Podcasts about Lucio Fontana

Adriano Altamira"Remo Bianco: il periodo 3D"Electawww.electa.itIl volume avvia una collaborazione fra Electa e la Fondazione Remo Bianco volta a promuovere l'attività dell'artista milanese, fra i protagonisti dell'avanguardia dagli anni '50 fino alla metà degli anni '70. Grande sperimentatore e artista fecondo, si è confrontato con soluzioni e linguaggi diversi che hanno reso ardua una lettura unitaria del suo lavoro e che dunque richiedono un'attività di approfondimento e studio in grado di restituire i suoi momenti più geniali e avviare una lettura critica sistematica che presenti la sua opera in una chiave inedita e complessiva. Il primo capitolo di questo progetto è a firma di Adriano Altamira, amico personale di Bianco e fra i maggiori conoscitori della sua opera, e affronta gli esordi dell'artista, con una mostra, presentata da Lucio Fontana nel 1953, in cui furono esposti i 3D. Queste opere erano cassette disegnate o dipinte su più strati di plastiche trasparenti che offrivano allo spettatore suggestioni spaziali e cinetiche decisamente innovative per il contesto coevo. Il “periodo 3D” durò fino alla fine di quel decennio, quando l'artista raggiunse la fama coi suoi “Tableaux Dorés”.Adriano Altamira, dopo la laurea in Storia dell'Arte, intraprende contemporaneamente una doppia carriera di critico d'arte e d'artista. Scrive su numerose riviste, tra cui NAC, Flash Art, Le Arti, e in seguito Artistes, Tema Celeste, FMR e altre. Esplora dal suo punto di vista critico/artistico sia il mondo delle Avanguardie, sia i meccanismi dell'analogia e dei collegamenti inconsci fra percezione e memoria. Fino a tempi recenti Adriano Altamira ha sempre lavorato con la fotografia. Conceptual Rigoletta pur esplorando, come è solito per l'autore, il mondo dell'analogia e delle ricorrenze iconiche, segna un ritorno al disegno, ed apre la strada ad un nuovo tipo di concettualità.IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarewww.ilpostodelleparole.itDiventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/il-posto-delle-parole--1487855/support.

Ogni giovedì alle 19 e ogni venerdì alle 15 va in onda “Life – Eventi da vivere”, la nostra rassegna in cui vi consigliamo appuntamenti imperdibili organizzati sul territorio, principalmente nel weekend ma non solo! Vi riproponiamo l'elenco degli eventi qui sotto:FESTEPartiamo da Salsomaggiore Terme, dove sabato 14 dicembre alle 15 va in scena White Unicornus, una performance itinerante di artisti di strada che coinvolgerà tutto il centro storico.Ci spostiamo a Morozzo, Cuneo, dove, dal 14 al 16 dicembre, torna la tradizionale Fiera Nazionale del Cappone. Nei tre giorni è organizzata l'esposizione dei Capponi di Morozzo, la mostra-mercato dei prodotti tipici. Info su capponedimorozzo.itIl 31 dicembre a Cremona, nella centralissima Piazza Stradivari, ci sarà la grande festa in musica per Capodanno: dalle 22.00 alle 2.00. Ci saranno i Planet Funk, il dj set di Alex Neri e gli opening djs di Ape?Si. Scopri tutte le iniziative su turismo.cremona.it.MERCATINIIl 14 E 15 dicembre, la pittoresca piazza di Poschiavo in Svizzera si trasforma in un mercatino incantato con prodotti tipici e artigianali della Valposchiavo.Ad Isèo, nei week end del 7 e 8, 14 e 15 , 21 e 22 dicembre c'è il Natale con Gusto: mercatini ma anche concerti, mostre, artisti di strada, Dj Set, pista di pattinaggio e degustazioni.I mercatini sono protagonisti anche a Torino in varie zone della città: Piazza Castello, il Cortile del Maglio di Borgo Dora, il mercatino di Piazza Solferino e di Piazza Santa Rita, tutti aperti fino al 6 gennaio.Cremona illumina il Natale! Fino al 6 gennaio, allestimenti luminosi, il grande albero in piazza del Comune, animazioni lungo le vie della città, presepi, giostra d'epoca, Igloo illuminato. Tutte le iniziative su: turismo.cremona.itNei week end e per tutto il periodo natalizio a Selvìno, Bergamo, Babbo Natale vi aspetta in una storica villa tra animali e elfi indaffarati. Per informazioni santaclausselvino.itAd Aprìca, Sondrio, torna la magia dei mercatini di Natale! Il 14 e il 15 dicembre, poi dal 21 fino al 6 gennaio. In Piazza delle 6 Contrade, prodotti artigianali, musica e intrattenimento.ARTEFino al 23 febbraio al Museo di Santa Giulia di Brescia, c'è la mostra dell'artista dissidente sudanese Khalid Albaih. Identità, esilio e diritti umani sono i temi della mostra. Info su bresciamusei.comContinua fino al 26 gennaio, nelle sale di Palazzo Reale a Milano "SalvArti. Dalle confische alle collezioni pubbliche", un'esposizione che restituisce al pubblico una serie di opere d'arte di artisti come Giorgio de Chirico, Mario Sironi, Lucio Fontana, Salvador Dalì, Andy Warhol, provenienti da sequestri e confische fatte dalla pubblica autorità alla criminalità organizzata. Una mostra di grande portata culturale che vuole riaffermare il fondamentale valore della legalità.PATTINAGGIO SUL GHIACCIOA Bergamo è di scena la Nxt On Ice, la pista di pattinaggio sul ghiaccio in Piazzale degli Alpini a Bergamo! Tanti anche gli eventi musicali e le proposte enogastronomiche. Info su nxtbergamo.itFino al 6 gennaio nelle vie e nelle piazze di Bergamo torna Christmas Design, la mostra diffusa con 14 opere spettacolari che quest'anno interpretano il tema delle “Metamorfosi e Trasformazioni”! Info su christmasdesign.itA Santa Caterina Valfurva ti aspettano Mercatini di Natale, piste perfette per fondo e discesa, avventure con ciaspole, fat bike e pattinaggio sul ghiaccio! Scoprite di più su santacaterina.itFino al 7 gennaio Sondrio si veste in tema natalizio con il pattinaggio sul ghiaccio in piazza. Ci sarà anche un pianoforte in cielo, la slitta di Babbo Natale e molto altro. Il programma è su visitasondrio.itSPORTDomenica 15 dicembre alle 17 al PalaGeorge di Montichiàri, torna il Roller Show The Power of Art. Uno spettacolo di pattinaggio artistico a rotelle, con i campioni mondiali in carica, insieme a 240 giovani pattinatori Gardalago. Biglietti in vendita su Diyticket.itDomenica 27 Aprile si torna a correre su uno dei percorsi più belli d'Italia. Il 27 Aprile ritorna la Sàrnico Lovere, la corsa sul Lago d'Isèo: 25 chilometri con traguardo volante alla mezza maratona, tra incredibili panorami e rocce a strapiombo sull'acqua. Iscriviti adesso sul sito ufficiale sarnicolovere.itTURISMOA Tirano fino al 6 gennaio ci sarà il video mapping sulla Basilica della Madonna, con proiezioni sui palazzi, luci in città, spettacoli e concerti. Il programma completo è su tiranomediavaltellina.itPRESEPETalamona è il Paese dei Presepi. Dal 23 dicembre al 6 gennaio bellissimi presepi animano le contrade. La manifestazione si svolge con il patrocinio della Regione Lombardia.A Clusone, in provincia di Bergamo, per tutto dicembre, il centro storico diventa protagonista. Villaggio degli elfi, vetrine accese dai presepi, decorazioni, artisti di strada e burattini. Info su Visitclusone.itTEATROFino a domenica il Teatro Studio Bunker di Torino ospita Con quella faccia un po' così, una nuova produzione dell'Accademia dei Folli che chiude la stagione 2024. Lo spettacolo è un omaggio a Paolo Conte.In occasione dell'80° anniversario della sua morte, a Milano Palazzo Reale e Arthemisia viene presentato Munch, il grido interiore, una grande mostra monografica dedicata a uno degli artisti più amati e popolari del secolo scorso. La mostra comprende 100 opere provenienti dal Museo Munch.Per i settant'anni dalla pubblicazione de Il Signore degli Anelli, fino al 16 febbraio la Reggia di Venaria ospita Tolkien, Uomo, Professore, Autore. Una grande mostra che omaggia il celebre scrittore. Info su lavenaria.it 

Luca Massimo Barbero"1950-1970. La grande arte italiana"Capolavori dalla Galleria Nazionale d'Arte Moderna e ContemporaneaMusei Reali di Torino, Sale ChiableseMostra aperta fino al 2 marzo 2025A Torino, nelle Sale Chiablese dei Musei Reali, una grande e inedita mostra dedicata ai capolavori dei più importanti artisti italiani del secondo dopoguerra.L'ingente numero di opere, per un totale di 79, proviene dalla Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma ed è riunito insieme per la prima volta fuori dal museo di appartenenza. Un'occasione straordinaria per dare vita a un progetto critico ed espositivo di grande rigore e presentare a un ampio pubblico le testimonianze artistiche di una stagione irripetibile.Prodotta da Musei Reali e Arthemisia con la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, la rassegna curata dalla Direttrice della GNAM Renata Cristina Mazzantini e dallo studioso Luca Massimo Barbero, è stata fortemente voluta e resa possibile da Mario Turetta, Capo Dipartimento per le Attività Culturali del Ministero della Cultura e direttore delegato dei Musei Reali di Torino.La mostra, oltre a sottolineare il trentennale rapporto che la soprintendente Palma Bucarelli ebbe con un gruppo eccezionale di artisti, mette in risalto la ricchezza delle collezioni del museo romano ed esalta i 21 artisti più rappresentativi che hanno animato una stagione senza precedenti nel panorama dell'arte moderna italiana.“La mostra vuole mettere in luce – ribadisce la Direttrice Renata Cristina Mazzantini – la qualità, non sempre sufficientemente percepita, delle ineguagliabili collezioni della Gnam e di porre al tempo stesso l'attenzione sul ruolo da protagonista che la Galleria rivestì nella costituzione del patrimonio artistico italiano moderno e contemporaneo, grazie soprattutto al rapporto attivo che, nei suoi tre decenni al vertice della Galleria, la soprintendente Palma Bucarelli seppe intrecciare con gli artisti più significativi e innovativi di quella così alta stagione, da Burri e Fontana fino a Pascali.”Il percorso espositivo mette bene in evidenza le origini di quello che fu un vero e proprio “movimento artistico tellurico”.“È un percorso intenso, – dichiara Luca Massimo Barbero – e, in più sale, è un vero corpo a corpo fra i “nuovi maestri” dell'arte italiana del dopoguerra, della quale si esplorano qui le radici e, per la prima volta, è possibile confrontarli al di fuori della collezione della GNAM. Per l'arte italiana si tratta dei protagonisti germinali, oggi identificati come gli interpreti internazionali dell'allora contemporaneità.”L'esposizione, suddivisa in dodici sale, si sviluppa in un avvincente percorso che propone confronti e dialoghi intercorsi negli anni del secondo dopoguerra tra gli artisti italiani più importanti, divenuti ormai irrinunciabile riferimento nel panorama artistico internazionale.La mostra si apre con due lavori simbolici, uno di Ettore Colla Rilievo con bulloni del ‘58/'59 e un altro di Pino Pascali L'arco di Ulisse del '68; prosegue con una sala di capolavori di Capogrossi, tra cui una monumentale Superficie del 1963. Nella sala successiva viene indagato il tema della materia, elemento di ricerca fondamentale degli anni '50, mettendo in dialogo due Concetti spaziali-Buchi di Lucio Fontana, tra cui uno del 1949, con lo straordinario “Gobbo”del ‘50 di Alberto Burri, rare opere di Ettore Colla, opere germinali di Mimmo Rotella e la ricerca astratta di Bice Lazzari.Due sale mettono poi a confronto due grandi artisti dell'astrazione: Afro e Piero Dorazio, maestri che nel secondo dopoguerra contribuirono al successo dell'arte italiana negli Stati Uniti.Il “cardine della mostra”, come dichiara il co-curatore Barbero, si ha nel confronto tra due grandi protagonisti indiscussi: Lucio Fontana e Alberto Burri; 11 emblematiche opere entrano in dialogo e, in particolare, si stabilisce un inedito accostamento tra il grande Concetto spaziale. Teatrino del 1965 del primo e il Nero cretto G5 del 1975 del secondo.Il fermento artistico e creativo che si sviluppò a Roma tra gli anni '50 e ‘60 è rappresentato in mostra da un enorme décollage di Mimmo Rotella del 1957 e, via via, dalle opere storiche di Giosetta Fioroni, Carla Accardi, Giulio Turcato, Gastone Novelli, Toti Scialoja, Sergio Lombardo, Tano Festa. Un ulteriore inedito confronto si sviluppa tra un intenso monocromo nero di Franco Angeli e alcuni importanti Achrome di Piero Manzoni.A testimoniare poi l'importanza della Contemporaneità, un'altra sala dedicata al grande quadro specchiante I visitatoridel 1968 di Michelangelo Pistoletto e un'ulteriore alle celebri “Cancellature” di Emilio Isgrò.Il percorso prosegue con un emozionante dialogo tra alcune significative opere di Mario Schifano (tra cui Incidente D662 del 1963) e altrettanto straordinari lavori di Pino Pascali (come Primo piano labbra del '64).Quest'ultimo, dissacrante artista concettuale, è il protagonista assoluto dell'ultima sala dell'esposizione, che presenta capolavori come Ricostruzione del dinosauro del 1966 e i Bachi da setola del 1968.“La mostra è il risultato della cooperazione tra due prestigiose istituzioni museali di rilievo nazionale, quali la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma e i Musei Reali di Torino – osserva Mario Turetta –; l'offerta culturale del complesso torinese, dopo le rassegne dedicate al patrimonio archeologico per il 300° anniversario del Museo di Antichità e al sistema dell'arte barocca esemplato dalla pittura del Guercino, si arricchisce di una esposizione che intende rivolgersi a pubblici cosmopoliti, mettendoli in relazione con le principali istanze poste dall'arte contemporanea in uno straordinario periodo storico, in un territorio che si inserisce tra i principali distretti di riferimento grazie a eventi internazionali, quali Artissima e Luci d'Artista, e alla presenza di importanti raccolte, pubbliche e private.”IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarewww.ilpostodelleparole.itDiventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/il-posto-delle-parole--1487855/support.

