Podcasts about aznavour

durée : 00:04:33 - C'est une chanson - par : Frédéric Pommier - Semaine spéciale Charles Aznavour ! Aujourd'hui, nous réécoutons l'entretien de Frédéric Pommier avec le comédien et humoriste Gil Alma, qui avait choisi d'évoquer "La Bohême", chanson qui lui rappelle le jour de la naissance de son premier fils. (Rediffusion de l'émission du 20/10/2022.) Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

durée : 00:06:08 - C'est une chanson - par : Frédéric Pommier - Semaine spéciale Charles Aznavour ! Aujourd'hui, nous réécoutons l'entretien de Frédéric Pommier avec la chanteuse de jazz Térez Montcalm, qui avait choisi d'évoquer "Je n'attendais que toi", morceau composé pour le film "Edith et Marcel" de Claude Lelouch. (Rediffusion de l'émission du 08/02/2024.) Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

durée : 00:04:37 - C'est une chanson - par : Frédéric Pommier - Semaine spéciale Charles Aznavour ! Aujourd'hui, nous réécoutons l'entretien de Frédéric Pommier avec le magistrat et auteur de romans policiers Eric Halphen, qui avait choisi d'évoquer "Emmenez-moi", un titre qui réveille chez lui le souvenir de sa mère. (Rediffusion de l'émission du 19/04/2023.) Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

durée : 00:05:16 - C'est une chanson - par : Frédéric Pommier - Semaine spéciale Charles Aznavour ! Aujourd'hui, nous réécoutons l'entretien de Frédéric Pommier avec la violoncelliste Astrig Siranossian, qui avait choisi d'évoquer "Comme ils disent", une chanson qu'elle a très souvent entendue dans son enfance. (Rediffusion de l'émission du 19/04/2023.) Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

Plongez dans un voyage musical des années 60 à 80 avec Ombline Roche dans les studios d'Europe 1. De Charles Aznavour et son hymne à la persévérance « Je me voyais déjà », à Juliette Gréco et son scandale « Déshabillez-moi », en passant par le succès planétaire des Jackson 5 avec « ABC ». Découvrez aussi Martin Circus et leur titre culte « Je m'éclate au Sénégal », avant de terminer avec la rencontre artistique d'Alain Souchon et Laurent Voulzy autour de « J'ai 10 ans ». Un épisode riche en anecdotes et archives inédites !À retenir :Aznavour, Gréco, Jackson 5 : des titres emblématiques et leurs histoires.Anecdotes inédites sur Martin Circus et la censure de l'époque.La naissance du duo Souchon-Voulzy et ses collaborations mythiques.Notre équipe a utilisé un outil d'Intelligence artificielle via les technologies d'Audiomeans© pour accompagner la création de ce contenu écrit.Tous les jours, entre 14h et 15h, Ombline Roche vous fait revivre la musique des années 1950 à la fin des années 1980 !Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

durée : 00:05:40 - C'est une chanson - par : Frédéric Pommier - Semaine spéciale Charles Aznavour ! Aujourd'hui, nous réécoutons l'entretien de Frédéric Pommier avec le chanteur Dany Brillant, qui avait choisi d'évoquer "Pour faire une jam", titre qu'il a lui-même repris 40 ans après avoir découvert Aznavour sur scène. (Rediffusion de l'émission du 05/12/2024.) Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

Esce finalmente nelle sale il terzo capitolo della saga che ha riportato in vita in cinema 3D. Con gli attori Sam Worthington e Stephen Lang parliamo di "Avatar - Fuoco e cenere" diretto da James Cameron, con Zoe Saldana e Sigourney Weaver.Abbiamo incontrato al Marrakesh Film Festival l'attore Tahar Rahim, protagonista del biopic "Monsieur Aznavour" diretto da Medhi Idir, Grand Corps Malade, con Victor Meutelet e Rupert Wynne-James.Speciale Strenne cinematografiche: sentiamo Guido Conti, autore di "Zavattini AZ" e parliamo del gioco da tavolo ispirato alla serie Squid Game.Con Boris Sollazzo parliamo di "Norimberga" diretto da James Vanderbilt, con Rami Malek, Russel Crowe e Richard E. Grant e di "Father, Mother, Sister, Brother" diretto da Jim Jarmusch, con Tom Waits, Adam Driver e Charlotte Rampling.

L'entretien avec Bastien Bouillon a été diffusé dans "Beau Geste", le dimanche 14 décembre 2025 à 22h45 sur France 2Il a envahi vos salles en 2025, il sera omniprésent en 2026, l'acteur de Monte Cristo, de monsieur Aznavour, de Partir un jour, n'arrête plus de tourner au point de donner le tournis ! Bastien Bouillon a rouvert les portes du centre Pompidou fermé pour 5 ans, juste pour nous, juste pour vous…"Beau geste" c'est une plongée au cœur du cinéma en train de se fabriquer. Menée par Pierre Lescure, Beau geste va là où bat le pouls du cinéma : en tournage, en avant-première, dans les festivals, en France comme à l'étranger, sur les films intimistes comme les comédies populaires. Pierre Lescure discute avec les artistes qui font l'actualité dans des lieux qui font sens : salles de cinéma, musées, librairies…https://www.instagram.com/beaugeste_france2?utm_source=ig_web_button_share_sheet&igsh=ZDNlZDc0MzIxNw==https://www.france.tv/france-2/beau-geste/

Charles Aznavour có vị trí đặc biệt trong cuộc đời của họa sĩ Hom Nguyen và mẹ của ông, một phụ nữ Việt đến Pháp sau năm 1954. Họ đều là người nhập cư "với những khó khăn, nhưng có một khát khao, một chút điên rồ, giống như Aznavour", ca sĩ gốc Armenia. Năm 2024, chính Hom Nguyen vẽ bộ tem cây cổ thụ làng nhạc Pháp nhân 100 năm ngày sinh. Ngày 05/10/2025, toàn bộ bẩy tác phẩm, dụng cụ sáng tác của nghệ sĩ sinh năm 1972 được đưa vào bộ sưu tập cố định của Bảo tàng Bưu Chính (Musée de la Poste). Bưu điện cũng giữ một vị trí quan trọng đối với mẹ của Hom Nguyen. Ông kể lại trong cuốn tự truyện Ma vie d'Hom (Cuộc đời của Hom, NXB Robert Laffont, 2025) : “Thư từ là sợi dây liên lạc duy nhất giữa bà với gia đình ở Việt Nam. Mỗi tháng một lần, bà viết thư cho anh trai trên những tờ giấy rất mỏng để tiết kiệm bưu phí…” (tr. 95). “Mẹ” là người “truyền cảm hứng” cho thành công của một Hom Nguyen ngày nay. Bà đẹp, là người nhập cư không nói tiếng Pháp, làm mẹ đơn thân, bà bươn chải để nuôi con nhưng số phận lại buộc bà nằm liệt giường quá sớm, khiến cậu con trai trở nên “già trước tuổi”, phải nói dối và dối lòng mình để tự “vẽ” ra một điều kiện sống bình thường như những người khác : (…) Tôi từng đến những bữa tiệc nơi những người giàu có hơn tôi kể về cuộc sống tuyệt vời của họ. Tôi từng khốn khổ, nhưng tôi không muốn thừa nhận ; tôi ghét bị phán xét. Vì vậy, tôi đã phải dùng đến những lời nói dối, chỉ để tồn tại như họ”. (tr. 85) Hội họa đã giúp Hom tìm được tự do, tìm được khoảng trời riêng để trút tâm sự, để thoát khỏi thế giới thực. Từ tự học, mày mò phát minh những kỹ thuật mới, không ngại mạo hiểm, Hom Nguyen tạo được phong cách riêng “táo bạo, giàu cảm xúc”, “nổi tiếng với phong cách bốc đồng và những bức chân dung khổ lớn, nắm bắt được chiều sâu cảm xúc của con người thông qua màu sắc”, theo đánh giá của trang Artsper. Và để có được thành công này, theo Hom : “May mắn không tồn tại ; tôi là sự kết hợp của ý chí, tham vọng và sự chăm chỉ”. (tr. 180) RFI Tiếng Việt đã phỏng vấn họa sĩ Pháp gốc Việt nhân dịp anh ra cuốn tự truyện La Vie d'Hom (Cuộc đời của Hom). RFI : Trong cuốn tự truyện La vie d'Hom (Cuộc đời của Hom), anh không ngại kể lại những khó khăn, vất vả, kể cả những “tội lỗi” nhỏ thời niên thiếu. Nhưng chính những trải nghiệm và cuộc sống đó đã làm anh nhân văn hơn, dễ thấu hiểu những người yếu thế hơn. Trong cuốn tự truyện, anh cũng trích dẫn một câu nói của mẹ anh là “phải tự vạch con đường cho mình và đừng dừng lại”. Anh đã tìm con đường đó như thế nào ? Hom Nguyen : Trước tiên, tôi nghĩ là chúng ta không thể dừng lại. Tôi bắt đầu từ nguyên tắc đó, với lời khuyên của mẹ tôi : “Hãy tự vạch con đường cho mình và đừng dừng lại, con bị dồn vào chân tường nhưng con vẫn phải đi, phải luôn tiến lên phía trước”. Tôi nghĩ mẹ tôi nói đúng bởi vì nếu do dự thì chúng ta bị dừng lại. Và tôi đã không do dự. Mẹ tôi và tôi đã trải qua quá nhiều khó khăn nên đối với bà, việc tiến lên phía trước và không bao giờ dừng lại là điều thực sự quan trọng. Mẹ tôi đã truyền cho tôi khát khao và động lực đó, vượt qua khuyết tật của bà, bởi vì bà bị liệt nửa người. Bà đến Pháp lành lặn, sau đó bị tai nạn ô tô. Có lẽ qua tai nạn đó, qua những vết thương của bà, bà đã truyền cho tôi khát khao được tiến xa hơn nữa, đưa mẹ tôi và tôi đến những nơi khác, như kiểu để có thể thoát khỏi cuộc sống lúc đó. Khi có một người mẹ khuyết tật như mẹ tôi, đáng tiếc là bà không còn nữa, thì từ rất nhỏ, mới chỉ 6-7 tuổi, tôi đã biết là có nhiều việc phải làm. Thế là khi mới 10, 12 tuổi, tôi đã trưởng thành hơn những đứa trẻ khác bởi vì tôi chăm sóc mẹ. Tôi làm những việc như tháo túi chất thải để đổ vào nhà vệ sinh, tôi xoay người mẹ để vệ sinh hàng ngày cho bà, tôi giúp mẹ ăn uống. Tất nhiên là chúng tôi có một điều dưỡng viên do Nhà nước giúp đỡ, nhưng buổi tối thì tôi ở bên chăm sóc mẹ. Cho nên tôi đã trưởng thành rất sớm, việc đó giúp tôi tiến nhanh hơn, hiểu cuộc sống sớm hơn những người khác ngay khi còn rất trẻ. RFI : Chính những khó khăn đó đã thôi thúc anh đến với vẽ và anh đã tìm thấy một thế giới khác thông qua hội họa. Điều gì đã thôi thúc anh biến hội họa thành sự nghiệp nghệ thuật ? Hom Nguyen : Tôi nghĩ hội họa giúp tôi giải phóng bản thân, được mơ mộng, được kể một câu chuyện, bởi vì tôi không hẳn “văn hay chữ tốt”, tôi không đọc nhiều lắm. Vẽ là một lợi thế đối với tôi, bởi vì đó là cách tôi thể hiện bản thân theo kiểu mộng mơ, nói một chút về những gì tôi cảm thấy qua những gì được nghe, được thấy và tự nhủ rằng đó cũng là một kiểu thoát ly để nhìn thấy một thế giới tốt đẹp hơn thông qua hội họa. Và thế là ở nhà, tôi vẽ ! Ở trường, tôi cũng vẽ ! Tôi khá mộng mơ bởi vì cuộc sống ở nhà đã rất, rất khó khăn, cho nên ở trường, tôi giải phóng bản thân, không thực sự nghĩ về bất cứ điều gì khác, thậm chí có thể nói rằng tôi gần như thoát khỏi nó. Tôi tách được khỏi nó. Tôi vẫn luôn như vậy. Việc đó giúp tôi tồn tại, để tự nhủ rằng có thể làm điều gì đó trong cuộc đời mình. Qua hội họa, tôi cảm thấy như mình đang tìm lại được một niềm hạnh phúc nào đó, bởi cuộc sống ở nhà vốn dĩ rất khó khăn. Không hẳn là tôi chăm học hơn, nhưng tôi chắc chắn là cần thay đổi cuộc sống hàng ngày nhờ vẽ. Tôi nghĩ mình vẫn luôn làm như vậy, từ lúc còn nhỏ. RFI : Khi còn nhỏ, anh lui tới bệnh viện nơi mẹ anh được điều trị thường xuyên đến nỗi mỗi khi rời khỏi đó, anh cảm giác như được tự do và được giải thoát ! Hom Nguyen : Đúng vậy. Tôi thường xuyên đến bệnh viện nơi mẹ tôi điều trị. Từ khi còn rất nhỏ, tôi vẫn tới đó với dượng tôi, vào mỗi cuối tuần, vào buổi tối sau giờ học. Việc rời khỏi bệnh viện, theo một cách nào đó, cho phép tôi tự do. Sống ở bệnh viện là một gánh nặng bởi vì bệnh viện thường không dành cho trẻ em. Và chứng kiến ​​cảnh mẹ mình bị thương trong một vụ tai nạn xe hơi, không có gì kinh hoàng hơn việc nhìn thấy bà trong tình trạng nguy kịch, nằm trên giường bệnh, không thể cử động. Bị liệt nửa người có nghĩa là từ xương chậu đến bàn chân, hoàn toàn không có cảm giác gì. Vậy nên, khi còn nhỏ, tầm 6, 7, 8, 10 tuổi, đến bệnh viện là đồng nghĩa với việc gặp mẹ sau hết ca phẫu thuật này đến ca phẫu thuật khác, ghép da ở mông để giúp bà có được khuôn mặt ổn hơn. Điều đó không dễ dàng gì ! Đối với tôi, bệnh viện khắc nghiệt đến mức khi ra khỏi đó, tôi cần tìm sự giải thoát ở một điều gì đó khác. Vẽ giống như một lối thoát. Tôi giải phóng bản thân khỏi rất nhiều thứ. Tôi cần thay đổi thế giới của mình và nói về con người tôi, hoặc có thể là những điều khác. Vẽ và hội họa là tự do thực sự đối với tôi. RFI : Và sau khi trải qua những tháng năm khó khăn đó, anh đã tình nguyện dạy vẽ cho nhiều bệnh nhân nhi ở Bệnh viện Pitié-Salpêtrière, anh thấy hình ảnh của mình qua những đứa trẻ đó ! Hom Nguyen : Đúng vậy, tôi đã trải qua tất cả những năm tháng đó. Một ngày nọ, có người hỏi tôi rằng tôi có muốn dạy vẽ cho trẻ em không, một số em bị rối loạn nhân cách, bị tâm thần phân liệt, ví dụ có một câu bé nhưng tự nhận tên là Stéphanie (tên của con gái), tôi nghĩ chắc cậu bé có chút thay đổi trong tâm trí. Trong chừng mức nào đó, tôi thấy mình cũng từng giống như vậy. Lúc học tiểu học, tôi thấy các bậc phụ huynh đến trường đón con. Mẹ tôi không đến trường. Và tôi đã nói dối vì muốn bảo vệ bản thân và mẹ tôi. Tôi nói rằng mẹ tôi là thợ phụ trong một tiệm làm tóc, trên thực tế bà bị tàn tật nặng, nằm ở nhà. Lời nói dối đó đã giải phóng tôi. Và hội họa thực sự đã cho tôi sự tự do để mơ về những điều khác ngoài cuộc sống hiện tại của tôi ở nhà. Tôi tìm thấy điểm tương đồng ở những đứa trẻ này. Và khi thấy mình ở đó, cùng với giáo sư chuyên ngành Cohen, phụ trách khu vực dành cho thanh thiếu niên của Bệnh viện Pitié-Salpêtrière, tự nhiên tôi muốn giúp các em và giúp cả chính mình. Và suốt năm đó, tôi đã dạy vẽ, rất nhiều em được cấp bằng tốt nghiệp, bởi vì đó là một cơ hội tuyệt vời để giúp đỡ chúng tôi, cho họ, và tôi nghĩ là cho cả tôi nữa. Trải nghiệm đó đã thực sự giúp tôi được mở mang hơn, giúp tôi hiểu những người trẻ tuổi khác. Họ cũng hiểu được những điều khác thông qua tranh của tôi, cũng như tranh của họ. RFI : Anh cũng còn có những dự án khác ở Việt Nam nữa bởi vì anh cũng đã nhắc đến Việt Nam trong cuốn sách ? Hom Nguyen : Vâng, tôi có những dự án khác và chúng vẫn đang được giữ kín. Thực ra, có rất nhiều, rất nhiều triển lãm ngẫu nhiên ở Việt Nam. Tôi cũng có cơ hội được lên trang bìa và một bài trong tạp chí của Vietnam Airlines, hãng hàng không quốc gia Việt Nam. Điều đó rất quan trọng đối với tôi, giúp nhắc lại tuổi thơ của tôi, về chia sẻ, về chúng ta, những người Việt Nam. Và tôi rất, rất tự hào về điều đó. Tất nhiên, sẽ có những triển lãm khác ở Việt Nam. RFI : Gần cuối tự truyện, anh viết “Hom ngày nay muốn sống trong bình yên, thanh thản. Hạ cánh nghĩa là tìm thấy niềm vui trong những điều giản dị nhất. Dành thời gian cho con cái”. Nổi tiếng thế giới, công tác thường xuyên, liệu có lúc nào anh tự hỏi : Mình đang ở đâu ? Hoặc là mình cần một lịch trình làm việc bớt áp lực hơn hoặc chậm lại để tập trung vào bản thân hoặc những dự án thiện nguyện khác, dành thêm thời gian cho các hiệp hội ? Hom Nguyen : Tôi nghĩ là mình luôn có thời gian. Tôi dành thời gian cho nhiều việc. Tôi từng lùi lại một bước nhưng không hẳn tận hưởng được việc đó. Tôi nghĩ mình đang dành thời gian để hình thành ý tưởng và nhất là để trau chuốt chúng. Dĩ nhiên, tôi vẫn đang tham gia nhiều triển lãm và dự án với trẻ em, đặc biệt là trẻ em ở Việt Nam, cho đến ngày hôm nay. Không phải là tôi kìm hãm lại mà thực ra là tôi đang dành thời gian để hiểu rõ hơn về các dự án của mình. Năm nay là một năm then chốt. Tôi sẽ phải chuẩn bị cho rất nhiều triển lãm quốc tế, chắc chắn là cả ở Việt Nam. Và tôi sẽ chỉ tập trung vào việc chuẩn bị chúng tốt hơn. RFI Tiếng Việt xin chân thành cảm ơn họa sĩ Hom Nguyen.

