Dance Lab

On parle encore trop peu de santé mentale dans le milieu de la danse.Pourtant, je pense qu'on est beaucoup à traverser les mêmes choses sans forcément oser en parler.Pourquoi ? Simplement parce que c'est tabou.La pression de devoir travailler, la comparaison avec les autres, l'impression qu'il faut toujours montrer qu'on fait plein de choses.Alors que très souvent, on ne fait pas grand chose, et on essaye de te vendre du vent avec une photo instagramable, prise dans le miroir du studio de danse.Ça crée donc cette course permanente à la réussite, largement alimentée par les réseaux sociaux, où tout le monde montre ce qui fonctionne et très rarement ce qu'on rate.TW : Dans cet épisode, Mylène m'a aussi confié que la danse, qui était censé être son refuge, a déclenché une dépression, suivie d'une tentative de s*ic*de.On a aussi abordé la maternité, avec cette fameuse réalité : quand tu es maman, on t'appelle moins voire plus du tout car les autres “pensent” que tu n'es plus disponible.Et pour ceux qui ont peur de ne pas trouver de place.C'est surement le plus grand mensonge car il y a assez de place pour tout le monde.

J'ai accueilli Mylène Amboka, danseuse, chorégraphe, interprète et professeure de danse.À seulement 24 ans, Mylène a déjà un parcours bien rempli. Formée en France et à l'international, elle évolue entre le hip-hop, l'afro et le contemporain, et travaille avec de nombreux artistes sur scène comme à la télévision. En parallèle, elle développe ses propres projets chorégraphiques et transmet sa vision de la danse à travers ses cours.Dans cet épisode, on revient bien sûr sur son parcours, mais aussi sur des sujets beaucoup plus personnels. On parle de cette quête permanente du "toujours plus" que connaissent beaucoup d'artistes, de la difficulté à profiter de ce qu'on vit, de santé mentale et de la période de dépression qu'elle a traversée.On échange également autour de la spiritualité et de la place qu'elle peut prendre dans le parcours d'un artiste, de transmission, de sexisme dans le milieu de la danse, mais aussi de maternité, des peurs qu'elle a fait naître et de la façon dont elle a transformé son regard sur son corps, sa carrière et sa vie.

« Quoi qu'il arrive, tu seras forcément s*xualisée. »C'était LE sujet que je voulais aborder depuis belle lurette.Parce qu'en danse, et encore plus travers les réseaux sociaux, il suffit parfois d'une tenue, d'un mouvement ou d'une photo pour que certains projettent immédiatement des intentions qui ne sont pas les tiennes.➜ Et comme le dit Laëtitia Simon, malheureusement, on n'est pas responsable de ce que les autres pensent de nous, quoi que tu portes ou comment tu danses.Et cette conversation rejoint celle qu'on a eu avec Yasmine Habib dans l'épisode 118 : https://youtu.be/l24JCicz3aw?si=7bcOZuj23wxvOR39Là est le problème :On confond féminité, sensualité et s*xualisation.Pourtant, ce sont 3 choses complètement différentes !➜ Petit 1. Être féminine et sensuelle ne signifie pas vouloir séduire.➜ Petit 2. Danser avec son corps ne veut pas dire le mettre à disposition du regard des autres.Et c'est précisément de ce ça dont nous avons parlé:De ce que l'on ressent.De ce que l'on montre.Et de tout ce que les autres imaginent à notre place.Une conversation qui, je pense, dépasse largement le monde de la danse.

J'ai accueilli Laëtitia Simon, danseuse, chorégraphe et professeure de danse, spécialisée en Heels.Elle a d'abord été formée en danse classique, jazz et contemporaine avant de s'orienter vers les danses urbaines, développant ainsi une approche technique et artistique très complète.Elle a ensuite évolué dans le milieu professionnel à travers des projets variés en spectacles, événements et comédies musicales (Dirty Dancing, Just Dance, tournées internationales…), tout en développant une pratique des danses afro-latines comme la salsa et la bachata.Aujourd'hui, elle est reconnue pour son enseignement du Heels, qu'elle associe à la technique, la musicalité, l'expression et la confiance en soi et intervient en France et à l'international.Dans cet épisode, on va parler de son parcours, du Heels, de la sexualisation du corps des danseuses, de la féminité, des danses de couple et de l'impact des réseaux sociaux dans le milieu de la danse.

On parle souvent du résultat, mais beaucoup moins de tout ce qu'il y a avant.Dans cet épisode, on a parlé photo de danse, évidemment. Mais surtout de tout ce qu'on ne voit jamais. [Comme d'hab]Duy-Lau raconte comment il s'est lancé presque par hasard en 2020, en photographiant ses amis danseurs.Et bien sûr, être photographe de danse, ce n'était pas juste appuyer au bon moment sur un bouton.➜ Il faut comprendre le mouvement, anticiper, observer.Et donc il y a toutes ces heures de travail invisibles derrière une seule image.➜ La sélection, les retouches, les essais...Oui, une photo peut représenter des heures de boulot.On a aussi parlé de l'IA.➜ Est-ce qu'elle fait peur dans ce domaine ?Aujourd'hui, pas vraiment.Elle accélère certaines étapes, oui, comme la pré-prod et post-prod.Mais créer, ressentir un mouvement, raconter une histoire avec une image, aujourd'hui, ça reste encore profondément humain.J'ai tapé comme d'habitude mon meilleur fou rire sur les robots danseurs, sans moquerie, mais je transpose sur des humains et je trouve ça drôle. [J'espère que vous avez les réfs des robots danseurs]On a aussi parlé d'un autre de mes sujets préférés : celui de l'entrepreneuriat.Il a dit :"Monter une entreprise, à tous ceux qui le font…"J'ai répondu en rigolant :"Ne le faites pas."En réalité :➜ Il faut y croire à 200 %.➜ Accepter les remises en question.➜ Choisir les bonnes personnes.➜ Et parfois accepter que malgré tout ça ne fonctionne pas.Comme l'échec de leur application, développée après le Covid.Deux ans de travail.Beaucoup d'énergie.Et un jour, réaliser qu'il fallait s'arrêter.Oui, ça fait mal.Mais parfois, savoir s'arrêter, c'est aussi avancer, et surtout potentiellement rester en bon terme avec tes associés.Ce que je retiens surtout de cette conversation, c'est cette phrase qu'il dit :"La curiosité, c'est ce qui m'a permis d'être là où je suis aujourd'hui."Et finalement, je rajouterai que la curiosité c'est une des clés du succès.Bonne écoute

J'ai accueilli Duy-Laurent Tran, plus connu sous le nom de Duylau, photographe, vidéaste et producteur audiovisuel, spécialisé dans la danse et les arts vivants.Ancien développeur web formé à EPITECH, il se tourne en 2020 vers la photographie après une formation auprès de Little Shao, qui marque un vrai tournant vers la culture hip-hop et les danses urbaines.Aujourd'hui, il collabore avec de nombreuses institutions, festivals et compagnies comme La Villette, le Théâtre de Suresnes Jean Vilar, la Fondation EDF, le Fusion Concept Festival ou encore auprès de Mazelfreten et Leïla Ka. Son travail explore le mouvement, l'éphémère et la diversité des corps à travers des images de scène, des portraits et des reportages.Dans cet épisode, nous allons aborder son parcours de la tech à la photo, son rapport à la danse, la place de l'image dans le milieu chorégraphique, ainsi que les enjeux liés aux réseaux sociaux, à la tech et à l'intelligence artificielle.

