the NRJ Music Awards in Cannes on October 31, where he and girl group Katseye were highlighted for their respective international hits, further cementing his status as a fixture at major musical events, according to Sortir à Paris.No major controversies or negative press have surfaced in the past few days, only increasing anticipation for what Ed Sheeran might surprise the world with next.Get the best deals https://amzn.to/3ODvOtaThis content was created in partnership and with the help of Artificial Intelligence AI

Un automobiliste a percuté trois personnes vendredi 31 octobre dans la soirée à Cannes. Deux d'entre elles ont été gravement blessées, d'après le maire de la ville, David Lisnard, qui mentionne un "chauffard ivre". Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Mendonca Filho, Kleber www.deutschlandfunkkultur.de, Vollbild

On this week's show we identify the top IMDB user rated original movies per streamer. We also read your emails and take a look at the week's news. News: Classic TV props fetch $3.17M Netflix feature lets you decide what happens next, live 'High Potential' Is First 10 p.m. Drama to Hit No. 1 For the Fall Since 'ER' in 1999 Other: Explaining the magic yellow first-down line · The 42 Frndly TV Your Smart TV's HDMI Port Is Spying On You! The Last Frontier Top User Rated Original Movies per Streamer Last week we ran down the top streamer's price histories and at one point I (Ara), said that Amazon really didn't have many movies worth watching but since it came included with Prime shipping who cares. So this week I wanted to see what Amazon Original Movies were available and how they rated on IMDB. This did not include TV series like Reacher, Terminalist, etc. I just wanted to see if there was something I was missing. Then I expanded it to all the streamers we talked about last week and thus we created a list of the highest rated original movies from each streamer as rated by viewers on IMDB. Note the list goes from lowest to highest. Paramount+ Hunger Ward (2020) with a rating of 7.1/10. This short documentary, directed by Skye Fitzgerald, explores the Yemeni Civil War's famine through the work of two female health workers at therapeutic feeding centers for malnourished children. It premiered on Paramount+ in 2021 and was nominated for an Academy Award for Best Documentary Short Subject. Hulu Good Luck to You, Leo Grande (2022) with a rating of 7.2/10 based on over 34,000 user votes. Directed by Sophie Hyde and starring Emma Thompson as a widowed retiree exploring her sexuality with a young sex worker (Daryl McCormack), it's a witty and intimate comedy-drama praised for its honest take on aging, desire, and vulnerability. Peacock Psych 3: This Is Gus (2021) with a rating of 7.5/10 based on over 5,500 user votes. This comedy-mystery TV movie, directed by Steve Franks, serves as the third installment in the Psych film series and follows fake psychic detective Shawn Spencer (James Roday Rodriguez) and his best friend Burton "Gus" Guster (Dulé Hill) as they investigate Gus's bride-to-be's past amid wedding chaos, all while Lassiter (Timothy Omundson) faces career uncertainty. It's praised for its sharp humor, heartfelt moments, and nostalgic callbacks to the original USA Network series. Netflix Marriage Story (2019) with a rating of 7.9/10 (from over 380,000 votes). Directed by Noah Baumbach, this poignant drama follows a stage director (Adam Driver) and his actress wife (Scarlett Johansson) as they navigate a grueling divorce, exploring the emotional toll on their family and creative lives. It received critical acclaim for its sharp screenplay, authentic performances, and raw depiction of marital breakdown, earning six Oscar nominations including Best Picture. Apple TV+ Wolfwalkers (2020) with a rating of 8.0/10 based on over 43,000 user ratings. This animated fantasy adventure, directed by Tomm Moore and Ross Stewart, follows a young hunter's daughter who befriends a girl from a wolf-shifting tribe in 17th-century Ireland. It stands out for its hand-drawn animation, themes of friendship and freedom, and cultural folklore elements, earning an Oscar nomination for Best Animated Feature. Amazon Prime The Handmaiden (2016) with a rating of 8.1/10 from nearly 195,000 votes. Directed by Park Chan-wook and adapted from Sarah Waters' novel Fingersmith, this erotic psychological thriller is set in 1930s Japanese-occupied Korea. It follows a con artist, a pickpocket disguised as a handmaiden, and a wealthy heiress in a tale of seduction, betrayal, and revenge told across three perspectives. Amazon Studios acquired U.S. distribution rights after its 2016 Cannes premiere, making it an exclusive Prime Video original. Its high rating comes from praise for its intricate plot, stunning visuals, and strong performances by Kim Min-hee, Kim Tae-ri, and Ha Jung-woo. For comparison, other top Amazon originals include Manchester by the Sea (7.8/10), Sound of Metal (7.7/10), and The Big Sick (7.5/10).

Fin de semana de Halloween y la cartelera aprovecha el buen tirón del cine de terror con un puñado de títulos interesantes, como 'Together' con Dave Franco y Alison Brie reflexionando sobre la dependencia y la toxicidad de una pareja, o 'Esa cosa sin alas', una historia de duelo con Benedict Cumberbatch. En cines está ya también 'Los tigres', la nueva película de Alberto Rodríguez sobre dos hermanos buzos que lidian con la precariedad económica y emocional, esos hermanos son Antonio de la Torre y Bárbara Lennie. Además, se estrenan dos grandes películas que pasaron por Cannes y ahora lo han hecho por la Seminci, la antipelícula de atracos 'The Mastermind' con Josh O'Connor y el drama sobre madres adolescentes de los Dardenne. En televisión, comentamos el estreno de 'It: Bienvenidos a Derry', la adaptación de 'Cometierra' y la vuelta del creador de 'Breaking Bad' con 'Pluribus'.

W “Kulturze na weekend” Hania Rani: wywiad o nowym albumie „Non Fiction”, projekt Chilling Bambino i muzyka do filmów. Hania Rani pianistka i kompozytorka, wkrótce wydaje nowy album zatytułowany “Non Fiction”. Autorka wielu płyt m.in. “Music for film and theatre” czy współautorka duetu Hania Rani & Dobrawa Czocher opowiada o swoim nowym projekcie Chilling Bambino - czy to hołd dla Childish Gambino? Rozmawiamy też o tym, czym dla Hani Rani jest muzyka i film, jak lubi pracować? I jak do tego doszło, że reżyser Joachim Trier zaprosił ją do współpracy przy filmie “Wartość sentymentalna”, który dostał tegoroczne Grand Prix w Cannes?

