Podcasts about arts d

We meet Alev Ebüzziya Siesbye (b. 1938, Istanbul, TR) is a ceramic artist known for her refined, monochrome stoneware bowls, which she has been producing for nearly sixty years. Working with the ancient coiling technique and a traditional wooden kick wheel, Ebüzziya Siesbye creates vessels that bear the intimate marks of her hand, balancing density and spaciousness, firmness and fragility. Fired at high temperatures, her bowls possess a stone-like solidity, while their sharp-edged lips and small, recessed bases lend them an impression of levitation. Though often unadorned, some pieces feature delicate horizontal lines along the rim to, as the artist describes, “prevent them from lifting off the ground.”Ebüzziya Siesbye studied sculpture at the Istanbul State Academy of Fine Arts before working at ceramic studios in Höhr-Grenzhausen, DE, and Istanbul. In 1963, she moved to Denmark to join the Royal Copenhagen Porcelain Manufactory, later founding her first independent studio in Copenhagen in 1969. She has lived and worked in Paris since 1987. She has been awarded many honors, including the 2022 Danmarks Nationalbank's Anniversary Foundation Honor Award and the Aydın Doğan Award, and her work has been the subject of retrospective exhibitions at the Museum of Turkish and Islamic Arts, Istanbul (TR), and the Museum of Decorative Arts, Copenhagen (DK).Ebüzziya Siesbye's ceramics are held in numerous museum collections, including the Cooper-Hewitt Museum, New-York (NY); the Victoria and Albert Museum, London (UK); the Los Angeles County Museum of Art (CA); Musée des Arts Décoratifs, Paris (FR); Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam (NL); the Museum of Decorative Arts, Copenhagen (DK); the Nationalmuseum, Stockholm (SE); the Royal Scottish Museum, Edinburgh, (SCT); and the Museum of Fine Arts, Houston (TX), among others.Follow @Salon94 on Instagram.Alev's current solo show ‘Vibrations' which runs in New York at Salon 94 until 8th August 2025, address 3 East 89th Street: https://salon94.com/exhibitions/alev-ebuzziya-siesbye-vibrations Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Aujourd'hui, Thomas Fontaine, parfumeur et président de l'Osmothèque, Emmanuel Guichard, délégué général de la FEBEA et Tristan Hinschberger, doctorant à l'École du Louvre, reviennent sur l'influence du mouvement Art Déco sur le parfum, un siècle après l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925.Une table ronde enregistrée lors de la Paris Perfume Week 2025 et animée par Sarah Bouasse.---- Podcasts by Nez, le rendez-vous audio de la culture olfactive - https://podcasts.bynez.com---Retrouvez tous nos podcasts sur les plates-formes habituelles (Spotify, Deezer, Amazon Music, Apple Podcasts, Youtube) Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mon nouvel invité sur le podcast est Thibaut Soulcié, un dessinateur de presse et de BD ultra prolifique. On s'est rencontrés avec Thibaut il y a une vingtaine d'années quand on étudiait aux Arts-Décoratifs de Strasbourg. Il sort le 9 mai une BD qui s'appelle « Dans la tête d'un dessinateur de presse » (aux éditions EXPÉditions). L'opportunité d'inviter Thibaut sur le podcast pour parler de son nouveau livre, du métier de dessinateur de presse (un métier qui est devenu malgré lui une vraie prise de risque depuis les attentats de Charlie Hebdo), mais surtout pour parler d'humour. J'espère que vous aurez autant de plaisir à écouter cet épisode que j'ai eu de plaisir à discuter avec Thibaut.Bonne écoute !Vous pouvez aussi suivre Thibaut sur Instagram sur son compte @thesoulce. Portrait par Thomas BoivinHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Mit der „Exposition des Arts Décoratifs“ tritt Art déco vor 100 Jahren in Paris den Siegeszug an. Der Stil setzte mit Luxusmaterialien neue Maßstäbe – von Möbeln über Architektur bis hin zu Alltagsgegenständen wie Zigarettenetuis und Autos. Strecker, Nicole www.deutschlandfunk.de, Kalenderblatt

Bien sûr qu'on a enregistré notre live à la Nouvelle Seine, c'était le 20 mars dernier, mais vous n'en louperez pas une miette. Dans cet épisode, vous saurez reconnaître les différents types de rire et vous apprendrez que les auto-tamponneuses c'est pas vraiment comme les voitures.Merci à La Nouvelle Seine, à Camille à la régie, à Tanguy Goasdoué pour notre voix off d'introduction et à Amaury Magne d'avoir librement interprété Kalinda Rampfuck.Les ups and downs :Le down de Camille : recommander des artistes masculinsLe up d'Alix : le théâtre d'impro et son week-end à BordeauxLe rollercoaster de Kalindi : passer à "ça" de gagner 150 000€Le up de Louise : l'exposition « L'Intime » au Musée des Arts Déco Dans cet épisode, on parle de ça :l'artiste Chatonle Café-Théâtre Improvidence à Bordeauxle catalogue d'exposition de L'Intime : de la chambre aux réseaux sociauxCharlotte Day WilsonL'association pour l'autobiographieSuivez-nous sur Instagram :Louise : @petrouchka_Alix : @alixmrtnKalindi : @kalramphulCamille : @camille.lorente Abonnez-vous au 5ème Quart d'heure ici : https://plus.acast.com/s/4-quarts-dheure. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Dos discos de la setmana: El nou treball de l'island

Le Musée des Arts décoratifs vous propose cette rétrospective originale que vous pouvez aller voir en famille. L'ours en peluche est présent dans toutes les chambres d'enfant. C'est pourtant paradoxal car il s'agit à la base d'un animal féroce et sauvage. Ce jouet est relativement récent car il a été inventé simultanément en Allemagne et aux États-Unis au tout début du 20ème siècle. La douceur de l'ours convoque le sens du toucher. Les enfants adorent le câliner. L'ours en peluche va devenir un véritable doudou. « Mon ours en peluche », c'est jusqu'au 22 juin. Rendez-vous au Musée des Arts décoratifs, 107 rue de Rivoli dans le 1er arrondissement, métro Palais Royal Musée du Louvre. Et sachez que l'espace de l'exposition est accessible grâce à un ascenseur.

Le Musée des Arts Décoratifs vous propose l'exposition « Christofle, une brillante histoire ». C'est la première rétrospective de cette ampleur. Christofle est une célèbre maison d'orfèvrerie fondée en 1830. Elle a prospéré grâce à deux artistes de génie, Charles Christofle et Henri Bouilhet. Grâce à eux, l'argent se diffuse dans la vie quotidienne. Vous découvrirez des œuvres féériques. En plus des pièces d'orfèvrerie, vous pourrez admirer des bijoux, des tableaux, des dessins et des affiches. Vous pourrez voir des objets très différents, de la petite cuillère aux vases monumentaux. «Christofle, une brillante histoire », c'est jusqu'au 20 avril Rendez-vous au Musée des Arts Décoratifs, 107 rue de Rivoli dans le 1er, métro Palais-Royal. Et sachez que les espaces des expositions sont accessibles grâce à des ascenseurs.

The actor and director Peter Mullan talks about taking on the role of Bill Shankly in the new theatre production in Liverpool, Red or Dead, about the much-loved Liverpool football club manager. In April 1925 the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, a seven-month exhibition of contemporary design, opened in Paris. Arts Décoratifs' was soon shortened to Art Deco, and a movement was born. A century later Art Deco is being celebrated in the UK with events in Liverpool and in Glasgow an exhibition and a book about Art Deco in Scotland. It's author, Professor Bruce Peter, and Dr Rachael Unsworth, who leads tours in Leeds that look at art deco buildings in the city, join Nick Ahad to discuss Art Deco and its legacy. A decade ago, the comedian Tom Walker created the character of the roving news reporter Jonathan Pie, and his creation became an internet sensation, with the New York Times among his many fans. When he brought Jonathan Pie to Radio 4 with the radio phone-in comedy, Call Jonathan Pie, the critics were universal in their praise and it quickly became a podcast hit. As Call Jonathan Pie returns for a second series, Tom discusses creating a show that merges the personal and the political.And to mark the first week of Spring, musician and broadcaster Tom McKinney, who will be taking on the Radio 3 Breakfast Show, asks for us to listen properly to the music of birdsong.Presenter: Nick Ahad Producer: Ekene Akalawu