Charles Aznavour có vị trí đặc biệt trong cuộc đời của họa sĩ Hom Nguyen và mẹ của ông, một phụ nữ Việt đến Pháp sau năm 1954. Họ đều là người nhập cư "với những khó khăn, nhưng có một khát khao, một chút điên rồ, giống như Aznavour", ca sĩ gốc Armenia. Năm 2024, chính Hom Nguyen vẽ bộ tem cây cổ thụ làng nhạc Pháp nhân 100 năm ngày sinh. Ngày 05/10/2025, toàn bộ bẩy tác phẩm, dụng cụ sáng tác của nghệ sĩ sinh năm 1972 được đưa vào bộ sưu tập cố định của Bảo tàng Bưu Chính (Musée de la Poste). Bưu điện cũng giữ một vị trí quan trọng đối với mẹ của Hom Nguyen. Ông kể lại trong cuốn tự truyện Ma vie d'Hom (Cuộc đời của Hom, NXB Robert Laffont, 2025) : “Thư từ là sợi dây liên lạc duy nhất giữa bà với gia đình ở Việt Nam. Mỗi tháng một lần, bà viết thư cho anh trai trên những tờ giấy rất mỏng để tiết kiệm bưu phí…” (tr. 95). “Mẹ” là người “truyền cảm hứng” cho thành công của một Hom Nguyen ngày nay. Bà đẹp, là người nhập cư không nói tiếng Pháp, làm mẹ đơn thân, bà bươn chải để nuôi con nhưng số phận lại buộc bà nằm liệt giường quá sớm, khiến cậu con trai trở nên “già trước tuổi”, phải nói dối và dối lòng mình để tự “vẽ” ra một điều kiện sống bình thường như những người khác : (…) Tôi từng đến những bữa tiệc nơi những người giàu có hơn tôi kể về cuộc sống tuyệt vời của họ. Tôi từng khốn khổ, nhưng tôi không muốn thừa nhận ; tôi ghét bị phán xét. Vì vậy, tôi đã phải dùng đến những lời nói dối, chỉ để tồn tại như họ”. (tr. 85) Hội họa đã giúp Hom tìm được tự do, tìm được khoảng trời riêng để trút tâm sự, để thoát khỏi thế giới thực. Từ tự học, mày mò phát minh những kỹ thuật mới, không ngại mạo hiểm, Hom Nguyen tạo được phong cách riêng “táo bạo, giàu cảm xúc”, “nổi tiếng với phong cách bốc đồng và những bức chân dung khổ lớn, nắm bắt được chiều sâu cảm xúc của con người thông qua màu sắc”, theo đánh giá của trang Artsper. Và để có được thành công này, theo Hom : “May mắn không tồn tại ; tôi là sự kết hợp của ý chí, tham vọng và sự chăm chỉ”. (tr. 180) RFI Tiếng Việt đã phỏng vấn họa sĩ Pháp gốc Việt nhân dịp anh ra cuốn tự truyện La Vie d'Hom (Cuộc đời của Hom). RFI : Trong cuốn tự truyện La vie d'Hom (Cuộc đời của Hom), anh không ngại kể lại những khó khăn, vất vả, kể cả những “tội lỗi” nhỏ thời niên thiếu. Nhưng chính những trải nghiệm và cuộc sống đó đã làm anh nhân văn hơn, dễ thấu hiểu những người yếu thế hơn. Trong cuốn tự truyện, anh cũng trích dẫn một câu nói của mẹ anh là “phải tự vạch con đường cho mình và đừng dừng lại”. Anh đã tìm con đường đó như thế nào ? Hom Nguyen : Trước tiên, tôi nghĩ là chúng ta không thể dừng lại. Tôi bắt đầu từ nguyên tắc đó, với lời khuyên của mẹ tôi : “Hãy tự vạch con đường cho mình và đừng dừng lại, con bị dồn vào chân tường nhưng con vẫn phải đi, phải luôn tiến lên phía trước”. Tôi nghĩ mẹ tôi nói đúng bởi vì nếu do dự thì chúng ta bị dừng lại. Và tôi đã không do dự. Mẹ tôi và tôi đã trải qua quá nhiều khó khăn nên đối với bà, việc tiến lên phía trước và không bao giờ dừng lại là điều thực sự quan trọng. Mẹ tôi đã truyền cho tôi khát khao và động lực đó, vượt qua khuyết tật của bà, bởi vì bà bị liệt nửa người. Bà đến Pháp lành lặn, sau đó bị tai nạn ô tô. Có lẽ qua tai nạn đó, qua những vết thương của bà, bà đã truyền cho tôi khát khao được tiến xa hơn nữa, đưa mẹ tôi và tôi đến những nơi khác, như kiểu để có thể thoát khỏi cuộc sống lúc đó. Khi có một người mẹ khuyết tật như mẹ tôi, đáng tiếc là bà không còn nữa, thì từ rất nhỏ, mới chỉ 6-7 tuổi, tôi đã biết là có nhiều việc phải làm. Thế là khi mới 10, 12 tuổi, tôi đã trưởng thành hơn những đứa trẻ khác bởi vì tôi chăm sóc mẹ. Tôi làm những việc như tháo túi chất thải để đổ vào nhà vệ sinh, tôi xoay người mẹ để vệ sinh hàng ngày cho bà, tôi giúp mẹ ăn uống. Tất nhiên là chúng tôi có một điều dưỡng viên do Nhà nước giúp đỡ, nhưng buổi tối thì tôi ở bên chăm sóc mẹ. Cho nên tôi đã trưởng thành rất sớm, việc đó giúp tôi tiến nhanh hơn, hiểu cuộc sống sớm hơn những người khác ngay khi còn rất trẻ. RFI : Chính những khó khăn đó đã thôi thúc anh đến với vẽ và anh đã tìm thấy một thế giới khác thông qua hội họa. Điều gì đã thôi thúc anh biến hội họa thành sự nghiệp nghệ thuật ? Hom Nguyen : Tôi nghĩ hội họa giúp tôi giải phóng bản thân, được mơ mộng, được kể một câu chuyện, bởi vì tôi không hẳn “văn hay chữ tốt”, tôi không đọc nhiều lắm. Vẽ là một lợi thế đối với tôi, bởi vì đó là cách tôi thể hiện bản thân theo kiểu mộng mơ, nói một chút về những gì tôi cảm thấy qua những gì được nghe, được thấy và tự nhủ rằng đó cũng là một kiểu thoát ly để nhìn thấy một thế giới tốt đẹp hơn thông qua hội họa. Và thế là ở nhà, tôi vẽ ! Ở trường, tôi cũng vẽ ! Tôi khá mộng mơ bởi vì cuộc sống ở nhà đã rất, rất khó khăn, cho nên ở trường, tôi giải phóng bản thân, không thực sự nghĩ về bất cứ điều gì khác, thậm chí có thể nói rằng tôi gần như thoát khỏi nó. Tôi tách được khỏi nó. Tôi vẫn luôn như vậy. Việc đó giúp tôi tồn tại, để tự nhủ rằng có thể làm điều gì đó trong cuộc đời mình. Qua hội họa, tôi cảm thấy như mình đang tìm lại được một niềm hạnh phúc nào đó, bởi cuộc sống ở nhà vốn dĩ rất khó khăn. Không hẳn là tôi chăm học hơn, nhưng tôi chắc chắn là cần thay đổi cuộc sống hàng ngày nhờ vẽ. Tôi nghĩ mình vẫn luôn làm như vậy, từ lúc còn nhỏ. RFI : Khi còn nhỏ, anh lui tới bệnh viện nơi mẹ anh được điều trị thường xuyên đến nỗi mỗi khi rời khỏi đó, anh cảm giác như được tự do và được giải thoát ! Hom Nguyen : Đúng vậy. Tôi thường xuyên đến bệnh viện nơi mẹ tôi điều trị. Từ khi còn rất nhỏ, tôi vẫn tới đó với dượng tôi, vào mỗi cuối tuần, vào buổi tối sau giờ học. Việc rời khỏi bệnh viện, theo một cách nào đó, cho phép tôi tự do. Sống ở bệnh viện là một gánh nặng bởi vì bệnh viện thường không dành cho trẻ em. Và chứng kiến ​​cảnh mẹ mình bị thương trong một vụ tai nạn xe hơi, không có gì kinh hoàng hơn việc nhìn thấy bà trong tình trạng nguy kịch, nằm trên giường bệnh, không thể cử động. Bị liệt nửa người có nghĩa là từ xương chậu đến bàn chân, hoàn toàn không có cảm giác gì. Vậy nên, khi còn nhỏ, tầm 6, 7, 8, 10 tuổi, đến bệnh viện là đồng nghĩa với việc gặp mẹ sau hết ca phẫu thuật này đến ca phẫu thuật khác, ghép da ở mông để giúp bà có được khuôn mặt ổn hơn. Điều đó không dễ dàng gì ! Đối với tôi, bệnh viện khắc nghiệt đến mức khi ra khỏi đó, tôi cần tìm sự giải thoát ở một điều gì đó khác. Vẽ giống như một lối thoát. Tôi giải phóng bản thân khỏi rất nhiều thứ. Tôi cần thay đổi thế giới của mình và nói về con người tôi, hoặc có thể là những điều khác. Vẽ và hội họa là tự do thực sự đối với tôi. RFI : Và sau khi trải qua những tháng năm khó khăn đó, anh đã tình nguyện dạy vẽ cho nhiều bệnh nhân nhi ở Bệnh viện Pitié-Salpêtrière, anh thấy hình ảnh của mình qua những đứa trẻ đó ! Hom Nguyen : Đúng vậy, tôi đã trải qua tất cả những năm tháng đó. Một ngày nọ, có người hỏi tôi rằng tôi có muốn dạy vẽ cho trẻ em không, một số em bị rối loạn nhân cách, bị tâm thần phân liệt, ví dụ có một câu bé nhưng tự nhận tên là Stéphanie (tên của con gái), tôi nghĩ chắc cậu bé có chút thay đổi trong tâm trí. Trong chừng mức nào đó, tôi thấy mình cũng từng giống như vậy. Lúc học tiểu học, tôi thấy các bậc phụ huynh đến trường đón con. Mẹ tôi không đến trường. Và tôi đã nói dối vì muốn bảo vệ bản thân và mẹ tôi. Tôi nói rằng mẹ tôi là thợ phụ trong một tiệm làm tóc, trên thực tế bà bị tàn tật nặng, nằm ở nhà. Lời nói dối đó đã giải phóng tôi. Và hội họa thực sự đã cho tôi sự tự do để mơ về những điều khác ngoài cuộc sống hiện tại của tôi ở nhà. Tôi tìm thấy điểm tương đồng ở những đứa trẻ này. Và khi thấy mình ở đó, cùng với giáo sư chuyên ngành Cohen, phụ trách khu vực dành cho thanh thiếu niên của Bệnh viện Pitié-Salpêtrière, tự nhiên tôi muốn giúp các em và giúp cả chính mình. Và suốt năm đó, tôi đã dạy vẽ, rất nhiều em được cấp bằng tốt nghiệp, bởi vì đó là một cơ hội tuyệt vời để giúp đỡ chúng tôi, cho họ, và tôi nghĩ là cho cả tôi nữa. Trải nghiệm đó đã thực sự giúp tôi được mở mang hơn, giúp tôi hiểu những người trẻ tuổi khác. Họ cũng hiểu được những điều khác thông qua tranh của tôi, cũng như tranh của họ. RFI : Anh cũng còn có những dự án khác ở Việt Nam nữa bởi vì anh cũng đã nhắc đến Việt Nam trong cuốn sách ? Hom Nguyen : Vâng, tôi có những dự án khác và chúng vẫn đang được giữ kín. Thực ra, có rất nhiều, rất nhiều triển lãm ngẫu nhiên ở Việt Nam. Tôi cũng có cơ hội được lên trang bìa và một bài trong tạp chí của Vietnam Airlines, hãng hàng không quốc gia Việt Nam. Điều đó rất quan trọng đối với tôi, giúp nhắc lại tuổi thơ của tôi, về chia sẻ, về chúng ta, những người Việt Nam. Và tôi rất, rất tự hào về điều đó. Tất nhiên, sẽ có những triển lãm khác ở Việt Nam. RFI : Gần cuối tự truyện, anh viết “Hom ngày nay muốn sống trong bình yên, thanh thản. Hạ cánh nghĩa là tìm thấy niềm vui trong những điều giản dị nhất. Dành thời gian cho con cái”. Nổi tiếng thế giới, công tác thường xuyên, liệu có lúc nào anh tự hỏi : Mình đang ở đâu ? Hoặc là mình cần một lịch trình làm việc bớt áp lực hơn hoặc chậm lại để tập trung vào bản thân hoặc những dự án thiện nguyện khác, dành thêm thời gian cho các hiệp hội ? Hom Nguyen : Tôi nghĩ là mình luôn có thời gian. Tôi dành thời gian cho nhiều việc. Tôi từng lùi lại một bước nhưng không hẳn tận hưởng được việc đó. Tôi nghĩ mình đang dành thời gian để hình thành ý tưởng và nhất là để trau chuốt chúng. Dĩ nhiên, tôi vẫn đang tham gia nhiều triển lãm và dự án với trẻ em, đặc biệt là trẻ em ở Việt Nam, cho đến ngày hôm nay. Không phải là tôi kìm hãm lại mà thực ra là tôi đang dành thời gian để hiểu rõ hơn về các dự án của mình. Năm nay là một năm then chốt. Tôi sẽ phải chuẩn bị cho rất nhiều triển lãm quốc tế, chắc chắn là cả ở Việt Nam. Và tôi sẽ chỉ tập trung vào việc chuẩn bị chúng tốt hơn. RFI Tiếng Việt xin chân thành cảm ơn họa sĩ Hom Nguyen.