Ilaria Bonacossa"Lisetta Carmi. Molto vicino, incredibilmente lontano"Mostra al Palazzo Ducale di Genovawww.palazzoducale.genova.itwww.civita.artLa mostra Lisetta Carmi. Molto vicino, incredibilmente lontano è stata annunciata per il prossimo autunno a Palazzo Ducale. Un viaggio che parte da Genova e dall'Italia per raccontare con il suo sguardo acuto e lucido realtà lontane e mondi in trasformazione, con inedite immagini a colori capaci di trasformare la lettura delle sue fotografie più famose in bianco e nero.Genova emerge nelle sue sfaccettature inaspettate, città in cui Lisetta Carmi per i vent'anni della sua carriera fotografica ha sempre stampato e sviluppato le sue immagini raccontando da questo luogo la sua visione del mondo e delle persone che sceglieva di ritrarre, come le famose fotografie del porto, a cui si affiancheranno immagini inedite dell'anagrafe e della vita politica e sociale della città.In mostra presso Palazzo Ducale anche le immagini della serie dei travestiti degli anni '60, pubblicate nel 1972 suscitando scalpore e segnando le ricerche fotografiche di molti artisti internazionali, non solo in bianco e nero ma anche a colori e la serie inedita erotismo e autoritarismo a Staglieno in cui il famoso cimitero genovese si trasforma sotto l'obbiettivo della fotografa in un ritratto della società borghese ottocentesca e dell'erotismo associato ai monumenti funebri.Genova sceglie di omaggiare questa figura dirompente di fotografa e artista centrale nella storia della fotografia del dopoguerra la cui carriera si è sviluppata per vent'anni nella sua città natale.Lisetta Carmi, molto vicino incredibilmente lontano è curata da Giovanni Battista Martini, esperto di fotografia contemporanea e curatore dell'archivio Lisetta Carmi che ha scritto e concepito numerose mostre dell'artista negli ultimi anni ed Ilaria Bonacossa, curatrice d'arte contemporanea e direttrice di Palazzo Ducale Genova, ed è promossa e organizzata da Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura Genova e Civita Mostre e Musei.Lisetta Carmi nasce a Genova il 15 febbraio 1924, in un'agiata famiglia borghese. A causa delle leggi razziali è costretta nel 1938 ad abbandonare la scuola e a rifugiarsi con la famigliain Svizzera. Nel 1945, al termine della guerra, torna in Italia e si diploma al conservatorio di Milano. Negli anni seguenti tiene una serie di concerti in Germania, Svizzera, Italia e Israele. Nel 1960 interrompe la carriera concertistica e si avvicina in modo casuale alla fotografia trasformandola in una vera e propria professione. Per tre anni lavora come fotografa al Teatro Duse di Genova. Accetta diversi incarichi dal Comune di Genova realizzando una serie di reportage in cui descrive le diverse realtà e problematiche sociali della città come, ad esempio, gli ospedali, l'anagrafe, il centro storico e le fogne cittadine.Dopo aver realizzato nel 1964 un'ampia indagine nel porto di Genova, diventata poi una mostra itinerante, continua un reportage sulla Sardegna iniziato nel 1962 e che terminerà negli anni Settanta. Successivamente si reca a Parigi e da questo soggiorno nasce il volume Métropolitain, libro d'artista contenente una serie di scatti realizzati nella metropolitana parigina. Nel 1965 prende corpo il suo progetto più noto, che nel 1972 diventerà un libro, dedicato ai travestiti genovesi. Nel 1969 viaggia per tre mesi in America Latina e l'anno successivo in Afghanistan e Nepal. Nel 1971 compra un trullo in Puglia, a Cisternino. Il 12 marzo 1976 conosce a Jaipur, in India, Babaji Herakhan Baba, il Mahavatar dell'Himalaya, incontro che trasformerà radicalmente la sua vita. Lo stesso anno è in Sicilia per incarico della Dalmine per il volume Acque di Sicilia, dove sono raccolte immagini del paesaggio e della realtà sociale della regione, accompagnate da un testo di Leonardo Sciascia. Negli anni realizza una serie di ritratti di artisti e personalità del mondo della cultura del tempo tra cui Judith Malina, Joris Ivens, Charles Aznavour, Edoardo Sanguineti, Leonardo Sciascia, Lucio Fontana, César, Carmelo Bene, Luigi Nono, Luigi Dallapiccola, Claudio Abbado, Jacques Lacan e Ezra Pound, di cui si ricordano i celebri scatti realizzati nel 1966 presso l'abitazione del poeta sulle alture di Zoagli in Liguria.Negli anni successivi Lisetta Carmi si dedicherà completamente alla costruzione dell'ashram Bhole Baba, a Cisternino, e quindi alla diffusione degli insegnamenti del suo maestro. Nel 1995 incontra, dopo trentacinque anni, il suo ex allievo di pianoforte Paolo Ferrari e inizia con lui una collaborazione di studio filosofico-musicale.Lisetta Carmi muore, o come avrebbe detto lei, abbandona il suo corpo terreno, il 2 luglio 2022 a Cisternino.Lisetta non fotografa per raccontare, fotografa per capire, e la fotografia le serve come una chiave per aprire delle porte, per entrare dove nessuno poteva entrare.Catalogo della mostra pubblicato da Silvana Editorialewww.silvanaeditoriale.itIL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarewww.ilpostodelleparole.itDiventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/il-posto-delle-parole--1487855/support.

Fontana war nicht nur ein Meister der Form, sondern auch ein visionärer Denker, der die Grenzen der Kunst sprengte und neue Perspektiven eröffnete. Welche Rolle spielte Erwartung in seinen Werken? Wie können wir Fontanas ikonische Schnittbilder als Schlüssel zu seinem Denken und seiner Vision verstehen? Und wie wurde sein Werk im Austausch mit jüngeren Künstlergenerationen geprägt?

Inhaberwechsel im Suhrkampverlag: Chance oder Krise?; Adriana Altaras: Gegen das Vergessen und für den Frieden; Lucio Fontana in Wuppertal; Theater Paderborn: Monolog über ein jüdisches Leben; "Hamlet/Ophelia" Premiere im Schauspiel Essen. Moderation: Ina Plodroch Von Ina Plodroch.

Seine aufgeschlitzten und durchlöcherten Leinwände waren in den 1950ern ebenso wegweisend wie seine Keramiken. Nun präsentiert das Von der Heydt-Museum in Wuppertal mit "Lucio Fontana: Erwartung" ein Gesamtwerk des Künstlers, berichtet Jörg Mayer. Von Jörg E. Mayer.

Vielhaber, Christiane www.deutschlandfunk.de, Kultur heute

Vittorio Sgarbi"Arte e Fascismo"La nave di Teseowww.lanavediteseo.eu"Libri a Castello" Racconigi (Cuneo)Martedì 10 settembre, ore 21:00Vittorio Sgarbi presenta il libro “Arte e Fascismo” (La nave di Teseo).“Un ventennio. Vent'anni del Novecento, dalla marcia su Roma nell'ottobre 1922 al drammatico epilogo della seconda guerra mondiale nel 1945, che sono stati giudicati dalla storia come il momento più triste del secolo che abbiamo alle spalle. Gli stessi anni, nell'arte, sono il tempo di ‘Valori Plastici', di ‘Novecento', del gruppo di artisti che si raccoglie attorno a Margherita Sarfatti. Una tale ricchezza di esperienze, autori, circoli che ha fatto dire a una grande studiosa, Elena Pontiggia, che ‘gli anni trenta non sono un decennio, mi fanno pensare a un secolo'.”Vittorio Sgarbi segue il filo dell'arte in una storia che inizia prima del Fascismo, che dentro il ventennio cresce, e dopo il Fascismo viene spazzata via insieme alla naturale condanna del regime. Sgarbi distingue l'espressione artistica dal potere e per questo, a fianco di de Chirico, Morandi, Martini, salva dall'oblio Wildt, Guidi, la grande stagione dell'architettura e della grafica, ma anche Depero, il Futurismo e oltre, fino alla rivelazione di due scultori formidabili mai apparsi all'onore della critica, Biagio Poidimani e Domenico Ponzi.“Un crocevia di dimenticanze e di rimozioni ha reso difficile la ricostruzione dello stato dell'arte durante il Fascismo. Ci sono voluti decenni, ma alla fine la verità storica si impone. Per capire chi siamo stati, come siamo stati e a quale storia apparteniamo.” (Dalla prefazione di Pierluigi Battista)Vittorio Sgarbi è nato a Ferrara. Critico e storico dell'arte, professore ordinario di Storia dell'arte, accademico di San Luca, ha curato mostre in Italia e all'estero. È sottosegretario alla Cultura, prosindaco di Urbino, presidente del MART di Rovereto, presidente della Fondazione Canova di Possagno, presidente di Ferrara Arte, commissario per le arti di Codogno, presidente del MAG – Museo dell'Alto Garda e presidente della Fondazione Cavallini Sgarbi che conserva le sue opere. Nel 2011 ha diretto il Padiglione Italia per la 54a Biennale d'Arte di Venezia. La serie di volumi dedicata al Tesoro d'Italia, una storia e geografia dell'arte italiana, comprende Il tesoro d'Italia. La lunga avventura dell'arte (2013), Gli anni delle meraviglie. Da Piero della Francesca a Pontormo (2014), Dal cielo alla terra. Da Michelangelo a Caravaggio (2015), Dall'ombra alla luce. Da Caravaggio a Tiepolo (2016), Dal mito alla favola bella. Da Canaletto a Boldini (2017), Il Novecento. Volume I: dal Futurismo al Neorealismo (2018), Il Novecento. Volume II: da Lucio Fontana a Piero Guccione (2019). Tra le sue pubblicazioni più recenti, La Costituzione e la Bellezza (con Michele Ainis, 2016), Leonardo. Il genio dell'imperfezione (2019), Caravaggio. Il punto di vista del cavallo (nuova edizione 2021), Ecce Caravaggio. Da Roberto Longhi a oggi (2021), Raffaello. Un Dio mortale (2022), Canova e la bella amata (2022), Roma (nuova edizione 2022).IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarewww.ilpostodelleparole.itDiventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/il-posto-delle-parole--1487855/support.

Enrico Chierici"Righe"Neos Edizioniwww.neosedizioni.itUn racconto on the road, un viaggio tra i parchi dell'Ovest, quattro passeggeri e la musica grunge Due giovani amici, una ragazza e un aspirante scrittore viaggiano a bordo di una vecchia Ford Escort, verso l'Ovest degli Stati Uniti.L'itinerario è approssimativo come le loro motivazioni. Ognuno è in fuga da qualcosa e alla ricerca di sé. Marcus ha compromesso il suo futuro con scelte inadeguate alle aspettative del padre. Ha combinato poco nella vita e teme di non combinare granché in futuro, vorrebbe fare qualcosa di rimarcabile, anche solo minimamente degno di nota e che resti nel tempo. Una svolta, scrivere una riga. Leonardo, segnato da un incidente che lo ha menomato, si unisce per sottrarsi allo sguardo pietoso della madre. Alicia dovrebbe portare un po' di allegria, ma anche lei sale a bordo con valigie colme di sensi di colpa e di un dolore non raccontato. Durante una tappa si aggiunge Tabby, scrittore impantanato in cerca di una storia. Il quinto passeggero è la musica grunge. I Grant Lee Buffalo e Chris Cornell sono la colonna sonora che accompagna pensieri e discorsi. L'atmosfera è sospesa; mentre l'autoradio suona e il paesaggio scorre, chilometro dopo chilometro la vita prende il sopravvento, scioglie sgomenti e dolori e apre nuovi sentieri. Il Texas, Albuquerque, Phoenix i parchi del Sud-Ovest, il Grand Canyon, la Death Valley, il Sequoia, Baja California e il golfo di Cortez. L'incontro con l'incommensurabile sarà risanante: l'immensità della natura metterà i protagonisti di fronte ai loro limiti, li inonderà di meraviglia e di forza vitale e svelerà loro la possibilità di nuovi orizzonti. Una riga verticale, come quelle incise da Lucio Fontana, sono un dolore provato. Qualcosa che si rompe, si squarcia. Ma se il verticale diventa orizzontale, gli squarci diventano righe. Non fanno più male. “Vedere le cose da un'altra angolazione cambia anche la sofferenza di chi la racconta. E mentre il verticale non lascia scampo, l'orizzontale consente di vedere come, tra una riga e l'altra, ci sia dell'altro, ci sia un gran bel pezzo di tela bianca”. Una storia di formazione ruvida e tortuosa; il lettore si cala con rivelazioni inattese e dialoghi intensi nell'anima spaesata dei quattro viaggiatori e poi risale alla luce con un percorso nel wild ricco di sfumature, la cui forza liberatoria nasce dalla bellezza e dalla sua condivisione.Enrico Chierici, nato a Genova nel 1972, chimico, vive a Torino insieme alla moglie e ai tre figli. Per anni è stato vicino ai ragazzi attraverso lo scoutismo, imparando l'importanza di capire e cercare di realizzare i propri sogni. E ha scoperto che scrivere è, per lui, uno di questi. Con Neos ha pubblicato i romanzi Barbon Style nel 2017, e Di che accordo sei? Storia di fango e di blues nel 2018, Senza copertura nel 2020, Sognami libero nel 2021 ed è stato curatore dell'antologia Chi vuol essere padre sia, 2020. IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarewww.ilpostodelleparole.itDiventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/il-posto-delle-parole--1487855/support.

