Podcasts about Ensemble Modern

Su música trabaja el desarrollo de lo que él denomina—a partir del desempeño de Pierre Schaeffer—música concreta instrumental. Discípulo de Luigi Nono, produce un lenguaje musical que abarca el mundo sonoro en toda su amplitud, accesible a través de técnicas interpretativas no convencionales de alta complejidad técnica y artística._____Has escuchadoFassade (1973, rev. 1987). SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg; Michael Gielen, director. Kairos (2001)Schwankungen am Rand (1974-1975). Ensemble Modern; Péter Eötvös, director. ECM (2002)String Quartet No. 3 “Grido” (2001-2002). Jack Quartet. mode (2015)…zwei Gefühle…, Music with Leonardo. So Donn- Brüll-nernd -t nicht das (1991-1992). Ensemble Modern; Péter Eötvös, director. ECM (2002)_____Selección bibliográficaFENEYROU, Laurent, De lave et de fer. Une jeunesse allemande: Helmut Lachenmann. Éditions MF, 2017GUIGUE, Didier, “L'ars subtilior de Lachenmann. Une incursion dans l'univers sonore de Serynade”. Filigrane, n.° 7 (2008), pp. 159-188KALTENECKER, Martin, Avec Helmut Lachenmann. Van Dieren Éditeur, 2000LACHENMANN, Helmut, “Quatre aspects du matériau”. Revue Musicale Suisse, n.º 123-126 (1983), pp. 334-336—, “Open Letter to Hans Werner Henze”. Perspectives of New Music, vol. 35, n.º 2 (1997), pp. 189-200*—, Écrits et entretiens. Editado por Martin Kaltenecker. Éditions Contrechamps, 2009SZENDY, Peter, “Entrevista a Helmut Lachenmann”. DDOOSS, consultada el 31 de junio de 2023: [Web]  *Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March

Er ist einer der besten und innovativsten Trompeter der Welt. Seit Valentin Garvie Anfang der 2000er Jahre nach Frankfurt zum ensemble modern kam - und wenig später zum hr-Jazzensemble, hat er begeistert. Seit einigen Jahren ist er wieder zurück nach Argentinien. Bei seinem letzten Besuch in Frankfurt hat er aber nicht nur gespielt, sondern auch eine schöne Playlist - und natürlich seine Trompete ins Studio mitgebracht.

In Situationen emotionaler Überforderung fühlen sich Menschen oftmals sprachlos. Daran knüpft das Projekt "Unmögliche Verbindung" an, das der tschechische Komponist Ondrej Adámek mit dem Frankfurter Ensemble Modern für die Bregenzer Festspiele erarbeitet hat. Ein Probenbesuch.

Hermann Kretzschmar gehört seit fast 40 Jahren zum Ensemble Modern. Er spielt mit Musik, Melodien und Rhythmen.

Eine Theorie zur Herkunft von Beethovens Schwerhörigkeit macht den Biss eines Rattenflohs dafür verantwortlich, den sich der Komponist während eines Aufenthaltes in Berlin zugezogen haben soll. Der Rattenfloh galt als Erreger des Flecktyphus. Dieser Umstand wurde aber erst nach Beethovens Tod herausgefunden - wie auch die Tatsache, dass mindestens 15% aller von der Krankheit Befallenen an Taubheit litten. Ludwig van Beethoven also auch? "Rattenfloh" ist eine fiktive Reise durch Beethovens krankes Gehör. In der Erfahrung des hörenden Außenstehen werden seine Werke verändert und verzerrt, dekonstruiert, variiert und übermalt. Hermann Kretzschmar horcht tief in Beethovens Werk hinein, macht sein eigenes Schaffen zum Resonanzraum und lässt uns daran teilhaben… Hermann Kretzschmar ist Pianist im Ensemble Modern. Dazu ist er Komponist und Hörspielautor, u.a. das mehrfach ausgezeichnete Hörspiel »Manhattan Transfer« (2016), "Das Bad im Knall" (2017), "Sodom und Gomorrha" (2018) sowie "Die Gefangene" (2020) Mit: Wolfram Koch Autorin: Hermann Kretzschmar Regie: Hermann Kretzschmar hr 2020 | 47 Min (Audio verfügbar bis 29.06.2025)

"Das Beschäftigen mit der Posaune ist eine ständige Suche… die Posaune ist eine Schaltstelle und das Posaunenspiel eine Beschäftigung mit mir selber, die jeden Tag neu erfunden werden kann" - so beschreibt der Frankfurter Musiker Uwe Dierksen sein Verhältnis zu seinem Instrument. Und dieses "Beschäftigen" mit der Posaune sei immer wieder eine Entdeckungsreise. (Wdh. vom 03.05.2024)

Maar nu eerst aandacht voor de persberichten van onze leden:Festival Boulevard"Dit jaar presenteert Boulevard een programma waarin de afgelopen eeuwen worden opgerakeld en de komende veertig jaar al gloort. Je kunt kiezen uit zo'n 120 voorstellingen, concerten en workshops van nationale en internationale makers en een groot pallet aan restaurants, foodtrucks en verschillende wijn- en pleinbarren." Bekendmaking volledige programma 40e BoulevardAkademie van Kunsten“Mijn eigen getroebleerde relatie tot de – van oudsher door mannen gedomineerde -schilderkunst ligt aan de basis van dit onderzoek en zal in mijn schrijven een plek krijgen. Ondertussen werk ik ook aan een archief met afbeeldingen van hoe vrouwen zichzelf online in beeld brengen en uitwissen.” Dichter Maria Barnas onderzoekt de rol van schoonmaken en sporen achterlaten in de beeldende kunst tijdens residentie NIAS-KNAWILFU"De Ikjes-marathon komt voort uit de ambitie van ILFU om ieder jaar een grote publieksmanifestatie te organiseren waar iedereen aan mee kan doen, van liefhebber en amateur tot geoefende schrijver." ILFU organiseert in 2024 de grote publieksmanifestatie: Ikjesmarathon. Wij zijn vele ikjes!De Stilte‘Ik draag de Stilte in mijn hart en prijs mezelf gelukkig dat ik onderdeel heb mogen uitmaken van een fijn team van mensen die een gedeelde passie hebben om met dans voor kinderen de wereld te veranderen." Zakelijk directeur Jan Baanstra vertrekt na 21 jaar bij de StilteMarmoucha"Verwacht een avond vol muzikale exploratie; van de diepe klanken van Berber en Andalusische muziek tot de rijke melodieën van Koerdistan en Khorasan, verrijkt met originele arrangementen van Arin Keshishi, Maripepa Contreras, Antonio Moreno Glazkov en Ardashes Agoshian."Old Signs New Sounds in TivoliVredenburgLet op: De onafhankelijke journalistiek van Cultuurpers is altijd belangrijk, maar juist nu extra nodig. Is je omzet kleiner dan 250.000 euro, steun dan Cultuurpers met 175 euro per jaar. Als je organisatie meer dan 250.000 euro per jaar omzet, is het 360 euro.  Je kunt ook als privépersoon je support geven aan onze vrije journalistiek. Klik daarvoor hier. Een mooie apocalyps  Beste Lezer!Helemaal toevallig is het natuurlijk niet, dat veel van de voorstellingen op het Holland Festival hier en daar wat apocalyptisch aandoen. De voorpagina van de site bevat nu alweer twee berichten met woorden als 'einde van alles' of 'sterven'. Je zou er een patroon in kunnen zien, maar het is natuurlijk gewoon de tijdgeest: Melencolia door Ensemble Modern op het Holland Festival: Onwerkelijk goed muziektheater over het einde van alles.Komt misschien ook omdat er deze periode best wel veel oude en jonge bekenden het leven hebben gelaten. Ik memoreer op deze plek vooral Arthur Sonnen, niet alleen omdat hij een gewaardeerd en actief lid van deze coöperatie was, maar ook omdat het theater er zonder hem anders uit had gezien. In het verleden was ik het vaak met hem oneens. Dat Het Theaterfestival bijvoorbeeld de term 'belangwekkend' hanteerde als selectiecriterium was me een doorn in het oog. En ik stond daar niet alleen in. Als bestuurder van de Kring van Nederlandse Theatercritici zag ik daarnaast hoe Nederlandse theaterrecensenten zich in de selectiegesprekken bijna altijd lieten overrulen door de veel intellectueler ingestelde Vlaamse juryleden. Wat leidde tot een festivalselectie die soms moeilijk uit te leggen was aan bijvoorbeeld de lezers van het Algemeen Dagblad, de krant waar ik toen voor werkte. Sonnens bijdrage aan de vaderlandse theatergeschiedenis is onuitwisbaar en de boomlange man is altijd een sportieve debater gebleven. Geen sorryMijn melancholie zit ook hier in: Ik schrijf deze nieuwsbrief terwijl de verse ministersploeg van het extreem-rechtse Kabinet-Stoof wordt 'ondervraagd' door de Kamer. Bij de formatie blijkt afgesproken dat niemand ergens sorry voor gaat zeggen. Niet voor beledigingen van bevolkingsgroepen, niet voor het aanhalen van teksten uit Hitler-Duitsland, niet voor geuite dreigementen aan het adres van journalisten. Niemand van de pers of het parlement gaat daar veel van zeggen, omdat 'we' eerst maar eens moeten gaan zien wat de daden worden. Terwijl de woorden al zo veel schade hebben aangericht. Volgend jaar De ToppersTijd dus voor wat andere woorden, en daarvoor hebben we onze podcast. Deze week praten Maaike Muis en ik over veel Holland Festival voorstellingen, zoals Fidelio, Forced Entertainment, Pearls, Macacos, Sisyphus en Hardkoor, maar ook over 'een ruim drie uur durende rollercoaster van nummers die je allemaal kent' (aldus Maaike): De Toppers. Maaike was er deze maand en heeft er een enthousiast verhaal over. Verfrissend, omdat ik zelf nogal eens apocalyptische gedachten krijg bij de Toppers. Dat gebeurt als 's avonds, op weg naar huis van een Holland Festival-voorstelling , de trein een extra stop maakt bij Bijlmer Arena en de meditatief stille coupé volloopt met luidruchtige vriendenclubjes. Nieuw publiekMaaike voelde zich bij de eerste keer dat ze de voorstelling van Forced Entertainment bijwoonde bijna vastgebonden. Het was een kwelling en dat gevoel bleek gedeeld te worden door de zaal. Toen ze - om professionele redenen - een tweede keer moest gaan kijken bleek de voorstelling opeens veel beter te genieten en was het publiek ook veel enthousiaster. Hoe kan dat? De tekst van de voorstelling staat grotendeels op tape en de choreografie ligt vast. Maaike denkt dat dat ligt aan het nieuwe publiek dat Holland Festival weet aan te boren. Bij de eerste keer zat er een 'professioneler' publiek van gasten, kenners en recensenten. De tweede avond was er een publiek van 'gewone' festivalgangers, die kennelijk een heel andere manier van kijken hadden.Zou het echt zo zijn dat ook een zaal vol eregasten en collega's zo verschilt van een gewone theateravond? Dat zou een pleidooi zijn voor spreiding van recensenten. Ik schreef er 22 jaar geleden al een keer over (voor de liefhebbers, iets met Joop): Klappen.Hoe dan ook is het fijn om te merken dat het Holland Festival inmiddels een diverser en jonger publiek trekt. Ook gisteren, bij die prachtige Melencolia, was de zaal opvallend jong en fris. Dat was het voor deze week. Vergeet niet om lid te worden, als je dat nog niet was. Of een donatie te doen.Tot de volgende!Wijbrand Schaap, HoofdredacteurPS: Leve PlatoHet komt even kort aan de orde in de podcast, de 20-delige serie One Day. Ik ben pas halverwege de serie en weet nog niet hoe het gaat aflopen, maar wat een waanzinnig goed scenario, wat een fantastisch idee om het script op te hangen aan steeds dezelfde datum in opvolgende jaren en niet al te veel tijd te besteden aan expositie van wat er in de tussentijd is gebeurd. Iedere schrijver zou dit tot zich moeten nemen. En bidden dat er ooit weer twee acteurs zullen zijn die zo'n zinderende chemie weten toe te voegen aan een toch al fascinerend gegeven. One Day | Official Trailer | NetflixEindredactie: Suzanne Brink This is a public episode. If you'd like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit nieuwsbrief.cultuurpers.nl/subscribe

"Das Beschäftigen mit der Posaune ist eine ständige Suche… die Posaune ist eine Schaltstelle und das Posaunenspiel eine Beschäftigung mit mir selber, die jeden Tag neu erfunden werden kann" - so beschreibt der Frankfurter Musiker Uwe Dierksen sein Verhältnis zu seinem Instrument. Und dieses "Beschäftigen" mit der Posaune sei immer wieder eine Entdeckungsreise.