“Rococo & co”De Nicolas Pineau à Cindy Shermanau MAD, musée des Arts Décoratifs, Parisdu 12 mars au 18 mai 2025Entretien avec François Gilles, doctorant et sculpteur, et co-commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 11 mars 2025, durée 26'32,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/03/20/3601_rococo_musee-des-arts-decoratifs/Communiqué de presse Commissaires :Bénédicte Gady, directrice des musées par intérim – conservatrice en chef du patrimoine en charge des collections de Dessins, Papiers peints et Photographies au musée des Arts décoratifsTurner Edwards, doctorantFrançois Gilles, doctorant et sculpteurLe musée des Arts décoratifs propose, du 12 mars au 18 mai 2025, une exposition inédite consacrée au style rococo. « Rococo & co. De Nicolas Pineau à Cindy Sherman » explore les évolutions de ce style, de son émergence au début du XVIIIe siècle jusqu'à ses résurgences dans le design et la mode contemporaine, en passant par l'Art nouveau et l'art psychédélique. Près de 200 dessins, mobilier, boiseries, objets d'art, luminaires, céramiques, et pièces de mode dialoguent dans un jeu de courbes et de contre courbes. Nicolas Pineau et Juste Aurèle Meissonnier côtoient Louis Majorelle, Jean Royère, Alessandro Mendini, Mathieu Lehanneur, mais aussi les créateurs de mode Tan Giudicelli et Vivienne Westwood, et l'artiste Cindy Sherman. Le commissariat est assuré par Bénédicte Gady, directrice des musées par intérim, Turner Edwards, doctorant, et François Gilles, doctorant et sculpteur.Cette exposition célèbre la restauration d'un fonds unique au monde de près de 500 dessins issus de l'atelier du sculpteur Nicolas Pineau (1684-1754), l'un des plus importants propagateurs du style rocaille, que l'Europe adopte sous le nom de rococo. Adepte d'une asymétrie mesurée et d'un subtil jeu de pleins et de vides, Nicolas Pineau s'illustre dans des domaines variés : boiserie, sculptures ornementales, architecture, estampe, mobilier ou orfèvrerie. La présentation de cette figure majeure du rococo se prolonge dans un atelier qui plonge le visiteur au coeur de la fabrique d'une boiserie rocaille. Asymétries, sinuosités, rêves de Chine et imaginaires animaliers illustrent les infinies variations du style rococo. Enfin, du XIXe au XXIe siècle, cette esthétique trouve de nombreux échos, du néo-style aux détournements les plus inattendus et ludiques.Figure du rococo. Nicolas Pineau, entre Paris et Saint-PétersbourgD'abord connu pour son œuvre gravée, Nicolas Pineau est appelé en 1716 en Russie, où il devient premier sculpteur puis premier architecte de Pierre le Grand. Pour le tsar, il dessine de nombreux projets de décors, jardins, monuments et édifices, participant activement aux grands chantiers qui transforment Saint Pétersbourg en capitale d'un nouvel empire et Peterhof en une nouvelle Versailles. De retour à Paris en 1728, Pineau souhaite poursuivre sa carrière d'architecte, mais c'est en tant que sculpteur qu'il excelle et se distingue auprès de ses contemporains. Il travaille principalement pour la noblesse parisienne et pour Louis XV, tout en continuant à envoyer ses modèles en Allemagne et en Russie, et en maintenant une activité éditoriale. Essentiellement constituée de sculptures de façades et de boiseries, son oeuvre est en grande partie détruite avec l'avènement du néo-classicisme. Toutefois, des vestiges subsistent encore aujourd'hui dans les rues du vieux Paris, témoignant de l'élégance de son art.[...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Ruhlmann, décorateurau MAD, musée des Arts Décoratifs, Parisdu 12 mars au 1er juin 2025Entretien avec Bénédicte Gady, directrice des musées par intérim – conservatrice en chef du patrimoine en chargedes collections de Dessins, Papiers peints et Photographies au musée des Arts décoratifs, et commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 4 mars 2025, durée 26'53, © FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/03/13/3599_ruhlmann_musee-des-arts-decoratifs/Communiqué de presseCommissairesBénédicte Gady, directrice des musées par intérim – conservatrice en chef du patrimoine en charge des collections de Dessins, Papiers peints et Photographies au musée des Arts décoratifsMarion Neveu, attachée de conservation, en charge des collections des papiers peints au musée des Arts décoratifs Du 12 mars au 1er juin 2025, le musée des Arts décoratifs célèbre le centenairede l'Art déco avec une exposition inédite dédiée à Jacques-Émile Ruhlmann, décorateur exceptionnel, véritable triomphateur de l'Exposition internationale des arts décoratifs de 1925. À travers près de soixante‑dix pièces, dont vingt-six carnets de dessins et plus de quarante papiers peints, mais aussi des textiles et des photographies, « Ruhlmann décorateur » met en lumière une facette méconnue de cet artiste visionnaire : son talent pour concevoir des revêtements muraux et des tissus en harmonie avec ses créations mobilières. Ce focus inaugure le cabinet des Dessins, Papiers peints et Photographies, un espace intime qui met en lumière des trésors issus des collections du musée, aménagé grâce au soutien de Sakurako et de William Fisher, en l'honneur d'Hélène David-Weill et de Maggie Bult. Le nouveau cabinet des Dessins, Papiers peints et Photographies a été créé pour faire découvrir au public les très riches collections d'oeuvres sur papier qui, en raison de leur fragilité, ne peuvent être exposées en permanence dans le musée. Il offre aux visiteurs un cocon chaleureux, intime, pour révéler des oeuvres parfois célèbres, souvent inédites. Il se veut un miroir de la recherche menée dans cette source inépuisable de découvertes par de nombreux jeunes chercheurs ou experts confirmés. Jacques-Émile Ruhlmann (1879-1933), figure emblématique de l'Art déco, est avant tout célébré pour ses meubles d'exception mais son génie créatif va bien au-delà. Dans ses décors intérieurs, il orchestre une parfaite harmonie entre mobilier, textiles et revêtements muraux. Lors de l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925, ses créations s'imposent comme des références majeures, faisant de lui l'un des décorateurs les plus admirés de son époque. Ruhlmann se forme auprès de son père qui dirige une entreprise de peinture, papiers peints et miroiterie. Il en hérite en 1907, ce qui lui permet de financer ses rêveries esthétiques. Les projets de revêtements qu'il invente, ou que d'autres, comme Henri Stéphany, créent pour lui, servent aussi bien pour du papier peint que pour du textile. Ils peuvent être édités dans sa propre entreprise, Ruhlmann et Laurent, ou confiés à des manufactures spécialisées. [...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Créée il y a plus de 250 ans, l'Ecole des Arts Décoratifs PSL forme aujourd'hui les artistes et les designers de demain. Chaque année, le dernier week-end de janvier, elle ouvre ses portes au public... Nous avons passé la journée aux Portes Ouvertes des Arts Déco. Et toutes les personnes croisées ce jour-là, dans les couloirs ou les ateliers, nous ont aidé à dresser un portrait de cette école. Tout en subjectivité et en diversité. Soutenez-nous sur Patreon !

Le parcours d'Alice Gavin est fait de plusieurs étapes. Son organisation professionnelle a évolué en fonction de ses nouveaux objectifs et de sa vie perso : étudiante contrariée aux Arts Déco de Strasbourg, Londres en tant que stagiaire assistante de Yorgo Tloupas puis à SHOWstudio, graphiste indépendante dans le groupe CCC avec un ami d'école, co fondatrice du 22 rue Muller, fondatrice du studio ALICEGAVINSERVICES™ avec une équipe, et enfin directrice artistique dans une grande maison de luxe. Ces expériences variées et quelques beaux projets comme celui d'artiste associée au Ballet national de Marseille avec (LA) HORDE, l'ont amenée à trouver sa place : être en amont des projets, avoir la vue d'ensemble et décider des moyens. Alice Gavin est une créatrice d'images toujours en forme libre.Immense merci à la @Librairie sans titre, ma librairie de cœur, qui soutien cet épisode, librairiesanstitre.com➡️ @alicegavinservices alicegavin.servicesLes références et noms cité.es :- Louise Duneton, artiste illustratrice- Valentin bigel, design graphique- Yorgo Tloupas, Yorgo&Co- SHOWstudio- Gaetano Pesce, architecte, peintre, designer- Mathieu Meyer, DAType in use : PingFang Pour faire un don et soutenir le podcast.Pour vous inscrire à la newsletter mensuelle de Graphic Matter.Pour suivre le podcast @graphicmatterpodcastMerci pour votre soutien, on se retrouve toutes les deux semaines pour une nouvelle rencontre. Conception, production, curation, graphisme : Louise GomezHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

durée : 00:36:20 - France Culture va plus loin (l'Invité(e) des Matins) - par : Guillaume Erner, Isabelle de Gaulmyn - Ce matin le Louvre présente sa nouvelle exposition totalement inédite "Louvre Couture. Objets d'art, objets de mode" (du 24 janvier au 21 juillet 2025). La haut-couture est-elle enfin un art à mettre entre toutes les mains ? Nous recevons son commissaire d'exposition, Olivier Gabet. - réalisation : Félicie Faugère - invités : Olivier Gabet Directeur des musées des Arts Décoratifs de Paris; Alice Pfeiffer Rédactrice en chef de Nylon France, journaliste spécialiste d'anthropologie de la mode et des gender studies; Sophie Abriat Journaliste indépendante

Ep.228 ELLIOTT BARNES A Los Angeles native, Elliott Barnes graduated from Cornell University in New York State in 1985 with a Bachelors and a Masters in Architecture and Urban Planning. In 1984 the AIA member architect began his career with Arthur Erickson Architects in Los Angeles. In 1987, he joined the Paris office of renowned designer Andrée Putman, who in 1997 handed over the design management of her firm to him, a position he occupied until 2003. In 2004 Elliott Barnes created his own interior design firm in Paris. His aesthetic talents meant that he was immediately sought-after for exceptional design projects, including private residential properties, retail and institutional spaces, hotels and spa, installations in France and abroad. As his work shows, it is his obsession with detail that characterizes his style, which is both eclectic and demure. His notable projects include a visitors and reception center for Champagne Billecart Salmon in Mareuil-sur-Aÿ, the new Tai Ping showroom in Paris, the five-star Hotel de Montesquieu in Paris, as well as the Ritz Carlton palace in Wolfsburg in Germany. A sterling silver limited edition collection for Christofle around the theme of Champagne now on exhibition at the Musée des Arts Décoratifs in Paris, a chalet in Megève (France), the headquarters and tasting center of Ruinart in Reims, a rug collection for Tai Ping, or a penthouse showcase apartment of the real estate group Mitsui in Tokyo, and a chalet in Verbier (Switzerland). He designed the scenography for the exhibition on Gaby Aghion at the Jewish Museum in New York in October 2023. In 2024 his Endless Summer II bench, was acquired by Le Mobilier National, the French National Furniture Collection. The Elliott Barnes style resides in his elegant handling of light and use of both unusual and noble materials which invest unique, exclusive spaces with an innovative approach to luxury. His design talent has been acclaimed by the magazines AD France-AD 100 since 2014, ELLE Decor USA-A List and Architectural Digest USA-AD100 since 2021. In 2023 he was the winner of the «Talent for Elegance» award from The Centre du Luxe et de la Création, France. Wallpaper magazine selected him as one of the 300 American design creatives to know in 2023 and one of the 400 American creatives to know in the Tastemakers category in 2024. Elliott Barnes is considered one of the top 100 interior designers in the world. Passionate about art, Elliott Barnes is also the founder of The Barnes Contemporary (@thebarnescontemporary), a private collection based upon portraits of his family members by artists from the African diaspora. This collection was initiated 12 years ago. Photo Credit~ Benoit Auguste Elliott Barnes www.elliottbarnesinteriors.com Elle Décor https://www.elledecor.com/design-decorate/a43727224/christofle-elliott-barnes/ Musée des Arts décoratifs https://madparis.fr/Exposition-Christofle Christofle https://www.christofle.com/us_en/dellipse-elliottbarnes | https://www.christofle.com/us_en/madparis-christofle | https://www.christofle.com/us_en/our-maison/designers/elliott-barnes ACH Collection https://achcollection.com/trends/home-world/elliott-barnes-and-his-megeve-ski-chalet-that-you-must-know/

Tu peux soutenir sur le podcast sur KissKissBankBank ou en mettant 5⭐️ sur Apple Podcasts ou Spotify !Pauline est Product Designer, artiste et fondatrice du Laptop.Au lycée, elle pratique la photo, la musique et l'écriture. Après des études en arts du spectacle, photographie et nouveaux médias, elle rejoint Les Gobelins pour apprendre le développement, le graphisme et la conception. Elle complète sa formation aux Arts Décos, travaillant sur des installations artistiques interactives.Pauline débute sa carrière à l'INA, concevant la première version de leur site internet. Après quatre ans, elle passe en agence pour travailler sur divers projets web et mobiles. À Londres, elle découvre les ateliers UX et le métier d'UX Designer chez O2, puis rejoint Adobe en freelance pour leurs outils internes.Voyageant beaucoup en tant que freelance, Pauline se sent isolée professionnellement. Elle crée alors Le Laptop, l'un des premiers espaces de coworking en France, pour favoriser les rencontres et l'apprentissage entre pairs. Le projet évolue face à la concurrence de grands acteurs comme WeWork.Des entreprises sollicitent Pauline pour des formations en design. Elle enseigne dans des écoles de design et se spécialise dans la méthodologie du Design Sprint. Le Laptop propose désormais diverses formations en UX Design, UX Writing, Design Ops, etc.En parallèle, Pauline est artiste plasticienne et photographe. Sa pratique artistique enrichit son travail de designer et vice versa. Elle s'impose des contraintes pour développer sa créativité, utilisant son expérience artistique pour nourrir son approche du design et inversement.Les ressources de l'épisodeLe Laptop (Marseilles)Le Design Sprint en pratiqueMIT newsletterLes autres épisodes de Design Journeys#42 Benoit Drouillat, VP Design @ Botify#69 Zalihata Ahamada Lafeuille, Design Ops Manager @ GlovoPour contacter PaulineLinkedInHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Tous les 2 mois, LE CLUB se rassemble pour vous parler déco, design, tendances, conseils pratiques et même transition écologique.Chaque journaliste son thème et sa chronique : dans cet extrait, c'est Marie Farman, journaliste spécialisée en design, qui nous présente l'incroyable exposition Christofle qui a ouvert au Musée des Arts Décoratifs jusqu'au mois d'avril et qu'il ne faut pas manquer, elle nous dit pourquoi !Pour écouter l'épisode entier et les autres chroniqueuses, c'est par ici !Billie Blanket, journaliste et influenceuse, nous parle des origines des décorations de Noël (d'où vient la tradition du sapin, des boules, etc.)Violaine Belle-Croix, rédactrice en chef de MARIE CLAIRE ENFANTS et citoyenne engagée via son média WITE sur Instagram, qui nous donne des idées de cadeaux engagés ou écolo pour toute la famille selon des profils types (c'est très drôle à écouter, vraiment !)Un melting pot comme on les aime pour une discussion dans la joie et la bonne humeur !Merci à Maison Sarah Lavoine de nous avoir accueillies pour l'enregistrement. Et merci à Tikamoon, fidèle partenaire de cette émission.Si ce podcast vous plait n'hésitez pas > à vous abonner pour ne pas rater les prochains épisodes> à mettre un commentaire ou 5 étoiles (sous la liste des épisodes, rubrique "Laissez un avis")> à suivre @decodeur__ sur Instagram et à partager l'épisode en Story par exemple > à découvrir plus de 150 épisodes déjà en ligne et les différents formats de l'émission> à parler de DECODEUR autour de vous, tout simplement...!Merci beaucoup