Encore aujourd'hui, quand on parle de notre métier, on entend :"Tu fais quoi de la danse ? Bah oui mais à part de la danse tu fais quoi ?" [Je souffle]Avec le recul, Charlotte réalise pourtant que ses études de commerce lui ont aussi servi dans sa carrière de danseuse : notamment pour lui permettre d'entreprendre.Car oui, un danseur et un entrepreneur [Et je clos le débat ici]On a aussi parlé de transmission :➜ De ces professeurs qui marquent une vie,➜ De ceux qui oublient que leurs élèves ne leur appartiennent pas,➜ Et de l'importance d'aller voir ailleurs pour continuer à grandir.Puis Charlotte raconte sans détour pourquoi elle a fini par quitter le milieu de la danse.Une décision qu'elle a longtemps vécue comme un échec, avant de comprendre qu'elle avait peut-être simplement choisi de se protéger de la toxicité du milieu :➜ Les coups dans le dos➜ Le cyber-harcèlement➜ L'hypocrisie➜ La jalousieComme s'il fallait presque accepter les haters comme une conséquence normale du succès.Pourtant, non.Et aujourd'hui, quand elle parle de sa plus grande richesse, elle ne parle ni d'une scène ni d'un contrat.➜ Elle parle de l'amour, de sa famille, de son enfant.Un épisode qui rappelle qu'aucune carrière ne vaut le prix de perdre qui l'on est.Et c'est important de se le rappeler.

Aujourd'hui, j'accueille Charlotte Baret, danseuse, professeure de danse et chorégraphe.Après des études en école de commerce et une spécialisation en finance, Charlotte choisit de suivre sa passion pour la danse. Formée auprès de nombreux professeurs de renom à Paris, puis au Broadway Dance Center à New York, elle a notamment été mentorée par Shirlene Quigley et Brian Friedman, dansé avec Carmit Bachar des Pussycat Dolls et développé une carrière reconnue dans l'enseignement du street heels et la chorégraphie avant de prendre la décision de s'éloigner du milieu.Dans cet épisode, nous revenons sur son parcours atypique, de la finance à la danse professionnelle, sur les raisons qui l'ont amenée à quitter le milieu, son regard sur les infrastructures de la danse en Suisse, ainsi que sur son parcours vers la maternité et l'impact de celle-ci sur son corps, son identité et sa relation à la danse.

Il y a plein de petites phrases qui me restent dans la tête.Dans cette conversation, on a parlé de tout ce qu'il y a derrière une carrière qu'on imagine souvent "réussie"➜ On a aussi parlé du heels.Parce que oui, enfin non, ce n'est pas juste mettre une paire de talons et un joli outfit.Derrière, il y a beaucoup de travail, de la technique, de la rigueur.On a parlé des cours de danse aussi :➜ De l'intention avec laquelle on vient apprendre.➜ Des valeurs qu'on transmet.➜ De l'hypocrisie qu'on peut parfois croiser dans ce milieu, sans faire semblant que ça n'existe pas !Et puis il y a eu ces sujets dont on ne parle pas assez : les contrats qu'on signe sans être accompagnés.es, le manque d'éducation sur nos droits, la maternité qui fait encore douter certains de notre engagement …J'ai simplement beaucoup aimé sa manière de dire les choses, sans chercher à plaire à tout le mondeSon message est simple : reste discipliné.e, fais les choses avec les bonnes intentions, ne laisse pas les autres définir ce que tu peux accomplir et si la passion est là :➜ Continue d'avancer !J'ai hâte de savoir ce que vous retiendrez de cet épisode :)

J'ai accueilli Yasmine Habib, danseuse, chorégraphe et professeure de danse.Née en région parisienne, elle débute la danse dès l'âge de 6 ans au conservatoire, où elle explore successivement le contemporain, le classique puis le jazz.À 16 ans, elle intègre l'académie de danse de Gournay sur audition auprès de Sabrina Lonis, qui deviendra une figure clé de sa formation. C'est là qu'elle découvre le lyrical, le hip-hop commercial et le heels, styles dans lesquels elle se spécialise et développe son univers artistique.Très tôt, elle enchaîne les projets professionnels et se forme régulièrement à Los Angeles, affinant sa signature et sa vision de la danse. Aujourd'hui, elle partage son expérience à travers des workshops et des cours particuliers à Paris.Dans cet épisode, on a parlé de son parcours de danseuse et d'artiste, de la féminité, de la maternité, des réalités du milieu de la danse (auditions, jalousie, hypocrisie, coups bas) et de son livre.

Je sais pas trop comment parler de l'épisode 117 avec Tatiana, mais j'ai eu l'impression d'écouter quelqu'un qui se posait les bonnes questions et ça m'a fait réfléchir avec elle.Comme cette sensation de ne pas trop savoir si on existe en dehors de la danse.Et en même temps, ce besoin d'y retourner tout le temps parce que c'est là que ça parle le plus fort.On a parlé de son spectacle Descendantes de combattantes, de ce que ça veut dire de porter une histoire, de la rendre plus grande que soi, presque universelle. De parler de la femme, de mettre en lumière les femmes noires.➜ De cet endroit si précieux qu'est la scène comme endroit où on vient dire les choses qu'on n'arrive pas forcément à dire ailleurs.Et puis il y a eu des sujets qui arrivent naturellement : la maternité et ce moment où les appels se font moins nombreux sans qu'on ait vraiment de réponse claire …On a parlé d'ambition, de travail surtout.De cette idée qu'on a un peu banalisé le fait d'être danseureuse, alors que derrière il y a des années de construction, de culture, de remise en question.Ce que je retiens surtout, c'est ce conseil qu'on lui a donné et qui m'a touché : Pour qu'on t'écoute et qu'on te regarde sur scène, il faut vivre.

