Podcasts about laurent graulus

Les moments mythiques naissent souvent d'un enchainement de hasard. On ne peut pas décider à l'avance qu'un événement, qu'un concert, qu'un festival, vont entrer dans l'Histoire. Qu'est-ce qui fait la magie ? Qu'est-ce qui fait l'étincelle ? Qu'est-ce qui fait le surplus d'âme ? Il faut une bonne programmation qui résonne avec l'époque. Les bons artistes au bon moment. Et puis souvent, il faut une bonne histoire. En 1959, le festival de jazz de Comblain-la-Tour a probablement réussi à rassembler tout ça. On se replonge dans cet extraordinaire festival qui a attiré jusqu'à 40.000 personnes et qui aura vu sur sa scène certain.e.s des plus grand.e.s de cette époque : John Coltrane, Ray Charles, Nina Simone, Stéphane Grappelli, Chet Baker,… C'est en compagnie de Philip Catherine, qui, tout jeune et encore inconnu, a joué lors de la première édition du festival, et Laurent Graulus, animateur à Musiq'3. Présentation : Hélène Maquet et Bertrand Henne Merci pour votre écoute L'Histoire Continue c'est également en direct tous les samedis de 9h à 10h sur www.rtbf.be/lapremiere Retrouvez l'ensemble des épisodes de l'Histoire Continue sur notre plateforme Auvio.be https://auvio.rtbf.be/emission/l-histoire-continue-19690 Et si vous avez apprécié ce podcast, n'hésitez pas à nous donner des étoiles ou des commentaires, cela nous aide à le faire connaître plus largement.

Les moments mythiques naissent souvent d'un enchainement de hasard. On ne peut pas décider à l'avance qu'un événement, qu'un concert, qu'un festival, vont entrer dans l'Histoire. Qu'est-ce qui fait la magie ? Qu'est-ce qui fait l'étincelle ? Qu'est-ce qui fait le surplus d'âme ? Il faut une bonne programmation qui résonne avec l'époque. Les bons artistes au bon moment. Et puis souvent, il faut une bonne histoire. En 1959, le festival de jazz de Comblain-la-Tour a probablement réussi à rassembler tout ça. On se replonge dans cet extraordinaire festival qui a attiré jusqu'à 40.000 personnes et qui aura vu sur sa scène certain.e.s des plus grand.e.s de cette époque : John Coltrane, Ray Charles, Nina Simone, Stéphane Grappelli, Chet Baker,… C'est en compagnie de Philip Catherine, qui, tout jeune et encore inconnu, a joué lors de la première édition du festival, et Laurent Graulus, animateur à Musiq'3. Présentation : Hélène Maquet et Bertrand Henne

Le duo Schangay est un duo formé par la violoniste Ingrid Schang et la pianiste Myriam Ayari. Après des études aux Conservatoires de Bruxelles et de Mons et un cursus de perfectionnement en Italie, -pour la pianiste Myriam Ayari, auprès de Valentina Berman, l'épouse du regretté Lazar Berman-, les deux jeunes musiciennes développent leur carrière individuellement. C'est en 2017, que leur duo se forme. " Au départ", nous confiera la pianiste Myriam Ayari, "Notre idée était simplement de nous retrouver pour déchiffrer quelques uns des nombreux trésors du répertoire pour violon et piano. Mais dès le début, nous nous sommes rendues compte que notre complicité était immédiate et évidente ". Débutent alors une série de recherche de répertoire, suivie de nombreux concerts. En 2020, après 3 ans de travail, les deux jeunes artistes se voient offrir l'opportunité d'enregistrer un 1er disque chez "Passavant". C'est le fruit de ce travail que nous découvrirons aujourd'hui. "Nous avions pu rôder le répertoire du disque en concert, et nous avions envie de faire un disque qui nous ressemble", nous expliquera Myriam Ayari, "Sincère, et honnête". Une production sur laquelle on retrouve deux grandes Sonates du 20è siècle ayant pour toile de fond la guerre : le 1er conflit mondial pour la Sonate pour violon et piano de Janacek, et le second pour la 1ère Sonate pour violon et piano de Prokofiev. Enfin, et c'était important pour le duo Schangay, une création contemporaine de Karl Naegelen, compositeur français, né en 1979, qui nous a dédié son Cycle de 7 mouvements pour violon et piano. Le premier disque du duo Schangay est un disque puissant, exigeant, et qui évite les travers de ce "prêt à aimer" qui fleurit trop souvent dans un certain monde du disque. La complicité et l'entente musicale de la violoniste Ingrid Schang et de la pianiste Myriam Ayari y sont évidentes dès les premières mesures. On y sent deux artistes très en phase, à l'écoute, et très impliquées dans leur désir de partager ce répertoire, empreint de la souffrance de ces deux grands conflits mondiaux. Le duo Schangay : un duo qui voit loin, et large ! Bonne écoute! Réalisation et présentation: Laurent GRAULUS

Nouvelle diffusion de cet entretien réalisé en février dernier. Louison Petit est né en France, en 1998. Il débute la musique et la guitare dès l'âge de 6 ans, et commence à se former auprès de David Garciarena en Dordogne, en 2011. Il rejoint ensuite le Conservatoire de Tours, après ses études secondaires, où il étudie avec Rémi Jousselme. Il y obtient son Diplôme d'Études Musicales (DEM) en 2018, suivi d'un Premier Prix de Perfectionnement et d'une Licence de Musicologie en 2019. La même année 2019, il intègre le Pôle Supérieur de Lille pour continuer sa formation auprès de Judicaël Perroy, Carlo Marchione et Florian Larousse, une formation qu'il poursuit actuellement. Musicien cultivé et ouvert à toutes les musiques, il se passionne pour toutes les époques : que cela soit celle de la musique Renaissance où le luth était encore roi, ou le 20e siècle de Villa-Lobos, ou bien encore les magnifiques Caprices de Legnani, ami de Paganini. Le répertoire contemporain n'est pas non plus en reste dans son univers guitaristique. Nous en aurons deux beaux exemples avec la musique de Léo Brouwer, et celle de Dušan Bogdanovic Guitariste à la technique impressionnante, Louison Petit s'est illustré lors de 4 Concours internationaux, entre 2018 et 2020. Des Concours français, portugais et allemands, au cours desquels il a raflé 3 Premiers Prix et un second Prix. Quel que soit le répertoire, le jeune guitariste a déjà une "patte" qu'on croit reconnaître : le vibrato est expressif, mais mesuré, et la variété de ses attaques donnent à son jeu beaucoup de variété, de lisibilité et de couleurs. Habité par son instrument, il a le souci de faire sortir la guitare de sa zone de confort, par le choix créatif de répertoires méconnus, et pourtant passionnants ! A propos de la musique contemporaine, et de la manière de l'aborder, Louison Petit nous déclarera avec une maturité et un bon sens désarmants : " Il ne faut pas avoir peur du vide sonore, et laisser les harmonies se développer " Louison Petit, un guitariste intelligent, généreux et inspiré, et un homme résolument attachant. Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Nouvelle diffusion de cette émission qui vous avait été proposée le 5 novembre 2020. Diederik Wissels est pianiste de jazz et compositeur. Depuis plus de 30 ans, il est l'un des grands noms de la scène jazz en Belgique. Il est également professeur de piano, de composition, et d'ensemble (ndlr. : l'équivalent de professeur de musique de chambre) au Conservatoire de Bruxelles, section néerlandophone. C'est là qu'il a rencontré le trompettiste grec Andreas Polyzogopoulos, mais surtout lors d'un concert que donnait le jeune trompettiste. Diederik Wissels apprécie son jeu, l'invite à jouer quelques morceaux, le courant passe, ils réalisent un enregistrement "démo"... : leur duo était né ! Andreas Polyzogopoulos, c'est un musicien au parcours intéressant, et étonnant. Il a d'abord aimé le rock, puis le jazz, qu'il aborde en tant que guitariste. C'est grâce à Miles Davis qu'il découvre la trompette, et la fanfare de son village en Grèce, où il apprend à jouer l'instrument. Rapidement, il prend conscience qu'il a quelque chose à dire avec cet instrument. A l'âge de 21 ans, il rejoint la section jazz du prestigieux Conservatoire d'Amsterdam, pour y étudier la trompette. Passionnés, curieux, ouverts et cultivés, les deux hommes découvrent qu'ils aiment les mêmes disques, et partagent la même conception de la musique. C'est donc avec beaucoup de naturel, et de simplicité que leur duo prend forme. Et le pianiste Diederik Wissels de nous confier " qu'un duo, c'est d'abord une rencontre personnelle. Si l'on a besoin de trop parler, c'est qu'il y a un problème ! [...] Ce n'est pas parce qu'on est deux, qu'on est petits, et qu'on ne peut pas sonner "large". Il s'agit surtout de faire appel à l'écoute de son partenaire. Pour bien écouter, il faut parfois se taire ! Chacun fait des propositions. Et c'est parfois quand votre partenaire ne vous emboîte pas le pas, que naissent des moments très forts, porteurs d'une grande créativité. " Et le trompettiste Andreas Polyzogopoulos de compléter : " La musique de notre duo, dont celle de Diederik Wissels, n'est pas difficile techniquement. Moins on joue de notes, plus on crée de l'espace. C'est ça qu'on veut accueillir avec cette musique " Le 13 octobre dernier, les deux musiciens étaient en concert à la Jazz Station, à Bruxelles, à l'invitation des "Lundis d'Hortense" (ndlr. : l'association des jazzmen/women de Belgique). C'est ce concert, enregistré par Musiq3 que nous vous proposons de découvrir aujourd'hui. On y entendra essentiellement des compositions du pianiste Diederik Wissels, et en bis, une composition du trompettiste grec Andreas Polyzogopoulos. Diederik Wissels et Andreas Polyzogopoulos : deux musiciens complices, et attentifs, mais avant tout deux belles personnes. Bonne écoute ! Réalisation, prise de son musicale et présentation : Laurent GRAULUS

Nouvelle diffusion de cette émission qui vous avait été proposée le 5 novembre 2020. Diederik Wissels est pianiste de jazz et compositeur. Depuis plus de 30 ans, il est l'un des grands noms de la scène jazz en Belgique. Il est également professeur de piano, de composition, et d'ensemble (ndlr. : l'équivalent de professeur de musique de chambre) au Conservatoire de Bruxelles, section néerlandophone. C'est là qu'il a rencontré le trompettiste grec Andreas Polyzogopoulos, mais surtout lors d'un concert que donnait le jeune trompettiste. Diederik Wissels apprécie son jeu, l'invite à jouer quelques morceaux, le courant passe, ils réalisent un enregistrement "démo"... : leur duo était né ! Andreas Polyzogopoulos, c'est un musicien au parcours intéressant, et étonnant. Il a d'abord aimé le rock, puis le jazz, qu'il aborde en tant que guitariste. C'est grâce à Miles Davis qu'il découvre la trompette, et la fanfare de son village en Grèce, où il apprend à jouer l'instrument. Rapidement, il prend conscience qu'il a quelque chose à dire avec cet instrument. A l'âge de 21 ans, il rejoint la section jazz du prestigieux Conservatoire d'Amsterdam, pour y étudier la trompette. Passionnés, curieux, ouverts et cultivés, les deux hommes découvrent qu'ils aiment les mêmes disques, et partagent la même conception de la musique. C'est donc avec beaucoup de naturel, et de simplicité que leur duo prend forme. Et le pianiste Diederik Wissels de nous confier " qu'un duo, c'est d'abord une rencontre personnelle. Si l'on a besoin de trop parler, c'est qu'il y a un problème ! [...] Ce n'est pas parce qu'on est deux, qu'on est petits, et qu'on ne peut pas sonner "large". Il s'agit surtout de faire appel à l'écoute de son partenaire. Pour bien écouter, il faut parfois se taire ! Chacun fait des propositions. Et c'est parfois quand votre partenaire ne vous emboîte pas le pas, que naissent des moments très forts, porteurs d'une grande créativité. " Et le trompettiste Andreas Polyzogopoulos de compléter : " La musique de notre duo, dont celle de Diederik Wissels, n'est pas difficile techniquement. Moins on joue de notes, plus on crée de l'espace. C'est ça qu'on veut accueillir avec cette musique " Le 13 octobre dernier, les deux musiciens étaient en concert à la Jazz Station, à Bruxelles, à l'invitation des "Lundis d'Hortense" (ndlr. : l'association des jazzmen/women de Belgique). C'est ce concert, enregistré par Musiq3 que nous vous proposons de découvrir aujourd'hui. On y entendra essentiellement des compositions du pianiste Diederik Wissels, et en bis, une composition du trompettiste grec Andreas Polyzogopoulos. Diederik Wissels et Andreas Polyzogopoulos : deux musiciens complices, et attentifs, mais avant tout deux belles personnes. Bonne écoute ! Réalisation, prise de son musicale et présentation : Laurent GRAULUS

Chaque dimanche, Laurent Graulus reçoit de jeunes talents pour évoquer leur parcours musical.

