Podcast appearances and mentions of chaya czernowin

Comment va la voix ? se passe dans le huis clos d'un cabinet d'orthophoniste. Au-delà de la pathologie, entre ces quatre murs se développe un travail profond de la voix, de la parole et de la mémoire. Lorsque la voix est blessée, que dit-elle de nous ? Que révèle-t-elle sans nous demander la permission ? Que se passe-t-il dans cet espace où l'on s'autorise à rater ? Dans l'éphémère d'un souffle, une chorale un peu folle de patient·e·s prend place, la relation intime du processus de soin se dessine et le cercle vertueux de l'écoute se révèle. "Comment va la voix?" un documentaire de création de Violette Raineri Mixage : Guillaume Raineri.  Ecoute extérieure : Antoine Richard. . Remerciements à Chloe Minoc et Sandrine Nourisson les orthophonistes et leurs patients.  Le livre "De vives voix" de Gaëlle Josse a accompagné Violette dans cette création. Avec le soutien du Ministère de la culture aux auteurs et autrices de podcasts et créations radiophoniques. Violette Raineri est diplômée d'un Master d'Études Théâtrales. Dans sa démarche de création, elle est à la recherche de nouvelles formes de narration grâce au son. Comment va la voix ? est son premier documentaire de création sonore.  Il a été sélectionné dans la carte blanche d'Irène Omélianenko pour les festival "Les Rencontres du Réel" Ii a obtenu une mention aux Phonurgia Awards 2024, catégorie "Archives de la parole". Cette création est suivie par le morceau "Adiantum Capillus-Veneris (MaidenhairFern) Etudes in fragility composé par  Chaya Czernowin, chanté par inbal Hever et joué par le Quatuor Jack Cette émission a été produite réalisée et présentée par Muriel KS

Motten, Hunger und Ehrfurcht? So heisst das neue Violinkonzert von Chaya Czernowin: Moths of Hunger and Awe. Schlägt sich da Politik nieder? «Dunkelheit und die blinde, intensive Bewegung der Motten und der Hunger, aber gleichzeitig die Ehrfurcht. Es ist in gewisser Weise das Gefühl, das ich in dieser Zeit verspüre: Hunger (für einige Menschen?), Dunkelheit und Ehrfurcht vor den grossen Kräften, die uns bewegen und über die wir einfach keine Kontrolle haben.»

Der Warschauer Herbst ist das bedeutendste internationale Festival für zeitgenössische Musik in Osteuropa. «Rzeczy brzmiace», «klingende Dinge» ist das harmlos anmutende Motto der 66. Ausgabe von 2023.  Im reichhaltigen Programm fanden sich aber eine äusserst breite ästhetische und formale Diversität sowie einige Kühnheiten. Eine Reportage. Knapp zwei Wochen vor der Parlamentswahl war die politische Stimmung aufgeheizt, aber der Warschauer Herbst unter der Hauptleitung des Komponisten Jerzy Kornowicz meisterte den heiklen Balanceakt zwischen Stimulus und Provokation. Das neuntägige Festival zeigte sich unbeirrt modern, vielfältig und auch thematisch am Puls der Zeit. Werke von arrivierten Grössen wie Bernhard Lang oder Chaya Czernowin waren genauso zu erleben wie solche der jungen polnischen und internationalen Komponier-Generation. Und auch die Liste der Interpret:innen war illuster und sehr breit gefächert: Sie reichte vom Klangforum Wien über die Warschauer Philharmoniker bis zum Radical Polish Ansambl und dem Nadar Ensemble. Das Festival zog ein derart junges Publikum in die über die ganze Stadt verteilten Spielstätten, dass manch andere Veranstalter durchaus mit etwas Neid nach Warschau blicken dürften. Diese junge Generation interessierte sich für neue Klänge wie für gesellschaftliche Themen. Und diese wurden auch aufgegriffen und reflektiert: Karol Nepelski etwa präsentierte «Zona» über die Situation an der Grenze zu Weissrussland, oder Nina Fukuoka ein Ensemblestück inklusive KI-Filmtechnik. Tagsüber gab es Klang- und Videoinstallationen im Czapski-Palast, und der niederländische Klangkünstler Hans van Koolwijk improvisierte in der ehemaligen Festung Fort Sokolnicki. Die Kleinen staunten über Agata Zubels Hologramm-Kinderoper «U?miech bez kota», und spätabends zog es die Grossen auch mal ins hippe «Pardon, To Tu», wo man Craftbeer zu Klavierstücken von Iannis Xenakis trinken konnte. Erstausstrahlung: 04.10.2023

Die israelische Komponistin Chaya Czernowin erzählt in "Zaïde / Adama" von einem palästinensisch-israelischen Paar. Ihre Musik kombiniert sie mit Mozart-Fragmenten. Nun ist Premiere am Theater Aachen, berichtet Stefan Keim. Von Stefan Keim.