L'invité culture est le journaliste Didier Varrod, directeur musical de Radio France. Il publie La chanson française, un peu, beaucoup, passionnément. aux éditions Le Robert. Une balade en 21 chapitres dans l'histoire de la chanson française. RFI : La chanson française, un peu, beaucoup, passionnément, c'est le titre de l'ouvrage en forme de déclaration d'amour que vous consacrez à votre passion, qui est aussi celle de beaucoup de gens dans le monde pour la chanson française. Il compte 21 chapitres, 21 moments qui retracent l'histoire moderne de cette chanson. Et en vous lisant, on comprend une chose essentielle : cette chanson française est aussi le miroir de la société dans toutes ses dimensions, ses revendications, ses soubresauts et ses crises. Didier Varrod : Contrairement à ce qu'avait dit Serge Gainsbourg sur un plateau de télévision, j'ai toujours pensé que la chanson était un art majeur, même si ce n'est pas un art académique. Je comprends la nuance gainsbourienne qui consiste à dire que pour faire de la peinture, il faut un apprentissage académique, il faut connaître toute l'histoire de la peinture, mais pour moi, la chanson m'a élevé « au grain ». C'est vrai que la littérature, les livres, le cinéma, ont été importants, mais la chanson a été une sorte de tuteur qui m'a accompagné dans mon éducation, dans mes prises de conscience, dans mes émotions et dans mon identité. Je pense que c'est comme ça pour beaucoup de Françaises et de Français et de gens dans le monde entier, d'ailleurs. Parce que la musique est « un cri qui vient de l'Intérieur », comme disait Bernard Lavilliers. C'est un terrain de jeu commun, un terrain qui fabrique du bien commun, du vivre-ensemble. Pour moi, c'est aussi une langue. Le français est peut-être ma première langue maternelle, mais la chanson française, en quelque sorte, est une deuxième langue. Elle m'a permis de communiquer avec des gens. Elle m'a permis d'entrer dans l'intimité des artistes que j'ai rencontré. Pour moi, elle fait socle. Et, j'ai toujours pensé aussi que si demain il y avait une catastrophe nucléaire ou une catastrophe épouvantable, et que dans un endroit secret était protégés des disques et des vinyles, on pourrait alors comprendre ce qu'était la France des années 1950 à aujourd'hui, rien qu'à travers des chansons. C'est pour ça qu'elle a cette importance pour moi. Dans ce livre, vous partez souvent d'un cas particulier, d'une rencontre, d'une anecdote, pour exhumer une tendance générale dans la chanson française. Prenons le cas des rapports entre le monde politique et la chanson. Est-ce que les personnels politiques ont toujours courtisé les chanteurs et chanteuses ? A contrario, est-ce que les artistes ont eu besoin des politiques ? C'est un phénomène qui est apparu progressivement avec l'émergence de la société du spectacle pour reprendre les termes de Guy Debord. Il est vrai que dans les années 1950 et les années début des années 1960, les artistes, la chanson d'un côté et le monde politique, de l'autre, étaient deux territoires relativement distincts. Ce qui a changé, c'est qu'à la fin des années 1950 et au début des années 1960, il y a une nouvelle catégorie sociologique qui apparait : la jeunesse. Dans les années 1950  ou 1940, voire avant la guerre, il n'y avait pas d'adolescence. L'adolescence n'était pas considérée comme une catégorie sociale à l'instar des enfants et des adultes. Et souvent d'ailleurs, les artistes qui sont issus des années 1960 le racontent. Leur révolution, c'est ça. C'est la prise en compte tout d'un coup d'une catégorie nouvelle qui s'appelle la jeunesse, l'adolescence. Et pour le coup, elle arrive avec sa propre langue, ses propres désirs d'apparence, sa volonté de se distinguer par des vêtements, par la musique, et puis progressivement par du cinéma, puis dans les années 1980 avec la BD.  Et ça, le monde politique le comprend... À partir du moment où cette catégorie est identifiée, elle devient attractive, et elle est convoitée par le personnel politique. D'autant plus avec l'instauration par Valéry Giscard d'Estaing (président de la France entre 1974 et 1981, NDLR) du droit de vote à 18 ans où, finalement, on sort de l'adolescence. Et on comprend que cette adolescence construit aussi les premières utopies, les premières convictions politiques. Je pense que ce qui a rapproché finalement le monde politique et le monde de la musique, c'est à la fois le courant des yéyés, la période de mai 1968, et aussi après les années s1970, la prise en compte de la jeunesse comme une véritable catégorie socioprofessionnelle. Et cette chanson française n'évolue pas en vase clos. Elle se fait la caisse de résonance des luttes de l'époque, des injustices, des combats. Il y a toujours eu une chanson d'auteur qui avait comme préoccupation de raconter le monde et de raconter en chanson quelles étaient les préoccupations sociales et politiques de leurs auteurs. Il y a eu, comme je le raconte dans le livre, des compagnons de route du Parti communiste français, notamment avec Jean Ferrat qui était un artiste extrêmement populaire à l'époque. À côté, il y avait des acteurs comme Yves Montand et Simone Signoret. Toute une sphère artistique très en lien avec le Parti communiste. Mais dans les années 1970, la France rattrape son retard dans la culture politique. John Fitzgerald Kennedy (président des États-Unis de 1961 à 1963, NDLR) est passé par là. Il a fait de sa campagne électorale, une campagne spectacle où le show business commençait à intervenir dans la vie politique américaine. Et du coup, Giscard, quand il arrive en 1974, applique un peu cette recette. Avec une volonté de resserrer les liens avec la sphère artistique. D'ailleurs, il vise les jeunes. Il fait fabriquer des t-shirts et il les fait porter aux artistes qui sont les plus populaires, les plus emblématiques. On a des photos de Claude François ou de Johnny Hallyday ou Sylvie Vartan avec le t-shirt « Giscard à la barre ». La chanson française se fait l'écho des revendications et des cris, enfin des revendications, des injustices, des combats. Dans les années 1970, il y a une nouvelle scène française, une nouvelle chanson française qui est une chanson d'auteur, portée par des auteurs, compositeurs, interprètes et non plus seulement par des interprètes qui se contentaient de faire des adaptations de standards américains ou anglais. Donc, à partir du moment où cette génération d'auteurs est arrivée, elle s'est inscrite dans la tradition française, celle de l'écrit qui dit quelque chose du monde, et qui existait déjà, du reste, dans les années 1920 ou 1930, avec des chanteurs qui utilisaient la chanson pour raconter à la fois leur intériorité, mais aussi leur relation au monde et leur volonté d'émancipation. Dans les années 1970, il y a la volonté d'accompagner un désir de changement, d'alternance. Il faut se remettre dans l'esprit une chose : à l'époque, les gens pensaient que l'alternance politique n'était qu'une utopie, qu'elle n'arriverait jamais. Dès lors, nous n'avions pour y croire que quelques enseignants qui nous enseignaient une vision alternative du monde. Et puis, nous avions les chanteurs. Renaud, Bernard Lavilliers, Alain Souchon, Daniel Balavoine qui exprimaient à travers leurs mots une conscience ouvrière, une volonté de changer le monde. Pour mon cas personnel, j'ai toujours pensé que les chansons de Renaud ont été bien plus efficaces que tous les cours d'éducation civique que je subissais à l'école. Quant à Balavoine, je le considère un peu comme un tuteur, un grand frère qui m'a appris la vie, qui m'a appris quel était le prix de l'émotion, qui m'a appris à « m'emporter pour ce qui m'importe », puisque c'était une des grandes phrases de Balavoine, « je m'emporte pour ce qu'il m'importe ». Alors, est-ce que pour autant les chansons changent le monde ? C'est Jean-Jacques Goldman qui a posé de façon assez judicieuse la question, sans réellement y répondre. Mais en tout cas, elles accompagnent les soubresauts politiques, elles accompagnent les mutations, et parfois, elles sont simplement la bande originale d'un moment. Chaque révolution à ses chansons. Dans ce livre, vous abordez aussi un chapitre très intéressant, c'est l'irruption du rap dans les années 1990 et la difficulté qu'a eue l'industrie musicale à intégrer le rap dans le champs de vision. Il a fallu le succès de MC Solaar, expliquez-vous, pour que finalement, on se rende compte que les banlieues avaient quelque chose à dire. Et elles le disaient d'une façon différente, mais qui était aussi de la chanson française. J'ai eu la chance de vivre personnellement ce moment. Je suis en 1991 appelé à la direction artistique de Polydor. Je ne suis pas un enfant du rap, loin de là. J'ai acheté quelques 45 tours de rap, Sugar Hill Gang qui tournait sur ma platine tout le temps. On commençait à voir des breakers comme Sydney à la télévision. Mais pour moi, c'était quand même un monde un peu étranger. Et quand j'arrive en 1991 chez Polydor, qui est vraiment le label très imprégné de chanson française, Serge Reggiani, Renaud, Maxime Le Forestier etc, il y a toute une nouvelle pop française qui émerge avec Niagara, Mylène Farmer, Patricia Kaas. Et au milieu, il y a une espèce de d'électron libre qui s'appelle MC Solaar, avec un projet hybride entre la chanson et le rap. Ce n'est pas tout à fait du rap au sens où on croit l'entendre, et ce n'est pas tout à fait de la chanson. Et de cette hybridité va naître effectivement une culture qui est celle du rap populaire qui va débouler sur les antennes de toutes les radios. Pourquoi l'industrie musicale a eu autant de mal à intégrer le rap dans ses raisonnements ? Parce que ces jeunes gens n'avaient jamais eu la chance d'être visibles, ni à la radio ni à la télé. Faut quand même rappeler que jusque dans les années 1980, il n'y a pas de « blacks » à la télé, il n'y a pas d'arabes à la télé. Et quand on les voit, c'est soit parce qu'il y a des émeutes, soit parce que tout d'un coup, il y a un élan collectif antiraciste. Donc tout d'un coup, cette jeunesse que l'on ne connaît pas arrive et remet en question la manière traditionnelle de faire la chanson. La chanson, ce n'est plus forcément un couplet, un refrain, un couplet, un refrain. Ça peut être un flow qui dure pendant trois minutes sans refrain. Ça peut être – oh scandale ! – l'arrivée du sampling dans cette musique. Et ce sampling déstabilise une partie des gens de la chanson française qui se disent « mais enfin, ils ne peuvent pas composer leur propre rythmique, ils ne peuvent pas employer un batteur et un bassiste pour créer une rythmique ! ». Et la chanson française a aussi refusé quelque part cette irruption de ce mode d'expression qui était nouveau, spontané, et aussi extrêmement écrit, mais dans une langue qui n'était pas tout à fait la langue académique. Et c'est vrai que finalement, Solaar a réussi à imposer une image de grand sage. Et il a réussi, tout d'un coup, à intéresser les tenants du patrimoine de la chanson française, c'est à dire les Aznavour, les Gainsbourg, les Juliette Gréco, tous ces artistes vraiment très patrimoniaux qui avaient connu la poésie surréaliste, qui avaient connu Boris Vian, qui avaient connu Jacques Canetti. Donc ça a été pour moi magnifique de vivre à la fois cette émergence, de comprendre aussi que ça grattait, que ça n'allait pas être facile. Finalement, puisque j'ai toujours une vision un peu historique de la chanson, je me dis que ce n'est pas si loin de ce qu'ont vécus dans les années 1960 Eddy Mitchell, Dick Rivers, Johnny Hallyday qui – comme par hasard – étaient tous des mômes issus des quartiers populaires, de la banlieue, qu'on n'appelait pas encore banlieue, et qui s'exprimaient avec des rythmes et des mots qui n'étaient pas ceux de la génération d'avant. On voit à nouveau avec le rap l'émergence d'une musique stigmatisée par l'establishment, adoubée par la rue et par le public. C'est ça qui est très intéressant. Mais encore aujourd'hui, on s'aperçoit par exemple avec la mort de Werenoi, une partie de la France s'interroge. C'est juste le plus gros vendeur de disque en France ! Et moi, je voulais aussi raconter ce long chemin de croix qu'ont vécu les rappeurs pourtant installés depuis le début des années 1990. Je ne vous dis pas le nombre de courriers que reçoit la médiatrice de France Inter (station de radio où travaille Didier Varrod, NDLR) tous les jours, toutes les semaines pour râler en disant « mais comment vous pouvez passer cette musique qui n'est pas de la musique ? ». On a eu la même chose avec la musique électronique. Mais c'est pour dire encore qu'aujourd'hui, même si cette musique-là est majoritaire économiquement dans le pays et qu'elle draine effectivement la majorité de la jeunesse, elle n'est pas la musique majoritaire pour l'institution. Dans ce livre, vous évoquez beaucoup d'artistes qui vous ont marqués. On ne va pas tous les citer. Il y a Véronique Sanson, bien évidemment. Et puis, vous parlez de Mylène Farmer. Et en lisant le chapitre sur Mylène Farmer, je me suis dit : est-ce que la chanson française fabrique des mythes ? Ou est-ce que ce sont les mythes qui s'incarnent dans la chanson française, comme ils pourraient s'incarner en littérature ou ailleurs ? C'est une question que je me suis posée plusieurs fois en écrivant ce chapitre sur Mylène Farmer. Est-ce qu'elle est née pour devenir mythologique, avec la volonté de le devenir ? Ou est-ce que finalement, c'est l'histoire de la chanson française dans son évolution qui a fabriqué ce mythe ? En fait, je pense très honnêtement que, c'est l'histoire de la chanson française qui crée le mythe autour de Mylène Farmer. Même si Mylène Farmer, quand elle arrive au début des années 1980, se nourrit d'un certain nombre de mythologies très fortes, de figures mythologiques qui cultivent à la fois le secret, un univers un peu sombre, etc. Mais en fait, c'est en regardant l'histoire de la chanson que l'on s'aperçoit que finalement, ce mythe va naître et se muscler et s'intensifier. Cette identité, parfois, se transmet de père en fils. Vous abordez parmi tous les phénomènes que génère la chanson dans une société. Celui de l'héritage et des familles : les Higelin, les Chedid, les Gainsbourg.. La chanson française, serait-elle transmissible génétiquement, si je puis dire ? C'est l'une de ses singularités. Et en fait, c'est un questionnement que j'ai eu parce souvent, quand on me présente un artiste, je me dis « Tiens, c'est la fille de ou le fils de... ». Il y a quand même ce truc en France qui rend un peu suspect la légitimité ou l'intégrité, lorsque l'on est fille ou fils de ou petit-fils ou petite fille de. Et c'est vrai que c'est une question. En fait, c'est l'une des singularités de l'histoire de la chanson française. Il y a Gainsbourg, il y a Chedid, il y a Hardy, Dutronc, France Gall... Une partie de l'histoire de la chanson s'est construite, édifiée et fut nourrie par ces familles. Et c'était aussi peut-être leur rendre alors ce qui m'a aussi poussé. J'ai beaucoup hésité à écrire ce chapitre, jusqu'au moment où je suis allé voir le spectacle d'Alain Souchon avec ses deux fils. Au départ, je me disais « Mais il ne peut pas faire un spectacle tout seul ou avec Laurent Voulzy (son complice de scène NDLR) ». Et en fait, de voir ces trois personnalités liées par le sang, par un amour inconditionnel et construire une œuvre d'art à l'intérieur d'une histoire de la chanson, ça m'a bouleversé. Je me suis dit : « Il faut rendre hommage à cette volonté de revendiquer à ciel ouvert une histoire de famille. » Et puis après, il y a aussi une dimension dans les histoires de famille que l'on aborde assez peu. C'est le phénomène de la statue du Commandeur, c'est-à-dire qu'il y a beaucoup d'artistes qui sont tellement impressionnés par l'image de la mère ou du père qui se disent « comment puis-je le dépasser ? ». Ce n'est pas simple pour tout le monde. Oui, et j'aurais pu aussi d'ailleurs évoquer dans le livre toutes les histoires de famille qui ont échoué, ou en tout cas, ces histoires d'enfants qui ont eu moins de succès ou ont eu plus de difficultés que leur maman ou leur papa. Et ça fera peut-être l'objet d'un tome 2, mais ce n'est jamais très agréable d'écrire sur les échecs. Mais ce que vous racontez là est vraiment juste. Quand on parle de Thomas Dutronc par exemple (fils de Jacques Dutronc et de Françoise Hardy, tous deux artistes NDLR), c'est quand même génial. Une jeune garçon, un fils de, avec un père et une mère qui ont marqué la chanson... Il fait son apprentissage en secret se disant « si j'ai une chance de réussir, il ne faut pas que je sois chanteur, ou en tout cas, il ne faut pas que mon fantasme premier soit d'être dans la lumière ». Et c'est très bouleversant, parce qu'en fait, il va devenir un immense musicien en s'imposant la clandestinité. Il est devenu guitariste de jazz manouche, pour aller dans un monde qui n'était ni celui de son père, ni celui de sa mère. Donc il y a des très belles histoires dans cette épopée de la chanson française.

