Podcasts about Parmigianino

Pastor Chris Alford

The Art Newspaper's editor, Americas, Ben Sutton, and our art market editor, Kabir Jhala, are in Florida and report on the sales and the mood on the first VIP day at Art Basel Miami Beach. On 8 December, the cathedral of Notre-Dame in Paris will reopen, more than five years after the fire that partly destroyed it. Ben Luke talks to one of the architects responsible for its rise from the ashes, Pascal Prunet. And this episode's Work of the Week is The Madonna and Child with Saints (1526-27) by Parmigianino, better known as The Vision of Saint Jerome. The painting this week returned to public display for the first time in 10 years, in a new exhibition at the National Gallery in London, following conservation, and we talk to Maria Alambritis, the show's co-curator.Art Basel Miami Beach, until Sunday, 8 December.Notre-Dame reopens on Sunday, 8 December.Parmigianino: The Vision of Saint Jerome, National Gallery, London, until 9 March 2025Gift subscription: why not give a friend, colleague or family member a subscription to The Art Newspaper this holiday season? Choose between a digital-only and print and digital subscription package. Purchase the print and digital subscription before 13 December to get the January issue, which includes our essential magazine, The Year Ahead. Visit theartnewspaper.com to find out more. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

To przydomek artystyczny malarza włoskiego epoki manieryzmu, którego też możemy nazywać Girolamo Francesco Maria Mazzola. Charakterystyczne dla jego malarstwa wydłużenie postaci, wyszukany wdzięk i odrzucenie postulatów realizmu stały się cechami typowymi dla wielu malarzy doby właśnie manieryzmu. Jego wspaniałe obrazy, które znajdują się w historii sztuki, to między innymi "Autoportret w wypukłym lustrze, "Madonna z długa szyją" czy "Kupido napinający łuk".O jego twórczości, ale i o bardzo ciekawym, choć bardzo krótkim życiu, wykłada w audycji Marka Mierzwiaka Ewelina Sobczyk Podleszańska 

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/il-posto-delle-parole--1487855/support.Anna Maria Riccomini, Claudia Magna"Girolamo da Carpi, disegnatore"Il taccuino romano della Biblioteca Reale di TorinoOfficina Librariawww.officinalibraria.netUn disegnatore sensibile e attento, non uno di quei nomi noti oggi al grande pubblico, ma un artista capace di lasciare il segno e di incuriosire anche l'osservatore moderno. Girolamo Sellari detto da Carpi (1501-1556), ferrarese di nascita, riuscì a ritagliarsi uno spazio tutto suo nella Roma di metà Cinquecento, acquistando presto fama di intenditore di statuaria classica e, soprattutto, di abile architetto di giardini di antichità: un'attività in cui – come scrive il Vasari – «si portò tanto bene che ne restò ognuno stupefatto». Entrato al servizio di papa Giulio III e del cardinale Ippolito II d'Este, che lo impiegò nelle sue residenze di Roma e nel cantiere, all'epoca appena aperto, della Villa di Tivoli, negli anni del suo ultimo soggiorno romano (tra il 1549 e il 1553) Girolamo sembra trascurare un po' la pittura a vantaggio, si direbbe, del disegno. Il taccuino romano, di cui restano duecento fogli, oggi suddivisi tra i novanta della Biblioteca Reale di Torino, gli ottantacinque del Rosenbach Museum & Library di Philadelphia e i cinque del British Museum, ci svelano un artista affascinato dai marmi antichi ma che non trascura di rendere omaggio alle opere dei grandi: di Raffaello e della sua cerchia, in primis, di Michelangelo, di Parmigianino. Gli studi recenti, che hanno dato nuova visibilità all'attività di Girolamo da Carpi, si sono occupati solo marginalmente del taccuino: questo catalogo intende ora aggiornare, per quanto riguarda la sezione torinese, l'edizione fatta nel 1976 da Norman W. Canedy, dando più spazio ai disegni dall'antico, in cui Girolamo, per usare le parole di Frederick Antal, «made the stones come to life».Anna Maria Riccominiinsegna Storia dell'Arte Classica al Dipartimento di Musicologia e Beni Culturali dell'Università di Pavia. Si è laureata a Pisa, con una tesi sul taccuino romano di Girolamo da Carpi e, da allora, l'artista ferrarese si è riaffacciato, di tanto in tanto, nei suoi studi sul collezionismo di antichità e sui disegni dall'antico. Ha partecipato, di recente, agli Atti del Convegno Internazionale di Studi Disegnare l'antico, riproporre l'antico nel Cinquecento. Taccuino, copie e studi intorno a Girolamo da Carpi, a cura di A. Pattanaro e S. Ferrari, con un contributo dal titolo Alla ricerca dei modelli. Girolamo da Carpi “fedele” disegnatore dall'antico (Padova University Press, 2019). Claudia Magnasi è laureata in Storia dell'Arte Classica presso il Dipartimento di Musicologia e Beni Culturali dell'Università di Pavia, con Anna Maria Riccomini, discutendo una tesi sui disegni dall'antico dello scultore francese Antoine - Léonard Dupasquier (1748–1832). Per oltre un anno ha collaborato con la Biblioteca Reale di Torino, dove si è occupata dello studio della collezione di disegni di scuola italiana del XVI secolo: ha catalogato l'intero nucleo torinese del taccuino romano di Girolamo da Carpi e parte della raccolta dei disegni, in alcuni casi ancora inediti, acquistati dal re Carlo Alberto di Savoia.IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarewww.ilpostodelleparole.it 

Se gli artisti del pallone sono fioriti qua e là in tutto il mondo, la patria di Giuseppe Verdi e di Arturo Toscanini, del Parmigianino e di Benedetto Antelami non poteva che accoglierne o farne sbocciare tantissimi.