'Baía dos Tigres' é a mais recente longa-metragem de Carlos Conceição. O realizador aclamado em festivais de cinema como Cannes, Berlinale ou Locarno, decidiu apresentar 'Baia dos Tigres', em estreia mundial, recentemente, no festival DocLisboa. Nas palavra de Carlos Conceição, “o filme tenta ir atrás dessa ideia que está a ser gravada uma nova existência por cima de uma existência prévia, mas estão lá fantasmas abstratos, sobrespostos, ruidosos, e que são fantasmas da história do século XX transversais a várias culturas.” Baia dos Tigres foi inteiramente rodado em Angola, país onde Carlos Conceição nasceu e que serviu de fonte de inspiração. A RFI falou com o realizador na capital portuguesa. Carlos Conceição começa por explicar como surgiu o filme 'Baia dos Tigres'. Carlos Conceição: O filme surgiu numa fase que eu, agora, já considero ultrapassada da minha carreira. Uma fase em que eu não tinha grandes perspectivas de como subsidiar o meu trabalho e que, por isso, apostava em ideias que eu conseguisse concretizar com pouco, com elementos que fossem reduzidos, mas intensos, como uma boa malagueta, que é capaz de fazer o melhor por um prato, só aquela malagueta. E a Baía dos Tigres sempre foi um mito para mim. Eu ouvia falar na Baía dos Tigres enquanto sítio desde que era criança. E por volta de 2015, 2016, provavelmente, fiquei, por portas e travessas, familiarizado com duas histórias que acabaram por ter uma grande ressonância na minha vida, ambas japonesas. Uma é o significado da palavra johatsu, que significa evaporação. É uma prática que acontece exclusivamente no Japão e, muitas vezes, com a ajuda de empresas especializadas. Consiste na pessoa eclipsar-se da sociedade, desaparecer. Essa empresa trata do desaparecimento total desta personagem, desta pessoa que os contrata. Isto acaba por ter um contorno que talvez seja comparável aos programas de proteção de testemunhas, porque todas estas pessoas acabam por assumir uma nova identidade, uma nova vida, uma nova história, um novo passado. Escolhem desaparecer pelas mais diversas razões, uma relação fracassada, dívidas de jogo, dívidas ao banco. Aquela coisa muito asiática que é a honra e que nós, na Europa, perdemos no século XV. Parece-me um conceito que, não estando completamente disseminado, não sendo exterior à cultura japonesa, parece-me um conceito interessante para os tempos de hoje. Não me interessa a mim como cidadão, interessa-me como leitor, como espectador, fazer uma história sobre uma pessoa que faz isso, que resolve desaparecer, que organiza o seu desaparecimento. E, paralelamente a isso, a descoberta da história verdadeira do soldado Hiroo Onoda, que foi um soldado japonês que esteve 30 anos perdido numa ilha das Filipinas, convencidíssimo por não ter contato nenhum com ninguém, aliás, inicialmente ele não estava sozinho, mas acabou por ficar, porque os dois companheiros com quem ele estava acabaram por morrer, e ele sozinho permaneceu 30 e tal anos nessa ilha selvagem, nas Filipinas, convencido que a guerra (2ª Guerra Mundial) continuava, e completamente fiel aos seus propósitos e àquilo que tinha sido formado para fazer. Foi uma grande dificuldade convencer o Onoda, quando ele foi descoberto, de que o assunto da Guerra Mundial já tinha acabado, e que aqueles credos todos dele estavam ultrapassados há 30 anos. Isto também é uma ideia que me interessa, como é que uma personagem percebe o tempo quando está isolada. Uma, no caso de uma das personagens do filme, é o desejo que o tempo pare, e, no caso da outra personagem, o desejo que o tempo ande mais depressa. Portanto, acho que o filme é sobre essa diferença, a diferença entre querer que o tempo pare e querer que ele ande mais depressa. RFI: A Baia dos Tigres é em Angola, no sudoeste de Angola. O que é que levou o Carlos Conceição a escolher ir filmar em Angola? Qual é a linha que se constrói que liga Angola a esta personagem? Ou a estes personagens, pois são dois personagens. Carlos Conceição: Podem ser, ou duas versões da mesma personagem. Eu filmo em Angola da mesma maneira que o Woody Allen filma Manhattan, ou o João Rosas filma Lisboa. É natural para mim, porque foi onde eu cresci. É mais fácil para mim filmar em Angola, em particular no sul, em particular no deserto, do que filmar em Lisboa. Para mim é mais difícil enquadrar em Lisboa. Ali sinto que estou muito seguro e, para onde quer que eu olhe, eu sei como é que o plano deve acontecer. E as narrativas que a maioria das vezes me surgem para contar são de alguma forma relacionadas com a minha própria vivência e, como tal, Angola está sempre envolvida de alguma maneira. Portanto, os meus filmes têm tido essa relação com Angola pelo menos os últimos três. O Serpentário, que é a minha primeira longa, e o Nação Valente, acima de tudo, e este filme. Que seria logo seguinte ao Serpentário, mas que estreia depois do Nação Valente, porque a vida dá muita volta, porque as coisas atrasam-se e metem-se pandemias e metem-se prazos e coisas do género. Mas acho que são dois filmes que são feitos num só gesto, de certa forma. Acho que a questão da Baía dos Tigres tem a ver com misticismo. Desde criança que eu ouvia falar da Baía dos Tigres como sendo uma ilha deserta, uma aldeia abandonada, uma cidade fantasma, como algumas que se vê nos westerns, relativamente perto, mas muito inacessível, muito difícil de lá chegar. Sempre foi uma ambição minha conhecer o sítio em si. E quando conheci, a primeira coisa que senti foi ... isto é um filme inteiro, este sítio é um filme. Eu já sei qual é o filme e tenho-o dentro de mim, tenho de o fazer e se não fizer vou morrer. Foi assim que o filme surgiu. Curiosamente, houve duas fases de rodagem. Na primeira nós não chegámos a conseguir ir à Baía dos Tigres. Estivemos na Floresta do Maiombe, em Cabinda. Estivemos no Uige, estivemos em Malanje, nas Quedas de Calandula, as Cataratas de Calandula. Depois filmámos muitas coisas à volta da zona onde eu cresci, que foi no Lubango, na Comuna da Huíla, na zona do ISPT, que é o Instituto Superior Politécnico de Tundavala e que tem uma mata enorme atrás, usámos como backlot. Obviamente, só depois disso é que conseguimos, numa segunda  viagem, organizar a chegada à Baía dos Tigres, que envolve toda uma logística complicadíssima. Entre muitas aventuras possíveis, chegar à Baía dos Tigres, à Ilha dos Tigres, que tem cerca de 30 km de comprimento por uns 11 Km de largura, mas que tem construções concentradas... chegar de barco implicava sair da povoação mais próxima, num barco, que provavelmente seria uma traineira, que levaria 6 a 7 horas a chegar à ilha. Fazer um percurso longitudinal desde o Parque Nacional da Reserva Natural do Iona até ao embarcadouro, que se usa para ir para a Ilha dos Tigres, seria impensável porque a costa continental é toda cheia de poços de areia movediça. Então, a única maneira de chegar ao embarcadouro, sem ser engolido pelas areias movediças, é fazê-lo a uma certa hora da manhã, quando durante cerca de 50 minutos a maré está baixa. Temos de ir quase em excesso de velocidade, em veículos 4x4, pela zona molhada de areia, a partir da cidade do Tômbua, e fazer um percurso que demora mais de uma hora a fazer dentro daquela janela temporal. Caso contrário, ficamos ou atolados pelas ondas ou atolados na areia, onde, aliás, se conseguem ver muitos destroços de experiências fracassadas neste género. Ao chegar ao tal embarcadouro, que é um sítio muito tosco, muito improvisado, está lá alguém com quem nós marcamos. É uma pessoa que se contrata com um barco, uma espécie de lancha. Depois fazemos um percurso de quase uma hora de barco por entre bancos de areia, num mar muito, muito agressivo, cheio de fauna, orcas, focas que espreitam da água a olhar para nós, pássaros que passam rasantes, chuva constante, até que, de repente, começa no horizonte a surgir aquela cidade fantasma, assim, meio embrulhada no nevoeiro.  Vê-se logo uma igreja amarela, uma coisa assim … , parece uma aparição. Há um misticismo à volta da experiência de lá chegar que o meu filme nunca conseguirá mostrar, por mais que eu me esforce, e que é muito difícil de captar. Eu tento, no filme, captar esse misticismo e essa fantasmagoria de maneiras diferentes. Criando alegorias, como o filme tem esta ideia da memória que se apaga. Eu imagino o filme um bocadinho como uma cassete ou uma bobina daquelas antigas, que tem de ser desmagnetizada, mas às vezes não fica completamente desmagnetizada, e, por isso, quando vamos gravar algo em cima, sobram restos de fantasmas de gravações passadas. Fisicamente, o filme tenta ir atrás dessa ideia que está a ser gravada uma nova existência por cima de uma existência prévia, mas estão lá fantasmas abstratos, sobrespostos, ruidosos, e que são fantasmas da História do século XX, transversais a várias culturas. RFI: São fantasmas do período em que a Angola estava colonizada por Portugal? São fantasmas da Guerra da Libertação? Carlos Conceição: É impossível não serem também esses fantasmas. Mas eu acho que são fantasmas do mundo contemporâneo, são fantasmas de 2025, são fantasmas do que está a acontecer em Gaza, do que está a acontecer na Ucrânia, são fantasmas deste ressurgimento da extrema-direita, são fantasmas do novo espaço que as ditaduras estão a ganhar, são fantasmas de coisas que deviam estar enterradas e não estão, e são fantasmas com várias origens. O filme tem, em certos momentos, elementos sonoros que vêm de discursos do Hitler, de Mussolini, de Oliveira Salazar, o Savimbi, a voz da Hanoi Hannah, que era uma vietnamita que transmitia mensagens aos soldados americanos a dizer, “vão-se embora, porque vocês vão morrer, o vosso governo traiu-vos”, e ela também aparece como um fantasma neste filme. Portanto, são esses fantasmas todos que, vindos do passado, constroem o presente. O momento presente que nós estamos a viver no mundo, é todo feito desses restos, na minha opinião, mal enterrados. RFI: O cinema é uma ferramenta para lidar com esses fantasmas? Carlos Conceição: Há uma certa obrigação antropológica em algum cinema, há uma responsabilidade histórica que o cinema deve atentar, mas eu não creio que o cinema deva ser uma arte utilitária exclusivamente. Acho que o cinema é mais interessante quanto mais livre for, e se calhar quanto mais fútil for. Eu vejo o cinema como uma espécie daqueles discos que se gravam e se mandam para o espaço, e acredito que daqui a uns anos, quando nós já cá não estivermos, vai aparecer uma espécie alienígena qualquer, ou uma espécie mais inteligente que nós, que tem estado aí escondida, que não aparece por nossa causa, e que vai descobrir uma carrada de filmes, e vai dizer, olha que interessante que era esta espécie que se autodestruiu. E é para isso que eu acho que o cinema serve. Eu vejo cada filme que faço como uma espécie de filho, até porque fazer um filme é uma espécie de gestação, dura o tempo de uma gestação, alguns mais, alguns trazem as minhas dores de cabeça comparáveis. E às vezes nós perguntamos para quê. Para mim essa é a resposta: é para deixar qualquer coisa, para deixar um legado, para deixar uma marca. Para deixar qualquer coisa que ajude a perceber como é que as coisas eram, como é que deviam ter sido, como é que não foram, por aí fora. RFI: Os primeiros filmes do Carlos Conceição foram curtas-metragens, os últimos três trabalhos foram longas-metragens. Não há uma vontade, não pode haver um desejo de voltar às curtas? Carlos Conceição: Eu penso que o universo das curtas, a existência cultural das curtas, é interessante, mas limitada. Eu fui muito feliz a fazer curtas-metragens, cheguei a dizer que me apetecia fazer curtas para sempre. O meu penúltimo filme, na verdade, não é uma longa-metragem, é uma média-metragem, tem 59 minutos, e eu tenho outro filme com 59 minutos para lançar em 2026. Esse formato de uma hora, para mim, é perfeito. Permite-se uma estrutura de curta-metragem em que nem tudo precisa de lá estar, de ser causa e efeito, nem de estar pejado de consequências, nem hiper-explicado, e ao mesmo tempo também não abusa das boas-vindas que recebe do público.Portanto, gosto de filmes que contêm esse universo mais curto, de certa forma. Para além do filme de 59 minutos que quero estrear para o ano que vem, se tiver sorte, também tenho uma ideia para uma curta-metragem que é toda feita com material que eu já tenho filmado, e que tem a ver com Angola também, curiosamente. Mas é uma curta muito mais sensorial e vai ser como música visual, vai ser baseado em ritmos de planos, e tempos e durações de planos, e o que é que corta para onde. Isso é um exercício que eu sinto que me agrada e que é uma coisa que eu quero fazer, que eu consigo fazer sozinho também. Até porque acho que estou precisando tirar umas férias depois desta maratona que têm sido os últimos três anos, talvez. RFI: Fazer sozinho é? Carlos Conceição: Quando eu digo fazer sozinho, às vezes refiro-me a ser só eu com uma câmera na mão, por exemplo, mas isso não quer dizer que depois a montagem vá ser eu sozinho. Eu gosto de pedir opinião às pessoas e depois já me aconteceu em determinados projetos eu saber exatamente como é que a montagem tende a acontecer, e seria eu dizer à pessoa que está comigo a montar que devíamos fazer assim, devíamos fazer assado, de forma a ir ao encontro da minha ideia. Já me aconteceu, como também acontece em particular no filme Baía dos Tigres, eu ter uma ideia e ficar à espera de ver o que é que a Mariana Gaivão tem para propor dentro da mesma ideia, enquanto montadora o que é que ela me vai contra-propor. E ela diz-me, dá-me dez minutos e volta daqui a dez minutos. E eu volto e ela tem uma proposta para fazer. A maioria das vezes estamos completamente síncronos. Acho que é muito importante essa parceria. Portanto, nós nunca estamos realmente sozinhos. Quando eu digo que posso fazer essa curta sozinho, eu acho que é material que eu fui juntando de outras rodagens, de outras coisas que não utilizei no Nação Valente, de coisas que não utilizei neste filme, e que eu acho que consigo sozinho em casa juntar e criar algo interessante com aquilo. É nesse sentido que digo fazer sozinho. Mas a verdade é que eu dependo sempre, obviamente, do meu colega Marco Amaral, que é o colorista que vai depois pôr aquilo com bom aspecto porque eu não sou diretor de fotografia, por isso ele tem de me salvar, de certa forma. Dependo, obviamente, de quem vai ajudar a fazer a montagem de som e a mistura de som. E, normalmente, eu trabalho com um núcleo muito duro, quase sempre a mesma família. Portanto, quando digo sozinho, às vezes posso estar a dizer que estou a autoproduzir, ou posso estar a dizer que é algo que eu consigo, se calhar, manufaturar, fazer de uma forma menos comunitária, menos convencional, menos industrial. RFI: O Carlos Conceição gosta de trabalhar com um núcleo duro, um núcleo próximo, o ator João Arraias faz parte desse núcleo. O que é que o faz investir nessa relação? Carlos Conceição: Há duas, três dimensões na resposta que eu posso dar. Em primeiro lugar, o João é um ator com capacidades únicas, que eu reconheço como muito valiosas e isso para um realizador é ouro. Pedir a um ator uma ação com meia dúzia de palavras e ele dar-nos exatamente aquilo ou, se calhar, melhor, não acontece todos os dias. Portanto, quando um ator tem esse super poder, nós agarramos nele e nunca mais o deixamos ir. A segunda questão tem a ver com o facto que eu me revejo imenso no João. Ele tem menos de 15 anos do que eu, quase 16, e houve uma altura, quando ele tinha 16, 17, era impossível, para mim, olhar para ele e não me estar a ver a mim. Houve vários filmes que surgiram por causa disso, nomeadamente o Versalhes, o Coelho Mau, e o Serpentário sem dúvida nenhuma. A terceira coisa é que nós somos muito amigos e trabalhar com amigos é o maior prazer do mundo. RFI: Baía dos Tigres teve a estreia mundial no Festival Internacional de Cinema DocLisboa, na origem dedicada aos documentários. Podemos identificar a Baía dos Tigres como um documentário? Carlos Conceição: O Godard dizia que todos os filmes são documentários sobre a sua rodagem, o seu processo de serem feitos. O Baía dos Tigres é uma ficção filmada segundo alguns credos do documentário. É tudo quanto posso dizer. Por ser o realizador do filme e o argumentista do filme, talvez não seja a pessoa mais indicada para o definir nesse sentido. Aliás, os filmes, normalmente, e é uma ideia que eu costumo tentar vender, os filmes não são como são por acidente ou por ingenuidade ou porque a pessoa que os fez não soube fazer melhor. Os filmes são normalmente resultado de um período de deliberação que é longo, ardo, obsessivo e desgastante para o seu realizador. Portanto, não há filme nenhum que seja como é porque o realizador não sabia fazer melhor. Isso quer dizer que, de certa forma, cada filme dita a sua própria gramática. E eu acho que é muito interessante que possa haver fusões entre os sistemas clássicos narrativos e as formas do documentário, o cinema mais contemplativo. Eu gosto, por exemplo, do cinema do Andy Warhol. Eu nunca me sentei a ver o Empire State Building durante oito horas, mas só saber que existe … Eu já vi aos bocados, não é? Mas saber que este filme existe e que pode ser visto dessa maneira, para mim, é uma fonte de inspiração enorme. Da mesma maneira, o James Benning, vários filmes da Chantal Akerman, tudo isso são manifestações cinematográficas de fusão que eu considero que quebram todas as gaiolas e acho que importante, se calhar, para lutar contra o mainstream. Eu acho o mainstream um bocadinho o inimigo principal do crescimento da arte. O mainstream obriga a fazer comparações, obriga a manuais. Acho que não há nada melhor para quebrar com essas gaiolas do que revisitar estes filmes de que eu estava a falar. RFI: Em relação a novos projetos, o que é que está a acontecer? Em off, tinham-me falado de um projeto sobre ópera. O que é que está para vir? Carlos Conceição: Eu tenho, neste momento, três projetos para serem lançados. Um é uma media-metragem de 59 minutos, do qual já tínhamos falado há pouco. O outro é um filme, uma longa-metragem que é uma experiência em linguagem mainstream, por assim dizer, que se chama Bodyhackers. E o terceiro projeto. que é o mais recente, ao qual eu dediquei os últimos 14 meses da minha vida, é um projeto para televisão e para cinema que envolve ópera. São narrativas separadas, autónomas, todas elas com um compositor português, algumas baseadas em fontes literárias, algumas dessas óperas, mas são essencialmente segmentos operáticos que resultarão simultaneamente num filme e numa série de televisão. RFI: O Carlos Conceição nasceu em Angola, viveu em Angola até hoje 22 anos, vai frequentemente a Angola. Qual é a imagem que tem do cinema produzido em Angola? Como é que olha para aquilo que acontece em Angola a nível da produção cinematográfica? Carlos Conceição: Gostava de ver mais, gostava de ver em mais sítios e gostava de ver mais pluralidade. Acho que estamos num momento perfeito para que se revelem novos talentos e comecem a aparecer mais pessoas e mais pessoas arrisquem. Qualquer pessoa com um telemóvel, neste momento, consegue fazer um filme e acho que não deve haver o medo de partir para essa aventura. Hoje em dia temos o HD disponível nos nossos telemóveis, nos smartphones, até nos mais corriqueiros. O que eu acho é que o cinema mais interessante, às vezes, surge daí, surge justamente daquela recusa à inércia. Há um filme dentro de nós, ele pode sair de qualquer maneira e sai. Basta nós queremos que ele saia e ele vem cá para fora. RFI: Já teve oportunidade de visionar algum produto assim feito, feito em Angola? Carlos Conceição: Sim, em particular um filme que eu comprei num semáforo em DVD e que me parece que não era uma versão final de montagem porque tinha a voz do realizador a dar instruções aos atores. Era um filme absolutamente inacreditável sobre uma mãe e umas filhas à procura de vingança por uma coisa que lhes tinha acontecido. Uma mulher que tinha sido injuriada a vida inteira, que usava uma pala no olho e as filhas quando tinham um desgosto morriam com uma hemorragia através da pele. O filme é de tal maneira incrível na sua imaginação que eu fiquei absolutamente estarrecido, senti-me uma formiga perante aquele filme que foi feito num subúrbio de Luanda para ser consumido num subúrbio de Luanda. Eu senti que a genialidade por trás daquilo era uma coisa que devia ser descoberta e valorizada. Ou seja, isso existe em Angola, por isso acho muito importante ir à descoberta disso.