Tintoria è il podcast di @sandanieletinti e @StefanoRapone, prodotto da @thecomedyclub.Ottieni NordVPN qui: https://nordvpn.com/tintoria --------------------------------------INFO e BIGLIETTI per le Registrazioni LIVE: https://bit.ly/tintoriapodcastINFO E BIGLIETTI PER I PROSSIMI LIVE DI RAPONE: https://bit.ly/RaponeTOURINFO E BIGLIETTI PER I PROSSIMI LIVE DI TINTI: https://bit.ly/DanieleTintiTOUROspite di questa puntata di @tintoriapodcast Cochi Ponzoni, comico, attore, cantante e leggenda del cabaret. Cochi ci ha raccontato le tante serate e avventure passate assieme a Renato Pozzetto e al loro mentore e “fratello maggiore” Enzo Jannacci: dalla Milano delle osterie e del mitico Derby Club fino al debutto in tv e al cinema. Abbiamo poi parlato di complicati e crudeli scherzi ai danni di ignari cantanti, di come andare a caccia di scienziati nazisti nelle foreste del Paraguay e anche di un certo Licio Gelli preso a sonore borsettate. Ma soprattutto abbiamo ascoltato aneddoti e retroscena su un'intera generazione di autori, attori e artisti: Fabrizio De Andrè, Paolo Villaggio, Lino Toffolo, Bruno Lauzi, Lucio Fontana, Piero Manzoni, Dino Buzzati, Dario Fo, Giorgio Gaber, Umberto Eco, Moira Orfei, Teo Teocoli, Massimo Boldi, Felice Andreasi e tanti altri.Puoi seguire Tintoria qui: https://www.instagram.com/tintoriapodcast/Puoi seguire Rapone qui: https://www.instagram.com/grandiraponi/Puoi seguire Tinti qui: https://www.instagram.com/sandanieletinti/Puoi seguire The Comedy Club qui: https://www.instagram.com/thecomedyclub.it/Tintoria è anche su TikTok: https://www.tiktok.com/@tintoriapodcastRegia e montaggio: Enrico Berardi ( @enricoberardivideographer-3126 ) https://focusaziende.itRiprese: Leonardo PicozziAudio:Antonio ArcieriLa sigla di Tintoria è a opera di Di Gregorio (https://open.spotify.com/artist/72kN7wU0KWqEDkHYrvT6Vi)Sigla animata:Crocopie Studiowww.206lab.com/crocopie-studiowww.instagram.com/crocopie_studio

What's it like to spend millions of dollars at a contemporary art auction? Is there a danger zone where young artists' prices blow up too quickly? Is it still possible to buy low and sell high? And just what is an auction guarantee anyway?   Step behind closed doors into the hidden world of auctions with veteran art advisor Josh Baer and our friends, Dallas-based collector Howard Rachofsky and Gagosian Gallery Associate Director Sophia Cohen, as we discuss the auction topics you won't hear about anywhere else.    Join us as Howard tells the stories behind his biggest sales and his biggest acquisitions: the guarantee deal on his $25 million Jeff Koons Balloon Flower; and the bidding war over a Lucio Fontana masterpiece that's now one of the central works in his collection.    Afterwards, we sit down with Sophia Cohen, who shares her unique perspective as an artist liaison and young collector on the love-hate relationship between auction records and the market for works coming straight from the artist's studio.    And as the May auction season approaches in New York, remember: Don't transact without The Baer Faxt, the only report on who bought what in the auction saleroom.

Take a dive into the colourful world of art with Dee and Bella, the dynamic duo behind the innovative art advisory and cultural strategy agency, The TAGLI. They join our host, Tori, to discuss all things creative, from what inspires them to the happenings of the artistic community. Discover the fascinating connections between the art and interior design, and get ready to be inspired by their unique perspectives on visual experiences.

Lucio Fontana è stato uno degli artisti più rivoluzionari della storia dell'arte, per come ha interpretato gli spazi "delle" e "nelle" tele, e non solo. Con una visita negli anni ‘70 al cinema Arlecchino di Milano (oggi sede della Cineteca), marito e moglie scoprono come l'opera dell'artista di origini argentine non sia fatta... di soli tagli. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nella puntata di martedì 31 gennaio abbiamo parlato della mostra, in scadenza, del Mudec sugli imperi del Perù e di alcune chiese di Milano poco conosciute ma imperdibili per capire l'essenza della città. La mostra "Machu Picchu e gli imperi d'oro del Perù" in scadenza il 19 febbraio, punta ad unire l'esposizione di reperti archeologici al racconto multimediale, in un percorso ricco di sorprese sulla storia dell'antico Perù. Vi raccontiamo cosa ci è piaciuto e cosa meno. In ogni caso la mostra è vivamente consigliata dal team di Museum. Inoltre, per chi ama Milano ma non vuole vedere sempre le stesse cose, abbiamo pensato ad un tour delle chiese della città. Ovviamente si parla di chiese poco conosciute al grande pubblico. Alcune chicche: Lucio Fontana a San Fedele, il Coro del Bramante a Santa Maria presso San Satiro, Bernardino Luini a San Giorgio al Palazzo, la grandezza di Santa Maria dei Miracoli e i Chiostri di Sant'Eustorgio. Non perdetevelo ‼️

Welcome to the Dior Talks podcast series themed around the seventh edition of Dior Lady Art and hosted by Paris-based journalist Katya Foreman. For this year's event, 11 artists from around the world have participated in a game of metamorphosis by rendering the iconic Lady Dior handbag as a unique piece of art.   Hanji paper, watercolor painting and calligraphy with all its rituals, including breathwork and “the power of the breath that goes through your brush,” are among the key influences of our latest guest artist, Minjung Kim, celebrating the joys of silence and simplicity. Using ink and paper, the South Korean artist with her delicately complex collage designs based on layered, overlapping compositions, creates spatial illusions. Kim, who works between Italy, France and America, moved to Milan to study art in the early Nineties. Western influences, from Lucio Fontana to the materials and compositions of the Arte Povera movement, infuse her work. Nature is another major inspiration for the artist who likes to work where she is able to “see green or the sky.”    The artist has reinterpreted three of her works for Dior Lady Art. On one bag, blocks of coloured mink recreate the work ‘Story' inspired by the artist's library in Milan, also reinterpreted in a smaller embroidered crystal version. A white bag adorned with delicate silk organza pleats recalls ‘The Street,' which captures the idea of looking down from a building onto a sea of paper umbrellas. ‘Red Mountains,' meanwhile, is based on an ink and watercolor work created by the artist on Hanji paper. The piece was inspired by the tides and the sound of water but, once flipped upside down, evokes a mountain range.    Myriad storylines and cultures interweave in a meeting of fashion and art. “The beautiful thing is, through art, we are connected spiritually without explaining it,” says the artist. “Surely, someone will take the bag and feel something different than with an industrially-made bag. I hope they can feel my spirit and love of nature.”   Tune into the episode to learn more about her fascinating world. 

Varför slår Pete Townshend i The Who sönder sina gitarrer? Svaret är Gustav Metzger, den autodestruktiva konstens fader som dog 2017. Pontus Kyander tecknar ett porträtt av denne konstnärsaktivist. ESSÄ: Detta är en text där skribenten reflekterar över ett ämne eller ett verk. Åsikter som uttrycks är skribentens egna. Ursprungligen publicerad 2017-09-19.Alla med intresse för rockmusikens historia har sett bilderna. Pete Townshend, frontfiguren i the Who som drämmer gitarren i golvet, och sedan ränner gitarrhalsen in i en av jättehögtalarna på scen. Gitarren studsar, vägrar gå i stycken, men knäcks till sist efter att ha svingats rundhänt. Under tiden välter trummisen Keith Moon trumsetet överända. Det ryker, det vrålar, det skriker från ljudanläggningen.Det smittade av sig, och i USA satte Jimi Hendrix eld på sin gitarr på Monterey-festivalen 1967. För att inte tala om alla hotellrum som i svallvågorna skulle demoleras av andra ambitiösa musiker.Var det hela bara en gimmick, eller något som gick över styr? Senare har Townsend sagt att han fick idén från konstnären Gustav Metzgers föreläsningar om en Autodestruktiv konst. Som så många andra unga i London hade Townsend studerat på en konstskola, och The Who tänkte han sig som ett autodestruktivt, självförstörande band. Autodestruktiv konst iscensätter vår besatthet av förstörelseGustav Metzger var knappt tjugo år äldre än Townsend och hade med nöd och näppe undkommit Förintelsen genom en barntransport med buss från Nürnberg 1939. Sedan stängdes gränserna. Han och hans bror Max var vad vi idag kallar ensamkommande flyktingbarn. Det är inte svårt att se varifrån impulsen kom till att uppfatta destruktion som ett centralt element i vår civilisation.Det hade redan de italienska och ryska futuristerna hävdat, de som ville förhärliga kriget världens enda hygien och riva museerna och akademierna. Om vi lämnar Gustav Metzger en stund, kan man lätt se att konsten och litteraturen under hela 1900-talet och fortfarande har en underström som kretsat kring destruktion. Den finns som ett element i kubisternas sönderbrytande av världen i kalejdoskopiska delar, den är central i dadaisternas nihilistiska experiment i Zürich och Berlin.Destruktionen skär som ett snitt genom ögat i Dalís och Buñuels surrealistiska film Den andalusiska hunden från 1929, och tanken att bryta ner för att sedan bygga upp igen framgår med tydlighet i ryssen Dziga Vertovs montagefilm Mannen med filmkameran från samma år. Dessa verk och rörelser karakteriseras av ett slags nihilistisk optimism: världen ska börjas om, och då är det bestående bara en hämsko. På dess ruiner bygger vi en framtid, fräsch och fartfylld, utan plats för förlegade livsformer.Men Gustav Metzgers autodestruktiva konst är något annat. Han hade förvisso studerat för den futuristiskt inspirerade målaren David Bomberg i London på 1940-talet, och det är ingen tvekan om att han uppskattade språket i futuristernas många manifest, men politiskt var han snarare inspirerad av pacifism, vegetarianism och trotskism. Bildstormare var han inte, han ville varken lägga det förgångnas eller nuets konst i ruiner. Hans konst arbetar med sin egen förstörelse som en estetisk process. Därför är det logiskt att han i sina manifest även talade om autokreativ konst, som snart skulle bli en annan sida av hans praktik. Mannen på Regent Street är autodestruktiv.I sitt första manifest för en autodestruktiv konst, publicerat 1959 på ett källargalleri i London, skriver Gustav Metzger att:Autodestrutiv konst är främst en form av offentlig konst för industriella samhällen.Autodestruktiva målningar, skulpturer och konstruktioner förenar den desintegrerande processens idé [] till en totalitet./---/Autodestruktiva målningar, skulpturer och konstruktioner har en livstid som varierar från några ögonblick till tjugo år.När förstörelseprocessen är avslutad, ska verket flyttas från platsen och skrotas.I sitt andra manifest (1960) blir han friare och mer poetisk:Mannen på Regent Street är autodestruktiv.Raketer, kärnvapen är autodestruktiva.Autodestruktiv konst.De dropp dropp droppande vätebomberna.[...]Autodestruktiv konst iscensätter vår besatthet av förstörelse, den ständiga bastonad som individen och massorna är föremål för.1959 var London fortfarande präglat av krigsårens destruktion man rev och byggde bland ruinerna runt om i staden. Metzger hade sett bomberna falla, och över huvudet på alla hängde den ultimata bomben: atombomben, som utplånat miljoner i Hiroshima och Nagasaki.Men det var också ett swinging London, med en undergroundscen som det började ryka kring. Här passerade varje konstnär, musiker och poet av någon betydelse, bland dem Lucio Fontana känd för att skära djupa skåror i sina dukar och Jean Tinguely, som också han arbetade med självförstörande konst.Men Metzgers metoder rymmer även ett moraliskt ställningstagande. Han hade under 1950-talet ryckts med i freds- och antikärnvapenrörelsen, ledd av bland andra filosofen och Nobelpristagaren Bertrand Russell. Tillsammans med Russell var han med och grundade Committee of 100 och tillbringade en månad i fängelse efter en av organisationens demonstrationer.Inför rätten 1961 sade Metzger:Jag kom till det här landet från Tyskland som 12-åring. Mina föräldrar var polska judar, och jag är tacksam för att regeringen lät mig komma hit.Mina föräldrar försvann 1943 och jag skulle ha delat deras öde. Men dagens situation är mer barbarisk än Buchenwald, för utplåningen kan ske ögonblickligen. Jag har inget annat val än att hävda min rätt att leva, och vi har i denna kommitté valt ett sätt att slåss som är den absoluta motsatsen till krig den absoluta ickevåldsprincipen.Man kan tycka att talet om ickevåld och manifestens referenser till bomber och förstörelse innehåller en motsägelse. Men här är Metzger systematisk, i den meningen att han återkommande använder en omvänd trop i sitt konstnärskap. Det destruktiva skildras med konstruktiva grepp, sönderfallet blir mer än sönderfall, det blir vårt bestående intryck även efter att verket fysiskt utplånats.Där ville han föra samman 120 bilar i en plastinklädd byggnad, där de i två faser slutligen skulle fatta eld, sprängas och förstöras.Det handlar det om att konstnären överger rollen som skapare av egentliga bilder. Istället sätter han igång processer där slumpen får en viktig roll. Mest kända är hans autokreativa verk Liquid Crystal Projections, där ljusprojektioner av flytande kristall skapar slumpartade färgkaskader och som snabbt togs i bruk i ljusshowerna för band som Pink Floyd, Cream och The Who.I detta tog Metzger med sig rollen som politisk aktivist. Hans föredrag och manifest rymmer ett radikalt credo, och i konsten från de mer än femtio år som följde är engagemanget i politik och miljöfrågor en springande punkt. Där är han en föregångare till dagens konst, där aktivism blivit ett honnörsord.Metzgers mest massiva autodestruktiva projekt var ett förslag för FN:s miljökonferens i Stockholm 1972. Där ville han föra samman 120 bilar i en plastinklädd struktur, där de i två faser slutligen skulle fatta eld, sprängas och förstöras. Förslaget möttes med iskall tystnad.Våren 2017 dog Gustav Metzger, 91 år gammal, efter att under de sista tjugo åren ha lyfts från undanskymt original till världskänd konstnär. Medan han själv tynade bort, steg världen fram i ny självdestruktiv skepnad. Gustav Metzgers konst har mer aktualitet än någonsin, när klimathotet ifrågasätts och atombombshotet används som ersättning för mjukare diplomati.Pontus Kyander, kritiker och utställningskurator

Versione audio: Secondo lo scrittore e poeta Milan Kundera (1929), «la domanda è come un coltello che squarcia la tela di un fondale dipinto per permetterci di dare un'occhiata a ciò che si nasconde dietro». E cosa sono i famosi tagli dell'artista Lucio Fontana (1899-1968), se non domande reiterate, anzi, la medesima, inesausta e inesaudita […] L'articolo Fontana, Montale, Schopenhauer: cercare un varco, squarciare il velo proviene da Arte Svelata.