Chaque dimanche entre 12h et 14h, Laurent Graulus propose une émission consacrée aux jeunes musiciens professionnels d'ici et d'ailleurs. Musiq'3 offre ainsi une belle visibilité pour les jeunes talents qui démarrent leur carrière en les enregistrant, en les diffusant et en proposant l'enregistrement aux radios membres de l'UER. Production et présentation : Laurent Graulus

Chaque dimanche entre 12h et 14h, Laurent Graulus propose une émission consacrée aux jeunes musiciens professionnels d'ici et d'ailleurs. Musiq'3 offre ainsi une belle visibilité pour les jeunes talents qui démarrent leur carrière en les enregistrant, en les diffusant et en proposant l'enregistrement aux radios membres de l'UER. Production et présentation : Laurent Graulus

C'est à la faveur d'un concert du quartet du guitariste Philip Catherine, que nous avons découvert Angelo Moustapha. Un quartet dont Angelo était le batteur. Né il y a 27 ans, à Savalou, au Bénin, Angelo Moustapha commence à jouer des percussions dès l'âge de 7ans, dans la paroisse de son village : " L'Eglise du christianisme céleste ". Dès que son pied pourra toucher le sol, et par conséquent actionner la grosse caisse, il sera proclamé "batteur officiel" de la chorale de la paroisse. Parmi les cantiques traditionnels, se glissent des mélodies gospel. Elles seront pour lui un marche-pied vers le jazz. S'ensuivra la création d'un orchestre "Les pionniers de Savalou", dont le tout jeune batteur sera le chef d'orchestre. Dès son enfance, le jeune batteur béninois nous dira avoir toujours eu " le goût d'approfondir quelle que matière que ce soit, d'aller au bout des choses " " J'ai toujours été un chercheur, un explorateur ", nous confiera Angelo Moustapha. Diplômé de l'École supérieure des Métiers d'Art et de la Culture de Cotonou, il est détenteur d'un diplôme professionnel de compétence et de capacité intrinsèque. " C'est une école qui développe le potentiel artistique de chacun ", note Angelo Moustapha. "Tout ce que j'ai appris, c'est ici au Bénin [...], nous rappellera le batteur béninois. " Je ne suis pas allé étudier aux Etats-Unis ou en Europe. J'ai beaucoup écouté les grandes figures du jazz : Miles Davis, John Coltrane, Herbie Hancock, Chick Corea, et toute une génération de batteurs américains que j'admire : Dennis Chambers, Dave Weckl, Brian Blade... Et après m'être imprégné de leur esthétique, j'ai tenté de reproduire ce qu'ils faisaient [...] En 2019, le grand guitariste belge Philip Catherine est invité par l'Ambassade belge à Cotonou. A la suite de son concert, il dispense une Master Class, à laquelle participe Angelo Moustapha. Entre les deux hommes, le courant passe instantanément : Philip Catherine est charmé par la rigueur rythmique, la créativité et l'élégance du jeune batteur béninois. Il l'invite à jouer avec lui en Belgique. Angelo Moustapha vit désormais dans notre pays, depuis quelques mois. " La rencontre avec Philip Catherine a changé ma vie ! ", souligne le jeune Béninois. " Ce qui est merveilleux, c'est l'ouverture d'esprit de Philip Catherine. Il me laisse jouer comme je le souhaite, ne tente pas de me faire rentrer dans une quelconque esthétique. Il m'incite seulement à être moi-même [...] Compatriote du grand guitariste béninois Lionel Loueke (ndlr. : découvert par Herbie Hancock), Angelo Moustapha reconnaît que si l'on souhaite faire carrière dans le jazz, il faut s'expatrier. La scène "jazz" au Bénin est trop confidentielle pour pouvoir en vivre. A l'écoute d'Angelo Moustapha, on est charmé, et séduit par la manière dont il mélange subtilement sa culture africaine, à une culture "occidentale" du jazz parfaitement intégrée et maîtrisée. Son jeu s'en trouve particulièrement original et créatif. Angelo Moustapha, un musicien incroyablement cultivé, à la technique époustouflante, toujours au service de la Musique. Un homme rayonnant et généreux : une personnalité à découvrir sans délai. Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Nouvelle diffusion ce dimanche de notre rencontre avec Aurelia Visovan, c'était en octobre 2020. Aurelia Visovan est née à Cluj, en Roumanie, il y a 30 ans. C'est dans son pays qu'elle a étudié le piano moderne. C'est à la faveur d'une Master class de piano moderne, du grand Maître américain, Robert Levin, qu'elle découvre le pianoforte. Il faut dire que l'homme est un grand spécialiste mondial du pianoforte. Et Aurelia Visovan de nous confier que " Robert Levin est l'un des rares pianistes qui peut encore improviser à la manière de Mozart " Mais c'est à Vienne, où elle fera ses études supérieures, qu'elle découvrira le monde des instruments historiques. Elle y étudiera, en parallèle, le clavecin et le pianoforte. Travailleuse et infiniment curieuse, Aurelia Visovan remporte le 1er Prix du Concours de Musique ancienne de Bruges, en 2019, en catégorie pianoforte. C'est suite à ce prix qu'elle a pu enregistrer son 1er disque de Musique de chambre au pianoforte. Il paraît en ce moment chez Ricercar, et sera au coeur de notre entretien. La genèse de ce disque est assez amusante : " Lors du Concours de Bruges en 2019 " nous racontera la jeune pianiste " J'avais à jouer une transcription du 24e Concerto pour piano de Mozart, par Johan Nepomuk Hummel. Une transcription pour pianoforte, flûte, violon et violoncelle. Les musiciens engagés par le Concours étaient la flûtiste Anna Besson; la violoniste Cecilia Bernardini, et le violoncellliste Marcus van den Munckhof. L'entente musicale et humaine ont été telles, qu'au moment d'enregistrer ce disque, j'ai eu l'idée de l'enregistrer avec ces musiciens-là, et avec ce répertoire symphonique, transcrit par Hummel " Le résultat est passionnant. Sur ce disque, on peut entendre deux transcriptions magistrales de J.N. Hummel : celle du 24e Concerto pour piano de Mozart, dont nous parlions, et celle de la 1ère Symphonie de Beethoven. Outre ces transcriptions, la pianofortiste a également enregistré la Sonate en fa mineur, opus 20, toujours de Hummel. Epaulée par trois musiciens aussi efficaces que subtils, Aurelia Visovan fait sonner son piano comme une voix. Elle fait entendre toutes les inégalités de cet instrument, dont on se rappelle, en l'écoutant, que ces inégalités confèrent à l'instrument un feu d'artifice de couleurs. A la question délibérément provocatrice que nous lui poserons : " Mozart aurait certainement été ravi de jouer sur le Steinway de concert moderne, alors pourquoi donc s'évertuer à jouer ce répertoire sur des instruments historiques, et par conséquent imparfaits ? ". La musicienne ne se laissera pas démonter, et nous répondra, pleine de malice : " Si Mozart avait connu le piano moderne, il aurait surtout écrit une autre musique que celle que nous connaissons !! ". Et de rajouter : " Pour nous, jouer les instruments historiques, c'est aussi une immense curiosité ! Ce n'est pas un fardeau, c'est une passion ! ". Tout au fil de l'écoute de ce disque, on est charmés d'abord par le génie de transcription de J.N.Hummel, mais aussi par la fluidité du discours musical de ce quatuor, dont on sent qu'il poursuit le même but : produire de la beauté avec des instruments historiques ! Aurelia Visovan, une musicienne cultivée, raffinée, et généreuse, une femme infiniment sympathique, et ouverte sur le monde. Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Laurent GRAULUS et Gwenn LUCAS reviennent sur les meilleurs moments de la finale du Concours Reine Elisabeth, session piano 2021, remportée par le pianiste français Jonathan Fournel.

Laurent GRAULUS et Gwenn LUCAS reviennent sur les meilleurs moments de la finale du Concours Reine Elisabeth, session piano 2021, remportée par le pianiste français Jonathan Fournel.

Réalisé par Laurent Graulus

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Réalisé par Laurent Graulus

Réalisé par Laurent Graulus

Portrait réalisé par Laurent Graulus

Portrait réalisé par Laurent Graulus

Portrait réalisé par Laurent Graulus

Portrait réalisé par Laurent Graulus

Réalisé par Laurent Graulus

Portrait réalisé par Laurent Graulus

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Réalisé par Laurent Graulus

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Chaque dimanche, Laurent Graulus reçoit de jeunes talents pour évoquer leur parcours musical.

Chaque dimanche, Laurent Graulus reçoit de jeunes talents pour évoquer leur parcours musical.

Réalisé par Laurent Graulus

Réalisé par Laurent Graulus

Si vous n'avez pas pu suivre l'intégralité de cette semaine de demi-finale, ou si vous ne pouvez pas attendre la semaine du 24 mai pour retrouver les 6 finalistes, Laurent Graulus et Gwenn Lucas sont revenus ce dimanche sur les meilleurs moments de la demi-finale de cette édition "piano" 2021 Les 6 finalistes sont : Vitaly Starikov (Russie, 26 ans) Tomoki Sakata (Japon, 27 ans) Keigo Mukawa (Japon, 28 ans) Sergeï Redkin (Russie, 29 ans) Dmitry Sin (Russie, 26 ans) Jonathan Fournel (France, 27 ans) Pendant deux heures, nos deux chroniqueurs vous ont proposé de nombreux extraits musicaux, mais aussi des interviews de Gilles Ledure, président du Jury, et du pianiste français François-Frédéric Guy, et de Jean-Claude Vanden Eynden, membres du Jury. La dimension concertante n'était pas en reste, puisque Laurent Graulus avait également rencontré Frank Braley, le pianiste et chef de l'Orchestre Royal de Chambre de Wallonie, ainsi que des musiciens de cette formation qui aura accompagné chacun des 12 demi-finalistes dans 5 des 27 Concertos pour piano de Mozart. Cette session "piano" 2021 qui est, -on le sait-, résolument exceptionnelle, à plus d'un titre ! D'abord, parce qu'elle aurait dû avoir lieu il y a un an. Ensuite, parce que suite aux restrictions sanitaires, cette session se tient à huis-clos (photo), de la 1ère épreuve jusqu'à la finale. Mais également, et ce toujours pour les mêmes raisons, parce que le nombre de candidats en demi-finale et en finale a été divisé par deux. Pour la 1ère fois aussi depuis très longtemps, le contingent sud-coréen était constitué d'une seule représentante Su Yeon Kim, qui était aussi l'unique femme présente à cette demi-finale. La finale sera quant à elle, 100% masculine, puisque la jeune Sud-Coréenne n'a pas été retenue parmi les 6 finalistes. Réalisation : Laurent GRAULUS Présentation : Gwenn LUCAS et Laurent GRAULUS Prises de son musicales : Katia MADAULE et Bertrand VANVAREMBERGH Réalisation technique : Antoine DUWAERTS

