Podcasts about Norman Granz

Tonight's Jazz Feature is one of the first great soloists on the vibraphone: the amazing Lionel Hampton. This was his first session after he signed up with Jazz producer Norman Granz. Granz wished to present the artistic side of Lionel and this recording does the job in a big way. Lionel, who's style works in so many contexts is joined here for the first time by the great Canadian pianist Oscar Peterson, bassist Ray Brown and master drummer Buddy Rich. The band selected the 6 tunes and delivered them with swing and soul. All of this was recorded in New York on September 2, 1953. Lionel the magnificent!

El 30 de junio de 1967, Ella Fitzgerald se presentó en el Coliseo de la ciudad californiana de Oakland, acompañada por su trío y por músicos de la orquesta de Duke Ellington. Casi 60 años después, a partir de las cintas conservadas en el archivo personal del productor Norman Granz, podemos escuchar aquel concierto en el disco 'The moment of truth: Ella at the Coliseum' en el que Ella canta 'The moment of truth', 'Don´t be that way', 'You´ve changed', 'Let´s do it (Let´s fall in love)', 'Alfie', 'Music to watch girls by' o 'In a mellow tone'. Del disco de Mulatu Astatke & Hoodna Orchestra 'Tension' (2024) los instrumentales 'Delilah' y 'Yashan'. Abre la pianista Clélya Abraham con 'Orion', de su reciente disco 'Atacama', y cierra el cuarteto de John Coltrane con 'My favorite things' en un concierto de 1963 en la Universidad estatal de Pensilvania.Escuchar audio

Comenzamos la sexta temporada de El faro del jazz a lo grande, dedicándolo a la conocida como 'Primera Dama del Jazz', la cantante norteamericana Ella Fitzgerald. Ella Fitzgeral está considerada como una de las mejores intérpretes de jazz de la historia, así como una de las mayores especialistas en el 'scat'. En esta primera parte nos centraremos en sus inicios, cuando comenzó a despuntar en la orquesta del batería y director Chick Webb. También escucharemos algunas de sus piezas grabadas en los años 40 con grandes de la época, como Louis Armstrong, Hank Jones, Ray Brown o Buddy Rich. En la última parte del programa nos centraremos en sus conocidisimos 'Songbooks', una colección de discos producidos por Norman Granz y grabados para el sello Verve, en los que la cantante rindió homenaje a los grandes compositores del cancionero americano: Cole Porter, Irvin Berlin, Rodgers & Hart, George & Ira Gershwin, Duke Ellington o Harold Harlem.

Comenzamos la sexta temporada de El faro del jazz a lo grande, dedicándolo a la conocida como 'Primera Dama del Jazz', la cantante norteamericana Ella Fitzgerald. Ella Fitzgeral está considerada como una de las mejores intérpretes de jazz de la historia, así como una de las mayores especialistas en el 'scat'. En esta primera parte nos centraremos en sus inicios, cuando comenzó a despuntar en la orquesta del batería y director Chick Webb. También escucharemos algunas de sus piezas grabadas en los años 40 con grandes de la época, como Louis Armstrong, Hank Jones, Ray Brown o Buddy Rich. En la última parte del programa nos centraremos en sus conocidisimos 'Songbooks', una colección de discos producidos por Norman Granz y grabados para el sello Verve, en los que la cantante rindió homenaje a los grandes compositores del cancionero americano: Cole Porter, Irvin Berlin, Rodgers & Hart, George & Ira Gershwin, Duke Ellington o Harold Harlem.

Norman Granz, mánager de Ella Fitzgerald y creador del sello Verve es uno de los grandes renovadores del género y una figura clave ajena al canto o a los instrumentos.

Highlights from the concert that Ella gave in Tokyo, Japan in 1953. Though her manager at the time, Norman Granz, had arranged to have the performance recorded, none of these tracks you'll hear this week were available to the public until they were released on CD, many years later, as Ella in Japan: 1953. Tracks include On The Sunny Side Of The Street, Body And Soul, Why Don't You Do Right, Oh, Lady Be Good, I Got It Bad And That Ain't Good, How High The Moon, My Funny Valentine, Smooth Sailin', The Man That Got Away, Frim Fram Sauce. GPE is produced by Ed Robertson Learn more about your ad choices. Visit podcastchoices.com/adchoices

Frizz and Bob continue Jazz Appreciation Month by digging into the first full-length record from Ella Fitzgerald AND Louis Armstrong, along with a bottle of New Orleans' finest, Sazerac Rye. Jazz it out with us as we chat about the impact of Ella and Louis individually and together, the great Norman Granz, the origins of some of jazz's most classic songs, Dukes of Hazard, and (finally) Doritos. 

1 Şubat 2024, Laflijazz bu hafta da Verve plak şirketini sizlere tanıtmaya devam ediyor. Bu programda Verve Records'un kurucusu Norman Granz hakkında konuşup, şirkete ve müzik dünyasına katkılarından bahsedeceğiz. Bekleriz...

25 Ocak 2024, Laflijazz bu haftadan itibaren üç hafta boyunca caz tarihinde çok önemli bir yer kaplayan Verve plak şirketini sizlere tanıtmaya çalışacak. Norman Granz tarafından kurulan Verve'ün caz sahnesine etkilerini, önemli kayıtlarını ve 1956 yılından günümüze dek evrimini dinlemek isterseniz bekleriz...

"Here's That Rainy Day" (ha llegado ese día lluvioso) es una canción popular con música de Jimmy Van Heusen y letra de Johnny Burke que se publicó en 1953. Fue presentada por Dolores Gray en el musical de Broadway Carnival in Flanders.La canción también se ha convertido en un estándar del jazz con grabaciones de, entre otros, Bill Evans, Duke Jordan, Wes Montgomery, Paul Desmond, Modern Jazz Quartet, Archie Shepp, Chet Baker y McCoy Tyner. En 1965, Ella Fitzgerald lo grabó en vivo en su álbum Ella in Hamburg, con Tommy Flanagan al piano y Norman Granz como productor. Escuchemos esas y otras versiones. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Tonight's Jazz Feature is a one time meeting of two great Jazz stars. They knew one another but never played together and were brought together by the producing genius of Norman Granz. Granz was one of the great entrepreneurs of Jazz. Tenor saxophonist Stan Getz was one of the major voices of that instrument and vibraphonist Lionel Hampton was one of the pioneers of that instrument and had been prominent since the early 1930s. Creative sparks flew on this session and the combination of Getz and H Hampton worked beautifully. The rhythm section was made up of people who worked with Getz throughout most of 1955 and Lou Levy is on piano, Leroy Vinnegar is on bass and the drummer is the magnificent Shelly Manne. The repertoire is a collection of good standard tunes, a ballad medley and two up tempo burners. Enjoy this classic one time get together from August 1, 1955. Hamp and Getz!

如果你熟悉爵士乐的历史，就会发现有一个人的名字反复出现。然而这个人却并不会演唱或者演奏一个音符，他就是 Norman Granz。虽然如此，我们仍然可以肯定的说，如果没有Norman Granz，爵士乐应该不会有后来如此辉煌的发展。虽然他不是一个音乐家，但他却是一个优秀的操盘手，不仅推广了爵士乐，甚至还改变了我们后来听音乐的方式。Y4 致力于为都市生活提供陪伴与参考，欢迎大家光临我们位于上海市黄浦区成都南路128号的街头酒吧 - 饮料 Beverage。同时，Y4旗下摇摆舞组织 Why For Swing 持续为大家带来摇摆舞课程，具体可关注公众号 “Why For Swing”。如果想参考本集播客的文字版，请移步我的小报童：https://xiaobot.net/p/Y4JZWhy for Jazz 开通了微信听友群。我会对进群的朋友一次性收取199元的入群费，作为对本节目的支持。想要进群的朋友可以添加微信号Y4JZXZS，在确认群规及转账成功之后，我会将你拉进本节目的微信群。爵士乐的现场性导致了单纯的音频没办法表现它的全部魅力，因此 Why for Jazz 在小红书和B站开通了视频号。我会在上面分享一些非常哇塞的爵士乐现场，也会发一些自己的视频，欢迎大家点赞关注 Why for Jazz 视频号，作为播客伴侣，配合使用。Playlist of the Show:[00:00] Norman Granz' Jam Session - Jam Blues[03:03] Coleman Hawkins-Body and Soul[10:23] JATP - Lester Leaps In[17:00] Ella Fitzgerald - Flying Home[20:50] Oscar Peterson - I Only Have Eyes For You[28:25] Ella Fitzgerald - Let's Do It (Let's Fall in Love)[39:15] Ella Fitzgerald - In A Sentimental Mood

Rudy Van Gelder, Quincy Jones i Norman Granz han estat alguns dels productors m

We continue our month of historic female figures by focusing on Maya Angelou and Toshiko Akiyoshi. Maya Angelou is a well respected artist and activist who worked alongside some of the biggest names in the Civil Rights Movement and courageously wrote about her tumultuous upbringing in multiple autobiographies. Toshiko Akiyoshi moved from Japan to America in the 50s to pursue a career as a jazz musician and became one of the most well respected figures in the genre, working with huge jazz stars such as Norman Granz and Charles Mingus.