In questa puntata parleremo dei tagli di Lucio Fontana.

What you'll learn in this episode: The difference between art jewelry and jewelry by artists Why more collectors and jewelry enthusiasts are starting to appreciate artist jewelry How Elisabetta helps visual artists bring their first pieces of jewelry to life Why artist jewelry is a smart investment About Elisabetta Cipriani Elisabetta Cipriani invites world leading contemporary artists to create aesthetically innovative and socially relevant wearable art projects. Since the opening of her namesake gallery in 2009, Elisabetta's pioneering vision has redefined the boundaries between jewelry and fine art, capturing the imaginations of artists and collectors across the globe. The gallery has collaborated with over 50 critically acclaimed painters and sculptors, including Ai Weiwei, Chiharu Shiota, Giulio Paolini, Ilya & Emilia Kabakov, Carlos Cruz-Diez, Enrico Castellani, Erwin Wurm, Giorgio Vigna, Jannis Kounellis, Rebecca Horn, and Pedro Cabrita Reis, to name a few. The gallery's projects can be found in museums and private collections across the globe, including Musée des Arts Décoratifs, Paris; Museum of Art and Design, New York; World Jewelry Museum, Seoul; and The State Hermitage Museum, St Petersburg. A number of Elisabetta Cipriani's jewelry collaborations are featured in From Picasso to Koons: The Artist as Jeweler, the international touring exhibition of artist jewelry curated by Diane Venet. Elisabetta Cipriani participates in leading art and design fairs, including Design Miami and Design Basel, TEFAF Maastricht, Artissima Turin, MiArt Milan, PAD London, and PAD Monaco. Additional Resources: Instagram Website Photos: Available on TheJewelryJourney.com Transcript: Sharon: Hello, everyone. Welcome to the Jewelry Journey Podcast. This is the second part of a two-part episode. Today, my guest is Elisabetta Cipriani, founder and owner of the gallery Elisabetta Cipriani Wearable Art, a gallery of limited-edition jewels created by artists. The gallery has collaborated with more than 50 well-known painters and sculptors since its opening in 2009. Welcome back.    I remember years ago, even eight, nine years ago, I bought an artist jewel, and people just didn't understand why you would buy a jewel from an artist. In fact, I was listening to a panel once, and somebody said they wouldn't buy an artist jewel by Man Ray because it wasn't what he was known for. That really surprised me, because I think I would want a piece like that because it's so unusual. What changed?   Elisabetta: I think people are more knowledgeable now. They study more. I'm talking about art, not about jewelry. Even young collectors who want to start a collection, they are eager to learn more about the artist and the works. I think they are acquiring a stronger sensibility in work that is art. Can jewelry be art? Yes, if it's done by an artist. Also, when people see an art piece from an artist and they see a jewel from the same artist, they see the connection. The dialogue is the same; there is a continuity.   Before, people were probably seeing it as a decorative piece rather than a pure art piece. The traveling exhibition really helped because it went to New York, it went to Miami, it went to Venice, it went to Paris at the Museum of Decorative Arts, I think Brussels. It went everywhere, and she is still working on it. She wants to bring it to Brazil and a main city in Italy like Milan or Rome. She's working on it. So, people are seeing art as jewelry, and they understand that it's not decorative, but it's an art piece. It's collectable, and it is precious not because it's a jewel, but because it is an intimate aspect of an artist.    An artist, especially in the past, they didn't do it for a commercial purpose. They did it for themselves, for their friends, for their lovers. It was only later that, for example, Picasso had François Hugo, who was doing his gold plates. He asked Picasso if he could do those big plates reduced as small medallions to wear. That was a goldsmith who actually started the collaboration with the medallions with Picasso, GianCarlo Montebello in Milan. In the seventies, they started inviting artists like Man Ray, GianCarlo Montebello, Niki de Saint Phalle, Lucio Fontana to do jewelry as a commercial business, basically.   Then, apart from people seeing artist jewelry in museums, they also see us: galleries showing in the best fairs around the world, in New York, in Maastricht, in London or in Paris, the Basel Design Fair in Miami, and also auctions. At the auctions, the prices are crazy. I can't buy at an auction. If I look at something that I would love to buy, I'm there, but I already know that I can't reach that price, because it goes five times more than the estimated price.   Sharon: The Picasso medallion was at auction. I don't know what it went for before. I don't even know if it sold, but when Bonhams had its modernist jewelry auction recently, that was the centerpiece, that Picasso medallion.   Elisabetta: Yes, even Claude Lalanne, for example, was at a recent auction in Paris, and the prices—the estimate was 3,000-5,000 euros, and it sold for 70,000 euros. I have two Lalannes, thank god. These pieces, they grow in value; we all know that. For example, recently I collaborated with Carlos Cruz-Diez, one of the most important Venezuelan kinetic artists. He passed away a few years ago at the age of 91, so he had a great life. He was an amazing artist. He was a beautiful man, and we did a necklace together and a bracelet. With him, we split the editions. He took a certain amount of necklaces and a certain amount of bracelets. Mine sold out, and I had one left in another color, gold. I had a client coming to see the pieces, and I was surprised at the increase in price. When I asked him, “Can you update me on the price?” the new price was 40% higher. I never say this to my clients because I don't like it. You buy it because you love it, not because you want to make an investment, but it's obvious that's an investment because, after two years' time, it's 40% higher.   Sharon: Somebody once said that people buy jewels done by artists because the painting, the artwork itself, may be unaffordable, but this way they can buy something that's relatively affordable. Do you find that true? Do you find that people say, “I love this artist. I want a piece of his or hers”?   Elisabetta: First of all, my collectors are art collectors, so those who buy my jewelry are mainly art collectors or lovers of jewelry. Most of them, they buy the jewel because they have the art piece but they can't carry it with them around the world, whereas the jewel, yes, they can, and they love it. Of course, if I say it's $30,000, for them, it's nothing compared to how much they paid for the art piece by the artist. Art collectors, they understand the value of the piece. Even if there is no diamond, no precious stones, they know it costs that amount of money because it's made by that artist.    Sharon: Was opening your own gallery something you wanted to do for a long time?   Elisabetta: No, not at all. I started this business as a passion. I wasn't really thinking to become a gallerist or a dealer. I just wanted to do something I really loved, that I always wanted to do. Even better, because I linked jewelry with art. I'm continuing to work one-to-one with visual artists. It's something I love, to talk to artists. I'm a curator as well because I choose the artists that I love, as a painter, as a sculptor. I choose the artist with whom I would like to collaborate. I see an art piece; I don't see a jewel at all. I love what they create, and it happened like this spontaneously.   Sharon: You've mentioned there's resistance from the artists. Is it because they're surprised that somebody would ask them to do that? Do they feel like, “I don't do jewels; I do paintings”? What's their resistance?   Elisabetta: I must say I've only had a few turn-downs, artists that say, “No, I'm not interested. It's not what I do.” They don't see it as their language, so they say, “I'm not doing it.” This past year there were ones that said “no is no,” but there were two or three others who said “not now.” I understood in time that “not now” means they are too busy creating art works and going to museums, as I said before, and that they need to have a quieter moment to do this. It's really very challenging for them.    Imagine an artist who creates big sculptures. They work with their hands, with arms opened up. They also have to think about wearability. How can I translate that sculpture into something very small, in the same language? How can I translate the strength of a big sculpture into a miniature? It's difficult. It's even frightening, but I am good at reassuring them that once they come up with an idea, with a sketch, with a prototype, I'm good at helping to transform it into something wearable.    Sharon: What's the process? They say, “O.K., now's the time,” they sketch something and bring it to you and say, “What do you think?”    Elisabetta: Once they agree, I ask them to create a sketch or a protype, something. I need to start with their design. They give me the design which, thank god, I always like it. It would be difficult to tell them I don't like it. Every time I pray it's something nice, and thank god, it was always nice.    Then I bring the design to my goldsmith, who is in Rome, and I start the production, meaning I start a protype. We do casts and samples in silver, and once I'm happy with my goldsmith, once we get close to the design the artist has given me, I show the first model of the prototype to the artist. Then we make changes. It's back-and-forth communication and changing until the artist is 100% happy. Then we can start making the piece in gold or in silver. It depends on the artist, if he wants to do it in silver or in gold.    It's all up to the artist whether we make a small edition or a unique piece or a bigger edition. The maximum I work with is an edition of 12. I have a few where I have an edition of 20, but that's because they're made in silver and it's easier. Still, even if it's an edition of 20, there are limits depending on how big it is. I also have unique pieces. In any case, even if it's a limited edition, it's always handmade at the end. There isn't a stamp, a mass production. It's always the hand of the goldsmith who needs to modify it. They are the same within an edition, but not exactly the same. We keep the beauty of it as well.   Sharon: I don't mean to put you on the spot, but it's a question that nobody can answer definitively: what's the difference between art jewelry and jewelry by artists? For instance, when I think of art jewelry, art jewelry can be made of gold or silver, but it can also be made of wood and plastic and feathers. What is the difference between somebody saying, “I do art jewelry” as opposed to, “I'm an artist”? What's the difference?   Elisabetta: The difference, very obviously, is that art jewelry is made by someone who does only that, and artist jewelry is a jewel made by a visual artist, a painter or a sculptor that has nothing to do with jewelry. It's a classic experiment. It's more traditional in a way. I've never an artist-jeweler bring an experiment or feathers. It's not the material; it's the intrinsic thing, the complexity of the material, combining the classic with precious materials. It's too advanced for an artist to do that, I think.   Sharon: That's interesting. If they're not doing jewelry, if their métier is painting or sculpture, to come and say, “I want to make something that has plastic and gold or plastic and wood,” that is—   Elisabetta: And you can see the difference. Just yesterday I sold a piece to a well-known American collector. I didn't know about her. She sent me an article about her collection. She has a contemporary jewelry collection. I call it contemporary jewelry, quite impressive, but it's very different from an artist jeweler. I don't know; It's a feel. It is a little bit colder to me.   Sharon: Cold contemporary. There's so much beautiful contemporary jewelry, but it's done for the beauty of the jewelry in a sense.    Elisabetta: Yeah, I see artist jewelry being more sculptural, more two-dimensional.   Sharon: Do you see this as a growing field? Are more galleries coming online with this?   Elisabetta: There aren't many galleries. There are five in the world. It may happen that a person wakes up in the morning and says, “O.K., I'm going to collaborate with an artist,” and they do three projects with different artists and then they disappear. There are only five proper galleries who have a program, who show at fairs, who are around, but the interest is for sure on collectors.    I would be happy for more galleries to open. The more there are, the better the word is spread. It's important. We need quality, not quantity, so if they open, they should do it in a nice way. It would be a shame to work with an artist and create something that is not properly made.   Sharon: Do you ever have artists come to you and say, “I'd like to do some jewelry”?   Elisabetta: Not visual artists.   Sharon: No?   Elisabetta: Not sculptors and painters. Jewelers? Yes, many, because I have two sections in my gallery. One is what I specialize in, which is artist jewelry. A few years ago, I opened up the gallery with jewelers who have a very strong sculptural approach when they create jewelry. For me, both of them are artists. Even if you're not a painter and a sculptor, you're indeed an artist as well, because you're creating something. So, a few years ago—I don't remember if it was before Covid—I launched this section, which is called EC Lab.   Sharon: I'm sorry; what is it called?   Elisabetta: EC Lab.   Sharon: EC Lab, O.K.   Elisabetta: You know about it.   Sharon: I've seen it. I didn't realize what it was. I've seen it on your website, yes.    Elisabetta: There are great artists there. There's Ute Decker; there's Joy BC; there's Gigi Mariani; Leonid Dementiev; John Moore. They are artists to me. Some of them actually create small sculptures. That is what they do for a living. It's not painting, it's not traditional sculpture, but their approach is sculptural and so unique that, for me, I don't see the difference between artist jewelry and contemporary jewelry, if you want to call it that. It's quite successful, and I enjoy seeing these artists within the context of artist jewelry and identifying them as artists.    Sharon: Interesting combination. I could see why that would work out, and that it's popular because it's not retail. You're not going to walk into a mall and find them.   Elisabetta: No. Actually, most are by appointment. Not everyone can come and ring the bell and come upstairs. You need to make an appointment because it's exclusive here, and I protect them. They're like my little children.   Sharon: So you have to do it by appointment. It's not like somebody walks in off the street.   Elisabetta: The gallery is always open, but I want people to make an effort to make an appointment.   Sharon: Is that the way it's always been?   Elisabetta: Yes.   Sharon: That's interesting. Elisabetta, thank you so much. I would love to enter your gallery. Thank you so much for joining us today.   Elisabetta: It's been a pleasure.   Thank you again for listening. Please leave us a rating and review so we can help others start their own jewelry journey.  

