Podcasts about atget

Thomas Ruff talks to Ben Luke about his influences—from writers to musicians, film-makers and, of course, other artists—and the cultural experiences that have shaped his life and work.Ruff was born in 1958 in Zell am Harmersbach, in what was then West Germany, and has, over five decades, extensively probed the forms and possibilities of photography. Though he is a key figure in the international generation of artists that emerged in the 1980s and experimented with the very nature of the photographic medium and discipline, Ruff has carved out a singular practice. He works in distinct series whose formal characteristics vary enormously, but are underpinned by experimental unorthodoxy, technical curiosity and conceptual rigour. Each new group contributes to a profound philosophical exploration of the photographic image and what it means to make a picture. But while the intellectual underpinning of his work is unwavering, Thomas makes prints that are remarkably beautiful objects. Operating in a medium that remains associated with the factual record and documentary, he has relentlessly made the case for a photographic practice in which imagination is a primary agent. He discusses his interest in “the puzzle of photography”, the distinctive geneses of his various series of work, and his conviction that while seeking an “intellectually high-end product… of course I want to have fun”. He reflects on the early influence of the photographer Ernst Haas, how Piero della Francesca influenced his early Portraits series, how he chose to study art over astronomy, yet outer space has remained a core concern in his work, and how the satirical television show Spitting Image proved an unlikely influence. Of course, he reflects on the work of numerous photographers, from Eugène Atget and Walker Evans to Lou Landauer and his teachers in Düsseldorf, Bernd and Hilla Becher. Plus, he answers our usual questions, including the ultimate, “What is art for?”Thomas Ruff: expériences lumineuses, David Zwirner, London, until 22 March; his work features in Typologien, a survey of 20th-century German photography at Fondazione Prada, Milan, 3 April-14 July. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Photography matters, writes Jerry Thompson, because of how it works--not only as an artistic medium but also as a way of knowing. With this provocative observation, Thompson begins a wide-ranging and lucid meditation on why photography is unique among the picture-making arts. In Why Photography Matters, he constructs an argument that moves with natural logic from Thomas Pynchon (and why we read him for his vision and not his command of miscellaneous facts) to Jonathan Swift to Plato to Emily Dickinson (who wrote "Tell all the Truth but tell it slant") to detailed readings of photographs by Eugène Atget, Garry Winogrand, Marcia Due, Walker Evans, and Robert Frank. Forcefully and persuasively, he argues for photography as a medium whose business is not constructing fantasies pleasing to the eye or imagination, but describing the world in the toughest and deepest way. Jerry L. Thompson is a working photographer who also writes about photography. He worked as Walker Evans's principal assistant from 1973 to Evans's death in 1975. He is the author of The Last Years of Walker Evans and Truth and Photography. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/art

Photography matters, writes Jerry Thompson, because of how it works--not only as an artistic medium but also as a way of knowing. With this provocative observation, Thompson begins a wide-ranging and lucid meditation on why photography is unique among the picture-making arts. In Why Photography Matters, he constructs an argument that moves with natural logic from Thomas Pynchon (and why we read him for his vision and not his command of miscellaneous facts) to Jonathan Swift to Plato to Emily Dickinson (who wrote "Tell all the Truth but tell it slant") to detailed readings of photographs by Eugène Atget, Garry Winogrand, Marcia Due, Walker Evans, and Robert Frank. Forcefully and persuasively, he argues for photography as a medium whose business is not constructing fantasies pleasing to the eye or imagination, but describing the world in the toughest and deepest way. Jerry L. Thompson is a working photographer who also writes about photography. He worked as Walker Evans's principal assistant from 1973 to Evans's death in 1975. He is the author of The Last Years of Walker Evans and Truth and Photography. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/communications

Photography matters, writes Jerry Thompson, because of how it works--not only as an artistic medium but also as a way of knowing. With this provocative observation, Thompson begins a wide-ranging and lucid meditation on why photography is unique among the picture-making arts. In Why Photography Matters, he constructs an argument that moves with natural logic from Thomas Pynchon (and why we read him for his vision and not his command of miscellaneous facts) to Jonathan Swift to Plato to Emily Dickinson (who wrote "Tell all the Truth but tell it slant") to detailed readings of photographs by Eugène Atget, Garry Winogrand, Marcia Due, Walker Evans, and Robert Frank. Forcefully and persuasively, he argues for photography as a medium whose business is not constructing fantasies pleasing to the eye or imagination, but describing the world in the toughest and deepest way. Jerry L. Thompson is a working photographer who also writes about photography. He worked as Walker Evans's principal assistant from 1973 to Evans's death in 1975. He is the author of The Last Years of Walker Evans and Truth and Photography. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/journalism

Photography matters, writes Jerry Thompson, because of how it works--not only as an artistic medium but also as a way of knowing. With this provocative observation, Thompson begins a wide-ranging and lucid meditation on why photography is unique among the picture-making arts. In Why Photography Matters, he constructs an argument that moves with natural logic from Thomas Pynchon (and why we read him for his vision and not his command of miscellaneous facts) to Jonathan Swift to Plato to Emily Dickinson (who wrote "Tell all the Truth but tell it slant") to detailed readings of photographs by Eugène Atget, Garry Winogrand, Marcia Due, Walker Evans, and Robert Frank. Forcefully and persuasively, he argues for photography as a medium whose business is not constructing fantasies pleasing to the eye or imagination, but describing the world in the toughest and deepest way. Jerry L. Thompson is a working photographer who also writes about photography. He worked as Walker Evans's principal assistant from 1973 to Evans's death in 1975. He is the author of The Last Years of Walker Evans and Truth and Photography. Learn more about your ad choices. Visit podcastchoices.com/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/photography

Formerly a photographer and founder of The Center for Photography in Woodstock in 1977, Howard Greenberg has been one of a small group of gallerists, curators and historians responsible for the creation and development of the modern market for photography. Howard Greenberg Gallery—founded in 1981 and originally known as Photofind—was the first to consistently exhibit photojournalism and 'street' photography, now accepted as important components of photographic art. Howard Greenberg Gallery maintains diverse and extensive holdings of photographic prints including Eugène Atget, Henri Cartier-Bresson, Bruce Davidson, André Kertész, William Klein, Gordon Parks, Edward Steichen, Paul Strand, Josef Sudek, and Edward Weston on its roster of artists. More recent additions include Edward Burtynsky, Jungjin Lee, Joel Meyerowitz, and Vivian Maier. In 2013 Howard Greenberg Gallery announced exclusive representation for the estates of Berenice Abbott and Arnold Newman. In 2018 Howard Greenberg Gallery became the primary representative of the Ray K. Metzker Archive. In 2019 Greenberg sold 447 photographs from his collection to the Museum of Fine Art in Boston. This conversation took place over Zoom in January 2023.

