JAZZ EN EL AIRE

STANDARSEMANAL.-God Bless The Child.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-Count Basie-Basie Jam-.-JAZZACTUALIDAD.-KARLES PEREZ-SCARPETTA Título: Basie Jam. Músico: Count Basie. Acompañantes: Louie Bellson (dm); Ray Brown (b); J.J. Johnson (tb); Irving Ashby (g), Eddie «Lockjaw» Davis & Zoot Sims (st) y Harry Edison (tp). Fecha de Grabación: 1973. 10 de Diciembre. Lugar de Grabación: New York. Sello Discográfico: Pablo Records. Nº de temas: 5. Formato: LP. Instrumento: Piano y líder. Estilo: Swing. Nº de Serie: 2310 718. Año de Edición: 1988. Duración: 0:49:03. Calificación: 4*. Comentario: El disco debut de Count Basie con el sello «Pablo», de Norman Granz, dejó mucha decepción entre sus seguidores. Con un octeto de estrellas relevantes, como el trompetista Harry «Sweets» Edison, el trombonista JJ Johnson y los tenores Eddie Davis y Zoot Sims, el bajista Ray Brown, el guitarrista Irving Ashby, y el batería Louie Bellson, se esperaba mucho más de esta sesión de estudio. quizás el formato elegido, a medio camino entre el combo y la big band, no fue la mejor elección, ni tampoco la selección de temas fue la más brillante. En cualquier caso, sin ser la mejor grabación de Count Basie, es muy interesante escuchar como el pianista es capaz de desenvolverse, y muy bien, en formatos más pequeños que su tradicional big band. KARLES PEREZ.- Nacido en Petrer (Alicante), inició su formación musical en la Colla de dolçainers i tabaleters “El Terròs”. Poco después fue admitido en el Conservatorio “Ana María Sánchez” de Elda, donde cursó estudios de percusión clásica. Tras finalizar el grado medio en dicho centro, en 2015 accedió al Centro Superior de Música del País Vasco, Musikene, en la especialidad de batería jazz, donde recibió formación de destacados profesores como Jo Krause, Guillermo McGill, Carlos Martín, Francesc Capella y Miguel Blanco, entre otros. Durante sus años en Musikene, realizó una estancia formativa en el Kug de Graz (Austria), estudiando con profesores como Howard Curtis, Ed Partyka o Michael Abene y más adelante completó un máster en interpretación en el Conservatori del Liceu, junto a profesores como Bill McHenry, Ramón Prats y Sergi Vergés. Ha participado en numerosos festivales, salas y clubes de jazz tanto a nivel nacional como internacional, entre ellos el Festival de Jazz de San Sebastián, Cifujazz, Festival de Jazz de Terrassa, Festival de Jazz de Atarfe, Festival de Jazz de Peñíscola, La Bilbaína Jazz Club, Altxerri Jazz Bar, y el Cucuteni Jazz Festival en Rumanía, entre otros. Fue ganador del proyecto “Horda”, galardonado en los premios “BBK Impulso” como la mejor banda joven del País Vasco. A lo largo de su trayectoria ha colaborado con reconocidos músicos nacionales e internacionales como Dan Barrett, Olivier Franc, Ilja Reijngoud, Judy Niemack, Randy Greer, Arturo Serra, Adrian Cunningham, Enric Peidro, Carlos Martín y Juan Galiardo, entre otros. Actualmente lidera dos proyectos personales: su primer disco, Changing Times, y su nueva propuesta, Scarpetta, presentada recientemente en la emblemática sala Jamboree de Barcelona.

STANDARSEMANAL.-The Girl From Ipanema.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ-.BUDDY DEFRANCO - And The Oscar Peterson Quartet.-JAZZACTUALIDAD.-.MARTINA SABARIEGO BIG BAND-FORCES AND BATTLEMENTS Bonifacio Ferdinand Leonard "Buddy" DeFranco (Camden, Nueva Jersey, 17 de febrero de 1923 − Panama City, Florida, 24 de diciembre de 2014)[1]​ fue un clarinetista de jazz estadounidense. De origen italiano, comenzó a tocar el clarinete en 1935 con sólo 12 años para ayudar a su padre ciego a mantener a su familia muy pobre que vivía en el sur de Filadelfia. A los 16 años ya era un músico que giraba a través de los Estados Unidos con varias bandas. Su carrera se desarrolló en lo que se considera la época dorada del swing jazz y las big bands, que tenía como principales clarinetistas a Artie Shaw, Benny Goodman y Woody Herman. Pero él fue el primero en dedicarse con su instrumento al bebop y a la música de Charlie Parker, y con Tony Scott se convirtió en uno de los pocos clarinetistas en ese tipo de la historia del jazz. También fue el primero en utilizar el clarinete bajo en el jazz con resultados extraordinarios. Entre sus colaboraciones más importantes se encuentran las que tocó con Count Basie, Sonny Clark y Tal Farlow. De 1966 a 1974 fue líder de la orquesta de Glenn Miller. También tocó con George Shearing, Gene Krupa, Charlie Barnet, Art Tatum, Oscar Peterson, Terry Gibbs, Art Blakey, Tommy Gumina y muchos otros. Se le dedicó una hermosa biografía en el libro: Una vida en la edad de oro del Jazz. También fue organizador del festival de jazz para jóvenes talentos Buddy DeFranco Jazz Fest y en 1996 como maestro y profesor publicó su versión del método Hanon para el aprendizaje de clarinete de jazz. Junto con su amigo de Tony Scott es considerado el más grande de todos clarinetista de jazz de su tiempo. Agotado desde hace mucho tiempo, este LP, reeditado por el sello «WaxTime» en 2018, presenta al brillante clarinetista Buddy DeFranco con el Oscar Peterson Quartet, o lo que es lo mismo, el trío habitual del orondo pianista de Toronto, con el añadido del baterista, Louie Bellson. Si bien las seis tomas son todas estándares, DeFranco y Peterson producen swing a raudales y con un ritmo alejado del habitual “tempo” de Oscar Peterson. DeFranco suena impecable en el clarinete, lo que hace que suene tan fácil de tocar como un rayo; pocos clarinetistas se han acercado alguna vez a esta velocidad. Disco muy recomendable para ver tocar el piano a Óscar Peterson fuera de su zona de confort, si es que alguna vez estuvo en ella. Martina Sabariego Big Band Forces And Battlements La compositora y multiinstrumentista de Xirivella, Martina Sabariego, presenta Forces and Battlements, su segundo álbum y el primero escrito y grabado para big band. Un trabajo con cuatro piezas que ponen el foco en la cultura valenciana, explorando nuevos paisajes sonoros con una mirada personal y valiente. El proyecto se ha materializado en Boston, gracias al apoyo del New England Conservatory, y consolida la proyección internacional de una artista que debutó con Xano Xano. Forces and Battlements ya está disponible en: https://martinasabariego.bandcamp.com/album/forces-and-battlements-2 --- Lista de temas: 1. Vida y Muerte de la Devesa 06:58 2. Muixeranga 04:15 3. Elvira 07:39 4. Alquería Coca 08:54 --- Repertorio y solos: 1. Vida y Muerte de la Devesa  Solos de Jason Ryu, Walker McSween, Nadav Brenner y Carlo Kind 2. Muixeranga 3. Elvira  Solos de Nick Isherwood y Joey DuBois 4. Alquería Coca  Solos de Pavle Zvekic, Juan Saus, Albert Climent y Carlo Kind --- Integrantes de la big band: Saxofón Alto 1 (a soprano): Lenka Molcanyiova Saxofón Alto 2 (a flauta): Juan Saus Saxofón Tenor 1 (a clarinete en Sib): Gabriel Nieves Saxofón Tenor 2: Ella Wilhemina Saxofón Barítono: Noa Zebley Trompeta 1: Shota Syamaguchi Trompeta 2: Joey DuBois Trompeta 3: Walker McSween Trompeta 4 Maddoc Johnson Trombón 1: Jason Ryu Trombón 2: Albert Climent Trombón 3: Aiden Coleman Trombón Bajo: David Paligora Guitarra Eléctrica: Nadav Brenner Piano: Pavle Zvekic Contrabajo: Nick Isherwood Batería: Carlo Kind --- Compuesto, arreglado y dirigido por: Martina Sabariego Ingeniero de grabación: Sam McCarthy Ingeniero de mezcla: Adrià Serrano Grabado en The Record Co., en octubre de 2024, Boston (MA) Agradecimientos especiales al New England Conservatory of Music por la beca EM.

STANDARSEMANAL.-giant steps.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.- BOBBY HUTCHERSON-Cirrus 1974.-JAZZACTUALIDAD.-XAVIER CARLES - GERMANS HUMANS. Título: Cirrus. Músico: Bobby Hutcherson. Acompañantes: Ray Drummond (b); Larry Hancock (dm); Kenneth Nash (perc); Bill Henderson (Piano, Electric Piano, Fender Rhodes); Harold Land y Emanuel Boyd (sa y flt); Woody Shaw (tp). Fecha de Grabación: 1974. 17 y 18 abril. Lugar de Grabación: New York. Sello Discográfico: Blue Note. Nº de temas: 5. Formato: LP. Instrumento: Vibráfono Estilo: Hardbop Nº de Serie: BST 84 460 I Año de Edición: 1974. Duración: 40:30. Calificación: 4* Comentario: Este LP, grabado y publicado por el sello «Blue Note» en 1974, recoge el segundo encuentro entre el excelente vibrafonista, Bobby Hutcherson, y el maestro del saxo alto, Harold Land. Los resultados son bastante buenos y a ello contribuye el grupo que acompaña a estos dos maestros, formada por el pianista Bill Henderson, el trompetista Woody Shaw, el bajista Ray Drummond, el baterista Larry Hancock, el saxofonista y flautista, Emmanuel Boyd y el percusionista Kenneth Nash. La música es algo más relajada que sus colaboraciones anteriores, pero hay suficientes momentos de gran calidad en la música que ambos nos proponen. Xavier Carles publica "Hermanos humanos" adapta quince nuevos temas de Léo Ferré, el gran poeta de la canción. El poeta, rapsoda y cantante Xavier Carles publica "Hermanos humanos", su séptimo trabajo discográfico con arreglos y producción musical de Xavier Batllés. Quince grandes canciones que profundizan en el universo ferreriano, en su doble vertiente de canción poética erótica y de toma de conciencia frente a los abusos de todo tipo de poder. Una recopilación de canciones intensas y textos profundos que hacen de contrapunto a esta sociedad centrada en el entretenimiento y el espectáculo y que busca sólo el placer cotidiano mediante un consumo inmediato e irreflexivo: "lo que hace pensar", sin embargo, ensancha los márgenes emocionales y amplía el conocimiento, y este trabajo apunta directamente a sacudir la reflexión profunda y las emociones. Las cincuenta y cuatro páginas del librito que acompaña al CD incluyen letras de las canciones, créditos e imágenes. Las adaptaciones de los textos al catalán respetan la métrica y la rima de los textos originales, sin pérdida del mensaje original de cada canción. Sensibilidad y elegancia son los mejores calificativos que definen esta nueva recopilación de canciones adaptadas del gran cantante monegasco. Xavier Carles: La voz poética de la canción musicada en catalán. Poeta, rapsoda, letrista y adaptador de textos, Xavier Carles es una de las voces más singulares y sensibles de la poesía musicada en nuestro país. A lo largo de su trayectoria ha publicado siete trabajos discográficos, todos producidos por el músico y arreglista Xavier Batllés, en los que fusiona con maestría palabra y música. Sus proyectos han contado con la colaboración de más de sesenta músicos y cantantes de primera línea de la escena catalana e internacional, entre los que destacan Toti Soler, Paco Ibáñez, Jaime Sisa, Carlos Benavent, Javier Mas, Quico Pi de la Sierra, Manuel Joseph, Miquel Pujadó, Rusó Sala, Imma Ortiz. Apasionado conocedor de la chanson francesa, Xavier Carles ha adaptado al catalán obras de otros grandes referentes como Georges Brassens, Jacques Brel y Boris Vian. Algunas de estas versiones se pueden escuchar en el disco 'Petita Festa' de Toti Soler y Gemma Humet, donde también aporta su voz recitada. En 2017 recibió el segundo premio en la Muestra Literaria del Maresme por el poema Desconocida, que más adelante daría título a uno de sus discos. La canción que da nombre al primer volumen de adaptaciones de Léo Ferré, "Yo te doy" (2022), ha sido elegida por la casa discográfica francesa EPM para formar parte de una selección de canciones de homenaje al cantante, con motivo del 30 aniversario de su muerte.

STANDARSEMANAL.-Ghost of a Chance.-VINILOSMITICOSDELJAZZ.-Hank Mobley Sextet.-JAZZACTUALIDAD.-.IOSU IZAGUIRRE SEXTET-ILUSIO Aquí se presentan cinco lecturas de algunas de las figuras más destacadas del jazz. El sexteto incluye a los destacados músicos Mobley (saxo tenor), Donald Byrd (trompeta) y "Philly" Joe Jones (batería). Las piezas incluyen dos originales de Mobley: " Fit For A Hanker" y "Hi Groove, Low Feed-Back", además de tres más. El grupo captura la esencia del interesante material. Lecturas expresivas. Hank Mobley es el mejor trompetista de esta fecha. Toca con una sinceridad básica. Sin embargo, no fue un día particularmente extraordinario para él. Toca su mejor versión, como siempre, en la balada «Time After Time» , pero la sección rítmica hace cosas increíblemente cursis detrás de él. Bobby Timmons, aunque no suena particularmente fuerte ni suelto, sí tiene buen presentimiento al tocar. De las notas del álbum se desprende que este marca el debut discográfico del joven altoista de Chicago, John Jenkins. Para ser su primera aparición en un disco, Jenkins se encuentra en una compañía bastante difícil. Sin embargo, demuestra que puede destacarse y ser considerado en la fila de los mejores modernistas de Nueva York. Si bien las ideas solistas del jovencito carecen de la madurez de sus camaradas en esta fecha, Byrd y Mobley, tiene amplio margen para desarrollarse en las siete pistas aquí presentadas. Sin embargo, su interpretación es entrecortada, una cualidad que sugiere repetición de ideas, especialmente en las melodías más rápidas. Sin embargo, de principio a fin, Jenkins toca con entusiasmo y coraje. Su desarrollo, aunque siga la línea de Parker que ha elegido seguir, sin duda merecerá la pena ser observado. Aunque la interpretación de Mobley es consistentemente buena (interpreta un solo sensible coronado por una brillante coda en Time ), el héroe de la cita es claramente Byrd. Imprime solos limpios y cuidadosamente concebidos que conducen a clímax lógicamente elaborados con ese estilo suyo ligeramente entrecortado. Aunque Timmons parece estar desarrollando una voz propia, su enfoque aquí es a veces tentativo, con un poco de agallas. Uno siempre desea que se levante y grite con el resto de los solistas. Aun así, su toque y el inteligente desarrollo de sus declaraciones lo convierten en uno de los pianistas jóvenes más interesantes. La sección rítmica toca con fuerza y ​​entusiasmo. Sin embargo, se puede notar un entusiasmo excesivo en la batería de Philly Joe. Está siempre presente, con sus bombas desviadoras y todo lo demás. En medio de un solo absorbente de Timmons, por ejemplo, hay un repentino rat-a-tat-tat de Joe, como si estuviera llamando a una puerta pidiendo entrar. Este es sin duda un método efectivo para anunciar su presencia, posiblemente como preparación para la serie de cuatros atronadores que siguen inmediatamente. Easy to Love , el primer tema de la cara 2, sería el mejor sample de este set. Comienza con una declaración formal de los tres instrumentos de viento en los últimos cuatro compases de la canción, y acto seguido, Mobley se lanza a su largo solo con soltura y seguridad. Una buena sesión de soplado con dos atractivas líneas originales de Mobley y buenos solos por todas partes. Tras la publicación de Mingus Mood (Errabal 2023)– un aclamado primer trabajo que evidenciaba la influencia de Charles Mingus tanto en los inicios de la banda, como en su música– Iosu Izaguirre nos ofrece este su segundo disco llamado Ilusio. Una obra que vuelve a reivindicar el formato de sexteto, contando para ello con el mismo colectivo de músicos que su predecesor. Rubén Salvador en la trompeta, Pablo Ramos en el saxo alto, Asier Iturbe en el trombón, Koldo Uriarte en el piano, Aitor Bravo en la batería, además del propio Iosu como líder, contrabajista y autor de todas las composiciones. Un trabajo que perpetúa y resignifica el espíritu flexible y ecléctico de las obras firmadas por Izaguirre, siempre avaladas por la excelente química y el lenguaje común desarrollado por todos y cada uno de los integrantes del proyecto. Ilusio, además de nutrirse de muy diferentes géneros e influencias bajo la omnipresente esencia del Jazz y su evidente capacidad de seducción, posee la cualidad de lo orgánico y la virtud de lo inesperado. Un trabajo exento de límites creativos o estéticos cuya fórmula– más emotiva que intelectual– logra democratizar un género no siempre accesible para todo el mundo, posibilitando al oyente a un íntimo y pasional acercamiento al particular y fascinante universo sonoro diseñado por Izaguirre. Un nuevo marco musical desglosado en siete interpretaciones de policrómica narrativa, dispuestas casi de manera cinematográfica, pleno de sensaciones y frenéticos diálogos en temas como Presaren Preso, refrescantes ritmos que rápidamente difuminan cualquier camino predecible en Nostalgia in Kutxa Square y transitar libremente por los múltiples pasajes de Lau Nota Memorian. Innovador y sofisticado, Ilusio nos transporta sutilmente a la belleza casi hipnótica de Isiltasun Ituna en una perfecta transición de dinámicas siempre inesperadas, envolviéndonos en los aromas de Blues, Soul o Gospel de El Logro del Ogro y congratularnos con los sutiles ritmos cubanos y múltiples texturas de Son Mantxo. Salvadorren Berpiztean, pone punto final a este trabajo en un emotivo homenaje al bertsolari Xalbador. —–

STANDAR SEMANAL.georgia on my mind.--VINILOSMITICOSDEJAZZ.- Clark Terry, Freddie Hubbard, Dizzy Gillespie Plus Oscar Peterson - The Alternate Blues1980.-JAZZACTUALIDAD.ALBA CARETA GROUP - PANICAL.

MANUAL ESTÁNDAR.-Gee,Baby,Ain´t I Good to You.-VINILOS MÍTICOS DEL JAZZ.-Brother Jack McDuff 1962 01 23 - & Gene Ammons - Brother Jack Meets The Boss.-JAZZACTUALIDAD.- MAR LOI - ARRELS Brother Jack Meets the Boss es un álbum del organista Jack McDuff y el saxofonista Gene Ammons grabado en 1962 y lanzado por el sello Prestige. El álbum fue grabado en el Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 23 de enero de 1962. Aunque se anunció como una reunión del organista Jack McDuff y el saxofonista tenor Gene Ammons , un segundo tenorista, Harold Vick , tocó en todas las pistas, al igual que el guitarrista Eddie Diehl y el baterista Joe Dukes. . Tres de las seis pistas fueron escritas por McDuff; la primera, "Watch Out", es un blues de ritmo rápido. a intérprete de handpan Mar Loi, nacida en las Islas Canarias y actualmente residente en Beuda (Girona), presenta su nuevo trabajo discográfico «Arrels», una obra que nace del deseo de detenerse, echar raíces y habitar plenamente un lugar después de una vida en movimiento constante. «Arrels» es el reflejo de un proceso profundo y universal: la búsqueda de la propia identidad y del sentimiento de pertenencia. A lo largo de este viaje interior, Mar Loi transforma en música preguntas esenciales que nos interpelan a todos: ¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos? ¿Qué nos identifica? ¿A qué nos aferramos cuando buscamos nuestro lugar en el mundo? Grabado y mezclado en Banyoles (Girona) con el productor Vic Moliner y masterizado en Alemania con Bobay, el disco es una apuesta valiente por expandir los límites del handpan y llevarlo más allá de su escena natural. Las diez composiciones de «Arrels» (Abisme, Starting all over again, Pausa, Catarsis, Sirena, Ambivalencia, Solitud, Azul marina, Mar de nubes (reprise) y Casa meva) conforman un viaje sonoro que oscila entre la introspección y la luz, entre la fragilidad y la fuerza de echar raíces. «Arrels» es más que un disco: es una declaración de intenciones, una invitación a escuchar desde la profundidad y a reconocer las propias raíces, estén donde estén.