Hon revolutionerade Stockholms nattliv på 60-talet och blev kvar i rampljuset även efter att sista klubben stängt. Vad är Alexandra Charles drivkraft? Lyssna på alla avsnitt i Sveriges Radio Play. Filmskaparen Olivia Kastebring, som bland annat gjort "Silvana – väck mig när ni vaknat", är aktuell med den redan i förhand mycket omtalade dokumentären "Alexandra – syns vi inte finns vi inte" som har premiär i dag. Dokumentärens huvudperson Alexandra Charles von Hofsten, blev snabbt ett namn när hon drog igång nattklubb i Stockholm på 60-talet. När hon 1988 lade ner sista klubben, blev det istället bland annat opinionsarbete kring kvinnors hälsa och startade organisationen 1,6-miljonerklubben som i dag heter ”Alexandra – För kvinnor och Hälsa”. Möt både Olivia Kastebring och Alexandra Charles von Hofsten i dagens P1 Kultur!KLASSISKA SKÄRGÅRDSIDYLLEN SALTKRÅKAN FÅR NYTT LIVTv-serien ”Vi på Saltkråkan” sändes för första gången 1964, då Tjorven, farbror Melker, Båtsman, Stina och alla de andra blev en del av den svenska tv-historien. I dag är det premiär på SVT för nyinspelningen, regisserad av Fredrik Edfeldt efter manus av Karin Arrhenius, och förhandsintresset har varit stort – hur har de handskats med denna nationalklenod till tv-serie? Vad säger kritikerna? Och vad skulle Astrid Lindgren ha sagt? Saltkråkan-fantasten Anna Andersson, redaktör och krönikör på Aftonbladet, är med och reder ut!RIA WÄGNER – FRU TELEVISIONJournalisten och programledaren Ria Wägner var en av svensk tv:s första stora personligheter, känd för att alltid hälsa publiken med sin karakteristiska vink. Anna-Lena Lodenius, som medverkar dagens P1 Kultur, är aktuell med boken "Fru Television", där hon berättar om Wägners liv och karriär. Vilka ambitioner hade hon själv och hur blev hon "Ria" med hela tv-publiken? Och vad betydde hon för hur tv-mediet i Sverige utvecklades?"BUGONIA" – HUR BRA ÄR YORGOS LANTHIMOS NYA FILM?FIlmen "Dogtooth"" belönades 2009 på filmfestivalen i Cannes, och sedan dess har den produktiva grekiske regissören och manusförfattaren Yorgos Lanthimos gjort flera hyllade filmer som får lovord av både kritiker och biopublik. Det är mycket svart humor, absurditeter och makabra detaljer och filmer som "The Lobster", "The Favourite" och "Poor things" både nominerades och vann priser på de stora filmgalorna. Nu är Lanthimos tillbaka efter den något omdiskuterade "Kinds of kindness" med den nya filmen "Bugonia" och kulturredaktionens Jenny Teleman har sett den.BARNRADIONS BOKPRIS: JURYN OM "EN ODÖDLIG VÄNSKAP"I dag diskuterar juryn "En odödlig vänskap" av Cecilia Lidbeck. Barnjuryn, som består av Atle Thorén, Lisa Müntzing Brolin, Astrid Knape, Latifa Esmailian Malm och Majken Wetterstrand från Möllevångsskolan i Malmö, pratar om alla nominerade böcker i varsitt avsnitt under vecka 44 och utser sen den bästa av dem alla. Vinnaren avslöjas i den stora finalen lördag 1 november kl. 12:03 i P4.Programledare Roger WilsonProducent Maria Götselius