J'ai accueilli Tatiana Seguin, danseuse, chorégraphe, metteuse en scène, autrice et directrice artistique.Formée au Conservatoire National Supérieur de Paris puis à l'Alvin Ailey School de New York, elle a travaillé auprès de Kylie Minogue, Beyoncé, Beyoncé, Loïc Nottet, Kamel Ouali, Stéphane Jarny, Kamel Ouali, Disneyland Paris ou encore sur de nombreuses productions télévisées, avant de créer sa propre compagnie et de développer aujourd'hui un projet profondément personnel : Descendante de combattantes.Au fil de cet échange, nous avons parlé de longévité dans la danse, d'identité, de transmission, du coût caché de l'ambition, des raisons pour lesquelles certains danseurs construisent une carrière durable quand d'autres disparaissent du métier, mais aussi de ce que signifie, finalement, trouver sa propre voix en tant qu'artiste.

Il y a des épisodes où je sais, dès les premières minutes, qu'on va parler de bien plus que de danse !On a commencé par revenir sur une blessure liée à un accidentLe genre de moment où la seule question qui tourne en boucle c'est :➜ "Est-ce que je vais pouvoir redanser ?”Et puis, on a parlé de tout ce qu'on ne montre pas toujours dans ce métier :➜La peur de dire qu'on est blessé parce qu'on risque de perdre un contrat AH !➜Les chorégraphes qui élèvent leurs danseurs et ceux qui pensent encore que la pression ou la tyrannie font progresser AH !➜La précarité qu'on finit parfois par trouver "normale" AH !➜Les salaires qui n'ont pas suivi l'inflation AH !➜Ceux qui vivent bien, ceux qui vivent et ceux qui survivent AH ![Ayez la réf de Denis Brogniart svp]Mais on a aussi parlé de transmission, de pédagogie, de l'importance d'une bonne formation et surtout d'une question que je trouve essentielle : quel.le danseur.ses on a envie d'être, et pourquoi on fait ce métier ?Et évidemment on a terminé par parler des collaborations qu'on aimerait oublier.On a failli donner des noms !Mais évidemment on s'est retenus[La diffamation toussa toussa quoi]Franchement, c'était une conversation sans filtre, avec des choses qu'on entend rarement dites aussi franchementJ'ai hâte de savoir ce qui vous marquera le plus dans cet épisode :)

Aujourd'hui, j'accueille Julien Ramade, danseur, chorégraphe, assistant chorégraphe et interprète pour la scène, la comédie musicale, le théâtre et le cinéma.Formé à Epsedanse à Montpellier, Julien passe par le Ballet Junior de Genève, puis le Ballet National de Marseille, avant de rejoindre la comédie musicale Résiste. Il travaille ensuite pendant plusieurs années avec Marion Motin, à la fois comme interprète et comme assistant chorégraphe.Dans cet épisode, on revient sur son parcours, les différents univers qu'il a traversés, et surtout sur la réalité du métier de danseur aujourd'hui. On parle du corps, des blessures, du rythme, de la précarité, de la place des réseaux et de ce que ça veut vraiment dire de durer dans ce milieu.On prend aussi le temps de s'arrêter sur un sujet important pour lui : l'assistanat chorégraphique, un rôle très présent dans son parcours mais encore assez peu visible dans le monde de la danse.Un échange concret sur les coulisses du métier et la manière dont une carrière peut évoluer, changer et se construire dans le temps.

Quand j'ai contacté ma kinésithérapeute, Laura Malié-Leclerc, je savais qu'on allait toucher à quelque chose de très concret pour les danseureusesOn est parties d'un constat simple : Il y a encore un vrai décalage entre “se sentir artiste” et “accepter d'être aussi un.e athlète”.➜ Et pourtant, le corps, c'est notre outil de travail.Donc forcément, ça demande de l'entretien !On a parlé échauffement et du fait que ce n'est pas une option mais une OBLIGATION.On a aussi parlé de prévention parce qu'au final une grande partie des blessures ne sont pas des gros accidents, mais des micro-traumatismes répétés qui s'installent sans qu'on s'en rende compte.Elle le dit :➜La douleur, c'est un signal.Dons ce n'est pas un truc à ignorer.Et ça m'a vraiment marqué parce que dans la danse, on a parfois tendance à normaliser ça : “Ça fait mal mais je continue”On a aussi ouvert une vraie question : est-ce que les kinés devraient être intégrés dès la création chorégraphique ?Et la réalité économique derrière tout ça, parce que oui prendre soin des danseureuses, ça devrait être un budget à part entière, pas un luxe.➜ D'ailleurs je t'invite à tagguer @culture_gouv et @sports.gouv pour que des budgets soient alloués aux soins pour les danseurs.ses, pendant les représentations et/ou hors représentations.Et au milieu de cet épisode, il y a aussi l'optimisme, l'alimentation, les tabous et cette idée toute simple qu'on oublie souvent : si ton corps est ton outil, alors tu dois en prendre soin comme tel.Bref, un échange très concret, parfois un peu cash, drôle aussi, mais qui remet pas mal de choses à leur place, comme je l'aime !

J'ai 'accueilli Laura Malié-Leclerc, kinésithérapeute du sport spécialisée dans les pathologies liées à l'activité physique, et plus particulièrement dans le monde de la danse.Elle accompagne depuis plusieurs années des danseurs, avec une approche tout terrain : prévention des blessures, rééducation, et préparation physique pour les aider à être prêts pour leurs spectacles, leurs saisons ou leurs concours. Elle suit aussi bien des danseurs de ballet que des danseurs issus d'autres univers.Elle intervient notamment à l'Opéra national de Paris, auprès du ballet, mais aussi dans d'autres compagnies et auprès de danseurs en formation ou en préparation de concours comme le CNSMD de Paris.Elle travaille également au Centre Santé Sport à Paris, où elle prend en charge des sportifs et danseurs aux profils variés.Avant ça, elle a évolué dans différentes structures comme l'IMSS Stade Français, l'INSEP ou encore des centres spécialisés en santé du sport.Dans cet épisode, on va parler de son quotidien avec les danseurs : la gestion des blessures, la préparation du corps à l'effort et surtout l'équilibre entre la performance artistique, la santé physique et mentale.