Courtney's playing refreshingly cool new jazzy vibes for you to work, rest and play to! Jam-packed full of new releases and plenty of fun, including many of the artists introducing their own tracks! This wk All-star contemporary jazz, latin swing, mellow keyboard grooves, underground hip-hop, refreshing bop, acid-jazz funk opus, jazz fusion quartet, Please let all your jazz friends know that they can listen for free on Apple podcasts, Google Podcasts, Amazon Music and always at jazz-pod.comVisit our archive here Join the CPG community by following us on Facebook & Instagram Ask us ANYTHING(!) about jazz over on Twitter Watch our FAB & FUN artist features over on Tiktok[0'50] Brian Landrus - Canopy of Trees (Red List: Music Dedicated to the Preservation of Our Endangered Species PALMETTO Tr 1) Brian Landrus cl, comp Ryan Keberle tb Geoffrey Keezer keys Nir Felder gtr Ron Blake tnr Jaleel Shaw alto Lonnie Plaxico bs John Hadfield perc Steve Roach tpt Rudy Royston dr Corey King vcDedicated to the preservation of our Endangered Species - this is an all-star lineup with beautiful clarinet from Brian![45'01] Christian Jacob - The Hipper They Are The Harder They Fall (Saunders) New Jazz Standards Vol5 The Music of Carl Saunders SELF RELEASE Tr4 Christian Jacob pno Darek Oles bs Joe LaBarbera drHandpicked by multi-Grammy nominated, Christian Jacob from Carl Saunders New Jazz Standards ‘book' of over 300 tunes, this is Vol 5 of Carl Saunders' heralded “New Jazz Standards” series - played brilliantly by Christian and his strong supporting cast.[8'46] Kibrom Birhane - Merkato (Here and There FLYING CARPET Tr1)Kibrom Birhane Keys Krar perc Nadav Peled gtr Randal Fisher sx Fabio Santana tb Glenn Holdaway tpt Kahlil Cummings perc Jake Najor dr Dave Pinewood bs "The future of Ethiopian Jazz" right here - Having absorbed thousand year old Ethiopian orthodox chanting as a child, while expertly acquainting himself with the traditional instruments of the region, Kibrom has focused his diverse musical talents studying past Ethiopian Jazz legends from the 1970s with modern day contemporaries while continuing to reach new depths and discovery.[13'52] Ella Fitzgerald - Cheek to Cheek (Berlin) Ella at the Hollywood Bowl – The Irving Berlin Songbook VERVE Tr6 Ella Fitzgerald vc with the Paul Weston OrchestraUnreleased live concert of Ella performing songs from her beloved Irving Berlin songbook with a full orchestra at the Hollywood Bowl, recently discovered in Norman Granz's private collection. [32'03] Steve Lehman & Sélébéyone – Gas Akap (Xabu: The Unseen Tr4) Gaston Bandimic vc (Wolof) HPrizm vc (English) Steve Lehman alto/comp Maciek Lasserre sop Damion Reid dr Sélébéyone means “intersection” in Wolof: groundbreaking work with shifting rhythms and state of the art sound design exploring spirituality and mysticism through the lens of experimental music.[20'08] Antonio Sanchez – Mi Palabra (Bad Hombre Vol II Tr3) Ana Tijoux vc Sanchez dr/comp“Bad Hombre” is drummer Antonio's alter-ego, where he plays virtually all the instruments while adding his compositional, production and percussion talents to “shift” the song to new realms while still leaving its essence intact. [24'03] Ole Matthiessen – Ikke Noget Endnu (Nothing Yet) Social Distancing Blues SUNDANCE DK Tr6Henrik Bolberg tpt Jan zum Vohrde alto Bob Rockwell tnr Ole Matthiessen pno/comp Rune Fog-Nielsen bs Ole Streenberg drOle is a living legend in Danish jazz!  Beautiful contemporary jazz borne out of lockdown.[28'39] Nimbus Sextet feat Nathanial Cross – Forward Thinker (Forward Thinker ACID JAZZ Tr2) Euan Allardice tpt Michael Butcher sx Honza Kourimsky gtr Stephen Jack bs Alex Palmer dr Nichols/Dixon/Stevens/Palmer comp Major Scottish acid jazz talent this multi-national contemp jazz outfit fuses their jazz, world, hip-hop and funk influences uniquely into a strong melodic blend that has set them apart from their contemporaries. [36'36] The Bad Plus – Motivations II (The Bad Plus EDITION Tr1) Reid Anderson bs/comp Dave King dr Ben Monder gtr Chris Speed sx/clTwenty-one years after making their landmark debut as a genre exploding piano-bass-drums trio, the always adventurous group have reinvented themselves as a dynamic quartet.[41'57] Laura Anglade & Sam Kirmayer: Venez Donc Chez Moi (Venez Donc Chez Moi Justin Time Tr1)Laura Anglade vc Sam Kirmayer gtrLaura Anglade is a young Toronto-based jazz vocalist originally from Brousse-Le-Chateau, a small village in the south of France and raised in Connecticut, she is influenced by her parents' gypsy jazz & classical backgrounds.[44'29] UMO Helsinki Jazz Orchestra: En Tut (Ronka) Fresh From Finland Cadillac Tr1 Soloist Manuel Dunkel, sx Kirmo Lintinen condUMO Helsinki Jazz Orchestra is the only professional orchestra in Finland specialised in jazz and new rhythm-oriented music. The big band of 16 musicians plays about 100 concerts every year in Finland and abroad. Next week on CPG Bitesize: we're celebrating Generation Gaps, deconstructing big bands and following Jared Schonig wherever he wants to go! Hit subscribe here so you don't miss it!!

Welcome to the latest Courtney Pine Global Podcast Bitesize Edition! A coffee break's worth of cool jazzy vibes to wet your appetite for the full show. Commercial free, and hand-picked by Courtney for a vibrant, and soulful listen!  This week: super-fresh swing, classic Ella LIVE, mellow Latin hip-hop - Dance with the Old and Groove with the New folks this IS the Courtney Pine Global Podcast!Please let all your jazz friends know that they can listen for free on Apple podcasts, Google Podcasts, Amazon Music and always at jazz-pod.comVisit our archive here Join the CPG community by following us on Facebook & Instagram Ask us ANYTHING(!) about jazz over on Twitter Watch our FAB & FUN artist features over on Tiktok[0'00] Christian Jacob - The Hipper They Are The Harder They Fall (Saunders) New Jazz Standards Vol5 The Music of Carl Saunders SELF RELEASE Tr4 Christian Jacob pno Darek Oles bs Joe LaBarbera drHandpicked by multi-Grammy nominated, Christian Jacob from Carl Saunders New Jazz Standards ‘book' of over 300 tunes, this is Vol 5 of Carl Saunders' heralded “New Jazz Standards” series - played brilliantly by Christian and his strong supporting cast.[4'25] Ella Fitzgerald - Cheek to Cheek (Berlin) Ella at the Hollywood Bowl – The Irving Berlin Songbook VERVE Tr6 Ella Fitzgerald vc with the Paul Weston OrchestraUnreleased live concert of Ella performing songs from her beloved Irving Berlin songbook with a full orchestra at the Hollywood Bowl, recently discovered in Norman Granz's private collection.[7'50] Antonio Sanchez – Mi Palabra (Bad Hombre Vol II Tr3) Ana Tijoux vc Sanchez dr/comp“Bad Hombre” is drummer Antonio's alter-ego, where he plays virtually all the instruments while adding his compositional, production and percussion talents to “shift” the song to new realms while still leaving its essence intact. Next week on CPG Ep25: The Bad Plus are back minus piano! A Danish jazz legend and acid jazz funk from Scotland, Hit subscribe so you don't miss it!!

Maggie Speaks With Drummer, Producer Gregg Field About Ella At The Hollywood Bowl: The Irving Berlin Songbook - Eight-time Grammy and 2018 Emmy winner (including Latin Grammy “Producer of the Year”) Gregg Field is one of the most musically diverse and highly sought-after producers, musicians and educators in music.World class musicians and singers — a veritable who's who of music, including Michael Buble, Placido Domingo, Pharrell Williams, Josh Groban, Garth Brooks, Alejandro Sanz, Stevie Wonder, Barbara Streisand, Frank Sinatra and Quincy Jones — are among his many musical collaborators.Starting at age 19, Field toured with, among others, Count Basie, Ella Fitzgerald and Frank Sinatra, and he can be heard on Sinatra's historic, multi-platinum Duets and Duets II recordings.Ella Fitzgerald's "Songbook" records - with her peerless renditions of the best songs from iconic composers from Irving Berlin to Rogers & Hart to Cole Porter to George & Ira Gershwin - are the cornerstone of the Verve catalog and the standard for jazz vocal recordings. Ella never released a live version of these Songbooks. This record, discovered in the private collection of Norman Granz, will make the first time a live Songbook has been released from the First Lady of Song. Source: https://music.usc.edu/gregg-field/https://www.udiscovermusic.com/news/ella-fitzgerald-hollywood-bowl-album-out-now/This episode is from an archive from the KPFK program Profiles adapted for podcast.Host Maggie LePique, a radio veteran since the 1980's at NPR in Kansas City Mo. She began her radio career in Los Angeles in the early 1990's and has worked for Pacifica station KPFK Radio in Los Angeles since 1994.Support the show

Pianist Count Basie was asked to select a group of his favorite musicians for an impromptu jam session style recording. He selected the players wisely and chose trumpeter Harry "Sweets" Edison, alto saxophone masters, Benny Carter and Willie Smith and tenor giants Stan Getz and Wardell Gray and the herald of the modern clarinet, Buddy DeFranco,. In the rhythm section of course Basie chose guitarist Freddie Green, his right hand man for many years. On bass, the reliable John Simmons and the fiery Buddy Rich on drums. Basie is replaced on the lengthy ballad medley by pianist Arnold Ross and on the final "Blues For The Count" , Basie switches to organ while Ross stays on piano. The format is simple as the set opens on a high level with "Apple Jam". The ballad medley follows with everyone displaying their wares on a group of standard songs. Then the exciting "lady be Good". This standard by the Gershwin Brothers was often used in jam sessions and is one of the high points here. The final "Blues For The Count" is self explanatory. All of this took place in Los Angeles on August 18,1953 under the wise supervision of the great impressario Norman Granz. Sit back and enjoy master musicians in an informal setting playing their best.

The names Hawkins, Webster, Benny Carter, Fitzgerald, Peterson, Gillespie are ones that are associated with the deepest traditions in jazz. They played and continually evolved to stay current or ahead of the curve. They were the founding mothers and fathers of jazz and paved the way for future leaders in the improvisational music world. There legacy lives on in large part to their playing and the promotion that comes with that. If you don't have a forum or an advocate for your art what good is it really. For these legends they had the strongest advocate in Norman Granz. Granz was a tireless promoter, critic and transformational figure in jazz. He owned record labels, made sure that his concerts in the south were desegregated, stood up to racial prejudices at home and abroad, and in his own idiosyncratic way endeared himself to legions of jazz fans because he promoted the music and the people behind the music. Money was not supreme for Norman Granz- the music was. Today I was joined by Tad Hershorn an archivist at the institute of jazz studies at Rutgers University and author of the new book Norman Granz - The man who used Jazz For Justice