Xavier Martel, historien de formation, revient sur ses 5 années au Musée français départemental de la Photographie à Bièvres, l'exposition sur la photographie japonaise qu'il a réalisé pour le patrimoine photographique en 2004 et sa participation à araGo, le portail français de la photo. Habitant au Japon depuis 10 ans, nous avons aussi parlé de photographie japonaise et en particulier du statut d'artisan des photographes japonais. Bonne écoute !02' – Xavier Martel, une formation polyvalente à l'ENSP à Arles.7'45 – Durant 5 ans, il fut responsable des collections protéiformes du Musée français départemental de la Photographie à Bièvres pas les tirages et les photos numériques, mais tout le reste : matériels de laboratoire, sacoches d'appareils photo, etc.13' – Il a commencé une thèse sur l'iconographie touristique comme propagande nationale et il nous parle des photographies de l'association du Touring club de France.15'40 – Sa première rencontre avec la photo japonaise : il a participé à un recollement de la Société Française de Photographie et a découvert des tirages de photographes japonais. Puis il a travaillé au Centre Île-de-France en tant que chargé des publics quand Sylvain Lisson était directeur avec une expo inaugurale sur les collections japonaises dans les collections publiques. Il a alors proposé un complément de photographies venant de la FSP.21'40 – Il a travaillé pour le patrimoine photographique sur l'expo photo : Japon 1945-1975 Un renouveau photographique et a fait une résidence de six mois dans une résidence d'artiste (la Villa Kujoyama) au Japon à Kyoto.25' – Son retour en France fut compliqué, car les institutions n'étaient pas intéressées par une exposition sur la photographie japonaise.29' – Il a travaillé sur un projet mené par le ministère de la Culture déléguée à la Réunion des Musées Nationaux et du Grand Palais : le portail français de la photo, araGo. Le but était de présenter un portail avec toutes les photos des collections publiques (archives, musées et bibliothèques) et privées (galeries, etc.). Projet mené pendant deux ans, lancé à Arles en 2011, préfiguration à Paris Photo en 2011, ouverture du portail en 2012 alors qu'il écrivait des textes pour le portail depuis le japon puis le projet a été mis en pause.34' – En venant vivre au Japon, en parallèle du projet Arago il souhaitait écrire une histoire de la photo japonaise. Sa question de départ : on parle des images faites par des Japonais ou des étrangers qui font de la photo au japon ? Les liens entre les territoires et les photos sont très forts.41'30 – Peu de galeries de photographie (il apprécie la Galerie MEM créée par Katsuya Ishida) au Japon. Importance du livre, car le Japon est un pays de l'écrit et moins de l'exposition.45' – Des photographes japonais qui ne se considèrent pas comme des artistes (Shōmei Tōmatsu, Shōji Ueda). Les photographes reconnus comme des artistes au japon ont fait carrière à l'international comme Hiroshi Sugimoto.48'- Très peu de collectionneurs au Japon d'art contemporain. Le travail de valorisation de la photographie et de la structuration du marché de l'art fut initié aux EU.50' – Les images photo ne pas sacralisées, les photographies sont moins des objets, mais plus consommables. Production d'images et non pas d'objets. Au Japon, il n'y a pas de différence entre artisan et artiste. Le photographe japonais Shōmei Tōmatsu disait : un photographe est uniquement un œil. Comme le photographe Eugène Atget, il disait qu'il faisait uniquement des documents pour les personnes qu'il prenait en photo et qu'il était un artisan au service des artistes.Pour suivre l'actualité du podcast vous pouvez vous inscrire à la newsletter ici : https://beacons.ai/lesvoixdelaphoto et retrouvez le podcast sur Instagram, Facebook et LinkedIn @lesvoixdelaphoto Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

"A long time ago, when I were a wee lad, recycling was done by independent collectors, scrap merchants and rag-and-bone men, rather than by local government. "The rag-and-bone man in particular would ride the streets, usually in a horse and cart, shouting for people to bring out unwanted goods. "This is an almost extinct occupation but recently two men with a van have started travelling Sussex collecting mainly unwanted furniture and electrical or "white" goods, thereby saving the erstwhile owners the expense of having them taken away by the official refuse collectors. "This is a recording of their street cry." Recorded by Allan Brewster in Worthing, England.  Image: By Eugène Atget - kunstmagazinberlin.de/0711/art_fotomalerei.shtml, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4164658

"The bells provided a rhythm for the guitar. I wanted to keep the singing quality of the voices and for the whole thing to have a ramshackle feel. I fed the field recording through a granular processor/looper. Rubber bands were involved. I resisted the temptation to quote from the theme to Steptoe and Son..." Rag 'n' bone man call reimagined by Andrew Spearpoint. Image: By Eugène Atget - kunstmagazinberlin.de/0711/art_fotomalerei.shtml, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4164658