Il y a une phrase qui m'a particulièrement marquée dans cet échange :"Tu contribues à un système qui ne valorise presque plus le talent, mais qui valorise le jugement sur un physique. Je ne veux pas cautionner ça, donc j'arrête."Je trouve qu'il faut beaucoup de courage pour prendre une décision comme celle-là.Parce qu'elle n'a pas arrêté de danser par manque de passion.➜ Elle a arrêté une carrière dans laquelle elle ne se retrouvait plus car elle en avait marre d'être jugée sur son apparence avant même que son talent ait eu le temps de s'exprimer.Dans cet épisode, on a parlé de la réalité du milieu commercial, des castings à répétition, du regard porté sur les corps et de cette sensation permanente de devoir prouver sa valeur.Mais aussi de ce qu'il faut développer pour construire une carrière qui dure.Parce qu'on le sait, le talent ne suffit plus !J'ai aussi aimé son regard sur l'accompagnement des artistes et sur un sujet dont on parle encore peu dans la danse : la place des agents.➜ Il n'y en quasiment pas en France pour les danseurs.ses !Ce que je retiens surtout de cette conversation, c'est l'importance de rester aligné avec ses valeurs, même lorsque cela implique de prendre des décisions difficiles !L'intégrité et les valeurs, for ever.

Aujourd'hui j'accueille Rose Otentick, danseuse, productrice, accompagnatrice d'artistes et fondatrice de l'agence Cypher.Nourrie dès l'adolescence par la culture hip-hop des cercles et des quartiers, elle transforme une passion viscérale en un parcours exemplaire. Repérée pour son groove et son authenticité, elle fait ses premiers pas sur scène avec la compagnie O'tentick, avant de briller dans l'univers du spectacle vivant, des clips et des tournées.Curieuse, audacieuse et résolument tournée vers l'humain, elle bifurque vers la gestion de projet, tout en gardant la scène comme ancrage. Elle co-crée en 2013 « Le Rendez-vous », premier événement waacking et voguing en France, puis rejoint le groupe Juste Debout pour orchestrer l'un des plus grands événements de danse urbaine au monde.En 2024, elle fonde l'Agence Cypher : un espace d'accompagnement, de transmission et d'empowerment pour les artistes des cultures hip-hop. Son fil conducteur ? Révéler les talents, structurer les trajectoires, et bâtir des ponts entre la scène, les institutions et les marques. Toujours avec cœur, exigence et vision.Dans cette épisode, on va parler d'évolution, de reconversion et de comment construire une carrière durable dans la danse.

Il y a des épisodes où l'on parle de carrière, de contrats ou de réussite.Et puis il y a ceux qui te font réfléchir à quelque chose de beaucoup plus profond :➜ "S'il n'y a plus le mot danse, qu'est-ce que je suis ?"C'est probablement la phrase qui m'a le plus marquée pendant cet échange.Alors, on a évidemment parlé de krump mais surtout de ce que cette danse révèle chez celles et ceux qui la pratiquent.On a aussi parlé de sa place de pionnier qu'il occupe aujourd'hui dans le milieu.➜ Et pourtant c'est une place qu'il n'a jamais cherchée.Il a simplement cherché à être lui-même, à suivre sa route, sans devenir une figure.Et puis il y a eu cette discussion autour du dépassement de soi jusqu'à parfois atteindre un point de saturation.➜ Au point de vouloir arrêter complètement la danse après la tournée de Madonna.J'ai trouvé ça à la fois dingue et tellement réel !Ce que j'ai trouvé particulièrement intéressant, c'est le lien qu'il fait entre la danse et les sports de combat :

J'ai accueilli Grichka Caruge aka Grichka Rootz, danseur, chorégraphe, directeur artistique et pionnier du KRUMP en France.Formé à différents styles, du classique au hip-hop, il construit très tôt un parcours riche entre scène, création et transmission.Après la découverte du KRUMP au milieu des années 2000, il part à Los Angeles pour se reconnecter aux racines de cette culture et devient l'une des figures majeures de son développement en Europe.À travers ses créations, ses collaborations internationales et son travail autour du mouvement, Grichka explore le corps comme espace d'expression, de conscience et de transformation.Dans cet épisode, nous avons parlé des origines du KRUMP, de son évolution en France, mais aussi de création, de transmission et du lien entre la danse, les sports de combat et le rapport au corps.Retrouvez l'épisode entier sur toutes les plateformes d'écoute le MARDI 2 JUIN dès 00:00 !

Y a un truc qui m'est restée après cet échange.Cette idée que la peur, c'est peut-être pas un panneau “danger”, mais parfois un panneau “vas-y”.On attend souvent d'être prêts, d'être validés.De se sentir légitimes avant de prendre une place, de tester un projet, de parler, de créer autre chose que “la case” dans laquelle on nous connaît.Mais au fond, comment tu sais ce qui te plaît si tu t'autorises jamais à essayer ?On a parlé de cette tendance qu'on a à s'excuser d'exister, à remercier mille fois dès qu'on nous donne un peu de place. Comme si prendre sa place devait forcément être mérité avant même d'avoir commencé.➜ Qu'est-ce qu'on a ri à ce moment !Et puis on a parlé de terrain aussi :➜ Du fait de chercher, douter, se remettre en question. Parce qu'en vrai évoluer en tant qu'artiste, c'est pas avoir toutes les réponses.C'est continuer à explorer même quand ça fait peur, comme un entrepreneur quoi !J'ai aussi beaucoup aimé ce moment où on parle du fait de ne pas se définir uniquement à travers le regard des autres.De vivre de sa passion sans oublier qui on est vraiment derrière l'image, derrière le métier, derrière ce qu'on projette.Bref, c'est un épisode qui parle d'oser, mais pas forcément pour être opportuniste, juste pour se découvrir soi-même un peu plus.Et perso j'ai adoré, j'avais besoin d'entendre ses/ces mots.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Aujourd'hui j'accueille Lÿdie La PëstE, artiste aux multiples facettes : danseuse, chanteuse, poétesse et maîtresse de cérémonie.Formée au hip-hop auprès de Marguerite Mboulé des Boogie Saï, elle construit très vite un parcours éclectique entre la danse, la musique et les scènes internationales. Elle développe aussi l'écriture et le chant grâce à sa rencontre avec le musicien Shay Mané, et explore la scène dans toutes ses dimensions : performance, parole, scénographie et musique.Figure du hip-hop en battles et performeuse reconnue, elle participe à des projets comme Les Swaggers de Marion Motin ou encore FELA! The Musical à Londres et A Season in the Congo de Joe Wright.Aujourd'hui, elle présente son seule-en-scène Reine de Cœur, un projet intime entre chant, humour et introspection.Dans cet épisode, elle revient sur son parcours d'artiste hybride, la nécessité de sortir des cases et la place de la créativité dans la construction d'une identité artistique libre et multiple.