Hoy vamos a repasar un gran disco, el que grabaron en estudio Stan Getz y The Oscar Peterson Trío en 1.958. En el trío de Peterson militaban el guitarrista Herb Ellis y el bajista Ray Brown. El año anterior, en 1957, el productor Norman Granz estaba tratando de emparejar al legendario trió sin batería de Oscar Peterson con grandes figuras del jazz. El elegido fue Stan Getz porque pensó, con acierto, que de esta conjunción saldría algo bueno. Y ya lo creo que salió. La base rítmica que proporcionan la guitarra y el bajo, permite que el piano de Peterson desarrolle toda su técnica y que el saxo de Stan suene tan cálido como acostumbra. El disco empieza con una vibrante versión de I want to be happy, “Quiero ser feliz”, una partitura que Vincent Youmansy escribió para el musical de 1925 No, No, Nanette. Stanley Getz nació el 2 de febrero de 1927 en Filadelfia y ha sido catalogado por el crítico musical Scott Yanow como “uno de los grandes saxofonistas tenores de todos los tiempos”. Sus orígenes eran de lo más diverso. Su madre había nacido en Filadelfia, su padre en Londres, sus abuelos paternos eran originarios de Ucrania y habían tenido que salir huyendo para no caer en los pogromos anti-judios que se estaban produciendo en el imperio ruso. Durante la Gran Depresión la familia Getz se mudó a Nueva York y fue allí donde el jovencito Stand empezó a interesarse por los instrumentos musicales y tocó varios de ellos hasta que su padre le compró su primer saxofón a la edad de 13 años. Y con él, empezó a practicar nueve horas al día. Esta dedicación le permitió ser aceptado en la All City High School Orchestra de Nueva York. Con 16 años se unió a la orquesta de Jack Teagarden y empezó su carrera profesional. También tocó con Nat King Cole, Lionel Hampton, Jimmy Dorsey y Benny Goodman. Después de tocar con los mejores, decidió dar el paso y formar su propio grupo, pero, al mismo tiempo, empezó también su relación con la heroína. Getz se había casado cuando era prácticamente un adolescente y estaba bastante metido en las drogas. De hecho, fue detenido en 1954 por intentar robar una farmacia para conseguir morfina. Este primer matrimonio se deshizo y sus tres hijos fueron recogidos, con el tiempo, por la segunda esposa de Stan con la que tuvo dos hijos más. La nueva pareja se había trasladado a Copenhague, sobre todo para escapar del mundo de las drogas, tan asequible en aquellos días en Estados Unidos. A pesar de todo, Stan volvió a las drogas y su esposa le abandonó y se volvió a Suecia donde vivían sus padres. Para que volviera con él, Stan le envió una copia de lo que sería su siguiente trabajo Jazz Samba y le prometió que a partir de ese momento se mantendría sobrio. Su esposa volvió con él pero solo sería el inicio de un largo recorrido de encuentros y desencuentros que solo terminó cuando, en 1987 le diagnosticaron un cáncer terminal que acabó con su vida el 6 de junio de 1991. I’m glad there is you es una canción escrita por Yimmy Dorsey, que se publicó por primera vez en 1941 y que se ha convertido en un estándar del jazz. Por su parte, Oscar Peterson, la otra columna que sostiene esta estupenda obra, nació el 15 de agosto de 1925, en Montreal, y fue un virtuoso del piano, el “Maharaja del teclado”, como le llamaba Duke Ellington. Peterson, que se crió en un barrio predominantemente negro, se encontró pronto con la cultura del jazz. Sus primeras clases de piano las empezó a recibir a los siete años impartidas por su padre, músico aficionado, y su hermana. A los nueve años Peterson ya tocaba perfectamente y a los catorce ganó el concurso nacional de música organizado por la Canadian Broadcastin Corporation. Y, a partir de aquí, se convirtió en pianista profesional. Tenía por entonces un programa de radio semanal, tocaba en hoteles y salas de músico, orquestas, trios y es que, aunque su formación había sido clásica, sus tendencias gravitaron pronto hacia el boogie-woogie y el swing. Oscar Peterson había conseguido una reputación como un pianista técnicamente brillante y melódicamente creativo. Norman Granz, al que ya conocemos por su relación con nuestros dos invitados, se hizo cargo de su representación. Su primer contrato, presentación de Peterson en la ciudad de Nueva York en un concierto de Jazz en la Filarmónica en el Carnegie Hall. A partir de aquí, toco siempre con los mejores pero cabría destacar su colaboración con Stan Getz con el guitarrista Joe Pass. Fue en esta época, 1974, cuando ganó el Premio Grammy a la Mejor Interpretación de Jazz por un grupo. El álbum se llama The Trío. Vamos a escuchar ahora una mezcla de baladas, incluidas en este disco, en las que los cuatro músicos dejan de manifiesto su cualidades interpretativas. Ballad Medley Nuestro amigo no fue un derroche de salud que digamos. Peterson padecía de artritis desde su juventud, una enfermedad que para un pianista resulta letal. Siempre fue obeso, lo cual empeoraba la situación. Fumaba mucho y cada vez que intentaba abandonar al habito engordaba un poco más. Tuvo que ser operado de la cadera y ésto todavía empeoró su movilidad. Para terminar de arreglarlo, en 1993 sufrió un derrame cerebral que debilitó su lado izquierdo y le retiró de escena durante unos años. Aunque recuperó cierta habilidad en su mano izquierda, su destreza en la forma de tocar el piano se vio sensiblemente mermada. Su estilo pasó a basarse principalmente en su mano derecha. Volvió a escena en 1995 y aún recibió el Grammy Lifetime, por sus contribuciones creativas en el campo de la grabación. En 2007 su salud se vino abajo. Canceló sus planes de actuar en el Festival de Jazz de Toronto y en un concierto de estrellas del Carnegie Hall que se iba a dar en su honor. Peterson murió el 23 de diciembre de 2007 de insuficiencia renal en su casa en Mississauga, Ontario. Vamos a escuchar ahora Tour’s end, una canción compuesta por el propio Stan Getz. Es evidente que durante la grabación de este trabajo, los cuatro músicos se encontraban en estado de gracia. No hay un solo compás que desmerezca. Saxofón, piano, guitarra y bajo. No hace falta nada más. Bueno amigos, nos vamos a despedir de estos cuatro genios y del programa de hoy con otro número de su álbum: Three little words, en este caso compuesta por Oscar Peterson. Nos vemos y nos oímos dentro de quince días, hasta entonces… ¡¡¡Buenas Vibraciones!!!.

Celebrated jazz pianist Benny Green stops by ahead of his upcoming Norman Granz tribute show. Plus, we hear how Trellis Horticultural Therapy Alliance is helping people outgrow their limitations with adaptive gardening.See Privacy Policy at https://art19.com/privacy and California Privacy Notice at https://art19.com/privacy#do-not-sell-my-info.

Альбом The Alvin Queen Trio • Night Train To Copenhagen - это новые версии треков взятые с пластинок The Oscar Peterson Trio • Night Train®️1963 и We Get Requests®️1964, продуцированных Norman Granz, ставшие классикой мэйнстрима и ярким учебником свинговых стандартов бибопа. Alvin Queen - швейцарский барабанщик, родившийся в нью-йоркском Бронксе в 1950 году. В 16 лет он играл в группе Wild Bill Davis. Затем заменил Billy Cobham в The Horace Silver Quintet. Потом играл в квартете George Benson, а в 1971 присоединился к трубачу Charles Tolliver. В начале 70х он жил в Канаде, а в 1979 переехал в Швейцарию, где создал свой лейбл Nilva. Он также играл с Michael Brecker, Kenny Drew, Bennie Wallace, Duško Gojković, Johnny Griffin и George Coleman. В 2019 году вышел альбом Alvin Queen Trio • OP: А Tribute to Oscar Peterson, в котором также было 15 треков. Знание материала и чувство такта барабанщика явно в памятном духе, ведь он играл в группе Оскара Петерсона до его ухода из жизни в 2007 году. Calle Brickman – piano Tobias Dall – bass Alvin Queen – drums Record: Inner Adventures Studio, Elsinore, Denmark Label: Stunt Records, Denmark 2021 #jazz #bebop #swing --- Send in a voice message: https://anchor.fm/konstantins/message

"Parisian Thoroughfare" Bud Powell: The Genius Of Bud Powell (Mercury / Clef, 1956) Bud Powell. El tema es una composición de Earl Rudolph Powell. ¿Sabías que? El tema "Parisian Thoroughfare" es un estándar compuesto por Bud Powell. Lo grabó por primera vez para Clef Records, en una grabación producida por Norman Granz. Aunque la grabación del tema es del año 1951, The Genius Of Bud Powell se editó en 1956. Anteriormente diez temas se habían publicado en el LP titulado Bud Powell's Moods, entre los que se incluía "Parisian Thoroughfare". Para confundir a los aficionados, tras la edición de The Genius Of Bud Powell se publicó un disco titulado Bud Powell's Moods que contenía material de unas sesiones de 1954 y 1955, que obviamente no eran las mismas que las que contenían el material publicado originalmente con este título. A pesar de estas posibles confusiones, es un verdadero placer escuchar al enorme Bud Powell. © Pachi Tapiz, 2022 En anteriores episodios de JazzX5/HDO/LODLMA/Maltidos Jazztardos/Tomajazz Remembers… https://www.tomajazz.com/web/?p=39421 https://www.tomajazz.com/web/?p=39660 Más información sobre Bud Powell https://www.budpowelljazz.com/ https://www.tomajazz.com/web/?s=bud+powell&submit=Search Más información sobre JazzX5 JazzX5 es un minipodcast de HDO de la Factoría Tomajazz presentado, editado y producido por Pachi Tapiz. JazzX5 comenzó su andadura el 24 de junio de 2019. Todas las entregas de JazzX5 están disponibles en https://www.tomajazz.com/web/?cat=23120 / https://www.ivoox.com/jazzx5_bk_list_642835_1.html. Las sugerencias, quejas, felicitaciones, opiniones y el contacto en general en jazzx5 @ tomajazz.com También por WhatsApp en el teléfono de contacto. JazzX5 y los podcast de Tomajazz en Telegram En Tomajazz hemos abierto un canal de Telegram para que estés al tanto, al instante, de los nuevos podcast. Puedes suscribirte en https://t.me/TomajazzPodcast. Pachi Tapiz en Tomajazz https://www.tomajazz.com/web/?cat=17847

"Sing Sing Sing" Buddy Rich & Max Roach: Rich Versus Roach. A battle of bands and drums between Buddy Rich and Max Roach (1959) Buddy Rich Quintet: Buddy Rich, Willie Dennis, Phil Woods, John Bunch, Pil Leshin. Max Roach Quintet: Max Roach, Tommy Turrentine, Stanley Turrentine, Julian Priester, Bobby Boswell. La composición es obra de Louis Prima. Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2022 ¿Sabías que? En JazzX5 en la edición de fin de semana, continuamos escuchando versiones de "Sing Sing Sing", el tema de Louis Prima. La versión seleccionada es la que aparecía en una muy atractiva batalla de baterías entre dos bateristas con unos estilos muy diferentes, acompañados por sus respectivos quintetos: Buddy Rich y Max Roach. En el disco había un único tema, "Figure Eights" en el que los dos bateristas tocaban sin estar acompañados por sus respectivos quintetos. Buddy Rich y Gene Krupa llegaron a tocar en directo, contratados por Norman Granz, en el espectáculo Jazz At The Philharmonic. A partir de estos conciertos se publicó la grabación The Drum Battle. En anteriores episodios de JazzX5/HDO/LODLMA/Maltidos Jazztardos/Tomajazz Remembers… https://www.tomajazz.com/web/?p=61862 https://www.tomajazz.com/web/?p=61696 https://www.tomajazz.com/web/?p=61681 https://www.tomajazz.com/web/?p=61464 https://www.tomajazz.com/web/?p=61435 https://www.tomajazz.com/web/?p=46367 Más información sobre Buddy Rich y Max Roach http://buddyrich.com/ https://www.britannica.com/biography/Max-Roach https://www.tomajazz.com/web/?s=buddy+rich&submit=Search https://www.tomajazz.com/web/?s=max+roach&submit=Search Más información sobre JazzX5 JazzX5 es un minipodcast de HDO de la Factoría Tomajazz presentado, editado y producido por Pachi Tapiz. JazzX5 comenzó su andadura el 24 de junio de 2019. Todas las entregas de JazzX5 están disponibles en https://www.tomajazz.com/web/?cat=23120 / https://www.ivoox.com/jazzx5_bk_list_642835_1.html. JazzX5 y los podcast de Tomajazz en Telegram En Tomajazz hemos abierto un canal de Telegram para que estés al tanto, al instante, de los nuevos podcast. Puedes suscribirte en https://t.me/TomajazzPodcast. Pachi Tapiz en Tomajazz https://www.tomajazz.com/web/?cat=17847