Nouvelle diffusion de cet entretien qui vous avait été proposé en 1ère diffusion, le 2 février 2020. C'est le quatuor Akhtamar au grand complet qui est notre invité aujourd'hui. Le jeune quatuor a publié récemment son 1er disque "Légende arménienne", chez CYPRES. Il sera au coeur de notre entretien. Professionnel depuis 2014, le quatuor est aujourd'hui constitué de Coline Alecian (co-fondatrice du quatuor) et Jennifer Pio, aux violons; Ondine Stasyk, à l'alto, et depuis peu d'un nouveau violoncelliste en la personne de Cyril Simon. C'est Astrid Wauters, (ndlr. :autre co-fondatrice du quatuor) qui a occupé ce poste de violoncelliste jusqu'à présent, et qui apparaît sur le disque, qui a souhaité poursuivre d'autres projets artistiques. C'est au Conservatoire de Bruxelles, que les quatre jeunes femmes d'alors, se rencontrent. Françaises pour la plupart, elles se passionnent rapidement pour l'Art du quatuor, mais aussi pour leur pays d'accueil, qui est devenu leur pays de résidence. " Notre local de répétition est situé en plein coeur de Bruxelles ! ", nous confiera, à la fois fière et amusée, le 1er violon, Coline Alecian. Sept années de travail acharné avec par exemple le quatuor Artemis, mais aussi sept années de scène avant un premier enregistrement au disque, voilà qui est devenu rare... " Nous avions envie que toutes les conditions soient réunies, pour donner le meilleur de nous-mêmes ", nous dira l'altiste Ondine Stasik " Nous avons pu faire mûrir notre répertoire, être sûres de disposer de la meilleur salle, du meilleur label [...] " "Légende arménienne" paraît ainsi chez CYPRES, et a été enregistré avec goût dans la très belle acoustique du Concertgebouw de Bruges. Concernant le répertoire, le quatuor Akhtamar a choisi deux compositeurs arméniens : le Père Komitas (1869 -1935), et 14 miniatures, qui sont de petites danses traditionnelles, collectées par Komitas, et arrangées par Serguey Zakharovich Aslamazyan (1897 - 1978). Des miniatures qui ont le mérite de condenser, en quelques minutes à peine, tous les aspects de la culture musicale arménienne. Le second compositeur est une compositrice arménienne, elle aussi. Elle s'appelle Eugénie Alécian. Née en 1952, elle dédie le très touchant, et somptueux "Quatuor arménien" au jeune quatuor Akhtamar. "Légende arménienne" est un disque à la fois touchant, et puissant. A travers lui, c'est toute la souffrance d'un peuple, mais aussi toute sa poésie et toute sa force de vie qui s'expriment. Une efficacité qu'on doit bien sûr à la pertinence du répertoire d'abord, mais aussi à la qualité de ce jeune quatuor. C'est d'abord la finition technique qui est impeccable, la justesse, entre autres. Mais on apprécie aussi l'investissement humain dans cette culture arménienne, qui percole au sein de la jeune formation depuis sept années, à travers mille et un détails. Le quatuor Akhtamar, une formation aussi raffinée, délicate qu'efficace. Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS.