J'ai accueilli Johan Nus, chorégraphe, metteur en scène, directeur artistique et nouveau directeur de l'AICOMIl est diplômé de la Royal Academy of Dance, titulaire du Diplôme d'État de danse classique et d'un Master en économie industrielle (Université Nancy II). Il s'est également formé en danse contemporaine au CND de Lyon, ainsi qu'en chant et en théâtre.Il a dansé dans de grandes productions de comédie musicale (Grease, My Fair Lady, Un violon sur le toit), avant de devenir chorégraphe et metteur en scène pour des œuvres majeures comme Carmina Burana, The Wall, Le Lac des cygnes sur l'eau, ainsi que de nombreuses créations internationales pour l'opéra, le musical et des événements pour des maisons comme Disney, Hermès ou Amazon.Dans cet épisode, on parle de son langage chorégraphique, de la construction d'un spectacle, de la place de l'interprète, de l'exigence du métier, mais aussi de santé mentale, de collectif et de légitimité dans le monde artistique.

Aujourd'hui, j'accueille Frédéric Fontan, artiste, scénographe, directeur artistique et consultant, fondateur de Studio Fontan, un studio nourri par plus de 20 ans d'expérience.Titulaire de trois masters, en Art & Divertissement, en ingénierie des hautes technologies, et en communication, Frédéric a consacré sa carrière à créer des liens entre différents domaines et cultures.Il a d'abord passé 10 ans sur scène en tant qu'artiste soliste et créatif en coulisses, travaillant dans le ballet, l'opéra, les comédies musicales et le cinéma, aux côtés d'icônes telles que Luc Besson, Molly Molloy, Hiroaki Omote, Pierre Boulez, Christoph Eschenbach, Boris Charmatz, etc.Puis, diplômé de la Sorbonne University, Frédéric a mis à profit ces expériences et connaissances dans les domaines de l'événementiel et de l'image pour travailler avec des entreprises internationales de communication ainsi qu'avec des marques de premier plan dans les secteurs du luxe, de la mode, du divertissement, du tourisme, de l'industrie et des médias.Son style de curation et de direction créative constitue un pont équilibré entre recherche, innovation, art, culture, mais aussi communication et marketing.Grâce à la confiance que lui accordent ses clients, il est constamment motivé à développer avec eux des actions innovantes et créatives.Par ailleurs, il poursuit la transmission de sa passion à travers le coaching, les masterclasses et les conférences, que ce soit auprès d'agences, de marques ou d'universités.Dans cet épisode nous allons parler de son parcours, de création, de transmission, mais aussi de résilience, de santé mentale et de ce qui fait tenir dans ce métier sur le long terme.

Aujourd'hui j'accueille Indies Rhino, danseuse, chorégraphe et professeure de danse.Née à Toulouse, Indies danse depuis son plus jeune âge. À 15 ans, elle intègre une compagnie de danse hip-hop dans le sud de la France. C'est à ce moment-là que son amour pour la danse grandit.Après de nombreux voyages à l'étranger, elle s'installe à Paris où elle travaille comme danseuse et professeure de danse depuis plusieurs années.Elle a chorégraphié et dansé dans plusieurs clips, publicités, shows et événements, aux côtés de Piche, Ckissa, Vince, et pour JD Sports, Sephora, Westfield, l'ouverture de World Rugby Seven Series et Diamond Dance. Elle a également remporté des titres lors de concours chorégraphiques avec le groupe Coezion.Dans ses cours, elle propose un espace bienveillant où la technique, les nuances d'énergie, les niveaux et la musicalité sont au cœur du travail.Dans cet épisode, on parlera son parcours, sa place dans le milieu de la danse, les questions de personnalité et de représentation, mais aussi son regard sur l'enseignement et ce qui nous pousse vraiment à danser aujourd'hui.

J'ai eu le plaisir d'accueillir Maëva Deschaud, contrôleuse de gestion, business partner et entrepreneuse.Dyslexique et sans parcours scolaire classique, elle construit pourtant un chemin jusqu'à un Master en contrôle de gestion.Elle développe une approche humaine et globale de la finance, en explorant le transgénérationnel, les blocages inconscients et notre rapport à l'argent.Fondatrice du média Dear New Era, elle parle d'argent autrement et accompagne notamment des entrepreneurs dans les milieux créatifs. Très connectée au monde artistique, la danse occupe une place importante dans sa vie.Son objectif : réconcilier les artistes avec l'argent et en faire un outil de liberté.Dans cet épisode, on parle de parcours atypique, de croyances autour de l'argent et de solutions concrètes pour mieux gérer ses finances dans les milieux artistiques.

J'ai accueilli Tijo Aimé aka Didier Firmin, DJ et figure emblématique de la scène house parisienne. Depuis ses débuts, il a été nourri par la culture hip-hop et la danse, avant de tomber amoureux de la house music et de ses multiples styles.Après un passage à New York, il revient à Paris et lance le projet Spirit N'move, puis en 2004 ses fameuses soirées Atmosphère, qui contribuent à façonner la scène house de la capitale. Tijo a mixé dans des clubs mythiques comme le Rex Club ou Concrète , et sur des scènes internationales.Reconnu pour son expertise musicale et sa sensibilité à la danse, il est également invité lors de grands événements de house dance tels que Juste Debout, Summer Dance Forever, Flavorama ou Random Circle.Ce soir, il nous fait voyager à travers les époques et les styles de la house.

Le 15 février 2026, j'étais à Césure, ce tiers-lieu axé sur la transmission des savoirs sur l'ancien campus Censier de la Sorbonne-Nouvelle, à Paris et je me trouve dans cette immense espace de 1000 m² appelé Grand Plateau, j'ai interviewé Mounir Amhiln, chorégraphe et directeur artistique de la cie Rodin, basé à Paris.Il explore la puissance émotionnelle du mouvement à travers des créations mêlant performance vivante et conception visuelle.Mounir vient présenter sa dernière performance à SIGNATURES, son duo Aqua soutenu par La Villette et IADU.Signature c'est quoi, c'est une exposition collective qui réunit des artistes de différentes disciplines : du graphisme à la danse en passant par la sculpture et la vidéo.Pour cette occasion, il partage la scène avec Théo Farjounel et Théodore Brizec son musicien qui performera en live, transformant l'événement en une véritable étape de travail.Nous parlerons de sa démarche artistique, de la rencontre entre hip-hop, danse contemporaine et arts visuels, ainsi que de son duo. Un épisode pour comprendre comment croiser les disciplines peut révéler de nouvelles formes d'émotions et d'expériences artistiques.