Max Gaertner war auf dem Weg, ein gefragter Schlagwerker in der Welt der Symphonien, Orchester und Klassik zu werden. Mit Simon Rattle auf Tour, für das Ensemble Modern gebucht, mit Wolfgang Rihm auf Du und Du...aber irgendwie, ja irgendwie fühlte sich das nicht richtig an. In diesem Kosmos, in dem Virtuosität an erster Stelle steht, des immer schneller, immer weiter, immer mehr fühlte er sich deplaziert. Und so bestritt Max Gaertner einen eigenen Weg, fing an mit Sounds zu experimentieren, ging über die Konventionen des Instruments hinaus und entdeckte seine eigene musikalische Welt. Heute ist er selbst Dozent und andere schreiben für seine Art zu spielen Stücke. Genau solche Menschen finde ich interessant. Seine eigenen Wege zu gehen, sich immer wieder zu hinterfragen und neu zu entwerfen. Und genauso spannend wie Max Gaertner selbst ist, so spannend wurde auch dieses Interview. Viel Spaß dabei. Mehr zu Max Gaertner hier: https://www.maxgaertner.de/ Auf Wikipedia: https://de.wikipedia.org/wiki/Max_Gaertner Auf Instagram (da gibt es auch die Soundbeispiele): https://www.instagram.com/max_gaertner_percussion/?hl=de Seine Bücher: https://max-gaertner.myshopify.com/ Ich freu mich tierisch, wenn du auf der Seite von Einfach Schlagzeug mal unter https://einfachschlagzeug.de/ oder bei Instagram vorbeischaust: https://www.instagram.com/krafftfelix/?hl=de Kapitelmarken: 0:00:09 - Start 0:03:04 - Goldene Platten 0:13:40 - Der Weg zur Klassik 0:32:13 - Schnellfragerunde 0:33:36 - Mehr Studienzeit 0:40:25 - VerBuchen 0:56:51 - Und immer weiter

fWotD Episode 2491: Blood on the Floor (Turnage) Welcome to featured Wiki of the Day where we read the summary of the featured Wikipedia article every day.The featured article for Thursday, 29 February 2024 is Blood on the Floor (Turnage).Blood on the Floor is a suite in nine movements composed for orchestra and jazz trio by Mark-Anthony Turnage. It was composed over a span of three years (1993–1996) after a commission from the Ensemble Modern—a German music group—to produce a piece for an evening jazz event in 1994. After the performance, Turnage expanded the piece into the larger nine movement suite that is now performed. During this period of composition, Turnage's brother Andrew died of a drug overdose, shaping the music greatly. As a result, drug culture is one of the main themes in the suite. Blood on the Floor also draws influences from the paintings of Francis Bacon and Heather Betts; the suite's title is an adaptation of Bacon's painting Blood on Pavement.Like other compositions by Turnage, Blood on the Floor incorporates elements of both classical and jazz music. Due to this, it has been described as being part of the "third stream" genre, a term coined by Turnage's former teacher Gunther Schuller. The suite is written as a concerto grosso and features a blend of classical, jazz, non-western and electronic instruments. As part of this fusion, the suite contains space for soloists to improvise in four of its movements. Blood on the Floor shows elements of non-functional harmony and has complex rhythmic changes, often changing metre every bar. Motifs are found recurring throughout the suite. Blood on the Floor was premiered by the Ensemble Modern at the Queen Elizabeth Hall, London, in May 1996. The suite received a mixed reception from music critics. Some enjoyed the suite's fusion of classical and jazz music, while others found it to be an unfulfilling combination. Outside of the Ensemble Modern, Blood on the Floor has been performed by various ensembles, including the Berlin Philharmonic, Melbourne Symphony Orchestra and Boston Symphony Orchestra.This recording reflects the Wikipedia text as of 01:07 UTC on Thursday, 29 February 2024.For the full current version of the article, see Blood on the Floor (Turnage) on Wikipedia.This podcast uses content from Wikipedia under the Creative Commons Attribution-ShareAlike License.Visit our archives at wikioftheday.com and subscribe to stay updated on new episodes.Follow us on Mastodon at @wikioftheday@masto.ai.Also check out Curmudgeon's Corner, a current events podcast.Until next time, I'm Kimberly Standard.

"Wer spielt denn noch? Es gibt keinen Raum dafür", sagt die Philosophin Alice Lagaay. Wie können wir wieder spielen lernen, in der Musik und im Leben? Warum kann man Risiko nicht faken? Und warum sollten wir für Freiräume kämpfen? Von Ellen Gall.

»Wer spielt denn noch? Es gibt keinen Raum dafür«, sagt die Philosophin Alice Lagaay. Wie können wir wieder spielen lernen, in der Musik und im Leben? Warum kann man Risiko nicht faken? Und warum sollten wir für Freiräume kämpfen?  Dem gehen Elisa Erkelenz und David-Maria Gramse in dieser Folge nach: Mit Alice Lagaay sowie dem Dirigenten Sylvain Cambreling und dem Flötisten Dietmar Wiesner vom Ensemble Modern. 

Challenging the Memory é uma tapeçaria sonora tecida por Dewa Alit que exala uma riqueza tímbrica e complexidade rítmica reconhecíveis no seu extenso percurso como compositor e pioneiro da nova música balinesa. A peça é elaborada a partir de uma coleção de experiências passadas, ensaios e gravações não editadas, entrelaçando memórias com o exercício de memorização inerente à tradição oral de aprendizagem do gamelão balinês. Sou formado na música tradicional balinesa chamada gamelão e a maioria das minhas composições são escritas para gamelão. O gamelão é tradicionalmente tocado de memória, o que significa que os músicos não usam notação escrita não apenas na execução, mas também durante todo o processo de aprendizagem. O meu conjunto, Gamelan Salukat, não é exceção. Os músicos aprendem e tocam a música de memória. Mas porque a minha música é diferente daquela a que estão habituados, como padrões invulgares entrelaçados, camadas de ritmos e códigos diferentes, o método comum para memorizar a música é constantemente desafiado. Nesta coleção de trabalhos, encontrarão o resultado da experiência dos músicos que superaram esse desafio. Também incluí obras escritas para músicos exteriores à tradição do gamelão, como conjuntos de câmara ocidentais. Estas peças são tocadas normalmente com partituras escritas. Aqui não desafio a sua capacidade de memorização, mas continuo a desafiar as suas memórias da música como um todo. Dewa Alit Nascido em 1973 numa família de artistas na aldeia de Pengosekan, Dewa Alit está imerso no gamelão balinês desde a infância e é geralmente reconhecido como o principal compositor da sua geração no Bali. Alit fundou seu grupo Gamelan Salukat em 2007 como forma de encontrar um caminho mais amplo para expressar uma nova abordagem à nova música do gamelão, introduzindo um novo conjunto de instrumentos de sua própria afinação e design. Gravações usadas na peça: Keti Kepung, 2010, Sanggar Nata Raja, Bali Gunung dan Air, 2013, Gamelan Salukat Simalakama, 2018, UBC Rhythm Research Cluster, Canada Ngejuk Memedi/Chasing the Phantom, 2016, Gamelan Salukat Ameriki, 2017, musicians from University of British Colombia, Canada Kapupungan, 2012, Yayasan Kryasta Guna, Bali Open my Door, 2015, Ensemble Modern, Germany Caru Wara, 2005, Sanggar Cenik Wayah, Bali Edição sonora: Pedro Macedo/Framed Films Música original do podcast Dito e Feito: Raw Forest Gravação da conversa e Produção: Teatro do Bairro Alto

V Gallusovi dvorani Cankarjevega doma bo v okviru Srebrnega abonmaja Cankarjevega doma nastopila zasedba Ensemble Modern, ki sodi med najpomembnejše zasedbe, ki se posvečajo sodobni klasični glasbi. V mesečnem pregledu otroške in mladinske literature se bomo sprehodili skozi sedemdeseto obletnico zbirke Čebelice, predstavljamo pa tudi nov cikel radijskih oddaj – Na krilih pesmi.

»Eine Stimme wie Champagner« – Ihr Debüt gab sie mit 18 an der Komischen Oper Berlin. Anna Prohaska gehört derzeit zu den interessantesten, vielseitigsten Sopranistinnen. Sie zeigt ihre Wandelbarkeit in einem breiten Repertoire, das von Barock bis Neue Musik reicht. Ihr Markenzeichen sind zudem ungewöhnliche Programme, wie sie sie in Maria Mater Meretrix mit Patricia Kopatchinskaja oder in »Ophelia« mit Lars Eidinger gestaltet hat. Frisch nach dem Tourneestart mit dem Ensemble Modern und George Benjamin in Berlin ist die Sopranistin Gesprächspartnerin von Katie Knees. Anna Prohaska erzählt u. a., warum sie ihre Stimme manchmal als »schwieriges Haustier« empfindet, von welchem Komponisten sie sich eine Arie gewünscht hätte und kennt einen Kniff, wie man am einfachsten Texte auswendig lernt. https://www.koelner-philharmonie.de/de/programm/participant/anna-prohaska Foto Anna Prohaska ©Marco Borggreve

This episode is sponsored by Berlin-based pro-audio company HOLOPLOT, which features the multi-award-winning X1 Matrix Array. X1 is software-driven, combining 3D Audio-Beamforming and Wave Field Synthesis to achieve authentic sound localisation and complete control over sound in both the vertical and horizontal axes. HOLOPLOT is pivoting the revolution in sound control, enabling the positioning of virtual loudspeakers within a space, allowing for a completely new way of designing and experiencing immersive audio on a large scale. To find more, visit holoplot.com. In this episode of the Immersive Audio Podcast, Monica Bolles is joined by the musician and Senior Sound Technologist at Meow Wolf - Les Stuck from New Mexico, US. Les began working in spatial audio while working for the Ensemble Modern and the Frankfurt Ballet in Frankfurt, Germany. He designed the touring six-channel sound system for Frank Zappa's Yellow Shark Tour, which included a 6-channel ring microphone. He then worked at IRCAM in Paris, where he built several spatializers in Max/FTS - a 6-channel version for Pierre Boulez's ...explosante-fixe... premiere, an unusual 8-channel version specifically adapted to classical opera houses for Philippe Manoury's opera 60e Parallèle, and a signal-controlled panner that allowed extremely fast movement. He designed a 7-channel sound system at Mills College that featured an overhead speaker and built a variety of spatializers for students and guest composers. To celebrate the 50th anniversary of John Chowning's seminal work on the digital simulation of sound spatialization, Les realized a version of his algorithm for release with Max/MSP in 2021, including panned reverb and the Doppler effect, all controlled at signal rate. Currently Les works at Meow Wolf, where he designs interactive sound installations and acoustical treatments. He has developed several spatial plugins for Ableton Live, which typically include a binaural output to preview the results in headphones before going on-site. He led a collaboration with Spatial, Inc for Meow Wolf's installation at South by Southwest, and did extensive testing of Holoplot speakers for a future Meow Wolf project. Les talks about his extensive career, working with spatial audio since the 1980s, including projects with Frank Zappa, IRCAM, Cycling74, and we dive into the topic of interactive spatial audio for physical installations. This episode was produced by Oliver Kadel and Emma Rees and included music by Rhythm Scott. For extended show notes and more information on this episode go to https://immersiveaudiopodcast.com/episode-82-les-stuck-meow-wolf/ If you enjoy the podcast and would like to show your support, please consider becoming a Patreon. Not only are you supporting us, but you will also get special access to bonus content and much more. Find out more on our official Patreon page - www.patreon.com/immersiveaudiopodcast We thank you kindly in advance! We want to hear from you! We value our community and would appreciate it if you would take our very quick survey and help us make the Immersive Audio Podcast even better: surveymonkey.co.uk/r/3Y9B2MJ Thank you! You can follow the podcast on Twitter @IAudioPodcast for regular updates and content or get in touch via podcast@1618digital.com immersiveaudiopodcast.com

Die coolsten Typen der Prager Jazzszene zwischen ´58 und ´61 mit ihrem einzigen Album - das passt zu Götz Alsmanns Geheimem Garten des Jazz, jenem Resozialisierungsprojekt für vergessene, verlorene oder vergeigte Langspielplatten der Jazz-Historie. Von Götz Alsmann.

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Laurence Osborn (b. 1989) is a British composer currently based in London. His music has been commissioned and/or programmed by the London Symphony Orchestra, London Philharmonic Orchestra, City of Birmingham Symphony Orchestra, Ensemble Modern, Britten Sinfonia, The Riot Ensemble, Manchester Collective, 12 Ensemble, GBSR Duo, Ensemble Klang, and Ensemble 360, among others. He has also written for solo performers Sarah Dacey, Mahan Esfahani, Bartosz Glowacki, Zubin Kanga, Lore Lixenberg, Michael Petrov, and Agata Zubel. His music has been programmed throughout the UK, at venues such as The Royal Festival Hall, Queen Elizabeth Hall, The Royal Opera House, Symphony Hall (Birmingham), The Wigmore Hall, Kings Place, LSO St Luke's, St Martin- In-The-Fields, Milton Court, Wilton's Music Hall, Britten Studio (Aldeburgh), The National Portrait Gallery, The Holywell Music Room (Oxford), The Crucible Theatre (Sheffield), Kettle's Yard (Cambridge), and at Huddersfield Contemporary Music Festival (where he was an International Showcase Artist), St Magnus International Festival, Music in the Round Festival, and Ulverston International Music Festival.Laurence Osborn's song cycle Essential Relaxing Classical Hits was nominated for an Ivor Novello Award in 2021. He won the Royal Philharmonic Society Composition Prize in 2017, was runner up in the New Cobbett Prize for Composition (2014) and the International Antonin Dvorak Composition Competition (2013) and was shortlisted for the ICSM World Music Days (2018). Laurence has won student prizes for composition while studying at both undergraduate and postgraduate level, including the Adrian Cruft Prize for Composition and the Royal College of Music Concerto Competition. He has held positions in association with LSO Soundhub (2013-15), Nonclassical (2015-17), and the London Philharmonic Orchestra (2017-18).SOUND EXERPTS, IN ORDER:1. Coin Op Automata  for harpsichord and string quartetperformed by the Manchester Collective2. Essential Relaxing Classical Hits, for amplified solo soprano and 6 playersperformed by Agata Zubel and Ensemble Klang3. Absorber, for solo piano and MIDI controllerperformed by Zubin KangaLINKSLaurence Osborn official websiteWatch video of ‘Absorber' for piano and MIDI controllerSUPPORT THIS PODCASTPatreonDonorboxORDER SAMUEL ANDREYEV'S NEWEST RELEASEIridescent NotationLINKSYouTube channelOfficial WebsiteTwitterInstagramEdition Impronta, publisher of Samuel Andreyev's scoresEPISODE CREDITSPodcast artwork photograph © 2019 Philippe StirnSupport the show

Diesmal begrüßt Olaf Zimmermann in der ersten "elektro beats"-Stunde den klassisch geschulten Komponisten und Musiker Johannes Motschmann. Gerade erschienen ist sein spannendes, neues Album "AION 2". Eingespielt mit seinem Trio und unter Mitwirkung des Ensemble Modern. Besonders innovativ ist, dass die neuen Kompositionen mittels einer KI (Künstlichen Intelligenz) entstanden sind. Außerdem gibt es u.a. neue Musik von Tolouse Low Trax, Die Wilde Jagd, Caterini Barbieri, Harmonious Thelonious und Klassiker von Alan Wilders "Recoil"-Projekt, die jetzt auf Vinyl erschienen sind.

durée : 00:14:24 - Heiner Goebbels : A House of Call - My Imaginary Notebook - Ensemble Modern Orchestra - Dès 1998 qui marqua sa fondation, l'Ensemble Modern Orchestra avait programmé une œuvre orchestrale de Heiner Goebbels. Aujourd'hui, le compositeur et metteur en scène écrit un nouveau cycle pour l'ensemble, à l'initiative du Musikfest Berlin et de l'Ensemble Modern et inspiré par l'Année Beethoven.