When the great Canadian pianist Oscar Peterson first toured he made a plan, and he stuck to it. Peterson said, “If the only way I was going to make it was to frighten the hell out of everybody pianistically—if that's what it took to get the attention—then that's what I would do my best to do.”Footage of Peterson (1925-2007) making the comment appears in Oscar Peterson: Black + White, a documentary by veteran filmmaker Barry Avrich. The film slightly recasts the great piano virtuoso. During his life, he was well known for his formidable technique and charming, even ebullient presence, but some of his peak came during an era of significant Black empowerment, and the great pianist was occasionally shrugged off as an entertainer rather than a freedom fighter, a blanket charge that even Louis Armstrong faced. But the documentary is corrective, dwelling on Peterson's “Hymn to Freedom,” a song that was important to the Civil Rights movement. This song, and the fact that Peterson's star has faded a bit in the music community since his death in 2007, provided Avrich's motivation in making the film.Oscar Peter: Black + White Trailerhttps://www.youtube.com/watch?v=sxYywC_4nGsOscar Peterson, Hymn to Freedomhttps://www.youtube.com/watch?v=tCrrZ1NnCuMThe great impresario Norman Granz heard him in 1949, brought him to New York, and placed him on his enormously popular Jazz at the Philharmonic tours, which enabled him to play with and alongside many if not most of the jazz legends of the era.Norman Granz (August 6, 1918 – November 22, 2001) was an American jazz record producer and concert promoter. He founded the record labels Clef, Norgran, Down Home, Verve, and Pablo. Granz was acknowledged as "the most successful impresario in the history of jazz". He was also a champion of racial equality, insisting, for example, on integrating audiences at concerts he promoted.Norman Granz opposed racism and fought many battles for his artists, many of whom were black. In 1955, in Houston, Texas, he removed signs that previously designated "White" and "Negro" restrooms, outside the auditorium where two concerts were to be performed by Ella Fitzgerald and Dizzy Gillespie. Between the two shows, Fitzgerald and Gillespie and Illinois Jacquet were shooting small-stakes dice in the dressing room to kill time, when the local police barged in and arrested them. After some negotiations, the artists were allowed to perform the second show and later were formally released on $50 bail. Granz, incensed by the incident, insisted on successfully fighting the charges, which cost him over $2,000.Oscar Peterson recounted how Granz once insisted that white cabdrivers take his black artists as customers, while a policeman pointed a loaded pistol at his stomach. Granz also was among the first to pay white and black artists the same salary, and to give them equal treatment even in minor details, such as dressing rooms.Granz also spearheaded the fight to desegregate the hotels and casinos in Las Vegas, arguing that it was unfair that black artists could perform on the stages, but could not stay or gamble at the hotels, or even enter through the front doors.Granz was also interested in art, developing a friendship with Pablo Picasso, whom he met in 1968.Mick Smith, Consultant M: (619) 227.3118 E: mick.smith@wsiworld.com Commercials Voice Talent:https://www.spreaker.com/user/7768747/track-1-commercials Narratives Voice Talent:https://www.spreaker.com/user/7768747/track-2-narrativesDo you want a free competitive analysis? Let me know at:https://marketing.wsiworld.com/free-competitive-analysis?utm_campaign=Mick_Smith_Podcast&utm_source=SpreakerWebsite:https://www.wsiworld.com/mick-smithLinkedIn:https://www.linkedin.com/company/wsi-smith-consulting/Make an appointment:https://app.hubspot.com/meetings/mick-smithBe sure to subscribe, like, & review The Doctor of Digital™ Podcast:https://www.spreaker.com/show/g-mick-smith-phds-tracksSign up for the Doctor Up A Podcast course:https://doctor-up-a-podcast.thinkific.com/

When impresario Norman Granz launched Verve Records in late 1955, he couldn't have come up with a better word connoting vigor, spirit and enthusiasm in the jazz world. By launching the careers of artists such as, Ella Fitzgerald, Nina Simone, Stan Getz, Bill Evans, Billie Holiday, and Oscar Peterson, among others the groundbreaking Verve Records has brought “The Jazz Of America” into millions of homes around the world. In this episode of The Accutron Show, our hosts talk to James Krents, Executive Vice President of Verve Records about the "meaning" and evolution of jazz from its roots until today.Episode HIghlights5:58 Music is being consumed more than ever. For the younger generations, music is a bit periferal, they listen to it while they are doing other things. While in the past, listening to music was a primary activity, where you could also read the liner notes. 22:40 This year and a half, its been very hard for jazz musicians to make a living. Without the live side, most of the artists cannot live off of the sale of their music. 31:15 There are some many sites that explore the style of jazz iconic personalities like Miles Davis, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong and many more. These artists gave a lot of importance to their look and style. Learn more about the Accutron watch here, and follow @AccutronWatch:InstagramTwitterFacebook Subscribe to this podcast on Apple Podcasts and Spotify to hear new episodes as soon as they're released. Follow our hosts on social media:Bill McCuddy: Facebook  / TwitterDavid Graver: Instagram  / TwitterKatic Couric: Instagram

Calling all unsung heroes. That's right, you over there who can read music and write compositions with something to say. Unsung heroes have been prevalent on the JFS, Guys who oozed the cosmic plasma of listening to each other. When everyone is listening then and only then can magic occur. My guest today is a listener, singer, song writer and individualist. He could have chosen the route of Studio City, playing sessions, getting union scale and an identity. He chose not to do this rather making a big imprint on the musical landscape during the days that mixed race bands had crossover appeal because they could play at some upholstered sewer in Cape Cod for a week two weeks- a month. His imprint is also attributable to the fact that people like Arif Mardin, Jerry Wexler, Norman Granz and Saul Zaentz were business men who understood the musicians craft. They saw the bigger picture, both sonically and sociologically. They wanted to make money but they understood the lineage that exists in music and when those links are missing. You see when links are missing it begins to dilute our cultural heritage, music serves to pacify instead of elevate consciousness. When the individual supersedes the music then no one is listening and no magic can occur. Trust me, Mingus, Roach and Dizzy are convulsing in their graves. My guest plays with his band in Marin County these days for fun. What a concept? How do you think real music is made? Recently he has been writing some songs with former bandmate and collaborator Mike Finnegan who continues to use my guests tunes on his own albums. Calling all unsung heroes Lane Tietgen welcome to the JFS

Norman Granz set up Jazz at the Philharmonic with little more than chutzpah and a handful of cash. JATP would go on to create careers and fortunes for many musicians. Find out more as Nick and simon discuss a series of concerts that changed jazz.

Après « Storyville » en 1952 (épisode précédent), Getz acquiert une nouvelle stature, aidé en cela par son tout nouveau producteur, le talentueux Norman Granz. Une collaboration fructueuse qui va durer 20 ans. Ses premiers disques avec Granz, sur le label Norgran,... Continue Reading →

Feeling a Draft - Roy Eldridge and Oscar Peterson . . Eldridge featured in 1953 and 54 for Norman Granz backed by the Peterson quartet (Oscar Peterson, Herb Ellis, Ray Brown and either Alvin Stoller or Buddy Rich) . .great playing by the trumpeter- some more reflective and introspective than expected. --- Support this podcast: https://anchor.fm/john-clark49/support

En El Guateque (orm.es; domingos, 22,05h) rescatamos olvidadas melodías del ayer. Celebramos el éxito de Massiel en Eurovisión. La cantante madrileña ganó el festival con tan solo 20 años y con una polémica previa por el tema ‘La, la, la' .A la celebración se les unió incluso Cliff Richard, que se tuvo que conformar con el segundo puesto.Monna Bell fue una de las intérpretes más galardonadas en los festivales y certámenes de principios de los 60, donde su presencia era casi obligatoria. Despedimos a Henry Stephen, considerado uno de los pioneros del rock venezolano desde los años 60. Stephen es recordado, sobre todo, por ser el intérprete de Limón limonero, lanzada al mercado en 1968 , que se convirtió en un himno intergeneracional. También fue el vocalista de Los Impala, con los que grabó un par de discos. Y siguiendo con limones, un magnífico pasodoble compuesto por Antonio Martínez Endique, con música de Manuel Masotti, en el que se presentan escenas costumbristas de la huerta murciana, que grabaron el Trio Las Vegas y convirtió en un éxito universal Manolo Escobar. Lolita Torres canta "Murcia, jardín de España", pasodoble de Salvador Valverde y Ramón Zarzoso, en la película argentina "Novia para dos" del año 1956. La primavera ejerce un poder muy especial en todas las personas. Es la época del año con más estímulos visuales. Las Hermanas Fleta anuncian la llegada de la primavera. The Velvets fueron un grupo de du dua americano que grabaron una melodía killer escrita por Roy Orbison ( que él curiosamente nunca grabó). Count Basie tenía la mejor orquesta de swing del planeta. Esta pieza, "April in Paris", de Vernon Duke, que produjo el grandísimo Norman Granz muestra su estilo elegante y austero. Un 16 de abril de 1973 se nos fue el gran Nino Bravo. "Nada me importa" es un tema pop desenfadado y bien construido de Módulos, que recibió el toque Trabuchelli.

Oscar Peterson (OP, Montréal, Canadá 1925-2007) fue el más destacado jazzista de ese país. Pianista negro de origen humilde, desarrollo un estilo visceral, viril y articulado del swing sintetizando influencias de Art Tatum, los pianistas de Harlem y Nat Cole. Descubierto por Norman Granz en 1950, lo lleva a USA a tocar en su Jazz at The Philarmonic y lo catapulta a una brillante carrera de 6 décadas. Sus tríos legendarios con Herb Ellis (gtr) y el gran Ray Brown (1926-2002), uno de los mas grandes bajistas del jazz, ancla y motor de cualquier banda. OP graba más de 200 discos y acompaña a grandes jazzistas. Su trío con Niels Pedersen y Joe Pass. Compone su Canadiana Suite y Blues Etude.  

One of the most successful and enduring songs of the century had an unusual pedigree See omnystudio.com/listener for privacy information.

One of the most successful and enduring songs of the century had an unusual pedigree     See omnystudio.com/listener for privacy information.

Chris is joined by jazz singer extraordinaire, Emma Smith.Emma discusses being a jazz musician during lockdown, her new album and her song Monogamy Blues (featured), singing at Ronnie Scott's and performing with the Puppini Sisters, her love of Ella Fitzgerald, chooses her 3 favourite albums of all time, and replaces a member of our house band!Emma's album listing includes:Swings Schubert Alley by Mel Tormé (1960) Prd. Russell Garcia. Released on Verve.Presenting Joe Williams and Thad Jones/Mel Lewis Jazz Orchestra (1966) Released on Solid State Records.West Side Story by Oscar Peterson (1962) Prd. Norman Granz. Released on Verve.SupportYou can help support the podcast and keep us ad free. Especially useful if you'd like to support the podcast and want to keep it ad free. Plus it makes Chris feel very happy indeed! https://www.buymeacoffee.com/ChrisNewsteadShow infoPresenter: Chris NewsteadTheme: by SoundWorkLab, licensed through AudioJungle.Additional music: Monogamy Blues by Emma Smith & Jamie Safir. Available now. Released by Wingsor Castle Records.Recorded 14 November 2020.

Dizzy Gillespie en las décadas del 70 y 80. El legado de Roy Eldridge en la génesis del estilo de Diz. Sus grandes encuentros cumbres de la mano de Norman Granz con el trío del gran Oscar Peterson. Dizzy el cantante, sus scats. Vocalise en francés con los Double Six. Los festivales de Montreux, su gran saxo tenor y flautista James Moody. La United Nations Orchestra con Arturo Sandoval (tp) , Paquito de Rivera (saxo alto) de Cuba, Airto Moreira (percusión) y tantos otros.  

Programa día 07-11-2020 - Pool Jazz Vibes #3 - Jazz At The Philarmonic dirigido por Guillermo Valero.Jazz At The Philarmonic fue un exitoso formato musical producido por Norman Granz. En él juntaba a grandes estrellas del jazz y los ponía a actuar en grandes auditorios en formato de jam sesión. Destaca su lucha por la igualdad racial y la dignificación del trabajo de los músicos de jazz.