L'invité culture est le journaliste Didier Varrod, directeur musical de Radio France. Il publie La chanson française, un peu, beaucoup, passionnément. aux éditions Le Robert. Une balade en 21 chapitres dans l'histoire de la chanson française. RFI : La chanson française, un peu, beaucoup, passionnément, c'est le titre de l'ouvrage en forme de déclaration d'amour que vous consacrez à votre passion, qui est aussi celle de beaucoup de gens dans le monde pour la chanson française. Il compte 21 chapitres, 21 moments qui retracent l'histoire moderne de cette chanson. Et en vous lisant, on comprend une chose essentielle : cette chanson française est aussi le miroir de la société dans toutes ses dimensions, ses revendications, ses soubresauts et ses crises. Didier Varrod : Contrairement à ce qu'avait dit Serge Gainsbourg sur un plateau de télévision, j'ai toujours pensé que la chanson était un art majeur, même si ce n'est pas un art académique. Je comprends la nuance gainsbourienne qui consiste à dire que pour faire de la peinture, il faut un apprentissage académique, il faut connaître toute l'histoire de la peinture, mais pour moi, la chanson m'a élevé « au grain ». C'est vrai que la littérature, les livres, le cinéma, ont été importants, mais la chanson a été une sorte de tuteur qui m'a accompagné dans mon éducation, dans mes prises de conscience, dans mes émotions et dans mon identité. Je pense que c'est comme ça pour beaucoup de Françaises et de Français et de gens dans le monde entier, d'ailleurs. Parce que la musique est « un cri qui vient de l'Intérieur », comme disait Bernard Lavilliers. C'est un terrain de jeu commun, un terrain qui fabrique du bien commun, du vivre-ensemble. Pour moi, c'est aussi une langue. Le français est peut-être ma première langue maternelle, mais la chanson française, en quelque sorte, est une deuxième langue. Elle m'a permis de communiquer avec des gens. Elle m'a permis d'entrer dans l'intimité des artistes que j'ai rencontré. Pour moi, elle fait socle. Et, j'ai toujours pensé aussi que si demain il y avait une catastrophe nucléaire ou une catastrophe épouvantable, et que dans un endroit secret était protégés des disques et des vinyles, on pourrait alors comprendre ce qu'était la France des années 1950 à aujourd'hui, rien qu'à travers des chansons. C'est pour ça qu'elle a cette importance pour moi. Dans ce livre, vous partez souvent d'un cas particulier, d'une rencontre, d'une anecdote, pour exhumer une tendance générale dans la chanson française. Prenons le cas des rapports entre le monde politique et la chanson. Est-ce que les personnels politiques ont toujours courtisé les chanteurs et chanteuses ? A contrario, est-ce que les artistes ont eu besoin des politiques ? C'est un phénomène qui est apparu progressivement avec l'émergence de la société du spectacle pour reprendre les termes de Guy Debord. Il est vrai que dans les années 1950 et les années début des années 1960, les artistes, la chanson d'un côté et le monde politique, de l'autre, étaient deux territoires relativement distincts. Ce qui a changé, c'est qu'à la fin des années 1950 et au début des années 1960, il y a une nouvelle catégorie sociologique qui apparait : la jeunesse. Dans les années 1950  ou 1940, voire avant la guerre, il n'y avait pas d'adolescence. L'adolescence n'était pas considérée comme une catégorie sociale à l'instar des enfants et des adultes. Et souvent d'ailleurs, les artistes qui sont issus des années 1960 le racontent. Leur révolution, c'est ça. C'est la prise en compte tout d'un coup d'une catégorie nouvelle qui s'appelle la jeunesse, l'adolescence. Et pour le coup, elle arrive avec sa propre langue, ses propres désirs d'apparence, sa volonté de se distinguer par des vêtements, par la musique, et puis progressivement par du cinéma, puis dans les années 1980 avec la BD.  Et ça, le monde politique le comprend... À partir du moment où cette catégorie est identifiée, elle devient attractive, et elle est convoitée par le personnel politique. D'autant plus avec l'instauration par Valéry Giscard d'Estaing (président de la France entre 1974 et 1981, NDLR) du droit de vote à 18 ans où, finalement, on sort de l'adolescence. Et on comprend que cette adolescence construit aussi les premières utopies, les premières convictions politiques. Je pense que ce qui a rapproché finalement le monde politique et le monde de la musique, c'est à la fois le courant des yéyés, la période de mai 1968, et aussi après les années s1970, la prise en compte de la jeunesse comme une véritable catégorie socioprofessionnelle. Et cette chanson française n'évolue pas en vase clos. Elle se fait la caisse de résonance des luttes de l'époque, des injustices, des combats. Il y a toujours eu une chanson d'auteur qui avait comme préoccupation de raconter le monde et de raconter en chanson quelles étaient les préoccupations sociales et politiques de leurs auteurs. Il y a eu, comme je le raconte dans le livre, des compagnons de route du Parti communiste français, notamment avec Jean Ferrat qui était un artiste extrêmement populaire à l'époque. À côté, il y avait des acteurs comme Yves Montand et Simone Signoret. Toute une sphère artistique très en lien avec le Parti communiste. Mais dans les années 1970, la France rattrape son retard dans la culture politique. John Fitzgerald Kennedy (président des États-Unis de 1961 à 1963, NDLR) est passé par là. Il a fait de sa campagne électorale, une campagne spectacle où le show business commençait à intervenir dans la vie politique américaine. Et du coup, Giscard, quand il arrive en 1974, applique un peu cette recette. Avec une volonté de resserrer les liens avec la sphère artistique. D'ailleurs, il vise les jeunes. Il fait fabriquer des t-shirts et il les fait porter aux artistes qui sont les plus populaires, les plus emblématiques. On a des photos de Claude François ou de Johnny Hallyday ou Sylvie Vartan avec le t-shirt « Giscard à la barre ». La chanson française se fait l'écho des revendications et des cris, enfin des revendications, des injustices, des combats. Dans les années 1970, il y a une nouvelle scène française, une nouvelle chanson française qui est une chanson d'auteur, portée par des auteurs, compositeurs, interprètes et non plus seulement par des interprètes qui se contentaient de faire des adaptations de standards américains ou anglais. Donc, à partir du moment où cette génération d'auteurs est arrivée, elle s'est inscrite dans la tradition française, celle de l'écrit qui dit quelque chose du monde, et qui existait déjà, du reste, dans les années 1920 ou 1930, avec des chanteurs qui utilisaient la chanson pour raconter à la fois leur intériorité, mais aussi leur relation au monde et leur volonté d'émancipation. Dans les années 1970, il y a la volonté d'accompagner un désir de changement, d'alternance. Il faut se remettre dans l'esprit une chose : à l'époque, les gens pensaient que l'alternance politique n'était qu'une utopie, qu'elle n'arriverait jamais. Dès lors, nous n'avions pour y croire que quelques enseignants qui nous enseignaient une vision alternative du monde. Et puis, nous avions les chanteurs. Renaud, Bernard Lavilliers, Alain Souchon, Daniel Balavoine qui exprimaient à travers leurs mots une conscience ouvrière, une volonté de changer le monde. Pour mon cas personnel, j'ai toujours pensé que les chansons de Renaud ont été bien plus efficaces que tous les cours d'éducation civique que je subissais à l'école. Quant à Balavoine, je le considère un peu comme un tuteur, un grand frère qui m'a appris la vie, qui m'a appris quel était le prix de l'émotion, qui m'a appris à « m'emporter pour ce qui m'importe », puisque c'était une des grandes phrases de Balavoine, « je m'emporte pour ce qu'il m'importe ». Alors, est-ce que pour autant les chansons changent le monde ? C'est Jean-Jacques Goldman qui a posé de façon assez judicieuse la question, sans réellement y répondre. Mais en tout cas, elles accompagnent les soubresauts politiques, elles accompagnent les mutations, et parfois, elles sont simplement la bande originale d'un moment. Chaque révolution à ses chansons. Dans ce livre, vous abordez aussi un chapitre très intéressant, c'est l'irruption du rap dans les années 1990 et la difficulté qu'a eue l'industrie musicale à intégrer le rap dans le champs de vision. Il a fallu le succès de MC Solaar, expliquez-vous, pour que finalement, on se rende compte que les banlieues avaient quelque chose à dire. Et elles le disaient d'une façon différente, mais qui était aussi de la chanson française. J'ai eu la chance de vivre personnellement ce moment. Je suis en 1991 appelé à la direction artistique de Polydor. Je ne suis pas un enfant du rap, loin de là. J'ai acheté quelques 45 tours de rap, Sugar Hill Gang qui tournait sur ma platine tout le temps. On commençait à voir des breakers comme Sydney à la télévision. Mais pour moi, c'était quand même un monde un peu étranger. Et quand j'arrive en 1991 chez Polydor, qui est vraiment le label très imprégné de chanson française, Serge Reggiani, Renaud, Maxime Le Forestier etc, il y a toute une nouvelle pop française qui émerge avec Niagara, Mylène Farmer, Patricia Kaas. Et au milieu, il y a une espèce de d'électron libre qui s'appelle MC Solaar, avec un projet hybride entre la chanson et le rap. Ce n'est pas tout à fait du rap au sens où on croit l'entendre, et ce n'est pas tout à fait de la chanson. Et de cette hybridité va naître effectivement une culture qui est celle du rap populaire qui va débouler sur les antennes de toutes les radios. Pourquoi l'industrie musicale a eu autant de mal à intégrer le rap dans ses raisonnements ? Parce que ces jeunes gens n'avaient jamais eu la chance d'être visibles, ni à la radio ni à la télé. Faut quand même rappeler que jusque dans les années 1980, il n'y a pas de « blacks » à la télé, il n'y a pas d'arabes à la télé. Et quand on les voit, c'est soit parce qu'il y a des émeutes, soit parce que tout d'un coup, il y a un élan collectif antiraciste. Donc tout d'un coup, cette jeunesse que l'on ne connaît pas arrive et remet en question la manière traditionnelle de faire la chanson. La chanson, ce n'est plus forcément un couplet, un refrain, un couplet, un refrain. Ça peut être un flow qui dure pendant trois minutes sans refrain. Ça peut être – oh scandale ! – l'arrivée du sampling dans cette musique. Et ce sampling déstabilise une partie des gens de la chanson française qui se disent « mais enfin, ils ne peuvent pas composer leur propre rythmique, ils ne peuvent pas employer un batteur et un bassiste pour créer une rythmique ! ». Et la chanson française a aussi refusé quelque part cette irruption de ce mode d'expression qui était nouveau, spontané, et aussi extrêmement écrit, mais dans une langue qui n'était pas tout à fait la langue académique. Et c'est vrai que finalement, Solaar a réussi à imposer une image de grand sage. Et il a réussi, tout d'un coup, à intéresser les tenants du patrimoine de la chanson française, c'est à dire les Aznavour, les Gainsbourg, les Juliette Gréco, tous ces artistes vraiment très patrimoniaux qui avaient connu la poésie surréaliste, qui avaient connu Boris Vian, qui avaient connu Jacques Canetti. Donc ça a été pour moi magnifique de vivre à la fois cette émergence, de comprendre aussi que ça grattait, que ça n'allait pas être facile. Finalement, puisque j'ai toujours une vision un peu historique de la chanson, je me dis que ce n'est pas si loin de ce qu'ont vécus dans les années 1960 Eddy Mitchell, Dick Rivers, Johnny Hallyday qui – comme par hasard – étaient tous des mômes issus des quartiers populaires, de la banlieue, qu'on n'appelait pas encore banlieue, et qui s'exprimaient avec des rythmes et des mots qui n'étaient pas ceux de la génération d'avant. On voit à nouveau avec le rap l'émergence d'une musique stigmatisée par l'establishment, adoubée par la rue et par le public. C'est ça qui est très intéressant. Mais encore aujourd'hui, on s'aperçoit par exemple avec la mort de Werenoi, une partie de la France s'interroge. C'est juste le plus gros vendeur de disque en France ! Et moi, je voulais aussi raconter ce long chemin de croix qu'ont vécu les rappeurs pourtant installés depuis le début des années 1990. Je ne vous dis pas le nombre de courriers que reçoit la médiatrice de France Inter (station de radio où travaille Didier Varrod, NDLR) tous les jours, toutes les semaines pour râler en disant « mais comment vous pouvez passer cette musique qui n'est pas de la musique ? ». On a eu la même chose avec la musique électronique. Mais c'est pour dire encore qu'aujourd'hui, même si cette musique-là est majoritaire économiquement dans le pays et qu'elle draine effectivement la majorité de la jeunesse, elle n'est pas la musique majoritaire pour l'institution. Dans ce livre, vous évoquez beaucoup d'artistes qui vous ont marqués. On ne va pas tous les citer. Il y a Véronique Sanson, bien évidemment. Et puis, vous parlez de Mylène Farmer. Et en lisant le chapitre sur Mylène Farmer, je me suis dit : est-ce que la chanson française fabrique des mythes ? Ou est-ce que ce sont les mythes qui s'incarnent dans la chanson française, comme ils pourraient s'incarner en littérature ou ailleurs ? C'est une question que je me suis posée plusieurs fois en écrivant ce chapitre sur Mylène Farmer. Est-ce qu'elle est née pour devenir mythologique, avec la volonté de le devenir ? Ou est-ce que finalement, c'est l'histoire de la chanson française dans son évolution qui a fabriqué ce mythe ? En fait, je pense très honnêtement que, c'est l'histoire de la chanson française qui crée le mythe autour de Mylène Farmer. Même si Mylène Farmer, quand elle arrive au début des années 1980, se nourrit d'un certain nombre de mythologies très fortes, de figures mythologiques qui cultivent à la fois le secret, un univers un peu sombre, etc. Mais en fait, c'est en regardant l'histoire de la chanson que l'on s'aperçoit que finalement, ce mythe va naître et se muscler et s'intensifier. Cette identité, parfois, se transmet de père en fils. Vous abordez parmi tous les phénomènes que génère la chanson dans une société. Celui de l'héritage et des familles : les Higelin, les Chedid, les Gainsbourg.. La chanson française, serait-elle transmissible génétiquement, si je puis dire ? C'est l'une de ses singularités. Et en fait, c'est un questionnement que j'ai eu parce souvent, quand on me présente un artiste, je me dis « Tiens, c'est la fille de ou le fils de... ». Il y a quand même ce truc en France qui rend un peu suspect la légitimité ou l'intégrité, lorsque l'on est fille ou fils de ou petit-fils ou petite fille de. Et c'est vrai que c'est une question. En fait, c'est l'une des singularités de l'histoire de la chanson française. Il y a Gainsbourg, il y a Chedid, il y a Hardy, Dutronc, France Gall... Une partie de l'histoire de la chanson s'est construite, édifiée et fut nourrie par ces familles. Et c'était aussi peut-être leur rendre alors ce qui m'a aussi poussé. J'ai beaucoup hésité à écrire ce chapitre, jusqu'au moment où je suis allé voir le spectacle d'Alain Souchon avec ses deux fils. Au départ, je me disais « Mais il ne peut pas faire un spectacle tout seul ou avec Laurent Voulzy (son complice de scène NDLR) ». Et en fait, de voir ces trois personnalités liées par le sang, par un amour inconditionnel et construire une œuvre d'art à l'intérieur d'une histoire de la chanson, ça m'a bouleversé. Je me suis dit : « Il faut rendre hommage à cette volonté de revendiquer à ciel ouvert une histoire de famille. » Et puis après, il y a aussi une dimension dans les histoires de famille que l'on aborde assez peu. C'est le phénomène de la statue du Commandeur, c'est-à-dire qu'il y a beaucoup d'artistes qui sont tellement impressionnés par l'image de la mère ou du père qui se disent « comment puis-je le dépasser ? ». Ce n'est pas simple pour tout le monde. Oui, et j'aurais pu aussi d'ailleurs évoquer dans le livre toutes les histoires de famille qui ont échoué, ou en tout cas, ces histoires d'enfants qui ont eu moins de succès ou ont eu plus de difficultés que leur maman ou leur papa. Et ça fera peut-être l'objet d'un tome 2, mais ce n'est jamais très agréable d'écrire sur les échecs. Mais ce que vous racontez là est vraiment juste. Quand on parle de Thomas Dutronc par exemple (fils de Jacques Dutronc et de Françoise Hardy, tous deux artistes NDLR), c'est quand même génial. Une jeune garçon, un fils de, avec un père et une mère qui ont marqué la chanson... Il fait son apprentissage en secret se disant « si j'ai une chance de réussir, il ne faut pas que je sois chanteur, ou en tout cas, il ne faut pas que mon fantasme premier soit d'être dans la lumière ». Et c'est très bouleversant, parce qu'en fait, il va devenir un immense musicien en s'imposant la clandestinité. Il est devenu guitariste de jazz manouche, pour aller dans un monde qui n'était ni celui de son père, ni celui de sa mère. Donc il y a des très belles histoires dans cette épopée de la chanson française.