Musik und Literatur, Ton und Wort, Bild und Bewegung, Licht und Raum - der Komponist und Theatermacher Heiner Goebbels beherrscht alle Elemente der Bühnenkunst. Grenzen zwischen E- und U-Musik, zwischen Hochkultur und Unterhaltung, kennt der vielseitige Künstler nicht. Offenheit nach allen Seiten ist sein künstlerisches Prinzip. (Wdh. vom 17.08.2022)

Die Geschichten im „Struwwelpeter“ sind anarchisch, gruselig und phantastisch. Oder stehen sie für „Schwarze Pädagogik“? Das Hörspiel präsentiert sie als Musical und Volkstheater.

Musik und Literatur, Ton und Wort, Bild und Bewegung, Licht und Raum - der Komponist und Theatermacher Heiner Goebbels beherrscht alle Elemente der Bühnenkunst. Grenzen zwischen E- und U-Musik, zwischen Hochkultur und Unterhaltung, kennt der vielseitige Künstler nicht. Offenheit nach allen Seiten ist sein künstlerisches Prinzip.

Contemporary classical cellist, Eva Boecker, is one of 19 soloists from 9 countries who plays with Ensemble Modern. Every year the group performs about 100 concerts in Europe and worldwide.Garden Basics with Farmer FredTips for thriving garden soil, healthy food, and flowers that attract beneficial insects.Listen on: Apple Podcasts Spotify

photo by Andreas Etter   Paul Cannon has just released his first solo album through Ensemble Modern.  Titled Polyglot, it is a wide-ranging look at contemporary music written for double bass from the past few decades.   We dig into what it was like recording this album, life as the bassist for this unique ensemble, creativity in general, and much more.   Enjoy, and be sure to check out Polyglot, follow Paul on Instagram and YouTube, and also check out our conversation with him from 2017!   Subscribe to the podcast to get these interviews delivered to you automatically!   Check out our Online Sheet Music Store with 100+ wide-ranging titles for bassists.   Listen to Contrabass Conversations with our free app for iOS, Android, and Kindle. Check out my Beginner's Classical Bass course and Intermediate to Advanced Classical Bass course, available exclusively from Discover Double Bass.   Thank you to our sponsors!   Upton Bass String Instrument Company - Upton's Karr Model Upton Double Bass represents an evolution of our popular first Karr model, refined and enhanced with further input from Gary Karr. Since its introduction, the Karr Model with its combination of comfort and tone has gained a loyal following with jazz and roots players. The slim, long “Karr neck” has even become a favorite of crossover electric players.   Dorico - Dorico 4 is here to supercharge your workflow. Steinberg's latest major version of music notation and composition software for macOS & Windows is packed with powerful new features that are designed to accelerate your workflow and make it quicker and easier than ever to go from inspiration to finished product. If you're a composer, arranger or orchestrator, you'll be delighted by the sophisticated new tools on offer – and there are improvements across the whole application, whatever your focus. For more information and to download a free 30-day trial  of Dorico 4 visit steinberg.net/dorico.   Carnegie Mellon University Double Bass Studio - CMU is dedicated to helping each student achieve their goals as a musician. Every week each student receives private lessons and participates in a solo class with Micah Howard. Peter Guild, another member of the PSO, teaches Orchestral Literature and Repertoire weekly. They encourage students to reach out to the great bassists in their area for lessons and direction. Many of the bassists from all of the city's ensembles are more than willing to lend a hand. Every year members of the Symphony, the Opera and the Ballet give classes and offer our students individual attention. Click here to visit Micah's website and to sign up for a free online trial lesson. theme music by Eric Hochberg

A Música da Casa começa com dois concertos já amanhã (14.12): Prémio Conservatório de Música do Porto/Casa da Música e Turno da Noite, pelo Remix Ensemble, com uma obra em estreia, encomenda a Cathy Milliken do prestigiado Ensemble Modern. Sexta e Sábado tem lugar a Oratória de Natal I e no domingo, além de Sophia, pelo Serviço Educativo, Fernando Tordo sobe ao palco da sala Suggia.  locução: Sónia Borges · produção e sonoplastia: Miguel Sousa 

This 12th SIMM-podcast episode is presenting interviews with Australian composer-musician-scholar Cathy Milliken (00:51->26:50), German musician-scholar Sean Prieske (26:52->46:42) and American teacher-musician-scholar Frank Heuser (46:45->63:57).  We hear Lukas Pairon interview them about the impact of the groups of participants in social and community music programmes often being   pluriversally composed.The short music extracts you will hear are recordings of the different programmes being discussed and presented during this episode of the podcast.Referenced during this podcast-episode: Elbphilharmonie Hamburg, Ensemble Modern, German Red Cross, Mit Einander Durch Musik, Music Fund, North Parc Academy of the Arts, Ode for All (Istanbul), Mariusz Radwanski, Stadtlied Hamburg, Ron Wakefield.contact: info@simm-platform.eu / www.simm-platform.eu

For the 20th episode of Darmstadt On Air, we will hear an interview with composer Alvin Singleton, conducted by historical musicologist Harald Kisiedu and composer George Lewis on July 19 2021. In 1972, Singleton's work Argoru II for cello was the first ever to be performed by a Black composer at the Darmstadt Summer Course. Two years later, his Be Natural for three string instruments received the Kranichstein Music Prize. In this podcast, Singleton talks about his early listening experiences and music studies during his formative years in Brooklyn, New York, his graduate work in composition at Yale University with Mel Powell and Yehudi Wyner, and his activities as the founder of Yale's Black Music Students Union. Singleton also discusses his fourteen-year sojourn in Italy and Austria, his rich experiences at the Darmstadt Summer Course, where he collaborated with cellist Siegfried Palm and others, and he tells us about the significance of improvisation and cultural intermixture in his life and work. Singleton's Again for chamber orchestra, which won the 1979 Musikprotokoll Composition Prize, will be performed at the Darmstadt Summer Course Opening Concert on July 31 2021 by Ensemble Modern, conducted by Enno Poppe. From the Darmstadt archives, we will hear Singleton discussing Again at the Darmstadt Kompositionsstudio in 1979, chaired by Brian Ferneyhough, as well as excerpts of several other Singleton compositions: Et Nunc for alto flute, bass clarinet, and double bass, Be Natural, and Mestizo II for orchestra, from a rare recording of its 1970 premiere by the Yale Symphony Orchestra.

Episode 3: The Zappanale Josh challenges Jon with the poetry from a choral classic and Jon (deservedly) just talks Zappa...Zappa...Zappa. Featuring performances of Morten Lauridsen's Contre qui, rose by The Singers—Minnesota Choral Artists and Frank Zappa's The Girl in the Magnesium Dress by Ensemble Modern.

durée : 01:58:10 - Les ensembles spécialisés - par : Christian Merlin - Ils s'appellent Ensemble Intercontemporain, Ensemble Modern, Ictus ou 2e2m, ils ont décidé de revisiter le modèle orchestral classique et ont fait le choix aventureux de répertoires négligés par les grandes phalanges. - réalisé par : Marie Grout

Hans-Georg Kaiser ist Intendant des Freiburger Barockorchesters. Aus wenig Viel machen - die Devise ähnelt der des ortsansässigen Bundesligaclubs. Tourneen, internationale Produktionen, vielbeachtete CDs, eigene Konzertreihen … Die Arbeitsweise des Orchesters ist speziell, es gibt keinen Chefdirigenten, und jeder Musiker, jede Musikerin ist Gesellschafter des Orchesters, das ihnen damit quasi selbst gehört. Mit allen Chancen und allen Risiken.

In Hamburg spielt das Jüdische Kammerorchester ihr erstes Konzert in diesem Jahr - während die Hamas und Israel sich gegenseitig bombardieren, beschämend nennt das die taz und stellt das Orchester vor. Auch der Autor Ilja Trojanow hat seine Liebe zur zeitgenössischen Musik gefunden, als Chronist will er das Ensemble Modern begleiten. Davon erzählt er in der FAZ. Und an der Berliner Volksbühne hat eine Frau das Zepter übernommen: Die Dramaturgin Sabine Zielke. Mit der früheren Geschäftsführerin Gabriele Gornowicz leitet sie gerade die Volksbühne, nachdem Klaus Dörr das Haus vorzeitig verlassen musste. Ein Zeitenwechsel deute sich hier an, der sich an vielen Theatern dieses Landes zeigt, findet die SZ.

Eine Schauspielerin am Rande des Nervenzusammenbruchs! Morgen ist die Premiere von Tolstois Anna Karenina, und sie kann seit Wochen nicht mehr schlafen. Doch in dieser Nacht findet sie das Tagebuch ihrer Mutter und wird in einen alptraumhaften Bewusstseinsstrom aus Kindheitserinnerungen, Existenzängsten und Aufbegehren gerissen. Dichtung und Realität verschwimmen, ihr fiebriges Hirn wird von Musik durchflutet, doch dann hebt sich der Vorhang… In dieser aus biographischem Material entwickelten Soloperformance nimmt uns die Ausnahmeschauspielerin Judith Rosmair mit auf eine Tour de Force durch die Höhen und Tiefen eines durch Schlaflosigkeit und Revolte gezeichneten Theaterlebens. (Audio verfügbar bis 23.10.2022)

In der zeitgenössischen Musik werden kaum schwarze Komponistinnen und Komponisten aufgeführt. Dabei gibt es auch in der musikalischen Avantgarde viele "Composers of Color". Sechs davon standen am Mittwoch bei der "MaerzMusik" auf dem Programm, in einem Konzert mit dem Frankfurter "Ensemble Modern". Von Hans Ackermann

Brian Ferneyhough is widely recognized as one of today's foremost living composers. Since the mid-1970s, when he first gained widespread international recognition, his music has earned him an enviable reputation as one of the most influential creative personalities and significant musical thinkers on the contemporary scene. Ferneyhough was born in Coventry, England, in 1943 and received formal musical training at the Birmingham School of Music and the Royal Academy of Music, London. In 1968 he was awarded the Mendelssohn Scholarship, which enabled him to continue his studies in Amsterdam with Ton de Leeuw, and the following year obtained a scholarship to study with Klaus Huber at the Basel Conservatoire. Following Ferneyhough's move to mainland Europe, his music began to receive much wider recognition. The Gaudeamus Composers' Competition in the Netherlands awarded Ferneyhough prizes in three successive years (1968-70) for his Sonatas for String Quartet, Epicycle and Missa Brevis respectively. The Italian section of the ISCM at its 1972 competition gave Ferneyhough an honourable mention (second place) for Firecycle Beta and two years later a special prize for Time and Motion Study III which was considered the best work submitted in all categories. Recent works have included Inconjunctions (2014), Contraccolpi (2016), and a collection of encounters influenced by Christopher Tye, Umbrations (2001-2017), premiered by the Arditti Quartet and Ensemble Modern at Wittener Tage für Neue Kammermusik. Associated with the most prestigious teaching institutions and international summer schools for contemporary music, from 1984 to 1996 Ferneyhough was Composition Course Co-ordinator at the biennial Darmstädter Ferienkurse für Neue Musik. In 1984 he was made Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres and he has since been named a member of the Berlin Akademie der Künste, the Bayrische Akademie der Schönen Künste and a Fellow of the Royal Academy of Music. Most recently, he was awarded the 2007 Ernst von Siemens Music Prize.SUPPORT THIS PODCASTPatreonDonorboxORDER SAMUEL ANDREYEV'S NEWEST RELEASEIridescent NotationLINKSYouTube channelOfficial WebsiteTwitterInstagramEdition Impronta, publisher of Samuel Andreyev's scoresEPISODE CREDITSPodcast artwork photograph © 2019 Philippe StirnweissSupport the show (http://www.patreon.com/samuelandreyev)

Hosts Jim DeRogatis and Greg Kot discuss the life and career of Frank Zappa with actor and documentarian Alex Winter, director of ZAPPA. They also review the new album by Viagra Boys. Become a member on Patreon: https://www.patreon.com/soundopinionsMake a donation via PayPal: https://bit.ly/36zIhZK Record a Voice Memo: https://www.micdropp.com/studio/5febf006eba45/ Featured Songs:Frank Zappa, "Peaches en Regalia," Hot Rats, Bizarre, 1969Viagra Boys, "I Feel Alive," Welfare Jazz, Year0001, 2021Viagra Boys, "Ain't Nice," Welfare Jazz, Year0002, 2021Viagra Boys, "Into the Sun," Welfare Jazz, Year0003, 2021Viagra Boys, "Creatures," Welfare Jazz, Year0004, 2021Viagra Boys, "In Spite of Ourselves (feat. Amy Taylor)," Welfare Jazz, Year0005, 2021Frank Zappa, "Valley Girl (feat. Moon Zappa)," Ship Arriving Too Late to Save a Drowning Witch, Barking Pumpkin, 1982Frank Zappa and The Mothers of Invention, "Camarillo Brillo," Over-Nite Sensation, DiscReet, 1973Frank Zappa, "Willie the Pimp," Hot Rats, Bizarre, 1969Frank Zappa and Ensemble Modern, "Dog Breath Variations," The Yellow Shark, Barking Pumpkin, 1993Edgard Varèse, "Poème électronique," Music of Edgard Varèse, Columbia, 1960The Mothers of Invention, "Trouble Every Day," Freak Out, Verve, 1966Frank Zappa, "The Black Page, No. 2 (Live)," Baby Snakes, Barking Pumpkin, 1983The Mothers of Invention, "Didja Get Any Onya," Weasels Rip My Flesh, Bizarre, 1970John Carpenter, "Halloween Theme," Halloween (Original Motion Picture Soundtrack), Columbia, 1979 

2021 wäre Marcel Proust 150 Jahre alt geworden. Dieses Hörstück versucht die Vielfalt der Phänomene von Prousts Werk über eine Wort/Musik-Komposition einzufangen, die vom Ensemble Modern eingespielt wurde.