La soprano belge Jodie Devos sera notre invitée ce dimanche à l'occasion de la sortie de son nouveau disque "And love said..." chez Alpha, en duo avec le pianiste Nicolas Krüger. Un disque splendide, extrêmement cohérent, personnel et sincère, constitué de 25 mélodies en langue anglaise. On peut y entendre essentiellement des compositeurs anglais du 20e siècle, tels que Britten, Walton, Vaughan-Williams, Gurney, deux compositeurs français : Milhaud et Tailleferre, dans des textes originaux en anglais, et une surtout une création belge de deux mélodies de Patrick Leterme autour de deux poèmes d'Oscar Wilde : "My voice" et "Her voice", et cerise sur le gâteau, une reprise de Queen : "You take my breath away" ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Nouvelle diffusion ce dimanche, de notre émission du 24 mai 2020. C'est au travers de trois concerts, enregistrés par Musiq3 au Festival des Midis-Minimes à Bruxelles, que nous vous proposons de découvrir quatre artistes aujourd'hui : Tout d'abord, le guitariste Maarten Vandenbemden, 27 ans, qui proposait un récital consacré à Heitor Villa-Lobos, c'était le 12 août 2019. Nous retrouverons ensuite le pianiste Kaïto Kobayashi, il avait 20 ans, en 2015, et avait, quant à lui, choisi Chopin pour mettre en valeur son toucher lumineux. Et on terminera cette émission en revenant à l'édition 2019, au cours de laquelle les violonistes Anett et Vilmos Csikos (ndlr: qui sont frère et soeur) consacraient leur récital aux violonistes-compositeurs virtuoses du 19e siècle : Wieniawsky, Paganini ou Kreisler seront au programme. Bonne écoute ! Prises de son musicales RTBF Musiq'3 : Eric DEBONGNIE et Laurent GRAULUS Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Margaux Vranken vient tout juste de fêter ses 30 ans. Elle est pianiste, mais aussi compositrice et arrangeuse. D'aussi loin qu'elle se souvienne le chant a toujours fait partie de sa vie. Enfant, elle aimait chanter à tue-tête Michael Jackson ou Led Zeppelin que son père écoutait volontiers Elle se souvient ainsi avec émotion d'un disque, reçu de son papa lors de ses 10 ans, et reprenant les plus grands hits des Beatles " C'est entre autre grâce à ce disque que j'ai appris l'anglais, que j'ai aimé la, et les voix sous toutes leurs formes, et peut-être appris inconsciemment à goûter aux beaux arrangements ", nous confiera la jeune artiste. C'est grâce au piano de la maison familiale, que Margaux entreprend des études aux Académies de Schaerbeek et Woluwé Saint-Lambert. "Ma mère nous a beaucoup soutenues, ma soeur et moi, dans note parcours musical. Elle a par exemple étudié 3 années de solfège avec nous, pour pouvoir nous aider. C'est quelque chose qui a beaucoup compté pour moi, et le soutien familial et/ou amical est un élément déterminant pour envisager une carrière ! ", nous dira Margaux Vranken. Après ses études secondaires et son cycle d'académie -réussi avec la plus grande distinction-, la jeune pianiste est reçue dans la section jazz du Conservatoire flamand de Bruxelles, dans la classe de piano de Diederik Wissels. Un pianiste raffiné, mais aussi compositeur et arrangeur de talent. En 2017, Margaux reçoit une bourse d'études pour étudier au Berklee College of Music afin de poursuivre un Master d'un an, au Berklee Global Jazz Institute de Boston, un département de haut niveau du collège américain. En attestent le nom de ses professeurs : Danilo Pérez, Terry Lyne Carrington, John Patitucci, Joe Lovano. De très solides études et connaissances musicales qui permettent aujourd'hui à la jeune artiste bruxelloise d'envisager une triple carrière: de pianiste bien sûr, mais aussi de compositrice et d'arrangeuse. Un défi qu'elle relève aujourd'hui avec son disque "Purpose" (le but, l'objectif, le dessein, la voie...) qui paraît en ce moment chez IGLOO. Une production qui est le fruit de son année de travail passionné et acharné au "Berklee college of Music" de Boston. C'est là qu'elle a rencontré quasiment tous les musiciens (ndlr. : ils sont 13) de ce disque. "Purpose" a été enregistré à Brooklyn, et est constitué de dix compositions originales de la pianiste, qui en a aussi signé tous les arrangements. Le résultat est décoiffant : on passe par des climats très différents, en fonction de l'effectif instrumental. Margaux a tenu à créer autant de contrastes que possible, c'est ce qui lui tient le plus à coeur dans l'écriture, et les arrangements Elle s'est ainsi entourée d'un quatuor à cordes, de trois souffleurs, trois chanteuses, un guitariste, et un rythmique contrebasse/batterie. Des musiciens de haut vol, et du monde entier, qui ont fait leur classe, -comme notre invitée-, au Global institute de Berklee. Musiciens à la technique et à la maturité impressionnantes, ils mettent en valeur les compositions de Margaux Vranken, qui, toujours sont construits à partir de mélodies rudement bien ficelées. Elle réussit ce grand écart si difficile, entre de belles mélodies, faciles d'accès, et un jazz d'aujourd'hui, qui n'hésite pas à s'exprimer d'une manière exigeante, sans compromission aucune. "Purpose" est un magnifique travail, une production qu'on vous recommande, l'un de ces disques que l'on peut réécouter à l'envi, tant les couches qui le composent sont subtiles et nombreuses ! Margaux Vrancken: une artiste très complète, passionnante, et attachante et dont les compositions font avancer le jazz dans des directions insoupçonnées. Bonne écoute! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Nouvelle diffusion ce dimanche de notre entretien avec Joanna Goodale, c'était le 22 mars 2020 La pianiste Joanna Goodale est née il y a 31 ans, en Suisse, de parents anglo-turques. Formée à la Haute Ecole de Musique de Genève, elle est aussi détentrice d'un Master d'Arts et d'anthropologie d'une Université londonienne. En 2019, elle faisait paraître son 1er disque " Bach in a circle " , chez PARATY. Passionnée par l'interaction entre les différentes cultures, elle met en perspective, dans ce disque, la musique pour clavier de Jean-Sébastien Bach, et la musique soufie de Turquie et d'Iran. Un disque dans lequel, on retrouve ainsi des pièces originales de J-S Bach, telles que des Préludes et fugues, par exemple, et des compositions originales de Joanna Goodale. Des compositions où elle improvise aussi magnifiquement, que subtilement sur des motifs de Bach, lesquels sont altérés, métissés, et délicieusement dévoyés par des rythmes de ces musiques soufie de Turquie et d'Iran. Joanna Goodale qui nous confiera "qu'il suffit par exemple de jouer un motif de Bach, avec une mesure asymétrique (5/4 ou 7/4) pour que l'univers mélodique original soit modifié, parce que les accents rythmiques s'appuient sur d'autres moments de cette mélodie ". Le soufisme et la culture soufie que la jeune pianiste connaît extrêmement bien, grâce à des voyages en Turquie, et aidée par le fait qu'elle maîtrise la langue turque. Joanna Goodale qui nous expliquera que ces deux univers : celui de la musique de Bach, et la musique soufie de Turquie et d'Iran sont bien plus proches l'un de l'autre, qu'on ne l'imagine. "Bach in a circle" est un disque intelligent et passionnant à plusieurs égards. On y trouve, -avant toute chose-, une remarquable maîtrise technique du répertoire de J-S.Bach : que cela soit dans les Préludes et Fugue BWV 851 et 855, ou dans la Fantaisie BWV 906, le son est rond, plein, et dès les premières mesures, on perçoit que Joanna Goodale a intégré corporellement cette musique. Elle la joue avec sa technique, certes, mais son corps et son coeur, tout entiers. Quant au travail d'improvisation, il s'est fait, comme nous le disions plus haut, sur un plan harmonique, mais aussi sur un plan sonore. Par l'adjonction d'objets qu'elle place sur la table d'harmonie, elle imite avec son claviers des instruments du Moyen-Orient, tels que le Daf ou le Bendir. Elle place aussi pour certaines pièces des grelots à ses chevilles. Vous l'avez compris, "Bach in a circle" n'est pas qu'un "simple" disque d'improvisation, c'est un vrai travail de recherches qui convoque des univers inédits. Qui plus est, grâce au travail d'improvisation, la musique de Bach résonne avec une intensité toute particulière. Joanna Goodale, une pianiste à la technique solide, et à l'univers aussi large que poétique. Une personne délicate et sincère, qu'on vous invite à découvrir, à travers "Bach in a circle", son nouveau disque paru chez PARATY en 2019. Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Louise, 22 ans et Léna Kollmeier, 28 ans sont soeurs, et elles pratiquent le piano à quatre mains, ou le deux pianos. A la naissance de Léna, l'aînée, leur papa offre un piano à leur maman, en guise de cadeau de naissance. Forte de la présence de l'instrument, Léna se met au clavier dès l'âge de 5 ans, suivie à 6 ans d'intervalle par Louise, sa cadette. " Enfants, et étant l'aînée ", raconte Léna, " Je ne pouvais pas m'empêcher de donner des conseils à ma petite soeur ! Aujourd'hui, ce serait plutôt l'inverse ! " Le piano a ainsi toujours fait partie de leurs vies de soeurs. Cela étant dit, nos deux invitées n'ont rien de jumelles siamoises, et elles n'ont par exemple pas étudié dans les mêmes écoles. Louise termine ainsi son cursus de Master 2 à l'IMEP à Namur, avec Roberto Giordano. Quant à Léna, elle a fréquenté le Conservatoire de Liège auprès d'Etienne Rappe, puis le Conservatoire de Bruxelles, dans la classe de Daniel Blumenthal. Mais le Maître qui les réunit, et qu'elles admirent par-dessus tout, c'est Pierre Thomas, merveilleux pianiste et formidable pédagogue, il suit nos deux invitées depuis longtemps. Il est pour Louise et Léna, une référence, entre autre dans la discipline du 4 mains, et elles projettent d'ailleurs de faire du 6 mains avec lui, et qui plus est, avec quelques unes de ses compositions. Aujourd'hui, en dehors de leurs carrières respectives (ndlr.: qu'elles construisent peu à peu), Léna et Louise consacrent le plus clair de leur temps au piano à quatre mains, et au répertoire pour deux pianos. A la question de savoir quand cette aventure a commencé, les deux soeurs sont bien en peine de répondre, parce qu'aussi loin qu'elles s'en souviennent, elles ont toujours joué à 4 mains. Mais bien sûr, ce qui avait longtemps été un amusement est devenu aujourd'hui une discipline professionnelle qui a débuté à l'été 2018. Un travail qui a déjà porté ses fruits, puisqu'en 2019, elles ont remporté un prix au Concours "Gran virtuoso" aux Pays-Bas, et en 2020, c'est au Concours "Pietro Argento", une compétition italienne que les deux soeurs se sont illustrées. " Le quatre mains...", nous confieront les deux pianistes, " C'est une question d'intimité, de complicité, d'amitié, et de connivence. Tout s'est toujours fait très naturellement, spontanément, et intuitivement entre nous, et nous pensons pouvoir dire que nous nous connaissons bien... ! " Côté répertoire, Léna et Louise Kollmeier s'intéressent aux grands classiques du 4 mains que sont ceux de Mozart, Schubert, Schumann, ou encore Brahms, mais aussi à la création contemporaine de compositeurs de chez nous. Le saxophoniste franco-belge Tom Bourgeois, ou la pianiste Virginie Tasset, amie de Léna Kollmeier font partie de ce cercle qui a composé pour Louise et Léna. Deux compositeurs qui s'intéressent tous deux à la musique de films, mais aussi à d'autres techniques comme la musique spectrale, pour ne citer ici que quelques unes de leurs nombreuses influences. Dans le même esprit de découverte, le compositeur luxembourgeois Camille Kerger fait également partie de ces créateurs qui ont écrits de la musique pour les deux jeunes femmes. Artistes à la sonorité généreuse, et à la technique solide, Louise et Léna font preuve d'un bon sens désarmant, d'un sang-froid digne des plus grands, et d'une intelligence musicale toute au service de la Musique. Deux artistes passionnantes, et deux jeunes femmes aussi subtiles qu'attachantes ! Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Julien Tassin avait des oncles qui jouaient du blues et du rock, il allait les voir en concert, et était très attiré par l'énergie que dégageaient ces musiques. C'est ce qui a incité le jeune garçon, encore enfant, à étudier la guitare classique, à Charleroi, où il a grandi. "Même si c'était des cours traditionnels, j'ai néanmoins eu une très chouette professeure. Elle m'a appris à respirer et à exprimer des sentiments, et ça m'a plu ! " [...] nous dira Julien Tassin. Adolescent, il abandonne la guitare classique, et se consacre au blues à 100%, avec son groupe, dans lequel il chante. Un peu plus tard, il est attiré par le jazz, et son langage qui le fascine, parce qu'il ne le comprend pas. Il retrouve dans le jazz, tout ce qu'il aime dans le blues, mais avec une dimension harmonique et rythmique plus riche, et plus élaborée. "Mon but n'était pas de devenir jazzman ", nous confiera Julien Tassin, "Mais je voulais comprendre cette musique, et m'en imprégner, pour pouvoir l'intégrer plus tard, dans ma musique." C'est ainsi que le jeune guitariste s'inscrit au Conservatoire de Jazz à Bruxelles, où il étudiera avec Paolo Radoni. Et c'est fort de toutes ces influences familiales : blues, rock, et rock'n roll, ainsi que de ses connaissances acquises au Conservatoire, qu'il décide alors de créer sa propre musique. C'est grâce à une carte blanche du bassiste électrique Daniel Roméo, que Julien Tassin a l'occasion de jouer avec la bassiste Nicolas Thijs, et le batteur Dré Pallemaerts. De retour à la maison après cette folle soirée, Julien Tassin se jure que s'il doit un jour composer un trio, ce sera avec ces deux partenaires-là ! Quelques années plus tard, le rêve prend forme, et Julien Tassin a l'occasion de rôder ce nouveau trio avec ses deux acolytes, au "Sounds", un club de jazz, à Ixelles, aujourd'hui disparu. " Plus nous jouons ensemble, plus nous nous connaissons, plus la connexion qui nous unit est puissante ", nous racontera Julien Tassin. " Ce qui est intéressant dans notre trio, c'est que même si Nic (ndlr. : N.Thijs) et Dré (Pallemaerts) sont des jazzmen expérimentés, et très cultivés. Ils ont aussi la culture du blues et du rock. C'est aussi quelque chose que nous partageons, et c'est très important ! Dans notre 2e disque en trio "Moondancer" (ndlr. : paru en nov. 2020 chez Igloo), nos improvisations n'explorent pas que le champ harmonique, mais aussi rythmique. Le rubato par exemple, (ndlr. : le fait de faire varier un tempo) est l'un des outils que nous explorons, pour créer de nouveaux espaces d'expression. Plus le temps passe, plus nous épurons notre discours. Je pense que c'est une manière d'aller à l'essence-même de la musique. C'est aussi cela qui rend le message clair et limpide " A l'écoute des deux disques en trio de Julien Tassin, on est en effet tout de suite charmé par l'efficacité du discours, le son extrêmement compact, et l'absence de tout bavardage. Les jeux sur la dynamique, la sincérité du propos, et même un certain humour, se jouant de clichés, rendent la musique de Julien Tassin, aussi fraîche qu'intéressante, et intelligente. Parallèlement à ce travail en trio, Julien Tassin explore aussi le monde du solo. Il a ainsi enregistré deux disques dans cette formule : " Momentum " et "Pictures from home". " Dans mon travail en solo ", nous confiera le guitariste, " Je me comporte exactement comme avec notre trio, dans le sens où j'essaie de rester aussi concentré que possible, de garder la tension, au sens noble, et ainsi m'assurer de ne pas perdre le fil de mon discours ". Ce dimanche, nous partirons donc à la découverte de l'artiste, mais aussi de l'homme. Et l'on ne saurait, ni ne devrait séparer la personne du musicien, tant Julien Tassin est de ces personnes tellement sincères, honnêtes, chaleureuses et généreuses, qu'on en vient à se demander, si l'on ne l'a pas déjà rencontré... Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Avant toute chose, nous tenons à vous souhaiter une année 2021 aussi lumineuse et nourrissante que possible. En dépit du chaos que nous avons tous vécu depuis le mois de mars 2020, nous sommes heureux d'avoir pu continuer à vous proposer des rencontres inédites avec de jeunes talents, -fussent-ils à distance-. Notre enthousiasme et notre vitalité n'ont pas faibli, tout regaillardis par la perfusion d'énergie positive que nous nous offrent chaque semaine ces jeunes musiciens. Nous espérons de tout coeur que cette année vous permettra de découvrir de nombreux jeunes talents. Ils ont souffert davantage que les artistes confirmés, et votre écoute est pour eux, un soutien bien plus important que vous ne l'imaginez ! Au nom de ces jeunes artistes que j'ai la chance de rencontrer chaque dimanche, je vous remercie pour l'intérêt que vous leur portez. Ce dimanche, je vous propose une nouvelle diffusion de la rencontre avec le trio Becel, c'était le 15 mars 2020. En 1915, Claude Debussy compose la Sonate pour flûte, alto et harpe. C'est la 1ère fois que l'on écrit pour ces trois instruments dans l'Histoire de la Musique. Près de 100 ans plus tard, la flûtiste française Léonore Frommlet, et la harpiste italienne Martina Antognozzi se rencontrent au Conservatoire d'Anvers, où elles étudient. Elles forment alors un duo flûte/harpe, pour lequel le répertoire abonde. Un peu plus tard, le duo rencontre l'altiste hongrois Gergely Kóta, et devient dès lors un trio. Une formation qui se rencontrera et se formera autour de la Sonate de Debussy évoquée ci-dessus : le Trio Becel https://www.triobecel.com/francais/bio était né ! Un trio singulier de par sa composition, et pour lequel on a écrit davantage qu'on ne l'imagine, après l'oeuvre fondatrice de Debussy, en 1915. Cela étant dit, si l'on compare le répertoire de ce trio flûte, alto et harpe, avec celui du trio avec piano, ou du trio à cordes, il est évidemment plus modeste. C'est l'une des raisons pour lesquelles le trio n'hésite pas à arranger ou à transcrire de grandes oeuvres du répertoire. Un exercice dans lequel il excelle. Un bel exemple avec la Sonate "Pathétique" (ndlr. : Sonate pour piano) de Beethoven, dont nous écouterons un extrait. Des transcriptions tellement fines, qu'elles nous font redécouvrir ces grandes pages du répertoire qu'on croyait pourtant connaître par coeur. Les compositeurs de notre temps ne sont pas non plus en reste. L'Urugayen Miguel De Águila, par exemple, a composé "Submerged" pour cette formation. Une oeuvre dans laquelle il utilise à la fois des motifs de Musique traditionnelle urugayenne, et des éléments de langage dodécaphonique : un métissage qui fonctionne à merveille ! Gergely Kóta, l'altiste, né en Hongrie rappelle qu'en Hongrois " Bècél " signifie " parler ". Et la volonté du trio de " parler avec " est évidente. Ce goût pour le dialogue avec le public, se fait entendre et voir dès les premières notes que jouent ces chambristes, complices comme frère et soeurs. Le trio partage l'amour d'un langage qu'il adresse de façon directe, légère et ludique au public, sans hésiter à solliciter les particularités de chaque membre pour fonder la richesse de ses mises en scène innovantes. Le trio Becel utilise aussi toutes les techniques d'aujourd'hui pour communiquer : la vidéo par exemple. Mais lorsqu'on écoute le trio attentivement, c'est surtout sa passion et son enthousiasme pour la musique qu'il interprète, qui emportent l'adhésion du public, fut-il novice en répertoire classique. Le Trio Becel : une formation qui respire la joie, et dont la technique impeccable est exclusivement au service du langage musical. Un trio à écouter sans délai ! Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Nouvelle diffusion ce dimanche de notre rencontre avec Pauline Leblond. C'était le 8 mars 2020, à l'occasion de la publication de son 1er disque " Suites de danses", avec le double quartet de la jeune trompettiste. Née en France il y a 29 ans, Pauline Leblond vit en Belgique depuis 8 ans. Titulaire d'un Prix de trompette classique en France, elle s'est toujours intéressée à l'écriture, et au Jazz. C'est pour étudier cette Musique qu'elle a rejoint la Belgique. Fine technicienne, et artiste à la créativité débridée, Pauline Leblond s'intéresse à tous les jazz : du swing à danser des années '20, jusqu'aux formes les plus contemporaines. Un jazz qu'elle joue, et pour lequel elle écrit. Elle publie en ce moment " Suite de Danses ", un disque autoproduit, dans lequel elle revisite des danses baroques, telles que " L'Allemande ", le " Rigaudon ", ou la " Passacaille ". Des danses qu'elle interprète avec un double quartet (ndlr. : en jazz, on ne parle jamais de quatuor). Le premier de ces quartets est un quatuor à cordes classique, le second est un quartet de jazz. Le "Classique" et le "Jazz", inconciliables comme chien et chat ? C'est un lieu commun qu'on entend souvent, mais à l'écoute de "Suite de Danses", on se rend vite compte que les huit musiciens de cette aventure maîtrisent tous ces deux univers. De telle sorte qu'on oublie vite ces vocables, et qu'on rentre de plain-pied dans la musique de la jeune trompettiste. " Suite de Danses " est un disque créatif, raffiné, sensible, et intelligent, dont elle nous parlera avec passion et simplicité. Pauline Leblond, une personne généreuse, et une musicienne capable d'incarner tous les jazz ! "Suite de Danses" est à découvrir sans délai ! Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Le Festival Beethoven 250 s'est tenu, à huis-clos (ndlr : en raison de la crise sanitaire), du 9 au 29 novembre, au Conservatoire de Bruxelles. Initié par la musicologue Olivia Wahnon de Oliveira, -qui travaille au Conservatoire de Bruxelles-, le Festival était porté et organisé par la séculaire école bruxelloise. "Beethoven 250" avait d'abord pour ambition de faire jouer le répertoire du Grand Maître par ses étudiants, mais aussi par ses professeurs. Mais cette manifestation est allée bien plus loin que cela : forte de sa formation de musicologue, Olivia Wahnon de Oliveira a également a également souhaité organiser trois jours de colloque autour de la Musique de Beethoven, avec les meilleurs "Beethovéniens" de la planète. Beethoven s'est donc vu analysé et disséqué par ces grand.e.s musicologues belges et étrangers. Qui plus est, ces brillants exposés étaient également illustrés par des étudiants du Conservatoire, qui rendaient l'exposé plus vivant que jamais. Un colloque dont vous pouvez revoir tous les exposés sur la chaîne Youtube dédiée du Festival. En marge de ces trois journées de conférence, "Beethoven 250" était bien sûr l'occasion de rappeler et de donner à entendre une partie de l'immense catalogue de ses oeuvres, mais aussi de montrer la diversité de sa production. L'on parle souvent et à juste titre des trois périodes créatrices de la vie du grand compositeur, l'on évoque moins souvent ses nombreuses pièces, sans numéro d'opus, abrégées Wo0, pour "Werk ohne opus", "oeuvre sans numéro d'opus. Celles-ci sont au nombre de 204, tout de même... Le Festival n'est ainsi pas passé à côté de ces Wo0, nous écouterons l'une d'elles lors de notre émission, ce sera le Wo0 43b, transcrit pour duo de guitares. Et puis cette manifestation, c'est surtout une occasion exceptionnelle pour les étudiant.e.s, et leurs professeur.e.s de progresser ! Pendant des mois, ils ont d'abord échafaudé, puis travaillé un programme. Des oeuvres exigeantes à tous points de vue, dont ils nous ont donné des lectures passionnées et intelligentes. L'exercice n'a pas été très différent pour leurs Maîtres, qui eux aussi se sont passionnément investis dans l'aventure. Bien sûr, leur expérience et leur maîtrise technique leur ont permis d'aborder des oeuvres majeures du compositeur, telles que les dernières Sonates pour piano, ou les quatuors à cordes tardifs. Ce midi, c'est une sélection très partielle, mais néanmoins très variée du fantastique travail de tous ces étudiant.e.s et professeurs que nous vous proposons. Côté étudiants, nous entendrons les classes de chant et Musique de Chambre, les classes de guitare (dirigée par Hugues Navez), violon (dirigée par Shirly Laub) et de vents (dirigée par Christian Debauve). Côté "Maîtres", nous entendrons Jean-Claude Vanden Eynden, Tatiana Samouil, le quatuor Taurus, et Gabriel Teclu. Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Nouvelle diffusion, ce dimanche, de la rencontre avec Stein Verrelst et Maarten Vandenbemden, deux membres du quatuor de guitares ' Four Aces '. C'était ce 27 octobre 2019. "Et si Mozart avait joué de la guitare", c'est à partir de ce postulat, aussi sympathique, saugrenu, sérieux qu'intrigant qu'est né "Tabula Rasa" le 4e disque du "Four Aces guitar quartet" Le quatuor "Four aces", est comme son nom le dit un quatuor de guitares constitué de Menno Buggenhout, Inti De Maet, Stijn Verrelst et Maarten Vandenbemden . Fondé en 2009, il publie en ce moment son 4e disque "Tabula rasa". Deux de ses membres sont nos invités : les guitaristes Stein Verrelst et Maarten Vandenbemden. " Tabula rasa " tente de répondre à une question que s'est posée le quatuor : "Que se serait-il passé si de grands Maîtres comme Jean-Sébastien Bach, Mozart, Chopin, Rachmaninov ou Bizet avaient composé pour la guitare ? " On se surprend bien sûr lorsqu'on ne connaît pas le monde de la guitare, à découvrir que ces grands compositeurs ne se sont pas intéressés à cet instrument !! La guitare a donc manifestement souffert d'un manque d'intérêt et de considération évidents, au cours des siècles passés. C'est pour pallier ce manque, pour ouvrir de nouveaux horizons au public et aux guitaristes, mais surtout pour se faire plaisir que les 4 membres du "Four Aces guitar quartet" se sont attelés à la transcription de chefs d'oeuvre du répertoire, de JS Bach, à Rachmaninov et Debussy, en passant par Mozart, Bizet et Scriabine. Essentiellement des oeuvres pour piano. Le résultat est d'abord un disque à la finition technique impeccable, mais c'est surtout dans la finesse des transcriptions que s'expriment le talent et la créativité de cette formation. " Une transcription doit bien sûr d'abord respecter le texte original ", nous confiera le guitariste Maarten Vandenbemden, " Mais elle doit aussi tenter d'y apporter une valeur ajoutée. " Une mission accomplie avec brio donc, en particulier dans la célèbre Marche Turque de Mozart qui clot ce disque. Le charme des transcriptions du "Four Aces guitar quartet", c'est aussi de nous donner à entendre davantage et autre chose que la partition originale. Le cas des "Estampes" de Claude Debussy est exemplaire à cet égard, tant la finesse des quatre voix donnent à Debussy une palette de couleurs, rarement entendue dans la version originale pour piano. Cela étant dit, ces transcriptions ne devraient pas non plus laisser penser qu'on n'a pas écrit du tout pour la guitare au cours des siècles passés! Le répertoire est abondant, en particulier à l'époque baroque, au 20e et à notre 21e siècle. On pense par exemple à des figures aussi importantes que Luciano Berio ou Toru Takemitsu. "Tabula rasa" et ce postulat "Et si Mozart avait joué de la guitare..." sont donc une vraie réussite. C'est d'abord un travail d'orfèvre qui ravira les mélomanes avertis, mais aussi un voyage sensoriel charmant, par la beauté des mélodies originales, et l'inventivité de leurs transcriptions : le "Four Aces guitar quartet" parvient ainsi à toucher un large public. "Tout le monde a une histoire avec la guitare", nous dira le guitariste Maarten Vandenbemden. " Que ce soit via un père, une soeur, une amie ou un cousin. Tout le monde connaît, de près ou de loin, quelqu'un qui a joué cet instrument ! " "Tabula Rasa" est publié chez Beeldenstorm Bonne écoute ! Réalisation et présentation: Laurent GRAULUS