Zum Auschwitz – Gedenktag bringt das Staatstheater Darmstadt außerplanmäßig die Kammeroper der israelischen Komponistin Chaya Czernowin auf die Bühne. In „Pnima“ geht es um die Weitergabe von Traumata an die nachfolgende Generation. In der Familie von Chaya Czernowin war das vor allem die Ermordung der Großeltern durch die Nazis und das Schicksal der zurückgebliebenen Kinder, ihre Eltern : „Als mein Vater 14 war, war er allein. Seine zwei Brüder und die schwangere Schwester wurden ermordet. Und auch meine Mutter ist in Polen mit ihren 8 – und 10 – jährigen Brüdern allein geblieben. Sie mussten jahrelang hungern“, so Chaya Czernwin. Die Eltern hätten später in Israel zwar über das Erlebte gesprochen, aber sie, die Kinder, durften nicht sagen, was mit ihnen los ist, bekamen nicht die Empathie, die nichttraumatisierte Eltern ihnen hätten geben können. In der Oper „Pnima“ ist der Zuschauerraum leer, das Publikum verfolgt das Stück von der Hinterbühne aus. Das symbolisiere die Leere, so die Komponistin. „Die Leere ist immer da, sie ist in uns. Das erfährt jeder, der Traumata, diesen unglaublichen Schmerz, erlebt hat.“ In der Oper wird nicht gesprochen, es gibt kein Libretto. „Das Schweigen ist kein ruhiges Schweigen, es steckt zwischen dem Bedürfnis zu sprechen und der Unmöglichkeit, weil alles zu heikel ist“. Sie habe die Oper zwar schon im Jahr 2000 geschrieben, also 23 Jahre vor dem Massaker der Hamas, aber die Themen der Oper seien immer noch lebendig und sie werden es in Zukunft sein.“ Der 7. Oktober passierte nicht in einem Vakuum. Es gab schon vorher Traumata, bei den Menschen in Gaza oder der Westbank. Aber für uns (Israelis) war es wieder ein Holocaust und es hat alle Gefühle von damals wieder zum Leben erweckt“, so Czernowin. Die Oper „Pnima – nach innen“ hat am Staatstheater Darmstadt am Samstag, den 27.1.24, Premiere.

„Musik ist mein inneres Land - das ist, wo ich lebe“, sagt die amerikanisch-israelische Komponistin Chaya Czernowin. In ihrer Kammeroper „Pnima…ins Innere“, die sie für die Münchner Biennale 2000 schrieb, blickt sie tief in innerste seelische Schichten und spürt ihrer eigenen Biografie als Tochter von Holocaust-Überlebenden nach.In ihrer Oper geht es um die Übertragung von Traumata.Das Werk kommt ohne Worte und Libretto aus, sondern macht mit Geräuschen, Silben, Musik und Klängen das Unaussprechliche hörbar.„Der Terrorangriff der Hamas am 7. Oktober 2023 stellt einen schockierenden Einschnitt für Jüdinnen und Juden dar, der viele Ängste und Traumata des Holocaust wachgerufen hat“, sagt Karsten Wiegand, Regisseur und Intendant des Staatstheaters Darmstadt.Deshalb hat das Theater seinen Spielplan geändert und führt am 27. Januar 2024, dem Tag des Gedenkens an die Opfer des Nationalsozialismus, „Pnima…ins Innere“ auf.Die Oper steht zusammen mit zwei weiteren Stücken vom 26. bis 28. Januar unter dem Aufruf „Nie wieder ist jetzt – Gegen das Schweigen“.Im Podcast mit Host Mariela Milkowa sprechen die Komponistin Chaya Czernowin und Regisseur Karsten Wiegand über die bewegende Neuinszenierung von „Pnima…ins Innere, über Trauma, Hoffnung und die Kraft der Musik. Links:Produktionsseite "Pnima...ins Innere"Magazinseite zu "Pnima...ins Innere"Die Premiere am 27.01.24 ist ausverkauft, weitere Aufführungen am 04. und 29.02. sowie am 28.03.24, Tickets hier buchbar!Chaya Czernowin @ WikipediaProduktionsseite "Nie wieder ist jetzt – Gegen das Schweigen" Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Der Warschauer Herbst ist das bedeutendste internationale Festival für zeitgenössische Musik in Osteuropa. «Rzeczy brzmiace», «klingende Dinge» ist das harmlos anmutende Motto dieser 66. Ausgabe. Eine Reportage. Im reichhaltigen Programm finden sich aber eine äusserst breite ästhetische und formale Diversität sowie einige Kühnheiten. In knapp zwei Wochen wählt Polen ein neues Parlament. Die politische Stimmung ist aufgeheizt, aber der Warschauer Herbst unter der Hauptleitung des Komponisten Jerzy Kornowicz meistert den heiklen Balanceakt zwischen Stimulus und Provokation. Das neutägige Festival zeigt sich unbeirrt modern, vielfältig und auch thematisch am Puls der Zeit. Werke von arrivierten Grössen wie Bernhard Lang oder Chaya Czernowin sind genauso zu erleben wie solche der jungen polnischen und internationalen Komponier-Generation. Und auch die Liste der Interpret:innen ist illuster und sehr breit gefächert: Sie reicht vom Klangforum Wien über die Warschauer Philharmoniker bis zum Radical Polish Ansambl und dem Nadar Ensemble. Das Festival zieht ein derart junges Publikum in die über die ganze Stadt verteilten Spielstätten, dass manch andere Veranstalter durchaus mit etwas Neid nach Warschau blicken dürften. Diese junge Generation interessiert sich für neue Klänge wie für gesellschaftliche Themen. Und diese werden auch aufgegriffen und reflektiert: Karol Nepelski etwa präsentiert «Zona» über die Situation an der Grenze zu Weissrussland oder Nina Fukuoka ein Ensemblestück inklusive KI-Filmtechnik. Tagsüber gibts Klang- und Videoinstallationen im Czapski-Palast, und der niederländische Klangkünstler Hans van Koolwijk improvisiert in der ehemaligen Festung Fort Sokolnicki. Die Kleinen staunen über Agata Zubels Hologramm-Kinderoper «Usmiech bez kota», und spätabends zieht es die Grossen auch mal ins hippe «Pardon, To Tu», wo man Craftbeer zu Klavierstücken von Iannis Xenakis trinken kann.