Hay grandes fotógrafos y hay quien tiene la capacidad de hablar de la fotografía de tal manera que no te queda más remedio que enamorarte perdidamente de ella. Además de reunir esas dos condiciones tan escasas, mi invitado de hoy logra capturar una luz que parece que solo ve él. Hablaremos, entre otras cosas, de que fotografiar es quitar, sustraer; tiene todo el sentido, porque hay tanto de lo que me gustaría charlar con él, que al preparar mis notas lo más difícil ha sido precisamente dejar fuera preguntas, y quizás reservarlas para cuando, al fin, nos conozcamos en persona. En este episodio hablamos de - La Fotografía como oficio. - La importancia de estar. - Que la Fotografía es una construcción. - Y que no es la realidad, ni falta que hace. - Viajar solo para que sucedan otras cosas. - Cómo las palabras pueden contaminar las imágenes. - Y de que estas, las imágenes, viven en nuestra cabeza. - Que menos es – siempre – más. - Lo que hace a un fotógrafo. - Que lo realmente importante – en fotografía – es cómo (y no qué)… Y de, claro, muchas otras cosas que fuimos encontrando en el camino. Quién me acompaña José Manuel Navia nace en Madrid en 1957, descubre la fotografía siendo un niño y se fascina con la magia del cuarto oscuro gracias a un curso por correspondencia que le regala su madre. Comienza a trabajar como fotógrafo muy joven en una editorial de libros educativos. De ahí pasa a colaborar con la agencia Cover, donde aprende a contar historias con imágenes, y posteriormente se integra en la agencia VU´. Es free lance desde 1987, año en el que gana el Fotopress, el primero de muchos premios y reconocimientos. Combina su labor docente con la publicación en grandes medios y el desarrollo de proyectos que aúnan literatura y fotografía y que se encarnan en libros como Nóstos, Miguel de Cervantes o el deseo de vivir y Alma Tierra por citar solo algunos de los últimos. Encuentra a mi invitado y profundiza en sus proyectos en la completísima web de José Manuel Navia. (https://jmnavia.blogspot.com/). Hace un tiempo dediqué una entrada a recopilar recursos para aprender de y con él (https://jotabarros.com/aprende-de-jose-manuel-navia/). Referencias y enlaces Autores - André Kertész (https://jotabarros.com/analisis-fotografia-calle-street-photography-andre-kertesz-paris-1963/). - Cristina García Rodero (https://jotabarros.com/transtempo-la-galicia-de-cristina-garcia-rodero/). - Diane Arbus. - Dorothea Lange. - Eugène Atget. - Eugene W. Smith. - Garry Winogrand (https://jotabarros.com/mejora-aprende-fotografia-calle-street-photography-garry-winogrand/). - Henri Cartier-Bresson (tienes un curso monográfico dedicado a Cartier-Bresson en El Club de Fotografía Callejera: https://jotabarros.com/curso/monografico-henri-cartier-bresson/). - Jordi Socías. - Lisette Model. - Paul Strand. - Robert Doisneau. - Robert Frank. (https://jotabarros.com/robert-frank-el-testigo-incomodo/) - Saul Leiter (en EL Club también hay un curso monográfico sobre el gran Saul Leiter: https://jotabarros.com/curso/monografico-fotografia-callejera-saul-leiter/) - Stephen Shore. - William Eggleston (https://jotabarros.com/analisis-fotografia-callejera-william-eggleston-cassidy-bayou-1969/). Trabajos - Lección de Fotografía, Stephen Shore. (https://jotabarros.com/libro-leccion-fotografia-stephen-shore/) - Cuenca en la Mirada, de Navia (https://jotabarros.com/libro-fotografia-calle-cuenca-en-la-mirada-jose-manuel-navia/). - Lusofonías, José Manuel Navia (https://jotabarros.com/libro-fotografia-pisadas-sonambulas-lusofonias-jose-manuel-navia-fabrica/). - Miguel de Cervantes o el Deseo de Vivir, José Manuel Navia (https://jotabarros.com/libro-fotografia-miguel-cervantes-deseo-vivir-jose-manuel-navia/). - Nóstos, José Manuel Navia (https://jotabarros.com/libro-fotografia-nostos-jose-manuel-navia/). - Sixty Years of Photographs, Paul Strand (https://amzn.to/3wt4hRx). - The Americans, Robert Frank. (https://jotabarros.com/the-americans-los-americanos-de-robert-frank/) Gracias por tu escucha. Si te ha gustado este capítulo de Calle Oscura, deja tu valoración positiva en Ivoox, Apple Podcast y Spotify, donde también puedes encontrar este podcast. No olvides suscribirte a través de cualquiera de esas plataformas para no perderte ningún episodio. Por favor, comparte este contenido entre tus redes para que llegue a más gente, puede suponer una gran diferencia. Y ahí abajo tienes los comentarios, para seguir conversando sobre los temas abordados con Navia. Muchas gracias por estar ahí, al otro lado. Muy pronto, nuevo episodio del podcast. Mientras tanto… Nos vemos en las calles! Jota.

La Fundación Mapfre ha abierto en su sede de Madrid, paseo de Recoletos, una muestra de la obra de uno de los grandes maestros de la fotografía del siglo XX. Bill Brandt nació alemán pero se convirtió en británico. Su carrera discurre durante medio siglo en Inglaterra. Llegó al Reino Unido en una época de tensión con Alemania, que desembocaría en la II Guerra Mundial. Brandt era, oficialmente, inglés. Ocultó su origen alemán para poder vivir sin sospechas. Sus dos grandes maestros son Atget y Brassaï. El segundo es el fotógrafo que más le influyó, y como el propio Brandt reconoce en un audiovisual en la muestra, el fotógrafo al que más admira. La exposición en la Fundación Mapfre está organizada en campos temáticos: paisajes, desnudos, retratos, el "arriba y abajo" de las clases sociales en Inglaterra, y un "elogio de la imperfección" en el que se analiza su técnica artesanal de revelado.

With The Book Tour (Top Shelf Productions), cartoonist Andi Watson makes his triumphant return to 'grown-up' comics, spinning a tale more Waugh than Kafka about a midlist British author on a book tour from hell. We get into the book's path to publication, the new drawing style he developed for this one, why he's shifted genres & styles over the course of his career, and how this book's visual setting was inspired by Atget's early-morning photos of Paris. We talk about the YA and middle-reader comics he's made in recent years, the quirks of writing for different age-tiers, how comics publishing has changed since he got into the field in the '90s, how Love & Rockets bent his brain at 18 & sent him on this wayward path, and why he's looking forward to going on a real book tour for The Book Tour someday! Follow Andi on Twitter and Instagram, subscribe to his e-mail and support his work via Patreon • More info at our site • Support The Virtual Memories Show via Patreon or Paypal