Diederik Wissels est pianiste de jazz et compositeur. Depuis plus de 30 ans, il est l'un des grands noms de la scène jazz en Belgique. Il est également professeur de piano, de composition, et d'ensemble (ndlr. : l'équivalent de professeur de musique de chambre) au Conservatoire de Bruxelles, section néerlandophone. C'est là qu'il a rencontré le trompettiste grec Andreas Polyzogopoulos, mais surtout lors d'un concert que donnait le jeune trompettiste. Diederik Wissels apprécie son jeu, l'invite à jouer quelques morceaux, le courant passe, ils réalisent un enregistrement "démo"... : leur duo était né ! Andreas Polyzogopoulos, c'est un musicien au parcours intéressant, et étonnant. Il a d'abord aimé le rock, puis le jazz, qu'il aborde en tant que guitariste. C'est grâce à Miles Davis qu'il découvre la trompette, et la fanfare de son village en Grèce, où il apprend à jouer l'instrument. Rapidement, il prend conscience qu'il a quelque chose à dire avec cet instrument. A l'âge de 21 ans, il rejoint la section jazz du prestigieux Conservatoire d'Amsterdam, pour y étudier la trompette. Passionnés, curieux, ouverts et cultivés, les deux hommes découvrent qu'ils aiment les mêmes disques, et partagent la même conception de la musique. C'est donc avec beaucoup de naturel, et de simplicité que leur duo prend forme. Et le pianiste Diederik Wissels de nous confier " qu'un duo, c'est d'abord une rencontre personnelle. Si l'on a besoin de trop parler, c'est qu'il y a un problème ! [...] Ce n'est pas parce qu'on est deux, qu'on est petits, et qu'on ne peut pas sonner "large". Il s'agit surtout de faire appel à l'écoute de son partenaire. Pour bien écouter, il faut parfois se taire ! Chacun fait des propositions. Et c'est parfois quand votre partenaire ne vous emboîte pas le pas, que naissent des moments très forts, porteurs d'une grande créativité. " Et le trompettiste Andreas Polyzogopoulos de compléter : " La musique de notre duo, dont celle de Diederik Wissels, n'est pas difficile techniquement. Moins on joue de notes, plus on crée de l'espace. C'est ça qu'on veut accueillir avec cette musique " Le 13 octobre dernier, les deux musiciens étaient en concert à la Jazz Station, à Bruxelles, à l'invitation des "Lundis d'Hortense" (ndlr. : l'association des jazzmen/women de Belgique). C'est ce concert, enregistré par Musiq3 que nous vous proposons de découvrir aujourd'hui. On y entendra essentiellement des compositions du pianiste Diederik Wissels, et en bis, une composition du trompettiste grec Andreas Polyzogopoulos. Diederik Wissels et Andreas Polyzogopoulos : deux musiciens complices, et attentifs, mais avant tout deux belles personnes. Bonne écoute ! Réalisation, prise de son musicale et présentation : Laurent GRAULUS