Greetings! Today we open w/ a chunk of King Crimson from the soundtrack of "In The Court Of The Crimson King (King Crimson At 50)", then proceed to the usual mélange of genres ranging from musique concrete, space and electroacoustic music to contemporary composition in the form of pieces from  Eric Richards, Chaya Czernowin and Brad Lubman.   Enjoy! Joel   e-mail: pushingtheenvelopewhus@gmail.com Twitter: https://twitter.com/envpusher1    2-18-23 PTE Playlist   The Letters - King Crimson - In The Court Of The Crimson King (King Crimson At 50) - DGM (2022) https://dgmlive.com/news/kc-doco-soundtrack-preorder    Radical Action Suite - Live In The Studio, Tring, 2018: Radical Action I / Meltdown / Radical Action II / Level Five - King Crimson - In The Court Of The Crimson King (King Crimson At 50) - DGM (2022) https://dgmlive.com/news/kc-doco-soundtrack-preorder    Tangents - Icarus Quartet / composer: Brad Lubman - Big Things - Furious Artisans (2022) https://furiousartisans.com/catalog/icarus-quartet-big-things/    The Space Ahead - Siddhartha Barnhoom & Robert Logan - Cosmos Unfolding - digital self-release (2022) https://siddharthabarnhoorn.bandcamp.com/album/cosmos-unfolding    Irrational - loadbang / composer: Chaya Czernowin - Quiver - New Focus Recordings (2022) https://www.newfocusrecordings.com/catalogue/loadbang-quiver/    The Consent of Sound and Meaning - basses: Robert Black / trumpets: Andy Kozar / composer: Eric Richards - The Consent of Sound and Meaning: Music of Eric Richards - New Focus Recordings (2023) https://www.newfocusrecordings.com/catalogue/the-consent-of-sound-and-meaning-the-music-of-eric-richards/    In The Canopy, part 3 - Sarah Peebles - In The Canopy: Meditations from Paparoa and Kapiti Island - Panospria (2022) https://notype.com/en/drones/a/366/in-the-canopy-meditations-from-paparoa    Maccine - CZiGO - Aishroo - Machine Records (2023) https://machinerecords.bandcamp.com/album/aishroo   

In this episode, I try to describe the process of getting to know a composer I haven't worked with before. To my great joy, I finally get to work with Chaya Czernowin. I try to explain how I get into her music, I speak to her about the music, and we listen to some inspiring musicians playing her music. 

Täna algab rahvusvaheline nüüdismuusika festival AFEKT.