“Christofle” Une brillante histoireau MAD, musée des Arts Décoratifs, Parisdu 14 novembre 2024 au 20 avril 2025Entretien avec Astrid Grange, assistante de conservation Collections XIXe siècle – Art nouveau, et co-commissaire l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 16 décembre 2024, durée 30'04,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2024/12/22/3583_christofle_musee-des-arts-decoratifs/Communiqué de presseCommissaire :Audrey Gay-Mazuel, conservatrice du patrimoine Collections XIXe siècle – Art nouveauassistée de Astrid Grange, assistante de conservation Collections XIXe siècle – Art nouveauDu 14 novembre 2024 au 20 avril 2025, le musée des Arts décoratifs met à l'honneur les créations et le savoir-faire d'excellence de la prestigieuse maison d'orfèvrerie Christofle en organisant une grande exposition dédiée à cette manufacture française riche de près de deux cents ans d'histoire. Des années 1830 à nos jours, cette lignée d'orfèvres, initiée par Charles Christofle et Henri Bouilhet, a métamorphosé les formes et les décors de l'argent pour les diffuser dans la vie quotidienne. Associé aux plus grands designers et créateurs de mode tels que Gio Ponti, Andrée Putman, Karl Lagerfeld et Pharrell Williams, Christofle est un laboratoire artistique qui révolutionne l'orfèvrerie traditionnelle en renouvelant ses usages et en la parant de couleurs et de décors inédits.De la petite cuillère de table aux vases monumentaux des expositions universelles, près de 1000 pièces d'orfèvrerie, bijoux, tableaux, dessins et affiches, retracent l'extraordinaire destin de cette maison patrimoniale. « Christofle. Une brillante histoire », dont le commissariat est assuré par Audrey Gay-Mazuel, conservatrice du patrimoine en charge des collections XIXe siècle – Art nouveau, est présentée dans les galeries Christine & Stephen A. Schwarzman, dans une scénographie spectaculaire mettant en lumière les coulisses du métier d'orfèvre et les fastueuses tables de légende.Bijoutier de formation, Charles Christofle a révolutionné l'orfèvrerie dès 1842 en développant des techniques novatrices alliant chimie et électricité pour argenter ou dorer des métaux non précieux. Grâce à ces nouveaux procédés, il a pu rendre accessibles des services de table autrefois réservés aux élites. Près de deux siècles plus tard, Christofle continue de bousculer les codes, s'immisçant dans notre quotidien pour transformer les objets les plus communs, comme des consoles de jeux vidéo, des gobelets à café ou des boîtes à chaussures, en véritables pièces de design.L'exposition s'ouvre sur une mise en scène spectaculaire de l'apport de Christofle au monde des arts décoratifs. Restituant l'atmosphère des manufactures Christofle, successivement installées à Paris, à Saint Denis, et aujourd'hui en Normandie, le visiteur est ensuite plongé dans les coulisses des secrets des procédés d'argenture et de dorure, mais aussi de la fabrication d'une fourchette. La reconstitution d'un atelier d'orfèvre, mêlant outils traditionnels et dispositifs numériques, dévoile la virtuosité de ce métier d'art.Trois salles sont dédiées aux chefsd'œuvre que Christofle a présentés aux Expositions universelles, de 1851 à 1925. Couronnée de médailles d'or à chaque événement, la maison n'a cessé d'innover, créant des pièces monumentales et spectaculaires ornées de couleurs vives et de motifs incarnant les tendances les plus avant-gardistes, du japonisme à l'Art déco.[...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

La saga du design vous présente aujourd'hui, en musique, le Rhinocrétaire. Retrouvez cet objet iconique dans les collections permanentes du Musée des Arts décoratifs, 107 rue de Rivoli, à Paris dans le 1er https://madparis.fr/musee-des-arts-decoratifs.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

La saga du design vous présente aujourd'hui, en musique, le Banc Afterimage. Retrouvez cet objet iconique dans les collections permanentes du Musée des Arts décoratifs, 107 rue de Rivoli, à Paris dans le 1er https://madparis.fr/musee-des-arts-decoratifs.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

La saga du design vous présente aujourd'hui, en musique, la Chaise Papardelle. Retrouvez cet objet iconique dans les collections permanentes du Musée des Arts décoratifs, 107 rue de Rivoli, à Paris dans le 1er https://madparis.fr/musee-des-arts-decoratifs.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

La saga du design vous présente aujourd'hui, en musique, la Cuisine-bar. Retrouvez cet objet iconique dans les collections permanentes du Musée des Arts décoratifs, 107 rue de Rivoli, à Paris dans le 1er https://madparis.fr/musee-des-arts-decoratifs.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

La saga du design vous présente aujourd'hui, en musique, Starlings Table. Retrouvez cet objet iconique dans les collections permanentes du Musée des Arts décoratifs, 107 rue de Rivoli, à Paris dans le 1er https://madparis.fr/musee-des-arts-decoratifs.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Des produits de saison et des conseils, Laurent Mariotte et ses bons vivants sont là pour la septième saison de La table des Bons vivants ! Une émission pour vous aider à bien manger et comprendre ce que vous mangez.Cette semaine, Laurent Mariotte est entouré des chroniqueurs le chef Yves Camdeborde et le critique culinaire Emmanuel Rubin. Quel est votre goût de la semaine ? C'est la question rituelle posée par Laurent Mariotte. Ça peut être une saveur qui a marqué gustativement leur semaine, un restaurant qui leur a tapé dans l'œil, un plat qu'ils ont cuisiné ou qu'on leur a concocté. L'occasion de découvrir de nouveaux goûts ou de nouvelles adresses, des coups de cœur mais aussi, pour eux, de passer des coups de gueule.Yves Camdeborde nous partage une belle adresse, la Table Penja à Paris, restaurant tenu par le chef Pierre Siewe. Son nom vient du poivre blanc du penja, cultivé au Cameroun.Emmanuel Rubin est tombé sous le charme de l'exposition Christofle, une brillante histoire au Musée des Arts Décoratifs à Paris qui retrace les créations de la célèbre maison d'orfèvrerie française, ayant aussi bien oeuvré pour les arts de la table, et ce depuis le XIXème siècle.Et Laurent Mariotte qui partage son goût de la semaine, un cépage endémique des Vins du Gaillac. Les vignerons de la région s'efforcent de mettre en avant les cépages emblématiques du vignoble tels que le Duras, le Prunelard, le Braucol.

Des produits de saison et des conseils, Laurent Mariotte et ses bons vivants sont là pour la septième saison de La table des Bons vivants ! Une émission pour vous aider à bien manger et comprendre ce que vous mangez.Cette semaine, Laurent Mariotte est entouré des chroniqueurs le chef Yves Camdeborde et le critique culinaire Emmanuel Rubin. Quel est votre goût de la semaine ? C'est la question rituelle posée par Laurent Mariotte. Ça peut être une saveur qui a marqué gustativement leur semaine, un restaurant qui leur a tapé dans l'œil, un plat qu'ils ont cuisiné ou qu'on leur a concocté. L'occasion de découvrir de nouveaux goûts ou de nouvelles adresses, des coups de cœur mais aussi, pour eux, de passer des coups de gueule.Yves Camdeborde nous partage une belle adresse, la Table Penja à Paris, restaurant tenu par le chef Pierre Siewe. Son nom vient du poivre blanc du penja, cultivé au Cameroun.Emmanuel Rubin est tombé sous le charme de l'exposition Christofle, une brillante histoire au Musée des Arts Décoratifs à Paris qui retrace les créations de la célèbre maison d'orfèvrerie française, ayant aussi bien oeuvré pour les arts de la table, et ce depuis le XIXème siècle.Et Laurent Mariotte qui partage son goût de la semaine, un cépage endémique des Vins du Gaillac. Les vignerons de la région s'efforcent de mettre en avant les cépages emblématiques du vignoble tels que le Duras, le Prunelard, le Braucol.

C'est un véritable coup de coeur pour le travail et le parcours d'un homme que je partage avec vous aujourd'hui. Un homme qui me touche par son intelligence, sa gentillesse, sa vision, sa culture, son humilité et sa patience.  Peintre, scénographe, designer, architecte, créateur d'objets...Richard Peduzzi semble avoir mille vies.La peinture a été la première passion de Richard Peduzzi, avant qu'il ne devienne scénographe de Patrice Chéreau sur ses films, pièces de théâtre et opéras de la fin des années 60 jusqu'au décès du metteur en scène en 2013. Il travailla également avec Luc Bondy, mais aussi à la mise en scène d'expositions et de musées (le Musée de l'Opéra Garnier, le musée de l'Histoire du Louvre au Louvre…), designer et créateur de mobilier, architecte d' intérieur… il explore toutes les autres formes liées à l'art décoratif. Il fut également le Directeur pendant douze ans de l'Ecole Nationale supérieure des Arts Décoratifs et pendant six ans de la villa Médicis à Rome.Il nous rappelle combien l'attention, dans toute sa richesse et sa profondeur, est aussi une affaire de point de vue, de présence.Au cours de cette riche conversation avec Richard Peduzzi, nous avons évoqué :comment peut-on apprendre à mieux voir,l'importance de revenir au trait, à l'essentiel,brouiller les pistes,l'amitié c'est partager un regard,de la mort des êtres que l'on aime (même si j'ai censuré un passage ici),le jazz,Virginia Wolf et le groupe de Bloomsbury,l'intelligence de la main,"là-bas, c'est dehors",la transmission,et tant de révélations passionnantes ! Réalisation : Canal FuraxMusique : Raphaël Théodore Bancou Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Picture yourself exploring the Musée des Arts Décoratifs in Paris, surrounded by captivating displays of fashion, jewelry, furniture, and graphic arts. Each piece speaks to the timeless human desire to blend beauty and functionality, and you're free to linger, imagining the stories behind them. This solo visit becomes an adventure in self-discovery, drawing inspiration from centuries of creativity that mirrors your own evolution. As an explorer here, you'll leave with fresh ideas and maybe even a spark for designing your fabulous next chapter.//WHEN YOU'RE READY, HERE'S HOW I CAN HELP YOUJOIN THE VIP BOOK WAITLIST https://sharriharmel.com/Instagram: https://www.instagram.com/sharriharmel/Facebook Group: https://www.facebook.com/gr

durée : 00:58:06 - Le 13/14 - par : Bruno Duvic - A partir de 13h30, nous recevons la présidente de Christofle, grande maison du luxe des arts de la table. Depuis près de 200 ans, cette entreprise maitrise un savoir-faire made in Normandie et fait l'objet d'une exposition actuellement au Musée des Arts Décoratifs de Paris.