STANDARSEMANAL.-.Footprints.- VINILOSMITICOSDELJAZZ.-tete montoliu - 1979 - al palau - disc 1 - solo live.-JAZZACTUALIDAD.-KOLDO MUNNE-1520

ESPECIAL NAVIDAD-TOP 2025 LO MEJOR DEL 2025 DE JAZZ ACTUALIDAD

ESPECIAL NAVIDAD Se trata de un programa de radio para amantes del jazz con más de 18 años de existencia nacional.

STANDARSEMANAL.-How Long HasThis Been Going.-VINILO MITICODELJAZZ-JUG & DODO MARMAROSA-1962.-JAZZACTUALIDADMONTSERRAT COSTA.-CANÇONS DE BRESSO

STANDARSEMANAL,.How Insensitive.-VINILOSMITICOSDELJAZZ.-,tETE MONTOLIU- Tete.1971.-JAZZACTUALLIDAD.-.MARTA PAREJA BUNAVENTURA-MULTIPLES Título: Tete! Músico: Tete Montoliu. Acompañantes: Niels-Henining Orsted Pedersen (b) y Albert «Tootie» Heath (dm). Fecha de Grabación: 1974. 28 mayo. Lugar de Grabación: Copenhagen. Sello Discográfico: Steeeplechase. Nº de temas: 6. Formato: LP. Instrumento: Piano. Estilo: Hardbop. Nº de Serie: 11-0036. Año de Edición: 1980. Duración: 46:04. Calificación: 4*/2. Comentario: El «gran señor de Cataluña», en palabras de Dexter Gordon, toca aquí el quizás sea su mejor disco y su obra maestra. Acompañados por dos magnificos músicos en la ritmica, Albert Heath a la bateria y Orsted Pedersen al contrabajo, Tete Montoliu hace de la música de Coltrane un swing permanente y en este disco se hace merecedor sin duda a las palabras pronunciadas por el tambien maestro del saxo, Ben Webster: «Este español tiene un swing como ningun otro pianista de Europa». La reedicion es española de 1980. Imprescindible en la discografia de Tete y referencia absoluta dentro del jazz en España. Múltiple es el nuevo trabajo de Marta Pareja Buenaventura, es un álbum de once temas íntimos que nacen de un largo proceso de más de nueve años de revisión interna, tras vivencias intensas y complejas de la cantautora. De este camino interior surge la necesidad de reencontrar la propia identidad, de responder preguntas esenciales como “¿Quién soy?” o “¿Cómo es posible que esto me haya pasado a mí?”. De ese momento vital nace la escritura en forma de versos, tejiendo poesías que verían la luz en 2024 con la publicación de Viatge(s), un libro de autor editado por Edicions Paper d’Estrassa. Paralelamente al poemario, y después de un profundo reencuentro con su voz, la autora selecciona once de esos poemas para transformarlos en canciones, acompañada por Joan Miró Prat, productor, músico y musicoterapeuta. El disco se convierte así en la culminación de un proceso personal y artístico que mira hacia los orígenes. Es un canto a los ancestros y a la propia historia, un reconocimiento de la multiplicidad del ser y de la existencia. Representa el nacimiento de una nueva identidad o, quizá, la recuperación de la identidad esencial. Al tratarse de un viaje interior, el orden de los temas adquiere una importancia especial. El hilo conductor no es la sonoridad, sino el concepto y el mensaje de cada pieza. La primera parte del álbum aborda la dimensión transgeneracional con “Origen”, “Ancestres” y “Cant a la foguera”. A continuación, la parte central recoge la historia y la experiencia vital de la autora con “Qui soc”, “Maria”, “Filla del buit”, “Equinoccis” y “Norma”. Finalmente, los últimos temas “Fase nova”, “Múltiple” y “Agraïment” simbolizan la muerte, el renacimiento, la diversidad interior y la gratitud por el camino recorrido. Múltiple fusiona la canción de autor con la música de raíz, la étnica y la electrónica, incorporando influencias del pop, el jazz, el soul y el flamenco. El resultado es una obra orgánica y diversa, donde cada sonoridad, armonía y melodía acompaña el contenido poético y emocional de las letras, respetando siempre el concepto de origen y el proceso vital que le da sentido. Créditos técnicos: Marta Pareja Buenaventura – Voz y coautoría. Joan Miró Prat – Coautoría de los temas “Múltiple”, “Origen”, “Qui soc”, “Equinoccis”, “Norma”, “Fase nova” y “Agraïment”. Oud, bendir, qraqeb, guitarra acústica, programaciones y producción musical. Pau Zañartu – Masterización. Grabado en Breda, en el estudio de Joan Miró Prat, entre la primavera de 2024 y la primavera de 2025.

STANDARSEMANAL.-HOW HIGT THE MOON.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-.Lennie Tristano _ The New Tristano.-JAZZACTUALIDAD.-PERICO SAMBEAT-BOREAL

STANDARS SEMANAL.-.Qué Profundo Es el Océano.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-KeithJarrett-Köln Concert-1975JAZZACTUALIDAD.-ANDREA DE BLAS - EN FRENTE MÍO- KeithJarrett-Köln Concert- El Concierto de Colonia es un álbum doble en directo del pianista Keith Jarrett, grabado en la Ópera de Colonia , Alemania Occidental , el 24 de enero de 1975 y publicado por ECM Records ese mismo año. Es el álbum solista más vendido de la historia del jazz y el álbum de piano más vendido. En 2025, la Biblioteca del Congreso lo consideró "cultural, histórica o estéticamente significativo"y lo seleccionó para su conservación en el Registro Nacional de Grabaciones . ANDREA DE BLAS - EN FRENTE MÍO "En frente mío" El álbum de debut de Andrea de Blas, "En frente mío", muestra el talento y la originalidad de esta joven compositora, pianista y cantante, situándola como una de las voces más singulares del mundo del jazz. "En frente mío" es, ante todo, una frase incorrecta. Una construcción gramatical que la norma rechaza, pero aquí se convierte en el punto de partida de una reflexión artística. Una rebelión poética contra lo que se considera correcto. Es una invitación a romper los moldes —académicos, sociales o personales— que inmovilizan lo que somos. Es un gesto de desobediencia creativa, una defensa del movimiento frente al estático, de la autenticidad frente a la expectativa. El proyecto se enmarca dentro del jazz contemporáneo, entendido desde una mirada abierta en la que conviven géneros como el neosoul, el hip hop o el pop. El disco explora esa frontera difusa entre lo improvisado y lo estructurado, entre lo acústico y lo electrónico, entre lo intimista y lo urbano. El álbum se despliega como una historia contada en 13 temas que viajan desde “Silencio”, el primer tema del disco, cuya letra parte de un escrito de Marilyn Monroe sobre los monstruos internos que nos atormentan, hasta “Que las cosas salgan bien”, que simboliza la superación del miedo al éxito y la disposición. Cuenta con la colaboración de músicos invitados como: Borja Lange (guitarra), Ires, Cristina Jiménez y Martina Burón (voces), Koldo Munné (saxo alto) y Víctor Carrascosa (trompeta). Créditos técnicos: Andrea de Blas - Composicions, veu, piano i teclats. Roger Castells - Bateria. Joan Pedrajas - Baix i contrabaix. Borja Lange - Guitarra en "El vals". Koldo Munné - Saxo alt en "Que las cosas salgan bien" i "Lo que soy". Víctor Carrascosa - Trompeta en "Lo que soy". Ires - Veu en "Quiero". Martina Burón, Ires, Cristina Jiménez - Cors en "Por delante de mí". Sergi Felipe - Mezcla y masterización. Grabado en los estudios de Underpool (Barcelona) en abril de 2025 por Sergi Felipe y Joan Hernández como ayudante de grabación. Claudia Herrán - Fotografía, vídeo making of y diseño de portada. Andrea González - Maquillaje y peluquería. Andrea de Blas Nacida en Logroño (La Rioja), empezó su formación musical a los 8 años en el Conservatorio Profesional de su ciudad natal, donde obtuvo el Título Profesional de piano clásico. Es graduada en Historia y Ciencias de la Música (UAM) y en Matemáticas (UCM). Más adelante, su interés por el jazz la llevó a Barcelona, ​​donde estudia el Grado Superior de Jazz y Música Moderna en el Conservatori del Liceu. Allí se forma como pianista de jazz, desarrollando una identidad sonora propia que combina tradición y contemporaneidad. En los últimos años ha actuado en escenarios y festivales como el Festival TOCA'M de Tortosa, Fem Música en el Harlem Jazz Club (Barcelona), Robadores23, Milano Jazz Club, Feminajazz (Madrid), JazzMadrid19, Teatro Tribueñe, Café El Despertar, Festival Octubre Jazzea (Logronyo) 2025, entre otros. Su trayectoria ha sido reconocida con varios premios y becas: en 2019 ganó el Concurso de Jóvenes Talentos del Jazz organizado por Feminajazz; en 2021 recibió una beca de la AIE para estudios en el Aula de Música Moderna y Jazz del Conservatorio del Liceu; y en 2024 fue becada por la Muestra de Arte Joven en La Rioja para la grabación de su primer álbum de estudio. Andrea de Blas es una artista en constante evolución, que apuesta por un lenguaje musical propio, íntimo y personal, capaz de crear puentes entre el jazz y una sensibilidad moderna.

STANDARS SEMANAL.-HOT HOUSE.-VINILOSMITICOSDELJAZZ.-Tommy Flanagan-Overseas.JAZZACTUALIDAD.-CRISTINA AMILS-NOBODY ELSE Overseas es un álbum del pianista Tommy Flanagan , grabado con el bajista Wilbur Little y el baterista Elvin Jones en 1957. Fue el álbum debut de Flanagan como líder. Grabación y música El pianista Tommy Flanagan estaba de gira por Europa como parte de la banda del trombonista JJ Johnson en 1957 cuando se le dio la oportunidad de dirigir una sesión de grabación por primera vez.Del grupo de gira de Johnson, Flanagan contrató a Little y Jones para la sesión, que tuvo lugar en Estocolmo el 15 de agosto. Seis de las nueve piezas del álbum eran originales de Flanagan. Flanagan regrabó cinco de las selecciones del álbum en su álbum de trío de 1996 , Sea Changes , su última grabación de estudio como líder. Se trataba de sus composiciones originales "Beat's Up", "Delarna", "Eclypso" y "Verdandi", así como "Relaxin' at Camarillo" de Charlie Parker. CRISTINA AMILS-NOBODY ELSE Tras una larga y sólida trayectoria musical, la cantante de jazz Cristina Amils da un paso adelante y publica su primer disco al frente de su cuarteto de confianza. El álbum se presenta como un viaje musical íntimo y vibrante, fiel reflejo de la versatilidad artística y lingüística que define a Amils y su grupo. Las diez piezas del disco combinan la elegancia del jazz clásico —con estándares de referentes como Gershwin o Kern/Hammerstein— con incursiones en el blues, el bolso nuevo y la chanson francesa.

STANDARS SEMANAL.-Honeysuckle rose.-VINILOSMITICOSDELJAZZ.-951.George Russell The RCA Victor Jazz Workshop.-JAZZACTUALIDAD.-STEINBERT-COBOS QUARTET Título: The Jazz Workshop. Músico: George Russell. Acompañantes: Art Farmer (tp); Barry Galbraith (g); Hal McKusick (sa); Milt Hinton & Teddy Kotick (b); Bill Evans (p); Joe Harris, Osie Johnson & Paul Motian (dm). Fecha de Grabación: 1956. Lugar de Grabación: New York. Sello Discográfico: RCA. Nº de temas: 14. Formato: CD. Instrumento: Piano. Estilo: Hardbop. Nº de Serie: 743215 91442 Año de Edición: 1998. Duración: 56:01 Calificación: 4*1/2. Comentario: Este disco, editado y grabado originalmente grabado para el sello RCA, fue el debut del compositor/arreglista George Russell como líder. Al programa original (que incluye números como «Ye Hypocrite, Ye Beelzebub», «Livingstone I Presume», «Ezz-thetic» y «Knights of the Steamtable») se le han unido segundas versiones alternativas de «Ballad of Hix Blewitt» y «Concerto for Billy the Kid». Al escuchar la música, es difícil creer que Russell sólo utilizó un septeto (compuesto por el trompetista Art Farmer, el saxo alto, Hal McKusick, el guitarrista Barry Galbraith, el pianista Bill Evans, uno de los dos bajistas y uno de los tres bateristas). Los temas son muy densos, las armonías bastante originales y lo importante de esta grabación, es que el sexteto, suena a veces como si fuese una gran orquesta. Russell se hizo acompañar por algunos de los músicos más versátiles y técnicamente hábiles de la época, varios de los cuales trabajaban regularmente en los estudios de la RCA. Recomendado. -STEINBERT-COBOS QUARTET.- Grabado, mezclado y masterizado por Curro Ureba en Trafalgar Estudios (El Palmar, Vejer, Cádiz), este primer trabajo define una clara línea de intersección que gira en torno a la personalidad individual de estos dos guitarristas y su afinidad a la hora de crear un lenguaje común. Composiciones complementarias como la dinámica Simple Things o la elegante Pictures firmadas por Steinbert y Cobos respectivamente dan muestras de la complicidad entre ambos bajo las magníficas premisas establecidas por Ander García y Nacho Megina en la sección rítmica. Alein Steinbert firma con sabor a Bossa Overthinking y la trepidante Relaxin’ at Casa Pueblo para pasar el testigo a Alex Cobos con Blue Serenade. La banda abre nuevos espacios donde cohabitan juegos rítmicos e improvisación en temas como Nothing new o Winter´s Lullaby, con el aporte esencial de Ander Garcia en esta última. Tanto Last Chance como Bossa the Breeze nos proponen una nueva dinámica cargada de color y nuevas texturas para concluir con Full House un tema original de Wes Montgomery arreglado por Steinbert y Cobos para la ocasión. Steinbert y Cobos nos descubre a dos experimentados artistas que pese a su gran bagaje y sabiduría, mantienen intacta la esencia de aquellos que simplemente juegan con los objetos que aman. Valientes y decididos, con la inocencia del niño por descubrir nuevos lenguajes, sin más propósito que disfrutar creando.

STANDAR SEMANAL.-950.Here´s That Rainy Day.-VINILOMITICODELJAZZ..Yusef Lateef 1964 06 29 - Live At Pep's .--JAZZACTUALIDAD.-KTAM-MOSAICO DE LUZ Live at Pep's es un álbum de 1964 del saxofonista tenor y flautista de jazz estadounidense Yusef Lateef . Otros músicos que participaron en este álbum fueron el bajista Ernie Farrow , el pianista Mike Nock , el baterista James Black y el trompetista Richard Williams . [ 1 ] Este álbum en vivo se grabó en el Pep's Lounge de Filadelfia, Pensilvania. Más actuaciones de Lateef en Pep's a finales de junio de 1964 se publicaron en Club Date (ABC-Impulse! ASD 9310) en 1976 y posteriormente en un doble LP ampliado titulado The Live Session (IA-9353/2). Las grabaciones se reeditaron en CD en dos volúmenes en 1993 y 1999 con el título Live at Pep's . El multiinstrumentista Yusef Lateef, lo podemos escuchar en esta grabación con varios instrumentos, entre ellos un argol, una especie de doble clarinete parecido en su construcción a la forma de un fagott. Lateef tenia siempre una preferencia a tocar sonidos orientales y este disco es testimonio de esta faceta suya. Un gran disco en directo. KTAM-MOSAICO DE LUZ.- K´tam está formado por cuatro excelentes músicos de diferente procedencia y dilatada trayectoria que confluyen en un espacio creativo diseñado para aglutinar diferentes sensibilidades sonoras, con un marcado carácter ecléctico y sofisticado. Un proyecto donde confluyen de manera magistral ritmos de origen africano y latino bajo las premisas de la fusión del jazz contemporáneo y el flamenco. El guitarrista y compositor Jorge Pisa “El Boli” (Farruquito, José Mercé, Pepe Bao, Raimundo Amador), el pianista, productor, arreglista y compositor Adrián Royo, Javier Rodríguez bajista de dilatada carrera y Álvaro López, destacado percusionista especializado en flamenco, referente de la escena de Barcelona que ha colaborado en numerosos espectáculos como 'Barcelona' y 'Flamenco' junto a artistas de la talla de Antonio Canales, Jorge Pardo, Juan Gómez Chicuelo o Tati Amaya. "Mosaico de luz" es un disco dinámico, cargado de sensibilidad, una obra que abre sus ojos a un mundo lleno de variadas esencias sonoras avaladas tanto por una excelente producción, como por una más que notoria y original manufactura instrumental.

STANDAR SEMANAL.-Have you Met Miss JonesVINILOS MITICOS DEL JAZZ.-949.RAY BRYANT TRIO-PLAYS THE COMPLETE LITTLE SUSIE.-JAZZACTUALIDADS949.Rober Caballero - Atmosphere 1.0 Aunque Ray y Tommy Bryant tocaron y grabaron juntos en numerosas ocasiones, las sesiones incluidas en este CD constituyen las únicas grabaciones a trío de los hermanos con el baterista Oliver Jackson. Los tres realizaron una gira con Coleman Hawkins y Roy Eldridge en 1958, y algunas de sus actuaciones fueron grabadas, pero, al ser acompañantes de estos dos grandes del swing, su interacción en ese contexto es muy diferente a la que se aprecia en estas sesiones. Los doce primeros temas de este CD se publicaron originalmente como "Ray Bryant Plays" (1959), donde interpretaba melodías de otros artistas de jazz. Los dos últimos temas —presentados aquí como "Little Susie" 1 y 2— son dos versiones de una composición de Ray Bryant dedicada a su hija Susie. Las versiones incluidas aquí, con la participación de Oliver Jackson, se publicaron originalmente como las caras A y B de un solo disco, y por razones desconocidas se presentaron como "Little Susie - Parte 2" y "Little Susie - Parte 4". Ambos temas aparecen aquí en CD por primera vez. Lista de canciones : 01. Doodlin' 02. Wheatleigh Hall 03. Delauney's Dilemma 04. Now's The Time 05. Blue Monk 06. Walkin' 07. Misty 08. Whisper Not 09. A Hundred Dreams From Now 10. Sneaking Around 11. Bag's Groove 12. Take The "A" Train 13. Little Susie (1*) 14. Little Susie (2*). Duración total: 51:12 min. Músicos: Ray Bryant (piano), Tommy Bryant (bajo) y Oliver Jackson (batería). Pistas 1-4, grabadas en Nueva York, 29 de octubre de 1959 ; Pistas 5-8, grabadas en Nueva York, 5 de noviembre de 1959; Pistas 9-12, grabadas en Nueva York, 6 de noviembre de 1959; Pistas 13-14, grabadas en Nueva York, 21 de septiembre de 1959 Rober Caballero - Atmosphere 1.0 “De las texturas de un universo desconocido e infinito, de sus diferentes capas, luces y colores surge la idea de este disco” (Rober Caballero). La creatividad, imaginación e innovación junto con toda mi experiencia personal, como músico y oyente, son los pilares básicos sobre los que se fundamenta el concepto de este disco. He trabajado de manera totalmente desinhibida, dejándome llevar de forma natural hacia una música y un sonido libre de influencias. De manera consciente, he evitado posicionarme desde la condición nativa de bajista, para situarme en un ámbito más general y conseguir ser lo más musical posible. Mis propias limitaciones con los demás instrumentos, y en general con las herramientas de grabación y edición, han supuesto un apasionante reto que me ha obligado a pensar y sentir como un músico completo, más allá de la seguridad que me aporta el bajo eléctrico o el contrabajo. Saliendo fuera de lo que para mí es obvio, he querido investigar y profundizar en aspectos que considero fundamentales creando armonías, ritmos y sonidos que generan estructuras y texturas poco habituales. Como resultado de todo ello, he tenido una experiencia completa que me ha proporcionado una forma particular de desarrollar y plasmar mis inquietudes más profundas y personales. Gracias a mis amigos y grandes músicos que han aportado su enorme talento y experiencia para poder concretar aspectos sonoros e interpretativos, referentes a sus propios instrumentos, que me hubiese resultado imposible alcanzar sin su colaboración. .