J'ai accueilli Amalia Salle, chorégraphe et professeure de danse.Amalia développe un univers à la croisée du hip-hop et du contemporain, entre création, transmission et pièces engagées.Fondatrice de Paris Can Dance et de sa compagnie Amalia Salle, elle porte des projets qui questionnent notre société autant qu'ils mettent en lumière les interprètes.Dans cet épisode, on parle de ce que ça implique vraiment d'être chorégraphe aujourd'hui : poser un cadre, guider ses danseurs.ses sans dépasser les limites et créer des pièces qui demandent de la sincérité et de la vulnérabilité.On aborde aussi son processus de création, sa perception de la nudité, la place des femmes dans la danse et le rôle de l'art dans notre société.

Le 15 février dernier, j'étais à Césure, ce tiers-lieu axé sur la transmission des savoirs sur l'ancien campus Censier de la Sorbonne-Nouvelle, à Paris et je me trouvais dans cette immense espace de 1000 m² appelé Grand Plateau, accompagnée de Théophile Bensusan, plus connu sous le nom de Rokej, danseur, chorégraphe et directeur artistique de la Cie Benthé.Issu de la culture hip-hop et du freestyle, il développe depuis près de vingt ans une danse à la croisée des disciplines, entre battle, création scénique et performance.Pour Signatures, il propose une expérience plurielle : une création vidéo “THE LOUDEST IN THE ROOM”, quatre transats pour une performance en direct et deux broderies exposées intitulées Sans titre.Sa démarche reflète une exploration constante de nouveaux matériaux et de nouvelles façons de raconter le mouvement, en jouant avec la musique, la lumière, la scénographie et même les costumes.Nous avons parlé de sa vision de la danse comme un langage vivant et flexible, de son approche pédagogique et artistique, et de la manière dont il décloisonne le hip-hop pour l'amener vers des formes inattendues et évolutives avec notamment la création de Signatures.

Dimanche 1er mars j'étais avec Nelson à Freestyle Villette.Nelson est danseur, chorégraphe et directeur artistique, reconnu comme l'un des meilleurs de sa génération : détenteur du record de victoires dans les plus grands battles de danse freestyle au monde : le fameux "Juste Debout" et le “Summer Dance Forever” [3 fois] et le “Fusion Concept” [2 fois].Avec son palmarès impressionnant et son expérience internationale, il est la personne idéale pour nous partager tous ses meilleurs conseils et ses responsabilités en tant que juge.

J'ai accueilli Maxime Rullier, danseur, professeur de danse, chorégraphe.Après un parcours de formation académique, et une carrière de danseur challengeante mais épanouissante malgré tout, il décide de faire un virage à 90° : quitter le schéma de l'intermittence classique, et se consacrer à sa réelle passion : l'enseignement du Heels et de la danse de manière générale.Il casse les codes et partage sur les réseaux sociaux son quotidien. Malgré beaucoup de critiques et de harcèlement homophobe, il garde malgré tout la bienveillance nécessaire pour continuer son chemin.Dans cet épisode, nous abordons la face cachée des réseaux sociaux dans le monde de la danse : leur impact sur la santé mentale, les mécanismes du harcèlement en ligne, mais aussi les alternatives professionnelles possibles pour les danseurs, au-delà de l'intermittence.

Dimanche 1er mars j'étais avec Joseph Go N'Guessan à Freestyle Villette.Joseph est danseur, chorégraphe, vainqueur de battles comme Le Juste Debout, jury sur les plus grandes scènes internationales mais aussi créateur de projets comme Focus On The Groove.Dans cet épisode, on a parlé d'identité dans la danse, de groove et de pourquoi les artistes devraient oser entreprendre.

J'ai enregistré cet épisode à Césure, ce tiers-lieu axé sur la transmission des savoirs sur l'ancien campus Censier de la Sorbonne-Nouvelle, à Paris.Dans cet immense espace de 1000 m² appelé Grand Plateau, j'étais accompagnée de Kanti, danseur et artiste visuel, qui explore le hip-hop et le break à travers une approche inédite : transformer le mouvement en trace. Inspiré par le Gutai, l'Action Painting, et des artistes comme Pierre Soulages ou Anne Teresa De Keersmaeker, Kanti utilise ses mouvements pour créer des œuvres graphiques sur toile et papier.Ses « fluidités », comme il l'aime l'appeler, sont des mouvements rapides et précis de ses jambes, laissant des marques qui deviennent un alphabet visuel, à mi-chemin entre performance et création plastique.Dans cet épisode, nous parlerons de l'éphémérité de la danse, de son lien avec l'art visuel et de la manière dont il capture l'énergie du corps pour la transformer en traces tangibles.

Aujourd'hui, j'accueille Marion Crampe, artiste française du mouvement à la renommée internationale. Championne de France de pole dance et multiple finaliste mondiale, elle s'impose dès les années 2010 sur la scène aérienne avant de tracer une voie artistique bien au-delà de la compétition.Elle a performé sur des scènes prestigieuses comme le Friedrichstadt-Palast, les GOP Varieté-Theater, le spectacle Ali di Libertà de Andrea Bocelli, le Lío Ibiza ou encore le The Ellen DeGeneres Show. Elle est aussi reconnue pour son travail en suspension capillaire et en danse sous-marine, notamment avec le photographe Bastien Soleil.Dans cet épisode, Marion revient sur un parcours débuté après 20 ans, qui bouscule les idées reçues sur l'âge et la légitimité. Elle partage sa vision du corps comme langage, la discipline derrière la fluidité, l'art de se réinventer et des clés pour durer et créer librement dans un milieu exigeant.

Aujourd'hui j'accueille Sofia, DJ, danseuse et organisatrice de Waack in Paris. Originaire de Pologne, elle s'installe à Paris en 2017 et s'impose rapidement sur la scène club tout en participant à de nombreux événements de danse à travers l'Europe. Elle a joué dans des clubs emblématiques comme le Djoon, le Silencio ou La Mona, et sur des festivals internationaux. Passionnée par la musique et la danse, Sofia aime créer des expériences immersives sur le dancefloor, où chaque set devient un voyage.

Aujourd'hui j'accueille, Mab'ish, artiste française basée à Bruxelles, à la fois DJ, productrice, danseuse et chorégraphe. Co-directrice du label Beat X Changers, elle défend une culture club inclusive et créative à travers ses soirées Tap water Jam et Rise & Shine et ses projets persos. Sur scène, Mab'ish mélange musique et danse, et ses DJ sets sont pensés comme de véritables expériences collectives. Elle continue également à développer des projets artistiques comme Oswèla en tant que pianiste et danseuse ainsi que sa performance musique/danse : Cosmic Circle, développe en partenariat avec IADU La Villette.Ce soir, elle nous partage son univers house, où rythme et corps ne font qu'un.