Demain, nous fêtons le CENTENAIRE de la naissance du saxophoniste Charlie Parker ! Pour lancer les festivités à l'antenne, on termine notre Best-Of de l'été avec la rediffusion d'un numéro du 59, Rue des Archives consacré au Bird et son enregistrement du mythique "Charlie Parker with Strings" !  Aujourd'hui, Inspecteur Guermonprez, nous allons pénétrer les coulisses d'un enregistrement qui a marqué à jamais la très riche carrière discographique de Charlie Parker… Lorsqu'il entre en studio en novembre 1949, Charlie Parker sait qu'il va enregistrer une séance bien différente de celles qui, depuis 10 ans, ont porté le bop jusqu'à l'incandescence…Bird va alors franchir un nouveau sommet... Et devoir affronter un polémique nouvelle pour lui… A la parution quelques mois plus tard d'un premier 33 tours 25 cm intitulé Charlie Parker with Strings, ils sont nombreux à penser que Bird cède, alors, aux sirènes de la musique… Commerciale…  De fait ce premier disque, bientôt suivi d'un autre dans le courant de l'année 1950, rencontrera un succès inédit dans sa carrière… Et pour certains puristes, c'est un crime de lèse-majesté… Or c'est bien à l'initiative de Charlie Parker que Norman Granz, directeur artistique et producteur de Clef, a organisé ces séances où s'exprime tout le génie de soliste de Bird…  Ajouter des cordes à la musique de jazz est presque toujours la garantie de rencontrer un plus large public et c'est précisément le souhait de Charlie Parker … Quel chemin a t'il parcouru, de la naissance du be bop auquel il a grandement contribué, jusqu'à ces séances si particulières? En quoi ces séances avec cordes illustrent une facette importante du génie de Charlie Parker ? Comment Charlie Parker With Strings fut il reçu par le public et les admirateurs de Bird ? C'est ce que nous allons voir dans ce nouveau numéro de 59 Rue des Archives.   Etagère 3… boîte 5… Dossier CP1950… Charlie Parker, cordes et âmeHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Ella Fizgerald (1917-1996), cantante con un rango y entonación envidiable iba a concursar como bailarina en el Apollo en Manhattan y gana como cantante. Empieza adolescente con la orquesta de Chick Webb en los 20 y se queda con ella tras la temprana muerte del baterista. La reina del scat, lleva este estilo de improvisación vocal al su máxima expresión. Incluso se asocia con los  boppers. Norman Granz la hace cross-over a la música popular y grabar el cancionero americano (Cole Porter, Gershwin, Kern, Berlin, Rogers and Hammerstein, Duke). Impecables reuniones cumbres con Satchmo y Duke. Su concierto en Berlin con Mac the Knife donde se olvida la letra y sale airosa improvisando.  

“Yo soy solo un pianista, pero hoy Dios está en la casa” dijo una vez Fats Waller cuando entraba Art Tatum al bar donde estaba tocando. Nacido el Toledo, Ohio y muerto en 1956 a los 49 años Art Tatum sublima el virtuosismo de los pianistas clásicos de fines del siglo XIX con un dominio del blues y la improvisación sin par. Casi ciego y autodidacta, ya tenía en la adolescencia un programa de radio en el Medio-oeste donde nació. Llega a probarse a NYC contra Fats, James P. Johnson y Willie the Lion, y los deslumbra con su Tea for Two y Tiger Rag a 380 beats por minuto (120 es una canción rápida). Descolla en el Onyx, Manhattan, sobre todo después de cerrar, en largas sesiones regadas de alcohol y blues.  Su repertorio de standards y clásicos de la canción era vasto y criticado por algunos. Charlie Parker lava platos en el  bar donde toca Art Tatum para poder aprender. Dijo: “quisiera tocar el saxo como la mano derecha de Tatum”. La concepción armónica de Tatum despierta interés en otros instrumentistas. En los chismes: se dice que tomaba por noche 2 litros de whisky y 8 de cerveza. Claro, lo atrapa la diabetes e insuficiencia renal que se lo lleva temprano. En los 50, Norman Granz, por suerte y para nuestro deleite, lo hace grabar en solista y pequeños grupos, unas 200 piezas (14 LPs).  

En este episodio, hablamos del sello Pablo Records. Tal vez, una de las discográficas más interesantes en cuanto al material 'raro' que editó Norman Granz a lo largo de su vida. Dale play! Más información: www.radioborder.com.ar

En este episodio, hablamos del sello Pablo Records. Tal vez, una de las discográficas más interesantes en cuanto al material 'raro' que editó Norman Granz a lo largo de su vida. Dale play! Más información: www.radioborder.com.ar

En este episodio 8 de Jazz Lo Sé, completamos nuestro viaje por la historia y la música de Louis Armstrong. Satchmo y sus All Stars de 1947: la magia con Earl Hines en piano, Jack Teagarden en trombón y voz, Barney Bigard en clarinete. Coexistencia con el bop de fin de los 40? Los boppers califican a Armstrong de vaudevilesco y Satchmo dice que ellos tocan música china…Los años de tours incesante por el mundo: Armstrong, como Paul, no puede parar de tocar en público! All Stars de los 60 con Trummy Young y Vilma Middleton. Satchmo y la canción popular, Mac the Knife y los discos de Norman Granz con Ella y con Duke Ellington. Porgy and Bess the Gershwin.

Los estudios de Radio Jazznoend se visten de gala para recibir a esa gran dama del Jazz que fue Billie Holiday o Lady Day como le bautizó su gran amigo, el saxo tenor Lester Young. Biillie Holiday, uno de los grandes mitos de la Gran Era Jazzística. Una leyenda construida a partes iguales sobre sus excepcionales cualidades artísticas, sobre su exquisito arte vocal, como sobre los aspectos más morbosos de su desgraciada existencia: Sus turbulentas relaciones amorosas y sobre todo sus brutales adicciones al alcohol y a las drogas que, a la postre, acabarían con su vida a la temprana edad de 44 años. Nuestro programa está dedicada a la etapa crepuscular de la vida y la carrera de Lady Day y para ello, viajaremos al pasado para escuchar algunos de sus grandes registros discográficos de esa época, desde el año 1952, cuando comienza su contrato para la discográfica de Norman Granz, Verve, hasta el año 1958, cuando graba ese legendario registro de Columbia records, que lleva por nombre Lady In Satin. Y nos despediremos con la emocionante despedida entre Billie Holiday y su amigo Lester Young en su último encuentro en el programa de televisión de la CBS, The Sound of Jazz, en 1957.

Los estudios de Radio Jazznoend se visten de gala para recibir a esa gran dama del Jazz que fue Billie Holiday o Lady Day como le bautizó su gran amigo, el saxo tenor Lester Young. Biillie Holiday, uno de los grandes mitos de la Gran Era Jazzística. Una leyenda construida a partes iguales sobre sus excepcionales cualidades artísticas, sobre su exquisito arte vocal, como sobre los aspectos más morbosos de su desgraciada existencia: Sus turbulentas relaciones amorosas y sobre todo sus brutales adicciones al alcohol y a las drogas que, a la postre, acabarían con su vida a la temprana edad de 44 años. Nuestro programa está dedicada a la etapa crepuscular de la vida y la carrera de Lady Day y para ello, viajaremos al pasado para escuchar algunos de sus grandes registros discográficos de esa época, desde el año 1952, cuando comienza su contrato para la discográfica de Norman Granz, Verve, hasta el año 1958, cuando graba ese legendario registro de Columbia records, que lleva por nombre Lady In Satin. Y nos despediremos con la emocionante despedida entre Billie Holiday y su amigo Lester Young en su último encuentro en el programa de televisión de la CBS, The Sound of Jazz, en 1957.

Dos amigos de 29 y 32 años, un saxofonista y un trompetista, grabaron este álbum en el momento en que la relación entre ambos empezaba a deteriorarse. Y pese a todo, lograron una química única. En éste episodio de Grandes Discos del Jazz, “Bird & Diz”, de Charlie Parker y Dizzy Gillespie.Parker y Gillespie eran grandes amigos de la juventud. Compartieron varios estudios de grabación y muchos escenarios, pero las adicciones de Parker comenzaron a separarlos. Este disco tiene la particularidad de preservar la última grabación de estudio de ambos, con la participación de Thelonius Monk en el piano. Son apenas seis canciones y veintipico de minutos, grabadas el 6 de junio de 1950, aunque editadas años después.La primera edición del álbum incluyó dos canciones que no habían sido compuestas por el dúo y grabadas en sesiones previas sin la presencia de Gillespie. Para el segundo lanzamiento se corrigió este error.Otra particularidad es el hecho de haber sido producido por Norman Granz, uno de los máximos responsables de las grandes bandas de la época, pero en este caso, como es notorio, se privilegió el formato quinteto.En las 18 tomas alternativas editadas como bonus track en un compact disc de 2006 se revela cómo era la relación entre ellos dos, musicalmente competitiva y casi agresiva.El disco no tuvo el mejor debut, ya que la crítica especializada en aquel momento resaltó algunas desafinadas de Parker. Pero el tiempo lo puso en perspectiva, con la belleza y el virtuosismo de un talentosísimo par de amigos.Escuchamos "Bloomdido", en primera instancia, seguido de “Leap Frog” y ahora, para la despedida, "My Melancholy Baby”.

Provenían de estilos distintos, pero este disco de duetos publicado en 1956 los unió para siempre como una de las parejas más famosas del jazz: Fitzgerald y Armstrong, Ella and Louis.La iniciativa de juntarlos fue mérito de Norman Granz, un empresario discográfico, dueño del sello Verve Records. Él vio la química entre el carisma de Satchmo y la dulzura de la Reina del Jazz y les seleccionó once baladas para que interpretaran acompañados por el cuarteto de Oscar Peterson. Ambos artistas ya estaban más que consagrados, por lo que el gran desafío fue balancear los momentos de lucimiento de cada estrella.Prácticamente sin tiempo para ensayos, los músicos se reunieron en los estudios Capitol, de Los Angeles, y en una sola jornada del 16 de agosto de 1956 registraron todas las tomas. Interpretaron las canciones en el tono de Louis, confiando en la versatilidad de la voz de Ella. El resultado está a la vista. Al año siguiente, por pedido de la compañía y a raíz del descomunal éxito, tanto del disco como de las presentaciones en el Hollywood Bowl, editaron una segunda parte de los duetos. Empezamos con "Cheek to Cheek", luego escuchamos “Can’t we be friends” y para cerrar, suena "They Can't Take That Away from Me".

El último volumen de The Bootleg Series de Miles Davis tiene por título The Last Tour, y se publica a nombre de Miles Davis & John Coltrane. Publicado en distintos formatos, la edición en formato de CD con cuatro CD y un extenso libreto escrito por Ashley Kahn, publica oficialmente algunos de los conciertos grabados a principios de 1960 dentro de la gira europea organizada por Norman Granz. En concreto son los dos conciertos en Paris el 21 de marzo, los dos conciertos de Estocolmo al día siguiente, y un concierto en Copenhague el 24 de marzo. En HDO 405 escuchamos un concierto virtual de esta gira, en el que se incluyen temas de todos y cada uno de esos conciertos. Además de los célebres abucheos parisimos, suenan versiones de un “So What” en la que Trane miraba hacia el infinito, “All Blues”, “On Green Dolphin Street”, “Walkin'”, un “‘Round Midnight” inusual, y como podía faltar en los conciertos de Miles Davis de la época, “The Theme”. Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2018 HDO es un podcast de jazz e improvisación (libre en mayor o menor grado) que está editado, presentado y producido por Pachi Tapiz. Para quejas, sugerencias, protestas, peticiones, presentaciones y/u opiniones envíanos un correo a hdo @ tomajazz . com.