Paolo Vanoli"Geo Poletti Collezionista e Pittore"Pinacoteca Civica di ComoMostra aperta fino al 3 marzo 2024 La Pinacoteca Civica di Como, dopo il comodato della grande tela di Paolo Pagani con la Caduta degli angeli ribelli concesso dagli eredi di Huberto Poletti (1954–2019), prosegue la collaborazione con la famiglia Poletti organizzando una mostra incentrata sulla figura di Ruggero Poletti, per tutti Geo (Milano, 1926 – Lenno, Como, 2012).Ricercato conoscitore di pittura antica, collezionista e pittore in prima persona, Geo Poletti è una figura di primo piano nel panorama artistico italiano della seconda metà del Novecento. La sua raccolta, costruita con occhio attento alla qualità e senza preclusioni verso gli “anonimi” e gli artisti considerati “minori”, ha svolto un ruolo importante nella riscoperta di alcuni pittori poco noti, poi universalmente riconosciuti da critica e mercato, a partire dall'amato Paolo Pagani (Castello Valsolda, Como 1655 - Milano, 1716), di cui sono esposti ben 7 dipinti, e di un genere emblematico della pittura di età moderna come la natura morta, esplorata con passione e competenza in molte delle sue diramazioni del Seicento e del Settecento.È anche grazie a lui e a Giovanni Testori, compagno di molte avventure nel campo della storia dell'arte, che grandi artisti lombardi a lungo trascurati,da Fra Galgario a Giacomo Ceruti, da Tanzio da Varallo a Cerano, Morazzone e Giulio Cesare Procaccini – sono entrati nel canone della storia dell'arte italiana e della storia del collezionismo.Questi orientamenti si riflettono nella collezione di nature morte montata da Geo Poletti, da tempo riconosciuta come una delle maggiori in Italia e come una fondamentale "officina" per lo studio e la comprensione di questo genere, di cui nella mostra di Como verrà presentata una selezione di capolavori. La qualità eccezionale dei quadri Poletti è testimoniata dalla loro presenza in tutte le principali mostre sul tema degli ultimi sessant'anni e dalle esposizioni dedicate alla raccolta, che comprende alcune straordinarie opere di ambito caravaggesco, organizzate presso la Galleria Nazionale di Arte Antica di Palazzo Corsini a Roma (a cura di Paola Nicita, 2019-2020) e il Palazzo Reale di Milano (Le nature morte di Geo Poletti, a cura di P. Biscottini, A. Zanni, 2019, catalogo Skira).In parallelo, la collezione dei dipinti di figura si contraddistingue per la coerenza e il gusto per la scoperta che sempre hanno animato le scelte di Geo Poletti, uno “tra i più straordinari cacciatori di quadri del XX secolo”, secondo la definizione di Vittorio Sgarbi. E in effetti la sua raccolta testimoniail fiuto infallibile che guidava le sue esplorazioni nei meandri del Seicento e del Settecento, soprattutto della “pittura della realtà” e del caravaggismo, sulla scia degli studi di Roberto Longhi, cui lo legava uno stretto rapporto, e dell'amico Giovanni Testori, con cui condivideva la passione per la pittura lombarda, dai pittori della peste manzoniana fino a Giacomo Ceruti. La mostra della Pinacoteca Civica di Como presenta un nucleo significativo dei dipinti antichi acquisiti a partire dagli anni '50, che verranno allestiti nelle sale della collezione permanente del museo, in dialogo con le opere lì esposte. Oltre ai già ricordati capolavori della natura morta seicentesca, compaiono, tra le altre, tele mitologiche, sacre e ritratti di Jusepe de Ribera, Battistello Caracciolo, Domenico Fiasella, Paolo Pagani, Giulio Cesare Procaccini, Carlo Francesco Nuvolone, Pietro Antonio Magatti, senza dimenticare alcuni dipinti di grande qualità ancora privi di paternità, in particolare ritratti, che hanno rappresentato e ancora oggi rappresentano una sfida appassionante per gli illustri conoscitori che varcano l'ingresso della residenza milanese dei Poletti.Ospite d'onore è poi la grande e scintillante tela con Venere e Amore del cremonese Camillo Boccaccino, un capolavoro della pittura del Cinquecento in Italia Settentrionale, già celebrato nel 1587 dai versi di Giovan Paolo Lomazzo, in cui l'eleganza raffinata di Parmigianino dialoga con la sensualità del colore di Tiziano.Catalogo:La mostra è accompagnata da un catalogo edito da Dario Cimorelli Editore, con testi di Paolo Vanoli, Alessandro Morandotti, Giuseppe Frangi, Maria Serena Matarrese e una serie di testimonianze su Geo Poletti di storici dell'arte, antiquari, amici collezionisti.IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarewww.ilpostodelleparole.itQuesto show fa parte del network Spreaker Prime. Se sei interessato a fare pubblicità in questo podcast, contattaci su https://www.spreaker.com/show/1487855/advertisement

Découvrez une adaptation sonore de la célèbre légende de Narcisse Cette capsule sonore a été réalisée par Akken pour le Musée Pincé de la ville d'Angers. Ecriture des textes et interprétations : Musée Pincé d'Angers Sound design & compositions musicales : Ludovic Finck Mixage : Léonard Lelièvre Crédit photo : Narcisse d'après Le Parmesan (Francesco Mazzola dit Parmigianino), 16e siècle © Musées d'Angers