STANDAR SEMANAL.-Groovin´High.-VINILOS -MITICOS DEL JAZZ.-948.EDDIE HARRIS-THE IN SOUND.-JAZZACTUALIDAD.-948.JUAN MEDINA-FUGAZ The In Sound es un álbum del saxofonista de jazz estadounidense Eddie Harris grabado en 1965 y lanzado por el sello Atlantic . [ 1 ] [ 2 ] El álbum presenta la primera grabación de Harris de "Freedom Jazz Dance", que se convertiría en un estándar de jazz después de aparecer enel álbum de Miles Davis Miles Smiles (Columbia, 1966). Hace cinco años, en un inesperado giro del destino, Juan Medina volvió a encontrarse con la guitarra. Pronto descubrió que, con estudio diario y constancia, este noble instrumento podía convertirse en una poderosa herramienta para contar historias. Así comenzó un camino marcado por la ilusión, la inspiración y una entrega total que transformó por completo su forma de vida. El resultado de ese proceso es este disco: una selección de 10 composiciones que transitan entre el flamenco, el jazz, el neosoul y diversas músicas del mundo. Con una larga trayectoria como autor de canciones, Juan Medina imprime a cada tema una fuerte carga melódica. Y su experiencia como percusionista aporta una dimensión rítmica que atraviesa todo el proyecto.

STANDAR SEMANAL-947.Goodbye Pork Pie Hat,.VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-947.THE DANNY MOSS QUARTET-WEAVER OF DREAMS,.JAZZACTUALIDAD.-947.NUCLI TRIO-INTERPRETANDO LA MUSICA LAIETANA Moss, hijo de un fabricante de herramientas, aprendió a tocar el saxofón por su cuenta . Tras dejar la escuela, tocó en el quinteto de Wally Rogers en 1943. Tras el servicio militar de 1945 a 1948, donde tocó en una orquesta militar, se convirtió en miembro de la Orquesta Vic Lewis , y luego de Tommy Sampson, de donde Ted Heath lo contrató a él y a otros siete músicos. Después tocó con Johnny Dankworth , con quien actuó en el Festival de Jazz de Newport de 1959 , y también con Alex Welsh . En 1962, Dankworth ya no podía financiar una banda permanente, por lo que Moss trabajó con Humphrey Lyttelton . Desde mediados de la década de 1960 en adelante, tocó principalmente con su propio cuarteto, a menudo acompañando a su esposa, la cantante Jeanie Lambe , con quien actuó en el Festival de Jazz de Montreux de 1972 . A partir de 1970, también formó parte del CCS de Alexis Korner . Grabó también con Tony Bennett , Ella Fitzgerald , Bing Crosby , Sarah Vaughan y Rosemary Clooney . En 1980, fue uno de los miembros fundadores de Pizza Express All Stars , con quienes actuó en el Festival de Jazz de Niza, y también tocó en la big band de Charlie Watts . En 1989, él y su esposa se establecieron en Australia , donde había estado de gira con éxito desde 1983. En 2003, grabó un aclamado álbum a dúo con Stan Tracey . Su hijo es el bajista Danny Moss Jr. Moss se sentía como en casa en la tradición de Coleman Hawkins y Ben Webster . The Independent lo incluye entre los mejores saxofonistas tenores de Gran Bretaña. Nucli Trio nace en el año 2018 y lo forman Guillem Plana a la guitarra, Aleix Forts al contrabajo y David Viñolas a la batería. En sus inicios, empiezan haciendo estándares de los 50’s y de los 60’s del pasado siglo y poco a poco van añadiendo composiciones propias. Rápidamente, Nucli Trio comienzan a girar y en el año 2021 editan un disco homónimo en este mismo sello. Paralelamente se establecen como grupo residente en la Jazz Cava de Vic donde ofrecen los recitales Nucli Trio invita a… donde comparten música con figuras de la escena jazzística. En 2023 se conmemoró el 50 aniversario de la apertura de la sala Zeleste de Víctor Jou. El Zeleste fue inicialmente una sala de copas y conciertos pero poco a poco fue creciendo y se estableció una oficina de management, un sello discográfico y una escuela de música moderna. Podemos afirmar que gracias al Zeleste se consolidó toda una serie de grupos e intérpretes del todo transversales: la Orquestra Mirasol, Jordi Sabatés, Toti Soler, Companyia Elèctrica Dharma, Blay Tritono, Barcelona Traction, Música Urbana, Tropopausa, Jaume Sisa o Gato Pérez entre otros. El 50 aniversario de la apertura del Zeleste fue la chispa ideal para que Nucli Trio empezara a dar forma al proyecto de interpretar la Ona laietana con la colaboración de músicos de aquella época. Elegir el repertorio fue complejo porque era necesario captar toda la esencia de los grupos e intérpretes. Después había que establecer a los músicos layetanos que podrían formar parte del proyecto. Estos fueron Miquel Àngel Lizandra de la Orquestra Mirasol, Jordi Soley de la Companyia Elèctrica Dharma y Eduard Altaba de Blay Tritono y Tropopausa. Los tres cubrían un enorme abanico de todo lo que significaba Zeleste. Miquel Àngel la fuerza renovadora e iniciática de la Orquestra Mirasol, Jordi Soley el empuje y el éxito de la Companyia Elèctrica Dharma, y ​​Eduard Altaba como representante del grueso de músicos más experimentales. Los seis empezaron a ensayar para aparecer en el Festival de Jazz de Vic y en la Nova Jazz Cava de Terrassa. De estos conciertos y del buen entendimiento entre el sexteto, surgió la idea de grabar un disco, el que tienes entre las manos. Además, para la grabación se sumó una colaboración muy especial, la del guitarrista Jordi Bonell que había militado en Secta Sònica y Música Urbana. Bonell puso su guitarra en “No em val haver viscut” de Toti Soler y Joan Vergés. La última en sumarse al proyecto fue Alba Careta que ejemplifica a la perfección este trabajo intergeneracional tan bonito y necesario. Careta toca la trompeta en «No juguis amb set miralls» de la Orquestra Mirasol y canta en «No em val haver viscut». Por su parte, los músicos layetanos brillan en sus respectivos campos. Así nos encontramos a un Miquel Àngel Lizandra liderando con fuerza y ​​personalidad las piezas que aquí se interpretan de la Orquestra Mirasol. Eduard Altaba toma protagonismo a través de dos piezas de Tropopausa: “La mata” y “Beixamela”, donde escribe unos nuevos arreglos que nos invitan a una relectura. Por su parte, Jordi Soley nos muestra una nueva visión de “Ones nones” de la Companyia Elèctrica Dharma que él ha titulado “On ones nones”. Magistral también es la ejecución a piano solo en la última pista de la primera cara donde relee diferentes trozos de “Adéu, estrella del dia”, “Mitjanit”, “Ball llunàtic toc” y “L’Oucomballa”. Solos, Nucli Trio interpretan un clásico del repertorio de Jaume Sisa, “L’home dibuixat”. Sorprende el uso de la melodía a través del contrabajo de Aleix Forts. No podían faltar un par de composiciones propias. En primer lugar «Laietània» de David Viñolas. Inspirada en el sonido layetano e interpretada por Nucli Trio en solitario brilla por la finura y el buen gusto del guitarrista Guillem Plana. Por último y no por ello menos importante, “Subwoofers”, una improvisación libre de Eduard Altaba y Aleix Forts en la que únicamente intervienen los dos contrabajos y que hace de puente entre las dos piezas de Tropopausa. En definitiva, estamos ante un gran trabajo en el que Nucli Trio ha sabido encontrar todos los ingredientes necesarios para dar forma a una obra histórica tanto por su repertorio como por la importancia de sus invitados. Una relectura intergeneracional excelente y necesaria. Àlex Gómez-Font Este trabajo que tienes en tus manos quiere ser un homenaje a la época dorada del Zeleste y a los músicos que formaron parte de esa Barcelona underground, contracultural y ecléctica de los 70, época que nosotros no vivimos. Un movimiento por el que pasaron todo tipo de artistas que han dejado un legado importante, no sólo en la obra musical, sino también en la pedagógica, ya que muchos de ellos fueron profesores de la primera escuela de música moderna del país, ubicada en el mismo Zeleste. Un movimiento poco conocido que no ha trascendido a las generaciones que le han sucedido. Por eso lo queremos reivindicar y poner en valor con este álbum. Nucli Trio hemos trabajado este repertorio con mucho cariño. Esto nos ha permitido echar una mirada atrás y descubrir algunas joyas musicales de nuestro país que desconocíamos.Reinterpretar estos temas y compartirlos con algunos de los músicos que formaron parte activa de la Ona Laietana ha sido una experiencia que nos ha hecho crecer y que nos anima a seguir adelante, haciendo música más allá de etiquetas y modas. Queremos dedicar este disco a todos los músicos que formaron parte de la Ona Laietana: a Víctor Jou y Rafael Moll, auténticos visionarios y precursores en una Barcelona gris y franquista; y especialmente a Jordi Bonell, que se entusiasmó con la idea de participar en el disco y que desgraciadamente no lo ha podido ver acabado. Nucli Trio

STANDARSSEMANAL.-946..Good Morning Heartache.-VINILOSMITICOSDELJAZZ.-946.Lambert Hendricks Ross - Sing a Song of Basie.-JAZZACTUALIDAD.-ANDRES BARRIOS-KM.0 Título: Sing a Song of Basie Músico: Dave Lambert, Jon Hendricks & Annie Ross. Acompañantes: Nat Pierce (p); Freddie Green (g); Eddie Jones (b); y Sonny Payne (dm). Fecha de Grabación: 1957. Lugar de Grabación: New York. Sello Discográfico: Impulse! Nº de temas: 8 Formato: CD Instrumento: Voz Estilo: Jazz vocal Nº de Serie: 543 827 2 Año de Edición: 2001 Duración: 59:58 Calificación: 5* Comentario: Un disco excepcional dentro de la variante de jazz vocal. El grupo de Lambert y Hendricks, más la cantante Annie Ross, consiguieron con este «Sing a Song of Basie» la cumbre del llamado estilo «vocalesse». Un disco que entró en la hisoria del jazz vocal por meritos propios. El nuevo trabajo de este pianista vanguardista, titulado “Km.0”, es un viaje musical y personal que entrelaza músicas e identidades, evocando las cunas del flamenco como Utrera, Jerez, Huelva, Cádiz y Málaga, y dialogando con otras sonoridades del mundo. “Km.0” simboliza el punto de partida del flamenco más profundo, donde la tradición y la vanguardia se encuentran. Desde las raíces más auténticas, Barrios explora nuevas direcciones sin perder nunca su conexión con los orígenes, innovando mientras regresa al núcleo de la tradición. La estética de “Km.0” centra su mente y perfil como eje de su arte, con el piano como extensión de su identidad, desde donde emergen sus ideas y creatividad musical. Este disco abre una nueva era, redefiniendo el flamenco, abriendo nuevos caminos y estableciendo una identidad musical que integra lo tradicional con lo moderno. Esta estética se traduce en una narrativa sonora que une pasado y presente, respira flamenco en cada nota y abraza otros géneros, reflejando una transformación tanto musical como personal. “Km.0” resalta el profundo respeto de Barrios por las raíces flamencas y su papel como innovador. Fusionando diferentes mundos musicales, crea una obra fiel a la tradición y audazmente contemporánea. BIOGRAFÍA ANDRES BARRIOS Andrés Barrios (Utrera, 1997) compositor y pianista flamenco, ecléctico y renovador, con base clásica y dominio del jazz, que presenta un flamenco audaz del siglo XXI y fusiona estilos globales. Debutó en 2016 con el disco en directo “Flamenco Vivo”. Ha actuado en el Teatro Real de Madrid, Festival de Flamenco de Nueva York, Auditorio Nacional de Madrid, Palau de la Música de Barcelona, el Festival de Jazz de Vitoria, la Bienal de Flamenco de Sevilla, y ha girado por más de catorce países, entre los que destacan Estados Unidos, Alemania, Marruecos, Italia, Emiratos Árabes, Colombia o Brasil. En 2018 recibió el premio Filón al “Mejor Instrumentista” en el Festival Internacional del Cante de Las Minas. En noviembre de 2019 lanzó su primer disco de estudio “Al Sur del Jazz” con colaboraciones de Arcángel, Rocío Márquez, Sandra Carrasco y Manuel Machado. En 2020 presentó en la Bienal de Flamenco de Sevilla “Universo Lorca”, una interpretación innovadora de canciones populares de Federico García Lorca. En 2021, junto a Juan Pérez Floristán, estrenó un espectáculo a dos pianos en el Festival de Música en Segura, ofreciendo arreglos y composiciones propias. En 2023 debutó en el Teatro Real de Madrid con “Noche en los Jardines de España” de Manuel de Falla y, en noviembre, en el Auditorio Nacional de Madrid, donde rindió homenaje a Paco de Lucía. En 2024 estrena su composición “Ecdysis” con orquesta sinfónica en el Auditorio Nacional de Ma drid y lanza su disco “De Barrios a Lorca: rapsodia de canciones populares”. Más recientemente, presenta su nuevo trabajo discográfico “Km.0”, una obra que explora un lenguaje musical que parte desde su núcleo flamenco hacia otras músicas, contando con colaboraciones de artistas como Estrella Morente, Layth Sidiq o Pedro Granaino.

STANDARSEMANAL.-.Gone with the Wind.-VINILOSMITICOSDELJAZZ.-Oliver Nelson Sextet - The Blues And The Abstract Truth .-JAZZACTUALIDAD.-JUAN GARCIA TRIO-TIERRA The Blues and the Abstract Truth es un álbum del compositor ysaxofonista de jazz estadounidense Oliver Nelson , grabado en febrero de 1961 para el sello Impulse!. Sigue siendo el álbum más aclamado de Nelson y cuenta con la participación de músicos notables: Freddie Hubbard , Eric Dolphy (su penúltima aparición en un álbum de Nelson tras una serie de colaboraciones grabadas para Prestige ), Bill Evans (su única aparición con Nelson), Paul Chambers y Roy Haynes . El saxofonista barítono George Barrow no interpreta solos, pero sigue siendo un elemento clave en las sutiles voces de los arreglos de Nelson. El álbum se destaca a menudo por sus singulares arreglos de conjunto y se le identifica con frecuencia como un precursor de la transición de Nelson hacia los arreglos más adelante en su carrera. "Juan García Trío - Tierra" se refiere al álbum lanzado por el artista Juan García Trío en 2025, que incluye 10 canciones y se puede encontrar en plataformas de música digital como Apple Music. El álbum fue lanzado en enero de 2025 y contiene temas como "Querido Andy", "Precipitación", "Carta al Mar", "Rubí" y "Tierra", entre otros.

STANDARSEMANAL..God Bless The Child.-´VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-944.Herbie Hancock-1968 Speak Like A Child.-JAZZACTUALIDAD.944.BOBBY MARTINEZ NEW SEXTE-PRIMEROS 7 SEGUNDO

STANDAR SEMANAL.-BLUE MONK.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-.John Coltrane - My Favorite Things (1961) .-JAZZACTUALIDAD.-JOSE PEREZ VARGASS.-ALIENACION-ACUSTICO My Favorite Things es un álbum de estudio delmúsico de jazz John Coltrane . Se lanzó en marzo de 1961 con Atlantic Records . Fue el primer álbum en el que Coltrane tocó el saxofón soprano . Una versión editada de la canción principal se convirtió en un sencillo exitoso que ganó popularidad en la radio en 1961. El disco se convirtió en un gran éxito comercial. En marzo de 1960, durante una gira por Europa, Miles Davis compró un saxofón soprano para Coltrane. Si bien el instrumento se había usado en los inicios del jazz (en particular, por Sidney Bechet ), en la década de 1950 se había vuelto poco común, con la excepción de Steve Lacy . Intrigado por sus capacidades, Coltrane comenzó a tocarlo en sus conciertos de verano. Tras dejar la banda de Davis, Coltrane, para sus primeras actuaciones regulares en la Jazz Gallery de Nueva York en el verano de 1960, formó la primera versión del John Coltrane Quartet. La formación se conformó en otoño con McCoy Tyner al piano, Steve Davis al bajo y Elvin Jones a la batería. Las sesiones de la semana anterior a Halloween en Atlantic Studios dieron como resultado el tema "Village Blues" para Coltrane Jazz y la totalidad de este álbum, junto con los temas que Atlantic posteriormente ensambló para Coltrane Plays the Blues (1962) y Coltrane's Sound (1964). Según la biografía de Lewis Porter , Coltrane describió " My Favorite Things " como "mi pieza favorita de todas las que he grabado". La canción principal es una versión modal de la canción de Rodgers y Hammerstein "My Favorite Things" de Sonrisas y Lágrimas . La melodía se escucha numerosas veces, pero en lugar de tocar solos sobre los cambios de acordes escritos , tanto Tyner como Coltrane interpretan solos extendidos sobre vamps de los dos acordes tónicos , Mi menor y Mi mayor (mientras que el original resuelve en Sol mayor ), [ 9 ] tocados en compás de vals . En el documental El mundo según John Coltrane , el narrador Ed Wheeler comenta el impacto que la popularidad de esta canción tuvo en la carrera de Coltrane: En 1960, Coltrane dejó a Miles [Davis] y formó su propio cuarteto para explorar más a fondo la interpretación modal, las direcciones más libres y la creciente influencia india. Transformaron "My Favorite Things", la alegre canción populista de 'Sonrisas y Lágrimas', en una hipnótica danza derviche oriental . La grabación fue un éxito y se convirtió en la canción más solicitada de Coltrane, además de ser un puente hacia una amplia aceptación del público. El álbum también es notable por el arreglo de Coltrane del estándar de George Gershwin " But Not for Me ", que muestra los cambios de técnica de Coltrane , como se escucha en " Giant Steps " y " Countdown ". El 3 de marzo de 1998, Rhino Records reeditó My Favorite Things como parte de su serie Atlantic 50th Anniversary Jazz Gallery. Se incluyeron como bonus tracks ambas caras del sencillo "My Favorite Things", publicado como Atlantic 5012 en 1961. Alienación" es un álbum doble del músico chileno-argentino José Pérez Vargas, lanzado en 2025, que presenta versiones acústicas y eléctricas de sus composiciones, explorando la desconexión social y emocional desde una perspectiva poética y musical, y que fue concebido como un desafío artístico para mostrar la multiplicidad del ser y la transformación de las obras. Detalles del álbum: Formato: Es un álbum doble con dos facetas de las mismas composiciones. Concepto: La idea es mostrar cómo las piezas musicales mutan al cambiar el contexto sonoro, la instrumentación y los climas, reflejando la multiplicidad de la identidad humana y la tensión entre diferentes versiones de uno mismo. Temas: El álbum es una reflexión profunda sobre la desconexión emocional, social y artística de nuestra época, convirtiendo circunstancias vitales y significativas en un paisaje musical. Estilo: A pesar de su enfoque en el jazz, que Pérez Vargas define como libertad, el disco también aborda la alienación desde un punto de vista poético y artístico. Contexto y producción: Músicos: El álbum cuenta con la colaboración de músicos locales como Carlos Michelini, Matías Formica, Lucio Balduini, entre otros. Proceso: Fue un proceso de composición largo, personal y desafiante para el artista, quien buscaba una conexión y diálogo con otros músicos y estéticas. Instrumentación: La versión eléctrica destaca el uso del bajo eléctrico, el instrumento principal de Pérez Vargas, mientras que la versión acústica permite una atmósfera más íntima y orgánica, adaptada al contrabajo. Información adicional: "Alienación" es el segundo álbum de José Pérez Vargas, quien se ha consolidado como un artista versátil y comprometido con la exploración musical. El álbum fue grabado por Mariano Miguez en el estudio Ideo, y se editó como parte de la discografía de la sello Microscopi.