Are you curious about discovering hidden treasures in France? In this episode of Join Us in France, titled Hidden Gems of the Loire Valley, host Annie Sargent chats with guest Paul Gulesserian to explore some of the lesser-known châteaux and picturesque villages in this beautiful region. Get the podcast ad-free Paul, a proud Francophile and recent French citizen, shares his adventures as he and his husband Florian venture through the Loire Valley. Rather than focusing on the well-known châteaux, like Chambord and Chenonceau, they explore lesser-known gems such as the Château de Brézé, Château de Montreuil-Bellay, and Château de Brissac. Each one offers something unique, whether it's underground tunnels at Brézé or breathtaking views at Montreuil-Bellay. Paul's enthusiasm for exploring the charm and history of these often-overlooked sites brings the Loire Valley to life in a fresh and inspiring way. From their cozy stay at Domaine de Mestré to their adventures biking through troglodyte villages and sipping local wines, this episode is filled with travel tips and personal insights into life in France. Join Annie and Paul as they delve into the magic of these hidden gems. Don't miss out on this fun and informative episode—tune in now! Table of Contents for this Episode Today on the Podcast Podcast Supporters Magazine segment Bootcamp 2025 Annie and Paul Exploring the Loire Valley French Citizenship and Travel Experiences Planning and Starting the Loire Valley Trip Château Visits and Local Discoveries Tips for Driving in France Saumur Château de Saumur, Musée des Arts Décoratifs et du Cheval Château de Brézé Château de Montreuil-Bellay Ticket prices Biking on Day 2 Domaine des Amandiers Exploring Montsoreau and Its Modern Art Chateau Discovering the Abbaye Royale Fontevraud Chinon and the Challenges of Google Maps for Biking Biking Advice Château Adventures: From Riveau to Brissac Food in the area Château de Langeais Château de l'Islette Château D'Ussé Château de Brissac Angers Château de Speran Don't ignore the Tourist Office Restaurant Recommendations Sharing Tips about Living in France Thank you Patrons Annie's Tours Annie's Itinerary Consultations Self-guided GPS tours on the VoiceMap App Phone Safety Next week on the podcast Copyright Hotels to consider in the Loire Valley More episodes about the Loire Valley

‘The department store is dying,' Rosemary Hill wrote recently in the LRB, reviewing an exhibition at the Musée des Arts Décoratifs in Paris on the origins of the grands magasins. She joins Tom to talk about their 19th and 20th-century heyday as cathedrals of consumerism as well as places where women could spend time away from home, and away from men, safely and respectably. She also recalls the Christmas she worked in the toy department at Selfridges, demonstrating wind-up bath toys.Sponsored links:Use the code 'LRB' to get £100 off Serious Readers lights here: https://www.seriousreaders.com/lrbFind out more about ACE Cultural Tours: https://aceculturaltours.co.ukSee Maddaddam at the Royal Opera House: https://www.rbo.org.uk/tickets-and-events/maddaddam-details Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Des chants d'amour aux chants contestataires, avec Kader Tarhanine (Mali/Algérie) et Three Days of Forest (France). #SessionLive Nos premiers invités sont les musiciens du groupe touareg Kader TarhanineKader Tarhanine, l'étoile montante de la musique moderne touarègue, captive un public de plus en plus large grâce à son talent inné et à sa fraîcheur artistique. En 2012, il a été propulsé sur la scène internationale avec sa chanson emblématique «Tarhanine Tegla : mon amour est parti», devenant ainsi une figure majeure pour la jeunesse touarègue dans le monde entier. Sa musique fusionne habilement les rythmes traditionnels touaregs avec des influences rock, créant un son unique et captivant. Les paroles poétiques de ses chansons, souvent en tamacheq ou en arabe, ajoutent une dimension profonde à sa musique, touchant les cœurs de ceux qui l'écoutent. En plus de son talent musical, Kader Tarhanine est également connu pour ses performances scéniques impressionnantes et sa maîtrise exceptionnelle de la guitare, ce qui lui a valu une réputation d'artiste incontournable de la scène touarègue moderne. Au fil des ans, il a collaboré avec de nombreuses icônes de la musique africaine, telles qu'Oumou Sangaré, Fatoumata Diawara, Sidiki Diabaté du Mali, Mouna Dendeny de la Mauritanie et même Carlou D du Sénégal. Ces collaborations ont non seulement enrichi sa musique, mais ont également fait de lui un artisan de la paix par la musique, utilisant son art pour promouvoir l'harmonie et la compréhension entre les peuples. En tant qu'ambassadeur symbolique, la musique de Kader Tarhanine transcende les frontières, prônant l'harmonie entre les régions sahélo-sahariennes jusqu'au Maghreb, souvent déchirées par des crises multiples. Son engagement en faveur de la paix et de l'unité, combiné à son talent musical indéniable, fait de lui une figure emblématique de la musique africaine contemporaine.Titres interprétés au grand studio- Kal Diabbas Live RFI- Imanine, titre Cd- Al Gamra Leila Live RFI voir le clip Line Up : Kader Tarhanine (Guitare lead et chant), Mohammed Zenani (Guitare et Chœur), Alhousseini Mohamed (Percussions, Batterie, Chœur), Drissa Kone (Guitare Basse) et le tour manager Ehamat Ag El Medy.Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant.► Album Ikewane _Racines (Essakane Productions).- Site - Instagram- Chaîne YouTube - Deezer- Facebook - Afrika Festival Hollande 2023. #SessionLive Puis nous recevons le groupe Three Days of Forest pour la sortie de Four Trees. Et c'est en duo qu'Angela Flahault et Séverine Morfin présentent cet album. Une forme musicale atypique : Alto, batterie, claviers et voix augmentées d'effets électroniques. Un quartet à l'énergie rock qui rend hommage aux poétesses afro-américaines et anglophones engagées : Rita Dove, Gwendolyn Brooks, Charlotte Perkins Pilman, Charlotte Mew... Le groupe revisite ces poèmes sous forme de «protest songs» électriques et crée un folklore imaginaire, onirique et halluciné. Leur musique vole ainsi d'un possible chant de manifestants au free jazz, d'une chanson comptine à une frénésie de transe. Une Ode à la liberté́ ! Un duo de compositrices.  Depuis 2010, l'altiste Séverine Morfin et la chanteuse Angela Flahault collaborent autour de leur amour pour la poésie. En 2017, elles créent le Trio Three Days of Forest qui en 2023 devient un quartet. Three days of Forest est Lauréat Jazz Migration 2018.Séverine Morfin affectionne les dialogues féconds : écriture et improvisation, musique concrète et jazz, rock et exploration électro-acoustique, poésie contemporaine et chanson. Elle est actuellement en tournée avec plusieurs de ses projets : le quartet Mad Maple, le quartet Simone. Elle est en résidence au Théâtre de Vanves, au Comptoir à Fontenay. Éclectique, elle collabore avec des musiciens.nes d'horizons différents, de «Fred Pallem et Le Sacre du Tympan» au Wanderlust d'Ellinoa, de l'orchestre Danzas de Jean-Marie Machado au quintet de Piers Faccini... On l'a vue participer au Tubafest d'Andy Emler, aux Comédies musicales de Thomas de Pourquery, à l'ONJ Rituels,... Formée à l'alto classique et au Jazz à Paris, elle est titulaire d'une maîtrise d'Histoire contemporaine à La Sorbonne et d'un Master 2 de Musicologie. Elle collabore avec le poète Jacques Rebotier pour la création «Chansons Climatiques et Sentimentales», avec l'écrivaine Violaine Schwartz et compose la musique de deux spectacles chorégraphiques. Elle est directrice artistique de la compagnie Garden depuis 2017. Angela Flahault est une chanteuse tout terrain, elle aime s'emparer du rock, de la folk, de la chanson, de la pop, du jazz avec la liberté́ d'une voyageuse. Au conservatoire, elle se forme au chant lyrique, à la comédie musicale mais quitte cet enseignement quand elle découvre avec appétit la musique improvisée auprès de Phil Minton puis Joëlle Léandre. En 2004, parallèlement à ses études musicales, elle obtient un diplôme national d'arts plastiques aux Arts Décoratifs de Strasbourg. Depuis 2014, on la retrouve au chant lead auprès du grand orchestre du Tricollectif dans le Tribute à Lucienne Boyer. En 2017, elle se produit aussi dans Le serpent des mers et autres contes avec le flûtiste Joce Mienniel. On la retrouve au chant lead pour la création chorégraphique de Gregory Maqoma à l'Opéra de Lyon en 2021/22. En sept. 2022, elle part pour une expédition chantée sur le trajet de l'Odyssée d'Homère avec un équipage d'artistes internationaux avec Mission O. Angela Flahault trouve son équilibre dans le mélange des médiums artistiques. Qu'on ne lui demande pas de choisir entre la musique et les arts plastiques ! C'est précisément cela qui lui permet de proposer un univers fort et entier.Titres interprétés au grand studio- My Taste Live RFI- Great Trees, extrait de l'album- Crazy Woman Live RFI Line up : Angela Flahault - voix et effets et Séverine Morfin - alto et effets.Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor, Mathieu Dubois.► Album Four Trees (Garden Rd 2024)- Site - Facebook - Instagram