Dit zijn onze shownotes:Abonneer je gratis op onze podcast via jouw favoriete podcast-app (zoals Google Podcasts, Spotify of Apple Podcasts), dan valt de eerstvolgende aflevering van het derde seizoen automatisch in je podcastbibliotheek.Wil je ons helpen? Geef ons dan likes en recensies in jouw favoriete podcastapp en deel ons met iedereen die wel wat Ballet Kroket kan gebruiken in het leven!Welkom bij aflevering 14 van het derde seizoen van Ballet Kroket! We hebben het over alle dingen waarmee je het leven kunt vieren, versieren en verdiepen, kortom over alles op de lijn van ballet tot kroket.Je kunt onze opnames bijwonen, iedere maandagavond van 19:30 - 21 uur in Studio Kookhaven in Amsterdam Oost. Wil je erbij zijn? Aanmelden kan via de mail: alles@balletkroket.nlOngeveer 1 keer per maand maken we een heel evenement van de opname, dan is de Bar Van Dick geopend en kun je Aan Tafel Bij Lone een heerlijke vegetarische maaltijdsalade eten (E 17,50). Het eerstvolgende evenement is op maandag 15 december. Aanmelden voor opname en/of eten kan via alles@balletkroket.nlof stuur ons een DM op Instagram @balletkroket.Host Francien Knorringa zag de voorstelling Aznavour van Frank Cools en Florian de Schepper. https://www.theater.nl/aznavour-frank-cools-en-florian-de-schepper En zij liet een stukje horen uit het lied La Mamma van Charles Aznavour: https://open.spotify.com/track/0uu1Bh9qcQDBkb8SNYbN8k?si=cade941bdd63469aHost Jannekee Kuijper zag de serie Buza op NPO Start+. https://npo.nl/start/serie/buza/afleveringen/seizoen-1Prins de Vos is te gast over zijn online Queer Gallery die vanaf 6 december 3 maanden lang een fysieke locatie op de Wallen heeft waar je op vrijdag en zaterdag van 12 - 18 uur foto's en ander werk van queer makers kunt zien en kopen. Oudezijds Voorburgwal 153-A, Amsterdam https://queergallery.com Instagram: https://www.instagram.com/queer_gallery_com?utm_source=ig_web_button_share_sheet&igsh=ZDNlZDc0MzIxNw==Onze Adverteerders:Onze technicus Reinder Van der Put doet de nabewerking van onze opname. Daardoor klinkt deze als een klok. Een even betaalbare als onmisbare dienst voor podcastmakers. http://putintomedia.nlSeafarm, voor de lekkerste oesters. https://www.seafarm.nl/producten/oestersDe Kookhaven - te gekke locatie aan de rafelrand van Amsterdam, geschikt voor al uw culinaire uitspattingen, van private dining tot kookworkshop, van vergadering tot culinair feestje. Iedereen viert weleens een feestje dat thuis of op het werk niet past. Bespreek de mogelijkheden met uitbater Dick Ferwerda. www.kookhaven.nl. Zoek Kookhaven ook op Instagram, daar vind je alle informatie over de komende oester- en scheermes pop up.Don Ostra - oestermannen Arend Bouwmeester (de jonge), nieuwe ster Marijn en Dick Ferwerda serveren oesters en gin op geheel eigen wijze. Voor luisteraars van Ballet Kroket geldt een 99% glimlachgarantie. Neem contact op met Dick Ferwerda als je oesters wil bestellen voor pasen, dan kun je ze vlak voor pasen ophalen tijdens een oester pop up in de Kookhaven. www.donostra.nl Don Ostra is ook te vinden op Instagram. Daar is de informatie over de komende oester- en scheermes pop up te vinden.Lone Poulsen, de kok die uit het noorden kwam en private dinings en workshops verzorgt in het teken van de nordic cuisine. Je kan ook vers Deens roggebrood bij haar bestellen. En ze maakt likeur van de bladeren van je vijgenboom als je dat wil. Op evenement-dagen van Ballet Kroket kun je Aan Tafel bij Lone (E17,50). Neem contact op via: www.shecamefromnorth.comJachthaven Bouwmeester, de full service jachthaven in Amsterdam waar je van reparatie, stalling tot volledige botenbouw overal voor terecht kan. https://jachthavenbouwmeester.nlAdverteren in Ballet Kroket? Mail alles@balletkroket.nlBallet Kroket wordt op maandagavond opgenomen in Studio Kookhaven in Amsterdam. Wil je een opname bijwonen? Dat kan iedere maandagavond. Op bepaalde dagen maken we er een heel evenement van. Bijvoorbeeld op maandag 15 december 2025. Mail alles@balletkroket.nl of stuur ons een DM op Instagram @balletkroket.Kijk op onze insta: https://www.instagram.com/balletkroket/ en stuur ons een DM.Abonneer je via je favoriete podcast-app op onze podcast dan vallen de nieuwe afleveringen vanzelf in je bibliotheek.Reageren? We horen graag van je!www.balletkroket.nlalles@balletkroket.nl