Hoy dedicamos nuestro espacio a repasar algunos de los mejores instrumentistas de guitarra eléctrica que a lo largo del tiempo nos han dejado lo mejor de ellos mismos. Como siempre que hacemos listas, son todos los que están pero no están todos los que son. No puede ser de otra manera. Nuestra lista es subjetiva y sujeta a las variables que cada uno de nuestros ollentes quiera añadir. Y lo vamos a hacer con guitarristas de Rock. Nuestra primera cita se ocupa de Brian May. Brian May fue el guitarrista de THE QUEEN. Fue guitarrista, compositor, vocalista y en ocasiones teclista de la exitosa banda británica. Compuso muchos de los grandes éxitos de Queen, y utiliza una guitarra eléctrica hecha por él mismo, llamada Red Special, y que por cierto, utiliza una moneda para pulsar las cuerdas en lugar de la púa habitual. Es considerado uno de los guitarristas más grandes y originales de la historia. En 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto 26 de su lista de los guitarristas más grandes de todos los tiempos. En 2011, la misma revista en una nueva lista, lo posicionó nuevamente en el puesto número 26. En 2005 fue nombrado comendador de la Orden del Imperio Británico por sus "servicios a la industria de la música". May obtuvo un doctorado en astrofísica en el Imperial College, y desde abril de 2007, fue elegido rector honorífico de la Universidad John Moores. Otro que no podía faltar. Eric Patrick Clapton: guitarrista, cantante y compositor de rock y blues británico, conocido por su magistral habilidad con la guitarra eléctrica, en concreto con su Fender Stratocaster. Es conocido por el apodo de Mano lenta. Clapton ha pasado por numerosas etapas y grupos y su estilo musical ha sufrido cambios diversos a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas al blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera. Practicó el blues rock con John Mayall & the Bluesbreakers y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario. En la actualidad, su estado de salud le está jugando alguna mala pasada y desconocemos si este gran artista volverá o no a tocar. La vida tiene estas cosas Siguiendo con el rock, nos topamos con James Patrick «Jimmy» Page. Page es un músico multiinstrumentista y un virtuoso guitarrista de rock clásico británico conocido por haber sido el miembro fundador del grupo de rock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles músicos y guitarristas de todos los tiempos. Page fue uno de los primeros guitarristas de la historia en utilizar una guitarra de doble mástil, de marca Gibson inspirada en el modelo SG de la marca. Ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, The Kinks, o Eric Clapton. A su vez, grabó varios álbumes con artistas como David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker. Es, sin lugar a dudas, uno de los grandes. Y, como no, el Sr. Mark Knopfler, también está en nuestra lista. Nacido en Glasgow, Escocia, el 12 de agosto de 1949 es en la actualidad uno de los músicos más importantes de la historia del rock . Antes de su carrera como músico, trabajó de periodista y dio clases en la universidad. Principalmente es conocido como fundador, guitarrista y cantante de la banda Dire Straits y su singular estilo de tocar la guitarra sin púa. Pero también ha tocado en otras bandas y colaborado con artistas de la talla de Bob Dylan, Tina Turner, entre otros muchos. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk. Ahora le vamos a escuchar en una grabación realizada en 1990 junto con el guitarrista de country Chet Atkins, del que luego hablaremos. Cambiamos de tercio, y nos adentramos en el Jazz. Y como guitarrista de jazz, nadie mejor para empezar que Wes Montgomery. Nacido en Indianapolis en 1923, fue un guitarrista de jazz que aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta hacia 1943, después de escuchar a su mentor Charlie Christian. Tras deambular por diversas formaciones, es llamado por Lionel Hampton, con quien toca entre 1948 y 1950. Tras esa etapa, regresó a su ciudad natal y se sumió en un semi-retiro que le duró 6 años, trabajando de día en una fábrica de piezas de radio ajeno al mundo de la música, y tocando por las noches en clubes Por la intermediación de sus hermanos, también músicos como él, Richard Bock, productor del sello discográfico Pacific Jazz, organizó una sesión de grabación con Wes y otros músicos jóvenes, en lo que sería el primer disco de Wes como líder Pero fue su disco The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, publicado por el sello Riverside en 1960, el que le llevó a la fama dentro del mundo del jazz, dándole a su estilo un “aire” funky que le hace inconfundible. Repentinamente, en 1968, murió de un ataque al corazón. Montgomery ejerció una gran influencia en guitarristas posteriores, como Pat Martino o George Benson. Lo escuchamos ahora en su versión de CARAVAN, la mítica pieza de Duke Ellington Otro imprescindible: Joe Pass nació en Nueva Jersey, 13 de enero de 1929 - Los Ángeles, 23 de mayo de 1994), y fue uno de los guitarrista de jazz más alabados, tanto por la crítica como por sus compañeros de profesión, a algunos de los cuales sirvió de eficiente acompañante en distintos trabajos. Siempre se confesó un ferviente admirador de Django Reinhardt e incluso en sus inicios formó un grupo a imagen y semejanza del Quinteto del Hot Club de Francia al tiempo que se interesaba por el bebop naciente. Sin embargo, no fue hasta principios de los sesenta cuando Joe Pass comenzó a convertirse en la popular figura que llegaría a ser, especialmente de la mano del infatigable promotor Norman Granz, quien lo transformó en una de las estrellas de la discográfica Pablo y le ofreció la posibilidad de medirse con artistas de la talla de Benny Carter, Milt Jackson o Ella Fitzgerald, con los cuales grabó algunas de sus mejores obras. Un buen ejemplo del saber hacer de este guitarrista lo tenemos en la colección de discos editados por el mencionado sello discográfico con el nombre de "Virtuoso". Impecable en la ejecución -nítida y pulcra sin por ello caer en la frialdad- e ingenioso en su fraseo, Joe Pass ha sido uno de los más personales guitarristas de las últimas décadas, creándose un estilo propio al margen de las grandes corrientes coetáneas de ese instrumento y estableciéndose como un elegantísimo acompañante que en ningún caso renunció a su propio estilo. A principios de los 70, Pass también colaboró en una serie de libros de música, y su Joe Pass Guitar Style (escrito con Bill Thrasher) es considerado un libro de texto básico de improvisación para estudiantes de jazz. En 1994, Joe Pass murió de cáncer de hígado en Los Ángeles, California, a la edad de 65 años. Antes de su muerte, había grabado un álbum de versiones instrumentales de canciones de Hank Williams con el guitarrista de música country Roy Clark. Hablaremos ahora del MITO. Jean Django Reinhardt nació en Liberchies, Bélgica, el 23 de enero de 1910 y fue un guitarrista de jazz de origen gitano sinti. Se trata del primer músico de jazz originario de Europa que ejerció una influencia similar a la de los grandes artistas estadounidenses. Su música es el resultado de la fusión entre el swing y la tradición musical gitana del este europeo, lo que se conoce en inglés con el nombre de Gypsy jazz y en francés como Jazz manouche (Jazz gitano). Reinhardt revoluciona el toque de guitarra en el jazz, justamente antes de que se empezara a utilizar la amplificación. Sobre la base de un contrabajo, de dos guitarras rítmicas y del habitual violín de Stéphane Grappelli, Django desarrolla una música alegre y extraordinariamente flexible. Sus conceptos armónicos fueron sorprendentes en su época y así impresionó a músicos como Charlie Christian y Les Paul; Aunque no sabía leer música, a solas y junto a Grappélli, Reinhardt compuso varias melodías sumamente originales y exitosas como “Daphne”, “Nuages” o “Minor Swing”. El 26 de octubre de 1928, a la una de la madrugada, Django regresaba a su casa-caravana de una noche de música en el nuevo club La Java. La caravana había sido llenada con flores de celuloide por su mujer, que pretendía venderlas al día siguiente. Django creyó oír un ratón y utilizó una vela para poder verlo. Un poco de cera caída sobre las altamente inflamables flores bastó para provocar un infernal incendio. El músico se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. Tanto él como su mujer salvaron la vida, pero su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo de la rodilla a la cintura quedaron seriamente dañadas. En un principio los doctores querían amputar su pierna, pero Django se opuso. Los cuidados recibidos en una enfermería serían luego decisivos para salvarle la pierna. Django estuvo dieciocho meses postrado en la cama. Al final había quedado incapacitado del cuarto y quinto dedos de la mano izquierda (que habían quedado contraídos hacia la palma de la mano debido al calor recibido por los tendones). No obstante, gracias a su ingenio inventó un sistema de digitación para suplir su problema, sistema que influyó en cierta medida en la originalidad de su estilo. Podía usarlos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero su completa extensión era imposible. Con todo, fue capaz de convertirse en un gigante de la guitarra únicamente con el uso del dedo índice y del dedo medio. Durante los años cincuenta, Reinhardt se retiró a Europa, tocando y grabando allí hasta su muerte, a causa de una hemorragia cerebral, el 16 de mayo de 1953 a la edad de 43 años. Hay una seria de excelentes guitarristas que, a su calidad artística, debemos sumarle el mérito de los pioneros. Fueron los que dieron a la guitarra eléctrica la base para toda su posterior evolución. Entre otros, debemos citar sin lugar a dudas a Lester William Polsfuss, nacido en Wisconsin, el 9 de junio de 1915, aunque siempre se le conoció Les Paul. Fue una de las más importantes figuras en el desarrollo de instrumentos musicales eléctricos y técnicas de grabación. Les Paul fue pionero en el desarrollo de las guitarras de cuerpo macizo con el diseño de los modelos Gibson Les Paul, que adoptaron su nombre, y en la grabación multipista. Su destreza en el manejo de la guitarra y las innovaciones técnicas que introdujo en el instrumento le hicieron ser mundialmente conocido. Falleció el 13 de agosto de 2009 en Nueva York debido a complicaciones con una neumonía. Otro de estos pioneros fue, Chester Burton "Chet" Atkins, nacido el 20 de junio de 1924. Y a lo largo de su carrera fué un influyente guitarrista y productor de country. Su estilo, le trajo admiradores dentro y fuera de la escena de EE. UU.. Creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como sonido Nashville, que arrastro el gusto por la música country a admiradores de la música pop para adultos. Murió a la edad de 77 años. Atkins, que llevaba varios años luchando para vencer el cáncer que padecía, murió en su casa de Nashville, después de haber superado un cáncer de colon en 1973 y un tumor cerebral en 1997. El guitarrista intervino en cientos de discos incluyendo los de Elvis Presley y los Everly Brothers además de haber sido muy importante en las carreras de Dolly Parton y Roy Orbison. Y que sería del blues sin la guitarra eléctrica? Bueno, pues sería otra cosa. Robert Leroy Johnson nació en el estado de Misisipi el 8 de mayo de 1911. Fue un cantante, compositor y guitarrista estadounidense de blues, conocido como el Rey del Blues del Delta. Sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de talento para cantar, tocar la guitarra y componer canciones (a pesar de haber dejado grabadas solamente veintinueve, influyeron en varias generaciones de músicos). Su misteriosa y escasamente documentada vida, y su muerte a la edad de 27 años, han dado lugar a la difusión de muchas leyendas. Es considerado el Abuelo del Rock and Roll. Su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra, han marcado a una gran gama de músicos, entre ellos: John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Queen, Neil Young, o Eric Clapton, quien dice que es «el más importante músico de blues que haya vivido». Su muerte ocurrió en circunstancias extrañas. Según unos, fue envenenado con whisky por un marido celoso, dueño de un bar en el que Johnson actuaba. Otros dicen que murió de neumonía, algunos que de sífilis. Su certificado de defunción revela que falleció el 16 de agosto de 1938, en Greenwood, estado de Misisipi, y que no hubo autopsia. Y hablando de Blues, a quien podríamos recordar ahora? Como no, al Rey del Blues, el Sr. ¡¡¡B.B.King!!! Riley B. King, hijo de Albert King y Nora Ella Farr, nació el 16 de septiembre de 1925 en una pequeña cabaña de una plantación de algodón situada entre las ciudades de Itta Bena y Berclair, Misisipi. En la década de 1950, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes del rhythm and blues, con una lista de éxitos en su haber que incluía, entre 1952 y 1955, cuatro primeros puestos en la lista de R&B de la revista Billboard. En febrero de 1952, King obtuvo su primer éxito de ventas, llegando al número uno en Billboard con 3 O'Clock Blues B.B.King fue un músico que se prodigó muchísimo en los escenarios, llegando a tocar algún año en más de trescientas ocasiones. También colaboro con muchos músicos, músicos que le rendían pleitesía y admiraban profundamente. Uno de ellos, Gary Moore. Escuchamos a ambos en Since I Met You Baby. B.B. King puso el nombre de Lucille a sus guitarras. El nombre proviene de una actuación en Arkansas, en la que se produjo un incendio que obligó a desalojar el recinto a todas las personas allí presentes. B.B. King se dio cuenta de que se había dejado su guitarra y volvió a rescatarla, estando a punto de morir. Cuando le dijeron que el fuego había sido provocado por dos hombres que se peleaban por una mujer, B.B. King le puso a su guitarra el nombre de ésta, Lucille. B.B.King falleció el jueves 14 de mayo de 2015 mientras dormía en su casa de Las Vegas.