Ian Power is a composer and performer in Baltimore, USA. Power's music is inscrutable, warm, insistent, and performer-driven, and has been performed by ensembles and soloists in the US, UK, Germany, Denmark, Israel, and New Zealand.He released two albums in 2020: Diligence on Edition Wandelweiser Records, featuring long solo works; and Maintenance Hums on Carrier Records, featuring chamber works. Dusted describes him as “a force guiding the rapid-fire development of instrumental syntax and its expressive components.”Power is Assistant Professor and Director of Arts Production & Management at the University of Baltimore, where he won the Distinguished Teaching Award in 2018. His writing on rhetoric in new music and reviews of CDs and performances are published in TEMPO, and he has lectured at the American Musicological Society, American Studies Association, and universities in the US, UK, and Turkey.Power studied primarily with Chaya Czernowin, as well as with Steven Takasugi, John Luther Adams, Antoine Beuger, Anthony Burr, Bob Morris, and Dana Wilson. He has degrees from Harvard University, UC San Diego, and Ithaca College. The Truth In This ArtThe Truth In This Art is a podcast interview series supporting vibrancy and development of Baltimore & beyond's arts and culture. Mentioned in this episode:Ian Power To find more amazing stories from the artist and entrepreneurial scenes in & around Baltimore, check out my episode directory. Stay in TouchNewsletter sign-upSupport my podcastShareable link to episode ★ Support this podcast ★

La compositora italiana Marta Gentilucci, nacida en 1973, estudió como soprano en el Conservatorio de Perugia, ciudad en la que también obtuvo un Máster en Literatura inglesa y alemana. Completó paralelamente otro Máster en Composición y Música electroacústica en la Escuela Superior de Música y Artes Escénicas de Stuttgart (Alemania), bajo la dirección de Marco Stroppa. Tras esta etapa fue seleccionada para participar en el programa formativo de dos años impartido en el IRCAM de París. Posteriormente se doctoró en composición por la Universidad de Harvard, en los Estados Unidos, bajo la tutela de Chaya Czernowin y Hans Tutschku, en un departamento universitario del que Gentilucci formará parte, como profesora, partir del próximo curso, cuando concluya el periodo que actualmente está disfrutando como becaria residente en la Academia Francesa - Villa Medici, en Roma. La formación de Marta Gentilucci como cantante de ópera ha representado una importante influencia en su trabajo como compositora, al despertar su atracción por la estructura interna del sonido, su forma de resonar en el espacio y de oscilar dentro de un lapso de tiempo. Gentilucci está especialmente interesada, y así puede comprobarse en esta edición de Ars Sonora, en el entrecruzamiento de la música vocal con la tecnología. Pero su labor compositiva trasciende ese ámbito, como se manifiesta en una obra como "As Far As The Eye Can See", para percusión y electrónica en vivo, compuesta en 2008. Tras esa audición presentamos una composición fechada en 2012, y titulada “Da una crepa”. Su plantilla incluye un actor, además del conjunto instrumental, un conjunto vocal y la electrónica en vivo. Los textos empleados en la pieza vienen firmados por Elisa Biagini, conocida por su labor como poeta, y también como traductora al italiano de poesía americana. Después retrocedemos en el tiempo para escuchar "Helix Nemoralis" (nombre italiano de un tipo de caracol), compuesta entre 2006 y 2007, mientras Gentilucci estudiaba en Stuttgart, donde Matthias Hettmer, intérprete de contrabajo eléctrico, estrenó esta pieza que de nuevo incorpora la electrónica en vivo. También se estrenó allí, en 2009, "Lob der Ferne", que escuchamos en la interpretación de la soprano Sarah Sun y la percusionista Katarzyna (Kasia) Kadłubowska. Escuchar audio

We're rebroadcasting this episode in preparation for the TAK ensemble music video drop of "8 minutes after boiling" by Julien Malaussena. Check it out on Sunday, October 31st at 4pm (or any time thereafter) at the following link: https://youtu.be/OO6qJKWsckY *** Julien Malaussena considers his compositional prism to be sound energy–not timbre nor time; not dynamics, pitch, nor the sound space, but rather this element straddling all of these, one less palpable, less quantifiable. He has been particularly influenced by the teaching of Chaya Czernowin and Pierluigi Billone. He also had master classes with Brian Ferneyhough, Raphaël Cendo, Alberto Posadas, Antoine Beuger, Dmitri Kourliandski, Georges Aperghis, Mark Andre, Beat Furrer, Franck Bedrossian, Rebecca Saunders and Ming Tsao. He has been selected for ‘Voix nouvelles' program at Fondation Royaumont, “Composers Academy in Tchaikovsky city”, Etchings festival, Schloss Solitude SummerAcademy, Tzlil meudcan festival and Sirga Festival. His music has been played by ensembles like Court-Circuit, Xasax, les Cris de Paris, 2E2M, L'imaginaire,Nikel, le Moscow Contemporary Music Ensemble, Ecce ensemble, Les solistes du Balcon, ensemble interface, ensemble Surplus, and Duo XAMP (microtonal accordions), in France, Israel, Switzerland, Belgium,Germany, Russia, Austria, Brazil, USA, Turkey and Spain. On this episode, Laura and Madison interview Julien about his piece '8 minutes after boiling,' composed for TAK in spring of 2020, and set for public release in spring 2021. To purchase Julien's music, go to enmossed.bandcamp.com/album/articula…d-sound-energy To hear the music of Agnes Hvizdalek, who inspired the voice part of '8 minutes after boiling,' go to @agneshvizdalek To listen to more music by TAK Ensemble, visit: takensemble.bandcamp.com Or visit us on the web: takensemble.com @TAKensemble