Des chants d'amour aux chants contestataires, avec Kader Tarhanine (Mali/Algérie) et Three Days of Forest (France). #SessionLive Nos premiers invités sont les musiciens du groupe touareg Kader TarhanineKader Tarhanine, l'étoile montante de la musique moderne touarègue, captive un public de plus en plus large grâce à son talent inné et à sa fraîcheur artistique. En 2012, il a été propulsé sur la scène internationale avec sa chanson emblématique «Tarhanine Tegla : mon amour est parti», devenant ainsi une figure majeure pour la jeunesse touarègue dans le monde entier. Sa musique fusionne habilement les rythmes traditionnels touaregs avec des influences rock, créant un son unique et captivant. Les paroles poétiques de ses chansons, souvent en tamacheq ou en arabe, ajoutent une dimension profonde à sa musique, touchant les cœurs de ceux qui l'écoutent. En plus de son talent musical, Kader Tarhanine est également connu pour ses performances scéniques impressionnantes et sa maîtrise exceptionnelle de la guitare, ce qui lui a valu une réputation d'artiste incontournable de la scène touarègue moderne. Au fil des ans, il a collaboré avec de nombreuses icônes de la musique africaine, telles qu'Oumou Sangaré, Fatoumata Diawara, Sidiki Diabaté du Mali, Mouna Dendeny de la Mauritanie et même Carlou D du Sénégal. Ces collaborations ont non seulement enrichi sa musique, mais ont également fait de lui un artisan de la paix par la musique, utilisant son art pour promouvoir l'harmonie et la compréhension entre les peuples. En tant qu'ambassadeur symbolique, la musique de Kader Tarhanine transcende les frontières, prônant l'harmonie entre les régions sahélo-sahariennes jusqu'au Maghreb, souvent déchirées par des crises multiples. Son engagement en faveur de la paix et de l'unité, combiné à son talent musical indéniable, fait de lui une figure emblématique de la musique africaine contemporaine.Titres interprétés au grand studio- Kal Diabbas Live RFI- Imanine, titre Cd- Al Gamra Leila Live RFI voir le clip Line Up : Kader Tarhanine (Guitare lead et chant), Mohammed Zenani (Guitare et Chœur), Alhousseini Mohamed (Percussions, Batterie, Chœur), Drissa Kone (Guitare Basse) et le tour manager Ehamat Ag El Medy.Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant.► Album Ikewane _Racines (Essakane Productions).- Site - Instagram- Chaîne YouTube - Deezer- Facebook - Afrika Festival Hollande 2023. #SessionLive Puis nous recevons le groupe Three Days of Forest pour la sortie de Four Trees. Et c'est en duo qu'Angela Flahault et Séverine Morfin présentent cet album. Une forme musicale atypique : Alto, batterie, claviers et voix augmentées d'effets électroniques. Un quartet à l'énergie rock qui rend hommage aux poétesses afro-américaines et anglophones engagées : Rita Dove, Gwendolyn Brooks, Charlotte Perkins Pilman, Charlotte Mew... Le groupe revisite ces poèmes sous forme de «protest songs» électriques et crée un folklore imaginaire, onirique et halluciné. Leur musique vole ainsi d'un possible chant de manifestants au free jazz, d'une chanson comptine à une frénésie de transe. Une Ode à la liberté́ ! Un duo de compositrices.  Depuis 2010, l'altiste Séverine Morfin et la chanteuse Angela Flahault collaborent autour de leur amour pour la poésie. En 2017, elles créent le Trio Three Days of Forest qui en 2023 devient un quartet. Three days of Forest est Lauréat Jazz Migration 2018.Séverine Morfin affectionne les dialogues féconds : écriture et improvisation, musique concrète et jazz, rock et exploration électro-acoustique, poésie contemporaine et chanson. Elle est actuellement en tournée avec plusieurs de ses projets : le quartet Mad Maple, le quartet Simone. Elle est en résidence au Théâtre de Vanves, au Comptoir à Fontenay. Éclectique, elle collabore avec des musiciens.nes d'horizons différents, de «Fred Pallem et Le Sacre du Tympan» au Wanderlust d'Ellinoa, de l'orchestre Danzas de Jean-Marie Machado au quintet de Piers Faccini... On l'a vue participer au Tubafest d'Andy Emler, aux Comédies musicales de Thomas de Pourquery, à l'ONJ Rituels,... Formée à l'alto classique et au Jazz à Paris, elle est titulaire d'une maîtrise d'Histoire contemporaine à La Sorbonne et d'un Master 2 de Musicologie. Elle collabore avec le poète Jacques Rebotier pour la création «Chansons Climatiques et Sentimentales», avec l'écrivaine Violaine Schwartz et compose la musique de deux spectacles chorégraphiques. Elle est directrice artistique de la compagnie Garden depuis 2017. Angela Flahault est une chanteuse tout terrain, elle aime s'emparer du rock, de la folk, de la chanson, de la pop, du jazz avec la liberté́ d'une voyageuse. Au conservatoire, elle se forme au chant lyrique, à la comédie musicale mais quitte cet enseignement quand elle découvre avec appétit la musique improvisée auprès de Phil Minton puis Joëlle Léandre. En 2004, parallèlement à ses études musicales, elle obtient un diplôme national d'arts plastiques aux Arts Décoratifs de Strasbourg. Depuis 2014, on la retrouve au chant lead auprès du grand orchestre du Tricollectif dans le Tribute à Lucienne Boyer. En 2017, elle se produit aussi dans Le serpent des mers et autres contes avec le flûtiste Joce Mienniel. On la retrouve au chant lead pour la création chorégraphique de Gregory Maqoma à l'Opéra de Lyon en 2021/22. En sept. 2022, elle part pour une expédition chantée sur le trajet de l'Odyssée d'Homère avec un équipage d'artistes internationaux avec Mission O. Angela Flahault trouve son équilibre dans le mélange des médiums artistiques. Qu'on ne lui demande pas de choisir entre la musique et les arts plastiques ! C'est précisément cela qui lui permet de proposer un univers fort et entier.Titres interprétés au grand studio- My Taste Live RFI- Great Trees, extrait de l'album- Crazy Woman Live RFI Line up : Angela Flahault - voix et effets et Séverine Morfin - alto et effets.Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor, Mathieu Dubois.► Album Four Trees (Garden Rd 2024)- Site - Facebook - Instagram

CLASSIC WITH A MODERN TWIST. Charles Zana is a highly sensitive architect who imagines each project through the lens of a French lifestyle. He is also a passionate collector like his father, and has done in-depth research on the great Italian design masters of the 20th century such as Ettore Sottsass and Carlo Scarpa. In 2019 Charles Zana was named Chevalier des Arts et des Lettres by David Caméo, director of the Musée des Arts Décoratifs. “I like to always start from a classic design, and then to treat it in a modern way.” “People don't accept the simple beautiful project; they want to understand what is behind it.” “I became a good architect and then I became fashionable.”

If you are a lover of antique jewellery there are some really special places where you can see the best of the best of antique and vintage pieces, and today we've got a recommendation for you.  The Gem Pursuit team recently took a business trip to beautiful Paris and while on their travels they visited the Musée des Arts Décoratifs. The museum houses pieces from some of the most iconic artists and designers such as René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever. Matthew is joined by a very special guest, our researcher Véronique Goguen, who travelled all the way from Paris to record with us in Dublin. They give you an in depth guide on visiting the museum, the pieces you should be looking out for and the ones that really grabbed their attention on their visit.  THINGS WE SPOKE ABOUT The incredible, diverse collection at the Musée des Arts DécoratifsWhat you can see from artists such as René Lalique, Georges Fouquet, Henri VeverThe history of how the 5000 strong collection was obtained A jewellery piece that revealed a hidden love affair Tips for visiting the Musée des Arts Décoratifs MORE INFORMATION A French Belle Epoque sapphire and diamond ring  https://www.instagram.com/p/C8UAu0hMloP/?utm_source=ig_web_copy_link&igsh=MzRlODBiNWFlZA==  An antique French diamond set ring https://www.instagram.com/p/C8PqorQPfKW/?utm_source=ig_web_copy_link&igsh=MzRlODBiNWFlZA==    Henri Vever's Sylvia https://www.vever.com/en/pages/sylvia  Social Media IG - @CourtvilleAntiquesFB - @CourtvilleantiquesTik Tok - @matthew.weldon    YouTube - @courtvilleantiquePinterest - @courtville QUOTES The Musée des Arts Décoratifs is definitely renowned for its prestigious art nouveau collection. - Véronique Goguen The pieces and the artists who also make them, they're really where jewellery transcends art. - Matthew Weldon  This was a hidden love story. It's only when the son that was born from this affair donated the piece to the museum that they were able to confirm this secret love affair. - Véronique Goguen If you can find a piece of jewellery and get the original gouaché drawing with it, it's extra special. - Matthew Weldon  KEYWORDS #paris #jewellery #artnouveau #brooches #jewels #louvre #french #MuséedesArtsDécoratifs

We're back with some new nyms, a report from Paris, housekeeping news, and more!Steve Dolinsky bravely tackles PIGUE (Pizza I Grew Up Eating) Syndrome head-on. Time for a Paris report! Shoutout to the Moxy hotel in the Marais for its ideal location. Shopping for men's clothing? Stop by Cuisse de Grenouille, LA panoplie, and Le Mont Saint Michel. For kids, go to Petit Bateau, Monoprix, Bonton, and the top floor of Le Bon Marche. Sabre Paris also has the cutest kids' flatware. We also recommend a visit to The Musée des Arts Décoratifs, specifically for the exhibit "The Birth of Department Stores," La Grande Mosquée de Paris, and Roland-Garros (you know, next year). A bonus shoutout to When Women Ran Fifth Avenue by Julie Sato.Thank you to the Dear Media team for a very long run! Extra high fives to our lovely producer Olivia Meade!Do you have a personal PIGUE? Share it with us at 833-632-5463, podcast@athingortwohq.com, @athingortwohq, or our Geneva! See ya in August!Take care of your hair with Nutrafol. Take $10 off your first month's subscription with the code ATHINGORTWO.Ready your wardrobe for summer with Johnny Was and use the code ATHINGORTWO for 20% off your order.YAY.See Privacy Policy at https://art19.com/privacy and California Privacy Notice at https://art19.com/privacy#do-not-sell-my-info.

durée : 00:04:25 - Le Reportage de la Rédaction - Un Renoir et un Toulouse-Lautrec. Deux tableaux de la collection impressionniste du musée d'Orsay sont temporairement exposés au musée des Beaux-Arts d'Orléans : illustration d'une opération exceptionnelle menée partout en France, à l'occasion des 150 ans de la naissance du mouvement pictural. - invités : Olivia Voisin Directrice des Musées d'Orléans; Paul Perrin Conservateur au Musée d'Orsay

Tu peux soutenir sur le podcast sur KissKissBankBank ou en mettant 5⭐️ sur Apple Podcasts ou Spotify !Pauline est Product Designer, artiste et la fondatrice du Laptop.Au lycée, Pauline pratiques plusieurs activités artistiques : photo, musique, écriture. A la fin du cycle secondaire, Pauline commence des études d'arts du spectacle. C'est là où elle commence à s'intéresser à la relation à l'autre via un medium, lorsqu'un état de transformation s'opère. Cette relation la suit lorsqu'elle se réoriente vers des études de photographie et nouveau média. Se rendant compte que les métiers liés à ses études ne lui permettront pas d'en vivre, Pauline se réoriente de nouveau et rejoint Les Gobelins en conception et réalisation multimédia. Elle y apprend le développement, le graphisme, la conception, l'architecture d'information, etc. Elle complète ses études en faisant les Arts Décos, en atelier de recherches interactives, où elle travaille sur des installations artistiques interactives.A la fin de ses études, Pauline rejoint l'Institut National de l'Audiovisuel (INA) où elle réfléchit, conçoit et design la première version du site internet de l'INA, pour avoir accès à l'ensemble des contenus de l'institut. Elle revient sur la réflexion autour de cette plateforme et les étapes par lesquelles elle est passées pour la concevoir, à une époque où YouTube et Dailymotion voyaient à peine le jour.Après 4 années à l'INA, Pauline en désaccord avec la nouvelle direction et stratégie, décide de partir en agence pour travailler sur plusieurs projets à la fois. Dans une premier temps, elle travaille sur des sites internets, puis, avec la sortie de l'iPhone, sur des applications.Elle traverse ensuite la Manche pour rejoindre une petit agence et travailler pour l'opérateur téléphonique O2, où elle découvre ses premiers ateliers UX et le métier d'UX Designer, tel qu'on le connait aujourd'hui.Après un temps en agence, Pauline rejoint Adobe en tant que freelance pour travailler sur les outils internes de l'entreprise : service client, ressources humaines…Alors qu'elle est freelance, Pauline voyage beaucoup, est souvent seule et trouve qu'elle n'est jamais en lien avec d'autres experts de son milieu et qu'elle n'apprend pas assez de ses pairs. Elle se dit alors qu'il faudrait un lieu identifiable pour rencontrer des gens et travailler, comme elle en rencontrer en Angleterre, en Allemagne ou aux Etats-Unis. Pauline décide alors de créer Le Laptop, l'un des premiers espaces de coworking en France. Elle revient sur la genèse du projet, la façon dont elle l'a mis en place et ses apprentissages. Avec l'arrivée de WeWork sur le marché, et d'autres gros noms du coworking, le Laptop a dû arrêter cette activité…Rapidement, des entreprises contactent Pauline pour les former au design. En parallèle, elle donne aussi des formations dans différentes écoles de design. En parallèle, Pauline se spécialise dans la méthodologie du Design Sprint, théorisé par Google. C'est la première formation qui sera officiellement proposée aux entreprises, puis aux apprenants individuels, par le Laptop. Depuis, le Laptop propose de nombreuses formations (UX Design, UX Writing, Design Ops…). Pauline revient sur la façon dont elle crée des formations et ce qu'elles apportent aux gens qui le suivent.A côté de son métier de designer, Pauline est également artiste plasticienne et photographe. Elle nous raconte en quoi sa pratique de l'art l'aide au quotidien dans son métier de designer et vice versa. Elle nous explique comment elle se motive à créer et les contraintes qu'elle s'applique pour développer sa créativité.Les ressources de l'épisodeLe Laptop (Marseilles)Le Design Sprint en pratiqueMIT newsletterSeth Godind.MBAVitaly FriedmanMitch BaeyensJason FriedXavier de MazenodAlexandre EisenchteterCreator Science PodcastVlanLes autres épisodes de Design Journeys#42 Benoit Drouillat, VP Design @ Botify#69 Zalihata Ahamada Lafeuille, Design Ops Manager @ GlovoPour contacter PaulineLinkedIn

durée : 00:58:56 - Entendez-vous l'éco ? - par : Tiphaine de Rocquigny, Aliette Hovine - Femme d'affaires avisée, couturière à la croisée des arts, Jeanne Lanvin a bousculé les codes de la haute couture et imposé son style. Comment cette autodidacte a-t-elle bâti un empire de la mode ? - invités : Guénolée Milleret Ancienne responsable des archives documentaires d'Yves-Saint-Laurent, enseignante en histoire de la mode à l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs; Martine Allaire agrégée d'histoire et auteure de "Jeanne Lanvin. Une griffe, un destin" (Tallandier, 2021)