Angela Westwater at 257 Bowery, 2020, photo by Alexei Hay Angela Westwater co-founded Sperone Westwater Fischer in 1975 with Italian art dealer Gian Enzo Sperone and German gallerist Konrad Fischer, opening a space at 142 Greene Street in SoHo, New York. (The gallery's name was changed to Sperone Westwater in 1982.) An additional space was later established at 121 Greene Street. The founders' original program showcased a European avant-garde alongside a core group of American artists to whom its founders were committed. Notable early exhibitions include a 1977 show of minimalist works by Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, and Sol Lewitt; seven of Bruce Nauman's seminal early shows; six early Gerhard Richter shows; two Cy Twombly exhibitions in 1982 and 1989; eleven Richard Long exhibitions; and the installation of one of Mario Merz's celebrated glass and neon igloos in 1979 -- part of the gallery's ongoing dedication to Arte Povera artists, including Alighiero Boetti. Other early historical exhibitions at the Greene Street space include a 1989 group show, "Early Conceptual Works," which featured the work of On Kawara, Bruce Nauman, Alighiero Boetti, and Joseph Kosuth, among others; a 1999 Fontana exhibition titled "Gold: Gothic Masters and Lucio Fontana"; and selected presentations of work by Piero Manzoni. From May 2002 to May 2010, the gallery was located at 415 West 13 Street, in a 10,000-square foot space in the Meatpacking District. In September 2010, Sperone Westwater inaugurated a new Foster + Partners designed building at 257 Bowery. Today, over 45 years after its conception, the gallery continues to exhibit an international roster of prominent artists working in a wide variety of media. Artists represented by Sperone Westwater include Bertozzi & Casoni, Joana Choumali, Kim Dingle, Shaunté Gates, Jitish Kallat, Guillermo Kuitca, Wolfgang Laib, Helmut Lang, Amy Lincoln, Richard Long, Emil Lukas, David Lynch, Heinz Mack, Mario Merz, Katy Moran, Malcolm Morley, Bruce Nauman, Otto Piene, Alexis Rockman, Susan Rothenberg, Tom Sachs, Peter Sacks, Andrew Sendor, and William Wegman. Past exhibitions, press, and artworks can be found on the gallery website. Born in Columbus, Ohio, Westwater received her BA from Smith College and her MA from New York University. She arrived in New York City in 1971 and landed her first job as a “gallery girl” at the John Weber Gallery at 420 West Broadway. From 1972 to 1975, she served as Managing Editor of Artforum magazine. In 1975, the same year the gallery was founded, Westwater was appointed to the Board of Trustees of The Louis Comfort Tiffany Foundation, where she has served as President since 1980. The books mentioned in the interview are The Free World, Art and Thought in the Cold War by Louis Menand and A Life of Picasso, The Minotaur Years by John Richardson. Joana Choumali, Untitled (Ça Va Aller), 2019, mixed media, 9 1/2 x 9 1/2 inches (24 x 24 cm), 16 1/4 x 16 1/4 inches (41,3 x 41,3 cm) Joana Choumali, WE ARE STILL NOW, 2022, mixed media, 4 parts; 38 1/2 x 78 inches (97,8 x 198,1 cm)

Mein heutiger Gast ist der Kunsthistoriker Prof. Dr. Raimund Stecker. Mit ihm spreche ich über seine Kritik an der Kunst Gerhard Richters, die er sogar mit Aktien vergleicht.   Wir vergleichen Richter ausserdem mit dem Werke Lucio Fontanas, Robert Ryman und auch der digitalen Kunst. Fontana ist durch seine auf der Leinwand plazierten Schnitte, Robert Ryman ist berühmt durch seine weissen Gemälde. Raimund erklärt uns, warum er Richters Werk als mittelbare Kunst betrachtet, nicht aber als unmittelbare Kunst.________________My todays guest is the art historian Prof.Dr. Raimund Stecker. I talk to him about his criticism of Gerhard Richter's art, which he even compares to shares.   We also compare Richter with the work of Lucio Fontana, Robert Ryman and also digital art. Fontana is famous for his cuts placed on the canvas, Robert Ryman is famous for his white paintings. Raimund explains to us why he considers Richter's work as indirect art, but not as direct art.

Andrea Dall'Asta"La luce colore del desiderio"Percorsi tra arte e architettura, cinema e teologia dall'Impressionismo a oggiAncora Librihttps://www.ancoralibri.it/Dopo avere compiuto nel saggio La luce, splendore del Vero (2018) un viaggio dall'età paleocristiana al Barocco, l'autore prosegue in questo volume l'indagine sulla luce dall'Impressionismo ai nostri giorni. In un'interdisciplinarità tra arte e architettura, fotografia e cinema, filosofia e teologia, con un'attenzione particolare ad artisti come Cézanne, Rothko, Matisse, Fontana, Turrell, viene delineata un'inedita e originale «storia della luce» che conduce dalla luce fisica dell'Impressionismo alle più attuali sperimentazioni tecnologiche. Nel Novecento, la luce divina della tradizione non illumina più la vita umana, ma si fa materia stessa dell'opera. Così, gli Ambienti spaziali di Lucio Fontana aprono a una serie di straordinarie ricerche su come l'uomo percepisce se stesso, in un cammino di appercezione. Di fatto, in un'epoca che ha conosciuto il bagliore tragico e inquietante sprigionato dalle bombe di Hiroshima e Nagasaki, la luce continua a incarnare il desiderio dell'uomo di lasciarsi interrogare dal segreto del mondo, affinché la realtà sia illuminata e riconosciuta nella sua verità e nella sua bellezza.Andrea Dall'Asta, dopo avere terminato gli studi di architettura a Firenze nel 1985, entra nella Compagnia di Gesù nel 1988. Dal 2002 dirige la Galleria San Fedele di Milano e dal 2008 al 2020 ha diretto la Raccolta Lercaro di Bologna. Ha fondato a Milano nel 2014 il Museo San Fedele. Itinerari di arte e fede. La sua attenzione è rivolta al rapporto tra arte, liturgia e architettura. Ha partecipato ad alcuni importanti progetti come l'adeguamento liturgico della cattedrale di Reggio Emilia (2011), la realizzazione dell'Evangeliario Ambrosiano (2011), del Padiglione Vaticano per la Biennale di Venezia (2013) e della sezione Disegnare il sacro alla Biennale di Architettura di Venezia (2014). Insegna alla Facoltà Teologica dell'Italia Meridionale a Napoli.Scrive su alcuni quotidiani e riviste come Avvenire e La Civiltà Cattolica. Ha pubblicato: La mano dell'angelo. La Vergine delle Rocce di Leonardo. Il segreto svelato, Àncora, Milano 2019; Il viaggio della vita. La chiesa di San Fedele in Milano tra arte, architettura e teologia: paradigma di un percorso simbolico, Àncora, Milano 2019; Dio chiama con arte. Itinerari vocazionali, Àncora, Milano 2018; La luce, splendore del Vero. Percorsi tra arte, architettura e teologia dall'età paleocristiana al barocco, Àncora, Milano 2018; La Croce e il Volto. Percorsi tra arte, cinema e teologia, Àncora, Milano 2015; Dio storia dell'uomo. Dalla Parola all'immagine, Messaggero, Padova 2013.IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarehttps://ilpostodelleparole.it/

LA PICCOLA CITTÀ - CARLA DE BERNARDI - 31/01/2022, DALLE 9.15 ALLE 9.30 L'ARTE CONTEMPORANEA AL MONUMENTALE Il Monumentale, come sappiamo, è un museo a cielo aperto, ma non tutti sanno che molte opere sono realizzate da autori contemporanei: Lucio Fontana, Fausto Melotti, Alik Cavaliere, Floriano Bodini, Pietro Cascella, i fratelli Pomodoro, tanto per citarne alcuni. Molti monumenti sono concentrati nel Riparto Esterno di Levante, che merita una passeggiata dedicata, ma anche nel resto del Cimitero sono sparse opere moderne che sono veri capolavori e non possono esssere confinate solo nell'ambito dell'arte funeraria.

LA PICCOLA CITTÀ – CARLA DE BERNARDI – 31/01/2022, DALLE 9.15 ALLE 9.30 L’ARTE CONTEMPORANEA AL MONUMENTALE Il Monumentale, come sappiamo, è un museo a cielo aperto, ma non tutti sanno che molte opere sono realizzate da autori contemporanei: Lucio Fontana, Fausto Melotti, Alik Cavaliere, Floriano Bodini, Pietro Cascella, i fratelli Pomodoro, tanto per citarne alcuni. Molti monumenti sono concentrati nel Riparto Esterno di Levante, che merita una passeggiata dedicata, ma anche nel resto del Cimitero sono sparse opere moderne che sono veri capolavori e non possono esssere confinate solo nell’ambito dell’arte funeraria.

“We have a motto that says that ‘we want to change the gaze on immigration or to open the eyes on immigration'. We're not here to make action in society, but we want people who come here to have elements of reflection, perception about the question of immigration. To change a mind, because immigration is about the stories of people who come from another country–they are someone else, basically–by assisting them we want to show how someone else can be great for us and not a stranger, foreigner, nor an enemy, but a friend. Someone who will bring us many things about culture, about work, about a way of meaning, of thinking. We have a historical point of view. We want to show that from the French Revolution until now, so two centuries of stories.”Sébastien Gokalp is the director of France's National Museum of Immigration. He has managed projects at Centre Pompidou and musée d'art moderne de la ville de Paris and curated exhibitions of Andy Warhol, Lucio Fontana, Robert Crumb, and others. He curates at the Louis Vuitton Foundation and teaches at the Ecole du Louvre. Recognizing that immigration is one of today's most important issues, he sees his work as an opportunity to educate and combine his background in history and art. · www.histoire-immigration.fr · www.creativeprocess.info

Sébastien Gokalp is the director of France's National Museum of Immigration. He has managed projects at Centre Pompidou and musée d'art moderne de la ville de Paris and curated exhibitions of Andy Warhol, Lucio Fontana, Robert Crumb, and others. He curates at the Louis Vuitton Foundation and teaches at the Ecole du Louvre. Recognizing that immigration is one of today's most important issues, he sees his work as an opportunity to educate and combine his background in history and art. · www.histoire-immigration.fr · www.creativeprocess.info© Photo : C.Cantais

Vittorio Sgarbi"Raffaello. Un Dio mortale"La nave di Teseohttp://www.lanavediteseo.eu/“Raffaello ha solo dipinto. Non è stato un uomo complesso come Leonardo, un pensatore curioso di tutto; non è stato come Caravaggio, un ‘maledetto' che vive una vita piena di contrasti; non è stato un artista come Michelangelo, pittore, scultore, poeta, architetto. Raffaello ha dipinto soltanto. E ogni volta ha inventato un capolavoro. I pittori, come il suo maestro Perugino, tendono a ripetersi, a riprodurre un modello, hanno un archetipo di riferimento. Lui no. Ogni volta inventa un'immagine nuova. Opere che la critica disconosce sono di Raffaello: sono opere diverse da quelle che ci aspettiamo, perché Raffaello non è solo Raffaello, è anche Giorgione, è Caravaggio, è Michelangelo, è Parmigianino. Lui è tutto: nessuno è ‘più tutto' di lui. Quello che ha fatto Raffaello è un prolungamento della creazione di Dio e della bellezza del mondo, una bellezza assoluta, senza limiti.”Seguendo il racconto di Giorgio Vasari, Vittorio Sgarbi compone il suo racconto di Raffaello, dal commovente rapporto con il padre e la madre, al magistero di Pietro Perugino, dagli affreschi delle Stanze Vaticane fino al torbido amore per la Fornarina che destabilizzò la sua calma olimpica. E ogni volta Vittorio Sgarbi percorre la fitta rete di legami con i pittori del suo tempo: l'ammirazione per Leonardo, il rapporto contrastato con Michelangelo, l'amicizia con Bramante.Vittorio Sgarbi è nato a Ferrara. Critico e storico dell'arte, ha curato mostre in Italia e all'estero, è autore di saggi e articoli. È parlamentare della Repubblica, sindaco di Sutri (VT), prosindaco di Urbino, presidente di Ferrara Arte, presidente della Fondazione Canova, presidente del MART. Nel 2011 ha diretto il Padiglione Italia per la 54° Biennale d'Arte di Venezia. Nel 2017 è stato chiamato per chiara fama alla Università per stranieri di Perugia come professore ordinario di Storia dell'arte. La serie di volumi dedicata al Tesoro d'Italia, una storia e geografia dell'arte italiana, comprende Il tesoro d'Italia. La lunga avventura dell'arte (2013), Gli anni delle meraviglie. Da Piero della Francesca a Pontormo (2014), Dal cielo alla terra. Da Michelangelo a Caravaggio (2015), Dall'ombra alla luce. Da Caravaggio a Tiepolo (2016), Dal mito alla favola bella. Da Canaletto a Boldini (2017), Il Novecento. Volume I: dal Futurismo al Neorealismo (2018), Il Novecento. Volume II: da Lucio Fontana a Piero Guccione (2019). Tra le sue pubblicazioni più recenti, Parmigianino (nuova edizione 2016), La Costituzione e la Bellezza (con Michele Ainis, 2016), Leonardo. Il genio dell'imperfezione (2019), Caravaggio. Il punto di vista del cavallo (nuova edizione 2021) e Ecce Caravaggio. Da Roberto Longhi a oggi (2021).IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarehttps://ilpostodelleparole.it/

Cosa sono i tagli di Lucio Fontana, violenze sulla tela o gesti meditati? E i quadri di Fontana, sono solo quadri? Ne parliamo nel #Diario di @QuelloDiArte.