Após quatro anos de intensas reformas, o museu Carnavalet, em Paris, reabriu as portas para o público. Uma exposição paralela traz o trabalho do fotógrafo Henri Cartier-Bresson sobre a capital.  Muitos parisienses, franceses e uma minoria de turistas aproveitam a nova fase de fim das restrições sanitárias para mergulhar na história de Paris. É uma verdadeira viagem no tempo, entre objetos de época, ambientes restaurados, mapas e obras de arte.  “Durante as reformas, reformulamos o percurso de visita, que vai da pré-história aos dias de hoje”, conta Anne de Mondenard, conservadora e responsável pelo departamento de fotografias.“O Carnavalet é um museu dedicado à história de Paris. Ele é o mais antigo da cidade, fica no Marais, ocupando duas antigas mansões, num espaço de 3.900m². O novo percurso de visita tem 3.800 obras, que foram todas restauradas”, acrescenta a curadora. Para marcar a abertura, o museu Carnavalet organizou a mostra “Revoir Paris” (Rever Paris) com imagens feitas pelo fotógrafo Henri Cartier-Bresson. Anne de Mondenard, que também é curadora da exposição, explica: “A exposição ‘Revoir Paris' propõe retraçar os laços do fotógrafo com a cidade, onde ele praticamente nasceu, viveu e que o alimentou artisticamente. Ele nunca deixou de fotografar Paris nas pausas entre suas longas viagens. O título ‘Rever Paris' evoca justamente o estado de espírito de Cartier-Bresson quando estava na cidade. Era também uma maneira de refrescar o olhar, de estar atento e curioso em um meio familiar. A exposição, que é cronológica e temática, acompanha o desenvolvimento de sua carreira, que começou em Paris e, em seguida, madura, quando está na agência Magnum. Depois vem o afastamento progressivo da foto, quando ele passa a se dedicar ao desenho no final da sua vida.” Paralelamente, a Fundação Henri Cartier-Bresson (HCB), também no Marais, exibe trabalhos de Eugène Atget, um pioneiro da fotografia. As duas instituições – o museu Carnavalet e a fundação – fizeram uma parceria para compartilhar os acervos dos dois fotógrafos tão simbólicos para Paris, como conta Anne de Mondenard. "A exposição de Henri Cartier-Bresson no Carnavalet nasce por causa de um projeto anterior, de uma mostra de Eugène Atget na fundação HCB. Atget fotografou Paris do final do século 19 até meados da década de 1920. A fundação quis expor Atget, usando também nosso acervo, que tem mais de 9 mil fotos do artista. Então nasceu essa colaboração, que faz ao mesmo tempo uma mostra de Cartier-Bresson aqui, com fotos do nosso arquivo e da fundação.”   A mostra "Rever Paris", com fotos de Henri Cartier-Bresson fica em cartaz no museu Carnavalet até 31 de outubro de 2021. Essa exposição é paga, mas a visita ao museu Carnavalet é gratuita.

“Henri Cartier-Bresson“ Revoir Parisau musée Carnavalet – Histoire de Parisdu 15 juin au 31 octobre 2021Interview de Agnès Sire, directrice artistique, Fondation Henri Cartier-Bresson, et co-commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 14 juin 2021, durée 14'30.© FranceFineArt.Communiqué de presse commissariat général : Valérie Guillaume, directrice du musée Carnavalet – Histoire de Paris François Hébel, directeur de la Fondation Henri Cartier-Bresson commissariat scientifique : Anne de Mondenard, conservatrice en chef, musée Carnavalet – Histoire de Paris, Agnès Sire, directrice artistique, Fondation Henri Cartier-Bresson Aude Raimbault,, conservatrice des collections, Fondation Henri Cartier-Bresson Pour sa première exposition après réouverture, le musée Carnavalet – Histoire de Paris s'associe avec la Fondation Henri Cartier-Bresson pour mettre en lumière l'importance de Paris dans la vie et l'oeuvre d'Henri Cartier-Bresson, l'un des plus grands photographes français du XXe siècle. Le musée revisite les liens tissés par l'artiste avec une ville où il a toujours habité et qui l'a nourri artistiquement.Après des débuts marqués par l'influence du photographe Eugène Atget et des artistes surréalistes, Cartier-Bresson se découvre voyageur au long cours, avec Paris comme port d'attache. Dans cette ville, qu'il ne cesse de redécouvrir, c'est d'abord l'être humain qui l'intéresse. Il le saisit dans la rue ou à l'occasion de rencontres. Il témoigne aussi de grands événements d'actualité comme la Libération de Paris en août 1944 et Mai 68. Il gagne, dès qu'il le peut, les lieux de manifestations.À Paris, comme ailleurs, son appareil photo ne le quitte pas. Photographier est une respiration, une affirmation, une protestation parfois. Ses images parisiennes qui figurent en bonne place dans son oeuvre, témoignent de ses errances mais sont également prises dans le cadre de reportages et commandes souvent méconnues pour la presse internationale – Cartier-Bresson n'en retient généralement qu'une image dans ses livres et expositions. Cette mosaïque définit un flâneur particulièrement attiré par les quais de la Seine et le Paris des marges.Fruit d'un travail de recherche de plusieurs années, l'exposition présente des tirages originaux dont une trentaine d'inédits, des publications, ainsi que des enregistrements audiovisuels de l'artiste. Les photographies sont issues pour majorité des collections du musée Carnavalet et de la Fondation Henri Cartier-Bresson.Conçu conjointement par les deux institutions, ce projet résonne avec l'exposition Eugène Atget – Voir Paris présentée à la Fondation HCB et réalisée à partir des collections du musée Carnavalet.Un ouvrage comprenant les essais des commissaires et 200 reproductions est publié aux Éditions Paris Musées.Cette exposition est organisée par le musée Carnavalet – Histoire de Paris, Paris Musées et la Fondation Henri Cartier-Bresson.Paris par Eugène Atget (1857 – 1927) et Henri Cartier-Bresson (1908 – 2004)Environ deux générations séparent les deux photographes. Le premier, Eugène Atget, abandonne sa carrière de comédien, le deuxième, Henri Cartier-Bresson, celle de peintre, au profit d'un art relativement nouveau, l'enregistrement photographique. Dans une double exposition exceptionnelle et des approches inédites, la Fondation HCB (du 3 juin au 19 septembre 2021) et le musée Carnavalet – Histoire de Paris (du 15 juin au 31 octobre 2021), s'associent pour montrer, à partir de leurs collections, l'essence de la capitale dans l'œuvre de ces deux grandes figures de la photographie française.Henri Cartier-Bresson, subjugué par l'approche d'Eugène Atget, l'imitera jusqu'au moment où il découvre le Leica et « l'image à la sauvette ». « Prendre la poudre d'escampette » après avoir enregistré ce qu'il a vu, comme le disait souvent Cartier‑Bresson, reste sa provocation favorite alors que pour Atget, dès l'aube, son lourd chargement sur le dos, l'enregistrement est très réfléchi ; on y devine peu de hasards mais un plaisir de la vision qui s'affirme avec le temps.Atget, plus intéressé par la ville, depuis l'architecture la plus classique jusqu'aux cours les plus reculées, a mis en images de façon obsessionnelle un Paris marqué par l'histoire, proposant ses tirages à des artistes, des musées ou des bibliothèques. Les personnages qui s'invitent dans le cadre se fondent dans le décor. Henri Cartier‑Bresson, après avoir fréquenté les surréalistes dans les années vingt, se découvre voyageur au long cours, avec Paris comme port d'attache. Plus que la ville, c'est l'Homme qui l'intéresse, il le saisit dans la rue ou à l'occasion de rencontres. Son boitier ne le quitte pas, photographier est une respiration, une affirmation, une protestation parfois, une flânerie parfois guidée par un reportage qui lui était demandé. Atget n'a rien dit ou presque sur son travail. Des propos rapportés ont servi à définir un projet essentiellement documentaire mais son approche directe et emprunte de poésie a fasciné nombre de ses contemporains, d'où les commentaires les plus contradictoires sur cette oeuvre atypique.Cartier‑Bresson, dont le musée Carnavalet possède une belle collection, a beaucoup commenté son travail et surtout en opposition à ce que l'on voulait lui faire dire. Il en résulte une autre complexité confirmée par l'examen de ses archives conservées au sein de sa fondation.Photographes, Atget et Cartier-Bresson sont aussi de grands lecteurs. Ces deux figures foncièrement indépendantes, un brin austères, n'ont cultivé ni concepts intellectuels ni principes artistiques pour se fonder sur la valeur de l'expérience. Ils invitent à exercer notre regard, à considérer la complexité de ce monde comme la source même de notre faculté imaginaire. L'Histoire a voulu que ces deux oeuvres, émancipatrices de la photographie, soient d'abord reconnues aux États-Unis, avant de laisser chacune une postérité immense. Les deux commissaires ont voulu que cette sélection originale reflète la dimension poétique des deux auteurs.À l'occasion de la réouverture des musées, et notamment celle du musée Carnavalet après quatre années de fermeture pour travaux, c'est une célébration de Paris par des regards singuliers, avant qu'elle ne devienne l'une des villes les plus photographiées au monde.À la Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris – Eugène Atget. Voir Paris du 3 juin au 19 septembre 2021 avec un ouvrage éponyme, publié par Atelier EXB.L'article sur FranceFineArt : https://francefineart.com/2021/06/03/3089_atget-voir-paris/ Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