Cette semaine, le Paris des Arts est entièrement consacré à des artistes africains. Tout d'abord Imane Ayissi, le premier styliste du continent à avoir intégré le club très fermé de la haute couture parisienne. Il nous raconte ses débuts de danseur au Cameroun, puis ses premiers pas de mannequin à Paris. Avec lui, nous découvrons le travail du peintre Chéri Samba, exposé en ce moment au Musée Maillol pour une grande rétrospective, avec notamment ses chroniques picturales de la vie quotidienne congolaise. Puis, un autre peintre nous ouvre les portes de sa création : Alioune Diagne dévoile à Paris une sélection de huit tableaux sur le thème de la migration clandestine en mer. C'est à découvrir à la galerie Templon, à Paris.

Camille Henrot talks to Ben Luke about her influences—from writers to musicians, film-makers and, of course, other artists—and the cultural experiences that have shaped her life and work. Henrot was ​​born in 1978 in Paris and studied film at the École Supérieure des Arts Décoratifs in the French capital. She uses drawing, painting, sculpture, installation and film to reflect on a huge range of subject matter, from anthropology and the climate emergency, to biodiversity and motherhood, to art history, literature and the excesses of the digital experience. At the heart of her practice is a concern with different forms of language and knowledge and how they are structured and composed. Her work emerges from deep research and is full of intriguing contradictions, awash with fragmentation and disruption yet pregnant with humour and delight. Henrot grapples with the stuff around us and within us; her art explores distinctively how the empirical and the subjective, the outer world and her own private realm, intersect. She discusses her early and enduring passion for the art of Saul Steinberg and Louise Bourgeois, a profound friendship with the architect and thinker Yona Friedman, finding a kindred experience in the work of Hélène Cixous and Clarice Lispector, her use of musical playlists in the studio, and her fascination with the sadistic violence of Disney cartoons. Plus, she gives insight into her life in the studio and has a profound answer to our ultimate question: “what is art for?”Camille Henrot's books Milkyways and Mother Tongue are published by Hatje Cantz and priced £22 and £48. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

What you'll learn in this episode:   How Esther's experiences in China and India continue to influence her work today Why different materials have different meanings, and how that impacts the wearer Why the relationship between a jewelry artist and a customer is particularly special and intimate How wearing jewelry influences the way we move through the world The most important qualities a jewelry teacher should have   About Esther Brinkmann Esther Brinkmann is an independent jewelry maker living and working in Switzerland. Her work has been exhibited in galleries throughout the world and is held in the collections of the National Museum of Switzerland, Musée des Arts Décoratifs in Paris, Museo Internazionale delle Arti Applicate Oggi (MIAAO) in Torino, and the V&A in London. She established the Haute École d'Art et de Design (HEAD) in Geneva, the first jewelry education program of its kind in the country.   Additional Resources: Esther's Website Esther's Instagram Photos Available on TheJewelryJourney.com  Transcript:   Jewelry artist Esther Brinkmann makes her rings with intention, considering everything from the meaning of the material used to the way the shape of the ring will change how the wearer moves their hands. She has passed this perspective down to hundreds of students at the Haute École d'Art et de Design (HEAD), the jewelry program she founded in Geneva. She joined the Jewelry Journey Podcast to talk about how living in China and India made her question her identity and influenced her work; why many of her rings are designed to fit different sized hands; and what makes the relationship between artist and wearer so special. Read the episode transcript here. Sharon: Hello, everyone. Welcome to the Jewelry Journey Podcast. This is the second part of a two-part episode. If you haven't heard part one, please head to TheJewelryJourney.com.   I recently went to Switzerland with Art Jewelry Forum. One of the afternoons we had was at Esther Brinkmann's home. It was a very memorable lunch and afternoon. We got to see her studio, and on top of that, we had an unforgettable luncheon cooked by her husband, Warner. Welcome back.   Do you think you were taken by the design, the motifs and everything, because you're a designer? For instance, would I be taken by it?   Esther: You would be marveled by all these beautiful things, and you would love to buy these things, but maybe you would not have the desire to do your own designs, whereas I immediately got the desire to introduce these new inspirations. I was really stimulated to introduce these things in my own designs and to evolve to develop new ideas.   Sharon: For those of us that were interested in the enamel rings, I think you said we had to be careful if we dropped them or banged them. They were like glass.   Esther: Yeah, enamel is a glass-like material. It certainly it is not the best idea to make rings with enamel, but I could not resist. As I love rings, I just had to do a few of those rings. This was a period when I did realize maybe 20 of those rings, but they are difficult to sell because they are difficult to wear. You have deal with them very carefully.   Sharon: What other jewelry did you make while you were there?   Esther: In India, besides these enamel rings, besides this collaboration, I also started to do pieces with some stones. I discovered, for instance, the polki diamond in India. You can find it only in India. It's a diamond; let's say it is not the best quality. It's a piece of diamond with many, many cracks. They split it into very thin plates, very roughly faceted, not as we have the idea of a diamond with many, many facets. It is a very flat stone with a lot of cracks. It looks like broken ice or something like that. I love this kind of diamond. I started to make rings with that. I also started to purchase a number of not very precious stones, like peridots or topaz, etc. I started to introduce stones as a color element in rings especially.   Sharon: They call them polki diamonds? How would you spell that?   Esther: P-O-L-K-I. This might be the Hindi word for this specific diamond, but when you put it on Google, you can find it.   Sharon: That's interesting. From what you're describing, it's what we consider Indian diamonds. Along with the monograph that was put out by Arnoldsche for some of your exhibits, you also have a book that just came out about your jewelry.   Esther: Yes.   Sharon: A lot of it describes jewelry provoking feelings or provoking people. Could you talk about that a little? How do you see it provoking people?   Esther: I think this is the main reason why I am so interested in jewelry, because jewelry is something I create. I make a piece that has a relationship to a body, to a person. I don't know who the person wearing my piece will be. That depends on my practice. I work with galleries, but I create a piece with the idea that another person will choose it, and this person will wear it. This person will be like an ambassador of what I have created. This person will adopt what I have created for herself. She or he will wear it and show it, will translate it to others around her or him.   That is a very special thing, a very special relationship between an artist and a customer or a collector. When you buy a sculpture, the sculpture will have a relationship to a space, to your garden or your living room, but a piece of jewelry is something very intimate. When a collector buys something I have created, it's not mine anymore. I am absolutely comfortable and very at ease with this idea, to give this away. What I know and what makes it so rich is that this person will adopt something and use it as an intimate mirror of her thoughts, of her emotions, of her mind, of her attitude. I think this is a very special thing. The piece of jewelry influences our gestures, especially the big rings. They influence our gestures. They influence our body language. We experience our body in a different way when we wear a piece of jewelry.   Sharon: Any piece or are you talking about larger, significant pieces?   Esther: No, any piece, any. I'm talking now about any piece.   Sharon: Oh, wow! That's something to think about. You mentioned that you make the rings in gold and jade and silver. Do they have different meanings, the different materials?   Esther: Absolutely. I think any material has its own meaning. Of course, gold, silver and jade are so-called precious materials. They are considered by everybody as precious. I like them not because they are considered precious worldwide, but I like to work with them because of other qualities. For instance, gold and silver are very plastic materials. You can hammer volumes out of a flat sheet of gold or silver. You cannot do this with a simple hammer and iron, for instance, but gold and silver have these plastic qualities.   Then, of course, the color is a very important aspect. The weight of silver is very tender. Yellow gold is much stronger. I also know that silver is linked in many, many cultures to the moon and the feminine, and gold is linked to the sun and to the male aspect in us. Whether we know it or not, it is like an ancestral knowing that is within us and that we can feel. That's also why different people are attracted by different materials. Not everybody likes to wear gold. Not everybody is able to have a big ring made of gold because it's a statement you make.   Sharon: Do you think you're influenced in these thoughts by your living abroad or living in different cultures?   Esther: I think so, yes. Of course, I learned a lot. For instance, jade has a strong symbolic meaning in China and for the Chinese culture. It's a very strong material, which we may not understand immediately, only if we learn about it. I think living in other areas of the world, you become sensitive to how different materials are used. As a person who likes to transform material into something, into an object, or to transform very simple materials like a thread or a string into something precious, into something which has a specific character, it gives you another relationship to different materials. I choose my materials very consciously by what I want to transmit as a feeling.   Sharon: Would you call yourself a jeweler?   Esther: Yes, absolutely. I'm a jewelry maker, yes.   Sharon: I guess a jewelry maker is different than a jeweler. I have my own understanding of what a jeweler is. You're a jewelry maker.   Esther: I have to say English is not my language. I might not make the difference between jeweler and jewelry maker. I know the difference between a jewelry maker and a designer. I'm not a designer because I make things myself. I create and I make. I realize things myself. So, I'm not a designer. I don't consider myself a designer.   Sharon: What possessed you to start a whole department in Geneva, a jewelry department at the university there?   Esther: That was a very happy, glad circumstance. It was in the beginning of 1980. Switzerland joined the European Space for Higher Education. Art schools and schools for applied arts were things then, not universities. They had no universities for art. In the beginning of 1980, we joined the European Space for Higher Education. At the school where I studied between 1974 and 1978, and where I started to teach in 1982, we, the teachers, were asked to make a proposal for a new education program.   At that time, I was already very active as an independent jewelry maker. I could participate in international exhibitions, and I absolutely wanted to open a department for experimental and art jewelry in Geneva because we didn't have that. We had this excellent program for luxury jewelry. That is what I learned. For four years, I had this education for luxury jewelry, and I thought it was the time in Switzerland, and especially in the French-speaking part of Switzerland. In this very luxurious environment, we needed something breaking this up. This is another idea of what luxury can be. It's not only luxury and precious metals and very expensive stones; it can be something very different. That is the environment where I could start this jewelry design department at the school in Geneva, which is now called the School for Applied Arts, which has the same status as a university.   Sharon: As a university, did you first study basic university courses?   Esther: I was never in a university. I just knew them from my colleagues I met when we exhibited. I knew the Rietveld Academy. I knew the RCA in London. I knew Otto Künzli in Munich. I had this dream of doing something like that in Geneva, and I was given the opportunity and the confidence to start and create this department. It was a very lucky situation. I am a very lucky person in general.   Sharon: Well, you must be a good teacher because there are people all over that I met who said, “Oh, I studied with Esther Brinkmann.” You must be a good teacher. They wouldn't have chosen this, would they?   Esther: I'm very much able to transmit my passion. I'm also able to support young people to find their own way, to express ideas, to find their own materials and, maybe the most important, to find the energy to develop and to not give up, to stay with an idea and to follow your intuition, to give you the skills and the force to realize something until satisfaction. This is a very, very important thing. Everybody has ideas; everybody can have excellent ideas, but you have to have the energy and the endurance to follow your way and follow your idea until materializing something to achieve a piece. That is something you need support for. I think that is a very important thing the teacher has to give, to transmit to her students.   Sharon: Was there a competition or was there stress in choosing you? Were they going to choose somebody for this position?   Esther: No, there was nobody. There were different people to propose different programs. I had a colleague who also proposed a program for watch design. We had a very small department for watch design open at that time, but nothing in the field of creative jewelry.   Sharon: Creative jewelry being contemporary too?   Esther: Yes, being contemporary jewelry.   Sharon: Tell us about the Magpies. We'll finish with that. What about the Magpies?   Esther: I met the Magpies more or less at the same period. I met Theresa, who was the founder of this club called the Magpies. It was a small group of friends, of women. They were just fond of jewelry, although not of contemporary jewelry at that time. Two or three of them were involved in archaeology. They were fond of tribal jewelry, of jewelry from the Middle East. They were just interested in jewelry. When I met them, I could introduce them to contemporary jewelry. Since then, they were very supportive of my students as a group of women who were just enthusiastic and following what we were doing and also, of course, buying work, which is always very important. That's how we kept going in parallel together until now.   What happened is that I would say in the last 15 years, this group has become less and less active because the women are getting elderly. They stopped organizing activities. Only recently a group of younger people are starting this group of collectors again and trying to organize activities around this topic. It depends always on people and privileged relationships that we can have with collectors, but also galleries. It's the same with students. People can stimulate each other to excellence, to create things and to do activities which they would not do when they are alone.   Sharon: Do you see that happening with Magpies? Do these stimulate?   Esther: The fact that we were friends and that I could include them in our activities at the department, I think that was a very stimulating period of time for them. Somehow with my successors, it did not happen in that same way. But it seems that now, with the new generation at the school in Geneva, they are trying again to create this link and this relationship with collectors. They might succeed. I think so. It's about transmitting your passion, and it's about exchanging ideas. It's about generosity from one part, and the other that makes things can make things happen.   Sharon: You certainly have made things happen. Thank you for being with us today. I greatly, greatly appreciate it.   Esther: Thank you for having me, and thank you for giving me the opportunity to talk about all this. Thanks.   Sharon: We will have photos posted on the website. Please head to TheJewelryJourney.com to check them out.   Thank you again for listening. Please leave us a rating and review so we can help others start their own jewelry journey.