Nella mattinata di mercoledì 20 ottobre è stata ospite ai microfoni di Fabiana Debora Gandini, giornalista di Euronews. Con lei abbiamo parlato della trovata artistica di Salvatore Garau, che si è inventato le sculture invisibili, opere che saranno oggetto di una mostra itinerante in giro per il mondo. Sono invisibili perché non esistono, ma sono quadrati fatti con uno scotch bianco, con area di 200 x 200 cm². Lo studio dietro queste opere si rifà ai tagli sulla tela di Lucio Fontana e vuole essere una provocazione verso tutto quello che stiamo vivendo dopo la pandemia, con un futuro incerto caratterizzato dalla paura dovuta alle assenze. Agli addetti ai lavori rimane un dubbio: si tratta di un genio o di un cosiddetto furbetto dell'arte?

“Les Flammes“ L'Âge de la céramiqueau Musée d'Art moderne de Parisdu 15 octobre 2021 au 6 février 2022Interview de Anne Dressen, commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 14 octobre 2021, durée 21'49.© FranceFineArt.Communiqué de presseCommissaire : Anne Dressen assistée de Margot NguyenL'exposition Les Flammes. L'Âge de la céramique propose une immersion dans le médium de la céramique et associe plus de 350 pièces allant du néolithique jusqu'à nos jours, créant un dialogue inédit et fécond entre des typologies d'objets issus d'époques et de contextes variés, cherchant à déceler les influences autant que les coïncidences.Source constante d'inspiration et d'expression pour artisans, artistes ou designers, la céramique – de keramos signifiant « argile » en grec – est l'une des plus anciennes manifestations culturelles de l'humanité, utilisée dès la préhistoire pour la confection d'idoles, d'architecture, et de contenants culinaires.L'exposition Les Flammes présente ainsi des céramiques réalisées par des artistes ou des céramistes modernes et contemporains (de Jean Carriès, Georg Ohr, Paul Gauguin, Shoji Hamada, Bernard Leach, Marcel Duchamp, Meret Oppenheim, Pablo Picasso, Salvador Dali, Raoul Dufy, Lucio Fontana, BeatriceWood, Ken Price, Ron Nagle, Cindy Sherman, Judy Chicago, Miquel Barceló , JeanGirel, Simone Leigh, Daniel Dewar & Grégory Gicquel, Theaster Gates, Mai ThuPerret, Clare Twomey, Takuro Kuwata, Natsuko Uchino…), des productions historiques signées (de Bernard Palissy, Marie Talbot, Dave the Potter, ou des Manufactures nationales), ou anonymes (vénus préhistoriques, vases grecs antiques, poterie vernaculaire), ou encore non européennes (poterie Nok, jarres Mochica, figures Tang, réticulés iraniens, rakus japonais).Trans-historique, cette exposition porte sur la céramique dans ses rapports intrinsèques à l'art et plus largement à l'humain. Longtemps minoré dans l'échelle des arts, ce médium peut être à la fois fonctionnel et sculptural et oblige à repenser les catégories existantes et les hiérarchies traditionnelles. Entre l'art, le design et l'artisanat, l'exposition explore ses rapports au décoratif, au culinaire, à la performance, mais aussi la multitude de ses applications dans les champs du médical, de l'aéronautique ou de l'écologie.Les Flammes aborde ainsi la céramique selon trois thématiques : les techniques(terres et cuissons, formes, décors), les usages (utilitaires, artistiques, rituels) et les messages (trompe-l'oeil, anticlassiques, politiques). Elle révèle également des pièces qui dérogent aux règles, réinventent les codes et bousculent les approches et ce, même si les recettes, proches de l'alchimie, n'ont quasiment pas évolué au cours de l'histoire.Telle le Phénix qui renait constamment de ses cendres, la céramique exerce une fascination, croissante bien que cyclique, liée à l'imprédictibilité technique de la cuisson et du four qui ne se laisse jamais complètement apprivoiser. Sa tactilité, mais aussi sa rudesse, ont toujours inspiré des artisans, et ne cessent d'attirer les artistes depuis la fin du XIXe, ainsi qu'un large public d'amateurs en général.Le feu, qui a inspiré le titre de l'exposition, est à la fois une donnée technique, d'où découlent des propriétés et des fonctions bien précises mais aussi des contre-esthétiques spécifiques, ainsi qu'un imaginaire riche pouvant toucher à l'utopie radicale.[...] Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

“We have a motto that says that ‘we want to change the gaze on immigration or to open the eyes on immigration'. We're not here to make action in society, but we want people who come here to have elements of reflection, perception about the question of immigration. To change a mind, because immigration is about the stories of people who come from another country–they are someone else, basically–by assisting them we want to show how someone else can be great for us and not a stranger, foreigner, nor an enemy, but a friend. Someone who will bring us many things about culture, about work, about a way of meaning, of thinking. We have a historical point of view. We want to show that from the French Revolution until now, so two centuries of stories.”Sébastien Gokalp is the director of France's National Museum of Immigration. He has managed projects at Centre Pompidou and musée d'art moderne de la ville de Paris and curated exhibitions of Andy Warhol, Lucio Fontana, Robert Crumb, and others. He curates at the Louis Vuitton Foundation and teaches at the Ecole du Louvre. Recognizing that immigration is one of today's most important issues, he sees his work as an opportunity to educate and combine his background in history and art. · www.histoire-immigration.fr · www.creativeprocess.info

“Forced climate migrants fall through the cracks of international refugee and immigration policy—and there is considerable resistance to the idea of expanding the definition of political refugees to incorporate climate “refugees”. Mean- while, large-scale migration is not taken into account in national adaptation strategies which tend to see migration as a “failure of adaptation”. So far there is no “home” for climate migrants in the international community, both literally and figuratively.”–Intergovernmental Panel on Climate ChangeSébastien Gokalp is the director of France's National Museum of Immigration. He has managed projects at Centre Pompidou and musée d'art moderne de la ville de Paris and curated exhibitions of Andy Warhol, Lucio Fontana, Robert Crumb, and others. He curates at the Louis Vuitton Foundation and teaches at the Ecole du Louvre. Recognizing that immigration is one of today's most important issues, he sees his work as an opportunity to educate and combine his background in history and art. · www.histoire-immigration.fr · www.creativeprocess.info© Photo : C.Cantais

Sébastien Gokalp is the director of France's National Museum of Immigration. He has managed projects at Centre Pompidou and musée d'art moderne de la ville de Paris and curated exhibitions of Andy Warhol, Lucio Fontana, Robert Crumb, and others. He curates at the Louis Vuitton Foundation and teaches at the Ecole du Louvre. Recognizing that immigration is one of today's most important issues, he sees his work as an opportunity to educate and combine his background in history and art. · www.histoire-immigration.fr · www.creativeprocess.info© Photo : C.Cantais

“We have a motto that says that ‘we want to change the gaze on immigration or to open the eyes on immigration'. We're not here to make action in society, but we want people who come here to have elements of reflection, perception about the question of immigration. To change a mind, because immigration is about the stories of people who come from another country–they are someone else, basically–by assisting them we want to show how someone else can be great for us and not a stranger, foreigner, nor an enemy, but a friend. Someone who will bring us many things about culture, about work, about a way of meaning, of thinking. We have a historical point of view. We want to show that from the French Revolution until now, so two centuries of stories.”Sébastien Gokalp is the director of France's National Museum of Immigration. He has managed projects at Centre Pompidou and musée d'art moderne de la ville de Paris and curated exhibitions of Andy Warhol, Lucio Fontana, Robert Crumb, and others. He curates at the Louis Vuitton Foundation and teaches at the Ecole du Louvre. Recognizing that immigration is one of today's most important issues, he sees his work as an opportunity to educate and combine his background in history and art. · www.histoire-immigration.fr · www.creativeprocess.info

“We have a motto that says that ‘we want to change the gaze on immigration or to open the eyes on immigration'. We're not here to make action in society, but we want people who come here to have elements of reflection, perception about the question of immigration. To change a mind, because immigration is about the stories of people who come from another country–they are someone else, basically–by assisting them we want to show how someone else can be great for us and not a stranger, foreigner, nor an enemy, but a friend. Someone who will bring us many things about culture, about work, about a way of meaning, of thinking. We have a historical point of view. We want to show that from the French Revolution until now, so two centuries of stories.”Sébastien Gokalp is the director of France's National Museum of Immigration. He has managed projects at Centre Pompidou and musée d'art moderne de la ville de Paris and curated exhibitions of Andy Warhol, Lucio Fontana, Robert Crumb, and others. He curates at the Louis Vuitton Foundation and teaches at the Ecole du Louvre. Recognizing that immigration is one of today's most important issues, he sees his work as an opportunity to educate and combine his background in history and art. · www.histoire-immigration.fr · www.creativeprocess.info

“We have a motto that says that ‘we want to change the gaze on immigration or to open the eyes on immigration'. We're not here to make action in society, but we want people who come here to have elements of reflection, perception about the question of immigration. To change a mind, because immigration is about the stories of people who come from another country–they are someone else, basically–by assisting them we want to show how someone else can be great for us and not a stranger, foreigner, nor an enemy, but a friend. Someone who will bring us many things about culture, about work, about a way of meaning, of thinking. We have a historical point of view. We want to show that from the French Revolution until now, so two centuries of stories.”Sébastien Gokalp is the director of France's National Museum of Immigration. He has managed projects at Centre Pompidou and musée d'art moderne de la ville de Paris and curated exhibitions of Andy Warhol, Lucio Fontana, Robert Crumb, and others. He curates at the Louis Vuitton Foundation and teaches at the Ecole du Louvre. Recognizing that immigration is one of today's most important issues, he sees his work as an opportunity to educate and combine his background in history and art. · www.histoire-immigration.fr · www.creativeprocess.info

Sébastien Gokalp is the director of France's National Museum of Immigration. He has managed projects at Centre Pompidou and musée d'art moderne de la ville de Paris and curated exhibitions of Andy Warhol, Lucio Fontana, Robert Crumb, and others. He curates at the Louis Vuitton Foundation and teaches at the Ecole du Louvre. Recognizing that immigration is one of today's most important issues, he sees his work as an opportunity to educate and combine his background in history and art. · www.histoire-immigration.fr · www.creativeprocess.info© Photo : C.Cantais

Claudio Musso141 - Un secolo di disegno in ItaliaBologna, Palazzo Paltroni dal 27 aprile al 24 giugno 2021http://fondazionedelmonte.it141 - Un secolo di disegno in Italia è il titolo della grande mostra antologica promossa e organizzata dalla Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna nell'ambito del programma di Art City Bologna 2021, che indaga le evoluzioni del segno in cento anni di arte italiana con opere su carta di 141 artisti dalle Avanguardie Storiche ai giorni nostri.L'esposizione aperta al pubblico, nelle sale della Fondazione, in Via delle Donzelle 2 a Bologna, da martedì 27 aprile, in occasione della Giornata Mondiale del Disegno. I visitatori potranno intraprendere un viaggio davvero unico, lungo oltre un secolo, nella storia del disegno italiano tra le opere di artisti straordinari, selezionate una ad una dai curatori Maura Pozzati e Claudio Musso. La mostra offre – a partire da un disegno del 1909 di Boccioni fino a opere del 2020 – uno spaccato delle infinite possibilità offerte da una tecnica antica che, anche in questa occasione, non manca di rivelare la sua incredibile attualità. L'ingresso è gratuito ma, nel rispetto delle norme vigenti a tutela della salute pubblica, è necessaria la prenotazione sul sito www.fondazionedelmonte.it. Con questo percorso espositivo, frutto di una rete di collaborazioni tra archivi, gallerie, collezionisti privati e artisti, Fondazione del Monte sostiene gli artisti, che tanto contribuiscono alla ricchezza del nostro patrimonio culturale, e riapre le porte al pubblico nella ferma convinzione che la cultura sia un bene primario per il benessere della collettività.Nella lista degli artisti in mostra compaiono figure di spicco dei principali movimenti e delle più innovative tendenze del XX secolo: dal Futurismo alla Metafisica, dall'Informale alla Nuova Figurazione passando per la Pop Art, dall'Arte povera al Concettuale. Allo stesso tempo, attraverso l'eterogeneo panorama delle singole ricerche, sono incluse le svariate tecniche dell'arte contemporanea dalla pittura alla scultura, dalla performance ai nuovi media, unite dal denominatore comune del disegno.Come sostiene Maura Pozzati nel suo testo in catalogo Le mani pensano quando disegnano: «questa mostra su un secolo di disegno in Italia in fondo è un omaggio a chi ama il disegno, a chi si fa emozionare dal segno, a chi ricerca nell'arte la traccia di una espressione libera, di una energia accumulata, di un pensiero ossessivo».«Il disegno ‒ spiega Claudio Musso ‒ come il linguaggio, è materia viva, pulsante, brulicante di vita indipendentemente dalla data della sua creazione, tende inoltre a rigettare schemi e regole se non autoimposti e si presenta a tutti gli effetti come un processo creativo che non si esaurisce nel rapporto tra l'artista e la sua creazione, ma che viene sollecitato e riattivato da ogni singolo osservatore». La mostra è accompagnata da un prezioso volume Corraini Edizioni, realizzato dallo Studio Filippo Nostri e pensato come una raccolta di schede organizzate in ordine di nascita in cui ai lavori sono affiancati testi degli artisti legati all'esperienza del disegnare. Oltre alle riproduzioni delle 141 opere in mostra, il catalogo raccoglie il pensiero degli autori in forma scritta affiancando ai paragrafi dedicati ai maestri tratti da libri spesso introvabili, numerosi testi inediti commissionati ai contemporanei. Concludono il tomo le riflessioni dei curatori in lingua italiana e in inglese.141. Un secolo di disegno in ItaliaA cura di: Maura Pozzati e Claudio MussoArtisti: Giacomo Balla, Alberto Martini, Carlo Carrà, Umberto Boccioni, Felice Casorati, Gino Severini, Mario Sironi, Giorgio de Chirico, Giorgio Morandi, Virgilio Guidi, Alberto Savinio, Osvaldo Licini, Filippo De Pisis , Mario Radice, Lucio Fontana, Giuseppe Capogrossi, Marino Marini, Fausto Melotti, Edgardo Mannucci, Scipione, Bruno Munari, Luigi Veronesi, Renato Guttuso, Afro, Giulio Turcato, Carol Rama, Emilio Vedova, Pietro Consagra, Emilio Scanavino, Pirro Cuniberti, Antonio Sanfilippo, Carla Accardi, Enrico Baj, Gianfranco Baruchello, Gastone Novelli, Marisa Merz, Piero Dorazio, Achille Perilli, Emilio Tadini, Lucio Saffaro, Giuseppe Uncini, Rodolfo Aricò, Dadamaino, Giosetta Fioroni, Lucio Del Pezzo, Irma Blank, Mario Schifano, Franco Angeli, Concetto Pozzati, Jannis Kounellis, Paolo Icaro, Corrado Levi, Giuseppe Spagnulo, Claudio Verna, Tano Festa, Marco Gastini, Aldo Mondino, Alighiero Boetti, Eliseo Mattiacci, Maurizio Mochetti, Giulio Paolini, Fabrizio Plessi, Luigi Ontani, Gilberto Zorio, Giuseppe Maraniello, Piero Dosi, Gino De Dominicis, Franco Guerzoni, Luigi Mainolfi, Mimmo Paladino, Enzo Cucchi, Marcello Jori, Piero Manai, Francesco Clemente, Serse, Pinuccia Bernardoni, Antonio Violetta, Omar Galliani, Piero Pizzi Cannella, Arcangelo, Marco Tirelli, Giacinto Cerone, Andrea Fogli, Angiola Gatti, Stefano Arienti, Liliana Moro, Luca Pancrazzi, Sergio Sarra, Bianco-Valente, Luca Caccioni, Roberto Paci Dalò, Mauro Ceolin, Alessandro Pessoli, Sabrina Mezzaqui, Sergia Avveduti, Luca Piovaccari, Karin Andersen, Simone Berti, Andrea Chiesi, Eva Marisaldi, Francesco De Grandi, Marco Neri, Italo Zuffi, Fausto Gilberti, Giovanna Ricotta, Claudia Losi, Margherita Morgantin, Eléna Nemkova, Massimiliano Fabbri, Marzia Migliora, Ivana Spinelli, Andrea Facco, Francesco Pedrini, Federico Pietrella, Giuseppe Stampone, Simone Tosca, Flavio de Marco, Nicola Toffolini, Riccardo Baruzzi, Adelaide Cioni, Marco Di Giovanni, Luigi Presicce, Giovanni De Lazzari, Aldo Giannotti, Nicola Samorì, Sissi, Donato Piccolo, Guido Bisagni (108), DEM, Andrea Mastrovito, Giuseppe De Mattia, Ericailcane, Carola Bonfili, Ester Grossi, Jacopo Casadei, Paola Angelini, Mattia Barbieri, Valentina D'Accardi, Benni Bosetto, Alberonero, Mattia Pajè.Sede: Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna, via delle Donzelle 2 – Bologna Durata: 27 aprile - 24 giugno 2021Apertura: dal lunedì al venerdì dalle ore 10 alle 18Ingresso gratuito previa prenotazionePer informazioni: http://fondazionedelmonte.itIL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarehttps://ilpostodelleparole.it/