Ermir Bejo, born in 1987 in Tirana Albania, is a contemporary classical and electronic music composer. Both within and apart from his music, Bejo draws significant influence from visual art, cinema, classic literature, mathematics, and philosophy. Bejo's approach is grounded in the exploration of hierarchies and conflicts arising from the treatment of musical time as a non-linear concept. His music is performed in concert halls and music festivals by a growing roster of internationally acclaimed performers and ensembles such as Ums ‘n Jip, Nova, Amorsima Trio, Duo Chromatica, Irvine Arditti, Malgorzata Walentynowicz, Elizabeth McNutt, Redi Llupa, Alexander Richards, Yumi Suehiro, and Juan Sebastian Delgado among others.Bejo holds degrees in music composition from the University of North Texas (PhD, 2017), University of Louisville (MM, 2013), and Skidmore College (BA, 2010). He has additionally participated in numerous lessons and masterclasses with composers such as Chaya Czernowin, James Dillon, and Esa-Pekka Salonen among others. Since 2015, he has served as director of the Score Follower organization, a leading online new music resource. In collaboration with composers, performers, major publishers, and recording labels alike, the organization curates music projects with a wide international reach and participation. He has taught music composition and audio technology since 2012. From 2016 to 2017, he served as president of the Composers Forum organization at the University of North Texas. Currently, Bejo serves on the board of Kaleidoscope MusArt organization in Miami, and works as audio reinforcement technical director at the University of North Texas' College of Music, which is the largest public university music program in the United States.More about Ermir BejoMUSICAL EXCERPTS IN ORDERErmir Bejo, Opus 4 for piano, movement 1Ermir Bejo, Opus 4 for piano, movement 3SUPPORT THIS PODCASTPatreonDonorboxORDER SAMUEL ANDREYEV'S NEWEST RELEASEIridescent NotationLINKSYouTube channelOfficial WebsiteTwitterInstagramEdition Impronta, publisher of Samuel Andreyev's scoresEPISODE CREDITSPodcast artwork photograph © 2019 Philippe StirnweissSupport the show (http://www.patreon.com/samuelandreyev)

Julien Malaussena considers his compositional prism to be sound energy–not timbre nor time; not dynamics, pitch, nor the sound space, but rather this element straddling all of these, one less palpable, less quantifiable. He has been particularly influenced by the teaching of Chaya Czernowin and Pierluigi Billone. He also had master classes with Brian Ferneyhough, Raphaël Cendo, Alberto Posadas, Antoine Beuger, Dmitri Kourliandski, Georges Aperghis, Mark Andre, Beat Furrer, Franck Bedrossian, Rebecca Saunders and Ming Tsao. He has been selected for ‘Voix nouvelles’ program at Fondation Royaumont, “Composers Academy in Tchaikovsky city”, Etchings festival, Schloss Solitude SummerAcademy, Tzlil meudcan festival and Sirga Festival. His music has been played by ensembles like Court-Circuit, Xasax, les Cris de Paris, 2E2M, L'imaginaire,Nikel, le Moscow Contemporary Music Ensemble, Ecce ensemble, Les solistes du Balcon, ensemble interface, ensemble Surplus, and Duo XAMP (microtonal accordions), in France, Israel, Switzerland, Belgium,Germany, Russia, Austria, Brazil, USA, Turkey and Spain. On this episode, Laura and Madison interview Julien about his piece '8 minutes after boiling,' composed for TAK in spring of 2020, and set for public release in spring 2021. To purchase Julien's music, go to https://enmossed.bandcamp.com/album/articulated-sound-energy To hear the music of Agnes Hvizdalek, who inspired the voice part of '8 minutes after boiling,' go to https://soundcloud.com/agneshvizdalek To download TAK's most recent album, Star Maker Fragments, go to http://takensemble.bandcamp.com/album/star-m…er-fragments http://takensemble.com

I randomly stumbled upon Alinéa Ensemble’s podcast, Everything but the Kitchen Sink, and was immediately amazed. I had never heard of them prior, however, the podcast featured interviews with composers like Chaya Czernowin, Beat Furrer, Aaron Cassidy, Marcos Balter, Rebecca Saunders, just to name a few. To me, this was an ensemble that was open to taking on challenges. They took advantage of two things that were provided with the quarantine of 2020: time and accessibility. We go in-depth - from how the ensemble formed in 2019, to their graceful transition during quarantine, and what they intend to do next - in episode 11 of the Making Noise Podcast. Alinéa Ensemble Websitehttps://www.alineaensemble.org/Social Media@alineaensemble Everything but the Kitch Sink Podcasthttps://www.youtube.com/watch?v=WsrtFxQIlGkWatch the podcast on YouTubeFollow the podcast on Spotify, Apple Podcasts, Stitcher, and my website where you can listen to music, purchase scores, and learn how to commission a new piece for your ensemble.