What you'll learn in this episode:   How Esther's experiences in China and India continue to influence her work today Why different materials have different meanings, and how that impacts the wearer Why the relationship between a jewelry artist and a customer is particularly special and intimate How wearing jewelry influences the way we move through the world The most important qualities a jewelry teacher should have   About Esther Brinkmann Esther Brinkmann is an independent jewelry maker living and working in Switzerland. Her work has been exhibited in galleries throughout the world and is held in the collections of the National Museum of Switzerland, Musée des Arts Décoratifs in Paris, Museo Internazionale delle Arti Applicate Oggi (MIAAO) in Torino, and the V&A in London. She established the Haute École d'Art et de Design (HEAD) in Geneva, the first jewelry education program of its kind in the country.   Additional Resources: Esther's Website Esther's Instagram Photos Available on TheJewelryJourney.com  Transcript:   Jewelry artist Esther Brinkmann makes her rings with intention, considering everything from the meaning of the material used to the way the shape of the ring will change how the wearer moves their hands. She has passed this perspective down to hundreds of students at the Haute École d'Art et de Design (HEAD), the jewelry program she founded in Geneva. She joined the Jewelry Journey Podcast to talk about how living in China and India made her question her identity and influenced her work; why many of her rings are designed to fit different sized hands; and what makes the relationship between artist and wearer so special. Read the episode transcript here.   Sharon: Hello, everyone. Welcome to the Jewelry Journey Podcast. This is the first part of a two-part episode. Please make sure you subscribe so you can hear part two as soon as it's released later this week.   I recently went to Switzerland with Art Jewelry Forum. One of the afternoons we had was at Esther Brinkmann's home. It was a very memorable lunch and afternoon. We got to see her studio, and on top of that, we had an unforgettable luncheon cooked by her husband, Warner. Esther's work is very well known, although it's not known so much here. It is found in prestigious museums. She was influenced by culture, especially in India and China, where she lived for more than 20 years with her diplomat husband. We also met a collectors' club, the Magpies, which you'll hear about. She'll talk more about her philosophy and her jewelry. Esther, welcome to the podcast.   Esther: Thank you very much, Sharon, for inviting me to talk about my practice as an artist and as an educator. Thank you.   Sharon: You're welcome. I'm glad you're here. I was going to ask you why you think there are only certain areas of the world where your jewelry is known. For instance, I don't think it's known here. I don't know it. I haven't seen the jewelry here. If somebody said to me, “It's an Esther Brinkmann piece,” I wouldn't know what that meant.   Esther: That's a difficult question. I guess it's because I have never been collaborating with an American gallery, although I think I have a few pieces in American collections. My focus was, for many years, on European countries. As you were saying, we were living in China and India for 10 years, so I could show my work in those two countries. But America, it was a little bit far away, I think.   Sharon: Do you have more work in China and India and Europe than other places? I guess I'm asking that about China and India. Is your work more well-known there?   Esther: China and India are huge countries with numbers and numbers and millions and millions of people. I'm not very known in those two countries, but I am known in different universities, in different cities, as an ambassador for jewelry. When I was living in China and in India, I was given the opportunity to have a lot of lectures and workshops with students there, so I could introduce this idea, which was quite a western idea of artisan jewelry. In India as in China, it was not at all a topic.   Sharon: The lectures or conferences you had, was it because you were part of a school? Was it just private?   Esther: No, it was because when we lived in those two countries, I contacted different universities that had jewelry departments or fashion departments, design departments, and I offered to give lectures and workshops about art jewelry. I was welcomed with open arms.   Sharon: So, you basically made your niche, I want to say. You created it. You weren't asked, but you created it.   Esther: I would not say I created it, but I participated, and I stimulated young people in those two countries to go into individual creative and experimental jewelry. Things happen also because there is something in the air. The time was right to do that, and they were interested in it.   Sharon: If you had come 20 or 10 years earlier, would they have been interested?   Esther: I don't think so.   Sharon: Your favorite piece, the one most written about, is a ring that's a double ring. It's not made of two rings, but it's comprised of two rings.   Esther: Yes.   Sharon: How did that come about?   Esther: That came in the early 80s, when I started as an independent jewelry maker. It was the trend at that time. All of us tried to make multiple pieces. That means a big number of pieces, inexpensive pieces, for everybody. At that time, I had the idea of a ring. It was made of an industrially made aluminum tube with an incision on top where I introduced a rubber ring. This ring could regulate the size of the inner hole. I realized that I created this ring for a functional reason. Many people could wear the same ring and they filled the same space more or less.   At that time, I suddenly realized how interesting it is to have a ring with space around the finger. I focused on this concept, on this idea, and developed many different other shapes from then on. That's how the double ring came, a ring which is too big for your finger and a second ring which is open. The tubular ring is open and leaves space around the finger, and you fit in a second, smaller ring which holds the thing on your finger. That is quite complicated to explain.   Sharon: I didn't understand the big ring was supposed to be big and the little ring—   Esther: The big ring is too large for your finger. The smaller ring inside fits and is held back on your finger. It's an aesthetic decision, but it's also functional because the bigger ring can be worn again by many different sizes of hands because the smaller ring fits inside. I can adapt to different sizes.   Sharon: Do you have blanks you use, where you cut and these rings are this size and these rings are this size?   Esther: With the many years of experience I have, I know more or less the range of sizes of rings and fingers. I know, for instance, that women in China usually have very small hands and fingers, whereas in Holland, women have much bigger hands. Also in America, you have bigger hands and taller people. I don't send very, very small rings to Holland, for instance. This is the experience of many, many years. So, you get a feeling for what range of sizes is fitting to different women.   Sharon: Why do you think it is that different nationalities have different size hands?   Esther: I think it's not about nationalities; it's about the body shape.   Sharon: I tried on one of your rings which actually fits. You could slip a ring underneath it. I was surprised because I have large hands and mostly, they don't fit me. I was really surprised. You started making those rings when?   Esther: I started around 1985, something like that. That makes a long period of time.   Sharon: What did you do with the rings or the jewelry when you were in China? Did you just keep on?   Esther: In the beginning, I was a little bit lost, not in translation, but lost in this very different culture. I had many, many experiences of being the alien within a huge group of other people. That was a very special experience for me. That's when I had the idea to create this series of brooches called “Red Face and Double.” That was really a Chinese idea. I would not have had this idea elsewhere.   I had the idea of the “Red Face” because I was wondering, “How do these people perceive me? How do they see me? I see them like this and like that, and they are looking at me; they are staring at me. Who am I for these people?” Also, I didn't know anymore exactly who I was. There were a lot of questions. That's how I started to draw these faces. I thought, “It's a brooch; it's like wearing another face of mine.” It's like showing that I'm not a person who is only one. I am multiple. With different people, I might be a different person. I think that is a reality. It depends on with whom we are. We are different people. Luckily, we are not like a stone or something which would not change. That's how I got the idea of those brooches wearing another face.   Sharon: Do you think people understood what you were trying to do?   Esther: I think so. I think they could feel that it has something to do with who we are and how we see each other, how we look at the world, how flexible we are or what our competences to adapt in certain circumstances are, etc. What was certainly surprising for them was to see that you could express such ideas in a piece of jewelry. That was completely new for them. That was something very—not disturbing, but it was somehow questioning them.   Sharon: Did anybody ever say to you, “That's unusual,” or “That is really making me think twice,” or anything like that?   Esther: Many people said it is unusual. I had a lovely experience with a very young student. They came to see my first exhibition in Guangzhou in the south of China. I explained to them about this idea of having another face on me, and she said, “But you know, you are new here. I've lived in Guangzhou for 20 years and I have never had this idea.” So, I said to her, “Yeah, you see the fact that I am a foreigner here. I am a person who is in a new surrounding, in a new environment, so I have a new perception of myself. I have also so many emotions, so many things that I discover every day and every instant.”   Sharon: Did you continue to make the rings while you were there?   Esther: Yes, of course, I continued to make the rings, but I introduced a new material. I started to work with jade. I was very much fascinated by this very Chinese stone there. You can see it everywhere. It's a very popular stone. I was really fond of starting to work with and realizing pieces with jade. The second thing is, in doing so, I could start to collaborate with Chinese craftspeople, which is an interesting way to get into another culture, by doing things together, developing things together. Not only observing or being a consumer of artifacts, but sharing knowledge, sharing skills, sharing ideas and concepts is extremely enriching. That was a fabulous experience.   Sharon: Did you make the rings out of just jade or other things?   Esther: I made the models and then I got them carved by Chinese craftspeople. I couldn't have done this myself. I don't have the skill for that.   Sharon: How did you communicate with these people?   Esther: By bringing them a model. The first time I went to one of these carving studios with a drawing. I went with a translator. I could not speak Chinese in the beginning at all, so I went with a translator, and he said, “Oh, no, I cannot do this.” It was a very simple shape. They are able to carve Buddhas and cabbage and absolutely crazy, very complex forms and shapes, and he said, “Oh, no, I cannot do this,” and I said, “O.K., I have to find another way to communicate.” So, I went home, and I made the ring of wood. I went back and asked him, “Could you please copy this ring for me in jade?” and he said, “Of course, no problem.”   Sharon: The same person?   Esther: The same person. It was just the way to communicate. When he saw the drawing, he was not sure he was able to interpret the right thing, whereas with the model, he could measure. He could copy exactly the same thing. It wasn't a problem anymore.   Sharon: Did you produce a few in jade?   Esther: Yes, I produced a few in jade. It's getting dark here, Sharon.   Sharon: O.K., all right, I'm sorry.   Esther: No, that's why I turned on the lights, so you could see me again.   Sharon: Yes, I can see you. How long ago did you start making rings on a continuous basis?   Esther: 35, 40 years. It's a long time.   Sharon: Can you tell us about your experience with the rings in India?   Esther: When we arrived in India, the first impressions that I got were the fabulous world of colors and patterns on textiles, on temples, on saris. Wherever you look, you will see fabulous combinations of colors and ornaments, motifs and patterns, flowers, birds and things like that. I thought, “This is the moment for me to try to introduce motifs and decorations to my very simple shapes.” So, I started to draw flowers and birds influenced by these jewelry pieces from the Mughal Period, which I find absolutely fantastic. I was lucky to find an enamel master, a skilled craftsman in Rajasthan, in Jaipur, who could realize my rings. I made the metal ring gold or silver. I drew the pattern on it, the motif, and he realized the enamel.   Sharon: Was there any problem in communicating with them?   Esther: There were many problems because our temperaments are completely different. Of course, our sense of aesthetics is also different. In the beginning, he said, “Esther, I will draw you things in a better way. I can do this for you. I can make much better motifs than what you are drawing,” and I said, “This is not the deal we did. I have my own ideas. I don't want to make Indian jewelry. I make my own jewelry, and I want you to realize, with your fantastic skill, the best enamel I can get.”   It also took some time to discuss and to find how to communicate. In the end, it worked very well, but it worked very well because I went to his studio. I stayed a few days there; I worked together with him. I could not work with him from this distance now from Switzerland. That would not be possible.   Sharon: We will have photos posted on the website. Please head to TheJewelryJourney.com to check them out.  