Dai tempi del Vietnam, la guerra ha abbandonato le trincee e si è riversata in tv. Ma se tra eserciti e media non c'è più distinzione, come possiamo fidarci dell'informazione? Costantino e Francesco ci spiegano che sul filo spinato che divide realtà e finzione vivono alcune delle voci più interessanti dell'arte contemporanea, ma anche il personaggio più amato da chi di arte non ne capisce assolutamente nulla: Banksy.In questa puntata si parla di Buffy Sainte-Marie, Francisco Goya, Ernest Meissonier, Régis Debray, Martha Rosler, Harun Farocki, Robert Capa, Phil Collins, Marina Abramović, Hans Haacke, Hito Steyerl, Marco Travaglio, Trevor Paglen, Walid Raad, Akram Zaatari, Bernard Khoury, David Mamet, Bernard Stiegler, Banksy, Ezio Greggio, Tracey Rose, Fernando Botero, Igor Mitoraj, Lucio Fontana, Pablo Picasso e Tony Shafrazi

1997 Muore Deng Xiaoping – 1899 Compleanno di Lucio Fontana

Mixtape 23 sees Mexican artist Lorena Quintanilla crafting a selection of tunes to warm the late November afternoons. Originally for Guadalajara, the artist made a name for herself as one-half Lorelle Meets The Obsolete, a duo responsible for some of the most sonically adventurous psych experimentalism of recent times with a reputation for exceptional live shows and a catalogue of equally impressive albums to match. Now relocated in the less hectic city of Ensenada in Baja California, Quintanilla has reinvented herself into J. Zunz, a new solo project where she explores similar atmospherics but marking a distance with what she had been doing with the obsolete. J.Zunz is also the result of a metamorphic process whereby the minimal is rendered maximal and the personal fused with the political. The initial vision for the J. Zunz project was for Lorena to strip her approach down to the basics. She remembers reading a biography of John Cage, where the author was referring to the influence of Buddhism and meditation, and modern artists like Sonia Delaunay, Lucio Fontana, Julio Le Parc, Duchamp, futurism... that detonated something inside her and sparked a myriad of ideas. Earlier in August J. Zunz published her second album, Hibiscus, one of the most popular flowers in her native Mexico. The album marks a move on sonically from earlier comfort zones in her work, into minimal electronics, hypnotic repetition and compelling trance states, arriving at a soundworld in which cyclical synth patterns, eerie ambient textures and cathartic vocal exhortations. “It is hard to describe any record as they keep unfolding to me in time,” says Lorena. “Now it is almost a year since I recorded it. What I know is that I wrote the album during a personal crisis inside and a political crisis outside. After being profoundly hurt by a person, I trusted but also by the structures outside of me. I wrote it during sleepless nights filled with overwhelming thoughts and feelings.” The collection of tracks in Hibiscus are sinuous, enticing and mysterious; one may feel a bit spooked while wishing this mischievous journey never finishes. For this mixtape, Lorena was inspired by the content of CLOT Mag: I selected some tracks by INTERSPECIFICS, which is an amazing collective that mixes science with music. I chose some tracks that use the translation of different microorganisms and their bioelectrical activity into sound. I also added a track by Alexandra Cárdenas (a master at LiveCoding) and some political electronics from the past. The artists behind the track Ola! have been experimenting with mind and body healing through sound frequencies. I know they have a mattress filled with subwoofers where you can rest while you are feeling the vibrations. Tracklist: 1. INTERSPECIFICS - Infinites 2. Iván Pequeño - ¡Ahora! (Fragmento) 3. Niños De La Tierra - Ola! (Late Edit) 4. Jocy de Oliveira - Wave Song Para Piano e Fita 5. Alexandra Cárdenas - HELLO WORLD 6. INTERSPECIFICS - Slime Mould Music

Costi, valore e investimenti dell'arte contemporanea. I tagli di Lucio Fontana possono valere quanto un quadro di Caravaggio?

Quest'autunno, Magazzino Italian Art presenta una nuova mostra che indaga per la prima volta le analogie formali, concettuali e procedurali nelle opere di Mel Bochner, Alighiero Boetti e Lucio Fontana, alla luce dei movimenti artistici che si sono ...

Fa parte delle Collezioni della Fondazione di Venezia un "grattage" di Mario Deluigi (1901-1978), artista veneziano che aderì al movimento spazialista di Lucio Fontana. L'approfondimento è a cura di Amerigo Restucci, architetto, docente, già Rettore dell'Università Iuav di Venezia.

Versione audio: Alla metà del XX secolo, nell’ambito della ricerca informale italiana, tra le manifestazioni aperte a nuovi codici visivi e a nuove tecniche di realizzazione, occorre ricordare il Movimento Spaziale o Spazialismo, costituito nel 1947 da Lucio Fontana (1899-1968). Già l’anno prima, con la pubblicazione del Manifiesto Blanco, Fontana aveva auspicato un «superamento della […] L'articolo Lucio Fontana proviene da Arte Svelata.

Ferire o guarire? Togliere o mettere? Come sempre succede con le parole, la risposta è: dipende. Preferite tagliare l'Iva o tagliare la corda? Ascoltare una canzone di Donatella Rettore o ammirare un quadro di Lucio Fontana?

Nous perçons les secrets de la toile du peintre… à moins que ce ne soit lui, le peintre, qui perce directement la toile !

Nous traversons les grands déserts blancs du minimalisme…

Un crowdfunding per salvare gli oltre 50.000 immagini e documenti inediti dell’Archivio Pinin Brambilla Barcilon presso La Fondazione Centro Conservazione e Restauro "La Venaria Reale".Un patrimonio di fotografie che documentano il restauro di alcuni dei maggiori capolavori dell'arte italiana: dal Cenacolo di Leonardo alla Pala di Montefeltro di Piero della Francesca, passando dalla Cappella degli Scrovegni di Giotto fino ai dipinti di Lucio Fontana.Un pezzo di storia del restauro in Italia che a suo modo rappresenta un vero e proprio libretto delle istruzioni delle opere documentate e che, per essere preservato, deve essere digitalizzato.La campagna di raccolta fondi si trova su Eppela e, grazie anche all'appoggio della Fondazione Sviluppo e Crescita CRT, «consentirà di salvare documenti di eccezionale importanza per la storia dell'arte e del restauro in Italia: proprio per questo, dopo la digitalizzazione, saranno pubblicati online, disponibili per un pubblico più ampio e soprattutto per le generazioni future».

Magdalena Fernández (Caracas, 1964) es una de las artistas más relevantes del arte latinoamericano actual. Sus obras basadas en video, instalaciones, esculturas y grabados consisten en la exploración de dos ejes temáticos: la naturaleza (y el paisaje) y la relectura de un capítulo esencial de la historia del arte como es la abstracción, de gran fortaleza y vigencia en muchos países de América Latina, entre los que sobresale su natal Venezuela. Es importante señalar que la abstracción en el trabajo de esta creadora surge de su relación con la naturaleza, como se puede ver en varios de sus videos y en la poética instalación diseñada específicamente para la Terraza de este Museo, en cuyo piso se reflejan la luz y el cielo poblanos. Otra parte de su producción artística establece una relación con algunos nombres resonantes de la genealogía abstracto-geométrica. Buena parte de las piezas seleccionadas para esta muestra suponen un compendio de gestos, apropiaciones y homenajes que hacen eco (de allí el título de la exposición) de formas, obras e ideas de artistas como ag fronzoni, Agostino Bonalumi, Gego, Hélio Oiticica, Hércules Barsotti, Jesús Soto, Joaquín Torres-García, Kazimir Malévich, Lucio Fontana, Lygia Clark, Mercedes Pardo y Piet Mondrian. De tal manera que se han reunido un conjunto de piezas en las cuales Magdalena Fernández amplía la manera de percibir las imágenes y conceptos de estos paradigmáticos artistas modernos. Ver o participar de sus obras supone tener una experiencia desde una sensibilidad distinta. Lo que en la mayoría de las obras de los creadores abstracto-geométricos ocurre en el plano de la pura visualidad, en las instalaciones y videos de Fernández acontece en un lugar signado por nuestra presencia en el espacio y en el tiempo. En este sentido la artista se propone cristalizar lo que para buena parte de la abstracción del siglo pasado era una utopía: trasladar al cuerpo y al entorno real y físico del espectador lo que tan sólo acontecía en la retina, en la superficie de la pintura. Magdalena Fernández. Ecos reúne obras realizadas desde hace más de una década. Este conjunto de propuestas encabezan lo más relevante de su producción artística y supone una suerte de seleccionada cronología de sus trabajos recientes. Es a la vez una secuencia de “ecos” de sus artistas homenajeados y, si se quiere ver así, una historia personal del arte abstracto desde la sensible e inteligente mirada de la artista. Exposición organizada en colaboración con el Museo de Arte Carrillo Gil. Carlos Palacios, Curador.

The relationship between art and technology is celebrated in a unique exhibition, From Clay to Algorithm. It is a collaboration between Intesa Sanpaolo and the Castello di Rivoli Museum of Contemporary Art near Turin. The third episode of the Intesa Sanpaolo Talks podcast programme explores the exhibition. We hear from Castello di Rivoli’s chief curator and curator of collections, Marcella Beccaria, and Alastair Smart, an influential art critic who discuss its innovative non-linear approach and highlight some of its key exhibits.

Sébastien Gokalp is the director of France's National Museum of Immigration. He has managed projects at Centre Pompidou and musée d'art moderne de la ville de Paris and curated exhibitions of Andy Warhol, Lucio Fontana, Robert Crumb, and others. He curates at the Louis Vuitton Foundation and teaches at the Ecole du Louvre. Recognizing that immigration is one of today's most important issues, he sees his work as an opportunity to educate and combine his background in history and art. · www.histoire-immigration.fr · www.creativeprocess.info© Photo : C.Cantais

“We have a motto that says that ‘we want to change the gaze on immigration or to open the eyes on immigration'. We're not here to make action in society, but we want people who come here to have elements of reflection, perception about the question of immigration. To change a mind, because immigration is about the stories of people who come from another country–they are someone else, basically–by assisting them we want to show how someone else can be great for us and not a stranger, foreigner, nor an enemy, but a friend. Someone who will bring us many things about culture, about work, about a way of meaning, of thinking. We have a historical point of view. We want to show that from the French Revolution until now, so two centuries of stories.”Sébastien Gokalp is the director of France's National Museum of Immigration. He has managed projects at Centre Pompidou and musée d'art moderne de la ville de Paris and curated exhibitions of Andy Warhol, Lucio Fontana, Robert Crumb, and others. He curates at the Louis Vuitton Foundation and teaches at the Ecole du Louvre. Recognizing that immigration is one of today's most important issues, he sees his work as an opportunity to educate and combine his background in history and art. · www.histoire-immigration.fr · www.creativeprocess.info

La Galleria Borghese dedica una mostra a una specifica produzione di Lucio Fontana, i Concetti Spaziali in oro e le Crocifissioni in ceramica.