“Eugène Atget” Voir Parisà la Fondation Henri Cartier-Bresson, Parisdu 3 juin au 19 septembre 2021Interview de Anne de Mondenard, responsable du département Photographies et Images numériques, musée Carnavalet – Histoire de Paris, et co-commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 1er juin 2021, durée 18'20, © FranceFineArt.Extrait du communiqué de presse :Commissariat :Anne de Mondenard, responsable du département Photographies et Images numériques, musée Carnavalet – Histoire de ParisAgnès Sire, directrice artistique, Fondation HCBÀ partir des collections du musée Carnavalet ‑ Histoire de Paris, l'exposition présentée à la Fondation HCB est le fruit d'un long travail de recherche entrepris conjointement par les deux institutions. Le résultat est une exposition exceptionnelle autour de l'oeuvre d'Eugène Atget (1857-1927), figure atypique et pionnière de la photographie. Avant tout artisan, dont la production prolifique d'images est destinée aux artistes et amateurs du vieux Paris, c'est à titre posthume qu'Eugène Atget accède à la notoriété. Critiques et photographes perçoivent dans ses images de Paris l'annonce de la modernité. Parmi eux, Henri Cartier‑Bresson, qui cherche à l'imiter dans ses premières images. Ainsi, la place de Paris dans l'oeuvre de Cartier‑Bresson fera l'objet d'une exposition au musée Carnavalet du 15 juin au 31 octobre 2021, projet conçu avec la Fondation HCB.D'abord reconnu aux États-Unis et par les cercles surréalistes français, plébiscité par les générations de photographes qui lui ont succédé, Eugène Atget exerce encore au XXI ème siècle une influence sans précédent même si le regard sur son oeuvre reste encore parfois contrasté. Le photographe, chargé d'une chambre photographique et de plaques de verre, saisit souvent ses images au lever du jour et s'attache à collectionner le vieux Paris pendant une trentaine d'années. Il explore aussi la limite de la ville, que l'on appelle « la zone ». Ses images de rues quasi-désertes, de devantures de magasins et de cours témoignent aujourd'hui des changements urbanistiques réalisés au tournant du XX ème siècle.Au-delà de leur caractère documentaire, les images d'Eugène Atget témoignent d'une profonde sensibilité esthétique, caractérisant l'apport inestimable du photographe au medium. Alors que Paris change, la façon de travailler d'Eugène Atget évolue aussi pour devenir de plus en plus sensible à la lumière et aux effets atmosphériques. Son culte du détail (à partir de sujets modestes), à rebours du pictorialisme triomphant de l'époque, est aussi singulièrement moderne et laisse affleurer cette notion de plaisir, rarement évoquée à propos d'Atget. L'exposition et l'ouvrage qui l'accompagne offrent ce plaisir en partage.Cette exposition est organisée par le musée Carnavalet – Histoire de Paris, Paris-Musées et la Fondation Henri Cartier-Bresson. Le musée Carnavalet – Histoire de Paris conserve un ensemble de plus de 9 000 tirages d'Atget, soit la collection la plus vaste de ce photographe. L'exposition Eugène Atget – Voir Paris présente une sélection d'environ 150 épreuves originales tirées par l'auteur.L'exposition Eugène Atget – Voir Paris est accompagnée d'un ouvrage éponyme, publié par Atelier EXB. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