Aujourd'hui, j'accueille Romain Mutant, acrobate et danseur sur la tournée Freedom Tour de Soprano.Sur scène, il combine acrobatie et danse pour donner au spectacle une énergie unique et spectaculaire. Il crée des passages visuellement impressionnants et assure une dynamique constante avec les autres artistes sur scène.Dans cet échange, nous allons découvrir sa préparation physique et artistique, sa collaboration avec le chorégraphe et le DA, et comment il vit la pression, le risque et l'intensité d'une tournée aussi grande.

Aujourd'hui j'accueille Kapela, danseur et DJ international, dont l'univers allie house dance, culture club et musique. Membre des collectifs Sérial Stepperz et Wanted Posse et fondateur de la soirée Soulful Sunday, il est devenu une figure incontournable de la scène house mondiale. Avec ses DJ sets et workshops, Kapela célèbre le mouvement, le groove et l'esprit collectif de la house, toujours dans un souci de liberté et d'authenticité. Ce soir, il nous embarque dans son énergie unique, en plein cœur de Freestyle Villette.

Aujourd'hui, j'accueille Krees De Almeida, artiste complet : danseur, comédien, acteur, stand-upeur et chorégraphe.Né en banlieue nord de Paris, Krees commence la danse en 2002, se spécialise en breakdance et se fait rapidement remarquer en participant à la Star Academy et à divers projets télévisés.Il collabore avec des artistes de renom comme Rihanna, M. Pokora, Shy'm, se produit sur des premières parties de Destiny's Child et Mary J. Blige, et apparaît dans plus de 50 clips, dont Bella de Maître Gims. Il devient également l'image de campagnes pour L'Oréal et Chanel.Passionné par la scène sous toutes ses formes, il explore le stand-up et joue au cinéma dans des films comme Les Nouvelles Aventures d'Aladin et Les Profs 2.Il a aussi été chorégraphe pour de grandes tournées, comme Julius AD FINEM de SCH et Gazo.Aujourd'hui, Krees est le chorégraphe et metteur en scène de Soprano sur la tournée Freedom Tour, et intervient également comme coach sur l'une des musiques du spectacle.Dans cet échange, nous allons plonger dans son univers de chorégraphe et découvrir comment il collabore avec les danseurs et artistes sur scène, et ce que signifie travailler sur une tournée comme celle de Soprano.

Je vous présenté Nadia Gabrieli Kalati aka « Nadéeya GK »Pour la 8ème édition de EN CORPS, La Place est fière de présenter « SAWATA », spectacle créé par NADÉEYA GK, fondatrice de la compagnie aKôt.Née au Cameroun, Nadéeya GK (Nadia Gabrieli Kalati) est une artiste chorégraphique pluridisciplinaire dont l'ancrage africain nourrit une trajectoire internationale. Porteuse de la mémoire bantoue (SAWA) et des énergies rituelles, elle mêle héritages africains, house dance et krump dans une écriture singulière. Formée auprès de Ousmane "Baba"Sy et diplômée de l'École des Sables, elle développe une danse dans laquelle chaque geste devient mémoire et guérison.Membre du collectif féminin Paradox-sal, elle s'est produite de New York à Paris, de Dakar à Lyon, et a collaboré avec Bintou Dembélé, Qudus Onikeku, Blick Bassy, Manu Dibango et Angélique Kidjo. Fondatrice de la compagnie aKôT, elle crée SAWATA, son premier solo chorégraphique; une traversée entre mémoire, spiritualité et renaissance.

Andréa et Géraldine Tshibuabua, deux danseuses belges inséparables, d'origine congo-libanaise, plus connues sous le nom des An&Ge Twins. Dans la vie comme sur scène, elles partagent les mêmes looks et une énergie solaire, les rendant immédiatement reconnaissable.Doubles championnes du monde de hip-hop en duo junior en 2017 et 2018, elles évoluent aujourd'hui comme danseuses professionnelles, mannequins et créatrices de contenu. À seulement 23 ans ?, elles dansent pour des TV shows et artistes majeurs tels que The Voice, Bianca Costa, Black M ou Aya Nakamura, et collaborent également avec des marques internationales comme Samsung, Disney ou H&M.Aujourd'hui, elles accompagnent Soprano sur la tournée Freedom, une expérience marquante qu'elles vont nous livrer dans cet échange

Pour la 8ème édition de EN CORPS, La Place est fière de présenter « Griot : Fo Lion », un spectacle créé par Dexter.Originaire du Libéria, Pierre-Claver Belleka aka Dexter découvre le Krump en 2006 et développe une gestuelle singulière qui mêle spiritualité et expérimentation. Formé au Sénégal au sein du programme Sunu Street, il cofonde la Compagnie La Mer Noire, lauréate du Pix Hip Họp Games 2015, avec laquelle il crée Gaou (2017) et Lowela (2021). Présent sur les différentes scènes internationales, il collabore avec Guinness et H&M, et remporte l'International Illest Battle en 2022. Interprète pour la Compagnie Pietragalla-Derouault et co-chorégraphe de Blind avec Hendrickx tela, Dexter est aujourd'hui une figure majeure du Hip Hop sénégalais et européen, reconnu pour ses workshops et jurys à travers le monde.

Dans ce court échange, je rencontre Lÿdie La PëstE, artiste plurielle et figure incontournable de la scène freestyle, danseuse professionnelle, chanteuse et maîtresse de cérémonie.Cette courte interview a été réalisée lors du battle “THE MOBB IS CALLING : vol.1”, dans le cadre de la Carte Blanche by Units, pendant le festival « En Corps », en partenariat avec le festival Playground des Rencontres chorégraphiques, au Point Fort d'Aubervilliers.Nous échangeons autour de sa place sur scène en tant que MC et de sa manière de faire avec son énergie à la fois douce, libre et affirmée qui la caractérise !

Soprano, artiste incontournable de la scène française.Originaire de Marseille, il débute dans le groupe Psy 4 de la Rime avant de se lancer dans une carrière solo.Soprano est reconnu pour ses textes engagés, son énergie communicative et sa capacité à rassembler sur scène un public de tout âges. Ses concerts ne se limitent pas à la musique : il est entouré de danseurs, acrobates et performeurs, et propose des shows immersifs où la scénographie, les chorégraphies et la performance collective prennent toute leur place.Dans cet échange nous allons découvrir son regard sur le travail d'équipe, la scène et l'énergie qui l'entoure.