Maria Luisa Pacelli"Giulio II e Raffaello"Una nuova stagione del Rinascimento a BolognaBologna, Pinacoteca Nazionalefino al 5 febbraio 2023Mostra a cura di Daniele Benati, Maria Luisa Pacelli ed Elena Rossoni.https://pinacotecabologna.beniculturali.itDa Raffaello a Parmigianino, in Pinacotecail Rinascimento a BolognaL'arrivo a Bologna del Ritratto di Giulio II di Raffaello dalla National Gallery di Londra è stato ilpunto di partenza per lo sviluppo del progetto espositivo: “Giulio II e Raffaello. Una nuova stagionedel Rinascimento a Bologna”, a cura di Daniele Benati, Maria Luisa Pacelli ed Elena Rossoni, allaPinacoteca Nazionale sino al 5 febbraio.Tra i capolavori della ritrattistica rinascimentale, effige di uno degli uomini più influenti del suo tempo,l'opera è particolarmente significativa per Bologna poiché il papa della Rovere fu colui che ricondussela città sotto il dominio della Chiesa, mettendo fine alla pseudo-signoria della famiglia Bentivoglio chel'aveva governata nel corso del XV secolo, e cambiandone così radicalmente il corso della storia.Ad evidenziare la portata, non solo temporanea, di questo evento, è la Direttrice della Pinacoteca,nonché co-curatrice della mostra, Maria Luisa Pacelli, nel suo intervento nel catalogo.“L'inserimento del dipinto nell'ala del museo dedicata all'arte del ‘400 e del ‘500 è stata l'occasione perriorganizzarne il percorso, con lo scopo di mettere in luce alcuni degli episodi più significativi delRinascimento bolognese, anche grazie a pochi altri mirati prestiti. Il progetto, costruito principalmenteattorno al ricco patrimonio di dipinti e opere su carta del museo, trova una sua estensione ecompletamento in altre raccolte e siti monumentali cittadini, dove verrà posto l'accento sulletestimonianze artistiche di questa fase della storia bolognese.In Pinacoteca si è scelto di iniziare l'esposizione con un focus sulla Cappella Garganelli: decorata daiferraresi Francesco del Cossa ed Ercole de Roberti tra il 1477 e il 1485, fu una delle impresepittoriche più straordinarie del Quattrocento bolognese, di cui il museo conserva il volto della Maddalena piangente dipinto da Ercole, unico prezioso frammento giunto fino a noi. L'altro estremo cronologico della mostra è il 1530, anno in cui Bologna ospitò l'incoronazione a imperatore di Carlo Vd'Asburgo da parte di papa Clemente VII, imponendosi all'attenzione dell'intera Europa.La prima parte dell'esposizione è dedicata all'arte fiorita durante il governo dei Bentivoglio, dagli anni'70 del ‘400 fino al principio del nuovo secolo, quando la città vive una fase di relativo benessere estabilità politica. La congiuntura favorevole e il mecenatismo della corte generano un ambiente propizio alla sperimentazione, cui concorrono artisti provenienti da altri centri, come i ferraresi del Cossa, de Roberti e Lorenzo Costa, mentre tra i bolognesi emergono le personalità divergenti di Francesco Francia e Amico Aspertini.In questo clima culturale, arricchito all'alba del nuovo secolo dal sopraggiungere di opere di altriforestieri, come Perugino e Filippino Lippi, vengono promosse importanti committenze che, oltre adare lustro alla città e ai suoi governanti, sono il cantiere di elaborazione di una cultura figurativaautoctona, come ben dimostra la raccolta di opere del periodo presente in Pinacoteca e questa mostra.Con la riconquista di Bologna da parte della Chiesa, lo scenario cambia in maniera sostanziale. Lacittà è un centro strategico per gli obiettivi politici di Giulio II che si preoccupa di affermare il propriodominio non solo con l'azione militare e amministrativa, ma anche attraverso un programmad'interventi coerenti con la politica di propaganda artistica promossa nella capitale. A questo fine,vengono chiamati a Bologna due protagonisti delle committenze capitoline, Bramante eMichelangelo. Il primo interviene sui principali luoghi di rappresentanza del potere e, più in generale,sull'immagine della città; al secondo viene invece commissionata una statua in bronzo del pontefice da porsi sulla facciata della basilica di san Petronio. E mentre gli artisti dell'entourage bentivolesco lasciano la città o si ritirano ai margini della scena, ad imporsi è la lingua della “grande” arte romana,principalmente sotto il segno di Raffaello.Sebbene non documentato a Bologna durante il pontificato di Giulio II, è infatti il maestro urbinate ainfluire maggiormente sulla produzione e il gusto locali da questo momento in avanti. A partire dal1508, Raffaello è assorbito dalla decorazione delle Stanze Vaticane e non si allontana dalla capitale, ma l'eco delle sue imprese inizia già da ora a permeare l'ambiente artistico bolognese. Per registrarel'arrivo di sue opere in città bisognerà invece attendere la metà del secondo decennio, sotto il pontificato di Leone X. In particolare, sarà dirompente l'impatto dell'Estasi di Santa Cecilia, un capolavoro della maturità del maestro, collocato all'epoca in San Giovanni Monte e oggi in Pinacoteca.Quest'opera complessa per quanto riguarda la concezione intellettuale e assai ricca di invenzioni sulpiano iconografico e formale, ha avuto un influsso enorme sulla cultura pittorica bolognese, nonsolo nel corso del Cinquecento, ma fino ai Carracci, Guido Reni e oltre.Sono ancora una volta i grandi fatti della Storia a influire sull'ultimo importante capitolo dell'arterinascimentale a Bologna. È infatti a seguito del devastante Sacco di Roma del 1527 che il Parmigianino decide di lasciare la capitale per stabilirsi per qualche tempo in città. Dove vive una stagione di straordinaria maturità, da cui scaturirono opere originali, dal gusto raffinato e dall'umore inquieto, come la Madonna di Santa Margherita della Pinacoteca, la cui solida fortuna nell'ambiente bolognese è testimoniata in maniera inequivocabile dalle collezioni di opere del museo, dove ritroviamo la citazione letterale della figura della santa già a partire dal XVI secolo.La mostra è accompagnata da un catalogo edito da Silvana Editoriale.IL POSTO DELLE PAROLEAscoltare fa Pensarehttps://ilpostodelleparole.itQuesto show fa parte del network Spreaker Prime. Se sei interessato a fare pubblicità in questo podcast, contattaci su https://www.spreaker.com/show/1487855/advertisement

Un día como hoy, 11 de enero: Nace: 1503, Parmigianino. 1902, Maurice Duruflé. Fallece: 1801, Domenico Cimarosa. 1928, Thomas Hardy. Conducido por Joel Almaguer Una producción de Sala Prisma Podcast. 2023

Alla scoperta di Parma. Città del prosciutto e del parmigiano, ma anche dell'opera e dell'arte.Oltre che la città più francese di tutta Italia.Vuoi ricevere la trascrizione dell'episodio? http://eepurl.com/hVUHW5Trovi tutto l'archivio e anche molti altri materiali sul sito. www.salvatore.com/salvatoreraccontaPer accedere agli episodi premium, vai su www.patreon.com/salvatoreraccontaTesto e voce di Salvatore GrecoSullo sfondo:Bright eyed blues – Unicorn heads – Licenza Creative Commons CC 0Chocolate cookie jam – An Jone - Licenza Creative Commons CC BY 4.0Everything where it needs to be – Nat Keefe & Hot buttered rum – Licenza Creative Commons CC BY 4.0

Stereotipart va a scovare anche i più impensabili luoghi comuni legati al mondo dell'arte. Oggi, vi proponiamo di togliere ad Amedeo Modigliani uno dei suoi primati: infatti, i colli lunghissimi che vediamo nei suoi quadri non sono di certo invenzione sua. Erano tratti stilistici già propri di Tino di Camaino e Parmigianino, il primo scultore e il secondo pittore... se volete saperne di più, ascoltate la nuova puntata!***Errata corrige: Il luogo presunto del lancio delle teste non è l'Arno ma uno dei Fossi Medicei di Livorno. Ebbene sì, anche la moglie petulante sbaglia (ma non ditelo al marito!) Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

The art produced in Italy in the first half of the 16th century seemed to intentionally reject the principles of Renaissance art. Artists such as Pontormo, Rosso Fiorentino, Giulio Romano, Parmigianino, and Bronzino introduced their own particular styles to their works, creating what later art historians would term "Mannerism." This episode will unpack this controversial and often confusing movement, and explore its various expressions. 

In s2e11, Tru Ludwig and Ann Shafer talk about chiaroscuro woodcuts before moving on to the Mannerist painter and printmaker Parmigianino. Coming off the High Renaissance and the Sack of Rome in 1527, artists were looking for ways to shake it up. Out goes the solid forms and placid emotions and in comes the twisting, off-kilter compositions and extremes in emotions. Parmigianino is the first to really take up etching in a meaningful way (it's been engraving until this point--remember, Dürer tried etching but hated it). Tru makes the case for Parmigianino as a crucial creator. Ann becomes a fan.