40 Geschenke zum 40. Geburtstag. Das ist üppig. Das weltbekannte Ensemble Modern hat sich so beschenken lassen - mit 40 Stücken zum 40. Jahr seines Bestehens. Darunter Musik von Filmmusikkomponist Ennio Morricone und Avantgarde-Größen wie George Aperghis oder Helmut Lachenmann. Und in einem orange beklecksten Doppel-Album mit dem Titel "Beschenkt" auf dem ensembleeigenen Label veröffentlicht.

Frank Zappa, Zappa Records, Mothers of Invention, Freak Out, Ensemble Modern, The Yellow Shark, Roger Corman, Adrian Belew, Patrick O'Hearn, Terry Bozzio, Tommy Mars, Peter Wolf, Ed Mann, Chad Wackerman, Bobby Martin, Scott Thunes, Mike Keneally

Frank Zappa, Zappa Records, Mothers of Invention, Freak Out, Ensemble Modern, The Yellow Shark, Roger Corman, Adrian Belew, Patrick O'Hearn, Terry Bozzio, Tommy Mars, Peter Wolf, Ed Mann, Chad Wackerman, Bobby Martin, Scott Thunes, Mike Keneally

Ashleigh Gordon, the Artistic and Executive Director of Castle of our Skins, joins us to chat about her work leading a collective dedicated to celebrating black artistry through music. We discuss how she and co-founder Anthony Green developed COOS from individual grad school projects to a multifaceted concert presenter and educational organization. We speak about several of their initiatives, such as their Shirley Graham DuBois Creative-in-Residence Program, Beauty in Black Artistry blog, and edutainment recital and workshop series. We finish with advice on how to use one's platform to provoke conversations on becoming ever better. Described as a “charismatic and captivating performer,” Ashleigh Gordon has recorded with Switzerland's Ensemble Proton and Germany's Ensemble Modern; performed with Grammy-award winning BMOP and Grammy-nominated A Far Cry string ensemble; and appeared at the prestigious BBC Proms Festival with the Chineke! Orchestra. Ashleigh has performed in the Royal Albert and Royal Festival Halls (London), Konzerthaus Berlin and Oper Frankfurt (Germany), Gare du Nord and Dampfzentrale Bern (Switzerland), Centre Pompidou (Paris), the Lee Hysan Concert Hall (Hong Kong), and the 180 Degrees Festival (Bulgaria). Ashleigh is co-founder, Artistic/Executive Director, and violist of Castle of our Skins, a Boston-based concert and educational series devoted to celebrating Black Artistry through music. She is a 2015 St. Botolph Emerging Artist Award and 2016 Charles Walton Diversity Advocate Award recipient, a 2019 Brother Thomas Fellow, a nominee for the 2020 "Americans for the Arts Johnson Fellowship for Artists Transforming Communities,” and one of WBUR's “ARTery 25”, twenty-five millennials of color impacting Boston's arts and culture scene. As an advocate of social change through education, Ashleigh served as viola instructor in the Boston Youth Symphony Orchestra's Intensive Community Program, a rigorous string instrumental program that provides instruction to populations often underrepresented in classical music. She has presented lectures on citizen artistry and entrepreneurship, workshops for fellow educators on Caribbean folk songs, and served as a guest panelist at the Sphinx Connect Conference and Chamber Music America Conference discussing diversity in classical music. She is an Instructor of Teaching Artistry at the Longy School of Music at Bard College. Resources discussed in today's episode: Shirley DuBois Creative-in-Residence Program Castle of our Skins Beauty-in-Black-Artistry Blog The transcript for this episode can be found at here. For more information about Castle of our Skins, please visit them at their website, Facebook, Twitter, Instagram, YouTube, and LinkedIn.

Clarinetist Richard Haynes performs music spanning the 18th to 21st centuries all over the world in a multitude of contexts. During the course of undergraduate study at the Queensland Conservatorium of Music and further study at the University of Arts Bern his teachers included Brian Catchlove, Paul Dean, Ernesto Molinari, Diana Tolmie, Donna Wagner-Molinari and Floyd Williams. Since his solo debut with the Queensland Symphony Orchestra at the age of 17 performing the Clarinet Concerto by John Veale, Richard Haynes has performed further concerti by Copland, Mozart, Rankine, Smetanin, Westlake and Xenakis to acclaim, won the title of Australia's Young Performer of the Year and the Australian Art Music Award for Performance of the Year and has received invitations to the academies of Acanthes, Bang on a Can, Darmstadt, Ensemble Modern, impuls and Lucerne Festival. Richard Haynes has maintained regular concert activity in Europe, the USA, Asia, Australia and New Zealand over the last 15 years and is a 1st Prize Winner of the International Concours Nicati Switzerland and the 2008 recipient of the Tschumi Music Prize.More about Richard Haynes hereOrder Richard's new CD, Ghosts of MotionMusical excerpts, in order:Samuel Andreyev, A Line Alone, for solo clarinet d'amore (2020)Chris Dench, Ghosts of Motion, for solo clarinet d'amore (2020)Richard Haynes, clarinet d'amorefrom the new CD, Ghosts of Motion (www.cubus-records.ch)SUPPORT THIS PODCASTPatreonDonorboxORDER SAMUEL ANDREYEV'S NEWEST RELEASEIridescent NotationLINKSYouTube channelOfficial WebsiteTwitterInstagramEdition Impronta, publisher of Samuel Andreyev's scoresEPISODE CREDITSSpoken introduction: Maya RasmussenPodcast artwork photograph © 2019 Philippe StirnweissSupport the show (http://www.patreon.com/samuelandreyev)

Autor: Fuchs, Jörn Florian Sendung: Kultur heute Hören bis: 19.01.2038 04:14

„Grenzerfahrungsvirtuosen“ oder „Traumvision aller Komponierenden“: Die Lobeshymnen auf das Ensemble Modern sind kaum zu zählen. Am 9 Dezember feiert sich das Spezialensemble für zeitgenössische Musik in der Frankfurter Alten Oper mit einem Festakt zum 40. Jubiläum. Wir blicken auf vier Dekaden musikalischer Experimentierfreudigkeit.

Mit 40 Musikminiaturen hat das Ensemble Modern sein 40-jähriges Bestehen in der Frankfurter Alten Oper gefeiert. Laudator Ilija Trojanow rühmte den basisdemokratischen Geist des Ensembles. Der gilt bis heute – für Musiker und Publikum. Stefan Keim im Gespräch mit Andrea Gerk www.deutschlandfunkkultur.de, Fazit Hören bis: 19.01.2038 04:14 Direkter Link zur Audiodatei

Wemhoff weekly – Jeden Sonntag die neuesten Nachrichten aus der Klassik- und Opernwelt. Folge 13 mit Dietmar Wiesner, Mitbegründer und Flötist des Ensemble Modern.

This episode features composer Nicholas Olsen discussing his recent lock-down project, “From Home”, referential music, important influences and composing habits. Nick is a Welsh Composer based in Glasgow. He has worked with ensembles such as the Royal Scottish National Orchestra, BBC Scottish Symphony Orchestra, Ensemble Modern, Psappha Ensemble and many more. With special thanks to performers Matthew McAllister. Valerie Barr, Richard Schofield, Da Capo Alba, Djordje and Andrea Gajic. Ear to the Ground keeps you in the loop with interviews and gig alerts from Scotland's top-notch composers. Hosted by Aileen Sweeney and Ben Eames. Sound edited by Mia Eames. Website Links: https://www.eartothegroundscotland.com/ https://www.nicholasolsenmusic.com/   Listening Material: Henri Dutilleux - Violin Concerto (L'Arbe De Songes): https://www.youtube.com/watch?v=EDVFNh7MDQk&ab_channel=nicholas72611 Pierre Boulez - Pli Selon Pli: https://www.youtube.com/watch?v=yC7v4O9kLyU&t=23s&ab_channel=ListadeM%C3%BAsicasOttoMariaCarpeaux Maurice Ravel - Piano Concerto in G Major: https://www.youtube.com/watch?v=5b4-rXhKpMM&t=30s&ab_channel=olla-vogala Ninfea Cruttwell-Reade - Three Etudes for Piano and Flower Pots: https://www.youtube.com/watch?v=9H3FUgjoA-M&ab_channel=PsapphaEnsemble

En este nuevo episodio de El Inodoro de Cristal Invitamos al gran trompetista y compositor Valentin Garvie para hablar sobre su nuevo disco Jazz Squash de Elite. No te pierdas esta charla donde hablamos sobre su carrera en el Ensemble Modern de Alemania, su adaptación de la música de Gerardo Gandini en el Centro de experimentación del Teatro Colón, la colaboración con el sello ICM donde ya editó 3 discos y su pasión por encontrar una música donde convivan el jazz y la música contemporánea. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/el-inodoro-de-cristal/message

Nos estamos acercando al final de nuestro viaje por la vida y obra de Frank Zappa. En esta cuarta y penúltima entrega nos centramos desde el año 1985 hasta 1994, año en el que se publicó de forma póstuma el disco Civilization, Phaze III. Se trata de un periodo muy fructífero, en el cual se intercalan trabajos con material nuevo con discos de archivo. Zappa, consciente de su enfermedad, en 1988 decidió retirarse de las actuaciones en directo y centrarse en revisar material grabado y componer con su sinclavier. En 1993 se publica The Yellow Shark fruto de su colaboración con el Ensemble Modern, su último disco antes de que abandonara este mundo y posiblemente uno de sus mejores discos. Para relatar el transcurso de este periodo contamos con los miembros habituales de Subterranea Carles Pinós, Carlos Romeo, David Pintos y Ricardo Hernández que nos han ido acompañando durante estos especiales de verano.

Nos estamos acercando al final de nuestro viaje por la vida y obra de Frank Zappa. En esta cuarta y penúltima entrega nos centramos desde el año 1985 hasta 1994, año en el que se publicó de forma póstuma el disco Civilization, Phaze III. Se trata de un periodo muy fructífero, en el cual se intercalan trabajos con material nuevo con discos de archivo. Zappa, consciente de su enfermedad, en 1988 decidió retirarse de las actuaciones en directo y centrarse en revisar material grabado y componer con su sinclavier. En 1993 se publica The Yellow Shark fruto de su colaboración con el Ensemble Modern, su último disco antes de que abandonara este mundo y posiblemente uno de sus mejores discos. Para relatar el transcurso de este periodo contamos con los miembros habituales de Subterranea Carles Pinós, Carlos Romeo, David Pintos y Ricardo Hernández que nos han ido acompañando durante estos especiales de verano.

Beethoven, radikal kurz: Hermann Kretzschmar, Pianist des Ensemble Modern, hat Beethovens Klaviersonaten im Schnellverfahren „abgetastet“. Er spielt dabei nur die erste Zählzeit eines jeden Taktes. Faszinierendes Ergebnis: 32 Scan-Sonaten. Folge 23: Die Sonate op. 57 in f-Moll.

Beethoven, radikal kurz: Hermann Kretzschmar, Pianist des Ensemble Modern, hat Beethovens Klaviersonaten im Schnellverfahren „abgetastet“. Er spielt dabei nur die erste Zählzeit eines jeden Taktes. Faszinierendes Ergebnis: 32 Scan-Sonaten. Folge 18: Die Sonate op. 31 Nr. 3 in Es-Dur.

Beethoven, radikal kurz: Hermann Kretzschmar, Pianist des Ensemble Modern, hat Beethovens Klaviersonaten im Schnellverfahren „abgetastet“. Er spielt dabei nur die erste Zählzeit eines jeden Taktes. Faszinierendes Ergebnis: 32 Scan-Sonaten. Folge 19: Die Sonate op. 49 Nr. 1 in g-moll.