Sarah Defrise est l'une des voix de sopranos qui comptent aujourd'hui en Belgique. Née dans une famille de scientifiques-mélomanes, elle a toujours été entourée de musique. Dès l'âge de 4 ans, elle débute le piano. Une passion à laquelle s'ajoute rapidement celle du théâtre. Dès l'âge de 10 ans, la jeune soprano décide qu'elle sera chanteuse. Elle intègre alors la Choraline, le Choeur des Jeunes de la Monnaie. Parallèlement à ses activités musicales, elle entreprend des études de langues et littératures romanes à L'ULB. Des études qu'elle interrompra pour se consacrer désormais exclusivement à l'Art lyrique. Un parcours académique d'Art lyrique qui se poursuivra en deux temps temps : tout d'abord au Conservatoire de Bruxelles, section néerlandophone, puis à Paris, à l'Ecole Normale de Musique Alfred Cortot, où elle travaillera avec Daniel Ottevaere, grand pédagogue belge émigré à Paris, et qui deviendra son mentor. En 2014, la jeune soprano belge fait ses débuts à l'opéra royal de Wallonie dans le rôle de Clorinda dans la "Cenerentola" de Rossini. Depuis lors, Sarah Defrise n'a pas cessé de chanter à l'opéra. On y apprécie bien sûr la souplesse, l'agilité, et l'expressivité de sa voix lumineuse, à la projection rare. Mais c'est aussi son jeu d'actrice extrêmement convaincant et engagé, qui est particulièrement remarqué par les metteurs en scène, comme par les Directeurs musicaux. A la question de savoir si le métier de comédienne aurait pu être une autre voie, Sarah Defrise nous répondra sans détour : " J'y pense encore toujours, mais l'Opéra n'est rien d'autre que du théâtre en Musique ! " En septembre 2020, c'est à La Monnaie que Sarah Defrise incarne le rôle principal d'une adolescente, dans l'opéra "Dead little girl", de Jean-Luc Fafchamps, 1er volet de la trilogie "Is this the end ? " Dans cette production, filmée et diffusé en streaming, les performances vocales et théâtrales de Sarah Defrise ne font qu'un. On y ressent toute la douleur de l'adolescence, comme si la jeune soprano était vraiment cette adolescente en détresse. Parallèlement à ce métier à l'Opéra, Sarah Defrise nourrit depuis plusieurs années maintenant, une passion pour le compositeur belge Joseph Jongen (1873-1953). Une passion qui l'a conduite à réaliser une thèse de Doctorat autour des mélodies pour voix et piano de Jongen. Un travail intense, minutieux et méticuleux qui l'a occupée pendant quatre ans. Une thèse qui exigeait également de proposer une production musicale. Celle-ci s'est concrétisée par l'enregistrement discographique de l'intégrale des mélodies pour voix et piano de Jongen. Le 1er volume de cette trilogie, intitulé "Entrevisions" est paru chez Musique en Wallonie. Deux autres volumes sont à paraître dans le futur. Dans ce 1er volet, Sarah Defrise est accompagnée par l'excellent pianiste londonien Craig White. ils y explorent, entre autre, l'opus 25, composé en 1902. A propos de Jongen, Sarah Defrise nous confiera que " La découverte de sa musique m'a fait changer la façon dont j'envisage la musique [...] L'une des difficultés et des douleurs de Jongen aura été celle de ne pas comprendre, au tournant du 20e siècle tout le courant dodécaphonique qui s'amorçait. Jongen ne l'a jamais emprunté. " En conversant avec la jeune artiste, on se rend vite compte de la richesse de sa personnalité : elle n'est ainsi pas seulement une artiste lyrique très complète, mais aussi une chercheuse, et enfin une citoyenne engagée. C'est ainsi qu'elle crée, en plein confinement, avec d'autres artistes, le collectif " Les artistes affilié.e.s ". Une structure qui incite les Artistes à connaître leurs droits, en s'affiliant aux différentes fédérations professionnelles qui qui les représentent en Fédération Wallonie-Bruxelles; Un sujet dont nous parlera notre invitée. Vous l'avez compris, le spectre artistique de Sarah Defrise est aussi large que sa tessiture. Qui plus est, elle est une personne rayonnante, attentive, et délicieusement drôle, que nous vous invitons à découvrir avec nous ! Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Le trio Aries est un trio avec piano. Il est composé d'Alice Van Leuven (25 ans), au violon; de Paul Heyman (26 ans), au violoncelle et de Wouter Valvekens (23 ans) au piano. La violoniste et le violoncelliste de cette jeune formation seront nos invités aujourd'hui. Fondé en 2018, c'est par le fruit du hasard et de leurs relations en commun, que ces trois artistes se sont rencontrés. Un point commun dans leur parcours musicaux impressionne, c'est celui d'être partis étudier à l'étranger pour leur Maîtrise, et ce, dans les plus prestigieuses écoles . C'est ainsi que la violoniste Alice Van Leuven a rejoint la Kunst Universität de Berlin; le pianiste Wouter Valvekens la Royal Academy de Londres, et le violoncelliste Paul Heyman, le Conservatoire de Zurich. Vous l'avez compris, la barre est placée d'emblée très haut. Et lorsqu'on écoute le trio Aries pour la première fois, on ne peut pas s'y tromper : La sonorité est belle, riche, voluptueuse, et l'engagement est total. Mais ce qui nous a peut-être le plus marqués, c'est la redoutable mise en place rythmique de cette formation. Une rigueur rythmique qui a le mérite de ne jamais être raide ou rigide. " Nous recherchons "le groove", nous confiera la violoniste Alice Van Leuven. "Le groove", c'est ce balancement tellement typique de la musique funk, ou du jazz rock. " Pour nous ", complètera la violoniste, " Il n'y a pas de grandes différences entre la musique dite "populaire" et classique. Les codes sont différents, mais le langage est le même ! Nous recherchons aussi la fougue dans nos interprétations " Gagnant du Concours Supernova en février 2020 (ndlr. : en même temps que le quatuor Desguin), la tournée de concerts promise au trio, et liée à ce prix n'a pas pu avoir lieu. " Mais nous ne sommes pas à plaindre, même si l'une des inconnues reste l'aspect financier ", déclareront en choeur les deux jeunes membres de ce trio Aries. " En dépit du confinement, nous avons eu plusieurs occasions de jouer en public. Bien sûr, en respectant toutes les normes sanitaires que l'on sait, mais contrairement aux Orchestres, par exemple, nous, nous avons pu jouer. Nous gardons par exemple un souvenir marquant de notre prestation au "Klara on tour", organisé par la radio "Klara". Nous avons joué le 1er Trio de Brahms, en streaming, dans la grande salle Henry Le Boeuf du Palais des Beaux-Arts de Bruxelles. Une salle dans laquelle, il y avait... 2 spectateurs, alors qu'elle peut en contenir 2400 !! L'expérience était belle, et intéressante, mais qu'on ne s'y trompe pas : les concerts en ligne, ne remplaceront jamais l'échange instantané avec le public, tel qu'on le vit pendant un vrai concert " Travailleurs, cultivés, humains, optimistes, et brillants, les trois membres du Trio Aries ont déjà acquis la sagesse de leurs aînés, dans le sens où ils prennent les opportunités, comme les déconvenues, comme elles se présentent : sans peur, ni méfiance, ni même colère. On sent chez eux une irrépressible envie de jouer, pour partager les grands auteurs, à travers leur regard, celui de jeunes musiciens entre 23 et 26 ans, qui vivent au 21e siècle. Le résultat est aussi impressionnant que terriblement frais. On en redemande, et on se réjouit de les entendre sur scène, comme au disque. Le trio Aries : un trio d'exception ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Aurelia Visovan est née à Cluj, en Roumanie, il y a 30 ans. Pianiste de formation, elle a également étudié, en parallèle le clavecin dans son pays. C'est à la faveur d'une Master class de piano moderne, du grand Maître américain, Robert Levin, qu'elle découvre le pianoforte. Il faut dire que l'homme est un grand spécialiste mondial du pianoforte. Et Aurelia Visovan de nous confier que " Robert Levin est l'un des rares pianistes qui peut encore improviser à la manière de Mozart " Mais c'est à Vienne, qu'elle fera ses études supérieures, au cours desquelles elle étudiera en profondeur le pianoforte. Cela étant dit, notre invitée continue à jouer du piano moderne, et du clavecin. Travailleuse et infiniment curieuse, Aurelia Visovan remporte le 1er Prix du Concours de Musique ancienne de Bruges, en 2019. C'est suite à ce prix qu'elle a pu enregistrer son 1er disque de Musique de chambre au pianoforte. Il paraît en ce moment chez Ricercar, et sera au coeur de notre entretien. La genèse de ce disque est assez amusante : " Lors du Concours de Bruges en 2019 " nous racontera la jeune pianiste " J'avais à jouer une transcription du 24e Concerto pour piano de Mozart, par Johan Nepomuk Hummel. Une transcription pour pianoforte, flûte, violon et violoncelle. Les musiciens engagés par le Concours étaient la flûtiste Anna Besson; la violoniste Cecilia Bernardini, et le violoncellliste Marcus Van Den Munckhof. L'entente musicale et humaine ont été telles, qu'au moment d'enregistrer ce disque, j'ai eu l'idée de le faire avec ces musiciens-là, et avec ce répertoire symphonique, transcrit par Hummel " Le résultat est passionnant. Sur ce disque, on peut entendre deux transcriptions magistrales de J.N. Hummel : celle du 24e Concerto pour piano de Mozart, dont nous parlions, et celle de la 1ère Symphonie de Beethoven. Outre ces transcriptions, la pianofortiste a également enregistré la Sonate en fa mineur, opus 20, toujours de Hummel. Epaulée par trois musiciens aussi efficaces que subtils, Aurelia Visovan fait sonner son piano comme une voix. Elle fait entendre toutes les inégalités de cet instrument, dont on se rappelle, en l'écoutant, que ces inégalités confèrent à l'instrument un feu d'artifice de couleurs. A la question délibérément provocatrice que nous lui poserons : " Mozart aurait certainement été ravi de jouer sur le Steinway de concert moderne, alors pourquoi donc s'évertuer à jouer ce répertoire sur des instruments historiques, et par conséquent imparfaits ? ". La musicienne ne se laissera pas démonter, et nous répondra, pleine de malice : " Si Mozart avait connu le piano moderne, il aurait surtout écrit une autre musique que celle que nous connaissons !! ". Et de rajouter : " Pour nous, jouer les instruments historiques, c'est aussi une immense curiosité ! Ce n'est pas un fardeau, c'est une passion ! ". Tout au fil de l'écoute de ce disque, on est charmés d'abord par le génie de transcription de J.N.Hummel, mais aussi par la fluidité du discours musical de ce quatuor, dont on sent qu'il poursuit le même but : produire de la beauté avec des instruments historiques ! Aurelia Visovan sera en récital à Bozar, à Bruxelles, ce dimanche 11 octobre à 11h. Aurelia Visovan, une musicienne cultivée, raffinée, et généreuse, et une femme infiniment sympathique, et ouverte sur le monde. Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Nouvelle diffusion ce dimanche, de l'entretien que nous avait accordé Maya Levy. C'était en janvier 2020. A seulement 22 ans, la jeune violoniste peut déjà s'enorgueillir d'un parcours digne d'une artiste confirmée. En octobre 2019, elle remportait le 1er Prix du concours des ¿Médias Francophones Publics 2020¿, une distinction décernée par les quatre grandes radios classiques de service public (Musiq'3, France-Musique, Espace 2 - RSR Suisse romande et "Ici-Musique" au Canada). Une compétition au cours de laquelle le Jury avait salué la maturité musicale de cette violoniste d'exception. Au même moment (ndlr.: octobre 2019), c'est en Pologne à l' ¿International `Karol Lipinski Violin Competition 2019'' qu'elle se distinguait, à travers le `Prix Beethoven' pour la meilleure interprétation d'une des Sonates pour violon du Grand Maître. Et tant qu'à parler de prix, on citera aussi la `Silver Medal' au Manhattan International Music Competition, le prix " Supernova 2017 " au Klarafestival , et enfin le titre de lauréate du 'Karol Szymanowski Competition' en 2018. "Dès l'âge de 4 ans, j'ai su que ma vie serait le violon", nous confiera la jeune artiste, qui sera guidée par Bernadette Janssen, qui sera comme une "maman de violon", puis par Igor Tkatchouk, et enfin par le grand Boris Kuschnir, à Vienne, à qui elle doit beaucoup, reconnaîtra-t-elle. Ce qui impressionne chez Maya Levy, c'est d'abord sa détermination. Née avec un violon dans les mains, elle semble ne souffrir d'aucun trac ou stress, et trace sa route musicale et artistique avec une assurance impressionnante. Une assurance doublée d'un vrai respect pour autrui, qui fait plaisir à voir. Quant au volet musical, il découle de cette assise personnelle : la sonorité est puissante, voluptueuse, charnue et terriblement expressive. Guidée par les plus grands Maîtres et par une vraie culture musicale, Maya Levy peut tout jouer : de Mozart à Shostakovitch, en passant par Beethoven, ou Grieg; danstous ces répertoires, sa vision musicale et sa technique éprouvée font mouche. Nous la découvrirons aujourd'hui, essentiellement dans des prestations en public, et dans des pages de Beethoven, Grieg, Szymanowski et Ysaÿe. Maya Levy, une grande musicienne, sensible et intelligente, et une personne, dont chacun appréciera la délicatesse. Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