In the final TellyCast MIPCOM special from Cannes, we hear from the people shaping the digital-first future of TV. Fan Club's Joe Churchill talks about brands becoming broadcasters and his upcoming session at the TellyCast Digital Content Forum. Luci Sanan from Cowshed Ventures reveals her new YouTube adventure joint venture with Propagate Content. EndemolShine Nederland's Sil Geurtsen explains how hit format Let's Play Ball made the leap from YouTube to TV, and Arsenal Fan TV's Robbie Lyle shares how he built a global fan-led media empire.Sponsored by ITV Studios Sign up for The Drop newsletter Support the showBuy tickets for the TellyCast Digital Content Forum Buy tickets for NEXTWAVE - NEXTWAVE: The Digital-First Production Summit Subscribe to the TellyCast YouTube channel for exclusive TV industry videosFollow us on LinkedInConnect with Justin on LinkedINTellyCast videos on YouTubeTellyCast websiteTellyCast instaTellyCast TwitterTellyCast TikTok

It's Lobster's birthday, and what better way to acknowledge the toll aging takes on our bodies than to watch a movie about what goes wrong when we try to cheat the clock. From writer-director Coralie Fargeat comes the tale of Elizabeth Sparkle, a former sex symbol and acclaimed actress turned daytime tv aerobics instructor. When a mysterious treatment offers to restore her youthful appearance, the realization that beauty is only skin deep is only the first of many horrors that await. Starring Demi Moore and Margaret Qualley in dual roles, this 2024 release burst onto the scene at Cannes, where it was nominated for the Palme d'Or and Fargeat won Best Screenplay. After a wide release, which saw the film bring in $80 million through word-of-mouth social media marketing, it earned five Oscar noms, including Best Picture, Best Director, and Best Actress for Moore, taking home the statue for Best Makeup & Hairstyling. But appearance isn't everything, so let's take a long hard look in the mirror and decide if we like what we see. Is The Substance all style, and no substance? Or is it the stuff that dreams are made of? And for Legends of Halloween, that means it's also the stuff of nightmares!   For more geeky podcasts visit GonnaGeek.com    You can find us on iTunes under ''Legends Podcast''. Please subscribe and give us a positive review. You can also follow us on Twitter @LegendsPodcast or even better, send us an e-mail: LegendsPodcastS@gmail.com    You can write to Rum Daddy directly: rumdaddylegends@gmail.com    You can find all our contact information here on the Network page of GonnaGeek.com Our complete archive is always available at www.legendspodcast.com, www.legendspodcast.libsyn.com    Show Music:Danger Storm by Kevin MacLeod (incompetech.com).. Licensed under Creative Commons: By Attribution 4.0 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/

durée : 03:58:39 - La Grande matinale - par : Simon Le Baron, Alexandra Bensaid, Daphné Bürki, Anne-Laure Sugier - Ce matin sur France Inter, à 7h50, David Lisnard, Maire LR de Cannes. À 8h20, la COP 30 au Brésil avec son président André Corréa do Lago et Laurence Tubiana. Et à 9h20, Panayotis Pascot. Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

durée : 00:09:44 - L'invité de 7h50 - par : Alexandra Bensaid - Le maire Les Républicains de Cannes, David Lisnard, milite pour "une grande primaire de la droite" pour la présidentielle de 2027, qui irait de l'UDI (Union des démocrates et indépendants) jusqu'à l'eurodéputée Reconquête Sarah Knafo. - invités : David Lisnard - David Lisnard : Homme politique français Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

La Femme la plus riche du monde revient sur l'une des sagas judiciaires les plus célèbres et médiatisées de France : Isabelle Huppert joue une version romancée de la célèbre héritière Liliane Bettencourt, dans cette fiction inspirée de faits réels.Face au personnage de Pierre-Alain Fantin, incarné par un Laurent Lafitte très en verve, Isabelle Huppert livre une prestation remarquable, qui va surprendre. Avec un humour parfois mordant, avant d'aller vers un registre plus sombre et dramatique.La Femme la plus riche du monde de Thierry Klifa, passé hors compétition à Cannes, repose sur une très belle distribution : autour d'Isabelle Huppert et Laurent Lafitte, Marina Fois, Raphael Personnaz, André Marcon ou encore Mathieu Demy.Nous avons rencontré le réalisateur Thierry Klifa pour connaitre les coulisses de la création de ce projet.Crédits :Journaliste : Brigitte BaronnetMontage : Constance Mathews Hébergé par Audion. Visitez https://www.audion.fm/fr/privacy-policy pour plus d'informations.

durée : 00:09:44 - L'invité de 7h50 - par : Alexandra Bensaid - Le maire Les Républicains de Cannes, David Lisnard, milite pour "une grande primaire de la droite" pour la présidentielle de 2027, qui irait de l'UDI (Union des démocrates et indépendants) jusqu'à l'eurodéputée Reconquête Sarah Knafo. - invités : David Lisnard - David Lisnard : Homme politique français Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

As we head into a jam-packed end of 2025, we give a refreshed list of what we're looking forward to, plus a little rundown of what we've been watching on both the big and small screens. Some topics from our lowkey hangout episode: HBO's Peacemaker, Alien: Earth, The Smashing Machine, and a rundown of New York Film Festival.

A CMO Confidential Interview with Jim Lecinski, Clinical Professor of Marketing at the Kellogg School of Management, author, and former Google VP. Jim discusses why he believes marketers are often overly focused on using AI for productivity improvements versus business growth, the gaps between marketers and the C-Suite highlighted by recent Gartner research, and the difference between "big frontier models" and "shiny objects." Key topics include: why you should avoid "gray market AI", how to manage the 5 AI risks (privacy, accuracy, regulatory, personnel, and reputation), and the false precision that accompanies a focus on intermediate measures like Click Through Rate (CTR). Tune in to hear why he's not a fan of Cannes and how AI helped figure out a wedding invitation calling for "casual to semi-formal beach attire."What should CMOs actually do with AI right now—and how do you avoid chasing shiny objects? Mike Linton sits down with Jim Lecinski, Professor of Marketing at Northwestern's Kellogg School (and author of The AI Marketing Canvas and Winning the Zero Moment of Truth) to unpack the AI application layer: the good, the bad, and the ugly. Jim explains why CEOs-CFOs obsess over growth (not merely efficiency), how to reframe marketing dashboards around business outcomes, and his simple two-by-two for AI use cases (internal productivity vs. external value creation). We cover privacy, legal/regulatory, personnel, and reputational risks—and how to mitigate them—plus a pragmatic roadmap: center on a leading frontier model and layer vetted apps instead of stitching together fragile point solutions. Jim also shares candid takes on Cannes vs. Effies and ends with a challenge: personally build something with AI before year-end.You'll learn:* Growth over cost-cutting: aligning with CEO-CFO priorities and measuring ends, not means* The AI use-case 2×2: internal productivity vs. external, customer-facing value creation* Practical examples (e.g., apparel personalization) that lift CSAT, CLV, and revenue* The 5 risk buckets (privacy, accuracy, regulatory-IP, personnel, reputation) and guardrails* How to choose core models (GPT, Gemini, Claude) and avoid “tool soup”* Why awards that honor outcomes beat awards that celebrate activityGuest: Jim Lecinski — Professor of Marketing, Northwestern Kellogg; former VP Customer Solutions (Americas) at Google; author of The AI Marketing Canvas (2nd ed.) & Winning the Zero Moment of Truth.Host: Mike Linton — former CMO of Best Buy, eBay, Farmers Insurance; CRO of Ancestry.com.Sponsor: Better marketing is built on Quad. See how better gets done at (https://www.quad.com/resources/research-and-tools/return-of-touch-consumer-engagement-has-an-omnichannel-revival?utm_source=cmoconfidential&utm_medium=paid&utm_campaign=001_brand&utm_id=podcastnl1031&utm_content=a-paidemail&utm_vp=)If you're enjoying the show, please like, subscribe, and share with your leadership team. New episodes every Tuesday; companion newsletter on Fridays.See Privacy Policy at https://art19.com/privacy and California Privacy Notice at https://art19.com/privacy#do-not-sell-my-info.