“Histoires de photographies” Collections du Musée des Arts Décoratifsau MAD, musée des Arts Décoratifs, Parisdu 19 mai au 12 décembre 2021Interview de Sébastien Quéquet, attaché de conservation en charge des collections photographiques, département des Arts graphiques et commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 19 mai 2021, durée 27'22, © FranceFineArt.Extrait du communiqué de presse :CommissariatSébastien Quéquet, attaché de conservation en charge des collections photographiques, département des Arts graphiquesAvec la collaboration de :Sonia Aubès, documentalisteMax Bonhomme, docteur en histoire de l'artIris Cartron, élève de l'École normale supérieureBéatrice Krikorian, chargée de missionLe Musée des Arts Décoratifs présente une exposition de ses collections de photographies, révélées pour la première fois au public. Ce fonds patrimonial exceptionnel, riche de plus de 350 000 phototypes, rassemble des photographies de mode, d'architecture, de paysage, de décor, mais aussi publicitaires, allant des années 1840 aux créations les plus récentes.« Histoires de photographies » retrace, à travers 400 tirages originaux et négatifs, un siècle et demi d'histoires photographiques immortalisées par de grands noms tels Eugène Atget, Laure Albin-Guillot, Dora Kallmus, plus connue sous le nom de Madame d'Ora, Man Ray, Cecil Beaton, Robert Doisneau, Bettina Rheims, David Seidner… Chronologique et thématique, l'exposition dévoile la diversité des usages de la photo — politique, économique, juridique, artistique ou documentaire — et met en lumière les croisements, sensibles ou inattendus, avec les arts décoratifs. Elle offre ainsi un regard neuf sur le rôle de premier plan que le Musée des Arts Décoratifs a joué dans la reconnaissance de la photographie sur la scène artistique française.Dès son origine en 1864, l'Union centrale des beaux-arts appliqués à l'industrie – aujourd'hui Les Arts Décoratifs – envisage la photographie comme un « art appliqué à l'enseignement et à la vulgarisation ». Elle est alors considérée comme l'un des vecteurs les plus efficaces pour inspirer les ouvriers et artisans en plein contexte d'émulation artistique et économique. Au temps des premières expositions d'arts industriels, l'institution produit ses propres photographies grâce au laboratoire qu'elle met en place en 1883 et appelle les photographes à rejoindre ses rangs afin de fournir des modèles, en vue de former le regard et d'éduquer par l'image. Au fil du temps, le musée et sa bibliothèque acquièrent des milliers de clichés ayant pour vocation de documenter les collections que les créateurs ont pu donner par ailleurs, à l'instar de la maison Fouquet ou Louis Sognot.Au-delà des collections, c'est toute une politique d'expositions que la photographie nourrit tout au long du XXe siècle comme l'« Exposition des photographies de guerre » en 1916 ou l'« Exposition internationale de la photographie contemporaine » en 1936. La programmation propose et accueille les premières rétrospectives françaises consacrées à Henri Cartier-Bresson (1955) ou à Jacques Henri Lartigue (1975). En 2021, le musée rend un nouvel hommage à la photographie mais cette fois à travers le prisme de sa propre collection. Six sections permettent d'en saisir la profusion et la variété : la quête des modèles, les vues de pays comme objet d'étude et d'inspiration, la photographie au service du patrimoine, l'utilité commerciale de la photographie exploitée par la presse et la publicité, la reconnaissance de la photographie et la photographie de mode.Le parcours débute au commencement de l'histoire de la photographie dans le sillon des premières associations et institutions : la Société française de photographie voit le jour en 1854 et la Chambre syndicale de la photographie en 1862. Cette partie introduit le visiteur dans les premières images de ce milieu du XIXe siècle en rappelant leur vocation pédagogique pour les artistes et les artisans. L'acquisition de modèles photographiques – natures mortes mais aussi ornements ou figures – est alors au coeur des impératifs des institutions.Le XIXe siècle est aussi une époque d'échanges et de mouvements. Les expositions universelles, plus particulièrement à partir de 1867, invitent à découvrir le monde, cet « ailleurs » que l'on méconnait alors, et la photographie participe à ce phénomène. Les clichés pris à l'étranger ont nourri l'imaginaire des artistes et des décorateurs, autant que celui des collectionneurs. De l'Amérique du Sud à l'Asie en passant par l'Europe et la Méditerranée, les photographies témoignent de différents points de vue : colonial, touristique, ethnographique ou personnel. La photographie est également l'une des ressources les plus convoquées à l'heure où s'organise la protection des monuments. En apportant un témoignage visuel de leur état et de leur transformation, elle joue un rôle essentiel à l'égard du patrimoine et de l'architecture à travers l'objectif d'Henri Le Secq ou de Charles Marville.L'exposition entraîne le visiteur dans les années 1920-1930, qui voient l'apparition progressive de la photographie publicitaire. Cette partie dévoile comment l'essor du modernisme photographique doit autant aux photographes eux-mêmes qu'aux graphistes, éditeurs et décorateurs, qui font entrer l'image dans les domaines de la vie quotidienne. L'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, qui se tient à Paris en 1925, est fondamentale pour le marché de la photographie et de l'édition. Certaines revues comme Art et Décoration ou L'Architecture d'Aujourd'hui, et Connaissance des arts ensuite, accordent une place croissante à l'illustration photographique. Publiées dans ces revues, les clichés de Thérèse Bonney, Dora Kallmus ou Jean Collas jouent également un rôle de diffusion de modèles, contribuant au renouveau de la création et à l'évolution des goûts.C'est également l'ambition de l'Union française des arts du costume (UFAC), créée en 1948, sous l'impulsion de François Boucher, qui rassemble un ensemble prestigieux de pièces de mode, textiles et de tirages dont la gestion est alors confiée au musée. L'alliance de ces deux collections, dont l'accord est scellé en 1981, devient le socle de la mode du Musée des Arts Décoratifs. Le corpus photographique apporte un témoignage artistique et intime sur les figures les plus marquantes de la haute couture parisienne : Charles Frederick Worth, Madeleine Vionnet, Paul Poiret… Créateurs que les toutes récentes expositions « Harpers Bazaar. Premier magazine de mode » et « Le dessin sans réserve » ont mis en lumière.« Histoires de photographies » s'inscrit dans une programmation initiée en 2020 avec « Le dessin sans réserve », à la suite de « Faire le mur. Quatre siècles de papiers peints » en 2016, qui s'attache à faire découvrir au public toute la richesse de fonds restés longtemps dans l'ombre. L'exposition révèle les contours d'un médium à part entière, ses personnalités fondatrices et ses expressions les plus surprenantes.Un catalogue éponyme est disponible aux éditions MAD. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