Ombline Roche et Julien Pichene nous embarquent dans un voyage musical à travers les années 70 et 80 dans l'émission Les Enfants d'Europe 1. Entre anecdotes et archives rares, on retrouve Eddie Mitchell et son rêve américain à Nashville, les Beatles avec leur titre reggae « Ob-La-Di, Ob-La-Da », et Charles Aznavour partageant son bonheur de père en 1972. L'émission évoque aussi Ricky Lee Jones et ses débuts éclectiques en 1979, avant de conclure avec Corynne Charby et son succès « Boule de flipper » en 1986, ainsi que Christophe et « Les mots bleus ». Un rendez-vous nostalgique pour les passionnés de musique.À retenir :Eddie Mitchell, Beatles et Aznavour : icônes des années 70.Ricky Lee Jones et Corynne Charby : talents marquants des années 80.Anecdotes inédites et archives Europe 1 pour revivre ces décennies.Notre équipe a utilisé un outil d'Intelligence artificielle via les technologies d'Audiomeans© pour accompagner la création de ce contenu écrit.Tous les jours, entre 14h et 15h, Ombline Roche vous fait revivre la musique des années 1950 à la fin des années 1980 !Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Quel est le point commun entre Aznavour, Greco, Barbara et Lama ? Leur talentueux accordéoniste et chef d'orchestre italien :  Sergio Tomassi ! Notre invité nous raconte son parcours, ses souvenirs de tournée en compagnie de ces monuments de la chanson française et nous présentera son concert de l'Epiphanie, accompagné du bassiste et chef d'orchestre Leonardo Raponi, le 6 janvier à Ciorlano en Campanie.

De Geescht vun der italieenescher Serenad beséilt dem Adrano Selva seng nei Single “Amour moderne” … Mee modern ass den Titel och. A Verbindung mam franséischen Text gesäit ee sech och un den Aznavour erënnert - Modern mat groussem M also. Dat ass keen Zoufall: déi kommend EP, déi de Lëtzebuerger Popmuseker am Februar erausbrénge soll, ass ganz op grouss Gefiller aus, wéi ee se aus der Chanson kennt, mee mat engem zäitgenësseschen Twist. Méi Ablécker gëtt den Adriano Selva um Mikro vum Marc Clement.

Programa donde además del repaso habitual a estrenos, series y demás secciones. Tenemos el repaso final y palmarés de la última edición del Festival de Cine de Valladolid, nuestra querida Seminci. No se lo pierdan.

Plongez dans un épisode musical empreint de nostalgie, animé par Ombline Roche. Des années 60 aux années 80, elle nous fait revivre les grands classiques qui ont marqué plusieurs générations. De Michel Delpech à Dire Straits, en passant par Sardou, Aznavour, Dalida et Claude François, chaque chanson est accompagnée d'anecdotes savoureuses. Julien Pichenet ajoute une touche sportive en revenant sur la victoire du PSG en 1982, pour un épisode riche en émotions et en souvenirs.À retenir :Le destin inattendu du tube Pour un flirt de Michel Delpech.Le succès de Afrique à Dieu de Michel Sardou, malgré son absence d'Afrique.Le retour sur la finale historique du PSG en 1982 avec les archives de Jean-René Godard.Notre équipe a utilisé un outil d'Intelligence artificielle via les technologies d'Audiomeans© pour accompagner la création de ce contenu écrit.Tous les jours, entre 14h et 15h, Ombline Roche vous fait revivre la musique des années 1950 à la fin des années 1980 !Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Los responsables de Decine21 comentan los estrenos de cine "Aznavour", "Esa cosa con alas", Los tigres" y "The Mastermind". Esta última, y el reciente robo del Louvre, da pie a que recuperen las mejores películas de museos. Como todas las semanas, José María Aresté, Pablo de Santiago y Juan Luis Sánchez, de Decine21, recomiendan un clásico, una película reciente y una serie.

Aujourd'hui, nous recevons Arnaud Chautard, un producteur au parcours aussi riche qu'inspirant.De ses débuts aux côtés de Catherine Barma et Kyan Khojandi, à ses projets phares comme le jeu télévisé Les Loups-Garous, le long-métrage Mr Aznavour, ou encore la série de télé-réalité Influence, Arnaud nous plonge dans les coulisses du monde de la production audiovisuelle.Entre passion, créativité et défis du quotidien, cet épisode vous fera découvrir l'envers du décor d'un métier en constante évolution. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Dans cet épisode de Ta Face B, tu découvriras qu'Olivier chante du Aznavour entre deux parties de spikeball et rêve encore de ses nuits en mer. Entre un road trip en Namibie, une passion pour la voile et une apparition culte à la télé enfant, il partage avec humour ce qui l'a rendu plus audacieux.Support the showListen to all the episodes, rate and review us wherever you listen to your podcasts!--Écoute tous les épisodes, laisse nous une note et un commentaire partout où tu écoutes tes podcasts!Contact: Instagram (EN) Instagram (FR) TwitterLinkedinFacebookEmail: your.bside.podcast@gmail.com Credits: Jazzy Abstract, by BeatComa-Media

Tous les jours, retrouvez le meilleur des archives de Laurent Gerra en podcast sur RTL.fr, l'application et toutes vos plateformes.Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Tous les jours, retrouvez le meilleur des archives de Laurent Gerra en podcast sur RTL.fr, l'application et toutes vos plateformes.Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Tous les jours, retrouvez le meilleur des archives de Laurent Gerra en podcast sur RTL.fr, l'application et toutes vos plateformes.Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

durée : 00:05:18 - C'est une chanson - par : Frédéric Pommier - Tout cet été, nous réécoutons les entretiens de Frédéric Pommier. Aujourd'hui, c'est avec le slammeur et réalisateur Grand Corps Malade. Il évoque évoque le titre "Sa jeunesse... entre ses mains", l'une des premières chansons écrites par Charles Aznavour. (Rediffusion de l'émission du 18/10/2014) Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

Homer Abramian, a respected writer and intellectual within both the Assyrian and Persian communities, locally and internationally, advocates for greater cultural and literary engagement. He encourages Assyrian poets and readers to explore the literature—and particularly the poetry—of other cultures as a means to broaden their creative horizons and deepen their artistic expression. As an example, Abramian draws a parallel between renowned Assyrian singer Evin Agassi and the legendary French-Armenian artist Charles Aznavour, highlighting the value of cross-cultural influence in artistic development.