Vittorio Sgarbi"Raffaello. Un Dio mortale"La nave di Teseohttp://www.lanavediteseo.eu/“Raffaello ha solo dipinto. Non è stato un uomo complesso come Leonardo, un pensatore curioso di tutto; non è stato come Caravaggio, un ‘maledetto' che vive una vita piena di contrasti; non è stato un artista come Michelangelo, pittore, scultore, poeta, architetto. Raffaello ha dipinto soltanto. E ogni volta ha inventato un capolavoro. I pittori, come il suo maestro Perugino, tendono a ripetersi, a riprodurre un modello, hanno un archetipo di riferimento. Lui no. Ogni volta inventa un'immagine nuova. Opere che la critica disconosce sono di Raffaello: sono opere diverse da quelle che ci aspettiamo, perché Raffaello non è solo Raffaello, è anche Giorgione, è Caravaggio, è Michelangelo, è Parmigianino. Lui è tutto: nessuno è ‘più tutto' di lui. Quello che ha fatto Raffaello è un prolungamento della creazione di Dio e della bellezza del mondo, una bellezza assoluta, senza limiti.”Seguendo il racconto di Giorgio Vasari, Vittorio Sgarbi compone il suo racconto di Raffaello, dal commovente rapporto con il padre e la madre, al magistero di Pietro Perugino, dagli affreschi delle Stanze Vaticane fino al torbido amore per la Fornarina che destabilizzò la sua calma olimpica. E ogni volta Vittorio Sgarbi percorre la fitta rete di legami con i pittori del suo tempo: l'ammirazione per Leonardo, il rapporto contrastato con Michelangelo, l'amicizia con Bramante.Vittorio Sgarbi è nato a Ferrara. Critico e storico dell'arte, ha curato mostre in Italia e all'estero, è autore di saggi e articoli. È parlamentare della Repubblica, sindaco di Sutri (VT), prosindaco di Urbino, presidente di Ferrara Arte, presidente della Fondazione Canova, presidente del MART. Nel 2011 ha diretto il Padiglione Italia per la 54° Biennale d'Arte di Venezia. Nel 2017 è stato chiamato per chiara fama alla Università per stranieri di Perugia come professore ordinario di Storia dell'arte. La serie di volumi dedicata al Tesoro d'Italia, una storia e geografia dell'arte italiana, comprende Il tesoro d'Italia. La lunga avventura dell'arte (2013), Gli anni delle meraviglie. Da Piero della Francesca a Pontormo (2014), Dal cielo alla terra. Da Michelangelo a Caravaggio (2015), Dall'ombra alla luce. Da Caravaggio a Tiepolo (2016), Dal mito alla favola bella. Da Canaletto a Boldini (2017), Il Novecento. Volume I: dal Futurismo al Neorealismo (2018), Il Novecento. Volume II: da Lucio Fontana a Piero Guccione (2019). Tra le sue pubblicazioni più recenti, Parmigianino (nuova edizione 2016), La Costituzione e la Bellezza (con Michele Ainis, 2016), Leonardo. Il genio dell'imperfezione (2019), Caravaggio. Il punto di vista del cavallo (nuova edizione 2021) e Ecce Caravaggio. Da Roberto Longhi a oggi (2021).IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarehttps://ilpostodelleparole.it/

En este episodio de #ColoresEnAudio, Liliana Checa y Maurizzio Zamudio nos hablan de la primera artista femenina en gozar de reconocimiento público en su época: Sofonisba Anguissola. También comentan la obra de otro artista manierista de Parma: Parmigianino.Pueden ver las imágenes que acompañan el audio aquí: https://bit.ly/3qcJMHL

En este episodio de #ColoresEnAudio, Liliana Checa y Maurizzio Zamudio nos hablan de la primera artista femenina en gozar de reconocimiento público en su época: Sofonisba Anguissola. También comentan la obra de otro artista manierista de Parma: Parmigianino. Pueden ver las imágenes que acompañan el audio aquí: https://bit.ly/3qcJMHL

Cut-throat world of Artisanal Ice Cream.  Movies:  Pig, Respect.  Oss117: does it still work?  Giannis Antetokounmpo: adjusting to life in America. Looking back at Titian: nudity, violence and mythology. Looking at Parmigianino with Jason Farago.  Minor Leagues $$$ (mascots).  Jane Withers (Josephine the Plumber).  Fun new book by Simon Rich: New Teeth. Credits: Talent:  Tamsen Granger and Dan Abuhoff Engineer:  Ellie Suttmeier

In questa puntata vi parliamo di Amedeo Modigliani, uno degli artisti italiani più amati al mondo. Nato a Livorno nel 1884, si trasferisce a Parigi all'età di ventidue anni, dove conduce una vita sregolata segnata da problemi legati all'alcool, ai soldi, agli scandali e ai rapporti con le donne.Scultore e pittore, Modì, come lo chiamano i francesi, guarda con interesse artisti come Cézanne e Gauguin, ma anche i Macchiaioli, i grandi maestri del gotico senese e del rinascimento italiano, così come risulta evidente nei suoi lavori l'influenza dell'arte egizia e negra; il suo stile però rimane unico ed egli non entra a far parte di nessun movimento. Importanti nella produzione di Modigliani sono i ritratti e i nudi, opere di grande bellezza in cui l'indifferenza ai valori chiaroscurali, l'uso costruttivo del colore, le scelte cromatiche, i colli lunghi, la dimensione intimista e il delicato equilibrio tra eleganza ed erotismo, sono tutti elementi che caricano di espressività corpi e volti di soggetti con cui l'artista, dipingendo, sembra voler instaurare un dialogo che lo porti a intravedere l'anima del suo interlocutore.Link sostieni Art and Talk: https://it.tipeee.com/art-and-talkTesta del Guggenheim Museum di New York: urly.it/3f17gRitratto di Paul Alexandre: urly.it/3f17hMadonna con il collo lungo di Parmigianino: urly.it/3f17jRitratto di Paul Guillame: urly.it/3f17kNudo sdraiato: urly.it/3f17mRitratto di Beatrice Hastings: urly.it/3f17nRitratto di Jeanne Hebuterne con cappello: urly.it/3f17pVideo sul caso dei falsi di Modigliani: urly.it/3f17qArticolo sul caso dei falsi di Modigliani: urly.it/3f17rImmagine di copertina - Ritratto Jeanne con camicia bianca: urly.it/3f17t pic of Kent Baldner on FlickrLink Deborah.ink per info Lab Art and Talk: https://shop.deborah.ink/piccoli-grandi-artistiMusic by Giorgio di CampoBossa Blue for you https://bit.ly/2DCsxH3Billys Blues session https://bit.ly/2ALFQCT