Desde muy temprano Camilo decidió que quería vivir cerca de la música. A punta de organizar camerinos, escenarios y probándose como ingeniero de sonido pudo ser testigo del nacimiento (y también del fracaso) de muchas bandas de rock y de varios intentos por desarrollar una industria del espectáculo en Colombia. Fue persiguiendo el trance que veía en muchos músicos que llegó a la fotografía y desde ahí se ha dedicado a registrar los dramas de artistas, deportistas y sociedades enteras. En esta conversación hablamos sobre esa trayectoria, sobre qué es la excelencia y sobre el pasado, presente y futuro de la música en Colombia. Pueden conocer más del trabajo de Camilo en su página web (https://www.camilorozo.com) o en su Instagram, @camilorozo Pueden encontrarnos en su aplicación de podcasts favorita, o como @expertosdesillon en Instagram, @ExpertoSillon en Twitter o también pueden escribirnos a expertosdesillon@gmail.com Expertos de Sillón es un podcast donde conversamos con nuestros invitados e invitadas sobre sus grandes obsesiones, sus placeres culposos o sus teorías totalizantes acerca de cómo funciona el mundo. Es un proyecto de Sillón Estudios. Conducen Alejandro Cardona y Sebastián Rojas. Produce Sara Trejos. REFERENCIAS La crónica osbre EcoMundo 92 la encuentran en Vice (https://www.vice.com/es/article/kzej8x/ecofracaso-la-triste-noche-en-la-que-giimour-y-daltrey-se-presentaron-en-cali). Cuatro bandas que recomienda Camilo: Los PetitFellas, Mabiland, Tori Amos, Led Zepelin. Dos fotógrafos: Eugène Atget, Margaret Bourke-White.

Essayez gratuitement les outils Adobe Creative Cloud pendant 7 jours : https://urlr.me/xz8qh Neuvième podcast dans un format focus avec l’incontournable Brigitte Patient, porte-parole de la photographie, qui a conduit la seule émission de radio qui parlait d’image pendant près de 8 ans. Brigitte Patient est née à Bourges, elle a commencé en tant qu’institutrice puis a découvert la radio grâce à l’un ses professeurs et fait ses débuts en 1982. Après plusieurs expériences, elle rejoint France Inter en 1990 où elle y anime diverses émissions pour finalement créer celle qui a laissé une trace importante dans le monde la photographie : Regardez Voir. Elle a été et est toujours un témoin unique d’un médium en plein développement en réalisant des interviews et en se déplaçant dans plusieurs festivals et foires photographiques. Durant l’été 2019, elle a également réalisé la série « photos mythiques », neuf émissions sur les images qui ont marqué l’histoire comme La petite fille au napalm de Nick Ut ou Identical Twins de Diane Arbus. Sa voix, que vous entendez aujourd’hui, a été et est encore synonyme de couleurs, de douceur, de passion et d’une grande sensibilité. Prenez ce podcast comme un hommage car c’est véritablement le cas. D’une certaine façon, sans Brigitte Patient et sans son implication dans le monde de la photographie sous ce format, le podcast Vision(s) n’aurait pas été créé. Très bonne écoute à vous !  Nous soutenir https://visionspodcast.fr/nous-soutenir/ Pour aller plus loin Paul Pouvreau, Cafe Lehmitz – Anders Petersen, Diane Arbus, Lella - Édouard Boubat, Brassaï, Robert Doisneau, Willy Ronis, Eugène Atget, Denis Brihat, Christian Caujolle, Laurence Leblanc, Olivier Cullman, Dominique Sagot-Duvauroux, François Cheval, Sarah Moon, Bogdan Konopka, Letizia Battaglia, Day by Day - JH Engström, Crépuscules - Irene Jonas, Je vous écris avec la chair des mots - Michaël Serfaty, Out of Sight - Delphine Parodi, Yoko Tawada. Liens https://www.instagram.com/brigittepatient/ https://www.facebook.com/BrigittePatientPhotographie https://www.instagram.com/podcastvisions/  https://www.visionspodcast.fr/

Episode 22 - Jump Cuts Show Notes What the impeachment videos teach us about brands. Second Trump Impeachment Prosecution Video Second Trump Impeachment Defense Video "Continuity editing" Montage examples: "The Thomas Crown Affair" "Grand Prix" Jean-Luc Goddard, "King Lear" Walter Benjamin: "The Work of Art In The Age of Mechanical Reproduction" Eugène Atget photographs LIFE Magazine LIFE Magazine, "Drama of Life Before Birth" 1965 What do these videos have to do with branding? George Stevens films: "A Place In The Sun" and Auschwitz documentation Alfred Hitchcock's directorial approach Terrence Malick's directorial approach Ada Louise Huxtable on real/real, real/fake, fake/real, fake/fake BrandBox Live Show Note Discussions on Clubhouse Send your ideas to hello@brandbox.show Apply to SVA Masters in Branding Program Please subscribe and review BrandBox on Apple Podcasts and consider hitting the Donate button on BrandBox.show! Don’t forget to submit your questions, comments, and ideas for future episodes of BrandBox to hello@brandbox.show Thanks for your support!

In this episode, I dive into the importance of looking for a role that fully aligns with what you genuinely find interesting and are good at.   I will challenge you to explore whether you are actually looking at the right opportunities so that you can identify how to position yourself in the right marketplace.What you will learn:How to identify the best way to plug gaps that you might have in skills and expertise.Ways to think outside the box for the roles you are looking atGet clarity on why you are frustrated with your current position and identify what you no longer enjoy doingWhy it is important not to settle and stick to your goalsTHIS EPISODE IS BOUGHT TO YOU BY THE CAREER CLARITY ACADEMYThis episode was brought to you by my signature program, the Career Clarity Academy.If you are looking for support with changing career direction, book a suitability call >> www.lightboxcoaching.com/academy

Fred Lyon is a time traveler with a camera and tales to tell. At 94-years-old, this former LIFE magazine photographer and fourth generation San Franciscan has an eye for the city and stories to match. We showed photos from Fred's books San Francisco, Portrait of a City: 1940-1960 and San Francisco Noir, and images spanning his diverse career. In conversation he'll discuss his art, work, and life; recollections of old friends like Herb Caen and Trader Vic Bergeron; and more. He shared his unique perspective after nearly a century in San Francisco. Fred Lyon's career began in the early 01940's and has spanned news, architecture, advertising, wine and food photography. In the golden years of magazine publishing his picture credits were everywhere from LIFE to VOGUE and beyond. These days find him combing his picture files for galleries, publishers and print collectors. He has been called San Francisco's Brassaï. He's also been compared to Cartier Bresson, Atget and Andre Kertez, but all with a San Francisco twist. That's fine with this lifelong native who happily admits his debt to those icons.