In questo Episodio di Contaminazione Artistica vi racconto la Storia Incredibile dell'Artista Argentino naturalizzato Italiano, Lucio Fontana

Partage“Galeries du 20e siècle“Nouveau parcours au sein des Collections Modernes au Centre Pompidou, Parisdu 22 mai 2019 au 22 mai 2020Centre Pompidou.frPODCAST – Interview de Christian Briend, chef du service des collections modernes du Musée national d'art moderne et coordinateur du parcours « Galeries du 20e siècle »,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, , le 22 mai 2019, durée 16'26.© FranceFineArt.son à insérer (click sur remplacer et changer à partir d'un url)©Anne-Fréderique Fer, visite du parcours « Galeries du 20e siècle », le 22 mai 2019.Portrait d'Iris Clert avec les sculptures de Lucio Fontana [circa 1961]. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

Introduction by Amy Rosenblum Martín, Independent Curator and Educator, Guggenheim DIS (est. 2010) is a New York-based collective composed of Lauren Boyle, Solomon Chase, Marco Roso, and David Toro. Its cultural interventions are manifest across a range of media and platforms, from site-specific museum and gallery exhibitions to ongoing online projects. In 2018 the collective transitioned platforms from an online magazine, dismagazine.com, to a video streaming edutainment platform, dis.art, narrowing in on the future of education and entertainment. DIS Magazine (2010-2017); DISimages (2013), DISown (2014), Curators of the 9th Berlin Biennale for Contemporary Art, The Present in Drag (2016); DIS.art (2018–); Exhibited and organized shows at the de Young Museum, San Francisco; La Casa Encendida, Madrid; Plug In Institute of Contemporary Art, Winnipeg; Baltimore Museum of Art; and Project Native Informant, London. DIS has also been included in group exhibitions at MoMA PS1, Museum of Modern Art, and the New Museum all in New York; and Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; ICA Boston; Museum of Contemporary Art Chicago; and Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen, among others. The material presented by DIS today is the result of a change in attitude towards the present and aims to meet the demands of contemporary social, political, and economic complexity at eye level. Introducer Amy Rosenblum Martín is a bilingual (English/Spanish) curator of contemporary art, committed to equity and community engagement. Formerly a staff curator at the Pérez Art Museum Miami (when it was MAM) and The Bronx Museum, she has also organized exhibitions, written and/or lectured independently for la Colección Patricia Phelps de Cisneros, MoMA, The Metropolitan, MACBA in Barcelona, the Reina Sofía, and Kunsthaus Bregenz as well as the Sugar Hill Children’s Museum. Her 20 years of interdepartmental museum work include 10 years at the Guggenheim. Rosenblum Martín’s expertise is in Latin America, focusing on transhistorical connections among Buenos Aires, Montevideo, Rio de Janeiro, São Paulo, Caracas, Havana, Miami, and New York. She has worked with Janine Antoni, Lothar Baumgarten, Guy Ben-Ner, Janet Cardiff, Eloísa Cartonera, Consuelo Castañeda, Lygia Clark, Willie Cole, Jeannette Ehlers, Teresita Fernández, Naomi Fisher, Marlon Griffith, Lucio Fontana, Dara Friedman, Luis Gispert, Felix Gonzalez-Torres, Adler Guerrier, Ann Hamilton, Quisqueya Henríquez, Leslie Hewitt, Nadia Huggins, Deborah Jack, Seydou Keita, Gyula Kosice, Matthieu Laurette, Miguel Luciano, Gordon Matta-Clark, Ana Mendieta, Antoni Miralda, Marisa Morán Jahn, Glexis Novoa, Hélio Oiticica, Dennis Oppenheim, Nam June Paik, Manuel Piña, Miguel Angel Ríos, Bert Rodriguez, Marco Roso, Nancy Rubins, George Sánchez-Calderón, Beatriz Santiago Muñoz, Tomás Saraceno, Karin Schneider, Regina Silveira, Lorna Simpson, Valeska Soares, Javier Tellez, Joaquín Torres García, and Fred Wilson, among many other remarkable artists.

MERCREDI 24.01.2018 RENCONTRE AVEC DIANE VENET, OLIVIER GABET, STÉPHANE GERSCHEL ET ESTHER DE BEAUCÉ ANIMÉE PAR MONIQUE YOUNES EN COLLABORATION AVEC LE MUSÉE DES ARTS DÉCORATIFS ET POMELLATO De Picasso à Niki de Saint-Phalle, de Man Ray à Lucio Fontana, de Jean Dubuffet à Roy Lichtenstein, de Frank Stella à Jeff Koons. Les artistes ont imaginé des bijoux en pièces uniques, en multiples, faits main ou avec l’aide d’un orfèvre. Porter un bijou d’artiste n’est pas anodin, il symbolise un désir de singularité et une façon de s’approprier un peu du génie de l’artiste. Tantôt jugés précieux, ornementaux, voire décadents, ils attirent ou suscitent le questionnemennt. Silencio invite une collectionneuse de référence : Diane Venet, qui possède l’un des plus beaux ensembles de bijoux d’artistes au monde, qu’elle expose aux quatre coins de la planète, et qu'elle présentera au Musée des Arts Décoratifs à Paris du 7 mars au 8 juillet 2018. Sa collection « idéale » sera enrichie d’un certain nombre de pièces majeures prêtées pour l’occasion par d’autres collectionneurs internationaux. Elle sera accompagnée par Olivier Gabet, directeur du Musée des Arts Décoratifs, Stéphane Gerschel, directeur de Pomellato, et Esther de Beaucé, galeriste, et éditrice de bijoux d’artistes contemporains. (EN FRANÇAIS) www.silencio-club.com SILENCIO on Apple Podcasts : https://apple.co/2KRPPeg SILENCIO on Spotify : https://spoti.fi/33ESzUO

这是《得意忘形》播客的第 18 期。这期节目是我的单口。本期节目里，我给上期数学家 Galiois 的故事做了一些补充和修正，然后从一个小小的物理问题讲起，浅显地谈了谈艺术史上的一些经典作品、人和其经历的关系、和一些宇宙大爆炸的小知识——当然最后，我谈了谈这些事情到底有什么联系。 本期节目里你可以听到：* 宇宙中有没有一种东西，记录了宇宙中发生的一切？* 那些著名艺术家的作品（杜尚、蒙德里安、封塔纳...）为什么有价值？* 什么是「人是其所有经历的总和」？* 为什么说，因为星星爆炸了，我们才能在这儿？延伸阅读：（链接：https://zhuanlan.zhihu.com/p/27017720/）* 宇宙中有没有一种东西，记录着宇宙中发生的一切？* 「这也算艺术？」——这个问题已经被问了100年* 如何欣赏蒙德里安的画？* 如何欣赏卢齐欧·封塔纳 (Lucio Fontana) 的极少主义画作？* 如何欣赏安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的艺术作品？* 天台宗的「一念三千」说* 刘慈欣《镜子》* 《万物简史》* 《A Universe from Nothing》* “The amazing thing is that every atom in your body came from a star that exploded. And, the atoms in your left hand probably came from a different star than your right hand. It really is the most poetic thing I know about physics: You are all stardust. You couldn't be here if stars hadn't exploded, because the elements - the carbon, nitrogen, oxygen, iron, all the things that matter for evolution - weren't created at the beginning of time. They were created in the nuclear furnaces of stars, and the only way they could get into your body is if those stars were kind enough to explode. So, forget Jesus. The stars died so that you could be here today.” ——Lawrence M. Krauss音乐：* Lost Stars by Adam Levine收听方式：* iPhone 用户：直接在「播客」或「Podcast」app 上搜索《得意忘形》即可* Android 用户和泛用型播客客户端用户：我们推荐使用 Castro/Overcast/AntennaPod 来收听《得意忘形》，直接拷贝此链接（ https://pcr.apple.com/id1200767928 ）并在 app 内添加即可* 你也可以在「荔枝FM」、「喜马拉雅FM」或者「网易云音乐」收听本节目，在 app 内搜索《得意忘形》即可播客简介：《得意忘形》是一个主张追求个体自由与探寻真理的媒体计划。我们见证了第一次工业革命以来科技对人类社会的极大推动与助益，但也意识到资本主义与市场经济不可避免地催生了消费文化、剥夺了个人价值、并窃取了大众时间。带着对生命的有限性与无目的性的敬畏，我们试图为读者与听众提供更全面的觉察自我与认知世界的工具，以不断重建当下的方式穿越时间、抵达生活的本质。

这是《得意忘形》播客的第 18 期。这期节目是我的单口。本期节目里，我给上期数学家 Galiois 的故事做了一些补充和修正，然后从一个小小的物理问题讲起，浅显地谈了谈艺术史上的一些经典作品、人和其经历的关系、和一些宇宙大爆炸的小知识——当然最后，我谈了谈这些事情到底有什么联系。 本期节目里你可以听到：* 宇宙中有没有一种东西，记录了宇宙中发生的一切？* 那些著名艺术家的作品（杜尚、蒙德里安、封塔纳...）为什么有价值？* 什么是「人是其所有经历的总和」？* 为什么说，因为星星爆炸了，我们才能在这儿？延伸阅读：（链接：https://zhuanlan.zhihu.com/p/27017720/）* 宇宙中有没有一种东西，记录着宇宙中发生的一切？* 「这也算艺术？」——这个问题已经被问了100年* 如何欣赏蒙德里安的画？* 如何欣赏卢齐欧·封塔纳 (Lucio Fontana) 的极少主义画作？* 如何欣赏安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的艺术作品？* 天台宗的「一念三千」说* 刘慈欣《镜子》* 《万物简史》* 《A Universe from Nothing》* “The amazing thing is that every atom in your body came from a star that exploded. And, the atoms in your left hand probably came from a different star than your right hand. It really is the most poetic thing I know about physics: You are all stardust. You couldn’t be here if stars hadn’t exploded, because the elements - the carbon, nitrogen, oxygen, iron, all the things that matter for evolution - weren’t created at the beginning of time. They were created in the nuclear furnaces of stars, and the only way they could get into your body is if those stars were kind enough to explode. So, forget Jesus. The stars died so that you could be here today.” ——Lawrence M. Krauss音乐：* Lost Stars by Adam Levine收听方式：* iPhone 用户：直接在「播客」或「Podcast」app 上搜索《得意忘形》即可* Android 用户和泛用型播客客户端用户：我们推荐使用 Castro/Overcast/AntennaPod 来收听《得意忘形》，直接拷贝此链接（ https://pcr.apple.com/id1200767928 ）并在 app 内添加即可* 你也可以在「荔枝FM」、「喜马拉雅FM」或者「网易云音乐」收听本节目，在 app 内搜索《得意忘形》即可播客简介：《得意忘形》是一个主张追求个体自由与探寻真理的媒体计划。我们见证了第一次工业革命以来科技对人类社会的极大推动与助益，但也意识到资本主义与市场经济不可避免地催生了消费文化、剥夺了个人价值、并窃取了大众时间。带着对生命的有限性与无目的性的敬畏，我们试图为读者与听众提供更全面的觉察自我与认知世界的工具，以不断重建当下的方式穿越时间、抵达生活的本质。

“Scoprire il Cosmo è scoprire una nuova dimensione. E’ scoprire l’Infinito. Così, bucando questa tela – che è la base di tutta la pittura – ho creato una dimensione infinita. Qualcosa che per me è la base di tutta l’arte contemporanea” Questa sera cerchiamo di andare oltre uno squarcio nella tela per raggiungere nuove dimensioni, […]

"Peggy Guggenheim was an extraordinary character; I would recommend Mary Dearborn's biography Mistress of Modernism; that's a play on words" Philip Rylands Director of the Peggy Guggenheim Collection, Venice subtly reveals how personal her involvement in art collection was. Mr. Rylands was in Brussels for the opening of Guggenheim: Full Abstraction, at the ING Art Center. The show presents an impressive set of works from the Peggy Guggenheim Collection, Venice and the Solomon Guggenheim Collection in New York with pieces by Marcel Duchamp, Max Ernst (Peggy's second husband), Jean DuBuffet, Lucio Fontana, Jackson Pollack, Mark Rothko, Alexander Calder, Willem de Kooning, Sam Francis, Robert Motherell, Cy Twombly and others. As well as the works of art, the show presents a rich timeline documented with archive pictures, documents, film fragments and more, to enable the visitor to fully understand the impact that these two main collectors of XXth Century art had in both the US and Europe. Through February 12 2017 www.ing.be/art

In this week’s episode of the ArtTactic Podcast we recap the top stories and trends in the art market from 2015 with Katya Kazakina, art market report for Bloomberg News. First, Katya shares her two top stories of the year, the increased competition between the three major auction houses and the rise of private museums established by top collectors around the world. Then, Katya identifies a diverse group of artists who she believes had the best 2015s including Frank Stella, Lucio Fontana and Kazuo Shiraga. Also, she speculates on what will happen in 2016 to the generation of emerging, younger artists who paint in an abstract, “zombie formalism” style. Further, Katya explains to what extent the online art market matured as an industry over the past year. Lastly, Katya describes the current sentiment of the art market as we enter 2016.

LUCIO FONTANA raccontato da Flaminio Gualdoni

In this talk art historian Benjamin H. D. Buchloh looks in great detail at Richter’s responses to painters like Lucio Fontana, Jean Fautrier, and Robert Rauschenberg in 1962

Lucio Fontana by Hard//hoofd

Yves Klein strives to depict space without limits in his painitng Untitled red monochrome (1959) while Lucio Fontana manipulates the canvas as an independent spatial entity in his painting Concetto spaziale, Attese (1965).