Beethoven, radikal kurz: Hermann Kretzschmar, Pianist des Ensemble Modern, hat Beethovens Klaviersonaten im Schnellverfahren „abgetastet“. Er spielt dabei nur die erste Zählzeit eines jeden Taktes. Faszinierendes Ergebnis: 32 Scan-Sonaten. Folge 17: Die Scan-Sonate 17 op. 31 Nr. 2 in d-Moll

Beethoven, radikal kurz: Hermann Kretzschmar, Pianist des Ensemble Modern, hat Beethovens Klaviersonaten im Schnellverfahren „abgetastet“. Er spielt dabei nur die erste Zählzeit eines jeden Taktes. Faszinierendes Ergebnis: 32 Scan-Sonaten. Folge 16: Die Sonate op. 31 Nr. 1

Frank Zappa verstarb am 4. Dezember 1993 - nur einen Monat vor seinem Tod erschien sein Album „Yellow Shark". Eingespielt hatte es der Ausnahmemusiker mit dem Frankfurter Ensemble Modern. „Ich war 20, als ich meinen ersten Rock'n'Roll-Song schrieb. Davor war alles Kammermusik", soll er bei den Proben gestanden haben. Die Zusammenarbeit zwischen dem Ensemble für zeitgenössische Musik und dem Komponisten Zappa war für beide Seiten eine spannende Grenzüberschreitung. Das beweist auch der Titel „Moggio", der 10 Jahre später auf dem Album „Ensemble Modern plays Frank Zappa - Greggery Peccary & other persuasions" erschien.

Frank Zappa verstarb am 4. Dezember 1993 - nur einen Monat vor seinem Tod erschien sein Album „Yellow Shark". Eingespielt hatte es der Ausnahmemusiker mit dem Frankfurter Ensemble Modern. „Ich war 20, als ich meinen ersten Rock'n'Roll-Song schrieb. Davor war alles Kammermusik", soll er bei den Proben gestanden haben. Die Zusammenarbeit zwischen dem Ensemble für zeitgenössische Musik und dem Komponisten Zappa war für beide Seiten eine spannende Grenzüberschreitung. Das beweist auch der Titel „Moggio", der 10 Jahre später auf dem Album „Ensemble Modern plays Frank Zappa - Greggery Peccary & other persuasions" erschien.

Seit 40 Jahren widmet sich das "Ensemble Modern" der zeitgenössischen Musik. Die Musiker wagten sich nicht nur an die Realisation unerhörter Partituren, sondern auch an ein Lebensmodell voller Idealismus und hohem wirtschaftlichen Risiko. Von Sabine Fringes / Produktion: WDR 2020 / www.wdr3.de Von Sabine Fringes.

Seit 40 Jahren widmet sich das "Ensemble Modern" der zeitgenössischen Musik. Die Musiker wagten sich nicht nur an die Realisation unerhörter Partituren, sondern auch an ein Lebensmodell voller Idealismus und hohem wirtschaftlichen Risiko. Von Sabine Fringes / Produktion: WDR 2020 / www.wdr3.de Von Sabine Fringes.

Das Ensemble Modern Frankfurt feiert sein 40-jähriges Bestehen. Anfänglich seien sie sich wie Paradiesvögel vorgekommen, sagt der Flötist und Mitbegründer Dietmar Wiesner. Tatsächlich ist das Ensemble Modern eines der ersten Ensembles, das sich auf zeitgenössische Musik konzentriert hat und ist nur vier Jahre jünger als das legendäre Ensemble Intercontemporain von Pierre Boulez. Das Repertoire der zurzeit 19 Musiker*innen starken Frankfurter Gruppe reicht zurück bis zur Musik eines Arnold Schönberg, Anton Webern oder Alban Berg. «Alte Musik», wenn man so will. Das Ziel des Ensemble Modern Frankfurt ist es auch keineswegs, sich einzuschränken. Daher umfasst der Katalog der gespielten Werke auch Musik eines Frank Zappa oder elektronische Musik, sowie Auftragskompositionen an ganz junge Komponist*innen. So gesehen verstehe sich sein Ensemble als musikalisches Trüffelschwein, sagt Wiesner. Denn: das Publikum soll selbst wählen können, was ihm gefällt und was nicht.

Beethoven, radikal kurz: Hermann Kretzschmar, Pianist des Ensemble Modern, hat Beethovens Klaviersonaten im Schnellverfahren „abgetastet“. Er spielt dabei nur die erste Zählzeit eines jeden Taktes. Faszinierendes Ergebnis: 32 Scan-Sonaten. Folge 15: Die Sonate op. 28 in D-Dur.

Beethoven, radikal kurz: Hermann Kretzschmar, Pianist des Ensemble Modern, hat Beethovens Klaviersonaten im Schnellverfahren „abgetastet“. Er spielt dabei nur die erste Zählzeit eines jeden Taktes. Faszinierendes Ergebnis: 32 Scan-Sonaten. Folge 14: Die Sonate op. 27 Nr. 2 in cis-Moll.

Beethoven, radikal kurz: Hermann Kretzschmar, Pianist des Ensemble Modern, hat Beethovens Klaviersonaten im Schnellverfahren „abgetastet“. Er spielt dabei nur die erste Zählzeit eines jeden Taktes. Faszinierendes Ergebnis: 32 Scan-Sonaten. Folge 13: Die Sonate op. 27 Nr. 1 in Es-Dur.

Beethoven, radikal kurz: Hermann Kretzschmar, Pianist des Ensemble Modern, hat Beethovens Klaviersonaten im Schnellverfahren „abgetastet“. Er spielt dabei nur die erste Zählzeit eines jeden Taktes. Faszinierendes Ergebnis: 32 Scan-Sonaten. Folge 12: Die Sonate op. 26 in As-Dur.

Beethoven, radikal kurz: Hermann Kretzschmar, Pianist des Ensemble Modern, hat Beethovens Klaviersonaten im Schnellverfahren „abgetastet“. Er spielt dabei nur die erste Zählzeit eines jeden Taktes. Faszinierendes Ergebnis: 32 Scan-Sonaten. Folge 11: Die Sonate op. 22 in B-Dur.

Rike Huy ist Trompeterin, Musikproduzentin, Komponistin, Theaterwissenschaftlerin, Orchestermusikerin....vor allem aber ein wahnsinnig sympathischer Mensch und ich freue mich, dass sie sich die Zeit für ein Interview genommen hat. Wir sprechen über Ihren neuen Film, Übe-Routine und wie man es schafft, im Tourstress den Überblick zu behalten. Außerdem gibt es eine tolle Bonus-Episode zum Thema LAMPENFIEBER & AUFTRITTSANGST für alle Förderer des Podcasts unter http://www.patreon.com/weitesfeld. Jetzt Förderer werden, den Podcast unterstützen und Zugriff auf massenhaft spannende Extras erhalten :-) Rikes Website: https://www.rikehuy.com Carolin Emcke "Gegen den Hass": https://www.fischerverlage.de/buch/carolin_emcke_gegen_den_hass/9783103972313 Unterstütze den Podcast als Förderer auf der Patreon-Seite von WEITES FELD: http://www.patreon.com/weitesfeld

Welcome to Master in Music and Episode nr 10! Before I start the introduction, I like to remind the listeners that Master in music is free to listen to but not to make so every little contribution to making the podcast exist is most welcome you can contribute by go to www.masterinmusic.com and by me a coffee.  .bmc-button img{width: 35px !important;margin-bottom: 1px !important;box-shadow: none !important;border: none !important;vertical-align: middle !important;}.bmc-button{padding: 7px 10px 7px 10px !important;line-height: 35px !important;height:51px !important;min-width:217px !important;text-decoration: none !important;display:inline-flex !important;color:#000000 !important;background-color:#FFDD00 !important;border-radius: 5px !important;border: 1px solid transparent !important;padding: 7px 10px 7px 10px !important;font-size: 22px !important;letter-spacing: 0.6px !important;box-shadow: 0px 0px 0px rgba(190, 190, 190, 0.5) !important;-webkit-box-shadow: 0px 0px 0px 0px rgba(190, 190, 190, 0.5) !important;margin: 0 auto !important;font-family:'Cookie', cursive !important;-webkit-box-sizing: border-box !important;box-sizing: border-box !important;-o-transition: 0.3s all linear !important;-webkit-transition: 0.3s all linear !important;-moz-transition: 0.3s all linear !important;-ms-transition: 0.3s all linear !important;transition: 0.3s all linear !important;}.bmc-button:hover, .bmc-button:active, .bmc-button:focus {-webkit-box-shadow: 0px 0px 0px 0px rgba(190, 190, 190, 0.5) !important;text-decoration: none !important;box-shadow: 0px 0px 0px 0px rgba(190, 190, 190, 0.5) !important;opacity: 0.85 !important;color:#000000 !important;}Buy me a coffee If you like the podcast, we encourage you to screenshot that you are listening to it and tag Master in Music or aswedishcellist so we can spread musical inspiration through the world and inspire to more music. For today’s episode we are going to meet a living composer, Vykintas Baltakas. He is an intriguing and fascinating composer and conductor. He origins from Lithuania, studied in Karlsruhe with Wolfgang Rihm and Conducting with Andreas Weiss. He has conducted the Bavarian Radio Symphony Orchestra, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, Ensemble Modern, and Klangforum Wien.  He has participated in competitions and had amazing results, Peter Eötvös describes him like this: “What is remarkable about Vykintas Baltakas is his own brusque, harsh, very attentive and confident demeanour, his personal musical language, sometimes amusingly brittle, always explorative, always active and professional. His constant development, the versatility of his artistic creativity and his permanently progressive musical stance have encouraged me to nominate him for this prestigious prize.” Conservatorium Maastricht, where he is the composing teacher, describes him as musical Scheherazade. His music keeps pulling you in and referencing itself, sometimes branching off and reinventing itself, and sometimes returning to where it started. He weaves musical stories that are linked with a delicate interconnected web. Peter Eötvös In this episode we talk about how to compose music. How to find your inner personality, what makes good music and great musicians. What he thinks are the keys to composing. We also talk about the future and what it will bring, how to communicate and much more. I didn’t want this interview to end because It was so thrilling. Ladys and gentlemen now we are going to dive into the musical universe of Vykintas Baltakas, he describes it like: A bright scherzo, (co)ro(na) for small ensemble. From Ouroboros, he took the fermata in measure 313 and used that as the sonic object as the seed. The title is a little misleading in that we may mistakenly think of a fermata (or corona) as just a pause, but fermatas are full of energy at multiple levels, almost like watching a hummingbird hovering in the distance – they seem almost moti...

Contrabassist James Oesi en accordeonist Vincent van Amsterdam traden tijdens November Music op met splinternieuw werk van jonge componisten. Een keuze uit de opname, en een vooruitblik op hun concert op zondag 12 januari in Amsterdam (in het Pleintheater). 23.04 CD 3x6 (Zefir Records ZEF9666) Johann Sebastian Bach: Prelude en Fuga nr 12 in f-klein BWV 855 (uit Wohltemperierte Clavier) Marcel Worms [piano] 6'23” 23.11 CD 3x6 (Zefir Records ZEF9666) Dmitri Sjostakovitsj: Prelude en Fuga nr 18 in f-klein Marcel Worms [piano] 6'31” CD 3x6 (Zefir Records ZEF9666) Felix Mendelssohn-Bartholdy: Prelude nr 5 in f-klein, Opus 35 Marcel Worms [piano] 2'45” 23.20 CD For Samuel Beckett (1987) Morton Feldman: For Samuel Beckett (fragment) Ensemble Modern olv Arturo Tamayo 7'54” 23.30 eigen opname November Music 9/11/2019 Thomas Power: Talamh James Oesi [contrabas] 4'27” 23.40 eigen opname November Music 9/11/2019 Merijn Bisschops: Far-field Vincent van Amsterdam [accordeon] 12'10”

Gianni Morelenbaum Gualberto, Pianisti dell'altro mondo, Teatro Franco Parenti, Frank Zappa, Ensemble Modern, Endless Boogie, John Adams, Brad Mehldau, Vicky Chow, Steve Reich

Gianni Morelenbaum Gualberto, Pianisti dell'altro mondo, Teatro Franco Parenti, Frank Zappa, Ensemble Modern, Endless Boogie, John Adams, Brad Mehldau, Vicky Chow, Steve Reich

Gianni Morelenbaum Gualberto, Pianisti dell'altro mondo, Teatro Franco Parenti, Frank Zappa, Ensemble Modern, Endless Boogie, John Adams, Brad Mehldau, Vicky Chow, Steve Reich

durée : 01:57:49 - En direct du Festival international d'Art lyrique d'Aix-en-Provence - par : Clément Rochefort - En direct de l'Hôtel Maynier d'Oppède, avec Siobhan Stagg, soprano, Jean-Gabriel Saint Martin, baryton, Bertrand Halary, piano ; solistes instrumentaux de l’Ensemble Modern, Josefin Feiler, soprano, Beth Taylor, mezzo ; membres de l'Orchestre des Jeunes de la Méditerranée ; le Quatuor Akos. - réalisé par : Adrien Roch

durée : 00:59:49 - Entre Modernes - par : Lionel Esparza - Les invités du Classic Club ce soir sont Megumi Kasakawa et Ueli Wiget de l’Ensemble Modern, la pianiste Vanessa Wagner et le directeur de l'IRCAM Franck Madlener, c'est en direct et en public depuis l'Hôtel Bedford. - réalisé par : Antoine Courtin

Bekannte und unbekannte Musik von Kurt Weill stellt das Ensemble Modern mit HK Gruber auf seinem neuen Album vor. Mit dabei ist auch das Vokalensemble amarcord.