TU JAZZ CON SABOR A VERANO 48- Jazz Vitoria Gasteiz Orquesta Clasijazz Charles Mingus Epithaph

TU JAZZ CON SABOR A VERANO.-941-48.Jazz Vitoria Gasteiz Dora Morelenbaum Quartet.-941.-Dee Dee Bridgewater.- 60º Jazzaldia Dora Morelenbaum Quartet Formación: Dora Morelebaum (voz, guitarra y teclados) Guilherme Lirio (guitarra) Guto Wirti. (bajo eléctrico) Daniel Conceição (batería) Dora Morelenbaum, considerada como una de las voces de la nueva ola de la música brasileña, abrió la noche acompañada de su trío. Cantante que le viene de familia, su madre es la excepcional cantante Paula Morelenbaum y su padre el violonchelista y arreglista de renombre mundial Jaques Morelenbaum, Dora creció rodeada de música y de músicos importantes como Caetano Veloso, Gal Costa o Tom Jobim. El repertorio que trajo a Vitoria era de autoría de la propia Dora. Música que intenta buscar nuevos caminos sin apartarse de la tradición de la música popular brasileña, pero con un enfoque más pop, que acentuaron los tres músicos que la acompañaron, el guitarrista Guilherme Lirio, el bajista Guto Wirti y el batería Daniel Conceição. Voz agradable y melodiosa que gustó al público del Mendizorrotza, sin recordar que estamos en un festival de jazz. distritojazz-conciertos-jazz-Dee Dee Bridgewater (3) Conciertos Dee Dee Bridgewater Quartet: We Exist! En su tercera visita al Jazzaldia la cantante norteamericana Dee Dee Bridgewater se mostró más reivindicativa que nunca, con un concierto lleno de canciones de protesta y reivindicación. De todos los conciertos que he visto este año en la plaza de la Trinidad el de la cantante nacida en Memphis (Tennessee, EE.UU.) en 1950, este fue, sin duda, el mejor. Además, puso de manifiesto que ahora mismo es la mejor cantante de jazz que hay en la actualidad. Antes de comenzar su actuación Dee Dee Bridgewater recibió el premio Donostiako Jazzaldia (este año ese mismo galardón lo han recibido el guitarrista Marc Ribot y el batería Bill Bruford), ataviada con una pamela imposible. Bridgewater aprovechó momento para reivindicar el trabajo de «todas las mujeres y especialmente de las mujeres negras», así como su voluntad de enseñar a las mujeres artistas todo lo que sabe sobre la música, no sólo desde un punto de vista artístico sino también industrial. Ese carácter político y reivindicativo ya se aprecia desde el propio nombre de la banda que le acompaña, ‘We exist!’, que, obviamente, hace referencia al ‘We Insist!’ de Max Roach, pero llevándolo un paso más allá. Durante el concierto interpretó temas como ‘People Make The World Go Round’, de The Stylistics, ‘Tryin Times’, ‘Tiempos difíciles’ de Roberta Flack, ‘Mississippi Godman’ la canción que compuso Nina Simone tras el atentado de supremacistas blancos en 1963 en el que murieron 4 jóvenes negros y que le supuso a la cantante la censura de hecho a su música, y ‘Stranger fruit’ de Billie Holiday, de la que realizó una versión llena de dolor y patetismo. Y con Bridgewater estaba un cuarteto formado exclusivamente por mujeres, con Carmen Staaf al piano, Rosa Brunello al bajo y Shirazette Tinnin, a la batería, que respaldaron de forma magnífica a la cantante. La anécdota de la noche la protagonizó la cantante cuando en el bis subió al escenario con su perrito, un bichón maltés que no se inmuto ante la energía que en ese momento estaba su dueña, Esta es la primera vez, creo, o al menos en los últimos treinta y cinco años, que sube al escenario de la plaza de la Trinidad un animal no humano, que dicen ahora los ecololos.

TU JAZZ CON SABOR A CLUB.-.Kurt Elling & the Yellowjackets .-60º Jazzaldia.--48º Jazz Vitoria Gasteiz Toquinho & Yamandú Costa El cantante norteamericano Kurt Elling, una de las voces más destacadas del jazz actual, y el grupo Yellowjackets, una de las bandas de jazz fusión más importantes de la historia del jazz, han unido sus fuerzas para rendir homenaje a una de las bandas más icónicas del jazz fusión como fueron Weather Report. Sólo por recordar por si hay algún despistado en la sala: Weather Report fue fundado por el teclista austriaco Joe Zawinul y el saxofonista norteamericano Wayne Shorter, y a lo largo de su dilatada historia pasaron por la banda músicos de la talla de Jaco Pastorius, Miroslav Vitouš, Alphonse Mouzon, Don Alias, Airto Moreira, Alphonso Johnson, Leon ‘Ndugu’ Chancler, Chester Thompson, Alex Acuña, Manolo Badrena, Peter Erskine, Omar Hakim, Victor Bailey, Mino Cinélu, Steve Gadd y Tony Williams. Pura historia del jazz de los años setenta y ochenta. Y todo sin contar que su ‘ Black Market’ es uno de los mejores temas de jazz fusión de toda la historia del jazz. Kurt Elling and Yellowjackets, que eran el plato fuerte de la primera noche de los conciertos en la plaza de la Trinidad, tuvieron un enemigo inesperado, bueno no tanto, la lluvia. Y por muy aficionado al jazz que seas, es muy difícil lograr la complicidad de un público mojado hasta los huesos aunque este cubierto de un fino poncho de plástico. La propuesta del cantante y del grupo es un muy buen ejercicio de puro vocalese; esto es, poner letra a canciones que eran sólo instrumentales. Y de esta manera el repertorio de Weather Report se ve enriquecido tanto por las propias letras como por la estupenda voz de Elling. A lo largo de su actuación sonaron temas como ‘A Remark You Made’, ‘Three Views of a Secret’, ‘Continuum’ y, por supuesto, ‘Black Market’ que dejaron para el final. Yellowjackets se mostró como una banda que sabe acompañar muy bien a cantantes, como ya demostraron hace años en el mismo Jazzaldia pero acompañando a Bobby McFerrin en un concierto inolvidable, y que no desmerece en nada en sus interpretaciones a los originales. Lástima de lluvia que fue, al igual que en otras ediciones, un invitado desagradable durante toda la celebración del 60 Jazzaldia. Antonio Pecci, conocido mundialmente como Toquinho, forma parte de una generación de músicos, junto a Caetano Veloso, Chico Buarque y Gilberto Gil, que configuraron una nueva forma de entender el arte musical de su país. A lo largo de sus casi seis décadas de carrera, Toquinho, que comenzó sus estudios de guitarra con 14 años con el músico Paulinho Nogueira, ha experimentado y evolucionado hasta convertirse en un guitarrista y cantautor con personalidad propia. Sus más de 40 discos editados e innumerables giras mundiales le han convertido en un referente de la difusión de la bossa nova y el jazz tropical. Toquinho compartirá escenario con un compatriota suyo, considerado uno de los mayores talentos de la guitarra actual: Yamandu Costa. Hace dos años, el público del Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz fue testigo de su creatividad musical y su técnica absolutamente perfecta, con la guitarra de 7 cuerdas. Toquinho y Yamandu Costa colaboraron en el álbum Bachianinha, grabado en directo en el Festival de Jazz de Montreux, con el que ganaron el Latin Grammy 2021 a mejor álbum instrumental.

TU JAZZ CON SABOR A VERANO.-Sheila Jordan - Portrait of Sheila-JAZZACTUALIDAD.-60 Jazzaldia Marco Mezquida & Iñaki Salvador Dúo Portrait of Sheila es el álbum debut de 1963 de la cantante de jazz estadounidense Sheila Jordan , publicado por Blue Note Records . En la encuesta de la crítica de la revista DownBeat de 1963 , ocupó el primer puesto en la categoría vocal por "Talento que merece mayor reconocimiento". No volvió a grabar como líder durante más de doce años. Según las notas de la funda (escritas por Nat Hentoff ), Alfred Lion de Blue Note decidió grabar a Jordan después de escucharla cantar en el Page Three Club en Greenwich Village , Nueva York , a pesar de que el sello "tenía como política no grabar vocalistas de jazz antes". [ 4 ] [ 5 ] El cuarto tema del álbum, « Dat Dere », muestra la predilección de Jordan por los duetos de voz y bajo. Según la biógrafa Ellen Johnson (autora de Jazz Child: A Portrait of Sheila Jordan ), [ 6 ] Jordan originalmente quería dedicar Portrait of Sheila completamente al bajo y la voz, pero Blue Note rechazó la idea. El álbum recibió una calificación de cuatro estrellas de la revista Billboard en enero de 1963. [ 2 ] La Penguin Guide to Jazz seleccionó el álbum como parte de su "Core Collection" y le dio una calificación de cuatro estrellas (de un máximo de cuatro). [ 8 ] AllMusic le dio al álbum una calificación de cinco estrellas (de un máximo de cinco), con Scott Yanow escribiendo en su reseña: "Jordan suena bastante distintiva, de tono fresco y aventurera durante su cita clásica. Sus interpretaciones de 'Hum Drum Blues' de Oscar Brown, Jr. y 11 estándares (incluyendo ' Falling in Love With Love ', ' Dat Dere ', ' Baltimore Oriole ' y ' I'm a Fool to Want You ') son a la vez vibrantes y evocadoras". En las listas de "Álbumes del año" de AllMusic, Portrait of Sheila es nombrado como uno de los álbumes mejor calificados de 1963. El concierto Dichosos tributos es una celebración de la conexión entre dos pianistas excepcionales, el donostiarra Iñaki Salvador y el menorquín Marco Mezquida. Ambos se unen por primera vez en un diálogo musical para rendir homenaje a los grandes compositores y pianistas de la historia del Jazz, reinterpretando piezas emblemáticas que marcaron un hito en la evolución de este género, desde el ragtime hasta nuestros días. Iñaki y Marco construirán, deconstruirán y jugarán sobre canciones de Duke Ellington, Thelonious Monk, Bill Evans, Herbie Hancock o Keith Jarrett, además de creaciones propias, para ofrecer un espacio de escucha y libertad. Será una singular declaración de amor a los grandes compositores del Jazz, un compendio de tradición y modernidad, un diálogo entre composición e improvisación. Iñaki Salvador es una pieza clave en las últimas décadas de la música del País Vasco y sin duda uno de los representantes a nivel internacional más importantes de nuestro Jazz. Pianista, compositor, arreglista y profesor, realizó sus estudios de piano, armonía y composición bajo la dirección de maestros como los pianistas José Antonio Medina y Jesús González Alonso, o el compositor Francisco Escudero. Se formó de manera básicamente autodidacta en lo referido a la música moderna y el Jazz. Marco Mezquida es, aunque todavía no haya llegado a los 40 años de edad, uno de los músicos más recocidos en la escena musical de la península. Un artista destinado a conquistar cualquier escenario del mundo. Ecléctico y camaleónico, brillante como compositor, pianista, improvisador y director.

TU JAZZ CON SABOR A CLUB-CONCIERTOS DE VERANO-60 Jazzaldia Baskolombia-CONCIERTOS DE VERANO-48 Jazz Vitoria Gasteiz Al Di Meola Acoustic Trio Bascolombia, resultado de la unión de dos grupos, los vascos de Oreka TX y los colombianos de Phonoclórica. En este proyecto, fusionan respectivamente la música vasca y colombiana desde instrumentos de raíz similares y desde un punto de vista contemporáneo. En el año 2024 los txalapartaris de Oreka TX y el marimbista y líder de Phonoclórica Leonel Merchan realizaron una residencia artística para dar los primeros pasos del proyecto. En este momento, ambas bandas se encuentran inmersas en la creación de este directo. OREKA TX Harkaitz Mtez. de San Vicente (txalaparta de madera, piedra, bambú, bidón), Mikel Ugarte (txalaparta de madera, piedra, bambú, bidón), Mixel Ducau (alboka, clarinete de madera, saxo soprano), Ángel Unzu (guitarra), Iñigo Egia (percusión) 40 festival de jazz de Victoria 2025 Al Di Meola es uno de los grandes representantes de la fusión jazzística, en su caso con el rock y con las llamadas músicas del mundo, fruto de su interés por otras tradiciones musicales extrañas al ámbito occidental. Su dominio tanto de la guitarra eléctrica como de la acústica le ha mantenido en lo más alto de la escena del jazz a lo largo de una carrera de más de 50 años. 48 FESTIVAL DE JAZZ DE VITORIA 2025 Di Meola Cuenta con prestigiosos premios, innumerables giras mundiales, cuatro álbumes de oro, dos de platino y más de seis millones de discos vendidos en todo el mundo. Además, de acumular colaboraciones históricas con Chick Corea y Stanley Clarke en Return To Forever o una grabación memorable junto a John McLaughlin y Paco de Lucía.

TU JAZZ CON SABOR A VERANO.-.SEDAJAZZ KIDS BAND-RUMBO A NEW ORLEAN.-JAZZACTUALIDAD.-48..Jazz Vitoria Gasteiz Kenny Barron Trio Rumbo New Orleans Sedajazz Kids Band Precio: 10 € En esta nueva etapa de la Sedajazz Kids Band hemos profundizado en el leguaje New Orleans y el estilo Dixieland, un viaje en el tiempo a los inicios del jazz, un retorno a los locos años 20 ¡y tan locos!, un repertorio lleno del optimismo y la vitalidad que transmiten sus jóvenes y excelentes músicos. MUSICOS: Ximet Reillo_Saxo Soprano y Alto Luis Coronado_Saxo Alto Hugo Coronado_ Trompeta David Bonet_Trombón Azul Prada_Guitarra Pau Montalt_Bateria Pau Baena_Piano Fco. Angel Blanco "Latino"_Contrabajo y dirección Temas 1. Strasbourg/St. Denis (Roy Hargrove. Arr. F. Angel Blanco) 2. Tin roof blues. (New Orleans Rhythm Kings. Arr. Norry Paramor) 3. Moten swing (Buster & Bernie Moten. Arr. Peter Blair) 4. I found a new baby (Jack Palmer & Spencer Williams. Arr. Paul Severson) 5. St. James Infirmary (Joe Primrose. Arr. Paul Severson) 6. The Sheik of Araby (Ted Snyder. Arr. Paul Severson) 7. At the Jazz Band Ball (Larry Shields. Arr. Harry Gold) 8. Down by the Riverside (Tradicional. Arr. Paul Severson) 9. Basin Street Blues (Spencer Williams. Arr Gordon Goodwin) 10. Five Foot Two, Eyes of Blue (Ray Henderson. Arr. Paul Severson) 11. Mood Indigo (Duke Ellington. Arr. Roger Holmes) 12. Muskrat Ramble (Edward “Kid” Ory. Arr Sid Phillips) 13. After You’ve Gone (Creamer & Layton. Arr. Norry Paramor) -48..Jazz Vitoria Gasteiz Kenny Barron Trio También con una carrera larga y estable, Barron es un reconocido continuador del legado de Coltrane, Monk o Mingus. Con su impecable técnica y lirismo, es un maestro influyente del jazz straight-ahead post bop. Su precisión para interpretar cada nota y su gran cultura musical le confirman como una leyenda del jazz, que supone todo un lujo y privilegio disfrutarla en directo.

JAZZENELAIRE DE VERANO-HAPPY BAND SEDAJAZZ-ME SIENTO BIEN-JAZZACTUALIDAD.-936- 48º Festival de Jazz de Vitoria.-Jazzmeia Horn- I Feel Good Sedajazz Happy Band Precio: 12 € Una recopilación de arreglos de grandes éxitos de la historia de la música jazz, jamaicana, reggae, ska, soul y más, con un repertorio abierto a la improvisación. El objetivo es compartir esta experiencia pedagógica para que pueda servir de inspiración a otros niños, padres y educadores. La Sedajazz Happy Band es una jovencísima banda del taller Sedajazz compuesta por niños entre 7 y 13 años. Al igual que la Sedajazz Kids Band, son el alma de Sedajazz. Son formaciones infantiles que nacen de la inquietud del Colectivo de Músicos por despertar el amor a la música y potenciar el talento desde la base educativa. Con el único objetivo de disfrutar a través del aprendizaje, las niñas y niños de Sedajazz se han convertido en una referencia y un ejemplo a seguir debido a su curiosidad, motivación pura e ilusión contagiosa. Demostrando que las personas tenemos una predisposición natural hacia la música, Sedajazz reúne en un mismo círculo a niños de distintas edades que son capaces de comunicarse de forma individual a través de sus instrumentos y de formar parte de una unidad en la que todos encuentran su espacio. El atractivo del repertorio de la Happy Band de Sedajazz se basa en una recopilación de arreglos de grandes éxitos de la historia de la música jazz, jamaicana, reggae, ska, soul y más, con un repertorio abierto a la improvisación. Con el objetivo de compartir esta experiencia pedagógica para que pueda servir de inspiración a otros niños, padres y educadores, las bandas infantiles de Sedajazz visitan habitualmente distintas instituciones educativas, así como festivales infantiles en los que actúan con el único propósito de disfrutar de la música en sí misma. Músicos: Lilit Soria: Saxo Tenor y Flauta Eliana Vuldzhev: Saxo Alto y Flauta Lleo Garcia: Saxo Alto y Voz Leo Gomez: Saxo Soprano Laia Juste: Saxo Soprano Marti Garcia: Trompeta Pepa Todo: Trompeta Claudia Medrano: Trompeta Mauro Santabasilisa: Trompeta Bruno Jerez: Trompeta Pep Ballester: Trombón Adria Grau: Trombón Martin Amoros: Trombón Andreu Isona: Piano Esteban Ribera: Contrabajo Joan Miquel Diaz: Batería y Percusión Marco Machancoses: Batería y Percusión Fco. Blanco Latino: Contrabajo y Dirección Temas 1. Cha Cha Cha 02:36 2. Muppets Show 01:18 3. Soul Bossa Nova 04:43 4. I Feel Good 04:06 5. Halleluhaj I Love Her So 03:22 6. Tijuana Taxi 01:58 7. Limbo Jazz 03:14 8. Inside Out 05:11 9. Tequila Blues 04:57 Jazzmeia Horn, la cantante y compositora de jazz estadounidense de ascendencia africana que abrirá la velada, suma varios premios y reconocimientos, como el Concurso Internacional de Jazz del Thelonious Monk Institute o Rising Star Award de la Sarah Vaughan International Vocal Jazz Competition. Precisamente, ha sido comparada con legendarias voces como la de Vaughan, Betty Carter o Nancy Wilson, e incluso con Ella Fitzgerald por su dominio del scat. Jazzmeia Horn, nombre real que le puso su abuela paterna al nacer, ha sabido en poco tiempo catalizar y atraer la atención del público y, por supuesto, de la crítica.