Tout le monde me trouvait sublime, phénoménale. Je n'en revenais pas. J'étais enfin consacrée. Mais pour compenser cette joie, aberrante, il me fallait expier. Rester un corps souffrant. Ça a commencé au niveau des pieds, ils enflaient dans les chaussures.  Dans « Avale », on suit deux parcours, celui de Lame, une jeune comédienne montante qui découvre aux portes du succès qu'elle est atteinte d'une mystérieuse maladie de peau, et Tom, un jeune homme désœuvré et tourmenté, obnubilé par la jeune actrice jusqu'à développer pour elle une obsession dévorante, angoissante et malsaine. Chacun, dans l'écriture, a sa langue propre.  Écrit à la façon d'un polar ou d'un thriller, par moment gore, inspiré et nourri du parcours et de l'expérience personnelle de Séphora Pondi sans être pour autant de l'auto-fiction, le roman explore les thématiques du harcèlement, de la vie d'actrice et de tout ce qu'elle implique dans sa corporéité la plus brute, ainsi que la question du désir sous toutes ses déclinaisons.  Invitée : Séphora Pondi, actrice franco-camerounaise. Elle grandit en banlieue parisienne dans un environnement modeste, où elle découvre très tôt le goût de la lecture et de la scène. Après une formation théâtrale à l'École départementale de théâtre de l'Essonne, elle rejoint le programme « Premier Acte » de Stanislas Nordey au théâtre de la Colline, avant d'intégrer l'École régionale d'acteurs de Cannes et Marseille (ERACM). En septembre 2021, elle devient pensionnaire de la Comédie-Française. Artiste polyvalente, elle travaille actuellement au scénario d'un long-métrage et prépare sa première mise en scène, l'adaptation de Bestioles de Lachlan Philpott. « Avale », publié en 2025 aux éditions Grasset, est son premier roman.  Programmation musicale : La colère - Dernière fois ► Séphora Pondi est à l'affiche d'Hécube, pas Hécube de Tiago Rodrigues au théâtre 13E Art dans le XIIIe Arrondissement de Paris du 21 mars au 2 mai 2026. 

Tout le monde me trouvait sublime, phénoménale. Je n'en revenais pas. J'étais enfin consacrée. Mais pour compenser cette joie, aberrante, il me fallait expier. Rester un corps souffrant. Ça a commencé au niveau des pieds, ils enflaient dans les chaussures.  Dans « Avale », on suit deux parcours, celui de Lame, une jeune comédienne montante qui découvre aux portes du succès qu'elle est atteinte d'une mystérieuse maladie de peau, et Tom, un jeune homme désœuvré et tourmenté, obnubilé par la jeune actrice jusqu'à développer pour elle une obsession dévorante, angoissante et malsaine. Chacun, dans l'écriture, a sa langue propre.  Écrit à la façon d'un polar ou d'un thriller, par moment gore, inspiré et nourri du parcours et de l'expérience personnelle de Séphora Pondi sans être pour autant de l'auto-fiction, le roman explore les thématiques du harcèlement, de la vie d'actrice et de tout ce qu'elle implique dans sa corporéité la plus brute, ainsi que la question du désir sous toutes ses déclinaisons.  Invitée : Séphora Pondi, actrice franco-camerounaise. Elle grandit en banlieue parisienne dans un environnement modeste, où elle découvre très tôt le goût de la lecture et de la scène. Après une formation théâtrale à l'École départementale de théâtre de l'Essonne, elle rejoint le programme « Premier Acte » de Stanislas Nordey au théâtre de la Colline, avant d'intégrer l'École régionale d'acteurs de Cannes et Marseille (ERACM). En septembre 2021, elle devient pensionnaire de la Comédie-Française. Artiste polyvalente, elle travaille actuellement au scénario d'un long-métrage et prépare sa première mise en scène, l'adaptation de Bestioles de Lachlan Philpott. « Avale », publié en 2025 aux éditions Grasset, est son premier roman.  Programmation musicale : La colère - Dernière fois ► Séphora Pondi est à l'affiche d'Hécube, pas Hécube de Tiago Rodrigues au théâtre 13E Art dans le XIIIe Arrondissement de Paris du 21 mars au 2 mai 2026. 