It all comes back to the Hapsburgs! Illustrator and graphic designer Leah Felicity Lucci tells Val about her fascination with the genetic story of the Hapsburg royal family, and how that lead to a research hole about eugenics, racism, and anti-Semitism and inspired her sketchbook project These are Not My Ancestors. SHOW NOTES: There is an article in The Atlantic about the layered “erased” writing of monks in the Middle Ages called The Age of Erasable Books. A palimpsest is a word for parchment on which the original writing has been effaced to make room for later writing but of which traces remain. Type that word into google image search for lots of examples. To view some examples of Mannerist art, search for The Vision of St. John by El Greco or Madonna with the Long Neck by Parmigianino. The Do you know the Muffin Man? Pic can be found on Leah's instagram at https://www.instagram.com/p/CNyAAZKnjk-/ 23&Me wrote a concise summary of the Habsburg inbreeding problem. White Trash: The 400-Year Untold History of Class in America by Nancy Isenberg can be found wherever books are sold. Hitler or Lovecraft? quiz is at http://www.beesgo.biz/horp.html Not going to dignify David Eden Lane with a link but suffice it to say he was a piece of shit who died in prison after instigating and taking part in many crimes. Here's the graphic Leah described of a Jewish family tree. It dates back to the 1700 and you can look at how it changes in 1940: https://upload.democraticunderground.com/12237693 These Are Not My Ancestors sketchbook project by Leah Felicity Lucci: https://www.sketchbookproject.com/library/S258809 Remember Me: Displaced Children Archive via the Holocaust Museum: https://rememberme.ushmm.org/

durée : 00:05:17 - L'Idée culture - par : Mattéo Caranta - Jean Michel Guenassia nous emmène dans le château de Sanvitale en Emilie Romagne pour y découvrir une fresque de Parmigianino... - réalisation : Jean-Christophe Francis

Un día como hoy, 11 de enero: Nace: 1503, Parmigianino. 1902, Maurice Duruflé. Fallece: 1801, Domenico Cimarosa. 1928, Thomas Hardy. Una producción de Sala Prisma Podcast. 2021

In this episode, we'll explore Parmigianino's Madonna with the Long Neck.

Versione audio: Francesco Mazzola (1503-1540), detto Parmigianino dalla città di nascita, è certamente una figura di artista fra le più originali del Manierismo italiano. Attraverso le sue Madonne, egli creò un nuovo canone di bellezza femminile ideale e irreale; egli dispensò la materia da un riferimento troppo rigoroso alla verosimiglianza naturalistica, alla naturale costituzione di […] L'articolo La Madonna dal collo lungo del Parmigianino proviene da Arte Svelata.

Gianfranco Brunelli"Ulisse. L'arte e il mito"Forlì, Musei San DomenicoFino al 31 ottobre 2020https://www.mostraulisse.it/Il più grande viaggio dell'arte mai raccontatoQuanti Ulisse! E quante Odissee! Il protagonista dell'Odissea è il più antico e il più moderno personaggio della letteratura occidentale. Egli getta un'ombra lunga sull'immaginario dell'uomo, in ogni tempo. L'arte ne ha espresso e reinterpretato costantemente il mito. Raccontare di Ulisse ha significato raccontare di sé, da ogni riva del tempo e raccontarlo utilizzando i propri alfabeti simbolici, la propria forma artistica, attribuendogli il significato del momento storico e del proprio sistema di valori.Dall'Odissea alla Commedia dantesca, da Tennyson a Joyce e a tutto il Novecento, di volta in volta, Ulisse è l'eroe dell'esperienza umana, della sopportazione, dell'intelligenza, della parola, della conoscenza, della sopravvivenza e dell'inganno. E' “l'uomo dalle molte astuzie e “dalle molte forme”.Dopo la Guerra di Troia, quando affronta le sue avventure nel viaggio del lungo ritorno, egli è già un personaggio famoso. Ma quel viaggio è anche la faticosa riconquista di sé, della propria identità, attraverso il recupero narrativo della sua vicenda alla corte di Alcinoo, attraverso la memoria del ritorno. Così come accade all'arte, che narra narrandosi, che racconta l'oggetto e la sua forma stilistica.La nuova grande esposizione ai Musei San Domenico di Forlì presenta oltre 200 opere tra le più significative di ogni tempo. Dall'antico al Novecento. Pittura, scultura, miniature, mosaici, ceramiche, arazzi e opere grafiche ricomprendono il viaggio di Ulisse come viaggio dell'arte.Fin dall'antichità gli artisti non hanno cercato di illustrare in forma puramente didascalica l'intera Odissea. Se l'età arcaica privilegia gli episodi di Polifemo, di Circe, di Scilla e delle Sirene, l'età classica aggiunge gli incontri e i riconoscimenti: l'incontro con Tiresia, Atena, Nausicaa e Telemaco, il dolore e l'inganno della tela di Penelope, il riconoscimento della nutrice Euriclea, la strage dei Proci. L'ellenismo aggiunge l'incontro domestico e commovente con il cane Argo, l'abbraccio e il riconoscimento tra Ulisse e Penelope, l'arte romana infine, oltre a ripetere i modelli precedenti, raffigura, quale epilogo consolatorio, l'abbraccio tra Ulisse e il padre Laerte. L'arte antica non è interessata a mettere in scena il poema epico, quanto un uomo che attraverso le sue molteplici e dolorose esperienze ha imparato a conoscere se stesso.Dante, che scrive 2000 anni dopo Omero, usa gli autori latini che sottolineano le qualità di Ulisse. Così nel canto XXVI dell'Inferno egli conferisce a Ulisse una nuova e diversa centralità. L'Ulisse di Dante non è spinto dalla nostalgia del ritorno, né, come l'Enea virgiliano, è mosso da una missione, egli è un viandante spinto dall'ardore “a divenir del mondo esperto / e de li vizi umani e del valore”, e si lancia “per altro mare aperto”, verso il “folle volo”.L'influsso di Dante sull'arte non riguarda solo codici e miniature, capitelli e disegni, ma giunge fino ad artisti come Botticelli e la sua rilettura illustrata della Commedia, Signorelli e Federico Zuccari, per poi immergersi in un lungo silenzio fino a William Blake e all'Ottocento. Mentre le narrazioni omeriche sopravvivono nei cassoni fiorentini dipinti del Quattrocento, che appartengono ancora al gusto epico-cortese, con pittori come lo Scheggia e Apollonio di Giovanni. Per rifiorire poi nei disegni e nelle opere di Filippino Lippi o del Parmigianino.Le diverse interpretazioni della figura di Ulisse si fanno sentire anche nei cicli figurativi del Cinquecento, che si diffondono nelle regge e nei palazzi di mezza Europa. Con un carattere non solo illustrativo o decorativo, ma in una sintesi integrata tra valori formali e valori morali espressi da artisti quali Nicolò dell'Abate, Primaticcio fino alle tele di Beccafumi, Dossi, Spranger. In questo ambito Ulisse è l'uomo virtuoso che affronta e vince le prove, personali e pubbliche. Il Seicento di Rubens, Lorrain, Jordaens, Cornelis, tra natura e teatro ne raffigura e diffonde il mito fin nelle manifatture.Col classicismo di Canova, Mengs e Füssli, il Settecento _ anche per la ripresa degli studi omerici e delle nuove scoperte archeologiche _ si mostra come un secolo omerico, mentre il romanticismo di Hayez avvia un ulteriore rinnovamento. Il XIX secolo ritrova nel mito del viaggiatore e del viandante (da Foscolo a Tennyson, dal Romanticismo a Nietzsche), qualcosa di odissiaco nel destino dell'uomo moderno. I Preraffaelliti, e in generale le inquietudini allusive del Simbolismo, attraverso le raffigurazioni di soggetti quali Calipso, Circe, Penelope o le Sirene vagheggiano la visione onirica di un mondo che oramai sfugge al desiderio di bellezza ed è sopraffatto dalla realtà quotidiana, ma non rinunciano a un contenuto artistico che trascenda l'esperienza ordinaria e porti l'esistenza quotidiana dell'individuo su un piano universale.Il XX secolo _ sulla scorta dei capolavori letterari di Eliot, Kafka, Pascoli, Pavese, Primo Levi, Kavafis e soprattutto l'Ulisses di Joyce _ fa di Ulisse il prototipo dell'uomo contemporaneo: inquieto, alienato, irrimediabilmente diviso nel proprio io. Per questo più che un ritorno integrale al mito, al suo racconto, l'arte celebra ritratti isolati e parziali dell'eroe. Frammenti. Da Böcklin a De Chirico, da Savinio a Cagli, da Meštrović a Martini, assistiamo alla definizione di un'arte come ricerca e rappresentazione di un varco, di una via d'uscita possibile che altrimenti si nega all'eroe divenuto uomo.L'Ulisse del Novecento non riesce di fatto a ritrovare Itaca. Il suo ricordo del ritorno si è perduto. E «scordare il ritorno», significa scordare la forma del proprio destino. Il viaggio attraverso un universo così straordinariamente ricco e diversificato, che questa mostra propone, consente di cogliere i tratti più caratteristici di singoli segmenti della tradizione figurativa, nonché il rispecchiamento della propria ricerca esistenziale tra poesia e storia.IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarehttps://ilpostodelleparole.it/