Composer and pianist Wang Lu was born in the Xi’an, China, the country’s ancient capital. Brought up in a musical family with strong Chinese opera and folk music traditions, her compositions are inspired by both of these forms, and fused with urban environmental sounds. Wang’s works have been performed internationally by the Ensemble Modern, The Minnesota Orchestra, The American Composers Orchestra and Holland Symfonia, to name just a few. As a spring 2019 Fellow at the Academy, Wang is working on new pieces, and she’ll be performing works from Urban Inventory in the city as well. Producer Tony Andrews sat down with Wang to discuss her work.

Dick Kattenburg door The Hague String Trio, concerttip Zappa's The Yellow Shark, Mozart binnenstebuiten door Michael Finnissy, en Mats Eilertsen op November Music. Met muziek van Nina Stern & Ensemble Rose of the Compass, Hans Krása en Dick Kattenburg door het Hague String Trio, Frank Zappa door het Ensemble Modern, Michael Finnissy en Mats Eilertsen Trio + Trio Mediaeval.

Cathy Milliken has been an artist many young Australian musicians have looked up to when they have travelled abroad to continue their studies in Europe. A renowned oboist, composer and music educator, Cathy has held key positions with two of the world’s leading music ensembles, Ensemble Modern and the Berlin Philharmonic Orchestra. Breandáin caught up with Cathy in Berlin, where she talked about her illustrious musical career, working alongside many of the world’s leading musicians, composing and creating participatory compositional projects around the world. And about how it all started back in the Queensland Youth Orchestra.

Inizio: un ricordo di John Belushi, nato il 24 gennaio 1949..Contenuti speciali: estratti live dalla performance "Omaggio a Jeff Buckley" @ Twiggy Café di Varese..Musiche in viaggio a cura di:Ensemble Modern, Frank Zappa, Jeff Buckley, Keith Jarrett, Friedrich Gulda, Macjej Obara Quartet (replica della puntata scorsa)

Inizio: un ricordo di John Belushi, nato il 24 gennaio 1949..Contenuti speciali: estratti live dalla performance "Omaggio a Jeff Buckley" @ Twiggy Café di Varese..Musiche in viaggio a cura di:Ensemble Modern, Frank Zappa, Jeff Buckley, Keith Jarrett, Friedrich Gulda, Macjej Obara Quartet (replica della puntata scorsa)

Inizio: un ricordo di John Belushi, nato il 24 gennaio 1949..Contenuti speciali: estratti live dalla performance "Omaggio a Jeff Buckley" @ Twiggy Café di Varese..Musiche in viaggio a cura di:Ensemble Modern, Frank Zappa, Jeff Buckley, Keith Jarrett, Friedrich Gulda, Macjej Obara Quartet (replica della puntata scorsa)

Inizio: un ricordo di John Belushi, nato il 24 gennaio 1949..Contenuti speciali: estratti live dalla performance "Omaggio a Jeff Buckley" @ Twiggy Café di Varese..Musiche in viaggio a cura di:Ensemble Modern, Frank Zappa, Jeff Buckley, Keith Jarrett, Friedrich Gulda, Macjej Obara Quartet

Inizio: un ricordo di John Belushi, nato il 24 gennaio 1949..Contenuti speciali: estratti live dalla performance "Omaggio a Jeff Buckley" @ Twiggy Café di Varese..Musiche in viaggio a cura di:Ensemble Modern, Frank Zappa, Jeff Buckley, Keith Jarrett, Friedrich Gulda, Macjej Obara Quartet

Inizio: un ricordo di John Belushi, nato il 24 gennaio 1949..Contenuti speciali: estratti live dalla performance "Omaggio a Jeff Buckley" @ Twiggy Café di Varese..Musiche in viaggio a cura di:Ensemble Modern, Frank Zappa, Jeff Buckley, Keith Jarrett, Friedrich Gulda, Macjej Obara Quartet

This "best of" episode features Berlin Philharmonic principal bassist Matthew McDonald.  Enjoy, and check out the original episode from 2016 here. About Matthew McDonald As a child Matthew McDonald was actually interested in playing only jazz and rock music. His parents gave him an electric bass for Christmas – but only under the condition that he would also learn to play the double bass. Matthew quickly fell in love with the big instrument’s dark, mellow sound. In 1996 he began his studies with Max McBride at the Canberra School of Music, later continuing with Kees Boersma in Sydney, where he completed his bachelor’s (BMus) degree in 2000. From 2000 to 2001 he was a scholar of the Berliner Philharmoniker’s Orchestra Academy, and then was immediately engaged as deputy principal bass of the Danish National Orchestra. He relinquished that position in order to prepare for his concert exam with Esko Laine at the Hochschule für Musik "Hanns Eisler" in Berlin. Engagements followed as principal bass with the Ensemble Modern (2003-06) and with Berlin’s Rundfunk Sinfonie Orchester and Deutsches Symphonie-Orchester before he came to the Berliner Philharmoniker. As a chamber player, Matthew McDonald is a regular visitor to the Open Chamber Music seminar at Prussia Cove in Cornwall. He devotes his free time to his family, first and foremost, and also enjoys reading and going to the cinema. Contrabass Conversations is sponsored by: Robertson & Sons Violins For more than four decades, Robertson & Sons has specialized in providing the highest quality stringed instruments and bows to collectors, professional musicians, music educators, and students of all ages. Their modern facility is equipped with three instrument showrooms as well as a beautiful Recital Hall available to our clients to in their search for the perfect instrument and/or bow. The Bass Violin Shop The Bass Violin Shop offers the Southeast's largest inventory of laminate, hybrid and carved double basses. Whether you are in search of the best entry-level laminate, or a fine pedigree instrument, there is always a unique selection ready for you to try. Trade-ins and consignments welcome! The Upton Bass String Instrument Company Upton’s Bostonian was conceived at the 2009 International Society of Double Bassists convention at State College, Pennsylvania, while world-renowned jazz bassist and Professor of Jazz Studies at the University of North Texas, Lynn Seaton and Upton Bass String Instrument Co. President and Founder, Gary Upton Birkhamshaw were playing and discussing the various instruments Upton Bass had created for the convention. They started with a blank sheet of paper, and together began jotting down Lynn’s preferences and suggestion with each model. The result was a rough outline of what would become the UB Bostonian Concert Double Bass.

Paul Cannon has been a member of the Frankfurt-based group Ensemble Modern since 2014. A graduate of Rice University, Paul spends his days performing contemporary music of all genres. A couple months ago, I got two messages that led me to contact Paul for an interview. The first was a message from my wife with a YouTube video that had gone viral on Reddit. I also got a message that same day from Rice University bass professor and past podcast guest Paul Ellison recommending that I connect with Paul Cannon.  We scheduled an interview and had a fascinating conversation. We dig into: not worrying too much about careers early on - leave room for unexpected opportunities if your only tool is a hammer, everything looks like a nail how opportunities are useless unless you have the goods to back it up how Paul approaches a piece like Jacob Druckman’s Valentine techniques for counting 5s and 7s and getting them organic challenges with finding audiences for contemporary music Links to check out: Paul's Ensemble Modern profile page Video about Paul from Ensemble Modern (YouTube) What it's like to rehearse with Ensemble Modern (YouTube) The Negative Dialectics of Poodle Play by Ben Watson (quite a read!) Frank Zappa demoing the Sinclavier Thanks to our sponsors! This episode is brought to you by D’Addario Strings! Check out their Kaplan strings, which have versatility and control throughout the dynamic spectrum, rich tonal color palette, superb bow response, and beautiful balance. Enter our latest string giveaway for Kaplan strings at contrabassconversations.com/strings! This episode is also brought to you by Rosin Saver, a revolutionary storage device that keeps bass rosin feeling as fresh as the day it was made. Rosin Saver is used by members of the New York Philharmonic, the MET orchestra, the Los Angles Philharmonic, the Cleveland Orchestra, the Seattle Symphony, and many others. Use the promo code 'HEATH' at checkout for 10% off any and all orders from rosinsaver.com. Subscribe to the podcast to get these interviews delivered to your inbox!

Körverk tillägnat Pussy Riot. Äggen är slut, ett klimakterie-projekt för damkör. Nytt Damkapell letar fram kvinnliga tonsättare, som varken fått vår kärlek eller blivit spelade eller lyssnade till. Kvinnors musik på väg! vill undersöka hur det står till med kvinnor och konstmusik tio år efter det att P2 2006 sände den legendariska programserien Konsten att humla. Idag möter vi tre musikkvinnor som, istället för att sitta i sitt elfenbenstorn och komponera verk för evigheten, valt att samarbeta med andra konstnärer och att vara omgivna av fler personer i den kreativa processen. Multikonstnären Paula af Malmborg Ward - tonsättare, arrangör, dirigent, sångerska, pianist, sitter visserligen i ett torn och komponerar, men det är ett renoverat kokstorn vid inloppet till Göteborgs hamn där fiskmåsar, trutar och Stena Lines hornstötar delar på det akustiska utrymmet utanför fönstret. Paula af Malmborg Ward har skrivit operor, radiohörspel, orkesterverk och har tidigare fått ta emot gliringar och goda råd som manliga tonsättare slipper. - Man behöver lyfta blicken och se vad vi får för pengarna. Vad representerar de, de här extremt pengaslukande, resursslukande institutionerna som de statsunderstödda orkestrarna och operahusen är? Och det är ju faktiskt så att många av dem har anledning att skämmas av flera anledningar. Rapporter visar nämligen att döda utländska män fortsätter att dominera repertoaren på de statsunderstödda svenska musikinstitutionerna. Andelen kvinnliga tonsättare är fortfarande försvinnande liten. Paula af Malmborg Ward arbetar nu med två operor. Kärlekskriget, utifrån Ebba Witt-Brattströms punktroman Århundradets kärlekskrig, har bl a alten Anna Larsson i rollistan. Kärlekskriget får urpremiär i Vattnäs Konsertlada den 6 juli 2017 och produceras i samarbete med Västmanlands Länsteater. Dansa min Docka har som tema kvinnlig aneroxi och visar skrämmande fakta från två whistleblowers från psykvården. Librettot är skrivet av Paula af Malmborg Ward och Pernilla Holmgren Larsson. För kören YMNA, dirigerade av Johanna Thür, komponerar Paula af Malmborg Ward Äggen är slut om klimakteriet. Sångtexterna är skrivna av Lina Ekdahl. Föreställningen har premiär den 21 januari 2017 i Röda Stens konsthall i Göteborg. Till föreställningen Från Iran till Djursholm via Småland och Linköping kallas de fyras gäng PAMP utifrån sina förnamn: Pernilla Holmgren Larsson - journalist, Arghavan Agida - sångerska, författare, ambassadör för UN Women, Mirre Sennehed - DJ, projektledare, klubbarrangör, festivaldirektör och Paula af Malmborg Ward, tonsättare.   Altviolinisten Mika Persdotter Svensson pluggar sista året på masternivån på det kungliga musikkonservatoriet i Köpenhamn. Hennes examensarbete är att starta ett Damkapell i Köpenhamn och för de musikerna leta fram kvinnliga tonsättare ur både historisk tid och nutid. Damkapellet kommer att premiärspela i Konsertkyrkan i Köpenhamn den 8 mars 2017, Internationella Kvinnodagen. Damkapellet består då av en stråkorkester på 15 musiker, en cembalist och en pianist. De spelar fem kompositioner från 1100-talet fram till idag: av Hildergard av Bingen, Wilhelmina av Preussen, Elfrida Andrée, Frangis Ali Zade och Ellen Lindquist. - Det är så sorgligt att tänka på hur litet kärlek kvinnliga tonsättare har fått genom historien. De har inte alls fått samma uppmärksamhet, de har inte blivit spelade och lyssnade till. Det är ju först när musik får gå igenom andra som den kan växa och utvecklas och bli nåt större än tonsättaren själv och de noter hen skrivit på papperet. Musiken blir då en del av universum, säger Mika i programmet. Mika är frustrerad över hur få timmar som ägnades åt kvinnliga tonsättare under alla hennes utbildningar i Göteborg, Prag och Köpenhamn. Hon har spelat viola i orkestrar sedan hon var tio år. - Det finns tydliga och plågsamma maktsystem och hierarkier inom symfoniorkesterkulturen. Det handlar om vem som skall bestämma över repertoaren. Oftast väljs musik av män. Den som dirigerar musiken och bestämmer hur den skall spelas är nästan alltid en man. Det finns även hierakiska system i stämmorna. Vem bestämmer hur stämman skall spelas? Ja, det finns tydliga maktroller i hela orkestern, berättar Mika Persdotter Svensson i programmet.   Norska tonsättaren Cecilie Ore studerade piano vid Norges Musikhögskola  och i Paris och därefter komposition i Utrecht och hos Ton de Leeuw Amsterdam. Hon vann International Rostrum for Electro-Acoustic Music och är intresserad av tidsaspekter i musik. På 2000-talet har hon mer och mer arbetat med textbaserad och samhällskritisk musik. När tonsättaren Xenakis avled 2001 stod den norske poeten Paal-Helge Haugen utan tonsättare till sin skuggopera A. Cecile Ore fick ta över uppgiften efter Xenakis. Hennes verk har framförts av BBC Symphony Orchestra, Ensemble Modern, BBC Singers samt en rad norska och nordiska ensembler. Så här sa Cecilie Ore i Konsten att humla 2006:  -Det är mycket svårare att vara medelmåttig kvinnlig tonsättare än  att vara medelmåttig manlig komponist. Och det går inte alls an att vara en dålig kvinnlig tonsättare. De kvinnliga tonsättare som godkänns har en mycket hög konstnärlig nivå. Cecilie Ores opera Adam & Eve A Divine Comedy handlar om religioners våld mot kvinnor, med citat ur Bibeln och Koranen, utdrag ur Förklaringen om de mänskliga rättigheterna och poesi ur Dantes Divina Commedia. I operan, med libretto av dramaturgen Bibbi Moslet, beskrivs de sju dödssynderna: Lust, förintelse av kvinnors lust genom omskärelse. Vrede, våld mot och mord på kvinnor. Girighet - män äger 99% av världens rikedomar. Kvinnor endast 1 %. Frosseri - män frossar i sexuella övergrepp och våldtäkter. Avund - män är svartsjuka och täcker kvinnor i burka, niqab och liknande. Lättja - prostitution och trafficking, där män låter kvinnor arbeta för sig och tar profiten. Högmod/Stolthet representeras av hedersmord på kvinnor Körverket Come to the Edge är tillägnat "de modiga medlemmarna i Pussy Riot". BBC Singers framför stycket som handlar om yttrandefrihet och innehåller citat från bl a George Washington, Abraham Lincoln, Katarina av Siena, Lenny Bruce, Che Guevara, William Shakespeare, Harry Belafonte och Pussy Riot. Who do you think you are är skrivet för kvinnoröster och BBC Singers famför denna ironiska standup anti-romans om hur kvinnor blir trakasserade, hotade och mobbade på internet. Manus, regi och produktion: Birgitta Tollan.   Musiklista: Forest food Corinne Von Dardel, Stensöta Karin Wiberg, Violin   The Flight of the Bumblebee (from The Tale of Tsar Saltan)[encore, arr JosephStirmer] Rimsky-Korsakov, Nikolai David Geringas (Cello),Yasha Nemtsov (Piano) At Klosterkirche, Traunstein As Part Of The 2013 Traunstein Summer Concerts   Selfie Mika Persdotter Svensson, Mika Persdotter Svensson   QUASI HOQUETUS(VERSION FOR VIOLA,KONTRABAS & PIANO) Sofia Gubajdulina, Ulrich Knörzer/ MartinHeinze/ Heike Gneiting NEOSPRODUCTIONS29354, NEOS   GILA ROME Sylvie Bodorova, Jitka Hosprova ARCO DIVA27907, UP 0043   RELEASE Carin Malmlöf-Forssling, Karl-Ove Mannberg/Dalecarlian Chamber Orchestra BLUEBELL006591, ABCD 069   MUGAM SAJAHI Frangiz Ali-Zade, The Xenia Ensemble FELMAY 23716, FY 7022   MUGAM SAJAHI Frangiz Ali-Zade, The Xenia Ensemble Felmay 23716, FY 7022   Vidder I. Hör Du Livets Ljud Paula Af Malmborg Ward, Erik Westbergs Vokalensemble, Daniel Saur, Slagverk STUDIO ACUSTICUM, SA12   Vidder II. Dagfågel Nattfågel Paula Af Malmborg Ward, Erik Westbergs Vokalensemble, Daniel Saur, Slagverk STUDIO ACUSTICUM, SA12   Vidder III. Dimma. Varm Paula Af Malmborg Ward, Erik Westbergs Vokalensemble, Daniel Saur, Slagverk STUDIO ACUSTICUM, SA12   Vidder III. Dimma. Varm Paula Af Malmborg Ward, Erik Westbergs Vokalensemble, Daniel Saur, Slagverk STUDIO ACUSTICUM, SA12   Interlude 1 Adam & Eve Cecilie Ore, Kathrine Winnes, Dirigent Tora Augestad, Sopran/Mezzosopran Eir Inderhaug, Sopran   Toil and Trouble Cecilie Ore, BBC Singers   Come to the Edge - for Pussy Riot Cecilie Ore, BBC Singers   Who do you think you are Cecilie Ore, Eir Inderhaug, Sopran   Adam & Eve A Divine Comedy Cecilie Ore, Bibbi Moslet Div.   Paradiso Adam & Eve A Divine Comedy Cecilie Ore, Bibbi Moslet Div.