C'est à la faveur d'un concert du quartet du guitariste Philip Catherine, que nous avons découvert Angelo Moustapha. Un quartet dont Angelo était le batteur. Né il y a 27 ans, à Nikki, au Bénin, Angelo Moustapha commence à jouer des percussions dès l'âge de 7ans, dans la paroisse de son village : " L'Eglise du christianisme céleste ". Dès que son pied pourra toucher le sol, et par conséquent actionner la grosse caisse, il sera proclamé "batteur officiel" de la chorale de la paroisse. Parmi les cantiques traditionnels, se glissent des mélodies gospel. Elles seront pour lui un marche-pied vers le jazz. S'ensuivra la création d'un orchestre "Les pionniers de Savalou", dont le tout jeune batteur sera le chef d'orchestre. Dès son enfance, le jeune batteur béninois nous dira avoir toujours eu " le goût d'approfondir quelle que matière que ce soit, d'aller au bout des choses " " J'ai toujours été un chercheur, un explorateur ", nous confiera Angelo Moustapha. Diplômé de l'École supérieure des Métiers d'Art et de la Culture de Cotonou, il est détenteur d'un diplôme professionnel de compétence et de capacité intrinsèque. " C'est une école qui développe le potentiel artistique de chacun ", note Angelo Moustapha. "Tout ce que j'ai appris, c'est ici au Bénin [...], nous rappellera le batteur béninois. " Je ne suis pas allé étudier aux Etats-Unis ou en Europe. J'ai beaucoup écouté les grandes figures du jazz : Miles Davis, John Coltrane, Herbie Hancock, Chick Corea, et toute une génération de batteurs américains que j'admire : Dennis Chambers, Dave Weckl, Brian Blade... Et après m'être imprégné de leur esthétique, j'ai tenté de reproduire ce qu'ils faisaient [...] En 2019, le grand guitariste belge Philip Catherine est invité par l'Ambassade belge à Cotonou. A la suite de son concert, il dispense une Master Class, à laquelle participe Angelo Moustapha. Entre les deux hommes, le courant passe instantanément : Philip Catherine est charmé par la rigueur rythmique, la créativité et l'élégance du jeune batteur béninois. Il l'invite à jouer avec lui en Belgique. Angelo Moustapha vit désormais dans notre pays, depuis quelques mois. " La rencontre avec Philip Catherine a changé ma vie ! ", souligne le jeune Béninois. " Ce qui est merveilleux, c'est l'ouverture d'esprit de Philip Catherine. Il me laisse jouer comme je le souhaite, ne tente pas de me faire rentrer dans une quelconque esthétique. Il m'incite seulement à être moi-même [...] Compatriote du grand guitariste béninois Lionel Loueke (ndlr. : découvert par Herbie Hancock), Angelo Moustapha reconnaît que si l'on souhaite faire carrière dans le jazz, il faut s'expatrier. La scène "jazz" au Bénin est trop confidentielle pour pouvoir en vivre. A l'écoute d'Angelo Moustapha, on est charmé, et séduit par la manière dont il mélange subtilement sa culture africaine, à une culture "occidentale" du jazz parfaitement intégrée et maîtrisée. Son jeu s'en trouve particulièrement original et créatif. Angelo Moustapha, un musicien incroyablement cultivé, à la technique époustouflante, toujours au service de la Musique. Un homme rayonnant et généreux : une personnalité à découvrir sans délai. Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Pendant tout l'été, ce sont quelques moments choisis de notre saison 2019-2020 que nous vous proposons de réécouter. Aujourd'hui, c'est une nouvelle diffusion de l'entretien que nous avait accordé Natania Hoffman, c'était en février 2020. Née il y a 27 ans, d'une mère italienne et d'un père américain, Natania Hoffman a grandi dans la Musique, et entourée de musiciens. Ses grands-parents l'étaient déjà : Esther Glazer, violoniste et Irwin Hofman, Chef d'orchestre. Suivis par leurs enfants, le grand violoncelliste Gary Hofman, et son frère, le pianiste et compositeur Joel Hofman, par ailleurs le père de notre invitée Natania Hoffman, qui a quant à elle, un frère violoniste : Benjamin Hoffman. Vous le constatez, il est plus simple de se demander qui n'est pas musicien chez les Hoffman ! A cet égard, la jeune violoncelliste insiste sur le fait que jamais ses parents ne l'ont forcée à devenir musicienne professionnelle : " C'était juste un chemin, que l'on nous a montré ", nous confiera-t-elle. Extrêmement cultivée, et multilingue, Natania Hofmann aurait par exemple pu être historienne, ou interprète, ou bien encore femme de Lettres. Mais c'est la Musique, et l'image positive qu'elle a toujours eu dans sa famille, qui la convaincront d'emprunter ce chemin-là. C'est aux Etats-Unis que la jeune violoncelliste acquiert les bases techniques de son instrument. A 18 ans, elle rejoint l'Allemagne pour travailler avec Gustav Rivinius à Sarrebrück, puis avec Troels Svane à Lübeck. Elle rejoindra ensuite le Conservatoire flamand de Bruxelles, où elle travaillera avec Jeroen Reuling. Ce prestigieux parcours s'achèvera avec son oncle Gary Hoffman à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth à Waterloo, où elle sera "Artiste en résidence" de 2015 à 2018. "Artiste associée" depuis lors, elle proposera son "Artist diploma" (ndlr. : son Concert de fin d'études) ce 25 mars 2020, à La Chapelle. Une prestation qui sera enregistrée par Musiq'3. Soliste, Concertiste et Chambriste, Natania a fondé le trio "Agora" avec le clarinettiste Zilvinas Brazauskas, et le pianiste Robertas Lozinskis. Un trio qui sera publié très prochainement chez "Odradek records". On y trouve des pièces de Joel Hofman, du clarinettiste Zilvinas Brazauskas, ou encore de Mykolas Natalevicius. Un disque passionnant et fluide, intitulé "Sounds of Lithuania, connecting identities" Extrêmement curieuse et éveillée, Natania Hofman observe son époque avec beaucoup de lucidité : " Beaucoup de choses ont changé pour nous, les Artistes aujourd'hui ", nous dira-t-elle, " On a parfois très peu de temps pour convaincre notre auditoire, cela peut parfois être une question de secondes " La question de la place de l'Artiste dans la société est également une question omniprésente dans la vie de Natania Hoffman : " Pour que mon travail ait un sens, il faut que trois aspects de mon métier soient réunis : l'artiste, l'artisan, et l'architecte. Si l'un de ces trois piliers est menacé, ou négligé, la question du sens peut vaciller " Un autre élément essentiel dans la pratique musicale de Natania est celui de communiquer oralement avec le public, lors des concerts. Un sujet auquel elle a consacré une thèse de Master au Conservatoire flamand de Bruxelles. Vous l'avez compris, nous ne parlerons pas que de musique au sens strict aujourd'hui, mais aussi d'écologie, avec la question de l'empreinte écologique du musicien, ainsi que de son alimentation. Des sujets qui peuvent sembler... secondaires, et qui sont pourtant tout à fait essentiels. Notre conversation se terminera avec un hommage empreint de gratitude vis à vis de la famille d'accueil de la jeune violoncelliste à Bruxelles, Pierre et Martine Vigier. Natania Hoffman, une Artiste de tout premier plan, à la technique impeccable, au son généreux et incisif quand il le faut. Un jeu à la sensibilité à fleur de peau, qui parvient à convoquer toutes les émotions. Natania Hoffman, une belle personne, généreuse et chaleureuse, à découvrir sans délai ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Pendant tout l'été, ce sont quelques moments choisis de notre saison 2019-2020 que nous vous proposons de réécouter. Aujourd'hui, c'est une nouvelle diffusion de l'entretien que nous avait accordé Judith Sepulchre, c'était en janvier 2020. Judith Sepulchre, 26 ans, intègre le Choeur d'enfants de La Monnaie, alors qu'elle n'a encore que 7 ans. Elle en fera partie jusqu'à ses 18 ans. Pendant cette dizaine d'années au sein du Choeur, elle a l'occasion de participer à diverses productions telles que " A Midsummer night's dreams" de Britten, ou encore "Parsifal" de Wagner. A l'heure de choisir des études supérieures, Judith hésite un temps entre le chant jazz (ndlr. : qu'elle étudiera une année au Canada) et l'Art lyrique, c'est le chant classique qui l'emportera. Après un baccalauréat à Maastricht, elle rejoint le département de Musique Ancienne du Conservatoire de La Haye, où elle décroche un Master en chant baroque. C'est dans ce haut lieu de la pédagogie de la Musique Ancienne en Europe, qu'elle rencontre la harpiste néerlandaise Henriëtte Wirth, le guitariste et théorbiste allemand Jasper Bärtling-Lippina, et la violoncelliste turque Gülce Sucular. C'est avec ces trois camarades, devenus amis qu'elle fonde en 2019, l'Olivastro, un ensemble spécialisé dans la musique italienne du XVIIe siècle. Son nom est inspiré d'un poème homonyme qui fut écrit à la même époque par Giambattista Andreini, poète, acteur et fondateur des Fedeli, troupe de la Commedia dell'Arte. Il collabora avec de nombreux compositeurs, et notamment avec Claudio Monteverdi pour la création de ses premiers opéras. La démarche artistique de L'Olivastro consiste à donner à cette musique de la seconda pratica, une touche de la couleur du contexte théâtral avec lequel elle s'est épanouie. C'est autour du 1er enregistrement public de ce jeune ensemble "L'Olivastro" que nous parlerons aujourd'hui avec la jeune soprano belge Judith Sepulchre, et également le guitariste et théorbiste Jasper Bärtling-Lippina. Un musicien de 27 ans, qui a débuté par le violon, et qui s'est ensuite dirigé vers la guitare classique, puis la guitare baroque. Judith Sepulchre, c'est d'abord une voix solide, au vibrato mesuré et expressif, mais aussi une forme de fragilité. Une fragilité dont on comprend rapidement qu'elle est une véritable force ! : " Il ne faut pas avoir peur de sa propre vulnérabilité " , nous confiera-t-elle. Outre sa technique éprouvée, on découvre aussi une artiste extrêmement cultivée, qui a beaucoup étudié et réfléchi au contexte historique du répertoire qu'elle a choisi d'interpréter. Il en résulte une délicatesse, une subtilité, et une émotion hors du commun. Le guitariste et théorbiste Jasper Bärtling-Lippina ne sera pas en reste lors de notre entretien. Il nous déclarera par exemple que " la plus grande difficulté de ce répertoire italien du début du XVIIe siècle, c'est d'être spontané dans son expression. " Le jeune guitariste, en parfaite harmonie avec Judith Sepulchre, quant à la volonté de faire découvrir un répertoire singulier, avec une conscience historique la plus aigüe possible, mais aussi avec le plus de sincérité possible. Judith Sepulche et Jasper Bärtling-Lippina : deux artistes raffinés, honnêtes et sincères. Une belle rencontre que nous ne sommes pas prêts d'oublier ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Pendant tout l'été, ce sont quelques moments choisis de notre saison 2019-2020 que nous vous proposons de réécouter. Aujourd'hui, c'est une nouvelle diffusion de l'entretien que nous avait accordé Frauke Elsen, c'était en décembre 2019. Frauke Elsen, 31 ans, se souvient avoir toujours eu la plus grande "faim" (ndlr.: notre invitée est néerlandophone), pour tous les instruments. C'est ainsi qu'enfant, elle étudie de front le hautbois, le piano et le violon alto, tout en ayant la conviction profonde que le hautbois sera son instrument. Mais à 16 ans, tout change, suite à l'arrivée d'une grande professeur de chant dans son Académie de Musique, Catherine Vandevelde, la jeune hautboïste commencera à travailler l'Art lyrique. Frauke Elsen rejoindra ensuite l'IMEP à Namur, puis le Conservatoire de Rotterdam, pour son 1er instrument : le hautbois. Ce n'est qu'à l'issue de ses études de hautbois qu'elle débutera l'Art lyrique, au niveau supérieur. Et comme si sa "faim" était inextinguible, elle commence aussi à étudier le hautbois baroque auprès d'un Maître incontesté Marcel Ponseele. Aujourd'hui, la singularité du parcours de Frauke Elsen le rend particulièrement passionnant. Un parcours singulier parce qu'il réunit des centres d'intérêt que l'on n'est pas habitué à trouver chez un même interprète. Elle s'emploie ainsi à défendre le répertoire contemporain, "parce qu'il dit quelque chose de notre époque", nous confiera la multi-instrumentiste. Mais joue aussi parfois ce répertoire contemporain sur son hautbois baroque, ce qui est une tendance très intéressante, que l'on commence à observer de plus en plus souvent. Nous l'entendrons dans une pièce très inspirée du jeune compositeur français Sylvain Devaux (° 1988) Vocalement, sa voix de mezzo-soprano, et sa connaissance du répertoire baroque (ndlr.: grâce à son hautbois), la conduit à chanter avec aisance le répertoire de cette époque. Mais elle chante également le répertoire contemporain. Toujours au rayon "musique contemporaine", Frauke Elsen a fondé "Triotique" avec Elke Elsen, sa soeur, à la flûte et Margot Welleman, au piano. Un trio qui a déjà pu enregistrer un disque chez ETCETERA. Vous le constatez, notre invitée a toujours eu une grande "faim" de tous les instruments, mais aussi une grande "soif" d'expériences. Frauke Elsen, une personnalité sincère et talentueuse, qui cherche constamment à sortir de sa zone de confort, ce n'est pas rien ! Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Pendant tout l'été, ce sont quelques moments choisis de notre saison 2019-2020 que nous proposons de réécouter. Aujourd'hui, c'est une nouvelle diffusion de l'entretien que nous avait accordé l'ensemble Barrocotout, c'était en octobre 2019. L'ensemble "Barrocotout" est né à Bruxelles en 2013. "Barrocotout" est un quatuor de musique ancienne constitué de Carlota García au traverso (flûte ancienne); Izana Soria au violon; Edouard Catalan au violoncelle et Ganaël Schneider au clavecin. "Barrocotout", un jeu de mot espagnol francisé, que l'on pourrait traduire par " Baroqueux, toi-même ! " Carlota Garcá et Izana Soria sont nos invitées aujourd'hui. De nationalité espagnole, les deux jeunes femmes sont des amies de longue date, elles ont d'abord étudié leurs instruments modernes en Espagne. C'est à Bruxelles, où elles sont venues étudier la Musique Ancienne (ndlr. respectivement chez Jan De Winne et Mira Glodeanu) qu'elles ont rencontré le continuo de leur quatuor, à savoir le violoncelliste Edouard Catalan et le claveciniste Ganaël Schneider, deux musiciens français. Cette formation flûte, violon, violoncelle et clavecin, qui porte parfois le nom de quatuor "Parisien". "Barrocotout", est un quatuor fixe, qui recherche la cohésion sonore et humaine si chère aux quatuors à cordes. Un objectif poursuivi à la force du travail par ses quatre membres, qui partagent le même sens aigu de la beauté et de la perfection. Un travail récompensé par des prix, mais aussi et surtout par un 1er enregistrement discographique qui paraît en ce moment chez LINN Records. Cet enregistrement est consacré exclusivement à un compositeur belge, né en 1705 à Anvers, c'est Henri-Jacques DE CROES. Ce disque qui porte le titre poétique de "La sonate égarée", nous expliquerons ce titre au cours de notre émission. Cette nouvelle production sera au coeur de notre émission. On y retrouve six Sonates de l'opus 5 de ce compositeur belge. Une musique colorée, chatoyante, subtilement écrite, et défendue avec beaucoup de coeur, de maîtrise et d'intelligence par cet ensemble "Barrocotout". Un ensemble qui respire la joie, l'intelligence, et le talent. Un disque qu'on vous recommande chaleureusement. En seconde partie d'émission, on découvrira un jeune chef d'orchestre russe de 31 ans, il s'appelle Maxim Emelyanichev. Il vient d'enregistrer la 9e Symphonie en Do Majeur, D944 de Schubert, avec l'Orchestre de Chambre d'Ecosse. Une formation dont il est aujourd'hui, le Directeur musical. Un disque lumineux et pétillant paru chez LINN Records. Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Nouvelle diffusion aujourd'hui, de l'entretien que nous avaient accordé le duo Adentro, c'était en juin 2019. La pianiste Saskia Van Herzeele, et le guitariste Maarten Vandenbemden ont fondé le duo "Adentro", il y a 5 ans, autour d'un arrangement pour piano à 4 mains de la symphonie de César Franck. Une demi décennie plus tard, le duo Adentro publie son 1er disque "Once upon a time", chez Etcetera Records. Un disque subtil et intelligent, qui propose de superbes arrangements d'oeuvres pour piano à 4 mains de Ravel et Debussy, mais aussi d'une étonnante version de la Sonate "Arpegione" de Schubert, et d'autres surprises ! Une formation devenue rare, mais qui connut son heure de gloire à l'époque du pianoforte, où la guitare romantique, et le pianoforte naissant étaient alors très populaires, dans les salons bourgeois. C'est l'intimité de ce duo historique, que Saskia Van Herzeele et Maarten Vandenbemden sont parvenus à retrouver, avec leurs instruments modernes, par le biais d'arrangements de toute belle facture, et aussi par un jeu délicat, qui veille à laisser, -en toute circonstance-, un réel espace d'expression à son partenaire. Un duo aussi raffiné que sincère, dont on vous recommande chaleureusement le disque "Once upon a time", paru chez Etcetera Records. En seconde partie d'émission, honneur à la violoniste japonaise d'origine coréenne, Mi-Sa Yang. Avec le pianiste Jonas Vitaud, elle publie un disque consacré à quatre des six sonates parisiennes pour violon et piano de Mozart. Un vrai régal d'élégance, paru chez MIRARE. Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS.