J'ai posé quelques questions au gagnant du battle “THE MOBB IS CALLING : vol 1” lors de la carte Blanche by Units @units.mobb dans le cadre du Festival « En Corps » organisé par @laplacehiphop en partenariat avec @rencontreschoregraphiques93.Voici @sam_yudat membre du crew @y.u.d.a.t ! Danseur, DJ mais aussi fondateur de @elyte.studio !

Harmony Dibongue-Levy, artiste complète : Chanteuse, danseuse, comédienne.Elle a grandi dans la musique, découvert la danse par hasard à 6 ans, et a très vite enchaîné les expériences professionnelles. Dès 8 ans, elle tourne dans des séries et téléfilms, puis rejoint Le Roi Lion à 17 ans comme chanteuse et danseuse. Depuis, elle a travaillé sur Flashdance, Dirty Dancing, collaboré avec Soprano, M. Pokora, Wynn Holmes, ou encore Adidas et Reebok.Et pourtant, malgré ce parcours assez impressionnant, Harmony connaît aussi la frustration d'une carrière qui avance mais pas toujours comme elle l'espère : la pression des réseaux, la comparaison, et toutes les questions que se posent les artistes d'aujourd'hui.Dans cet épisode on va parler de tout ça : de son parcours, de ses doutes, de ses forces, et de ce qu'elle rêve encore d'accomplir.

Harmony Dibongue-Levy, artiste complète : Chanteuse, danseuse, comédienne.Elle a grandi dans la musique, découvert la danse par hasard à 6 ans, et a très vite enchaîné les expériences professionnelles. Dès 8 ans, elle tourne dans des séries et téléfilms, puis rejoint Le Roi Lion à 17 ans comme chanteuse et danseuse. Depuis, elle a travaillé sur Flashdance, Dirty Dancing, collaboré avec Soprano, M. Pokora, Wynn Holmes, ou encore Adidas et Reebok.Et pourtant, malgré ce parcours assez impressionnant, Harmony connaît aussi la frustration d'une carrière qui avance mais pas toujours comme elle l'espère : la pression des réseaux, la comparaison, et toutes les questions que se posent les artistes d'aujourd'hui.Dans cet épisode on va parler de tout ça : de son parcours, de ses doutes, de ses forces, et de ce qu'elle rêve encore d'accomplir.

Jessica Pantieri : gymnaste, danseuse, directrice artistique, artiste costumière.Avant la scène, elle vient d'un univers d'une exigence assez folle : la gymnastique rythmique de haut niveau, formée en sport-études, passée par le Centre National d'Évry puis l'équipe de France, avec des championnats du monde et des tournées internationales.Après la non-qualification olympique, elle quitte Paris pour le Sud et c'est là que tout bascule : elle découvre le cabaret, devient contorsionniste, acrobate, performeuse feu, pole dancer, artiste aérienne bref, une véritable créature polyvalente.Puis elle part créer ses solos entre Londres et l'Allemagne, enchaîne les dates à Saint-Barth, Dubaï, Monaco, tout en continuant ses études à sociologie science-po, vivant une vie d'artiste-vagabonde.Monaco lui ouvre ensuite une nouvelle porte : celle de manager de compagnie. Direction artistique, gestion des artistes, création de costumes, univers visuel. Tout s'aligne. Et à partir de là, les établissements de Paris à Marseille la sollicitent pour créer des projets complets.Dans cet épisode, on va parler de:Comment on traverse des mondes ultra-codifiés sans correspondre aux « critères »L'évolution du clubbing, les dérives et les changements de sociétéLa question sensible du recrutement, de l'image, du corps et du naturelComment le costume est devenu le cœur de sa créationEt comment on casse les frontières entre clubbing, mode, événementiel et spectacle.Bref, un échange sur la liberté, la vision, l'identité et la manière de se créer une place en restant toujours aligné à ses valeurs.

Jessica Pantieri : gymnaste, danseuse, directrice artistique, artiste costumière.Avant la scène, elle vient d'un univers d'une exigence assez folle : la gymnastique rythmique de haut niveau, formée en sport-études, passée par le Centre National d'Évry puis l'équipe de France, avec des championnats du monde et des tournées internationales.Après la non-qualification olympique, elle quitte Paris pour le Sud et c'est là que tout bascule : elle découvre le cabaret, devient contorsionniste, acrobate, performeuse feu, pole dancer, artiste aérienne bref, une véritable créature polyvalente.Puis elle part créer ses solos entre Londres et l'Allemagne, enchaîne les dates à Saint-Barth, Dubaï, Monaco, tout en continuant ses études à sociologie science-po, vivant une vie d'artiste-vagabonde.Monaco lui ouvre ensuite une nouvelle porte : celle de manager de compagnie. Direction artistique, gestion des artistes, création de costumes, univers visuel. Tout s'aligne. Et à partir de là, les établissements de Paris à Marseille la sollicitent pour créer des projets complets.Dans cet épisode, on va parler de:Comment on traverse des mondes ultra-codifiés sans correspondre aux « critères »L'évolution du clubbing, les dérives et les changements de sociétéLa question sensible du recrutement, de l'image, du corps et du naturelComment le costume est devenu le cœur de sa créationEt comment on casse les frontières entre clubbing, mode, événementiel et spectacle.Bref, un échange sur la liberté, la vision, l'identité et la manière de se créer une place en restant toujours aligné à ses valeurs.

Aujourd'hui, j'accueille Laura Masci, artiste pluridisciplinaire : danseuse, actrice, chanteuse.Formée au Conservatoire Royal d'Art Dramatique de Bruxelles elle est également passée par le hip-hop, le cabaret, la comédie musicale, le cinéma et le doublage.Elle a dansé dans un crew qui a représenté la Belgique au HHI à San Diego, joué dans Évita, travaillé au cabaret Oh César, participé à des shows comme le Magma Show, et dansé en tournée et de belles dates TV pour Kate Ryan.À l'écran, elle apparaît dans Miskina, Becoming Karl, L'Amour Ouf, Parlement, et tient deux premiers rôles dans les courts-métrages Rando et Les Fenêtres du Ciel.Son parcours est aussi fait de castings qui n'aboutissent pas, d'annulations comme liés au Covid, de solitude, d'échecs répétés et d'un rapport au corps marqué par la dysmorphophobie.Récemment, elle décroche le premier rôle féminin de la pièce musicale Tout va mâle d'Alex Goude et sort son premier single sous le nom de Niki Grace.Dans cet épisode, on parlera de pluridisciplinarité, pression physique, échec, solitude, et de la force qu'il faut pour continuer quand l'industrie ne te choisit pas.