Körverk tillägnat Pussy Riot. Äggen är slut, ett klimakterie-projekt för damkör. Nytt Damkapell letar fram kvinnliga tonsättare, som varken fått vår kärlek eller blivit spelade eller lyssnade till. Kvinnors musik på väg! vill undersöka hur det står till med kvinnor och konstmusik tio år efter det att P2 2006 sände den legendariska programserien Konsten att humla. Idag möter vi tre musikkvinnor som, istället för att sitta i sitt elfenbenstorn och komponera verk för evigheten, valt att samarbeta med andra konstnärer och att vara omgivna av fler personer i den kreativa processen. Multikonstnären Paula af Malmborg Ward - tonsättare, arrangör, dirigent, sångerska, pianist, sitter visserligen i ett torn och komponerar, men det är ett renoverat kokstorn vid inloppet till Göteborgs hamn där fiskmåsar, trutar och Stena Lines hornstötar delar på det akustiska utrymmet utanför fönstret. Paula af Malmborg Ward har skrivit operor, radiohörspel, orkesterverk och har tidigare fått ta emot gliringar och goda råd som manliga tonsättare slipper. - Man behöver lyfta blicken och se vad vi får för pengarna. Vad representerar de, de här extremt pengaslukande, resursslukande institutionerna som de statsunderstödda orkestrarna och operahusen är? Och det är ju faktiskt så att många av dem har anledning att skämmas av flera anledningar. Rapporter visar nämligen att döda utländska män fortsätter att dominera repertoaren på de statsunderstödda svenska musikinstitutionerna. Andelen kvinnliga tonsättare är fortfarande försvinnande liten. Paula af Malmborg Ward arbetar nu med två operor. Kärlekskriget, utifrån Ebba Witt-Brattströms punktroman Århundradets kärlekskrig, har bl a alten Anna Larsson i rollistan. Kärlekskriget får urpremiär i Vattnäs Konsertlada den 6 juli 2017 och produceras i samarbete med Västmanlands Länsteater. Dansa min Docka har som tema kvinnlig aneroxi och visar skrämmande fakta från två whistleblowers från psykvården. Librettot är skrivet av Paula af Malmborg Ward och Pernilla Holmgren Larsson. För kören YMNA, dirigerade av Johanna Thür, komponerar Paula af Malmborg Ward Äggen är slut om klimakteriet. Sångtexterna är skrivna av Lina Ekdahl. Föreställningen har premiär den 21 januari 2017 i Röda Stens konsthall i Göteborg. Till föreställningen Från Iran till Djursholm via Småland och Linköping kallas de fyras gäng PAMP utifrån sina förnamn: Pernilla Holmgren Larsson - journalist, Arghavan Agida - sångerska, författare, ambassadör för UN Women, Mirre Sennehed - DJ, projektledare, klubbarrangör, festivaldirektör och Paula af Malmborg Ward, tonsättare.   Altviolinisten Mika Persdotter Svensson pluggar sista året på masternivån på det kungliga musikkonservatoriet i Köpenhamn. Hennes examensarbete är att starta ett Damkapell i Köpenhamn och för de musikerna leta fram kvinnliga tonsättare ur både historisk tid och nutid. Damkapellet kommer att premiärspela i Konsertkyrkan i Köpenhamn den 8 mars 2017, Internationella Kvinnodagen. Damkapellet består då av en stråkorkester på 15 musiker, en cembalist och en pianist. De spelar fem kompositioner från 1100-talet fram till idag: av Hildergard av Bingen, Wilhelmina av Preussen, Elfrida Andrée, Frangis Ali Zade och Ellen Lindquist. - Det är så sorgligt att tänka på hur litet kärlek kvinnliga tonsättare har fått genom historien. De har inte alls fått samma uppmärksamhet, de har inte blivit spelade och lyssnade till. Det är ju först när musik får gå igenom andra som den kan växa och utvecklas och bli nåt större än tonsättaren själv och de noter hen skrivit på papperet. Musiken blir då en del av universum, säger Mika i programmet. Mika är frustrerad över hur få timmar som ägnades åt kvinnliga tonsättare under alla hennes utbildningar i Göteborg, Prag och Köpenhamn. Hon har spelat viola i orkestrar sedan hon var tio år. - Det finns tydliga och plågsamma maktsystem och hierarkier inom symfoniorkesterkulturen. Det handlar om vem som skall bestämma över repertoaren. Oftast väljs musik av män. Den som dirigerar musiken och bestämmer hur den skall spelas är nästan alltid en man. Det finns även hierakiska system i stämmorna. Vem bestämmer hur stämman skall spelas? Ja, det finns tydliga maktroller i hela orkestern, berättar Mika Persdotter Svensson i programmet.   Norska tonsättaren Cecilie Ore studerade piano vid Norges Musikhögskola  och i Paris och därefter komposition i Utrecht och hos Ton de Leeuw Amsterdam. Hon vann International Rostrum for Electro-Acoustic Music och är intresserad av tidsaspekter i musik. På 2000-talet har hon mer och mer arbetat med textbaserad och samhällskritisk musik. När tonsättaren Xenakis avled 2001 stod den norske poeten Paal-Helge Haugen utan tonsättare till sin skuggopera A. Cecile Ore fick ta över uppgiften efter Xenakis. Hennes verk har framförts av BBC Symphony Orchestra, Ensemble Modern, BBC Singers samt en rad norska och nordiska ensembler. Så här sa Cecilie Ore i Konsten att humla 2006:  -Det är mycket svårare att vara medelmåttig kvinnlig tonsättare än  att vara medelmåttig manlig komponist. Och det går inte alls an att vara en dålig kvinnlig tonsättare. De kvinnliga tonsättare som godkänns har en mycket hög konstnärlig nivå. Cecilie Ores opera Adam & Eve A Divine Comedy handlar om religioners våld mot kvinnor, med citat ur Bibeln och Koranen, utdrag ur Förklaringen om de mänskliga rättigheterna och poesi ur Dantes Divina Commedia. I operan, med libretto av dramaturgen Bibbi Moslet, beskrivs de sju dödssynderna: Lust, förintelse av kvinnors lust genom omskärelse. Vrede, våld mot och mord på kvinnor. Girighet - män äger 99% av världens rikedomar. Kvinnor endast 1 %. Frosseri - män frossar i sexuella övergrepp och våldtäkter. Avund - män är svartsjuka och täcker kvinnor i burka, niqab och liknande. Lättja - prostitution och trafficking, där män låter kvinnor arbeta för sig och tar profiten. Högmod/Stolthet representeras av hedersmord på kvinnor Körverket Come to the Edge är tillägnat "de modiga medlemmarna i Pussy Riot". BBC Singers framför stycket som handlar om yttrandefrihet och innehåller citat från bl a George Washington, Abraham Lincoln, Katarina av Siena, Lenny Bruce, Che Guevara, William Shakespeare, Harry Belafonte och Pussy Riot. Who do you think you are är skrivet för kvinnoröster och BBC Singers famför denna ironiska standup anti-romans om hur kvinnor blir trakasserade, hotade och mobbade på internet. Manus, regi och produktion: Birgitta Tollan.

- direkte fra Klang Festival på Republique i København, hvor det tyske Ensemble Modern spiller musik af bl.a. Wolfgang Rihm, Bernhard Gander, Ole Buck og Martin Stauning. Koncerten begynder kl. 20. Allerførst kan du høre musik fra cd'en 'Early & Late', der fik P2s Lyt til Nyt-prisen 2015. Trioen Gáman spiller ny musik og folkemusik fra Danmark, Grønland og Færøerne. Vært: Max Fage-Pedersen.

Composer Chaya Czernowin and Orchestra 2001 percussionist David Nelson discuss an evening concert of works by George Crumb and a Library of Congress Dina Koston and Roger Shapiro Fund for New Music commission by Czernowin, "Slow Summer Stay II: Lakes" (2012). Speaker Biography: Israeli composer Chaya Czernowin has been a professor of composition at Harvard University since 2009. Previous teaching posts include the University of Music and Performing Arts in Vienna, University of California San Diego, Yoshiro Irino Institute in Tokyo and the International Summer Courses for New Music in Darmstadt. Her opera "Prima...ins Innere," which was composed for the Munich Biennial in 2000, received the Bavarian Theatre Prize. Her other operas have been performed at the Salzburg Festival and Festspielhaus Hellerau in Dresden. Her chamber and vocal works have been commissioned by IRCAM, Ensemble Modern and Sospeso. Czernowin has received numerous awards for her compositions, including the Kranichstein Music Prize (1992), Asahi Shimbun Fellowship Prize (1993), the Schloss Solitue Fellowship (1996), the IRCAM reading panel (1998), the Encouragement Prize by the Ernst von Siemens Music Foundation (2003), the Rockefeller Foundation Prize (2004), the Fromm Foundation Award (2008), a nomination of the Berlin Wissenschaftskolleg (2008) and a Guggenheim Fellowship Award (2011). Czernowin has been composer-in-residence at the Lucerne and Salzburg Festivals. Speaker Biography: David Nelson is a Philadelphia-based percussionist with Orchestra 2001. A graduate of Temple University, he has performed with the Philadelphia Orchestra, Philadelphia Pops Orchestra, Opera Company of Philadelphia, Delaware Symphony, Charleston Symphony, Savannah Symphony, New World Symphony and the Honolulu Symphony. For captions, transcripts, and more information visit http://www.loc.gov/today/cyberlc/feature_wdesc.php?rec=5950

Martin is a composer based in Berlin as well as theory and composition at the Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt. His music has been performed by such ensembles as Trio Accanto, Ensemble Modern, MusikFabrik and the RSO Frankfurt. In 2002 Martin won the Kranichsteiner Kompositionspreis of the Darmstadt Summer Courses. You can listen to more of his works at martinschuettler.wordpress.com.In our conversation we talk about the year long break he took from composing, being part in the decision making process when working with institutions, and the relationship he has to the pop music of his childhood.