Cada primer domingo del mes, el Café du Village, en el distrito 13 de París, se llena del ritmo afro-uruguayo del candombe. Una rueda de candombe, inspirada en "La Rueda de Candombe" de Montevideo, reúne a músicos latinoamericanos y franceses que, entre tambores y guitarras, recrean una tradición que es al mismo tiempo celebración, memoria y resistencia. Reportaje de Mariana Rivera Ramírez para RFI. Es común en las familias candomberas de Uruguay que, después de un asado, la sobremesa termine entre guitarras y tambores. Esa atmósfera musical es la que se recrea en el Café du Village, en París, el primer domingo de cada mes desde mayo pasado. Situado en el distrito 13 de París, muy cerca de la Place d'Italie, un grupo de músicos hace los últimos ajustes en ese café, antes de iniciar la rueda de candombe uruguaya. Es el momento de acomodar cables, hacer las pruebas de sonido y todo ello, por supuesto, compartiendo el mate. Cuatro de ellos son uruguayos, hay dos franceses y una argentina. Cada quien tiene su propio proyecto musical o se dedica a otros oficios, pero el denominador común es el candombe. Joaquín Fernández es un músico itinerante que viaja con su proyecto solista de canciones, en cuyo repertorio el candombe ocupa un lugar central. Está de paso por París y, como acostumbra en cada ciudad que visita, se reúne con otros músicos para tocar. Allí organizó una rueda de candombe, inspirada por el éxito del formato de La Rueda de Candombe en Montevideo. "Me fascina la estructura del candombe, la forma que adquiere (...) El formato del círculo, el canto en círculo, se ve en varias culturas afro-indígenas de Latinoamérica. Ver ese elemento incorporado al candombe me pareció algo muy bueno y muy efectivo, muy práctico de trabajar", expresa Fernández. La Rueda de Candombe en la capital uruguaya, a la que alude Joaquín, fue la primera que se organizó y se convirtió en un verdadero boom que estalló a fines de 2024. Todo comenzó en un bar, luego de que dos amigos —Caleb Amado y Rodrigo Fernández, alias Rolo— regresaran de un viaje a Río de Janeiro. Inspirados en las fervientes "rodas de samba" brasileñas, "se nos empezó a cruzar por la cabeza la idea de intentar hacer algo parecido con nuestra música", recuerda Rolo. Así decidieron adaptar ese formato y crear su propia rueda con el candombe, ahora llamada oficialmente "La Rueda de Candombe". "Teníamos más preguntas que certezas sobre si iba a funcionar. Por ejemplo, si habría repertorio suficiente. En las rodas de samba cariocas las canciones se encadenan durante mucho rato: hay un repertorio gigantesco. Por suerte, esa fue una de las dudas que tuvo una respuesta muy feliz. Se generó un fenómeno muy lindo", cuenta. Ese éxito los llevó a cruzar el Atlántico con su proyecto. Rolo Fernández habló con RFI durante una parada en París, tras la presentación de La Rueda de Candombe en el Festival de Cannes 2025. Allí animaron la fiesta charrúa de la delegación uruguaya participante en el certamen. La convocatoria fue tal que muchas personas de la comunidad uruguaya viajaron desde otras ciudades, como París o Barcelona, para unirse a La Rueda de Candombe en Niza, al pie de un yate en la Riviera francesa. Para Fernández, conceder una entrevista sobre el candombe en esa ciudad, tan lejos de Uruguay, "para cualquier uruguayo es una manera de llevarlo a casa". Esa sensación de hogar de la que habla Rolo es quizás lo que hace que los tambores del candombe retumben también, a casi once mil kilómetros de Montevideo, en tierras francesas. "Lo amo desde lo más profundo de mi ser"   El fenómeno de las ruedas candomberas resuena desde hace un tiempo en París, en el Café du Village, punto de encuentro musical el primer domingo de cada mes. RFI estuvo en la segunda rueda, en junio. Ese día, Joaquín y su grupo de amigos preparaban el espacio para el cierre de la tarde: una mesa central, los tambores, dos guitarras y un par de micrófonos. Jimena Laje dejó Buenos Aires hace más de veinte años huyendo de la crisis económica del Corralito. En París formó el grupo "La Milongón", con el que interpreta milongas, tangos y candombe. Gracias al ritmo de su país vecino, se reencontró con la música y hoy integra las ruedas de candombe que se hacen en París. . Laje era mesera en un restaurante cuando conoció a Léo Melo, cantante de Los Maniseros: "Vivía enfrente mío, realmente enfrente. Fue una casualidad (...) Y empecé a aprender de a poquito el chico, el tambor. También sigo aprendiendo otros tambores, piano y repique. Pero el instrumento que prefiero es el tambor. Lo amo desde lo más profundo de mi ser". Enganchado al candombe desde los 15 años  Emmanuel Brun, alias Manu, es otro de los integrantes. Francés, creció en una zona multicultural de París. "Era 'Le Tour du Monde'. Una especie de vuelta al mundo en 80 edificios, porque en cada uno vivía gente de distintos lugares", bromea. Gracias a ese entorno, Manu asumió una identidad plural. Se impregnó de la cultura uruguaya desde joven: "Me conecté con el candombe cuando tenía 15 años. Fui a la casa de un amigo uruguayo del liceo a comer tortas fritas. Puso un casete con música uruguaya y candombe. Desde ese día me volví loco con esa música". Esa pasión lo llevó a dejar el bajo y empezar a tocar tambor. Su historia remite a las décadas de 1970 y 1980, cuando la dictadura uruguaya forzó al exilio a unas 380 mil personas. La ciudad donde creció, Fontenay-sous-Bois, en el Val-de-Marne, acogió a muchas familias que huían de las dictaduras de Chile y Uruguay. El candombe, medio de expresión y resistencia de los esclavizados, sigue siendo un vínculo con la memoria para la comunidad uruguaya exiliada en Francia. Así lo expresa Manu: "Mi camino en este género tiene que ver con la militancia. El candombe es una herramienta política y cultural, ligada a formas de resistencia. Me acerqué a activistas afrouruguayos y trabajé con ellos para reescribir la historia del país, para visibilizar los aportes de las poblaciones africanas, afrodescendientes y afroamericanas en la identidad uruguaya. Es una militancia cultural, una lucha "pacífica, pero no pasiva", como me dijo un amigo". Sonidos de resistencia y herencia afrouruguaya Apostar por el formato circular aportó una novedad que generó el boom, pero el candombe se remonta al siglo XVIII, cuando Montevideo fue designada por la corona española como puerto de introducción de esclavos en el sur del Virreinato del Río de la Plata. A fines de ese siglo, un tercio de la población de la ciudad era afrodescendiente. Para sobrellevar la represión, las comunidades se reunían alrededor de los tambores, en las llamadas Salas de Nación, donde recreaban los rituales de sus tierras con música y danza. Con el tiempo, y debido a la estigmatización de la cultura negra, el valor ritual se fue perdiendo. El candombe quedó restringido a los antiguos conventillos, viviendas colectivas de inquilinato. Más adelante, las comparsas de candombe se integraron al carnaval nacional. Hoy los tambores alegran las angostas calles de los barrios Sur y Palermo. El candombe, con sus variaciones rítmicas, es la columna vertebral de muchas canciones uruguayas. Y la Rueda de Candombe es hoy otra plataforma para difundir ese cancionero. "Hace quizás 70 u 80 años, los compositores montevideanos comenzaron a crear canciones con este ritmo. En La Rueda de Candombe tocamos de corrido unas diez o doce canciones por vuelta, todas enlazadas mientras los tambores son el hilo conductor", explica Rolo. Para quienes nacieron en Uruguay, escuchar su música en el extranjero aporta un fuerte sentido de identidad y pertenencia. "La escuela del candombe es la calle" Vicente Pérez, conocido como "Vicho", vive en Francia desde hace más de cinco años. Para él, las nuevas ruedas de candombe en París lo reconectan con su impulso natural de tocar y cantar en comunidad: "En Uruguay, en mi tiempo libre, salía a la calle a tocar el tambor y a bailar con mis amigos. Eso en Francia es difícil de encontrar. Desde que llegué sentí que algo me faltaba. Con las ruedas de candombe encontré eso que me faltaba. También lo había sentido con las ruedas de samba, aunque no es lo mismo. Ambas crean un espacio de libertad, de música y de disfrute", comenta. En el agitado ritmo de París, la convocatoria a la segunda rueda de candombe, en junio, fue un éxito. Pasadas las siete de la tarde, la comunidad uruguaya y latina empezó a ocupar todas las sillas del colorido Café du Village. Esa convivencia musical rompe la famosa cuarta pared del escenario, un objetivo de los candomberos que idearon La Rueda de Candombe en Montevideo. Rolo se muestra complacido de que el fenómeno latinoamericano genere eco en París: "Me parece maravilloso y también necesario. Empezamos con la misión de mostrar nuestra música, pero con el tiempo entendimos que había otra misión: la del punto de encuentro", dice Rolo. Para Vicho, el candombe mantiene su esencia popular: "La escuela del candombe es la calle. Uno aprende porque tiene un amigo que toca, o porque en su familia hay tambores, o porque alguien le prestó uno. No es algo que se estudie en la facultad, aunque ojalá algún día sí. Se necesita la transmisión oral, compartir entre amigos y familia para que el conocimiento no se pierda", subraya. Comunión alrededor de los tambores  En medio de la rueda de candombe en París, ahora bautizada "Antología", Manu explica al público, en francés, la función de los tres tambores que crean la polirritmia: "Hay tres tambores de tamaños distintos. El más grande, el más grave, se llama tambor piano y lleva la base. El del medio, el repique, es con el que más se improvisa. Y el más agudo, el chico, marca el tiempo y el norte. Eso es candombe". Los primeros tambores, construidos por los esclavos africanos, eran de troncos ahuecados o maderas recicladas de barriles, con un cuero clavado en la boca superior. Vicho explica que ese tambor tradicional sigue vivo y que el calor es esencial para su afinación: "El fuego tiene un lugar muy importante. Antes de tocar, hacemos un fuego y ponemos los tambores alrededor. El fuego sirve también para afinar el tambor". "Hoy tenemos tambores de todos los materiales, con parches y sonidos diversos. Pero hay algo que permanece. No sé si es la relación con el ritmo del cuerpo o algo del espíritu de los pueblos africanos que viajó por el mundo con esos tambores", agrega Vicho. Esa reflexión se hace palpable cuando los tambores inundan el local parisino y se forma un espacio de complicidad. El público, que al principio se mostraba tímido, terminó apartando las sillas para formar un trencito humano alrededor de los músicos. Tres amigas colombianas compartieron la sorpresa de asistir por primera vez a una rueda de candombe. "No me lo esperaba para nada", dijo una. "Estas son las fiestas a las que me tienen que invitar siempre", agregó otra. Un músico francés comentó que comprendió mejor la herencia afrouruguaya del ritmo gracias a las explicaciones. Para muchos —argentinos, mexicanos o costarricenses— fue su primer encuentro con el candombe; para la comunidad uruguaya, una cita con su patria. "El candombe me sana"  Aquella noche fue la segunda rueda de candombe en París. Más que un concierto, se sintió como un espacio de comunión, de unión y de pertenencia, en palabras de Joaquín: "Yo creo que la salud puede venir un poco desde ese lado: tocar, bailar, cantar y formar parte de un grupo". Para Jimena Laje, las ruedas son un punto de encuentro sanador: "A mí lo que me pasa es que me cura; pase lo que pase, cualquier dolor o problema. Cuando toco el tambor me siento regenerada, como nueva". "La música es un impulso vital muy primitivo, algo que está muy dentro de uno", reflexiona Rolo. "El corazón está todo el tiempo percutiendo y marcando el ritmo de nuestras vidas. Lo que sucede en la rueda es casi mántrico: uno se deja llevar por ese maravilloso ritmo y trasciende, por un rato, este plano de lo real”. Cada rueda de candombe en París suena a Montevideo. La comunidad uruguaya en el exilio espera ya la próxima fecha. Mientras tanto, en la Plaza España de la Ciudad Vieja, en la capital uruguaya, el fenómeno de la Rueda de Candombe sigue efervescente: donde haya un uruguayo, seguirán sonando los tambores y las canciones de Rubén Rada, Chabela Ramírez, Eduardo Da Luz o Jaime Roos.

Idag ska vi bege oss in i en värld av läder, latex och piskor. Lyssna på alla avsnitt i Sveriges Radio Play. Eller, rättare sagt – vi ska ta en titt på hur modet samspelar med den subkultur i vilken den typen av fetischer förekommer, BDSM. Inte minst tack vare just mode. Modeskapare som Thierry Mugler, Jean-Paul Gaultier, Versace, Helmut Lang, Alexander McQueen och – förstås – Vivienne Westwood är bara några som har inspirerats av själva stilen, och på så sätt bidragit till att göra den mer mainstream. På årets upplaga av filmfestivalen i Cannes höjdes till exempel ett och annat ögonbryn längs röda mattan när Alexander Skarsgård stövlade in i skjorta, kostym, slips – och lårhöga läderboots. Stövlarna (som även hade vissa likheter med de vadarstövlar som hobbyfiskare bär) kom från Saint Laurent. Att stövlarna var en direkt blinkning till den film han var där att göra PR för, ”Pillion”, var det ingen tvekan om. Skribenten, författaren och fetischisten Anastasiia Fedorova recenserar Skarsgårds BDSM-stil. Det finns de som menar att John Sutcliffe borde vara en minst lika berömd modeskapare som Mary Quant. För även han förändrade modet under 1960-talet i London. Hör om den bortglömda läder och latex-pionjären. När Amanda Romares självbiografiska bok, ”Halva Malmö består av killar som dumpat mig”, nyligen kom ut som tv-serie på Netflix, så syntes Amanda Romare, med sitt entourage, på bilder från premiärfesten hållandes i en liten ridpiska. Hör den verkliga berättelsen om hur det kom sig att piskan blev hennes favoritmetod för att ragga killar.

Legendary journalist and author Elizabeth Becker, who has spent her career bearing witness to the frontlines of history, joins us to talk about her new book, You Don't Belong Here: How Three Women Rewrote the Story of War ,a riveting account of three trailblazing female correspondents who shattered gender barriers to cover the Vietnam War. The book tells the stories of Frances FitzGerald, Kate Webb, and Catherine Leroy, but Elizabeth herself reported from Cambodia and Vietnam in the 1970s. Her courage and insight—captured in You Don't Belong Here—help redefine how we understand both war and the craft of journalism. We'll also explore Becker's earlier, haunting book, When the War Was Over: Cambodia and the Khmer Rouge Revolution. Drawing on her harrowing reporting in Cambodia, Becker offers an account of the Khmer Rouge's genocide. She became one of only two Western journalists to meet Pol Pot—an experience that forever shaped her understanding of power, propaganda, and human tragedy. That historic meeting has now inspired the new feature film Meeting with Pol Pot (2024), directed by acclaimed Cambodian filmmaker Rithy Panh. The dramatization follows three Western journalists navigating a tightly controlled “Potemkin village” as the regime teeters on the brink of collapse and mass murder is underway behind the scenes. The film, which premiered at Cannes in 2024, brings Becker's gripping firsthand account to life and raises questions about truth, memory, and the moral responsibility of journalists. As the character based on Becker—Lise Delbo, played by Irène Jacob—observes, “Genocide is also about silence. You don't see anything, you don't hear anything.” Elizabeth Becker is a pioneering journalist and author. She began her career as a war correspondent for The Washington Post in Cambodia and later served as The New York Times' Senior Foreign Editor. She has covered politics, economics, and international affairs for decades and is a sought-after commentator and lecturer. Her books—award-winning, deeply reported, and beautifully written—have reshaped how we understand Vietnam, Cambodia, and the role of women in war. Learn more: elizabethbecker.com/about | Reviews We're grateful to UPMC for Life  for sponsoring this event!