Lisa Streich, compositora nacida en Norra Råda (Suecia) en 1985, protagoniza esta edición de Ars Sonora. Streich estudió Composición y Órgano en diferentes ciudades europeas (Berlín, Estocolmo, Salzburgo, París, Colonia...), con profesores como Johannes Schöllhorn, Adriana Hölszky, Mauro Lanza y Margareta Hürholz, entre otros. También ha recibido enseñanzas de Chaya Czernowin, Steven Takasugi, Beat Furrer y Daniel Roth. Su música ha sido interpretada por agrupaciones como la Deutsche Symphonieorchester Berlin, el cuarteto Diotima, el Ensemble Recherche, el Nouvel Ensemble Moderne, el coro de cámara Eric Ericson o el coro de la radio de Suecia, en muy diversos países (Suecia, Alemania, Israel, Francia, Austria, Reino Unido, Japón, Canadá, Estados Unidos...) y en festivales e instituciones como MATA (Nueva York), Ultraschall (Berlín), Tzlil Meudcan (Tel Aviv), Ircam (París), Wien Modern (Viena) y, tal y como comprobaremos a través de un registro fonográfico, la catedral de Colonia. Los sonidos evanescentes, casi esquemáticos -que por momentos se arraciman en densos "clusters" en los que las alturas solamente se separan entre sí por cuartos de tono-, de una pieza como "Segel" (un trabajo de 2017, que presentamos en la versión de la Orquesta del Festival de Lucerna, dirigida por Gregor A. Mayrhofer) nos sirven para iniciar un recorrido que continúa con una obra para coro de doce voces, voz blanca solista, objetos y electrónica. Se trata de "Agnel", de 2012-2013, que nos traslada el conjunto vocal de la catedral de Colonia, dirigido por Eberhard Metternich, con David Isberner y Sebastian Kellner como solistas en la grabación del estreno de la obra en 2013. Tras las resonancias sacras de "Agnel", otra obra nos mantiene en el ámbito de la reinterpretación religiosa: "Pietà", para ensemble y "cello motorizado". La lectura de esta obra nos llega a través del ensemble hand werk, que incluye el clarinete de Heather Roche, la flauta de Daniel Agi, las percusiones de Jens Ruland, el piano de Christoph Stöber, la viola de Annegret Mayer-Lindenberg, el violín de Stefanie van Backlé y el instrumento solista de Niklas Seidl. La temática espiritual prosigue en "Stabat", de 2017, escrita para 32 voces divididas en cuatro coros, que nos sirve para cerrar este programa en la versión del conjunto Ut Insieme Vocale-Consonante, dirigido por Lorenzo Donati. Tal y como la ha descrito el musicólogo Rainer Nonnenmann, la música de Lisa Streich es "polifónica, ambigua, incongruente, poética y profana, tan contradictoria como la vida misma". Escuchar audio

Le 4 novembre 2002, le compositeur Jonathan Harvey se demande : « Dois-je vraiment m’en tenir de façon servile à mon propre plan ? Qu’ai-je à faire d’être conséquent avec moi-même ? Et que signifie au fond cette rigueur ? Et qu’est-ce qu’elle a à faire avec la musique ? Avec ma musique[1] ? » En 2007, la compositrice Chaya Czernowin donnait une … Continuer la lecture de « Métaclassique #84 – Réfléchir »