La madonna dal collo lungo di Parmigianino è un'opera dove la licenziosità e l'estro creativo del manierismo sposta l'asticella dello stile verso una dimensione che in alcuni tratti diventa addirittura metafisica.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2020/05/22/la-madonna-metafisica/ Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistSe volete scrivere a Quello di Arte l'email è quellodiarte@gmail.comPlaylistMichelangelo Mammoliti, Mono, 2019"

art, drawing, painting, visual arts, italy David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his seventh Slade Lecture on Barocci’s drawings for the Madonna del Popolo. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his fifth Slade Lecture on Parmigianino’s drawings for the Madonna of the Long Neck. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

art, drawing, painting, visual arts, italy David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his third Slade Lecture on Raphael’s drawings for the Stanza della Segnatura in the Vatican Palace. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his second Slade Lecture on Michelangelo’s drawings for the Sistine Chapel Ceiling. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his first Slade Lecture on Drawing in Italy before 1500. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby’s and Christie’s, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his first Slade Lecture on Drawing in Italy before 1500. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his first Slade Lecture on Drawing in Italy before 1500. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby’s and Christie’s, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his third Slade Lecture on Raphael's drawings for the Stanza della Segnatura in the Vatican Palace. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his second Slade Lecture on Michelangelo’s drawings for the Sistine Chapel Ceiling. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his fifth Slade Lecture on Parmigianino's drawings for the Madonna of the Long Neck. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his seventh Slade Lecture on Barocci's drawings for the Madonna del Popolo. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his third Slade Lecture on Raphael’s drawings for the Stanza della Segnatura in the Vatican Palace. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his second Slade Lecture on Michelangelo's drawings for the Sistine Chapel Ceiling. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

art, drawing, painting, visual arts, italy David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his fifth Slade Lecture on Parmigianino’s drawings for the Madonna of the Long Neck. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

Professor David Ekserdjian gives his seventh Slade Lecture on Barocci’s drawings for the Madonna del Popolo. David Ekserdjian is the Slade Professor 2017-18 and he presented a series of lectures titled 'From Drawing to Painting in the Italian Renaissance'. David Ekserdjian is a world-renowned authority on Italian Renaissance painting, with particular specialities in the artists Correggio and Parmigianino, the subjects of two Yale monographs of 1998 and 2006. He is also an expert on the history of collecting and this informs his work as an adviser to auction houses like Sotheby's and Christie's, international museums and galleries such as the National Gallery and Tate Britain, as well as private collectors. Bronze sculpture is another of his areas of expertise and it formed the topic of the most recent of the many exhibitions that he has conceived and curated. 'Bronze' at the Royal Academy (co-curated with Cecilia Treves) drew international acclaim and almost a quarter of a million visitors. His book of the exhibition was described by the Wall Street Journal as "the most beautiful book published anywhere in the world this year", and went on to win the Association for Cultural Enterprises award for best new publication.

L'opera del Parmigianino raccontata da Elisabetta Fadda

La città di Verona, quest'anno, ha dedicato una grande e importante mostra a quello che forse è il miglior artista a cui abbia dato i natali: Paolo Caliari, meglio noto come il Veronese. Formatosi nella città natale sotto Antonio Badile e Giovan Francesco Caroto, ma guardando con curiosità e interesse a diverse fonti (ricordiamo, su tutti, Giulio Romano e il Parmigianino), ben presto il giovane Paolo arrivò a Venezia dove guardò all'arte di Tiziano, ma dove riuscì anche a ritagliarsi un notevole spazio nel giro delle committenze illustri, tanto da contendersi con il Tintoretto, poco più avanti, la reputazione di artista più richiesto di Venezia. Le sue atmosfere fastose e solenni ma anche festose e liete precorsero l'arte del Settecento, le sue teorie sui colori complementari hanno influenzato anche l'arte contemporanea. Con Ilaria e Federico scopriamo l'arte di Paolo Veronese attraverso una selezione di grandi capolavori presenti alla mostra di Verona!

La città di Verona, quest'anno, ha dedicato una grande e importante mostra a quello che forse è il miglior artista a cui abbia dato i natali: Paolo Caliari, meglio noto come il Veronese. Formatosi nella città natale sotto Antonio Badile e Giovan Francesco Caroto, ma guardando con curiosità e interesse a diverse fonti (ricordiamo, su tutti, Giulio Romano e il Parmigianino), ben presto il giovane Paolo arrivò a Venezia dove guardò all'arte di Tiziano, ma dove riuscì anche a ritagliarsi un notevole spazio nel giro delle committenze illustri, tanto da contendersi con il Tintoretto, poco più avanti, la reputazione di artista più richiesto di Venezia. Le sue atmosfere fastose e solenni ma anche festose e liete precorsero l'arte del Settecento, le sue teorie sui colori complementari hanno influenzato anche l'arte contemporanea. Con Ilaria e Federico scopriamo l'arte di Paolo Veronese attraverso una selezione di grandi capolavori presenti alla mostra di Verona!