Vorbim cu Victor Benderra, coordonatorul Festivalului Les Films de Cannes à Bucarest.

Before 20-year-old Sam Raimi could make The Evil Dead, he had to convince investors that three friends from Michigan could pull off a horror masterpiece. Enter "Within the Woods," a short film that became the ultimate pitch; screened across Detroit until enough people bought in. The result? An initial $85,000 and a one-way ticket to a freezing, abandoned cabin in Tennessee with no heat, no plumbing, and 12 weeks of pure filmmaking chaos.Bruce Campbell's on-screen suffering was real—those bruises, cuts, and exhausted reactions weren't acting. The crew ended up living in the dilapidated cabin, inventing techniques and visual effects out of creativity and desperation. It was the epitome of low budget, inexperienced but passionate filmmaking.The Evil Dead could have easily disappeared into low budget horror movie obscurity, though. They struggled to find domestic distribution until Stephen King saw it at Cannes and called it "the most ferociously original film of the year." That single endorsement transformed everything.When it was released in the UK, it became the best selling VHS of the year in 1983. It was subsequently banned as the "number one video nasty" in the UK, and called too extreme for mainstream distribution. Thanks, Mary Whitehouse.The Evil Dead rewrote the rules. It proved indie horror could be artful, that gore could be kinetic poetry, and that a cabin in the woods could become the most terrifying place on Earth. It showed a generation of filmmakers that you don't need studio money to make something revolutionary; you just need vision, determination, and friends willing to suffer for the cause.I would love to hear your thoughts on The Evil Dead (1981) !Verbal Diorama is now an award-winning podcast! Best Movie Podcast in the inaugural Ear Worthy Independent Podcast Awards and was nominated for the Earworm Award at the 2025 Golden Lobes.CONTACT.... Twitter @verbaldiorama Instagram @verbaldiorama Facebook @verbaldiorama Letterboxd @verbaldiorama Email verbaldiorama [at] gmail [dot] com Website verbaldiorama.comSUPPORT VERBAL DIORAMA....Give this podcast a five-star Rate & Review Join the Patreon | Send a Tip ABOUT VERBAL DIORAMAVerbal Diorama is hosted, produced, edited, researched, recorded and marketed by me, Em | This podcast is hosted by Captivate, try it yourself for free. Theme Music: Verbal Diorama Theme Song. Music by Chloe Enticott - Compositions by Chloe. Lyrics by Chloe Enticott (and me!) Production by Ellis Powell-Bevan of Ewenique StudioPatrons: Simon, Laurel, Derek, Cat, Andy, Mike, Luke, Michael, Scott, Brendan, Ian, Lisa, Sam, Jack, Stuart, Nicholas, Zo, Kev, Heather, Danny,

Javier Ocaña tenía fe en la película, creía desde hace tiempo que la verdadera transgresión en el cine español sería contar la historia de una chica de nuestros días que quiere hacerse monja. Ha llegado, se llama "Los domingos", y confirma la creencia de Ocaña en el buen cine de Alauda Ruiz de Azúa de la que dice siempre consigue un mecanismo con profundidad, grandes personajes llenos de matices y esquinas, complejidad, muchos temas... Cine que nos deja aire para respirar como espectadores y que nos hagamos preguntas. Esta semana también ha compartido su impresión sobre la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes, "Un simple accidente", del cineasta iraní Jafar Panahi, que es una buena película que torna en muy buena película teniendo en cuenta la vida y obra de Pahani, aún privado de libertad y sometido a la prohibición de no hacer cine. Y terminamos asomándonos al disco Nebraska de Bruce Springsteen que es el proceso de creación que retrata el biopic "Spingsteen. Deliver me from nowhere". Un temporada complicada para el artista, en medio de una depresión y tensiones con su discográfica, pero que es una ligera decepción para Javier por sus flashbacks repetitivos y su falta de misterio.

durée : 00:08:25 - Nouvelles têtes - par : Mathilde Serrell - Lauréate du Prix d'interprétation au Festival de Cannes pour "La petite dernière", troisième long-métrage de Hafsia Herzi, le destin de Nadia Melliti, étudiante en troisième année de STAPS, a changé, entre études et carrière naissante au cinéma. Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

durée : 00:27:23 - Les Midis de Culture - par : Marie Labory - Aujourd'hui au menu de notre débat critique, comme tous les mercredis : du cinéma avec "La Petite dernière" de Hafsia Herzi, primé au dernier Festival de Cannes & le réalisateur russe Kirill Serebrennikov revient après son "Limonov, La Ballade" avec "La Disparition de Josef Mengele" - réalisation : Laurence Malonda - invités : Antoine Leiris Journaliste; Sandra Onana Critique française de cinéma

This year, Iranian director Jafar Panahi won the Palme d'Or at Cannes for his extraordinary new film, “It Was Just an Accident,” which he shot secretly in Tehran under great risk of serious harm. Jafar has been in prison twice on charges of “anti-government propaganda” as well as for protesting the imprisonment of other filmmakers. At this year's Toronto International Film Festival, he joined Tom Power to tell us how “It Was Just an Accident” was shaped by his two experiences in Tehran's Evin Prison.Fill out our listener survey here. We appreciate your input!

From her childhood in Islington to the red carpet at Cannes, Kathy Burke has always spoken her mind, and that strength and independence of thought is on every page of her memoir, A Mind of My Own. We sat down to speak with her about those early days in London, how they have informed her whole life, and what have been her guiding principles through it all.

A pioneering voice in Arab cinema, Annemarie Jacir has written, directed, and produced over sixteen films, with premieres at Cannes, Berlin, Venice, Locarno, Rotterdam, and Toronto. In 2007, she made history by shooting the first feature film by a Palestinian female director. All four of her feature films have been chosen as Palestine's Oscar submissions. Set in 1936 during the Arab Revolt in British-ruled Palestine, Palestine 36 chronicles the intertwined lives of farmers, revolutionaries, and business owners resisting colonial rule. It's a stirring portrait of resilience, featuring a stellar cast including Hiam Abbass, Jeremy Irons, and Saleh Bakri. In this episode, Annemarie shares the ten-year journey behind the making of Palestine 36, the challenges of filming on location under threat, and the vital role Palestinian cinema plays in preserving histories too often left untold. Palestine 36 wil be released nationwide in Cinemas across the UK and Ireland on 31st October. Learn more about your ad choices. Visit podcastchoices.com/adchoices

In dieser Episode geht es um einen Spieler, mit dem wir aufgewachsen sind. Zinedine Zidane war Ende der 90er der erste Fußballer, der uns wirklich geprägt hat. Wir sprechen über seine Karriere von Cannes bis zur EM 2000, über seinen späten Wechsel zu Juventus, seine Rolle bei der Heim-WM 1998 und die Phase, in der Zidane vom unscheinbaren Ligue-1-Spieler zu einem der besten Mittelfeldspieler der Welt wurde. Auch die EM 2000 darf dabei nicht fehlen, aus sportlicher Sicht vielleicht sogar sein stärkstes Turnier. Zidane hat mit 24 Jahren noch bei Bordeaux gespielt und war trotzdem schon zwei Jahre später Weltmeister und Ballon-d'Or-Gewinner. Wir gehen durch die wichtigsten Stationen bis zur Jahrtausendwende, diskutieren seine Spielweise, Entwicklung und Wirkung. Natürlich lassen wir auch persönliche Erinnerungen einfließen, etwa sein legendäres Tor gegen Leverkusen oder die besonderen Trikots der französischen Nationalmannschaft. Außerdem gibt's die großen 10 Spätstarter im Fußball und als das Getränk der Episode haben wir dieses Mal einen Sturm gekostet. Im zweiten Teil sprechen wir dann über seinen Wechsel zu Real Madrid, die WM 2006 und seine Zeit als Trainer. Viel Spaß beim Hören!

Hoje, ‘No Pé do Ouvido, com Yasmim Restum, você escuta essas e outras notícias: Ibama libera Petrobras para prospectar petróleo na Foz do Amazonas. Lula anuncia Boulos como ministro da Secretaria-geral da Presidência. Governo lança linha de crédito para reforma de moradias. Negros são 3/5 dos jovens fora da faculdade e 2/3 dos que abandonam Ensino Médio. Vencedor da Palma de Ouro em Cannes ganha data de estreia no Brasil. E relatório aponta falhas de segurança no museu do Louvre após roubo de joias. PeerBR é a maior fintech de investimentos em crédito privado regulada pela CVM, que traz como missão disponibilizar ativos inovadores, sem taxas de administração ou burocracias. Saiba mais em https://bit.ly/3UTAM8j See omnystudio.com/listener for privacy information.

Acaba otro festival, el de Sitges, y precisamente desde allí llega el primer estreno que presentamos esta semana: La vida de Chuck de Mike Flanagan con Tom Hiddleston, Mark Hamill y Chiwetel Ejiofor. Adapta un relato corto de Stephen King. También hablamos de la nueva de Julia Roberts Caza de brujas, que se vio en Venecia y dirige Luca Guadagnino. Ayo Edebiri y Andrew Garfield le acompañan en el reparto. Un simple accidente ganó la Palma de Oro en el festival de Cannes. El director es Jafar Panahi. Good Boy es la historia de un perrete que ve cosas extrañas. De miedo. Y acabamos con La deuda. Dirigida por Daniel Guzmán, combina thriller y cine social. Recordando a Diane Keaton os decimos adiós, hasta la semana que viene.

Jafar Panahi siempre ha practicado un cine de resistencia. El autor iraní, encarcelado y perseguido en su país durante años, conquistó la Palma de Oro en Cannes con 'Un simple accidente', una tragicomedia que une enredo, humor y una reflexión sobre la justicia y la venganza. La analizamos a fondo en este episodio, junto al resto de estrenos, como 'La caza de brujas' de Julia Roberts, el banquete de Franco en una comedia antifascista o el nuevo fenómeno del terror en EEUU, 'Good Boy'. En 30 minutos os ponemos al día de todo.