Es ist wieder soweit: Eine brandneue Episode eures Lieblings-Film-Podcasts "Kinocast" ist online! Auch dieses Mal haben wir uns tief in die Welt des Kinos begeben und vier spannende Neuerscheinungen für euch unter die Lupe genommen. Packt eure Kopfhörer aus, macht es euch gemütlich und lasst uns gemeinsam über die neuesten Leinwand-Highlights sprechen! Was erwartet euch in dieser Episode? "Monsieur Aznavour": Wir beleuchten das Leben und die Karriere der französischen Musiklegende Charles Aznavour. Wie nah kommt der Film dem Mythos? Lasst euch von unseren Eindrücken überraschen! "Black Bag - Doppeltes Spiel": Ein packender Thriller, der uns in ein Netz aus Intrigen und Geheimnissen zieht. Hat er uns gefesselt oder eher verwirrt? Hört rein, um unsere detaillierte Analyse zu erfahren. "Ash": Dieser Film verspricht, die Zuschauer in eine düstere und geheimnisvolle Welt zu entführen. Wir diskutieren, ob "Ash" seinen hohen Erwartungen gerecht wird und welche Botschaften er transportiert. "Fountain of Youth": Ein Abenteuer, das nach der ewigen Jugend sucht – oder zumindest nach dem, was das Leben lebenswert macht. Wir teilen unsere Gedanken zu den philosophischen Aspekten und der Inszenierung dieses spannenden Werks. Wie immer gibt es nicht nur unsere fundierten Meinungen, sondern auch lebhafte Diskussionen, persönliche Highlights und natürlich die eine oder andere Anekdote aus der Kinowelt. Egal, ob ihr die Filme schon gesehen habt oder noch vorhabt, sie zu schauen – unsere Episode bietet euch spannende Einblicke und Diskussionsansätze. Wir freuen uns immer über euer Feedback und eure Meinungen! Schreibt uns in den Kommentaren, welcher Film euch am meisten interessiert oder welche unserer Einschätzungen ihr teilt oder eben nicht. Timecodes: 00:00:00 Einleitung 00:01:57 Monsieur Aznavour 00:14:38 Wir tippen den nächsten Sneak-Film 00:17:21 Black Bag - Doppeltes Spiel 00:23:02 Kinocharts und Neustarts 00:28:45 Kino Nostalgie 00:37:44 Ash 00:48:17 Fountain of Youth 00:55:08 Serien Neustarts 00:56:32 Eric beim Sport -

Welcome Back! For this episode we are diving into Monsieur Aznavour, the powerful new biopic chronicling the life of legendary French Armenian singer Charles Aznavour. ==========================Lets Connect

Taszman, Jörg www.deutschlandfunkkultur.de, Fazit

Fischer, Sigrid www.deutschlandfunk.de, Corso

American film director Eli Craig discusses his horror Clown in a Cornfield...as teenagers start to go missing one by one in a Midwestern town, the local legend of Frendo the clown becomes all too real.Director Mehdi Idir on Monsieur Aznavour, a biopic about an iconic singer-songwriter who beat all odds to become one of France's best-loved entertainers.Andrew Ahn on his adaptation of Ang Lee's The Wedding Banquet, which re-imagines the original film's themes to explore LGBTQIA+ problems of a new kind in the 21st century.Presenter, Jason Di RossoProducer, Sarah CorbettSound engineer, Ross RichardsonExecutive producer, Rhiannon Brown

Céline Dion, Patrick Bruel, Charles Aznavour... Chaque week-end, retrouvez les meilleures imitations de Laurent Gerra. Tous les jours, retrouvez le meilleur de Laurent Gerra en podcast sur RTL.fr, l'application et toutes vos plateformes.Distribué par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Le réalisateur Mehdi Idir partage les défis et les succès de la création du film "Monsieur Aznavour", mettant en lumière la vie et l'héritage musical de Charles Aznavour.

Patrick Bruel, Francis Cabrel, Charles Aznavour... Chaque week-end, retrouvez les meilleures imitations de Laurent Gerra. Tous les jours, retrouvez le meilleur de Laurent Gerra en podcast sur RTL.fr, l'application et toutes vos plateformes.Distribué par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

En Las mañanas de RNE, charlamos con Ignacio Peyró, escritor, columnista y director del Instituto Cervantes de Roma, que presenta El español que enamoró al mundo: Una vida de Julio Iglesias (Libros del Asteroide). Un artista que logró reinventar los términos de la palabra éxito, atreviéndose a cantar en más de una decena de idiomas y capaz de llenar polideportivos de La Mancha, por ejemplo, o el Madison Square Garden. Se convenció que haciendo música podía conquistar el mercado americano: "Un mercado que había sido inexpugnable absolutamente. Aznavour y Roberto Carlos lo habían intentado, no lo habían conseguido. Él sí que lo consiguió. Su legado más relevante y trascendente sería ese: el haber contribuido a dar visibilidad, a normalizar y a prestigiar lo hispánico, lo hispano, lo latino en Estados Unidos". Peyró, que se confiesa un amante del género de las vidas y las biografías, reconoce que se inspiró en este tipo de libros para comenzar a escribir: "Dije, ¿por qué no hacer esto con un personaje que yo creo tiene una historia entretenida y significativa que contar? Más significativa de lo que parece".En su libro Peyró recorre la vida y carrera de Julio Iglesias y desmonta algunas mentiras sobre el cantante, como que un accidente de coche truncó su "prometedora" carrera como portero del Real Madrid: "Julio Iglesias pasa más de los primeros 20 años de su vida sin tener ni idea no solo de que va a ser una estrella mundial de la canción, sino que se va a dedicar a cantar". Entrevista completa en RNE Audio.Escuchar audio

Après l'émission délocalisée à Nice, les "Grosses Têtes" de Laurent Ruquier se sont évidemment restaurées. Quoi de mieux qu'un chanteur professionnel pour accompagner un bon dîner ? Retrouvez tous les jours le meilleur des Grosses Têtes en podcast sur RTL.fr et l'application RTL.Distribué par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

durée : 00:05:24 - C'est une chanson - par : Frédéric Pommier - Aux côté d'Elodie Navarre, il est actuellement à l'affiche du théâtre de la Renaissance à Paris dans la pièce "L'injuste". Au micro de Frédéric Pommier, Jacques Weber évoque la chanson "Que c'est triste Venise", dans une version télévisée de 1980 où Charles Aznavour l'interprète avec Julio Iglesias.

Un destin hors du commun. Une déclaration touchante à sa mère. Une passion viscérale pour le théâtre et le cinéma.Dans cet épisode, j'ai reçu Tigran Mekhitarian, acteur et metteur en scène au parcours bouleversant. Fuir son pays pour survivre, reconstruire son identité ailleurs et poursuivre un rêve malgré tout, c'est le fil rouge de son histoire.Encore enfant, il a fui l'Arménie avec sa mère, réfugié politique en France. Une enfance marquée par l'exil, le déracinement et cette question : comment garder un lien avec son pays d'origine quand on en a été arraché ? On a parlé de l'Arménie, de son attachement à ses racines, des blessures de l'exil et de la manière dont il a transformé cette histoire en force.Grâce aux sacrifices de sa mère, il a pu suivre sa passion et se faire une place dans le milieu artistique. Aujourd'hui, il revisite Don Juan sur scène, modernisé mais intact, pour transmettre l'amour du théâtre aux jeunes générations. Il incarne aussi un rôle marquant dans Mr Aznavour et porte un regard puissant sur la diversité dans le cinéma français.Un échange fort, intime et inspirant. Disponible dès maintenant.

Is self-discipline overrated? That's what we're looking at this week.    You can subscribe to this podcast on: Podbean | Apple Podcasts | Stitcher | Spotify | TUNEIN Links: Email Me | Twitter | Facebook | Website | Linkedin The Ultimate Productivity Workshop Get Your Copy Of Your Time, Your Way: Time Well Managed, Life Well Lived Subscribe to my Substack  Take The NEW COD Course The Working With… Weekly Newsletter Carl Pullein Learning Centre Carl's YouTube Channel Carl Pullein Coaching Programmes The Working With… Podcast Previous episodes page Script | 360 Hello, and welcome to episode 360 of the Your Time, Your Way Podcast. A podcast to answer all your questions about productivity, time management, self-development and goal planning. My name is Carl Pullein, and I am your host of this show. We hear a lot about self-discipline and how we should develop our discipline to achieve our goals or become more productive. But is this true?  Self-discipline is hard—more so these days with all the instant gratification distractions—and anything that is hard is going to be tough to do consistently. Whether you are trying to accomplish a goal or become better organised, if you rely on self-discipline to get you through there's going to be a good chance you will fail.  There are some people who thrive on self-discipline. The most famous being David Goggins—he's a tough cookie. Pain, discipline and a never die mindset are what he appears to live for. But, people with that mindset are rare and you don't need it.  There is a better way. It's not easy—nothing worthwhile ever is—but with practice, a little determination, persistence, and consistency, you soon find you don't need discipline to achieve these things.  Now, before we get to the question, Here's a little reminder about this week's Ultimate Productivity Workshop.  If you have not yet registered, you can still do so, there's a link in the show notes or you can visit my website—carlpullein.com— to register.  The workshop will cover how to transition from an unsustainable task-based productivity system to a more sustainable time-based one. I will show you how to manage your work, how to time block effectively and how to prioritise your work so you know you are always working on the right things at the right time.  For those of you already registered, I will be sending out the first workbook in the next day or two so keep an eye out for that. I will also include the joining instructions.  If you want a less hectic and overwhelming life, then this workshop is a must. It's your chance to create a time management and productivity system that works for you.  Okay, on with the show and that means it's time for me to hand you over to the Mystery Podcast Voice for this week's question.  This week's question comes from Ryan. Ryan asks, hi Carl, do you have any tips on getting better with self-discipline? I've never been very good at being disciplined but as I get older, I feel I need to do better at this. Hi Ryan, Thank you for your question.  I've always found the concept of “living a disciplined life” interesting. You see, the word discipline suggests “punishment” of some kind. When we're at school if we do something wrong, we are “disciplined”. That was my first introduction to the word. (Or perhaps my parents disciplining me for whatever reason.)  And yet, when we talk about living a “disciplined life” it's often spoken of in positive terms. Yet, there's that underlying sense that it's bad.  I recently wrote about Charles Aznavour, the prolific French singer/songwriter. Aznavour wrote over a 1,000 songs and recorded many more. He lived until he was 94, exercised every day and was still touring when he passed away in 2018.  In interviews he was frequently asked about his productivity and how he created such a disciplined life. Yet Aznavour never thought he was disciplined.  He woke early every day, and spent his mornings writing songs. For him it wasn't discipline, it was his passion, his purpose. He couldn't wait to get started each day. And on those rare days he wasn't in the mood to write, he still wrote.  Why? He didn't need to. He wrote because that was what he did. It was a habit.  Have you ever tried starting your day without your morning coffee or not brushing your teeth? How did you feel? Probably uncomfortable and little self-conscious.  You don't need discipline to brush your teeth or make your coffee in the morning do you? It's just what you do.  And there is where you will find the answer to living with a little more discipline. Don't think of it as discipline. It isn't. It's just what you do.  Take planning your day at the end of the day.  Last night, I spent three hours in a recording studio recording the audiobook of Your Time Your Way. That was after a full day recording and editing videos. I was exhausted. My voice was ragged. Yet, after getting home, I got my Franklin Planner (Yes, I'm still using it), sat on the sofa and planned today.  There was no discipline involved. I also had a great excuse. I'd been on the go since 8:30 am and it was 11:45 pm. I could easily have skipped it. Yet I didn't. Why? Because that is what I do in the evening. I give myself five to ten minutes to plan the day.  I love the quote from Jim Rohn: “each day you get to choose between two pains. The pain of regret or the pain of discipline”. I know what happens if I don't plan the day—the next day starts out of control. I have no focus and anything loud and “urgent” becomes the priority—even when it isn't a priority.  Most people's problems with time management and productivity is because they skip the five to ten minutes planning the day. If you don't have a plan for the day, you will end up on someone else's plan and they don't care about how you feel—a bit harsh, I know, but it's true.  For most things you don't need discipline. It's a choice. Do you scroll social media or read a book? Do you sit on the sofa watching TV or go out for a walk? Do you eat a chocolate bar or a banana? That's nothing to do with discipline. It's a choice. Reading a book is easy. Get a physical book, not an ebook, and place it on the coffee table near your favourite armchair or sofa. Then give yourself ten minutes each day to sit and read it. If you place a bookmark in the book, you can see the bookmark gradually falling to the bottom (the end of the book).  And as the book is on your coffee table, you will see it every time you sit down. More often than not, you will read more than ten minutes.  Ultimately, those people you think are living a “disciplined life” just have certain habits. Getting up early and writing a journal is a habit. It doesn't need discipline if it's a habit.  My wife writes her journal every evening before she goes to bed. She uses Day One, the digital journal, and writes on her laptop. She sits on the sofa, opens her laptop and writes. Some days she'll only write for five minutes. Other days she'll write of over an hour. For her she sees it as winding down at the end of the day. Absolutely no discipline is involved.  It would be strange not seeing her on the sofa writing a journal. Yet for many sitting down to write a journal requires discipline. Ask my wife if writing her journal requires discipline and she'll laugh at you.  You don't need discipline if you have the right habits.  How do you develop habits. Well, firstly I would recommend you read James Clear's Atomic Habits. It's a brilliant book.  Secondly, identify the habit you want to develop. I always suggest your morning routines are a good place to e to start. These are the easiest kind of habits to develop. What would you like to do first thing in the morning?  You may want to read, meditate, exercise or write a journal. Pick one thing.  For example, if you choose to write a journal, start by making yourself your favourite morning drink, then sit down somewhere comfortable and begin writing. Give yourself five to ten minutes to write.  You can help yourself by putting your journal next to your kettle or coffee maker before you go to bed. That way when you wake up, turn on the kettle you see your journal there waiting for you.  Something James Clear mentions in Atomic Habits is to reduce the friction. This is akin to those who wish to exercise in the morning, putting out their exercise clothes next to their bed before going to bed. It reduces the friction of choosing what to wear. I think of this as minimising the risk of finding an excuse.  These are all great tips. Yet, the disciplined life that Charles Aznavour lived didn't need tricks. It appeared disciplined, yet it was just how he lived his life. And that's the goal here; to build daily habits that are effortless because that is what you do.  Most people eat their breakfast, lunch and dinner at the same time? Why? It's because that's what they do. When I commuted to the office, I would catch the 8:05 bus each morning. I knew what time to leave the house because I knew how long it would take to walk to the bus stop. It was simply what I did.  I should give you one little tip I've used in the past. If, say, I want to read a book each evening but find myself watching TV instead, what I will do is tell myself I must read for ten minutes before rewarding myself with turning on the TV. The advantage of this little trick is you still get to do the thing you want to do—watch TV—but you also get to do the other thing you struggle doing. Eventually, it just becomes a habit. Watching TV without reading becomes uncomfortable.  So there you go, Ryan. It's not really about being disciplined. It's more about choosing what you want to do and carrying it through.  Your calendar can help you there. Remember the saying, what goes on your calendar gets done. With this, the key is if you don't or cannot do something you must remove it from your calendar. That act of moving it from your calendar reminds you about you haven't done. It acts a good incentive.  If, for example, you schedule going for a walk after lunch, but keep skipping it, because you are removing it every day, you will begin asking yourself what's wrong and re-assess things. Perhaps you will be more consistent if you go for your walk in the morning or evening.  I hope that has helped, Ryan. Think about what you want to do, when you want to do it and do it. Sooner rather later it will be just what you do.  Don't forget to get yourself registered for the Ultimate Productivity Workshop. The first session is on Friday evening, it will be something you will never regret.  Thank you for your question Ryan and thank you to you too for listening. It just remains for me to wish you all a very very productive week.   