1. Garth Baxter – From the Heart: Three American Womenhttps://open.spotify.com/playlist/7k9n3QWkHSYQ5e5TGProGb2. Jennifer Jolley – Prisoner of Consciencehttps://open.spotify.com/playlist/0kAYkFmqvLvBeFVeKL8Zx43. Gleb Kanasevich – your fortresshttps://youtu.be/V1l141q9_VAPanelists:Soprano Katie Procell has been praised throughout the Baltimore area for her “golden tone and arresting stage presence” (Peter Dayton). Her musical curiosity includes the avant-garde and she has performed Pierrot Lunaire, Ginastera’s third String Quartet, Messiaen’s Harawi, Berio Sequenza III, even Kurtàg’s Attila Fragments. Procell’s past opera credits include Giselle, Jenny, Mel 2, and various roles in the two-woman collection of short new operas called Elevator (ENA Ensemble); Lisa ( La Sonnambula; Opera Alchemy); Susanna ( Le nozze di Figaro; Peabody Conservatory); Giulietta ( I Capuleti e i Montecchi; Alchemy); Krysia (understudy, Out of Darkness; Peabody); Rosina ( Il barbiere di Siviglia; James Madison University); and more. She studies with Elizabeth Futral and has studied with Phyllis Bryn-Julson and Kevin McMillan. Procell has trained at Opera Roanoke (Apprentice Artist), Centre for Opera Studies in Italy, and SongFest. She works closely with composer Peter Dayton and has premiered several of his works and is collaborating with both Dayton and Baxter on upcoming recording projects.Award-winning conductor Jordan Randall Smith is the Music Director of Symphony Number One and Assistant Conductor of Hopkins Symphony Orchestra. Smith was recently named Visiting Assistant Professor of Music and Director of Orchestras at Susquehanna University. Smith was formerly Co-founder and Artistic Director of the Dallas Festival of Modern Music and Assistant Conductor of the Peabody Opera Theatre. Smith was lauded for being “an attentive partner” by the Baltimore Sun. His leadership of Mahler’s fourth symphony was praised by the Sun’s Tim Smith: “The third movement, in particular, was quite sensitively molded.” Conductor Alan Gilbert called Jordan’s conducting of Boulez’ Le Marteau sans Maître, “impressive.” An active supporter of new music, Jordan has a discography spanning four commercial releases and a history of commissions, leading over 50 world premieres. Jordan is also a Creative Director of the International Florence Price Festival. Smith was named to the Executive Council for the Institute for Composer Diversity at SUNY-Fredonia in January 2020.Ian Power is a composer, performer, and Director of Integrated Arts at the University of Baltimore. Ian’s music is inscrutable, warm, insistent, and performer-driven, and has been performed by ensembles and soloists in the US, UK, Germany, Denmark, and Israel. His writing on rhetoric in new music and reviews of CDs and performances are published in TEMPO, and he has lectured at the American Musicological Society, American Studies Association, and universities in the US, UK, and Turkey. Ian studied with Chaya Czernowin, Steven Takasugi, and John Luther Adams. Ian’s first CD, Diligence, featuring long solo pieces, is out on Edition Wandelweiser Records (Germany) in June 2020. His CD Maintenance Hums, featuring chamber works, is out on Carrier Records (New York) in September 2020. He is writing an orchestra piece for the BBC Scottish Symphony Orchestra, to be premiered at the TECTONICS festival in Glasgow in May 2022.More information at pauseandlisten.com. Pause and Listen was created by host John T.K. Scherch and co-creator/marketing manager Michele Mengel Scherch.

Composers Jem Finer, Elaine Mitchener, and Chaya Czernowin share their music and thoughts exploring the theme of Time. We listen to a piece of music lasting 1,000 years, explore the politics of history and time past, and get a flavour for what non-linear music sounds like. Join our CEO Susanna Eastburn MBE and composer Des Oliver for a unique insight into composing. This podcast was produced by Michael Umney (Resonance FM) and mixed by Chris Bartholomew, with our theme tune composed by Rob Bentall. Our recommendation at the end is for the Excuse the Mess podcast. In this episode, you listen to the following music and sounds: Jem Finer (b.1955) Longplayer (1999), with the support and collaboration of Artangel Elaine Mitchener the then + the now = now time (2019), commissioned by MaerzMusik – Festival für Zeitfragen  Sweet Tooth (2017), performed by Elaine Mitchener, Sylvia Hallett, Mark Sanders, Jason Yarde Rolling Calf – a black power trio featuring vocalist Elaine Mitchener, saxophonist Jason Yarde and bassist Neil Charles Chaya Czernowin (b.1957) Hidden (2014), performed by The Jack Quartet with electronics by Carlo Laurenzi and Jérémie Henrot, released by Schott Music (CD) and Wergo Records Infinite Now (2017), performed by Opera Vlaanderen, courtesy of IRCAM Our heartfelt thanks to the record labels, performers, composers and organisations who allowed us to include excerpts of these recordings on the podcast.

Aus Anlass der Uraufführung "Heart Chamber" von Chaya Czernowin an der Deutschen Oper Berlin befragt Eckhard Weber verschiedene Akteure des Neuen Musiktheaters an den Opernhäusern und in der freien Szene: "Ist das noch Oper?" Neue Spielarten und neue Klänge, die sich wie ein Lichtstrahl auf einzelne Besucher richten, sind zu entdecken.