David Ekserdjian, Profesor de Historia del Arte y del Cine, University of Leicester, Reino Unido

"Pittore singularissimo" lo definì Vasari, e Antonio Allegri, meglio noto come "Correggio" dalla cittadina dove nacque nel 1489, è davvero uno dei pittori più singolari della storia dell'arte. Partito osservando gli esiti della pittura di Andrea Mantegna, da cui derivò il segno aspro (che diventerà poi morbido e delicatissimo grazie all'incontro con Leonardo da Vinci e Raffaello) nonché l'illusionismo prospettico, seppe rielaborare le diverse fonti dalle quali trasse suggestioni per ricavarne uno stile molto originale e innovativo, che ha reso il Correggio uno dei geni della pittura, non solo del Cinquecento. Con le sue decorazioni ad affresco è stato fonte di ispirazione per gli artisti barocchi, i suoi dipinti a tema religioso sono tra i più intimi e raffinati di sempre, e quelli a tema mitologico lo hanno fatto diventare un maestro dell'erotismo, sempre elegante e mai scontato. Con Ilaria e Federico percorriamo un panorama su alcuni dei capolavori che hanno reso grande Antonio Allegri.

"Pittore singularissimo" lo definì Vasari, e Antonio Allegri, meglio noto come "Correggio" dalla cittadina dove nacque nel 1489, è davvero uno dei pittori più singolari della storia dell'arte. Partito osservando gli esiti della pittura di Andrea Mantegna, da cui derivò il segno aspro (che diventerà poi morbido e delicatissimo grazie all'incontro con Leonardo da Vinci e Raffaello) nonché l'illusionismo prospettico, seppe rielaborare le diverse fonti dalle quali trasse suggestioni per ricavarne uno stile molto originale e innovativo, che ha reso il Correggio uno dei geni della pittura, non solo del Cinquecento. Con le sue decorazioni ad affresco è stato fonte di ispirazione per gli artisti barocchi, i suoi dipinti a tema religioso sono tra i più intimi e raffinati di sempre, e quelli a tema mitologico lo hanno fatto diventare un maestro dell'erotismo, sempre elegante e mai scontato. Con Ilaria e Federico percorriamo un panorama su alcuni dei capolavori che hanno reso grande Antonio Allegri.

Luca Cambiaso è uno dei pittori liguri più famosi di sempre: formatosi in ambito manierista seguendo gli esempi dei più grandi del tempo, seppe porre le basi per far vivere a Genova la sua più feconda stagione artistica, che si aprì proprio con lui. Partendo dal gigantismo michelangiolesco, che caratterizza tutte le opere della fase giovanile della sua carriera, Luca Cambiaso riflettè poi sulla pittura di Correggio e del Parmigianino proponendo anche capolavori molto delicati e soprattutto molto intensi: i suoi malinconici notturni rischiarati dalle luci delle candele sono uno dei risultati in assoluto più originali dell'arte del Cinquecento e precorrono alcuni grandi del secolo successivo come Georges de La Tour e Hendrick Ter Brugghen. Alcuni accostano Luca Cambiaso anche a Caravaggio, ma con Ilaria e Federico scopriremo quali sono le differenze che dividono i due pittori, e soprattutto scopriremo alcuni dei suoi più grandi capolavori!

Luca Cambiaso è uno dei pittori liguri più famosi di sempre: formatosi in ambito manierista seguendo gli esempi dei più grandi del tempo, seppe porre le basi per far vivere a Genova la sua più feconda stagione artistica, che si aprì proprio con lui. Partendo dal gigantismo michelangiolesco, che caratterizza tutte le opere della fase giovanile della sua carriera, Luca Cambiaso riflettè poi sulla pittura di Correggio e del Parmigianino proponendo anche capolavori molto delicati e soprattutto molto intensi: i suoi malinconici notturni rischiarati dalle luci delle candele sono uno dei risultati in assoluto più originali dell'arte del Cinquecento e precorrono alcuni grandi del secolo successivo come Georges de La Tour e Hendrick Ter Brugghen. Alcuni accostano Luca Cambiaso anche a Caravaggio, ma con Ilaria e Federico scopriremo quali sono le differenze che dividono i due pittori, e soprattutto scopriremo alcuni dei suoi più grandi capolavori!

Il suo vero nome era Girolamo Francesco Maria Mazzola, ma è passato alla storia dell'arte con il soprannome "Parmigianino", dalla città dove nacque nel 1503: proveniente da una famiglia di solide tradizioni artistiche, il Parmigianino seppe imporsi già da giovanissimo ed ebbe nei primi anni la fama di "enfant prodige" capace di realizzare realizzazioni delicatissime, ispirate a Correggio e a Raffaello. La sua prima opera nota risale a quando l'artista aveva appena sedici anni, e a poco più di venti era già un pittore affermato. La sua pittura, che con il passare del tempo si fece solenne e monumentale, ha anche molti aspetti misteriosi e alcune opere sono intrise di simbolismo e testimoniano la sua passione per l'alchimia. Scopriamo le opere più belle con Ilaria e Federico!

Il suo vero nome era Girolamo Francesco Maria Mazzola, ma è passato alla storia dell'arte con il soprannome "Parmigianino", dalla città dove nacque nel 1503: proveniente da una famiglia di solide tradizioni artistiche, il Parmigianino seppe imporsi già da giovanissimo ed ebbe nei primi anni la fama di "enfant prodige" capace di realizzare realizzazioni delicatissime, ispirate a Correggio e a Raffaello. La sua prima opera nota risale a quando l'artista aveva appena sedici anni, e a poco più di venti era già un pittore affermato. La sua pittura, che con il passare del tempo si fece solenne e monumentale, ha anche molti aspetti misteriosi e alcune opere sono intrise di simbolismo e testimoniano la sua passione per l'alchimia. Scopriamo le opere più belle con Ilaria e Federico!