What's the first image that comes to mind when you hear the words “Paris” and “photography”? Is it a famous photo, perhaps an Atget, Brassai, or Doisneau? In her new book, Paris and the Cliché of History: The City in Photographs, 1860-1970 (Oxford UP, 2018), Catherine Clark explores the history of how and why photographic images have been central to understanding and imagining the city's present and past, figuring profoundly in the representation and documentation of change over time in the French capital. In this beautifully illustrated and fascinating book, Clark recounts and analyzes the story of the collection, mobilization, and recollection of photographs as historical documents, a visual archive of urban transformation and memory. From the inauguration of the city's first photo archives at the Musée Carnavalet, to the illustrated “photohistory” books that used images as documentary evidence, to the photographic museum exhibits, commemoration, and even a citywide contest, in which past and pictures were imbricated, the book looks at how photographs work, and takes seriously their biographies long after moments of capture. Moving beyond the work of key photographers, Clark examines how publishers, historians, public servants, and a range of other actors all participated in making Paris the quintessential capital of photography from the nineteenth century up to the 1970s. The book will be of great interest to anyone interested in the history of the city, of photography, of how the past is conceived and made in a field at once visual, technological, material, and affective. Roxanne Panchasi is an Associate Professor of History at Simon Fraser University in Vancouver, Canada who specializes in twentieth and twenty-first century France and its empire. She is the author of Future Tense: The Culture of Anticipation in France Between the Wars (2009). Her current research focuses on the history of French nuclear weapons and testing since 1945. Her most recent article, '"No Hiroshima in Africa": The Algerian War and the Question of French Nuclear Tests in the Sahara' appeared in the Spring 2019 issue of History of the Present. She lives and reads in Vancouver, Canada. If you have a recent title to suggest for the podcast, please send her an email (panchasi@sfu.ca).

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6. Eugène Atget, "Courtyard, St. Gervais And Protais", 1899–1900 by Taft Museum of Art

2. Berenice Abbott, "Eugène Atget", 1927 by Taft Museum of Art

5. Eugène Atget, "St. Cloud Park (Parc De St. Cloud)", 1919–21 by Taft Museum of Art

4. Eugène Atget, "Panthéon Seen From The Rue Valette (Coin De La Rue Valette Et Panthéon)", 1923 by Taft Museum of Art

7. Eugène Atget, "Ragpicker’s Hut, Montreuil Portal (Porte De Montreuil)", About 1910 by Taft Museum of Art

8. Eugène Atget, Printed By Berenice Abbott, "Atget’s Studio", 1910–11, Printed Later by Taft Museum of Art

9. Eugène Atget, Printed By Berenice Abbott, "Woman In Doorway, Versailles", 1921 by Taft Museum of Art

10. Eugène Atget, Printed By Berenice Abbott, "Eclipse", 1911, Printed 1956 by Taft Museum of Art

11. Eugène Atget, Printed By Berenice Abbott, "Boulevard De Strasbourg, Corsets", 1912 by Taft Museum of Art

18. Berenice Abbott, "20 Photographs By Eugène Atget", New York, 1956 by Taft Museum of Art

“A good photograph is like a good hound dog, dumb, but eloquent” Eugene AtgetWelcome to the Outerfocus Podcast!As we hit our 20th episode! we are joined this week by American photographer Charles Peterson. We talk with Charles about his career right from his college days shooting gigs, and touch on his time at the Seattle based independent record label Sub Pop. Charles is well known for his music photography, especially shooting the likes of Kurt Cobain and Pearl Jam, so we find out more about that as well as projects such as Grunge and Cypher. We also discuss his current direction in photography and hear about his future plans such as a new book and more.History of photography this week focuses on Eugene Atget, a French documentary photographer born in 1857. We discuss how he went from actor to being well known for his work surrounding Paris street scenes prior to modernisation, and how his work became truly recognised after his death thanks to efforts by the likes of Berenice Abbot.Atget Links:Wiki MOMAGuest Links:https://www.charlespeterson.nethttps://www.instagram.com/charles.peterson.photographer/Host Links:https://www.outerfocuspodcast.cominfo@outerfocuspodcast.comhttps://www.instagram.com/f8kym/Bradley Hansonhttps://www.bradleyhanson.comhttps://www.facebook.com/bradleyhansonphotographyhttps://www.instagram.com/bradleyhansonphotography/https://twitter.com/bradleyhansonIan Weldonhttp://ianweldon.comhttps://www.instagram.com/not_wedding_photography/https://www.facebook.com/Ian-Weldon-Photography-124854627581367/

We chat with Geoff Dyer about the "visual novelist" and street photographer Garry Winogrand. Dyer highlights the wild humor of Winogrand's eye, how his photographs were packed with narrative potential, how he approached writing short vignettes to complement images in the literary style of John Szarkowski’s Atget or Mark Strand's On Edward Hopper, and the intrigue of Winogrand's out-of-control creative impulse toward the end of his life.

Who better to roam the French capital with than Mark Steinmetz, author of Paris in my time? We started our conversation over breakfast in a bustling café in Montmartre and then made our way to the Place de Clichy, with Mark all the while making pictures (listen closely for the shutter) for an ongoing project. We talked about Atget and Cartier-Bresson, light and weather, punks and tennis. About Winogrand and exceeding yourself with a camera.

A couple months after our publication of John Gossage's A Dozen Failures, we talked with John about that title, some of his previous projects, and the history of photobooks running from Atget to Evans and Frank to Baltz and up to today.

Epinomis (ΕΠΙΝΟΜΙΣ) may not have been written by Plato. The text praises mathematics and astronomy as the purest forms of religious expression by arguing that God implanted mathematical tendencies in humans and that the stars are subject to divine influence. Photograph: Versailles, Maison Close, Petit Place, Mars 1921 (Brothel, Versailles, Petit Place, March 1921) by Eugène Atget.

Are you looking for a way to start the conversation with your audience? You know what you have to share is impactful and can help people if you can just get your message out.  One of the easiest ways to do this is by being a guest on a podcast.  Most podcast hosts are looking for guests for their show.  They need someone who can talk with passion about a subject. You have the passion for what you do you want to share it with the world.  There are over 180,000 podcasts you could share your message on So what does it take to be a good podcast guest?  Here are the 6 simple steps to sharing your message with the world and use this sharing to engage with your audience Decide -Who do you want to talk toAnswer the question - Why am I am expert or what am I an expert atGet on a podcastShare your messageGive the listener a reason to be a visitor to your siteAnd then further engagement with these people   get all of todays information at Tmschwab.com/thriving

Eugene Atget’s photograph of conical shrubs in Saint Cloud provides the visual resource for a discussion of how careful camera placement can affect a photograph. Saint Cloud, 1921 Photograph by Eugene Atget A great resource on Atget on Artsy