JAZZENELAIRE DE VERANO.-VINILOS MITICOS DELJAZZ.-.CANNOVALL ADDERLEY-SOMETHIN´ELSE.-JAZZACTUALIDAD.GUILLERMO MCGUILL-LA DANZA DE UN ANGEL omethin' Else es un álbum del músico de jazz estadounidense Julian "Cannonball" Adderley editado en 1958. La composición que da título al disco es de Miles Davis y la grabación es notable asimismo, entre otras cosas, por ser una de las pocas realizadas por Davis para Blue Note Records. The Penguin Guide to Jazz incluye esta grabación en su lista "Core Collection".[1]​ Además de Adderley y Davis, colaboran Art Blakey, Hank Jones y Sam Jones. Lista de temas "Autumn Leaves" (Joseph Kosma) – 11:01 "Love for Sale" (Cole Porter) – 7:06 "Somethin' Else" (Miles Davis) – 8:15 "One for Daddy-O" (Nat Adderley, Sam Jones) – 8:26 "Dancing in the Dark" (Arthur Schwartz) – 4:07 "Bangoon" (también conocido como "Alison's Uncle") (Hank Jones) – 5:05 (no incluido en el álbum original) Personal Cannonball Adderley - saxo alto Miles Davis - trompeta Hank Jones - piano Sam Jones - contrabajo Art Blakey - batería Guillermo McGill: La danza de un ángel Escribir que el batería Guillermo McGill es uno de los mejores jazzman españoles es un lugar común. Su dilatada trayectoria así lo atestigua, no ya sólo como músico sino también como profesor. De este músico nacido en Montevideo (Uruguay) en 1965 se puede decir que gracias a su labor docente y pedagógica en el centro Musikene de San Sebastián (Guipúzcoa) se ha convertido en algo así como un líder espiritual de los nuevos baterías de jazz españoles. Por si alguien anda despistado sólo una breve nota profesional de este hombre: fue miembro del trío del pianista Chano Domínguez junto con el contrabajista Javier Colina. Sin duda uno de los mejores tríos de jazz de España y todo un referente en el jazz flamenco. Después de ocho años de silencio discográfico como líder de sus propias formaciones Guillermo McGill vuelve con un nuevo disco; ‘La danza de un ángel’, un álbum que recoge ocho temas originales del batería. En este nuevo disco Guillermo McGill expone muchas ideas y no menos sentimientos. Hay homenajes, como en ‘Alguna tarde bella más’, dedicada a su madre fallecida en el 2017 A.D.; recuerdos a viejos amigos como el trompetista Kenny Wheeler quien inspira ‘Dulce fortaleza’; miradas al pasado como ‘Cánticos de éxtasis’, un preciosos tema que abre el disco y que está basado en la obra de la santa Hildegard von Bingen, y, por supuesto, el flamenco con ‘Seguiriya azul’. Para esta ocasión McGill ha reunido un ecléctico grupo de músicos de procedencias bastante dispares. De esta manera está el saxofonista británico Julián Argüelles, quien estuvo con el batería en ‘Los sueños y el tiempo (desde María Zambrano)’; el guitarrista Álvaro del Valle, el pianista sevillano Chiqui Cienfuegos y la contrabajista israelí Gal Maestro, hermana del pianista Shai, que en la actualidad vive en Sevilla, donde también reside el artista de origen uruguayo. ‘La danza de un ángel’ de Guillermo McGill es un disco para escuchar sin prisas.

8 FESTIVAL JAZZCADI.-HAROLD LOPEZ NUSSSA TRIO-ARIEL BRINGUEZ.-RITA PAYES 26/07/2025 - 21:30 Baluarte de Candelaria Concierto doble Ariel Brínguez Quintet "Latidos" Ariel Brínguez - Saxos, composiciones Javier Sánchez - Guitarra Marcos Cavaleiro - Batería Reinier Elizarde - Contrabajo Iñigo Ruiz de Gordejuela - Piano Ariel Brínguez presenta su nuevo álbum, Latidos (Cezane, 2024), el cuarto disco de estudio con la firma del saxofonista cubano y tercero grabado en España; después de Raíces en Colores (Colibrí, 2008), Nostalgia Cubana (Cezane, 2016) y el magnífico Experience (Cezane, 2017). Latidos es una oda al nacimiento, donde queda constancia del amor que se revela siendo testigos del acto de la vida, como principio de todas las cosas, de la transformación que genera ese sentimiento que abre las puertas a un nivel emocional y en conjunción con el universo. Son un grupo de canciones que reflejan todas esas emociones desde diferentes ángulos y perspectivas en el proceso que transcurre desdeel nacimiento hasta la primera infancia. Una música conmovedora y brillante que contiene reminiscencias de nanas afrocubanas y que, como en discos anteriores, combina la herencia musical de compositores de su país —como Eliseo Grenet y Ernesto Lecuona— con el folclore cubano y la sonoridad del saxo de la tradición moderna del jazz. Destacar temas como “Almah shalon”, “Nana de Ananda”, “Orún”, la tranquila belleza de “Nana de Llum” y “Gratitud”, el corte que cierra el álbum. Ariel Brínguez (Santa Clara, Cuba 1982) ha tocado con músicos de la talla de: Tata Güines, Changuito Quintana, Larry Willis, Simply Red, Alain Pérez, Niña Pastori, Ketama, Paquito D’Rivera, David Murray, Omara Portuondo, así como Miguel Zenón y Marcus Miller entre muchos otros. Más que un saxofonista virtuoso, Brínguez posee un sonido y un fraseo personal y único, así como un universo compositivo fresco, filosófico y sofisticado. Su fácil y profunda comodidad en el escenario y su capacidad de comunicación con la banda y el público supera las expectativas. 26/07/2025 - 23:00 Baluarte de Candelaria Concierto doble Harold López-Nussa Trío Harold Lopez-Nussa - Piano Yasser Pino - Contrabajo Ruy Lopez-Nussa - Batería Nacido en La Habana, Cuba, el prodigioso compositor y virtuoso pianista Harold López-Nussa se ha hecho un nombre en el mundo del jazz y más allá en las dos últimas décadas, desde que ganó el prestigioso Concurso de Jazz de Montreux en 2005. Con su hermano, el baterista y percusionista Ruy Adrían López-Nussa, el unido trío de Harold cautiva al público con una vivacidad implacable que «tiende puentes entre generaciones y géneros», según la y géneros», según la revista Billboard. Su música refleja toda la gama y riqueza de la música cubana, con su distintiva de elementos clásicos, folclóricos y populares, así como su adopción del jazz la improvisación. El resultado palpita con la sangre que corre por las calles de La Habana. La Habana, y su historia personal -su salida de Cuba- con sentida emoción y extraordinaria habilidad pianística que trasciende el jazz latino. Harold está «en la vanguardia de una nueva generación de músicos» y posee «un sutil ideas brillantes y un estilo musical único». Chucho Valdés López-Nussa ha publicado nueve aclamados álbumes y ha cautivado al público de todo el mundo con sus emocionantes actuaciones en lugares de renombre. mundo con sus emocionantes actuaciones en salas y festivales de jazz de renombre, como The Kennedy Center y el SFJAZZ Center, así como en algunos de los mejores festivales de jazz del mundo, como Newport, Mar del Norte… 27/07/2025 - 22:00 Baluarte de Candelaria Quinteto Rita Payés "De camino al camino" Rita Payés - Voz, trombón, composición Pol Battle - Guitarra Juan Berbín - Batería Horacio Fumero - Contrabajo Elisabeth Roma - Guitarra Rita Payés presenta su tercer álbum, “De Camino al Camino”, una obra que se sumerge en la búsqueda de la belleza en las cosas cotidianas. Un testimonio de las raíces que nos conectan con nuestro origen y nos enlazan para seguir avanzando, una variada amalgama de estilos e influencias bajo un único hilo conductor: un camino. Con una propuesta artística consolidada, y respaldada por reconocidos talentos, extendemos una cordial invitación para que, a paso de hormiguita, nos acompañen a lo largo de este viaje musical donde la emoción, la maestría y la conexión con las raíces, convergen de manera magistral. SOBRE RITA PAYÉS Hija de músicos, Rita Payés es uno más de los talentos emergentes de la Sant Andreu Jazz Band, núcleo de donde han salido algunos de los más prometedores jóvenes músicos de la escena jazzística, como Andrea Motis, Èlia Bastida o Magalí Datzira. Debutó con Joan Chamorro, su mentor, en el mundo discográfico cuando la trombonista publicó Imagina (Autoeditado, 2019). Después, con su primer trabajo en solitario, Como la piel, (Autoeditado, 2021), la artista dio comienzo a su proyección internacional. Un disco construido a partir de temas propios, con el jazz predominante, y con influencias del bolero, bossa nova, música clásica y popular. Canciones como “Algo contigo” van por el camino de los 52M de reproducciones en Spotify y el video “Nunca vas a comprender” cerca de los 7M de reproducciones en Youtube, que se suman a sus más de 1,3M de oyentes mensuales. Su reciente paso por México y Colombia confirmaron su alcance internacional, sobre todo en el continente americano, donde se encuentra una legión de seguidores que agotaron las entradas en el Teatro El Cantoral de Ciudad de México y en el festival Jazzalparque de Bogotá. El artista también recibe una acogida masiva en España donde ha agotado entradas, con semanas de antelación, en la Sala Eslava de Madrid, Sala Parallel 62, Teatro Grec de Barcelona, Lope de Vega de Sevilla, etc. Además, ha colaborado también en directo con multitud de artistas como C. Tangana, Silvana Estrada, Salvador Sobral, Kiko Veneno, Silvia Pérez Cruz… Su talento no pasó desapercibido por C. Tangana, quién se enamoró de su música. El Madrileño, uno de los artistas más cotizados del momento, admitió a través de las redes sociales que la música de Rita Payés fue una de sus principales influencias en la composición de “Comerte entera”, pieza musical de aires brasileños en que el artista contó con la colaboración de Toquinho. Poco después, Rita Payés recibió una llamada de Tangana y juntos deslumbraban también en los Premios Goya 2022 con una actuación conjunta en la que interpretaron “Te venero”, un tema hasta entonces inédito. A partir de ahí, Rita forma parte también de la gira del artista madrileño “Sin Cantar ni Afinar Tour”. Más recientemente, Rita Payés ha sido una de las voces escogidas para colaborar con Jon Batiste en su nuevo disco. El cinco veces ganador de los Grammy publicó recientemente su nuevo álbum titulado World Music Radio, que incluye el tema conjunto “My heart” junto a la trombonista catalana. Payés no es el único artista que ha firmado una colaboración con el prestigioso músico de Nueva Orleans. También tienen un papel destacado nombres como Lana del Rey, Lil Wayne, Kenny G o Camilo. 2024 será el año en el que Rita Payés, con la publicación de su tercer álbum de estudio, seguirá avanzando en lo que es una de las carreras artísticas con mayor proyección, elegancia y estilo propio. Otras colaboraciones de Rita Payés a lo largo de su carrera: Jimmy Cobb, Louis Hayes, Scott Robinson, Scott Hamilton, Joan Chamorro, Andrea Motis, Ignasi Terraza, Esteve Pi, Josep Traver, Maria Schneider, MARO, Sílvia Pérez Cruz, Jon Batiste, Silvana Estrada, Pedro Guerra, Oques Grasses, Daniel, Me Estás Matando, Lucía Fumero, Pol Batlle, WDR Big Band, Scott Hamilton, Nicola Barbon, Bobo Facchinetti, Martín Leiton, Dick Oatts, Scott Robinson, Toni Belenguer, Toni Vaquer, Enrique Oliver, entre otros.

JAZZ ENELAIRE EN VERANO.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-Lee Morgan - 1960 - Here's Lee Morgan - .-JAZZACTUALIDAD.-MARC MIRALTA-FLAMENCO VIBES "Here's Lee Morgan" es un álbum del trompetista de jazz Lee Morgan , publicado originalmente por el sello Vee-Jay . Se grabó el 8 de febrero de 1960 e incluye actuaciones de Morgan con Clifford Jordan , Wynton Kelly , Paul Chambers y Art Blakey . Recepción La reseña de Allmusic de Scott Yanow le otorgó al álbum 4 estrellas: "La música es un hard bop sólido y bueno que muestra a Lee Morgan (ya un veterano a sus 21 años) saliendo de la tradición de Clifford Brown para mostrar su propio estilo en rápida evolución. Junto con Clifford Jordan (tenor), el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Art Blakey, el álbum de Morgan podría pasar por un set de Jazz Messengers". "Terrible "T"" (Morgan) - 5:17 "Mogie" (Morgan) - 7:42 " Soy un tonto por quererte " ( Herron , Sinatra , Wolf ) - 5:36 "Running Brook" ( Más corto ) - 6:03 "Off Spring" ( Jackson ) - 6:13 "Bess" (Morgan) - 6:23 "Terrible "T"" [Toma 7] (Morgan) - 5:42 Pista extra en la reedición del CD "Terrible "T"" [Toma 6] (Morgan) - 6:53 Pista extra en la reedición del CD "Mogie" [Toma 2] (Morgan) - 7:25 Pista extra en la reedición del CD "Mogie" [Take 1 Mono] (Morgan) - 7:31 Pista extra en la reedición del CD "Soy un tonto por quererte" [Toma 1] (Herron, Sinatra, Wolf) - 5:54 Pista extra en la reedición del CD "Soy un tonto por quererte" [Toma 2] (Herron, Sinatra, Wolf) - 5:43 "Running Brook" [Toma 9] (Más corta) - 6:16 Pista extra en la reedición del CD "Running Brook" [Toma 4] (Más corta) - 6:50 Pista extra en la reedición del CD "Off Spring" [Toma 7] (Jackson) - 6:39 Pista extra en la reedición del CD "Bess" [Toma 3] (Morgan) - 6:38 Pista extra en la reedición del CD Grabado en Bell Sound Studio B , Nueva York, el 8 de febrero de 1960 El batería catalán Marc Miralta es una de las figuras más destacadas del jazz que se hace en España y uno de los referentes ineludibles en eso que hemos dado en llamar jazz flamenco (¿o era flamenco jazz?). Esa preeminencia en los sonidos del jazz flamenco se pone de manifiesto en «Flamenco vibes», su más reciente disco y donde abandona la batería para ponerse detrás del vibráfono. Si no estoy equivocado y mi memoria no me falla (estaré equivocado y mi memoria me fallará) este es el primer disco de jazz flamenco donde el vibráfono, uno de los instrumentos que más nos gusta por su cálido, agradable y evocador sonido, asume el papel de protagonista. «Flamenco vibes» lo componen nueve temas agrupados en seis registros. Hay tres grabaciones que recogen sólo un tema, como la estupenda «Tangos irreversibles», una notable versión en ritmo de soleá por bulería del clásico «Body & Soul» y la pieza que da título al disco. Por otro lado, Marc Miralta hay agrupado un conjunto de composiciones propias en tres tomas en plan «tune sándwich». De esta manera aparecen «Bluseguillas/Camí del bosc/Blueseguillas», «Embalada/Junto a las estrellas» y «Ara sí!/Tanguillos del medio/Ara sí!». En la muy buena marcha de este «Flamenco vibes» hay que mencionar al formidable grupo que acompaña a Miralta. En la guitarra flamenca está Pau Figueres, donde se muestra por momentos deslumbrante y más que haber nacido en Barcelona parece recién llegado de Jerez o de Sanlúcar; el contrabajista Manel Fortià aporta ritmo y solidez, mientras que Arnau Figueres desborda contundencia en la percusión. De Miralta sólo se puede decir que está brillante y magnífico en el vibráfono. Como habrás podido observar se trata de cuatro catalanes que están imbuidos de flamenco. Como para que después venga algún imbécil con eso de la apropiación cultural y tal. Aunque puede que a Silvia le estalle la cabeza. Con «Flamenco vibes» Marc Miralta y sus colegas demuestran la grandeza y la apertura de fronteras del jazz flamenco (o del flamenco jazz).

JAZZENELAIRE EN VERANO.-16 FESTIVAL BAHIA JAZZ PUERTO DE SANTA MARIA.-JAZZACTUALIDAD.-MARTA SANCHEZ-PERPETUAL VOID Jueves 10 de julio THE MESSTHETICS AND JAMES BRANDON LEWIS JAMES BRADON LEWIS, saxo tenor. ANTHONY PIROG, guitarra. JOE LALLY, bajo. BRENDAN CANTY, batería. El carismático saxofonista y compositor James Brandon Lewis es el músico del momento en el amplio campo del jazz contemporáneo. Su debut "Molecular", que Lewis grabó con su cuarteto en 2020, solo unos meses antes del confinamiento, fue aclamado rotundamente como uno de los lanzamientos más emocionantes de ese año. Brandon Lewis es un activista de la música y un consagrado jazzman en constante búsqueda del desafío sonoro. The Messthetics son un trío instrumental que tiene en su formación a dos miembros de uno de los grupos que cambió el punk para siempre - Fugazi - ya que se abrieron a otros géneros y sobre todo a otras sensaciones. La banda tiene un sonido de jazz con actitud y sin prejuicios, con energía y tiempos de 4x4. Con Brandon Lewis han conformado el matrimonio perfecto, una amalgama de creatividades vívidas que se respetan y se quieren. Entre las referencias que afloran se escuchan ecos al ambiente que suele proponer Marc Ribot, o al espíritu de John Zorn. Viernes 11 de julio JIMMY WEINSTEIN'S TENOR QUARTET JIMMY WEINSTEIN, batería. CHRIS CHEEK, saxo tenor. MATT RENZI, saxo tenor. JAVIER DELGADO, contrabajo. La inusual instrumentación de este cuarteto, compuesto por dos saxos tenores, contrabajo y batería, surge de la idea de crear una formación que, al prescindir de un instrumento armónico, amplíe el espacio sonoro y otorgue mayor libertad a los solistas, sin perder la esencia de composiciones que han resistido la prueba del tiempo. El concepto detrás de esta propuesta es superponer este enfoque a un repertorio profundamente armónico, en el que resuenan melodías más antiguas y quizás menos conocidas. Estándares ya casi olvidados, como "I Won’t Dance" y "South of the Border", son ejemplos de piezas que encajan perfectamente con este cuarteto recién formado. La interacción entre la estructura y la espontaneidad crea una nueva perspectiva sobre melodías atemporales, logrando un equilibrio entre tradición e innovación. El grupo fue concebido por el baterista Jimmy Weinstein, cuya colaboración con los saxofonistas Chris Cheek y Matt Renzi se remonta a principios de la década de 1990, habiendo realizado una gran cantidad de giras y grabaciones a lo largo de los años. Weinstein también ha trabajado extensamente con el bajista Javier Delgado en varias formaciones, incluido su trío que realizó giras con la leyenda del jazz Sheila Jordan. Sábado 12 de julio MARC COPLAND PIANO SOLO MARC COPLAND, piano. Marc Copland es actualmente uno de los pianistas más valorados en el mundo del jazz por críticos y audiencia. Su estilo introspectivo y la innovadora generación de atmosferas hipnóticas, su recorrido por subgéneros varios, incluido el free jazz en sus comienzos, y su trayectoria de colaboración con músicos consagrados y también con nuevas promesas, lo convierten en un referente indispensable para aquellos adeptos de oído inquieto. El norteamericano, que empezó su carrera en el jazz como saxofonista, ha sido compañero de ruta de nombres de peso como John Abercrombie, Michael Brecker y Gary Peacok y entre sus influencias se encuentran Bill Evans y Hervie Hancock. Sus grabaciones en solo piano son exploraciones imprescindibles que incorporan elementos de música clásica, reflexiones literarias y un sofisticado trabajo de los espacios y los silencios. No se trata solo de un músico, sino de un pintor, un poeta, un narrador de historias sin palabras, capaz de cambiar la atmosfera de una sala con una balada y provocar un estado de trance en la audiencia. Marta Sánchez – Perpetual Void Marta Sánchez, pianista española afincada en Nueva York, debuta en Intakt Records con «Perpetual Void» un disco en el que le acompañan Savannah Harris a la batería y Chris Tordini en el contrabajo. Mucho más enérgico y abierto en las formas que en su anterior SAAM, en el que dominaba una personalísima introspección, aquí Sánchez busca el desarrollo último de las formas, de modo que se expanden desde temas más o menos abstractos a diálogos entre batería y contrabajo, piano y batería, contrabajo y piano, en frases que como apunta menciona Lauren du Graf en las notas del álbum, facilita que «la voz de Sánchez se destaque con claridad cinematográfica, con suficiente espacio para que interactúe con su sección rítmica, lo cual hace con libertad y sensibilidad». Como en gran parte de su producción musical, este «Perpetual Void» entra de lleno en el jazz de vanguardia, el del oído con cierto gusto por la ligera atonalidad de los caminos inexplorados, por ese casi salto al vacío que aquí de alguna manera se contiene…hasta el último momento. La voz de Marta Sánchez, compositora de los diez temas de este álbum, es de una elegancia sobrenatural como si estuviera por encima del propio acto de tocar en un aquí y un ahora, oscilando entre lo percursivo y lo etéreo sin esfuerzo y conectando con la sección rítmica sin pensar en «tener que hacerlo». En definitiva, un disco de piano que huye de lo obvio, pero también de la sofisticación cerebral «no matter what» destinada a unos pocos.