This painting presents a group of people in a reflected image. They stand in the low-beamed living-room of Belwethers, a cottage in the village of Cranleigh. The former country cottage of Mrs Halford, Lambert’s patron and friend, had been taken over by her daughter Mary and her son-in-law Sir Edmund Davis after her death in 1915. Sir Edmund stands at the window in the background; his wife, dressed in black, sits at the table; a maid serves tea; Amy Lambert, dressed in blue, stands; Sir Edmund’s sister-in-law Amy Halford sits with her hands on her lap; and the artist looks out of the image in the foreground. The oak beams in the ceiling take up half the picture and become, in the reflection, curved instead of straight lines, causing the design to flow in a circle – disturbing the very solidity of the room. It is a jewel-like piece of painting, with the lustre of a looking-glass, in which Lambert explored the distinction between how things appear in the picture or in a mirror, or how they are in life itself. He placed the artist within the painting on a separate plane from the other people within the scene, and showed him ignoring them and looking out to the viewer – observing the entire scene through a convex mirror. His hand thrusts forward, without a brush, spread wide as it would when distorted in a mirror. In 1916 Lambert visited Cranleigh, Surrey, when his son Constant became seriously ill with osteomyelitis while he was a scholarship pupil at Christ’s Hospital school in Horsham, West Sussex. (Cranleigh is situated halfway between Guildford and Horsham.) Constant’s condition was so grave that Lambert and Amy moved to Cranleigh to be near him. To pass the time, and determined not to give way to brooding over his sick son, Lambert painted The convex mirror , the reflection of a room in this cottage. Yet Lambert captured some of his sadness at the death of Mrs Halford (who acted as a grandmother to his children) and his anxiety over his son’s illness, as well as the universal unease and apprehension created by the First World War, in the way he presented the world through a convex mirror – disturbed and distorted. Lambert carefully constructed the painting, drawing the lines of the beams and other structural elements onto the wood panel before commencing the painting. He used fine brushes to convey the scene. In addition to his masterful depiction of the illusion of a room viewed through a convex mirror, he also captured a soft light coming through the windows and lighting up the tablecloth and the cane chair. Lambert saluted the sixteenth-century Italian mannerist painter Parmigianino’s illusionist tour-de-force, Self-portrait in a convex mirr or 1523–24 (Kunsthistorisches Museum, Vienna) in this painting. Like Parmigianino Lambert painted his work by looking at himself (and the others in the room) in a curved mirror and then recreating the effect. As in Parmigianino’s work, he captured the way the mirror widens the scene, enlarging everything nearby and making everything distant seem further away. But most significantly, like the Italian master, he created a display of virtuosity. Many artists have included a convex mirror in their work, such as van Eyck in The Arnolfini portrait 1434 (National Gallery, London) in which the mirror probably reflects the painter himself; Quentin Massys in The moneylender and his wife 1514 (Musée du Louvre, Paris), which reflects the artist and the outer world into the picture; and Caravaggio in Martha and Mary Magdalene c.1598 (Detroit Institute of Arts, Michigan), in which the artist used the mirror to enable Martha to reproach Mary for her vanity. The mirror device was fashionable at the turn of the century, and frequently used by artists such as William Orpen. Orpen depicted himself reflected in a convex mirror on the wall behind his subjects in both The mirror 1900 (Tate, London) and A Bloomsbury family 1907 (Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh) – a device Orpen borrowed from van Eyck’s TheArnolfini portrait , which he would have known in the National Gallery. Likewise, genteel interiors, universes of the private individual, were popular subjects during this period, particularly in the exhibitions of the New English Art Club. In this work, Lambert depicted mistresses and maids, and the daily domestic ritual of tea. He depicted people reading and reflecting in the comfort of familiar surroundings. He also showed the master looking out the window and the wider world beyond. And he presented sun coming through the windows and lighting up the interior. Thea Proctor wrote in The Home on 1 July 1930 that The convex mirror ‘has the exquisite finish of the Dutch Masters, and shows that a present-day artist could also paint small things in a large manner’.

The artist Maria Catharina Prestel (also Mary Cathrine Prestel), who worked in collaboration with her husband Johann Gottlieb Prestel, had a remarkable success in Germany with the so-called „Prestel prints“. Both artists have devoted their work to the reproductive print after drawings by other artists of miscellaneous times, for example drawings of Durer, Raffael or Parmigianino, which they were able to „imitate in drawing manner pretty much as drawings themselfs“. The aim of this work was the reconstruction and analysis of the whole works of Maria Catharina Prestel. On the base of a complete catalogue of her prints, which was produced for the very first time, it was possible to prove that the artist has executed more than half of all facsimile-prints of the „illustrated books“ produced by her and her husband. It can be stated without any doubt that the Prestel had equal rights within the studio production. This fact was not to be taken for granted for female artists within the 18th century. The systematic analysis of single sheets allows to not only assess her technical abilities but also to give a representative overview of her reproductive prints both after drawings and after paintings, which she began to create after the separation from her husband and her move to London. The analysis of Prestel’s complete engraving work provides a valuable contribution to the research of female artists in Germany as well as to the research of reproductive prints in the 18th century.

The artist Maria Catharina Prestel (also Mary Cathrine Prestel), who worked in collaboration with her husband Johann Gottlieb Prestel, had a remarkable success in Germany with the so-called „Prestel prints“. Both artists have devoted their work to the reproductive print after drawings by other artists of miscellaneous times, for example drawings of Durer, Raffael or Parmigianino, which they were able to „imitate in drawing manner pretty much as drawings themselfs“. The aim of this work was the reconstruction and analysis of the whole works of Maria Catharina Prestel. On the base of a complete catalogue of her prints, which was produced for the very first time, it was possible to prove that the artist has executed more than half of all facsimile-prints of the „illustrated books“ produced by her and her husband. It can be stated without any doubt that the Prestel had equal rights within the studio production. This fact was not to be taken for granted for female artists within the 18th century. The systematic analysis of single sheets allows to not only assess her technical abilities but also to give a representative overview of her reproductive prints both after drawings and after paintings, which she began to create after the separation from her husband and her move to London. The analysis of Prestel’s complete engraving work provides a valuable contribution to the research of female artists in Germany as well as to the research of reproductive prints in the 18th century.

The artist Maria Catharina Prestel (also Mary Cathrine Prestel), who worked in collaboration with her husband Johann Gottlieb Prestel, had a remarkable success in Germany with the so-called „Prestel prints“. Both artists have devoted their work to the reproductive print after drawings by other artists of miscellaneous times, for example drawings of Durer, Raffael or Parmigianino, which they were able to „imitate in drawing manner pretty much as drawings themselfs“. The aim of this work was the reconstruction and analysis of the whole works of Maria Catharina Prestel. On the base of a complete catalogue of her prints, which was produced for the very first time, it was possible to prove that the artist has executed more than half of all facsimile-prints of the „illustrated books“ produced by her and her husband. It can be stated without any doubt that the Prestel had equal rights within the studio production. This fact was not to be taken for granted for female artists within the 18th century. The systematic analysis of single sheets allows to not only assess her technical abilities but also to give a representative overview of her reproductive prints both after drawings and after paintings, which she began to create after the separation from her husband and her move to London. The analysis of Prestel’s complete engraving work provides a valuable contribution to the research of female artists in Germany as well as to the research of reproductive prints in the 18th century.