Hoy dedicamos nuestro espacio a repasar algunos de los mejores instrumentistas de guitarra eléctrica que a lo largo del tiempo nos han dejado lo mejor de ellos mismos. Como siempre que hacemos listas, son todos los que están pero no están todos los que son. No puede ser de otra manera. Nuestra lista es subjetiva y sujeta a las variables que cada uno de nuestros ollentes quiera añadir. Y lo vamos a hacer con guitarristas de Rock. Nuestra primera cita se ocupa de Brian May. Brian May fue el guitarrista de THE QUEEN. Fue guitarrista, compositor, vocalista y en ocasiones teclista de la exitosa banda británica. Compuso muchos de los grandes éxitos de Queen, y utiliza una guitarra eléctrica hecha por él mismo, llamada Red Special, y que por cierto, utiliza una moneda para pulsar las cuerdas en lugar de la púa habitual. Es considerado uno de los guitarristas más grandes y originales de la historia. En 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto 26 de su lista de los guitarristas más grandes de todos los tiempos. En 2011, la misma revista en una nueva lista, lo posicionó nuevamente en el puesto número 26. En 2005 fue nombrado comendador de la Orden del Imperio Británico por sus "servicios a la industria de la música". May obtuvo un doctorado en astrofísica en el Imperial College, y desde abril de 2007, fue elegido rector honorífico de la Universidad John Moores. Otro que no podía faltar. Eric Patrick Clapton: guitarrista, cantante y compositor de rock y blues británico, conocido por su magistral habilidad con la guitarra eléctrica, en concreto con su Fender Stratocaster. Es conocido por el apodo de Mano lenta. Clapton ha pasado por numerosas etapas y grupos y su estilo musical ha sufrido cambios diversos a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas al blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera. Practicó el blues rock con John Mayall & the Bluesbreakers y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario. En la actualidad, su estado de salud le está jugando alguna mala pasada y desconocemos si este gran artista volverá o no a tocar. La vida tiene estas cosas Siguiendo con el rock, nos topamos con James Patrick «Jimmy» Page. Page es un músico multiinstrumentista y un virtuoso guitarrista de rock clásico británico conocido por haber sido el miembro fundador del grupo de rock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles músicos y guitarristas de todos los tiempos. Page fue uno de los primeros guitarristas de la historia en utilizar una guitarra de doble mástil, de marca Gibson inspirada en el modelo SG de la marca. Ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, The Kinks, o Eric Clapton. A su vez, grabó varios álbumes con artistas como David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker. Es, sin lugar a dudas, uno de los grandes. Y, como no, el Sr. Mark Knopfler, también está en nuestra lista. Nacido en Glasgow, Escocia, el 12 de agosto de 1949 es en la actualidad uno de los músicos más importantes de la historia del rock . Antes de su carrera como músico, trabajó de periodista y dio clases en la universidad. Principalmente es conocido como fundador, guitarrista y cantante de la banda Dire Straits y su singular estilo de tocar la guitarra sin púa. Pero también ha tocado en otras bandas y colaborado con artistas de la talla de Bob Dylan, Tina Turner, entre otros muchos. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk. Ahora le vamos a escuchar en una grabación realizada en 1990 junto con el guitarrista de country Chet Atkins, del que luego hablaremos. Cambiamos de tercio, y nos adentramos en el Jazz. Y como guitarrista de jazz, nadie mejor para empezar que Wes Montgomery. Nacido en Indianapolis en 1923, fue un guitarrista de jazz que aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta hacia 1943, después de escuchar a su mentor Charlie Christian. Tras deambular por diversas formaciones, es llamado por Lionel Hampton, con quien toca entre 1948 y 1950. Tras esa etapa, regresó a su ciudad natal y se sumió en un semi-retiro que le duró 6 años, trabajando de día en una fábrica de piezas de radio ajeno al mundo de la música, y tocando por las noches en clubes Por la intermediación de sus hermanos, también músicos como él, Richard Bock, productor del sello discográfico Pacific Jazz, organizó una sesión de grabación con Wes y otros músicos jóvenes, en lo que sería el primer disco de Wes como líder Pero fue su disco The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, publicado por el sello Riverside en 1960, el que le llevó a la fama dentro del mundo del jazz, dándole a su estilo un “aire” funky que le hace inconfundible. Repentinamente, en 1968, murió de un ataque al corazón. Montgomery ejerció una gran influencia en guitarristas posteriores, como Pat Martino o George Benson. Lo escuchamos ahora en su versión de CARAVAN, la mítica pieza de Duke Ellington Otro imprescindible: Joe Pass nació en Nueva Jersey, 13 de enero de 1929 - Los Ángeles, 23 de mayo de 1994), y fue uno de los guitarrista de jazz más alabados, tanto por la crítica como por sus compañeros de profesión, a algunos de los cuales sirvió de eficiente acompañante en distintos trabajos. Siempre se confesó un ferviente admirador de Django Reinhardt e incluso en sus inicios formó un grupo a imagen y semejanza del Quinteto del Hot Club de Francia al tiempo que se interesaba por el bebop naciente. Sin embargo, no fue hasta principios de los sesenta cuando Joe Pass comenzó a convertirse en la popular figura que llegaría a ser, especialmente de la mano del infatigable promotor Norman Granz, quien lo transformó en una de las estrellas de la discográfica Pablo y le ofreció la posibilidad de medirse con artistas de la talla de Benny Carter, Milt Jackson o Ella Fitzgerald, con los cuales grabó algunas de sus mejores obras. Un buen ejemplo del saber hacer de este guitarrista lo tenemos en la colección de discos editados por el mencionado sello discográfico con el nombre de "Virtuoso". Impecable en la ejecución -nítida y pulcra sin por ello caer en la frialdad- e ingenioso en su fraseo, Joe Pass ha sido uno de los más personales guitarristas de las últimas décadas, creándose un estilo propio al margen de las grandes corrientes coetáneas de ese instrumento y estableciéndose como un elegantísimo acompañante que en ningún caso renunció a su propio estilo. A principios de los 70, Pass también colaboró en una serie de libros de música, y su Joe Pass Guitar Style (escrito con Bill Thrasher) es considerado un libro de texto básico de improvisación para estudiantes de jazz. En 1994, Joe Pass murió de cáncer de hígado en Los Ángeles, California, a la edad de 65 años. Antes de su muerte, había grabado un álbum de versiones instrumentales de canciones de Hank Williams con el guitarrista de música country Roy Clark. Hablaremos ahora del MITO. Jean Django Reinhardt nació en Liberchies, Bélgica, el 23 de enero de 1910 y fue un guitarrista de jazz de origen gitano sinti. Se trata del primer músico de jazz originario de Europa que ejerció una influencia similar a la de los grandes artistas estadounidenses. Su música es el resultado de la fusión entre el swing y la tradición musical gitana del este europeo, lo que se conoce en inglés con el nombre de Gypsy jazz y en francés como Jazz manouche (Jazz gitano). Reinhardt revoluciona el toque de guitarra en el jazz, justamente antes de que se empezara a utilizar la amplificación. Sobre la base de un contrabajo, de dos guitarras rítmicas y del habitual violín de Stéphane Grappelli, Django desarrolla una música alegre y extraordinariamente flexible. Sus conceptos armónicos fueron sorprendentes en su época y así impresionó a músicos como Charlie Christian y Les Paul; Aunque no sabía leer música, a solas y junto a Grappélli, Reinhardt compuso varias melodías sumamente originales y exitosas como “Daphne”, “Nuages” o “Minor Swing”. El 26 de octubre de 1928, a la una de la madrugada, Django regresaba a su casa-caravana de una noche de música en el nuevo club La Java. La caravana había sido llenada con flores de celuloide por su mujer, que pretendía venderlas al día siguiente. Django creyó oír un ratón y utilizó una vela para poder verlo. Un poco de cera caída sobre las altamente inflamables flores bastó para provocar un infernal incendio. El músico se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. Tanto él como su mujer salvaron la vida, pero su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo de la rodilla a la cintura quedaron seriamente dañadas. En un principio los doctores querían amputar su pierna, pero Django se opuso. Los cuidados recibidos en una enfermería serían luego decisivos para salvarle la pierna. Django estuvo dieciocho meses postrado en la cama. Al final había quedado incapacitado del cuarto y quinto dedos de la mano izquierda (que habían quedado contraídos hacia la palma de la mano debido al calor recibido por los tendones). No obstante, gracias a su ingenio inventó un sistema de digitación para suplir su problema, sistema que influyó en cierta medida en la originalidad de su estilo. Podía usarlos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero su completa extensión era imposible. Con todo, fue capaz de convertirse en un gigante de la guitarra únicamente con el uso del dedo índice y del dedo medio. Durante los años cincuenta, Reinhardt se retiró a Europa, tocando y grabando allí hasta su muerte, a causa de una hemorragia cerebral, el 16 de mayo de 1953 a la edad de 43 años. Hay una seria de excelentes guitarristas que, a su calidad artística, debemos sumarle el mérito de los pioneros. Fueron los que dieron a la guitarra eléctrica la base para toda su posterior evolución. Entre otros, debemos citar sin lugar a dudas a Lester William Polsfuss, nacido en Wisconsin, el 9 de junio de 1915, aunque siempre se le conoció Les Paul. Fue una de las más importantes figuras en el desarrollo de instrumentos musicales eléctricos y técnicas de grabación. Les Paul fue pionero en el desarrollo de las guitarras de cuerpo macizo con el diseño de los modelos Gibson Les Paul, que adoptaron su nombre, y en la grabación multipista. Su destreza en el manejo de la guitarra y las innovaciones técnicas que introdujo en el instrumento le hicieron ser mundialmente conocido. Falleció el 13 de agosto de 2009 en Nueva York debido a complicaciones con una neumonía. Otro de estos pioneros fue, Chester Burton "Chet" Atkins, nacido el 20 de junio de 1924. Y a lo largo de su carrera fué un influyente guitarrista y productor de country. Su estilo, le trajo admiradores dentro y fuera de la escena de EE. UU.. Creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como sonido Nashville, que arrastro el gusto por la música country a admiradores de la música pop para adultos. Murió a la edad de 77 años. Atkins, que llevaba varios años luchando para vencer el cáncer que padecía, murió en su casa de Nashville, después de haber superado un cáncer de colon en 1973 y un tumor cerebral en 1997. El guitarrista intervino en cientos de discos incluyendo los de Elvis Presley y los Everly Brothers además de haber sido muy importante en las carreras de Dolly Parton y Roy Orbison. Y que sería del blues sin la guitarra eléctrica? Bueno, pues sería otra cosa. Robert Leroy Johnson nació en el estado de Misisipi el 8 de mayo de 1911. Fue un cantante, compositor y guitarrista estadounidense de blues, conocido como el Rey del Blues del Delta. Sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de talento para cantar, tocar la guitarra y componer canciones (a pesar de haber dejado grabadas solamente veintinueve, influyeron en varias generaciones de músicos). Su misteriosa y escasamente documentada vida, y su muerte a la edad de 27 años, han dado lugar a la difusión de muchas leyendas. Es considerado el Abuelo del Rock and Roll. Su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra, han marcado a una gran gama de músicos, entre ellos: John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Queen, Neil Young, o Eric Clapton, quien dice que es «el más importante músico de blues que haya vivido». Su muerte ocurrió en circunstancias extrañas. Según unos, fue envenenado con whisky por un marido celoso, dueño de un bar en el que Johnson actuaba. Otros dicen que murió de neumonía, algunos que de sífilis. Su certificado de defunción revela que falleció el 16 de agosto de 1938, en Greenwood, estado de Misisipi, y que no hubo autopsia. Y hablando de Blues, a quien podríamos recordar ahora? Como no, al Rey del Blues, el Sr. ¡¡¡B.B.King!!! Riley B. King, hijo de Albert King y Nora Ella Farr, nació el 16 de septiembre de 1925 en una pequeña cabaña de una plantación de algodón situada entre las ciudades de Itta Bena y Berclair, Misisipi. En la década de 1950, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes del rhythm and blues, con una lista de éxitos en su haber que incluía, entre 1952 y 1955, cuatro primeros puestos en la lista de R&B de la revista Billboard. En febrero de 1952, King obtuvo su primer éxito de ventas, llegando al número uno en Billboard con 3 O'Clock Blues B.B.King fue un músico que se prodigó muchísimo en los escenarios, llegando a tocar algún año en más de trescientas ocasiones. También colaboro con muchos músicos, músicos que le rendían pleitesía y admiraban profundamente. Uno de ellos, Gary Moore. Escuchamos a ambos en Since I Met You Baby. B.B. King puso el nombre de Lucille a sus guitarras. El nombre proviene de una actuación en Arkansas, en la que se produjo un incendio que obligó a desalojar el recinto a todas las personas allí presentes. B.B. King se dio cuenta de que se había dejado su guitarra y volvió a rescatarla, estando a punto de morir. Cuando le dijeron que el fuego había sido provocado por dos hombres que se peleaban por una mujer, B.B. King le puso a su guitarra el nombre de ésta, Lucille. B.B.King falleció el jueves 14 de mayo de 2015 mientras dormía en su casa de Las Vegas.