Fabien is a French composer who is currently living in Berlin. He studied composition with Gérard Grisey at the Paris Conservatoire. His works have been performed by the Ensemble Recherche, the London Sinfonietta, the Ensemble Modern of Frankfurt, and the Berlin Radio Symphony orchestra (among others). He won the 2004 Förderpreis from the Ernst von Siemens Foundation for music. He is currently Assistant Professor of Composition at Columbia University in New York (USA) and senior professor for composition at the Hochschule für Musik Detmold in Germany. You can listen to more of his music at www.fabienlevy.net.In our conversation we talk about his past life working for a bank, composers who write music at different paces, and his experience teaching and living in New York. The piece played in this interview is titled Danse Polyptote and was performed by Teodoro Anzellotti & Jean-Guihen Queyras.

the Ensemble Modern perform Frank Zappa

This week's Contrabass Conversations episode features the second half of our interview with double bassist Guy Tuneh, conducted over a distance of thousands of miles. It was a real pleasure to get to sit down and chat with Guy--he's a warm, intelligent, and passionate individual, and these traits come through in his speaking just like they do in his bass playing. You can visit him online at www.guytuneh.com. You will also get a chance to hear the great jazz bassist Brian Bromberg perform and hear some bass playing from L.A. bassist Nam Chi Vu. Enjoy! Guy D. Tuneh dedicates his work to challenging the traditional role of the bass player, and to stretching the limits of bass-playing. Beyond approaching the double bass literature from a new direction, these goals are achieved by performing music which until now was considered impossible to perform on this instrument. For example, he was the first bass player to ever perform an un-transcribed version of the Tchaikovsky’s Rococo Variations in concert, achieving a higher standard of technical and artistic level. Guy Tuneh set a landmark in double bass performing - to be the first Bass-Solist to ever perform an un-transcribed version of the Elgar cello concerto and Villa Lobos Fantasia for Cello on bass in concert and to be the first Bass-solist to perform first time ever an un-transcribed version of the both Beethoven F and G Violin Romances on double bass in concert, Paganini's Cantabile in D, Capriccio Nr. 9 as an un-transcribed version and an un-transcribed version of Mozarts Rondo C-Major for Violin, Sonata KV 301 for Violin in G and Mahlers Lieder eines fahrenden Gesellen for low voice on double bass as well. Guy Tuneh has set a personal goal to combine passion, personality, character, and unique technique, in his approach to music performance. Aiming at winning over wide and diverse audiences, he constantly seeks new challenges. Coming from a deep and intense personal involvement, his performances attempt to deliver strong massages to the audience and result in intense, captivating, and awe-inspiring experiences. Guy D. Tuneh has been studying in Germany and Switzerland and performing internationally, Mr.Tuneh has been active as a solo performer and chamber musician. Having begun as a violin student at the age of 6, he was drawn to the tone color of the double bass, joining Michael Klinghoffer's bass studio at the S. Rubin Academy of Music at Tel Aviv University. Later, he continued his bass studies under Barbara Sanderling at the Hochschule Für Musik "Hanns Eisler" in Berlin, which followed a Solo Artist Diploma at the Music Academy Basel in Switzerland. Additionally, he took master classes with Yoan Goilav, Gary Karr and Miloslav Gajdos. Guy Tuneh's orchestra performances included engagements as a principl bassist with the Berliner Kammeroper, Mendelssohn Players Berlin, Ensemble "Echo" of the Deutsche Staatsoper Berlin, and the West-Eastern Divan Orchestra (Winner of ECHO–Klassik AWARD 2006 & ECHO-Klassik AWARD 2007) under Daniel Barenboim. These performances, which included chamber music collaborations with Mr. Barenboim were recorded for the ORF (National Austrian Public Service) at the Salzburg Festival and at the Lucerne Festival, along with many other performances on German radio and TV. He also performed with Theater Erfurt, Solistes Européens Luxembourg, with the NDR (North German Radio Orchestra - Hannover) and Ensemble Modern. As an orchestra bassist Mr. Tuneh performed under such distinguished conductors as Kurt Sanderling, Zubin Mehta, Sir Simon Rattle, Nicolas Harnoncourt and Pierre Boulez. Winner of a Villa Musica Scholarship, Guy Tuneh has performed all over Germany as a Soloist and as a chamber musician to great acclaim, and participated in Solo and chamber music performances recorded by the (Southwest German Radio). These performances included collaborations with members of Ensemble Villa Musica. Mr. Tuneh participated at festivals such as the "Verbier Festival", "Festival di Musica d'Insieme di Sessa Aurunca", "Fètes musicales en Touraine", "Busan Maru International Music Festival" and the "Internationales Bodenseefestival". Guy Tuneh's performances as a solo performer and chamber musician included collaborations with Vesselina Kasarova, Natalia Gutman, Rainer Kussmaul, Heinz Holliger, Ensemble-Modern, The Baltic Guitar Quartet, The Berlin Chamber Orchestra, Kammersolisten der Deutschen Oper Berlin, Ensemble Les Dissonances and other distinguished musicians. Mr. Tuneh maintains an active double bass teaching career, giving master classes world wide. Learn more at guytuneh.com.

Guy D. Tuneh dedicates his work to challenging the traditional role of the bass player, and to stretching the limits of bass-playing. Beyond approaching the double bass literature from a new direction, these goals are achieved by performing music which until now was considered impossible to perform on this instrument. For example, he was the first bass player to ever perform an un-transcribed version of the Tchaikovsky’s Rococo Variations in concert, achieving a higher standard of technical and artistic level. Guy Tuneh set a landmark in double bass performing - to be the first Bass-Solist to ever perform an un-transcribed version of the Elgar cello concerto and Villa Lobos Fantasia for Cello on bass in concert and to be the first Bass-solist to perform first time ever an un-transcribed version of the both Beethoven F and G Violin Romances on double bass in concert, Paganini's Cantabile in D, Capriccio Nr. 9 as an un-transcribed version and an un-transcribed version of Mozarts Rondo C-Major for Violin, Sonata KV 301 for Violin in G and Mahlers Lieder eines fahrenden Gesellen for low voice on double bass as well. Guy Tuneh has set a personal goal to combine passion, personality, character, and unique technique, in his approach to music performance. Aiming at winning over wide and diverse audiences, he constantly seeks new challenges. Coming from a deep and intense personal involvement, his performances attempt to deliver strong massages to the audience and result in intense, captivating, and awe-inspiring experiences. Guy D. Tuneh has been studying in Germany and Switzerland and performing internationally, Mr.Tuneh has been active as a solo performer and chamber musician. Having begun as a violin student at the age of 6, he was drawn to the tone color of the double bass, joining Michael Klinghoffer's bass studio at the S. Rubin Academy of Music at Tel Aviv University. Later, he continued his bass studies under Barbara Sanderling at the Hochschule Für Musik "Hanns Eisler" in Berlin, which followed a Solo Artist Diploma at the Music Academy Basel in Switzerland. Additionally, he took master classes with Yoan Goilav, Gary Karr and Miloslav Gajdos. Guy Tuneh's orchestra performances included engagements as a principl bassist with the Berliner Kammeroper, Mendelssohn Players Berlin, Ensemble "Echo" of the Deutsche Staatsoper Berlin, and the West-Eastern Divan Orchestra (Winner of ECHO–Klassik AWARD 2006 & ECHO-Klassik AWARD 2007) under Daniel Barenboim. These performances, which included chamber music collaborations with Mr. Barenboim were recorded for the ORF (National Austrian Public Service) at the Salzburg Festival and at the Lucerne Festival, along with many other performances on German radio and TV. He also performed with Theater Erfurt, Solistes Européens Luxembourg, with the NDR (North German Radio Orchestra - Hannover) and Ensemble Modern. As an orchestra bassist Mr. Tuneh performed under such distinguished conductors as Kurt Sanderling, Zubin Mehta, Sir Simon Rattle, Nicolas Harnoncourt and Pierre Boulez. Winner of a Villa Musica Scholarship, Guy Tuneh has performed all over Germany as a Soloist and as a chamber musician to great acclaim, and participated in Solo and chamber music performances recorded by the (Southwest German Radio). These performances included collaborations with members of Ensemble Villa Musica. Mr. Tuneh participated at festivals such as the "Verbier Festival", "Festival di Musica d'Insieme di Sessa Aurunca", "Fètes musicales en Touraine", "Busan Maru International Music Festival" and the "Internationales Bodenseefestival". Guy Tuneh's performances as a solo performer and chamber musician included collaborations with Vesselina Kasarova, Natalia Gutman, Rainer Kussmaul, Heinz Holliger, Ensemble-Modern, The Baltic Guitar Quartet, The Berlin Chamber Orchestra, Kammersolisten der Deutschen Oper Berlin, Ensemble Les Dissonances and other distinguished musicians. Mr. Tuneh maintains an active double bass teaching career, giving master classes world wide. Learn more at guytuneh.com.

An composition for chamber orchestra, premiered by Ensemble Modern (conducted by Hans Zender) at Musikprotokoll in Graz on Oct 6th, 1990. This piece was composed with the aid of Gottfried Michael Koenig's composition program PR1. Für seine Arbeit an der Komposition Oh tiempo tus pirámides scheint sich Karlheinz Essl jener Sekte, von deren Verschwinden aus der Bibliothek von Babel Jorge Luis Borges erzählt, erinnert zu haben. Einer jener Buchstabenkombinationen, die im Chaos dieser unbegreiflich großen Bibliothek gefunden worden waren, den vier Worten "O Zeit, deine Pyramiden", verdankt das Werk seinen Namen. Während Borges' Sekte dem Schauer vor der Unendlichkeit durch neue, selbst erwürfelte Kombinationen der vorgegebenen Buchstaben beikommen wollte, begann Karlheinz Essl die Bestandteile seines musikalischen Materials neu anzufertigen, geordnet nach überlieferten Parametern, nach deren Kombinationsmöglichkeiten und Schattierungen. Doch innerhalb jenes Strukturskelettes, das Abfolge und Prozesse dieser Klangpartikel steuert (und auf einem von Essl entwickelten Computerprogramm beruht, das Gottfried Michael Koenigs Programm "Projekt 1" transformiert), wird dem "verbotenenen Würfelbecher", dem Faktor Zufall, Entscheidungsfähigkeit eingeräumt. Denn in das Chaos der Zeichen will Essl weder ausschließlich mit Determinismus, noch mit einem radikal unvorhersehbaren Würfelbecher ordnend eingreifen, und auch nicht lediglich mit der Objektivität einer vorgefertigten Struktur oder dem Pendant, seiner puren Subjektivität. Es ist das Spannungsfeld dieser vier Pole, das sich der Komponist geschaffen hat, um "so etwas wie eine eigene Syntax, eine künstliche Sprache" zu erstellen. Das Werk Oh tiempo tus pirámides hat neun Abschnitte und diese klingende Rekonstruktion einer Sprache, die es nie gab, steuert auf Grund der computererrechneten Zufallsentscheidungen und vor allem den sie künstlerisch interpretierenden Kompositionsstrategien Karlheinz Essl's auf einen Höhepunkt am Ende des siebten Abschnittes zu. Bevor das Erreichte im Epilog der letzten beiden Teile wiederum brüchig und löchrig wird, berührt das Stück mit einer kurzen, solistischen Melodie der Posaune eine Tradition, deren Vorgaben den Komponisten letztlich zum Erfinden einer eigenen Sprache veranlaßt hatten. (Christian Scheib)

A spatial composition for three ensemble groups, commissioned by the festival Musikprotokoll 1990. Premiered by Ensemble Modern (dir. Peter Eötvös) at Alte Remise, Graz (A) on 4 Oct 1990. This performance was accompanied by a light environment by the Swiss artist Alfons Schilling (1934-2013). Info: http://www.essl.at/works/et-cons.html Mit Peitschenknallen, metallischen Perkussionsklängen und tonlos luftigem Spiel der Bläser beginnt ...et consumimur igni, mit geräuschhaften Klängen ohne definierte Tonhöhe. Die daraus hervorwachsenden Prozesse tendieren mit wechselnder Geschwindigkeit und Intensität zu einer als Gegenpol verstandenen, reinen und tonhöhenfixierten Klangcharakteristik. In drei Ensemble-Gruppen laufen diese Entwicklungen parallel ab, doch mit jeweils eigenem Zeitempfinden, sich auseinander bewegend, aneinander herantastend, überholend. Ein Zeit-Raum entsteht, in dem die zeitlichen Verschiebungen die Koordinaten des klingenden Raumes ergeben, der seinerseits wieder zur Bedingung für die erzählerische Essenz des Stückes wird. Der reine Klang mit fixierter Tonhöhe in seiner raumgreifenden Wirkung erscheint als eine der Stationen eines alchemistischen Weges, der vom Wandern und Pendeln zwischen Polen, zwischen Geräusch und Ton, zwischen Punkt und Fläche geprägt ist. ...et consumimur igni - "und werden vom Feuer verzehrt" - ist die zweite Hälfte eines rätselhaften Palindroms, das in seiner ganzen, von hinten nach vorne gelesenen Form vom kreisenden Gehen in der Nacht und der Reinigung durch das symbolhafte Bild des Feuers berichtet. Der Titel charakterisiert eine Komposition, im Laufe derer sich die Facetten komplexer Klangelemente in ständiger Bewegung verändern und erneuern. (Christian Scheib) Info: http://www.essl.at/works/et-cons.html