STANDARS SEMANAL.-.Blue in Green.-VINILO DE VERANO.-HELEN HUMES-SONGS I LIKE TO SING.-JAZZACTUALIDAD VERANO.-ABE RABADE-TEMPO DE COR Título: Songs I Like to Sing! Músico: Helen Humes. Acompañantes: Marty Paich (arrg); Bill Hood (sb); Leroy Vinnegar (b); Eleanor Slatkin (cello); Art Pepper (sa & cl); Shelly Manne (dm); Barney Kessel (g); Andre Previn (p); Ben Webster & Teddy Edwards (st); Bob Fitzpatrick & Harry Betts (tb); Al Porcino, Jack Sheldon, Ray Triscari & Stu Williamson (tp); Alvin Dinkin (viola) y James Getzoff & Joseph Stepansky (violin). Fecha de Grabación: 1960. Lugar de Grabación: New Jersey. Sello Discográfico: Contemporary. Nº de temas: 13. Formato: CD. Número de serie: OJCCD-171-2 (S 7582). Instrumento: Voz. Estilo: Jazz vocal. Año de Edición: 1981. Duración: 45:11. Calificación: 4*/2. Comentario: Probablemente este «Songs I Like to Sing» sea el mejor álbum de la carrera profesional de la extraordinaria cantante Helen Humes. Grabado en 1960 para el selecto sello «Contemporary», Helen Humes está en la cima de su creatividad y los magníficos arreglos de Marty Paich ayudan enormemente al éxito de la session. Estamos en uno de los momentos culminantes de la carrera de Helen Humes, este set contemporáneo (reeditado en CD) incluye canciones de calidad superior, un acompañamiento magnífico y arreglos muy adecuados y con ritmo de Marty Paich. Las versiones de Humes de «If I Could Be With You», «You’re Driving Me Crazy» y «Million Dollar Secret», en particular, son definitivas. En cuatro canciones, cuenta con el acompañamiento del gran tenor Ben Webster, una sección rítmica y un cuarteto de cuerda; en los demás números, la acompaña una banda de 14 músicos que incluye a Webster y Teddy Edwards en los tenores, junto con el saxo alto Art Pepper. Este clásico es imprescindible y demuestra lo atractiva que podía ser Helen Humes como cantante. Imprescindible. Abe Rábade: Tempo de cor Del pianista gallego Abe Rábade (Santiago de Compostela, La Coruña. 1977) se puede decir que es de los pocos jazzman, ya no sólo gallegos, sino españoles, que tiene una discografía digna de tal nombre. ‘Tempo de Cor’ (Tiempo de color) hace el decimosexto de su carrera, junto a su sección rítmica habitual; Pablo Martín Caminero al contrabajo y Bruno Pedroso a la batería. De este trío puede decirse que es verdaderamente peninsular, ya que hay un gallego, un vasco y un portugués. Este disco llega poco después de la aparición de ‘Americana’ junto con el guitarrista serbio Rale Micic. En este nuevo disco el pianista santiagués se adentra en un nuevo territorio. Perdóneseme de antemano la pedantería, pero esta es una música kantiana, por así decir. Es decir, el proceso de creación de las siete canciones ha estado sometida, no a la imaginación creadora, sino al entendimiento legislativo. O sea, en la medida en que es una música sinestésica, y en buena medida ‘performativa’, pues de lo que se trata de mostrar que tipo de sensaciones, sentimientos e ideas le producen siete colores (naranja, rojo, amarillo, verde, azul, púrpura y blanco), entiendo que Rábade se ha visto, de alguna manera, constreñido a unos cierto límites creativos. El que es una música ‘performativa’ lo avala el hecho de que para este proyecto ha trabajado conjuntamente con la artista plástica Beatriz Sáa y que en sus nuevos directos para presentar este disco se ve acompañado de imágenes que muestran, de manera creativa, esos colores. En la música que suena en ‘Tempo de Cor’ está todo Abe Rábade y su trío, esto es, desde el neo bop más estricto hasta los apuntes flamencos (no hay que olvidar que Pablo Martín Caminero es uno de los más destacados intérpretes de jazz flamenco de la actualidad) pasando por las influencias de la música tradicional gallega.

STANDAR SEMANAL.-Azul en Verde.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-thelonious monje - genio de la música moderna VOL.2.-JAZZACTUALIDAD.-BLAU SALVATGE-HIRAETH Título: Genius Of Modern Music, Vol2 Músico: Monk, Thelonious. Acompañantes: Sahib Shihab Fecha de Grabación: 1951-52 Lugar de Grabación: New York Sello Discográfico: Blue Note Nº de temas: 18 Formato: CD Instrumento: Piano Estilo: bebop Nº de Serie: CDP 7 81511 2 Año de Edición: 1989 Duración: 0:59:23 Caliicación: 5* Comentario: En el segundo volumen de estas sesiones históricas grabadas para la Blue Note, estan expresados los primeros manifiestos de un Thelonious Monk, ya totalmente maduro con las ideas claras para tocar el mejor bebop de su tiempo y componiendo algunas de sus más célebres grabaciones. imprescindible. HIRAETH' es una reflexión profunda sobre el sentimiento de pertenencia y el contraste con el desarraigo. ¿Qué define nuestra identidad? ¿Es el lugar donde nacemos, abandonarlo o vivir en un constante tráfico sin establecer raíces en ninguna parte? El título del álbum proviene del galés medieval y describe un anhelo emocional por un hogar, real o imaginario; un espacio que quizás nunca ha existido, pero que se percibe como un refugio esencial para el alma. Esta idea toma forma a través de dos canciones interpretadas por dos voces invitadas excepcionales. En 'Vou veri vou', la mallorquina Júlia Colom canta una dulce nana a un recién nacido, mientras que en 'Non falta niente', Francesca Gaza (IT/DE) le dedica una despedida a una hija que deja el hogar. Además de estas colaboraciones, el álbum cuenta con la presencia única de Mike Maurer en el Alphorn y Nayan Stalder en el Hackbrett, dos instrumentos tradicionales suizos que añaden texturas y colores únicos a la música de Blau Salvatge. Un detalle especial del álbum es la canción 'A Childish Tantrum', una especie de suite construida a partir de las canciones infantiles más significativas de cada uno de los siete miembros del grupo. A lo largo de la pieza, se pueden escuchar fragmentos de estas melodías, algunas tan transformadas que resultan casi irreconocibles, creando así un collage sonoro lleno de nostalgia y emoción. La sorprendente sonoridad de Blau Salvaje, escrita por Joan Pérez-Villegas, ha encontrado al mejor aliado en Adrià Serrano, en el control de sonido. Juntos han logrado capturar la esencia de los músicos y de sus composiciones, convirtiendo cada pieza en un relato sonoro que atrapa al oyente desde el primer acuerdo. Las ilustraciones de la portada y del single, creadas por Paula Solà, son cianotipias elaboradas directamente en la costa mallorquina. un baño con té negro, consiguiendo así una estética cálida y evocadora. El octeto Blau Salvatge se mueve como un caleidoscopio musical, fusionando estilos con creatividad y originalidad. Su música combina jazz, música contemporánea, clásica y folclórica de una forma única, tejiendo un universo sonoro rico y lleno de matices. La diversidad cultural de sus miembros -provenientes de España, Alemania, América y Suiza- contribuye a esta paleta sonora vibrante y cosmopolita. La idea de un octeto que trascendiera fronteras musicales nació de Joan Pérez-Villegas durante sus estudios de grado en la ESMUC (Barcelona), donde se grabó el primer LP del grupo. El proyecto tomó una nueva forma en 2020, durante el máster de Juan en la HKB (Berna), consolidándose en su formación actual. Con un trayecto que incluye actuaciones en el Festival Emergentes de L'Auditori, el Festival de Jazz de Granollers, el BeJazz Winter Festival, el Jazzclub Aarau y varias giras por Suiza, Blau Salvatge se lanza ahora a una nueva aventura: la grabación de su segundo trabajo discográfico, 'HIRAETH'. Créditos técnicos: Joan Pérez-Villegas, composición y vibráfono. Zoë Gordon, violín. Nancy Meier, flauta. Paula Häni, clarinete. Felix Grandjean, trompeta. Pere Molines, trombón. Tabea Kind, contrabaix. Nicolas Bianco, batería. Júlia Colom, venga, voy a mirarlo. Francesca Gaza, ver 'No falta nada'. Mike Maurer, del maíz alpino a 'Una rabieta infantil'. Nayan Stalder, dulcimer al son de 'Ya veré, ya veré'. Técnico de sonido, mezcla y mastering: Adrià Serrano. Grabado en Groovefactory Berna (Suiza). Portada: Paula Solà. Fotos: Pablo Bueno i Magalí Datzira. Joan Pérez-Villegas inició sus estudios de percusión a los ocho años en el Conservatorio de Música y Danza de Palma. Atraído por la efervescencia cultural de Barcelona, ​​se especializó en percusión clásica y contemporánea en ESMUC, donde amplió sus horizontes hacia otros géneros como el jazz y la música tradicional, así como disciplinas como la composición y la improvisación. Esta inquietud le llevó a cursar un máster en composición jazz en la HKB de Berna, donde trabajó con figuras de prestigio como Martin Streule, Django Bates y Stefan Schultze. En 2024, fue galardonado con el segundo premio de Futuros Utópicos del Mediterráneo, junto con la bailarina Anamaria Klajnšček, en un certamen organizado por la Universidad de las Islas Baleares (UIB). Como compositor, ha recibido varios reconocimientos, como el primer premio en el KUG Jazz Comp 2021 por su obra 'The Properties of Rubber' y el premio Ruta del Jazz de Nube por el disco 'Azul Salvaje' (2020). Sus obras han sido estrenadas en espacios de prestigio como el Palacio de la Música Catalana o el Paraninfo de la UB, y se han convertido en parte del repertorio europeo y estadounidense, siendo interpretadas en toda Europa y Estados Unidos. A lo largo de su trayectoria, Joan Pérez-Villegas ha formado parte de proyectos muy diversos, desde música de cámara y sinfónica hasta orquestas de jazz, música para danza y teatro, pop y música tradicional. Ha tocado como académico en la Orquesta Sinfónica de las Islas Baleares y ha actuado en festivales internacionales como el SICMF 2016 (Sudáfrica) y el Cistermúsica 2016 (Portugal) con el dúo de percusión Face Two Phase, con el que ganó el primer premio de la 4ª edición C de Alcobaça, Portugal). Actualmente, Pérez-Villegas trabaja como compositor, músico y productor freelance, a la vez que impulsa sus propios proyectos, destacando Alanaire y Blau Salvatge.

STANDAR SEMANAL.-¿Qué es esta cosa llamada amor?-VINILOS MÍTICOS DEL JAZZ.-JACKIE MCLAN-Que suene la libertad.-JAZZACTUALIDAD.-BIEL HAEPER-OCELL Let Freedom Ring es un álbum delsaxofonista de jazz estadounidense Jackie McLean , grabado en 1962 y lanzado por elsello Blue Note . Presenta a McLean en un cuarteto con el pianista Walter Davis Jr. , el bajista Herbie Lewis y el baterista Billy Higgins . McLean escribió tres de las cuatro composiciones. "Melody for Melonae" está dedicada a su hija (al igual que una composición anterior, "Little Melonae") y apareció como "Melanie" en Matador , una grabación posterior que realizó con Kenny Dorham . La interpretación a ritmo más lento de Let Freedom Ring fue la primera ocasión en que McLean usó "gritos provocativos en el registro agudo". "Rene" y "Omega" son piezas relacionadas con el blues; la primera con una estructura y armonías estándar de doce compases , la segunda más abstracta y modal . El único tema que no es de McLean es la balada de Bud Powell , "I'll Keep Loving You". La reseña de AllMusic de Steve Huey le otorgó al álbum 5 estrellas y declaró: «El éxito de Let Freedom Ring allanó el camino para que una cosecha excepcional de otros innovadores modernistas se unieran a la lista de Blue Note y, artísticamente, sigue siendo, junto con One Step Beyond , la obra maestra de McLean». La Guía Penguin del Jazz le otorga a Let Freedom Ring cuatro de cuatro estrellas e incluye el álbum en una selecta «Colección Principal». "Melodía para Melonae" - 13:24 "Seguiré amándote" ( Bud Powell ) - 6:18 "René" - 10:03 "Omega" - 8:31 Personal Jackie McLean — saxofón alto Walter Davis, Jr. — piano Herbie Lewis — bajo Billy Higgins — batería 'Pájaro' es el nuevo disco del joven pianista y compositor Biel Harper, una obra nacida del deseo de compartir la esencia intangible de la música, tan lógica como abstracta. El cuarteto que acompaña a Biel Harper en esta aventura cuenta con el lirismo de Álvaro Ocón en la trompeta, la profundidad de Tabea Kind en el contrabajo y el groove inconfundible de Lucas Zibulski en la batería. Juntos, llenan las composiciones de Biel Harper de una rica paleta de matices, colores y texturas sonoras. "Compartir música con amigos a los que admiras y amas, y saber que encontrarán su espacio entre tus notas, es un placer difícil de expresar con palabras. Es como escuchar por primera vez algo que has descubierto, y ver cómo evoluciona y se transforma en algo nuevo, a la vez conocido y misterioso". Este proceso creativo es el que da forma a este disco: una grabación realizada en un único día, todos juntos en la misma sala, con tomas únicas y llenas de improvisación y decisiones espontáneas. El álbum se compone íntegramente de música original, pensada para ofrecer la máxima libertad a los músicos, con momentos de intensidad rítmica, melodías con aires folclóricos, canciones y libre improvisación. Datos técnicos: Biel Harper, piano, composiciones y producción Tabea Kind, contrabaix. Álvaro Ocón, trompeta. Lucas Zibulski, batería. Biel Harper (Barcelona, ​​1999) se graduó en Piano Jazz en el Conservatorio Superior del Liceo en 2021, donde estudió con maestros de prestigio como Marco Mezquida, Bill McHenry y Roger Mas, entre otros. Actualmente, está finalizando un máster en Interpretación y Composición en la prestigiosa escuela Jazz Campus de Basilea (Suiza). En este período, ha tenido la oportunidad de aprender de figuras de referencia del jazz mundial, como Shai Maestro, Aaron Parks y Kit Downs en piano, y Guillermo Klein en composición. Además, ha compartido experiencias de cerca con músicos de primer nivel como Larry Grenadier, Jorge Rossy, Jeff Ballard y Lionel Loueke a través de combos, clases magistrales y conciertos en el campus. En los últimos años, ha participado en varios proyectos entre los que cabe destacar: - Aura y Biel, el dúo que comparte con la cantante Aura Mauri, y con quien en 2022 publicó su primer disco, 'Instants', poco después de quedar finalistas en el concurso Juventudes Musicales de España (Jazz). - Las diversas colaboraciones con la contrabajista y compositora Giulia Valle, entre las que cabe destacar el trío que formaban junto con la batería Andrea González - ML Quartet, liderado por el contrabajista Manuel Luque, con quien han publicado el disco 'Cicatrices' (2024) y han logrado el segundo puesto en el concurso Juventudes Musicales de España (Jazz). Con estos proyectos, ha recorrido España, Italia, Alemania y Suiza, actuando en salas y festivales de referencia como Bird's Eye, Jamboree, Nueva Jazz Cava, Auditorio de Vilafranca, Auditorio de Palafrugell y en eventos como el Estartit Jazz Festival, Festival de Jazz de Terrassa y Festival de Jazz de Palafrugell, entre otros muchos. En 2021 cofundó el festival Zona Jazz en Mediona, junto a Txema Riera y Roger Mas, consolidándolo como un espacio de referencia para la escena del jazz catalán. Aura Mauri, ve en 'El huerto de Sergi' y 'Colors'. Clara Catasús, Laia Escartin, Flavia Escartin, Nadia Orta, Lluís Pérez-Villegas, Gabrielle Canal, Siara Canal Vila, voz en 'L'hort d'en Sergi'. Grabación, mezcla y máster de Sam Barnett, en el estudio del Jazz Campus de Basilea. Diseño gráfico y fotografía, Xus Martí. Vídeos de estudio, Ènia Mauri

STANDAR SEMANAL.-Misterioso.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.sidney bechet - jazz classics vol.2.--JAZZACTUALIDAD.-sergi sirven y david viñolas Sidney Bechet (Nueva Orleans, Luisiana, Estados Unidos, 14 de mayo de 1897-Garches, 14 de mayo de 1959) fue un músico y compositor de jazz estadounidense. Fue el séptimo de los hijos de Josephine y Omar Bechet, quien era zapatero y tocaba la flauta como pasatiempo.[1]​ Se inició en la música de manera autodidacta con el aprendizaje del clarinete a los 6 años de edad, siendo señalado por sus contemporáneos como un niño prodigio en aquel instrumento. Integró una banda familiar llamada "The Silver Bells" dirigida por su hermano Leonard Bechet.[2]​ Posteriormente, integró varias bandas de metales de Nueva Orleans. En 1917 se trasladó a Chicago, donde tocó con Freddie Keppard y Joe "King" Oliver entre otros músicos. En 1919, viajó a Europa junto con la Southern Syncopated Orchestra del director Will Marion Cook, donde además de tocar clarinete, ejecutó una pieza en un pequeño acordeón. La acogida en el continente fue tan entusiasta que no regresó hasta 1922, tres años más tarde. Sus presentaciones en Londres interpretando el Characteristic Blues llamaron la atención del director de orquesta Ernest Ansermet, quien en un artículo publicado en la revista especializada Revue Romande, afirmó : "Sidney Bechet es un genio". Se cree que esta fue la primera crítica periodística sobre un músico de jazz. Estando en Londres, se interesa por el saxofón soprano, instrumento que adoptó y utilizó cada vez con más frecuencia que el clarinete, aunque siempre llevaba consigo un pequeño acordeón, con el cual grabó sólo 2 piezas en 1924: "Wild Man Blues" e "Indiana". De regreso en Estados Unidos en 1922, recaló en la ciudad de Nueva York, donde grabó su primer registro discográfico el 30 de julio de 1923, con la Clarence Williams Blue Five los temas Wild Cat Blues y Kansas City Man Blues. Entre 1924 y 1925 realizó una serie de grabaciones con su colega y compatriota, el trompetista y vocalista de jazz Louis Armstrong, quien también se había integrado a los conjuntos de Clarence Williams dedicados a las grabaciones. Posteriormente, integró la orquesta de la Revue Négre, que acompañó a París a la bailarina y cantante Joséphine Baker en 1925, permaneciendo en Europa hasta 1931, visitando diversos países y pasando 11 meses en una cárcel francesa en 1928, por involucrarse en una pelea entre músicos. Luego de ese incidente, siguió recorriendo Europa y regresó nuevamente a Estados Unidos, para participar brevemente en la orquesta de Noble Sissle, y luego en 1932 formó junto al trompetista Tommy Ladnier un grupo llamado The New Orleans Feetwarmers, con el cual alcanzan a realizar sólo una sesión de grabaciones, pero con 6 títulos de notoria calidad (entre ellos Maple Leaf Rag). Luego de ello, y en medio de la crisis reinante en Estados Unidos, sumado a su escasa popularidad, dada su ausencia tan prolongada del país, se ve en la necesidad de abrir una modesta sastrería en Harlem para sobrevivir. Entre 1934 y 1938 se une nuevamente a Noble Sissle, en cuya orquesta va adquiriendo paulatinamente una participación creciente como solista. De 1938 en adelante, emprende una carrera como líder de agrupaciones diversas, dentro de la corriente del resurgimiento del jazz de Nueva Orleans, tocando y grabando en diferentes ciudades y circunstancias. En 1939, realiza una serie de grabaciones para el recientemente creado sello discográfico Blue Note, de Alfred Lion, entre las que sobresale una versión instrumental del tema clásico del compositor George Gershwin "Summertime". Recreacions tímbriques: de Satie a Mompou SERGI SIRVENT & DAVID VIÑOLAS CD CLÁSICA CONTEMPORÁNEA COLUMNA MUSICA (COM0467 02) 8429977104672 Tras haber llevado a cabo el trabajo discográfico "Recreacions tímbríques: de Mompou a Bartók" (Selffish Records, 2020), el pianista Sergi Sirvent y el baterista David Viñolas se han embarcado en una nueva propuesta musical con el título de "Recreacions tímbríques: de Satie a Mompou". Para realizar este nuevo reto interpretativo, Sirvent y Viñolas se han basado en temas en su mayoría procedentes del compositor francés Erik Satie y del catalán Frederic Mompou así como algunas piezas de autoría propia. Sirvent y Viñolas tejen una interpretación repleta de matices, de sensaciones, de sutilezas, de sonoridades, pero ante todo de música y de hermosura. Un tema que sirve de fiel reflejo del compendio de recreaciones sonoras que pretende el proyecto que lideran tanto Sergi Sirvent como David Viñolas como unidad expresiva a partes iguales y que sin duda alguna suponen dos mitades de un todo