Dans le deuxième épisode du podcast Tchou Tchou en Allier, je suis allé à la rencontre de Véronique Béné, une carnettiste férue de train qui se passionne pour les paysages ferroviaires et les petits motifs du rural.  L'univers ferroviaire, souvent perçu comme un simple moyen de transport, se révèle être une source d'inspiration artistique riche pour Véronique Béné. Originaire de Clermont-Ferrand et née en Algérie dans les années 60, cette ancienne élève des Arts Déco a délaissé la vie parisienne pour s'installer près des gorges de l'Allier, où elle partage son temps entre une maison perchée offrant une vue imprenable sur la vallée et son amour pour les trains.  Véronique passe le plus clair de son temps dans un train ou dans les gares, un carnet de croquis à la main. Cette carnettiste infatigable dessine sans relâche ses tribulations ferroviaires. C'est une véritable mordue des lignes oubliées et du petit patrimoine ferroviaire. Celui que personne ne voit, mais que son œil d'experte sait déceler dans les moindres détails.  Tu peux retrouver un reportage complet sur la ligne de chemin de fer Clermont Montluçon et un portrait complet de Véronique Béné sur mon blog La France Baladeuse.  Si tu souhaites en savoir plus du Bellenaves et sa région, rendez-vous sur le site internet de l'office de tourisme du Val de Sioule ou sur le portail web de Allier Tourisme. Tu y retrouveras de nombreux conseils pour t'aider à organiser tes prochaines vacances dans le département. Cet épisode a été imaginé et réalisé en collaboration avec l'association Once Upon a Train. Le podcast a été enregistré pendant le festival Rurail & Vous, qui a eu lieu au Champs des Couchettes en juin dernier. Merci à Anna, Samuela et Margaux pour leur accueil et leur bienveillance. Si tu aimes les voyages en train, je te recommande de visiter de site web de l'association Once Upon a Train où tu trouveras de nombreuses ressources pour t'aider à organiser tes escapades. 

Aujourd'hui, on va parler déco, scénographie, aménagement mais surtout vintage, local et seconde main. Il y a quelques mois, Noémie et Flora lançaient Bureau Bien Vu, un studio de création de décors, avec comme objectif le local et le réemploi, tout en anticipant l'après via la revalorisation des matériaux. Mais on va également profiter de ce moment pour découvrir qui elles sont, les valeurs qui les animent et ce qui fait leur singularité.  Voilà ce que vous allez découvrir dans cet épisode :  - les personnalités de Noémie et Flora, les co-fondatrices du studio Bien Vu - leurs conseils pour s'associer en entreprise  - l'univers visuel Bien Vu et ses valeurs, ce qui fait sa singularité (teasing : graphisme et signalétique sont mis à l'honneur) - la genèse d'un projet entrepeneurial avec la découverte d'un lieu de conservation de décors en région parisienne  - le constat fait sur les décors de festivals et autres événements éphémères, et leurs enjeux RSE  - la création d'un média en 2020 avec un premier tour de France à la découverte d'acteurs du réemploi, ou comment travailler à partir de l'existant - le lancement du studio grâce à leur cartographie de partenaires potentiels et leur communication sur Instagram - leurs premiers projets, éphémères ou permanents, réalisés en 2023, et l'évolution de leur offre  - leur processus créatif expliqué avec le projet pour les bureaux de Sony Music - l'enjeu de pédagogie auprès de ses clients pour déconstruire les fausses croyances sur la seconde main et le réemploi - les notions de traçabilité et de circularité derrière l'histoire de chaque objet chiné ____ Pour prolonger l'épisode  Compte Instagram de Bureau Bien Vu Site Internet de Bureau Bien Vu Les bonnes adresses de Noémie & Flora - Café-Fleuriste Désirée - Restaurant Adar - Quintal, atelier d'impression en risographie  - Sergeant Paper, art prints  - Musée du Jeu de Paume, Paris - Musée des Arts Décoratifs, Paris  ______ Retrouvez toute l'actualité du podcast et de ses invité.e.s sur son compte Instagram.   

Loretta H. Yang and Chang Yi, founders and artists of LIULI Crystal Art, devoted their life to the art of LIULI for three decades. In the process, they revived the ancient Chinese technique of pâte de verre lost wax casting and instigated the contemporary glass art movement in Asia. Richly imbued with traditional Chinese artistic vocabulary and philosophical thinking, Yang's works have been acquired by more than 22 museums for their permanent collections including Victoria and Albert Museum in London, the Palace Museum in Beijing, New York Museum of Arts and Design, The Corning Museum of Glass, and Musée des Arts Décoratifs in Paris. She has created work for the Oscars, Grammys and 32 world leaders. “Beauty transformed” is how Japanese critics have described Yang's multiple talents. Named Best Leading Actress in the 21st and 22nd Golden Horse Film Awards ceremony, she was the first actress who won this award two years in a row. In 1987, Yang left the film industry along with her late husband, film director Chang Yi, and several other people from the film industry to establish the glass workshop and studio LIULI Crystal Art near Taipei, Taiwan. The industrious group invested their resources in rehabilitating a dilapidated factory and learned the techniques and process of glass casting in the French manner, similar to the luxury glass made by Lalique and Daum. Yang single-handedly rediscovered the techniques of pâte de verre glass casting and uses this technique to create works with a traditional Chinese artistic flare.  When asked, “What has it been like being a woman in the glass arts industry all these years,” Yang responded: “Honestly, I haven't given this topic much thought. Don't exceptional women exist in all industries? Chang Yi believed that women were the stronger gender and possess a resilience men don't. He would use the saying ‘will of steel, gentle heart' to describe women, because he observed that we lead with a gentleness of heart and an unwavering will. Maybe I've been lucky to work with Chang Yi all this time because despite what other people said, we took it with a grain of salt and continued to live according to our own set of rules. We complemented each other. He was responsible for the development, planning and operational aspects of the company. And because of this, he was able to steer our team in the right direction and instill an equitable value system.”  She continues: “I, on the other hand, have more patience and lean more toward innovation. I enjoy researching techniques – LIULI Crystal Art's 12-step technique is a product of my work. Yes, the process was challenging, but what would we be without it? LIULI Crystal Art faced a lot of challenges in our 36 years. The sheer will to complete a project was our greatest encouragement and got us through them. Chang Yi used to good-naturedly admonish that I was the type of person who doesn't know when to quit. But really, I'm the type of person who immerses themselves in something and will continue searching for an answer until I find it. Value and strength are creations of our own design. I refuse to put myself in a box or limit myself in any way. Women can be just as bold as men, men can be just as resilient as women.”  Today, LIULI Crystal Art owns factories on Taiwan (Tamshui) and in Shanghai, and numerous galleries on Taiwan and in China, Hong Kong, Singapore and United States. The group decided to use the Chinese word LIULI as opposed to more common names for glass in the Chinese language. It is commonly believed that the word LIULI first appeared during the Western Zhou Dynasty (about 1045-771 BCE), which referred to the glass being produced at the time. For Yang especially, using the term LIULI greatly references her own body of work, which draws upon traditional Chinese motifs and such Buddhist teachings as enlightenment and transparency, evoking an almost meditative practice and devotional purpose. Each piece undergoes a comprehensive 12-step process and requires six to eight months to complete. Known for her floral sculptures, in 2006 Yang removed all traces of color from her work. This pure, transparent series debuted at Leo Kaplan Modern in New York in 2007 with Proof of Awareness, an oversized and colorless blooming peony, garnering widespread acclaim. To Yang, the oversized flowers of Proof of Awareness represented her life reflections and the next stage of her creative journey. Says Yang: “LIULI petals, when looked at individually, hold little significance. But when clustered together, these petals manifest a symbiotic relationship to create a single large and flawless flower. A harmonious and mutually beneficial relationship does not focus on the self but on the greater good of everyone involved.”  Combining pâte de verre with hot casting, Yang uses multiple castings to create the abstract form of Buddha. Because life is impermanent, LIULI is the perfect material to capture its wavering illusory and tangible qualities. Yang explored the Buddhist philosophy of enlightenment and non-attachment in her exhibition Diamond Sutra held at the Grand Palais in 2015. The Ateliers d'Art de France commented: “The collection exudes a meditative philosophy that captures the Parisian way of life yet is an uncommon component in contemporary French art.” In 1996, when Yang and Chan Yi visited the Buddhist grottoes near the desert oasis of Dunhuang in western China, the moment they saw the Thousand-armed, Thousand-eyed Guanyin fresco in Cave 3 at Mogao, painted during the Yuan Dynasty (1271–1368) and slowly disappearing under the relentless weathering of the desert sandstorms, Yang vowed to recreate the image in glass as a way of handing down to future generations the wisdom and compassion it has accumulated over the centuries. On the reverse side is engraved the Great Compassion Dharani, a popular incantation in Chinese Buddhism. The unique transparent nimbus represents the wisdom and compassion of Guanyin illuminating the world. The image exudes an air of boundless compassion, quelling the anxiety of a troubled heart. Though Yang has completed a 200cm version, her deepest wish is to complete a LIULI-made Thousand-armed, Thousand-eyed Guanyin that measures14.7 feet tall!  In order to “continuously create art for the good of the heart,” Chang wrote a dedicated poem for each artwork. It took great determination and faith to accumulate such a compelling body of work. He viewed LIULI as a communicator of life and death, and as the state between illusion and reality, light and shadow. Even though life was illusory, a dream and ephemeral like bubbles, there was always an unwavering touch of red in the heart urging all to never give up life and never give up hope.  Says Yang: “Although it's been more than three decades, we know there's a lot more to achieve. And the only way to do so is to continuously practice what we believe in. The mission of LIULI has always been more than LIULI. It is the society, the culture, and the human beings.