During the revelation at Mount Sinai all those present experienced a strange sensation of "seeing the sounds" (ro'im et ha-kolot, Exodus 20:14). For many contemporary composers creating a soundscape or soundspace, which should be navigated with eyes wide shut, became a foundation of their musical philosophy. Please be warned that the third episode of Radio Eshkolot podcast with music by Chaya Czernowin, Alexey Sysoev, Vladimir Gorlinsky and Daria Zvezdina has a strong hypnotic power and is prohibited for listening while driving.Download the entire episode || Detailed descriptionВо время Синайского откровения все присутствовавшие пережили странный опыт "видения звуков" (ro'im et ha-kolot, Исход 20:14). Для многих современных композиторов создание "звукового ландшафта" (soundscape) или "звукового пространства" (soundscape), которые надо разглядывать, закрыв глаза, стало фундаментом их музыкальной философии. Предупреждаем, что третий подкаст Radio Eshkolot с музыкой Хаи Черновин, Алексея Сысоева, Владимира Горлинского и Дарьи Звездиной обладает сильным гипнотическим эффектом, так что его категорически не рекомендуется слушать за рулем.Скачать эпизод целиком || Подробное описаниеHidden (Czernowin, MCME/MACM) 00:00 – 05:56Griffith (Sysoev, Gorlinsky, Zvezdina) 05:56 – 11:32Hidden (Czernowin) 11:32 – 18:26Griffith (Sysoev, Gorlinsky, Zvezdina)18:26 – 23:36

Mit ihrer obertonreichen Musik voller Mikrotöne und einem Sinn fürs Verborgene erschafft Chaya Czernowin eine eigene Welt. Die von feinsten rhythmischen Verästelungen durchzogen ist und in der die Komponistin Stille auslotet. Es ist eine Musik, die einem innere Ruhe gibt, sagt BR-KLASSIK-Autorin Kristin Amme.

These episodes are normally limited to one per composer but Chaya has been to too many interesting places. The first part will focus on her biography with the occasional excursion into her music and the second part will focus mostly on her music.Chaya is a composer from Israel who teaches composition at Harvard University. She has written music for all types of mediums including chamber music, orchestral music, opera, and music theatre. She has received numerous awards for her compositions, including the Kranichstein Music Prize, Asahi Shimbun Fellowship Prize, the Schloss Solitue Fellowship, the IRCAM reading panel, the Encouragement Prize by the Ernst von Siemens Music Foundation, the Rockefeller Foundation Prize, the Fromm Foundation Award, a nomination of the Berlin Wissenschaftskolleg, and a Guggenheim Fellowship Award. You can listen to more of her music at www.chayaczernowin.com.

These episodes are normally limited to one per composer but Chaya has been to too many interesting places. The first part will focus on her biography with the occasional excursion into her music and the second part will focus mostly on her music.Chaya is a composer from Israel who teaches composition at Harvard University. She has written music for all types of mediums including chamber music, orchestral music, opera, and music theatre. She has received numerous awards for her compositions, including the Kranichstein Music Prize, Asahi Shimbun Fellowship Prize, the Schloss Solitue Fellowship, the IRCAM reading panel, the Encouragement Prize by the Ernst von Siemens Music Foundation, the Rockefeller Foundation Prize, the Fromm Foundation Award, a nomination of the Berlin Wissenschaftskolleg, and a Guggenheim Fellowship Award. You can listen to more of her music at www.chayaczernowin.com.

Composer Chaya Czernowin and Orchestra 2001 percussionist David Nelson discuss an evening concert of works by George Crumb and a Library of Congress Dina Koston and Roger Shapiro Fund for New Music commission by Czernowin, "Slow Summer Stay II: Lakes" (2012). Speaker Biography: Israeli composer Chaya Czernowin has been a professor of composition at Harvard University since 2009. Previous teaching posts include the University of Music and Performing Arts in Vienna, University of California San Diego, Yoshiro Irino Institute in Tokyo and the International Summer Courses for New Music in Darmstadt. Her opera "Prima...ins Innere," which was composed for the Munich Biennial in 2000, received the Bavarian Theatre Prize. Her other operas have been performed at the Salzburg Festival and Festspielhaus Hellerau in Dresden. Her chamber and vocal works have been commissioned by IRCAM, Ensemble Modern and Sospeso. Czernowin has received numerous awards for her compositions, including the Kranichstein Music Prize (1992), Asahi Shimbun Fellowship Prize (1993), the Schloss Solitue Fellowship (1996), the IRCAM reading panel (1998), the Encouragement Prize by the Ernst von Siemens Music Foundation (2003), the Rockefeller Foundation Prize (2004), the Fromm Foundation Award (2008), a nomination of the Berlin Wissenschaftskolleg (2008) and a Guggenheim Fellowship Award (2011). Czernowin has been composer-in-residence at the Lucerne and Salzburg Festivals. Speaker Biography: David Nelson is a Philadelphia-based percussionist with Orchestra 2001. A graduate of Temple University, he has performed with the Philadelphia Orchestra, Philadelphia Pops Orchestra, Opera Company of Philadelphia, Delaware Symphony, Charleston Symphony, Savannah Symphony, New World Symphony and the Honolulu Symphony. For captions, transcripts, and more information visit http://www.loc.gov/today/cyberlc/feature_wdesc.php?rec=5950