STANDAR SEMANAL.-georgia on my mind,.VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-927.Thelonious Monk - Brilliant Corners.-JAZZACTUALIDAD.SEDAJAZZ KIDS BAND-RAM SESSIONS Brilliant Corners es un álbum de estudio de 1957 del pianista de jazz estadounidense Thelonious Monk . Fue su tercer álbum para Riverside Records y el primero en el sello que incluía composiciones propias. Brilliant Corners se grabó en tres sesiones, entre octubre y diciembre de 1956, con dos quintetos diferentes. «Ba-lue Bolivar Ba-lues-Are» y «Pannonica», esta última con Monk tocando la celesta , se grabaron el 9 de octubre con los saxofonistas Ernie Henry y Sonny Rollins , el bajista Oscar Pettiford y el baterista Max Roach . La primera composición se tituló como una interpretación fonética de la pronunciación exagerada de Monk de «Blue Bolivar Blues»; esto hacía referencia al Hotel Bolívar de Manhattan, donde residía la heredera y mecenas del jazz Pannonica de Koenigswarter . [ 1 ] El 15 de octubre, Monk intentó grabar la canción principal con la misma banda durante una sesión de cuatro horas. La complejidad de la composición se convirtió en un reto para la banda, que intentó veinticinco tomas, y Henry y Pettiford se enfadaron con Monk. Monk intentó facilitarle la grabación a Henry no tocando durante su solo. [ 1 ] Durante una de las tomas, el productor Orrin Keepnews y otros en la sala de control no pudieron oír la interpretación de Pettiford; revisaron el micrófono de su bajo para ver si estaba roto, pero finalmente se dieron cuenta de que estaba haciendo una pantomima. Como no se completó ninguna toma, Keepnews editó la versión del álbum a partir de varias tomas. "Bemsha Swing" se grabó el 7 de diciembre, con Paul Chambers reemplazando a Pettiford en el bajo y el trompetista Clark Terry reemplazando a Henry; Monk grabó una versión para piano solo de " I Surrender Dear " el mismo día. La canción principal tiene una estructura poco convencional que se aleja tanto de la forma estándar de una canción como de las estructuras del blues. Su forma ternaria emplea una sección A de ocho compases, seguida de una sección B de siete compases y una sección A modificada de siete compases, e incluye un tema de doble compás en cada segundo estribillo y acentos rítmicos complejos . [ "Bemsha Swing" fue la única composición del álbum que Monk había grabado previamente. La Sedajazz Kids Band, cuyos integrantes tienen una media de 14 años, presentan un repertorio de funky blues, latin, flamenco jazz y hard bop, trabajado en la asignatura de combo, bajo la dirección de Fco. Angel Banco Latino. Desde el colectivo Sedajazz estamos muy felices de presentar el nuevo trabajo de la Sedajazz Kids Band titulado Ram Session, un concierto en directo grabado en La Rambleta Valencia el 14 de Julio de 2024. El sonido fue realizado por Jorge Perez y el video por Chechu Berlanga. El repertorio es el resultado de un curso trabajando temas de funky blues, latin, flamenco jazz y hard bop, con composiciones de Don Pullen, Art Pepper, Perico Sambeat, Dirty Dozen, Roy Hargrove, Dizzy Gillespie, y arreglos de Latino Blanco, Toni Belenguer y Perico Sambeat. El grupo está formado por jóvenes estudiantes del Taller Sedajazz en la asignatura de combo, bajo la dirección de Fco. Angel Blanco Latino. Este trabajo está inspirado en la música con la que Latino empezó en el Jazz con Los Urones, grupo liderado por Nacho Ros, un pianista valenciano. En ese grupo estaban también Paquito Vidre a la guitarra, Mari Mar en la voz y Julio Valls al bajo. A veces se unían Perico Sambeat, Eladio Reinon y Ramon Cardo. La edad media de los componentes de la Sedajazz Kids Band es de 14 años, y el resultado es muy satisfactorio. Estamos seguros de que os encantará escucharlos. Este es el segundo trabajo con esta formación después de su disco Rumbo a New Orleans, con el que hicieron numerosas presentaciones con gran éxito. Créditos Ximet Reillo: Saxo Soprano y Alto Luis Coronado: Saxo Alto Hugo Coronado: Trompeta David Bonet: Trombón Azul Prada: Guitarra Pau Montalt: Batería Pau Baena: Piano Fco. Angel Blanco Latino: Bajo eléctrico, Contrabajo, Dirección Grabado en directo el 14 de Julio de 2024 en La Rambleta Valencia Jorge Perez: Sonido, mezcla y mastering Josep Asensio: Asistente de sonido Chechu Berlanga: Video Pedro Gallego: Ayudante de producción Temas 1. Poodie Pie (Don Pullen. Arr. Latino Blanco) 07:16 2. Red car (Art Pepper. Arr. Latino Blanco) 08:24 3. Big Alice (Don Pullen. Arr. Latino Blanco) 08:02 4. Tipping (Horace Silver) 05:06 5. Blue March (Benny Golson. Arr. Latino Blanco) 11:32 buy track 6. Barri de la Coma (Perico Sambeat) 07:15 7. Night in Tunisia (Dizzy Gillespie. Arr. Latino Blanco) 05:18 8. Charlie Dozen (Dirty Dozen. Arr. Toni Belenguer) 10:31 9. The New Boogaloo (Marcus Printup. Arr. Toni Belenguer)) 06:30 10. Mercy Mercy Mercy (Joe Zawinul. Arr. Toni Belenguer) 10:07 11. Mr Clean (Freedie Hubbard) 10:06

STANDAR SEMANAL.-Bueno, No Es Necesario.-VINILOS MITICOS DELJAZZ.-.GRACHAN MONCUR III-1963 - Evolution.-JAZZACTUALIDAD.-.ORBITA-BREATHE Evolution es el álbum debut del trombonista estadounidense Grachan Moncur III , grabado en 1963 y publicado por el sello Blue Note . Con la participación de la saxofonista alto Jackie McLean , el trompetista Lee Morgan , el vibrafonista Bobby Hutcherson , el bajista Bob Cranshaw y el baterista Tony Williams , Evolution se considera una contribución significativa a la vanguardia del jazz. Dos álbumes de McLean, también grabados para Blue Note en 1963 ( One Step Beyond y Destination... Out! ), presentaron a Moncur y sus composiciones, explorando el mismo enfoque musical "dentro/fuera". Recepción Calificaciones profesionales Puntuaciones de la revisión Fuente Clasificación Toda la música enlace La guía Penguin para grabaciones de jazz La reseña de AllMusic de Steve Huey declaró: "Con un debut tan ingenioso, es una pena que Moncur no haya grabado más como líder, lo que hace de Evolution un tema aún más importante para los fans de la vanguardia de Blue Note". Los autores de The Penguin Guide to Jazz lo describieron como "un conjunto vigorizante e intelectualmente satisfactorio", comentando que "todo el disco tiene una cualidad oscura y misteriosa que el sonido grave del trombón... acentúa fuertemente". BREATHE Orbita Seis originales para viajar a diversos universos sonoros: misterioso, acústico, íntimo, energético, cool, improvisativo... Temas 01. Cuerpo Sumergido (Daniel Orts) 6:40, 02. Aleph (Pedro Alarcón) 6:50, 03. 20 De Febrero (Santiago Peláez) 4:26, 04. Espiral. (Santiago Peláez) 4:21, 05. Levedad / Gravidez (Daniel Orts) 8:46, 06. Panorama (Tico Porcar) 5:12.

ESTÁNDARES SEMANALES.-The Way You Look Tonight.-VINILOS MÍTICOS DEL JAZZ.-Horace Silver - Horace Silver And The Jazz Messengers.-JAZZACTUALIDAD.-INTOKABLE BIG BAND.-A FERRO Horace Silver and the Jazz Messengers es un álbum de Horace Silver and the Jazz Messengers que recopila dos LP de 10" de 1955: Horace Silver Quintet, Vol. 3 (BLP 5058) y Horace Silver Quintet, Vol. 4 (BLP 5062), grabados el 13 de noviembre de 1954 y el 6 de febrero de 1955 respectivamente y lanzados en Blue Note en octubre de 1956, el primer 12" de Silver. El quinteto cuenta con una sección de instrumentos de viento formada por Hank Mobley y Kenny Dorham y una sección rítmica por Doug Watkins y Art Blakey . Una de las canciones más exitosas del álbum, « The Preacher », casi fue rechazada para su grabación por el productor Alfred Lion , quien la consideró «demasiado anticuada», pero fue reincorporada por la insistencia de Blakey y Silver, quienes amenazaron con cancelar la sesión hasta que escribiera otra canción para grabar en su lugar si no la incluían. Según Silver, la canción demostró que la banda podía «remontarse al pasado y conseguir esa sensación de bar de antaño con un toque de ritmo». Estas grabaciones ayudaron a establecer el estilo hard bop . Éstas fueron las primeras sesiones en las que utilizó el formato de quinteto, que utilizaría en gran medida durante el resto de su carrera. Título: A Ferro! Grupo: Intokables Big Band Componentes: Director: Carlos Ferri «Patilla». Saxo Altos: Ivan Albuixech, Marcos, Ferri Nicolás, & Marc Puertes. Saxos tenores: Marc Puertes, Kike Suay, Gerard Vercher y Francisco Blanco Latino. Saxo Barítono: Enrique Tortosa & Francisco Blanco Latino. Trombones: Miki García, Mario Sanchís, Joan Mont, Joan García & Joan Negro. Trompetas: Alex López, Mauro Gozálbez, Pau Sanchis Torno, Vicent Bernabéu, Salvador Garcia y Santiago Torro. Piano: Carlos Botella, Mario Coloma y Kevin Díaz. Congas: Xexu Obrer. Clarinete: Carlos Ferri «Patilla». Teclados: Mario Colona. Guitarra: Antonio Martí & Oscar Albuixech. Batería: Gustau Garcia & Saul Aranzueque. Percusión: Xexu Obrerías, Gustau garcia & Saul Aranzueque. Bajo Eléctrico: Rubén Martí Voz: Miriam Albero y Eva Romero. Fecha de Grabación: 2024. 1, 2 y 3 de Marzo. Lugar de Grabación: Onteniente. Sello Discográfico: Sedajazz Records. Nº de temas: 10. Formato: CD. Instrumento: Big Band. Estilo: Fusión. Nº de Serie: SJ 151. Año de Edición: 2024. Duración: 50:01 Calificación: 3* Comentario: Catorce años después de su primer disco, que tuvo una buena acogida por la critica especializada, Carlos Ferri «Patilla» se vuelve a poner al mando de esta estupenda Big Band, para presentarnos su segundo trabajo. Como bien explica en el libreto interior del disco su director, «A Ferro!», es el resultado de muchos años de esfuerzo colectivo y de sacrifico personal de un grupo de músicos que han crecido, personal y profesionalmente juntos. «Intokables Big Band», se fundó en 2007 para experimentar con un repertorio donde se mezclaba el jazz, por supuesto, el funky, y, como no, el swing para, partiéndooslo de composiciones propias en su gran mayoría, y con los arreglos de destacados músicos, poner en valor el auge del jazz en el entorno que se mueven estos jóvenes músicos —en su gran mayoría—, y que se vienen nucleando alrededor de esa impagable institución valenciana, que es Sedajazz Records. Años después, y demostrando que el proyecto no era flor de un día, se creó en 2021, la «Jove Intokable Big Band», una iniciativa que buscaba preservar el futuro de la «Intocable Big Band» con el correspondiente relevo generacional. Y este segundo disco, responde a ese concepto. «A Ferro!», contiene swing a raudales, los arreglos son muy creativos, y el nivel instrumental de los solistas, estupendos. Música alegre, optimista, viva y fresca, y que bajo la batuta de su director, el maestro «Carlos Ferri «Patilla», nos ofrecen un fresco y renovado repertorio don del swing, es el gran protagonista. Enhorabuena por este gran trabajo que merece ser escuchado una y otra vez.

STANDARS SEMANAL.-771.Gee,Baby,Ain´t I Good to You.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-JOHN COLTRANE - Blue Train.-JAZZACTUALIDAD.-.ANA PEREIRA-BAILA LA LLUVIA Blue Train es un álbum de estudio delsaxofonista y compositor de jazz John Coltrane . Fue lanzado a través de Blue Note Records en enero de 1958. [ 1 ] Es la única sesión de Coltrane como líder para Blue Note. [ 8 ] La grabación tuvo lugar en el estudio de Rudy Van Gelder el 15 de septiembre de 1957. Coltrane compuso cuatro de los cinco temas del disco. Su interpretación exhibe elementos tempranos del estilo característico por el que posteriormente se hizo conocido. Blue Train obtuvo la certificación de oro en ventas de la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos (RIAA) en 2001.El álbum se grabó durante la residencia de Coltrane en el Five Spot como miembro del cuarteto Thelonious Monk . El equipo incluye a los compañeros de banda de Coltrane en Miles Davis , Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería, quienes ya habían trabajado con el pianista Kenny Drew . Tanto el trompetista Lee Morgan como el trombonista Curtis Fuller eran músicos de jazz prometedores, y ambos fueron miembros de Jazz Messengers de Art Blakey en su momento. A diferencia de su anterior sello, Blue Note pagó a los músicos para que ensayaran la música durante un par de días antes de la sesión de grabación. La forma de tocar de Coltrane muestra la evolución hacia lo que se convertiría en su estilo característico. Sus solos son más armónicos o verticales y sus líneas son arpegiadas. Su ritmo a menudo se desmarcaba del tiempo o lo superaba, en lugar de tocar sobre él o por detrás. [ 9 ] Durante una entrevista en 1960, Coltrane describió Blue Train como su álbum favorito hasta ese momento. [ 13 ] El siguiente gran álbum de John Coltrane, Giant Steps , grabado en 1959, abriría nuevos caminos melódicos y armónicos en el jazz, mientras que Blue Train se apega al estilo hard bop de la época. El musicólogo Lewis Porter también ha demostrado una relación armónica entre «Lazy Bird» de Coltrane y « Lady Bird » de Tadd Dameron . [ 14 ] [ 15 ] Mientras estaba en el podcast "Traneumentary" de Joe Vella, Michael Cuscuna , el productor de reediciones de Blue Note , comentó: Estamos escuchando "Blue Train", que para mí es una de las piezas más hermosas de uno de los discos más hermosos que Coltrane grabó en los cincuenta. Es su primera declaración de madurez real, y escribió todos los temas de este álbum menos uno, algo muy poco común en los cincuenta, y cada uno es una joya, en particular el tema principal, "Blue Train". Y aunque es bastante fácil tocar blues, este tiene una cualidad suspendida y evocadora. Ana Pereira presenta su primer trabajo discográfico "Baila la lluvia" (Sedajazz Records), una reinterpretación del bolero desde una perspectiva personal y contemporánea. Acompañada por Isaac Martín (bajo y dirección musical), Daniel Orts (piano) y Tico Porcar (batería), fusiona este género con el jazz y otras músicas, aportando una visión fresca y actual de un género que se convierte así en atemporal. Su voz delicada, elegante y expresiva, y los arreglos sofisticados interpretados por el genial trío que la acompaña, consiguen que el directo sea toda una experiencia íntima y envolvente que transporta al público a través del tiempo en una conexión pasado-presente con la música como compañera de viaje.

STANDARS SEMANAL.-.WAVE.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-.Kenny Dorham - Afro-Cuban.-JAZZACTUALIDAD.-.ESTER ANDUAR.-INNER SONGS Afro-Cuban es un álbum del trompetista de jazz estadounidense Kenny Dorham , grabado para Blue Note el 29 de marzo de 1955 y publicado ese mismo año en la Blue Note Modern Jazz Series, poco antes de que el sello descontinuara el formato. Pronto se reeditó en la nueva serie 1500, recopilado con una sesión de una primera encarnación del conjunto, con nueva portada. Recepción Calificaciones profesionales Puntuaciones de la revisión Fuente Clasificación Toda la música [ 3 ] La guía Penguin para grabaciones de jazz [ 4 ] La reseña de AllMusic de Michael G. Nastos afirma: «Una grabación de primera clase para el poco apreciado Dorham; esta debería estar en todas las colecciones de los verdaderos amantes de la música». [ 3 ] Lista de canciones LP de 10", BLP 5065 Todas las pistas están escritas por Kenny Dorham, excepto donde se indique lo contrario. Lado 1 No. Título Fecha de registro Longitud 1. "Afrodisia" 29 de marzo de 1955 5:06 2. "Flor de loto" 29 de marzo de 1955 4:17 Lado 2 No. Título Escritor(es) Fecha de registro Longitud 1. "Vacaciones del menor" 29 de marzo de 1955 4:27 2. "El sueño de Basheer" Gigi Gryce 29 de marzo de 1955 5:03 Inner Songs es el cuarto álbum de Ester Andújar, basado en sus propias composiciones. Jazz, música brasileña y de autora se unen en su música. Su capacidad para interpretar en valenciano, inglés, español y portugués destaca su conexión global y su gran versatilidad vocal Después de 15 años de silencio discográfico, Ester Andújar regresa con Inner Songs, un álbum que destila madurez, valentía y un profundo sentido de identidad artística. Este cuarto trabajo de la cantante valenciana no solo reafirma a Ester como una de las voces más destacadas del jazz español, sino que también redefine el «jazz de autora», entrelazando elementos poéticos, narrativos y texturas sonoras en un viaje íntimo y cautivador. Desde el primer tema, Els somnis, Ester nos invita a un universo donde la frontera entre sueño y realidad se difumina. La riqueza armónica y la conexión entre su voz y los instrumentistas crean una atmósfera mágica. Acompañada por algunos de los mejores músicos de la escena, quienes también participaron en la grabación del disco ??"Albert Palau al piano, Iván Cebrián a la guitarra, Miquel Álvarez al contrabajo, Tico Porcar a la batería y el saxofonista Javier Vercher como invitado especial??", Ester logra que cada nota fluya con naturalidad. Además, su interpretación de scat es exquisita, demostrando no solo su virtuosismo técnico, sino también su capacidad para convertir su voz en un instrumento que dialoga de manera orgánica con la banda. El álbum explora emociones complejas, como en Flor del desierto, una autobiografía que aborda el dolor y la resiliencia. Aquí, Andújar revela sus vulnerabilidades y contrastes, logrando un final catártico que resuena en cada nota. Su voz, rica en matices, equilibra fuerza y fragilidad, convirtiéndose en un vehículo para la reflexión y la conexión emocional. Pero este viaje no es solo introspectivo, sino también social y político. Canciones como República y Las mujeres que nos faltan demuestran el compromiso de Andújar con la memoria histórica y la reivindicación de voces silenciadas. Las mujeres que nos faltan resulta particularmente impactante, ya que da voz a las víctimas de la violencia de género con una sensibilidad y una contundencia que estremecen. Musicalmente, el disco es un mosaico enriquecido por influencias de la música brasileña (Beijo partido), el folklore y el jazz, siempre desde una perspectiva muy personal. Ester canta en valenciano, español, portugués e inglés, y cada idioma aporta una textura diferente, ampliando las emociones que transmite cada canción y mostrando una versatilidad que refuerza su carácter cosmopolita. En Abans de tu, dedicada a su hija, la cantante encapsula su transformación personal en estos años. Con una letra cargada de esperanza y amor, celebra el renacer artístico y vital que la maternidad le ha brindado. Esta conexión entre lo personal y lo artístico atraviesa todo el disco, dándole una autenticidad que conmueve. Inner Songs no es solo un regreso, es una declaración. Es el retrato de una artista que se vació para reconstruirse, que se cuestionó qué quería decir y cómo quería hacerlo. El resultado es un álbum conceptual que cuenta una historia de principio a fin, llena de contrastes, himnos y homenajes que reflejan tanto las luces como las sombras de la vida. Este trabajo es una obra valiente, poética y necesaria. Ester Andújar ha creado un disco que no solo alza su propia voz, sino también la de quienes no pueden hacerlo. Su jazz de autora no es solo música; es narrativa, memoria y emoción. Un imprescindible para quienes aman el jazz y la música con alma.