In the conclusion of our two-part deep dive into TWIN PEAKS: FIRE WALK WITH ME, we trace the turbulent production, Cannes premiere, and long road to reevaluation that has led some to now call it David Lynch's greatest work. This episode covers the shoot itself — from on-set tension and cut scenes to the mysterious ‘Missing Pieces' — as well as the hostile reception the film received upon release and how its legacy has shifted dramatically in the decades since. Along the way, we explore how FIRE WALK WITH ME reframed the world of Twin Peaks, restored Laura Palmer's voice, and laid the groundwork for everything Lynch would explore next.

TellyCast is back in Cannes for Day One of MIPCOM 2025 — bringing you the biggest new shows, the freshest formats, and the digital-first innovators transforming the global content business.Justin Crosby talks to Jodie Whittaker and Elizabeth Berrington about Frauds — the hit ITV drama created by Suranne Jones and Anne-Marie O'Connor — as it makes waves with international buyers.Then it's format innovation with Richard Cowles of Lifted Entertainment and Jonty Nash and Chris Potts of Nobody's Hero, joined by Emily Atack, discussing the making of Nobody's Fool — the quiz-meets-reality hybrid co-hosted by Atack and Danny Dyer.Mike Beale, Managing Director of Creative Network at ITV Studios, reveals the company's new global formats including Celebrity Sabotage, The Neighbourhood, and Nobody's Fool, and explains how ITV is working with creators across the evolving entertainment landscape.From the digital-first front, Neil Francis of Night Train Digital talks about the studio's new micro-drama partnership with Spirit Studios, while Bogdan Nesvit and Anatolii Kasianov from HolyWater unpack their landmark deal with Fox Entertainment and how AI and vertical video are shaping the future of storytelling.Nella Rose, Specs Gonzalez join Callum McGinley (Callux) and Ben Doyle (Rvbberduck) to talk about her new show and After Party Studios.Then we have Victor Bengtsson from Sidemen Entertainment on what comes next for the supergroup creator collectiveFinally, Jay Bennett, EVP of Creative and Innovation at Shaftesbury, joins Justin to discuss the Canadian company's digital-first strategy, its success with short-form storytelling, and how traditional producers can evolve to meet the demands of the social video era.Recorded on location in Cannes, this episode captures the energy, creativity, and big ideas driving the future of global TV and social video.Sponsored by ITV Studios Sign up for The Drop newsletterSupport the showBuy tickets for the TellyCast Digital Content Forum Buy tickets for NEXTWAVE - NEXTWAVE: The Digital-First Production Summit Subscribe to the TellyCast YouTube channel for exclusive TV industry videosFollow us on LinkedInConnect with Justin on LinkedINTellyCast videos on YouTubeTellyCast websiteTellyCast instaTellyCast TwitterTellyCast TikTok

Timothy Savage-Finch is a director who doesn't just frame a shot. He listens for its heartbeat. Based in Brooklyn with his wife and their dog, Timothy brings a documentarian's ear to the commercial world, finding the pulse beneath polished surfaces. His work, whether for Champion or Square, feels less like an ad and more like a quiet confession caught on camera. In this episode, Timothy talks about the rhythm of honesty in visual storytelling. From branded campaigns to music videos, he shares how emotion guides his lens more than any storyboard ever could. We dig into his time at Breakfast for Dinner, a Chicago agency where clarity and curiosity met in the middle, and how that early foundation still echoes through his process today. We also explore the relationships that shape his creative life — taking photos with Ryan Land, collaborating with Cleon Arrey, and choosing the Mamiya 645 AF not because it's trendy but because it tells the truth. These moments aren't side notes. They're the through-lines. The ones that give his frames a lived-in weight. Featured by HYPEBEAST and The Cut and recognized with awards from Cannes, D&AD, Clio, and The One Show, Timothy doesn't dwell on the accolades. He dwells on the story. This conversation is for anyone who believes the best direction is invisible and the strongest visuals speak in a whisper.  Timothy Savge-Finch  Source: Instagram timothy savage-finch (@timothysavagefinch) - Instagram  Source: LinkedIn Timothy Savage-Finch - Director, Writer - Brand @ Square | LinkedIn Support the showVisual Intonation Website: https://www.visualintonations.com/Visual Intonation Instagram: https://www.instagram.com/visualintonation/Vante Gregory's Website: vantegregory.comVante Gregory's Instagram: https://www.instagram.com/directedbyvante/ To support me on Patreon (thank you): patreon.com/visualintonations Tiktok: www.tiktok.com/@visualintonation Tiktok: www.tiktok.com/@directedbyvante

durée : 00:03:55 - Chroniques littorales - par : Jose Manuel Lamarque - " Dans le monde de la plaisance, on connaît Sylvie Ernoult, la directrice du salon "Cannes Yachting Festival", le Festival de Cannes, mais là, c'est pour la plaisance. Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

Ep. 355: Jafar Panahi on It Was Just an Accident Welcome to The Last Thing I Saw, with your host, Nicolas Rapold. This year during the New York Film Festival, I was extremely fortunate to speak with Jafar Panahi, director of It Was Just an Accident. The story concerns a prison survivor who runs into the man he believes to be his former tormenter, leading him to take action and reconnect with others. Panahi's outstanding film won the Palme d'Or at Cannes this year, after years of government bans of one kind or another on his filmmaking and freedoms. Through a translator I spoke with Panahi about It Was Just an Accident and especially the enduring philosophical issues raised by its characters living under a repressive regime. It Was Just an Accident opens in theaters on October 15. My thanks to the translator for making the conversation possible. (Please note that because of recording circumstances, the audio of my questions is only in English.) Please support the production of this podcast by signing up at: rapold.substack.com Photo by Steve Snodgrass

Mom Curious is a weekly podcast produced by Hoff Studios in New York City, hosted by storyteller, actress, and thought leader Daniella Rabbani. Each episode dives into candid conversations about motherhood, womanhood, and the messy, magical spaces in between. With humor, honesty, and (you guessed it!) curiosity, Daniella sits down with women of all stripes to talk about what it really means to raise children—and ourselves—in today's world.About the Host:Daniella Rabbani (@DaniellaRabbani on Instagram) is a Brooklyn-based storyteller. On screen, she's appeared in HBO's Scenes from a Marriage, Amazon's The Better Sister, FX's The Americans, and films like Ocean's 8. On stage, she's headlined concerts worldwide, from Jazz at Lincoln Center in NYC to the State Jewish Theaters of Warsaw, Poland and Bucharest, Romania. She is also the voice behind national campaigns for Colgate, Starbucks, and Noom among others. Her award winning film OMA, inspired by her Holocaust survivor grandmother, can be seen on Amazon Prime. Through her podcast Mom Curious, Daniella blends her creative spirit and lived experience as a mother of two to spark conversations that are raw, hilarious, and deeply relatable. Her mission: to create a community where mothers (and those curious about motherhood) feel seen, supported, and inspired. This Week's Guest! Whitney Uland is a filmmaker, actor, and the creator of How to Be Famous—dubbed “Hollywood's Next Power Player” by Paper Magazine. Her work has been featured at Cannes and in Vogue, and her viral programs The Self-Made Celebrity and The Celebrity Energy Circuit have helped thousands of creatives tap into their It Factor and become magnetic to fame, fans, and opportunity. Through her signature frameworks rooted in human psychology and Hollywood secrets, Whitney is on a mission to help good-hearted, wildly talented people stop playing small and finally take up space like the stars they are. For more information, find her on social media @whitneyuland or her podcast, How to Be Famous with Whitney Uland. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Ryan McQuade returns to discuss his film festival journeys, his love for One Battle After Another, and the state of the Oscars Race, especially as it pertains to OBAA, The Smashing Machine and other October films. Ryan McQuade's favorite foods at Cannes, Telluride & AFI - 2:54 ON THE CLOCK: PTI STYLE PRESENTATIONS BY RYAN: 7:55 His 3 Minute Review of One Battle After Another - 8:28 A discussion of Modelos and white Michaels - 11:35 Review of The Smashing Machine: 3 Mins - 14:36 Smashing Machine's box office flop & likely huge door budget - 17:32 How OBAA could lose Best Picture - 18:48 What other films could win Best Picture. Ryan talks the full field - 24:36 Hamnet Acting Campaign Strategies + Buckley as the Actress Favorite - 29:40 PERCENTAGE CHANCE: RYAN PREDICTS CHANCE OF NOM/WIN: OBAA to win Best Picture - 30:14 Leo to win Best Actor - 32:43 Emily Blunt & Teyana Taylor (+Chase Infiniti Talk) in Supporting Actress - 36:28 A quick Supporting Actor discussion re: Del Toro & Penn - 39:52 An official prediction on Chase Infiniti Nomination chances - 41:02 Benny Safdie for Nomination & PTA to Win Best Director - 42:58 A One Battle After Another Box Office Discussion - 46:01 The Rock for Lead Actor - 50:57 The Smashing Machine for MUAH - 55:27 Ryan talks other October movies: Anemone, Roofman, Springsteen & Blue Moon - 57:23 Ryan's darkhorse Oscar Nom Predictions & Surefire Locks - 1:00:36 OUTRO: Make sure to follow all of Ryan McQuade's work including his film festival movie reviews and the AwardsWatch Podcast (including Director Watch for his PTA series and series on many more great filmmakers) https://awardswatch.com/author/ryan-mcquade/ Follow @RyanMcQuade77 on X https://x.com/ryanmcquade77 And you can also listen to him as a guest on Pop Culture Confidential, where friend of the show - Christina Jeurling Birro is doing wonderful work. https://www.popcultureconfidential.com/