Jazz manouche revisité par Baptiste Herbin et sélection d'hiver de Sophian Fanen. Chaque mois, le critique musical Sophian Fanen chronique cinq nouveautés. En décembre, il sélectionne les oubliés de 2024 (ceux qu'on n'a pas eu le temps de diffuser). Le cours de rattrapage invite :Charli XCX, 360 Remix (Feat. Robyn et Yung Lean), tiré de l' album Brat and it's Completely Different but Also Still Brat (Atlantic Recording, 2024)Meryl, Zoukamine Freestyle, single (Maison caviar, 2024)Tiakola, Manon B Brazilian Remix (Feat Ryflo, Oskoow, MC Cebezinho), tiré de l'album BDLM vol. 1 (M3lo/Warner Music, 2024)Billie Eilish, Chihiro, tiré de l'album Hit me Hard and Soft (Darkroom/Interscope Records, 2024)Nala Sinephro, Continuum 1, tiré de l'album Endlessness (Warp Records, 2024)Puis la #SessionLive reçoit le Baptiste Herpin Trio pour la sortie de l'album Django !Prix Django Reinhardt et élu meilleur musicien de l'année 2019 par l'Académie du Jazz, Baptiste Herbin est un musicien international, qui a réalisé cinq albums sous son nom, travaillé avec les plus grands, tourné avec Aznavour en 2014.Voici la note d'intention de Daniel Yvinec : la préparation de ce disque fut d'une rare fluidité. Nous avons imaginé mille façons d'évoquer Django Reinhardt, à travers son époque, ses compositions, ses solos et dans les yeux de ceux qui lui ont rendu hommage. Chaque idée et chaque suggestion offertes à Baptiste furent couronnées de ripostes vives et stimulantes, comme si, peu à peu, le langage du génial manouche semblait épouser le sien, naturel, habité et jaillissant. Restait à la musique le soin de trouver sa place. Lors de deux journées intenses d'enregistrement, nous avons capté une quinzaine de titres et pris le temps d'en creuser chaque version, allant parfois jusqu'à six ou sept prises. À chaque nouvel essai, s'affinait le son (le laisser naître, ne jamais le forcer...), et se définissaient l'espace et les reliefs : les fulgurances seraient mises en valeur par les silences qu'on leur opposait. Django ! met en phase trois artistes d'exception. Jamais axés sur eux-mêmes, ils font en sorte, par une abnégation engagée et un impressionnant lâcher-prise, que le tout soit supérieur à la somme des parties. De Sylvain Romano émane un son de contrebasse profond et une clarté harmonique qui naturellement imposent l'essentiel. Avec André Ceccarelli (sur l'album, pas dans la session live, NDLC), c'est une signature incomparable, une vivacité folle et surtout un cœur énorme, qui s'offre tout entier à la musique. Ainsi, dans la nudité du trio, rien ne manque et tout se montre limpide. Baptiste Herbin se révèle d'une exceptionnelle profondeur. Son incomparable virtuosité fait place à une expression libérée de toute volonté qui révèle, tel un diamant brut, l'essence de la musique. Nous redécouvrons alors, ébahis, l'œuvre de Django sous une nouvelle incarnation authentique, collective et continuellement stimulante. Baptiste Herbin, sous son égide, devient lui-même un maître et s'envole vers des sommets d'inspiration fréquentés par les plus grands. Django ! nous révèle ainsi un artiste au sommet de son art, et célèbre la naissance d'un trio d'exception.Titres interprétés au grand studio- Night & Day Live RFI- Choro Django, extrait de l'album- Nuages / Valse de Wasso / Montagne Sainte-Geneviève Live RFI.Line up : Baptiste Herbin (saxophone alto), Sylvain Romano (contrebasse), Matthieu Chazarenc (batterie).Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch►  Album Django ! (Matrisse Prod. 2024)Site internet - EPK Baptiste Herbin Trio, Django ! - YouTube

Jazz manouche revisité par Baptiste Herbin et sélection d'hiver de Sophian Fanen. Chaque mois, le critique musical Sophian Fanen chronique cinq nouveautés. En décembre, il sélectionne les oubliés de 2024 (ceux qu'on n'a pas eu le temps de diffuser). Le cours de rattrapage invite :Charli XCX, 360 Remix (Feat. Robyn et Yung Lean), tiré de l' album Brat and it's Completely Different but Also Still Brat (Atlantic Recording, 2024)Meryl, Zoukamine Freestyle, single (Maison caviar, 2024)Tiakola, Manon B Brazilian Remix (Feat Ryflo, Oskoow, MC Cebezinho), tiré de l'album BDLM vol. 1 (M3lo/Warner Music, 2024)Billie Eilish, Chihiro, tiré de l'album Hit me Hard and Soft (Darkroom/Interscope Records, 2024)Nala Sinephro, Continuum 1, tiré de l'album Endlessness (Warp Records, 2024)Puis la #SessionLive reçoit le Baptiste Herpin Trio pour la sortie de l'album Django !Prix Django Reinhardt et élu meilleur musicien de l'année 2019 par l'Académie du Jazz, Baptiste Herbin est un musicien international, qui a réalisé cinq albums sous son nom, travaillé avec les plus grands, tourné avec Aznavour en 2014.Voici la note d'intention de Daniel Yvinec : la préparation de ce disque fut d'une rare fluidité. Nous avons imaginé mille façons d'évoquer Django Reinhardt, à travers son époque, ses compositions, ses solos et dans les yeux de ceux qui lui ont rendu hommage. Chaque idée et chaque suggestion offertes à Baptiste furent couronnées de ripostes vives et stimulantes, comme si, peu à peu, le langage du génial manouche semblait épouser le sien, naturel, habité et jaillissant. Restait à la musique le soin de trouver sa place. Lors de deux journées intenses d'enregistrement, nous avons capté une quinzaine de titres et pris le temps d'en creuser chaque version, allant parfois jusqu'à six ou sept prises. À chaque nouvel essai, s'affinait le son (le laisser naître, ne jamais le forcer...), et se définissaient l'espace et les reliefs : les fulgurances seraient mises en valeur par les silences qu'on leur opposait. Django ! met en phase trois artistes d'exception. Jamais axés sur eux-mêmes, ils font en sorte, par une abnégation engagée et un impressionnant lâcher-prise, que le tout soit supérieur à la somme des parties. De Sylvain Romano émane un son de contrebasse profond et une clarté harmonique qui naturellement imposent l'essentiel. Avec André Ceccarelli (sur l'album, pas dans la session live, NDLC), c'est une signature incomparable, une vivacité folle et surtout un cœur énorme, qui s'offre tout entier à la musique. Ainsi, dans la nudité du trio, rien ne manque et tout se montre limpide. Baptiste Herbin se révèle d'une exceptionnelle profondeur. Son incomparable virtuosité fait place à une expression libérée de toute volonté qui révèle, tel un diamant brut, l'essence de la musique. Nous redécouvrons alors, ébahis, l'œuvre de Django sous une nouvelle incarnation authentique, collective et continuellement stimulante. Baptiste Herbin, sous son égide, devient lui-même un maître et s'envole vers des sommets d'inspiration fréquentés par les plus grands. Django ! nous révèle ainsi un artiste au sommet de son art, et célèbre la naissance d'un trio d'exception.Titres interprétés au grand studio- Night & Day Live RFI- Choro Django, extrait de l'album- Nuages / Valse de Wasso / Montagne Sainte-Geneviève Live RFI.Line up : Baptiste Herbin (saxophone alto), Sylvain Romano (contrebasse), Matthieu Chazarenc (batterie).Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch►  Album Django ! (Matrisse Prod. 2024)Site internet - EPK Baptiste Herbin Trio, Django ! - YouTube

durée : 00:05:14 - C'est une chanson - par : Frédéric Pommier - Il vient de faire paraître "Seventies", un nouvel album dont il il signe à la fois les textes et les musiques, lesquelles sont inspirées par les rythmes des années 70. Au micro de Frédéric Pommier, Dany Brillant évoque le titre "Pour faire une jam" de Charles Aznavour, sa chanson préférée au monde.

durée : 00:59:04 - Les débuts de Charles Aznavour (5) : 1960-1963 - par : Martin Pénet - Nous célébrons cette année le centenaire de la naissance de Charles Aznavour, qui reste parmi les chanteurs français les plus populaires à travers le monde. « Tour de chant » fête cet anniversaire en retraçant les débuts de sa carrière. - réalisé par : Fanny Constans

durée : 00:58:39 - Toute une vie - par : Philippe Roizès - Charles Aznavour s'est imposé comme un auteur interprète reconnu de la chanson en France comme à l'étranger. Qu'est-ce qui le pousse donc à écrire et réécrire de manière obsessionnelle le roman de sa vie ? - réalisation : Anne Fleury

durée : 00:48:48 - Le Masque et la Plume - par : Rebecca Manzoni - Une histoire d'amour bouleversante entre deux adolescents que tout oppose ; un apprenti boulanger plongé dans un tourbillon d'émotions et de désirs inattendus ; le biopic de Charles Aznavour ; un flirt dans une boîte de nuit qui tourne au cauchemar pour un jeune homme roumain… - invités : Christophe Bourseiller, Murielle Joudet, Nicolas SCHALLER, Charlotte LIPINSKA - Christophe Bourseiller : Historien, animateur et critique de cinéma, Murielle Joudet : Critique de cinéma pour Le Monde, Nicolas Schaller : Journaliste pour L'Obs, Charlotte Lipinska : Critique de cinéma (Télématin) - réalisé par : Guillaume Girault

durée : 00:08:01 - Le Masque et la Plume - Si Mehdi Idir et Grand Corps Malade offrent une plongée fascinante à travers le destin hors du commun d'une légende de la chanson française Charles Aznavour, nos critiques pointent du doigt le manque de profondeur et d'originalité du film.

durée : 00:07:03 - Ces chansons qui font l'actu - par : Bertrand DICALE - Alors que le film "Monsieur Aznavour" déploie sur grand écran le récit de la vie de l'immense auteur, compositeur et interprète, réécoutons comment ses confrères célèbrent son œuvre et sa carrière.

REDIFF - Dany Brillant reprend les chansons de Charles Aznavour. Il a dû faire un tri dans ses 33 tours pour sélectionner les morceaux qu'il voulait chanter... Tout l'été, réécoutez le meilleur de la saison de Laurent Gerra en podcast sur RTL.fr, l'application RTL et toutes vos plateformes préférées.