A l'heure où le Festival Musiq'3 2020 vient de se refermer, nous vous proposons de retrouver l'ensemble Ontano, nous l'avions rencontré lors du Festival Musiq'3 2019. Cette émission vous a été proposée en 1ère diffusion en octobre 2019. L'ensemble Ontano est né en 2017. Constitué de cinq musiciens à ce jour, leur formation est appelée à être à géométrie variable. C'est la raison pour laquelle ils se sont baptisés "Ensemble Ontano", en lieu et place de "quintette". Les violonistes Julie Rivest et Esther Singier, l'altiste Charles Lucchinacci, et les violoncellistes Eugénie Lalonde et Camille Ledocq se sont rencontrés au Conservatoire de Bruxelles, où ils ont étudié. Après une première année de travail, guidé par Francis Mourey, chambriste et violoncelliste au "Belgian national Orchestra", l'ensemble se produit en 2018 au Festival Musiq3, où il remporte le 1er prix du concours " premières scènes ", véritable tremplin musical. Un prix qui a permis à l'ensemble Ontano de figurer dans la programmation officielle de l'édition 2019 du Festival Musiq'3. Un concert au cours duquel ils avaient choisi de présenter le splendide, autant que redoutable Quintette pour deux violoncelles en ut majeur D-956 de Franz Schubert. Une prestation que nous avons enregistrée, et à la suite de laquelle nous avons eu le plaisir de nous entretenir avec trois de ces cinq jeunes solistes. Un sacré défi, relevé de main de maître par de jeunes musiciens, certes, mais qui ont déjà compris l'essentiel: il faut travailler sans relâche, pour proposer le plus bel objet musical possible au public, tout en restant honnêtes, réalistes, et sincères. Notre émission sera émaillée de larges extraits de ce Quintette D-956 de Franz Schubert. L'ensemble Ontano : cinq belles personnes et cinq musiciens à la maîtrise technique déjà remarquable. Cinq artistes, aussi raffinés que sympathiques. Une belle rencontre ! Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

A l'occasion des 10 ans de notre Festival Musiq'3, dont une version aménagée se tient ce week-end, nous vous prposons de retrouver quelques jeunes talents qui se sont illustrés lors de ces 10 éditions. On écoutera d'abord le duo Daems, Prix Musiq'3 2019. C'est un duo violon, violoncelle, constitué d'Emile Daems au violon (23 ans), et de son frère Arthur Daems au violoncelle (22 ans). Ils étaient les invités de notre édition 2020, ce vendredi à Flagey. Puis, c'est à l'édition 2018, que nous nous arrêterons. Cinq artistes nous avaient beaucoup impressionnés : le pianiste françaiis Florian CAROUBI, et le quatuor coréen ESMÉ, un quatuor constitué de quatre jeunes musiciennes. Des artistes qui avaient pris la peine de nous accorder des entretiens, dont nous vous proposons ce dimanche une nouvelle diffusion. Bonne écoute ! Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS

Né à Arles en 1987, Julien Brocal s'assied au piano dès l'âge de 5 ans. Il fréquente ensuite le Conservatoire de Marseille où il travaille avec Erik Berchot. Sa route le conduit ensuite à l'Ecole Normale de Musique de Paris Alfred Cortot, où il étudie avec Rena Shereshevskaya. "Je ne suis pas du tout né dans un milieu musical classique", nous confiera Julien Brocal. "Ma mère est fan de Johnny Hallyday, et mon père adore les grands classiques du rock. Quant à mes frères, ils montaient des groupes de rock, et écoutaient plutôt Nirvana, que Chopin. Chez nous, pas la moindre trace d'une discothèque classique. Et c'est en fait par la télévision que j'ai découvert le répertoire classique ! " En 2013, Julien Brocal croise la route de la grande soliste et pédagogue Maria Joao Pires. Elle l'invite à travailler à ses côtés, à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth. C'est suite à cette rencontre que le pianiste français s'installe à Bruxelles. Une rencontre qui transformera sa vie de pianiste et d'artiste. Car travailler avec la grande pianiste portugaise, c'est bien davantage qu'étudier le piano. Il s'agit de penser la musique dans sa globalité, dans son rapport au monde, dans l'interaction que les artistes peuvent créer avec public. Dans la nécessité d'un partage dont tout le monde sort gagnant, et nourri durablement. Il y a près de 2 ans, Julien acquiert un grand atelier dans quartier Sainte Catherine à Bruxelles. Il y installe son piano, et naît alors l'idée d'un Jardin musical. Un lieu de partage où l'on invite des artistes à se produire, dans le souhait d'ouvrir le répertoire à des formes de création les plus ouvertes possibles. Un jardin qu'il qualifie très joliment d'écosystème créatif. En mars dernier, alors que le confinement se fait réalité, Julien Brocal décide de ne pas rester les bras croisés. Et ce qui était encore un projet en gestation se fait réalité : Sentant le spectacle vivant en danger, il crée une chaîne de solidarité entre les artistes, en organisant tous les dimanches à 18h, des concerts sans public, retransmis en direct sur le net : le Jardin musical était né ! L'aventure a débuté le 3 mai, et se poursuit jusqu'au 26 juillet 2020. Via le site https://www.jardinmusical.org, le public est invité à soutenir les artistes à la hauteur de ses moyens. "En très peu ce temps", nous expliquera Julien, " Il nous a fallu apprendre à filmer, faire de la prise de son, du montage vidéo, gérer la logistique administrative... Mais, j'ai aussi pu compter sur le soutien de nombreuses personnes, comme par exemple l'ingénieure du son Aline Blondiau, qui nous a aidé au début, et nous a prêté des micros pour enregistrer nos concerts. " "A terme, j'ai bien sûr le souhait d'ouvrir ce lieu au public ", nous dira Julien Brocal. A noter que tous les concerts peuvent être revus, via le salon virtuel du jardin musical. Ce dimanche 21 juin, à l'occasion de la Fête de la Musique, Julien Brocal a imaginé 6 concerts, dont le 1er débute à 18h : allant de Schubert au minimalisme américain, en passant par du jazz oriental. Parallèlement à cette activité qui mobilise ce jeune artiste de 7h du matin, jusque tard dans la soirée, Julien Brocal est avant tout un pianiste, dans la plus pure et noble tradition classique, qui consiste à jouer, et à explorer le grand répertoire. En 2017, il enregistrait ainsi son 1er disque, qu'il consacrait aux 24 Préludes, et à la Sonate funèbre de Chopin. L'année suivante, il publiait "Reflections", qu'il consacrait à Ravel et Mompou. Deux productions parues, chez Rubicon Classics. On y découvre un artiste inspiré et serein. Sa sonorité généreuse et profonde est à l'image de l'homme qu'il est. Julien Brocal : une personnalité attachante et rare. Un artiste tourné vers l'Autre, à découvrir sans délai. Réalisation et présentation : Laurent GRAULUS