STANDAR SEMANAL.-Watermelon Man-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-Gato Barbieri - Caliente!.-JAZZACTUALIDAD..YURI STORIONE-BRISA ANDALUZA “Caliente”, el álbum que recomendamos hoy aquí, refleja con toda la pasión posible, la manera de entender el jazz de este gran músico. La portada del disco ya indica la fuerza del mismo; Gato entre llamas grabando un disco caliente versionando la música de dos colosos de la música: Carlos Santana y Marvin Gaye. Entre los nueve temas del álbum, algunos han quedado para la posteridad como autenticas obras de arte jazzísticas destacando: “Fiesta”; “Detrás de la lluvia”, “Los Desperados” y “Europa” fundamentalmente. Música emocional, a contracorriente del momento histórico cuando se grabó; áspera y dulce al mismo tiempo; seductora y expresiva, latina y europea al mismo tiempo. Así fue Gato y así fue su música. Reproducimos a continuación una historia contada por el añorado y querido maestro Juan Claudio Cifuentes en su obra “El Gran Jazz” Volumen 5. (ediciones del Prado-1995) en relación con el primer encuentro físico entre John Coltrane y Gato Barbieri (Maestro y discípulo) en París. Escribía Cifu:…..”El descubrimiento de la música de John Coltrane a través de los discos tuvo efectos decisivos en la formación de un saxofonista argentino, Leandro “Gato” Barbieri. Poco antes de abandonar Argentina par instalarse en Europa – donde tocaría y grabaría con Don Cherry, convirtiéndose en uno de los abanderados del free jazz-, quiso enviar a Coltrane un regalo por medio de un amigo, para darle las gracias por todo lo que su música le había aportado. Se trataba de un soberbio estuche para saxo tenor, en cuero verde, totalmente hecho a mano, revestido de seda en su interior, con la palabra TRANE grabada en letras de oro sobre la cubierta, ofrecido por Gato y su esposa Michelle. El estuche fue entregado a Coltrane, pero sin conocer en absoluto la identidad del expedidor, pues Barbieri se había contentado con indicar: “De parte de un amigo de Buenos Aires”. Al año siguiente los Barbieri se instalaron en Roma. Cuando se enteraron de que Coltrane iba a tocar en Milán, fueron allí a escucharlo. Al acabar el concierto se acercaron al camerino para conocerle. Allí, en un rincón, vieron el estuche que le habían enviado. “¡Ah! así que sois argentinos”, exclamó Coltrane cuando fueron presentados. Y , señalando con el dedo el famoso estuche, dijo: “Precisamente es un argentino quien me ha hecho el regalo. Lo utilizo siempre”. Cuando Barbieri reveló que él era el argentino en cuestión, Trane le dio las gracias efusivamente. Después, con tanta seriedad como humor, añadió: “¿Crees que podrías enviarme otro para el soprano?”. Desvelando una armoniosa fusión de Flamenco y Jazz Estimados y distinguidos oyentes, bienvenidos a una experiencia musical sin igual que trasciende fronteras, géneros y expectativas. Dentro de los límites de mi última obra musical yace una fusión de Flamenco y Jazz: una simbiosis de dos mundos musicales distintos que convergen para crear algo verdaderamente extraordinario. Prepárense para ser cautivados, embelesados y transportados mientras los invitamos a un viaje a través de los ritmos dinámicos, las melodías conmovedoras y las actuaciones apasionadas que definen nuestro conjunto. Flamenco Jazz: donde la pasión encuentra la innovación Flamenco Jazz es una fusión dinámica de las melodías apasionadas del flamenco y el estilo improvisado del jazz. Este género reúne los ritmos emotivos de los instrumentos tradicionales del flamenco con las complejidades armónicas de los conjuntos de jazz, resultando en una experiencia musical cautivadora. En el Flamenco Jazz, los músicos exploran la interacción entre la expresión apasionada del flamenco y el espíritu improvisado del jazz. Este género trasciende fronteras, uniendo a audiencias de diversos orígenes con sus actuaciones electrizantes e improvisaciones espontáneas. Desde las composiciones innovadoras de Paco de Lucía hasta las exploraciones desafiantes de artistas contemporáneos, el Flamenco Jazz continúa evolucionando, inspirando a músicos y audiencias en todo el mundo. Experimenten la fusión de la pasión y la innovación en el Flamenco Jazz: una celebración del intercambio cultural y la expresión creativa que no conoce límites. Sobre nosotros Nuestra banda es un testimonio del poder de la colaboración, la creatividad y el intercambio cultural. Compuesto por músicos virtuosos procedentes de diversos ámbitos, nos hemos unido bajo una visión común: explorar la intersección del Flamenco y el Jazz, insuflando nueva vida a tradiciones centenarias y forjando conexiones que resuenen en todos los continentes. Con cada miembro aportando una perspectiva y habilidades únicas, nuestro conjunto encarna el espíritu de la innovación y la expresión artística. Agradecimientos Extendemos nuestro más profundo agradecimiento a todos aquellos que han contribuido a la realización de este proyecto: nuestros patrocinadores, colaboradores, seguidores y seres queridos. Su creencia inquebrantable en nuestra visión y su apoyo constante han alimentado nuestro viaje creativo e inspirado a superar los límites de la expresión artística. Especial agradecimiento al Canton Basel-Stadt Basel-Land Jazz Förderung, a Bonnie Nozawa, a Ralf Andreas Thoma y a Ruedi Flückiger por el apoyo para producir este disco. Temas 1. Brisa Andaluza (Bulería) 2. What`s new (Seguriya) 3. Antonia 4. Tientos de la miel 5. Tango de la lluvia 6. A mi madre (Alegría)

STANDAR SEMANAL.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-JAZZACTUALIDAD,.

SEMANAL ESTÁNDAR.- “Mack The Knife”( Wayne Newton-Louis Armstrong-Sonny Rollins-Wayne Shorter-Ella Fitzgerald).-JAZZ RECUERDO ANIVERSARIO.- Miles Davis.-“Bocetos de España”.-JAZZ ACTUALIDAD.-Francisco Javier Torres: SEMANA SANTA SIGLO XXI

ESTANDARES SEMANAL.-Vals para Debby.-VINILOS MÍTICOS DEL JAZZ.-BILLIE HOLIDAY.-[1958] Todo o Nada.-JAZZACTUALIDABARRETJAZBIG BAND-NOSTALGIA All or Nothing at All es un álbum de estudio de Billie Holiday , lanzado en 1958 por Verve Records , catálogo MGV8329. El LP contiene 12 cancionesextraídas de cinco sesiones de grabación diferentes realizadas entre 1956 y 1957. Holiday contaba con el apoyo de un pequeño grupo "relajado y comprensivo" que incluía al trompetista Harry "Sweets" Edison y al saxofonista Ben Webster . Un artículo del New York Times de 1959 señaló que la voz de Holiday "se había convertido en un instrumento muy limitado, que utilizaba con la destreza y la astucia de un lanzador envejecido que ya no puede verter su voz rápida por el plato". La portada del álbum es de David Stone Martin . Nostalgia Barretjazz Big Band Tercer trabajo discográfico de la Barretjazz Big Band Todos ellos llegaron a Sedajazz buscando algun taller que se ajustara a sus necesidades, dentro de la amplia oferta de este colectivo de musicos. Pero el bagaje y la edad de cada uno de los candidatos hicieron que Francisco Blanco Latino, director musical de Sedajazz, decidiera crear un nuevo proyecto en el cual la diversidad de los musicos seria el motivo de union. En opinion de Latino, "es una de las actividades mas satisfactorias que desarrollamos en el taller de Sedajazz; el trabajo con este magnifico grupo nos enriquece tanto en el aspecto musical como en el humano. Es una suerte poder unir a personalidades tan diferentes, ademas de ser muy ilusionante poder compartir grandes estandares del jazz sin mas pretensiones que el goce de la musica y ofrecer buenas sensaciones al publico".

STANDARS SEMANAL.-918.April in Paris.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-.johnny griffin.-1957 - the congregation.-JAZZACTUALIDADJESUS NUÑEZ-INTRODUCING The Congregation es un álbum del saxofonista tenor estadounidense Johnny Griffin grabado el 23 de octubre de 1957 y lanzado en Blue Note al año siguiente, su última grabación para el sello.La portada fue diseñada por Reid Miles e ilustrada por Andy Warhol La reseña de AllMusic de Scott Yanow afirma: "El gran saxofonista tenor Johnny Griffin se escucha en su mejor forma en este cuarteto casi clásico... Se recomienda para coleccionistas de bop".

STANDARS SEMANAL.-917.The Very Thought Of You.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-.Ben Webster - (1953) - King Of The Tenors.-JAZZACTUALIDAD.-.Latino Blanco Quintet - Mark Nightingale-BOREALIS Título: King of the tenors Músico: Webster, Ben Acompañantes: Benny Carter Fecha de Grabación: 1953 Lugar de Grabación: New York Sello Discográfico: Verve Nº de temas: 8 Formato: LP Instrumento: Saxofón tenor Estilo: Swing Nº de Serie: 837431 Año de Edición: 1994 Duración: 39:58 Calificación: 5* /2 Comentario: Un disco majestuoso que recoge todas las virtudes de este magnifico saxofonista. Además cuenta con la participacion de Benny Carter al saxo alto, Herb Ellis a la guitarra, Harry Edison a la trompeta, Oscar Peterson al piano y Ray Brown al bajo. Título: Borealis. Músicos: Latino Blanco (saxo barítono) & Mark Nightingale (trombón). Acompañantes: Kontxi Lorente (p); Miquel Álvarez (cb) y Vicente Espí (dm). Fecha de Grabación: 2022. 26 junio. Lugar de Grabación: Valencia. Sello Discográfico: Sedajazz Records. Nº de temas: 6. Formato: CD. Instrumento: Saxo baritono y trombón. Estilo: Contemporáneo. Nº de Serie: SJ 152. Año de Edición: 2024. Duración: 38:54. Calificación: 3*1/2 Comentario: Francisco Blanco Latino anda envuelto siempre en más aventuras de las que parece razonable, pero de alguna manera consigue salir exitoso de todas ellas, con un optimismo a prueba de bomba y una inagotable capacidad de disfrutar como señas de identidad. Una de esas aventuras consiste en recordarnos de cuando en cuando su admiración por Gerry Mulligan, tanto en versión de cuarteto sin piano como al frente de una orquesta. Mark Nightingale, es uno de los músicos más respetados y solicitados de la escena británica y europea y Francisco Blanco «Latino», es, asimismo, un instrumentista extraordinario, algo que a veces pasa a segundo plano cuando el artista acentúa, sobre todo, su faceta educadora en torno a ese colectivo maravilloso que es «Sedajazz». La química entre ambos es evidente; y este disco, el segundo que graban juntos, —sin contar el que ambos participan con el octeto de la Sedajazz Record—, deja claro que el dialogo entre saxo barítono y trombón, poco frecuente en el jazz, provoca, de manera natural, una sensibilidad sensorial extraordinaria. La empatía musical entre ambos reputados instrumentistas, hace el resto. Bajo la fórmula del quinteto, Blanco Latino reúne para este su segundo trabajo en colaboración con el trombonista, Mark Nightingale, a Kontxi Lorente al piano, Miquel Álvarez al contrabajo, y Vicente Espí a la batería, es decir, una sección rítmica de las mejores que pueden reunirse hoy en España. El repertorio elegido para esta sesión de grabación, son, en su mayoría, composiciones propias de los músicos que intervienen en la grabación; tres piezas de Mark Nightingale, dos de Latino Blanco, y el sexto, el tema que cierra el álbum, es la preciosa composición de Cole Porter, titulada: «You’d Be So Nice to Come Home To”. Como es habitual en los trabajos que publica «Sedajazz Records», excelente álbum.

ESTÁNDARES SEMANALES.-Tin Roof Blues.-VINILOS MÍTICOS DEL JAZZ..La historia de Benny Goodman.--JAZZACTUALIDADJOVEN BIG BAND SEDAJAZZ-IN BLOOM La historia de Benny Goodman es una película biográfica musical estadounidense de 1956, protagonizada por Steve Allen y Donna Reed , escrita y dirigida por Valentine Davies y estrenada por Universal-International . La película fue concebida como una continuación del éxito de Universal de 1954, La historia de Glenn Miller , que narra la vida de un popular director de orquesta.El joven Benny Goodman recibe clases de clarinete clásico de un profesor de música de Chicago. El director de orquesta Kid Ory le aconseja tocar el género musical que más le guste. Benny comienza su carrera profesional uniéndose a la banda itinerante de Ben Pollack . Más tarde, en Nueva York, donde su nueva banda recibe una tibia acogida, Benny conoce al amante del jazz John Hammond y a su hermana Alice. Lo invitan a la majestuosa casa de los Hammond para interpretar el Concierto para clarinete de Mozart . Alice teme que se sienta incómodo, pero su interpretación es impecable y Benny agradece su preocupación. Las actuaciones de Benny en un popular programa de radio los sábados por la noche hacen que Fletcher Henderson se ofrezca como voluntario para hacer algunos arreglos. En la costa oeste, el comienzo temprano del programa ha convertido la música de Benny en una sensación entre las generaciones más jóvenes. Forma un cuarteto con Gene Krupa en la batería, Teddy Wilson al piano y Lionel Hampton al vibráfono . El romance con la chica de sociedad Alice es desconcertante para la madre de Benny, pero para cuando su hijo toca en el Carnegie Hall , todo está bien y la Sra. Goodman ha invitado personalmente a su futura nuera a sentarse a su lado. Concierto en directo grabado el dia 22 de Julio de 2024 dentro de las sesiones organizadas por el colectivo Sedajazz en el centro cultural La Rambleta en Valencia. Una big band con un objetivo claro: aprender y enriquecerse de repertorios de las historicas orquestas de Jazz y de nuevos compositores y arreglistas. La Jove Big Band Sedajazz reúne jóvenes de distintas edades que se expresan con sus instrumentos y forman una unidad donde todos tienen su espacio. El repertorio combina standards y arreglos de grandes exitos de la historia del Jazz, bandas sonoras, funk, rock y latin jazz. Han colaborado musicos como Jesus Santandreu, Joe Magnarelli, Perico Sambeat, Chris Cheek, Rex Richardson, Toni Vaquer, David Pastor, Sole Jimenez, Andrea Motis, Rita Payes, Domisol Sisters, Vicente Macian, Pedro Iturralde, Voro Garcia, Toni Belenguer, Alexey Leon, Miquel Alvarez, Joan Saldana y Pepe Zaragoza entre otros. Actuaciones destacadas: Festival de Jazz de Valencia, Club Jamboree, Jazz a poqueta Nit Altea, Festival de trompeta en Maspalomas, Ciclo Conciertos Caja Burgos, Festival Jazzing Barcelona, Clasijazz Almeria, Festival Mar i Jazz, Sala Mutant Valencia, Festival Jazz Teruel, Festival Jazz Villareal, Festival big band Priego Cordoba, Concierto Benefico Payasospital Palau de les Arts, Cinema Jove Torrent, Porta Ferrada Girona, Ses Figuretes Ibiza, Dia Internacional del Jazz Alfafar, Jimmy Glass, festival El desenjazz Lliria, Teatro Principal Valencia, Auditorio Almeria, Palau de les Arts Valencia, Asejazz Sevilla, Festival Jazz Cadiz, Palau de la Musica Valencia. Han grabado varios discos: Sedajazz kids band, Groowin Up, Rumbo a New Orleans, Ramonets amb Sedajazz Kids Band, Mutant, Eclectic, y ahora In Bloom. Su repertorio incluye arreglos de Perico Sambeat, Fco. Blanco Latino, Dizzie Gillespie, Duke Ellington, Don Ellis, Jesus Santandreu, Toni Vaquer, Juan Saus, Martina Sabariego, Pau Baena, Santi Navalon. Proyectos realizados: Brasiliana (musica brasileña), Toni Vaquer (Louis Cole, Nirvana, Radiohead), Andrea Motis (Standards), Rita Payes (Cancionero Latino), conciertos para lindy hop, musica de la movida valenciana de los 80s con arreglos originales. Músicos Ximo Reillo y Samu Gil: Saxo Alto Selamawit Giner: Saxo y Clarinete Luis Coronado: Saxo Tenor Aurora Blanco: Saxo Baritono y Voz Josep Peiro, Oscar Lujan, Guillermo Cotanda, Pablo Martinez y Hugo Coronado: Trompetas Hadriel Benedito, Angel Ballester, Joan Fernandez y David Marti: Trombones Martina Sabariego: Contrabajo Pau Montalt: Bateria Miquel Alcaina: Percusion Latina Pau Baena y Nur Elmanchoud: Piano Venus Benedito y Naila Ferrandis: Voz Raquel Marti, Alba Gimeno, Aleksandra Bester: Violines Nehir Acansu y Marc Vidal: Violas Irene Simbor: Violonchelo Fco. Angel Blanco Latino: Direccion Featuring: Juan Saus (Saxo Alto) Creditos Diseño Grafico: Cristina Duran Sonido: Vicente Sabater Asistente de Sonido: Iñaki Ariste Asistente Produccion: Pedro Gallego Temas 1. Harlem air Shaft (Duke Ellington) 03:11 2. La Puerta (Luis Demetrio) 03:36 3. In Bloom (Nirvana) 08:59 4. La Muerte Despierta (Lucia Fumero) 07:45 5. Mean To Me (Fred E. Ahlert) 03:23 6. Whiplash (Justin Hurwitz) 11:45 7. F it up (Louis Cole) 05:54 8. Deseo Salvaje (Eddie Palmieri) 03:07 9. Too Darn Hot (Cole Porter) 04:24 10. Carinhoso (Pixinguinha) 06:36 11. The Evil Morty (Kazu Makino, Amedeo Pace, Simone Pace.) 08:09 12. Nobody else for me (Jerome David Kern) 03:51 13. Over The Rainbow (Harold Arlen) 05:31 14. Flor de Lys (Djavan) 04:25

STANDAR SE,MANAL.-time after time.-VINILOS MITICOS DEL JAZZ.-.Larry Young - Unity.-JAZZACTUALIDAD.-.AURORA CLARA.-Dreams Unity es un álbum del organista de jazz Larry Young , lanzado por el sello Blue Note en agosto de 1966. El álbum cuenta con la participación del trompetista Woody Shaw , el saxofonista tenor Joe Henderson y el baterista Elvin Jones . Si bien no es free jazz , el álbum presenta una experimentación que fue innovadora para la época. Young eligió el título porque, "aunque todos en la cita eran muy individualistas, todos estaban en el mismo estado de ánimo. Fue evidente desde el principio que todo encajaba". El álbum fue el segundo de Young para Blue Note y es ampliamente considerado un clásico del "post-bop". La banda internacional afincada en Madrid, Aurora Clara, publica su tercer álbum DREAMS después de dos discos de un jazz-rock enérgico, muy bien recibidos por la crítica y la afición internacional. En DREAMS están presentes los unísonos impresionantes de flauta y guitarra eléctrica, uno de sus sellos personales y está cargado de improvisaciones llenas de virtuosismo por parte de la flauta, los teclados y la guitarra eléctrica además de un magnífico solo de batería en 5/4, pero la atmósfera general esta vez es más orgánica con muchas percusiones y guitarras acústicas. "Un proyecto seductor y potente que debería resultar muy atractivo para los aficionados a la guitarra, fusionistas y entusiastas de la música mundial por igual" (Bill Milkowski)