Agafeu el barret i l'abric, i visitem algunes de les jam sessions m

Nelle note di copertina di The Montreux Collection, Norman Granz cita Oscar Peterson, che a proposito di Montreux '75 dice: "dappertutto sentivi che tutti non vedevano l'ora di cominciare a suonare: era qualcosa". Peterson ci aiuta ad immedesimarci in una situazione in cui si è creato un mondo del jazz: Granz ha portato al festival una rappresentanza del mondo del jazz tanto nutrita e tanto qualitativamente elevata da creare lì, a Montreux, un mondo del jazz, da far sentire nel loro mondo i musicisti che ha invitato, anche se si trovano in Svizzera, sulle rive del lago di Ginevra. In effetti nel loro habitat naturale, nella loro attività abituale, negli Stati Uniti, a New York, raramente potevano darsi in realtà delle così forti concentrazioni di musicisti di così alto livello: ecco allora la bellezza della formula di grandi assortimenti di musicisti ideata da Granz, ed ecco la funzione dei grandi festival, anche dei festival che si svolgevano in Europa. Da The Montreux Collection ascoltiamo altre formidabili combinazioni di musicisti: un quartetto con Oscar Peterson al piano, Milt Jackson al vibrafono, Niels Henning Orsted Pedersen al contrabbasso e Mickey Rocker alla batteria; un sestetto con Count Basie al piano, Johnny Griffin al sax tenore, Jackson al vibrafono, Roy Eldridge alla tromba, Orsted Pedersen al contrabbasso e Louis Bellson alla batteria; e inoltre Ella Fitzgerald in The Man I Love.

Nelle note di copertina di The Montreux Collection, Norman Granz cita Oscar Peterson, che a proposito di Montreux '75 dice: "dappertutto sentivi che tutti non vedevano l'ora di cominciare a suonare: era qualcosa". Peterson ci aiuta ad immedesimarci in una situazione in cui si è creato un mondo del jazz: Granz ha portato al festival una rappresentanza del mondo del jazz tanto nutrita e tanto qualitativamente elevata da creare lì, a Montreux, un mondo del jazz, da far sentire nel loro mondo i musicisti che ha invitato, anche se si trovano in Svizzera, sulle rive del lago di Ginevra. In effetti nel loro habitat naturale, nella loro attività abituale, negli Stati Uniti, a New York, raramente potevano darsi in realtà delle così forti concentrazioni di musicisti di così alto livello: ecco allora la bellezza della formula di grandi assortimenti di musicisti ideata da Granz, ed ecco la funzione dei grandi festival, anche dei festival che si svolgevano in Europa. Da The Montreux Collection ascoltiamo altre formidabili combinazioni di musicisti: un quartetto con Oscar Peterson al piano, Milt Jackson al vibrafono, Niels Henning Orsted Pedersen al contrabbasso e Mickey Rocker alla batteria; un sestetto con Count Basie al piano, Johnny Griffin al sax tenore, Jackson al vibrafono, Roy Eldridge alla tromba, Orsted Pedersen al contrabbasso e Louis Bellson alla batteria; e inoltre Ella Fitzgerald in The Man I Love.

Uno dei numerosi album che l'impresario e discografico Norman Granz ricavò dall'edizione '75 di Montreux si intitola The Montreux Collection e contiene brani ricavati da diversi set. Uno ha come protagonista uno dei tipici assortimenti allestiti da Granz: Oscar Peterson al piano, Milt Jackson al vibrafono, Joe Pass alla chitarra, Toots Thielemans all'armonica, Niels Henning Orsted Pedersen al contrabbasso e Louis Bellson alla batteria; in un altro brano della raccolta Oscar Peterson è invece in solo.

Uno dei numerosi album che l'impresario e discografico Norman Granz ricavò dall'edizione '75 di Montreux si intitola The Montreux Collection e contiene brani ricavati da diversi set. Uno ha come protagonista uno dei tipici assortimenti allestiti da Granz: Oscar Peterson al piano, Milt Jackson al vibrafono, Joe Pass alla chitarra, Toots Thielemans all'armonica, Niels Henning Orsted Pedersen al contrabbasso e Louis Bellson alla batteria; in un altro brano della raccolta Oscar Peterson è invece in solo.

Nel '73 il grande impresario Norman Granz, che nella prima metà degli anni sessanta aveva venduto la Verve, fonda una nuova etichetta, la Pablo. A Montreux nel '75, nell'ambito di una serie di "Pablo Nights", Granz schiera una impressionante quantità di personaggi di assoluto rilievo, fra cui Gillespie, che in una delle serate si esibisce alla testa di una formazione a cui verrà intestato uno degli album che la Pablo ricaverà da questa edizione del festival: The Dizzy Gillespie Big 7 at the Montreux Jazz Festival. Oltre a Gillespie i Big 7 allineano Milt Jackson al vibrafono, Eddie Lockjaw Davis e Johnny Griffin ai sax tenori, Tommy Flanagan al piano, Niels Henning Orsted Pedersen al contrabbasso e Mickey Roker alla batteria: tutti musicisti di primissimo ordine quando non dei veri pezzi da novanta della vicenda del jazz. A cura di Marcello Lorrai

Nel '73 il grande impresario Norman Granz, che nella prima metà degli anni sessanta aveva venduto la Verve, fonda una nuova etichetta, la Pablo. A Montreux nel '75, nell'ambito di una serie di "Pablo Nights", Granz schiera una impressionante quantità di personaggi di assoluto rilievo, fra cui Gillespie, che in una delle serate si esibisce alla testa di una formazione a cui verrà intestato uno degli album che la Pablo ricaverà da questa edizione del festival: The Dizzy Gillespie Big 7 at the Montreux Jazz Festival. Oltre a Gillespie i Big 7 allineano Milt Jackson al vibrafono, Eddie Lockjaw Davis e Johnny Griffin ai sax tenori, Tommy Flanagan al piano, Niels Henning Orsted Pedersen al contrabbasso e Mickey Roker alla batteria: tutti musicisti di primissimo ordine quando non dei veri pezzi da novanta della vicenda del jazz. A cura di Marcello Lorrai

Ella & Louis è il titolo del primo dei tre album raccolti nel triplo Cd pubblicato dalla One Records: si tratta di tre album famosissimi, ma che è sempre un piacere riascoltare. A corredo la ristampa propone anche due duetti della Fitzgerald e di Armstrong durante un famoso concerto all'Hollywood Bowl, che comprendeva un ampio cast di musicisti, fra cui Art Tatum: quel concerto, tenutosi alla vigilia della registrazione di Ella & Louis, rappresentò la loro prima registrazione assieme per l'impresario Norman Granz. La Fitzgerald e Armstrong appartenevano a due generazioni diverse: quando negli anni trenta Ella muove i primi passi della sua carriera, Armstrong è già riconosciuto come un fuori classe: e prima di questi album le loro incisioni comuni sono poche. Per vari motivi che spieghiamo in questa puntata, l'operazione messa in piedi da Granz con Ella & Louis era complessa e non priva di rischi, ma tutto funzionò egregiamente, e l'album ebbe un eccellente risultato di vendite, tanto che Granz pensò rapidamente ad un bis, l'album Ella & Louis Again, inciso nel '57, a cui seguì poi l'interpretazione di Porgy & Bess, incisa a ruota sempre nel '57.

Ella Fitzgerald was born on April 25th, 1917 100 years ago. She is one of the greatest jazz vocalist in jazz history and she got her start singing with the big bands. In Part Two of our celebration we'll be playing some of Ella's recordings with different big bands. Some of the big bands include Count Basie, Johnny Long, Buddy Bregman and a couple of numbers from the songbook series. In between numbers we'll finish our biography of the woman they called "The First Lady of Song." Also, The Big Band Puzzler is back this week. Please visit this podcast at http://bigbandbashfm.blogspot.com

Ella Fitzgerald was born on April 25th 1917 100 years ago. She is one of the greatest jazz vocalist in jazz history and she got her start singing with the big bands. It seems as if every jazz radio station or podcast is doing some sort of tribute to Ella so I thought I would get mine in. On today's show we will be listening to some of the many side she recorded with the Chick Webb orchestra as well as some of the sides she recorded with her own big band. In between numbers we'll also learn about the woman they called "The First Lady of Song." Please visit this podcast at http://bigbandbashfm.blogspot.com

Recuperando la intención rota de dedicar los sábados a una serie de especiales centrados en músicos esenciales en la historia del jazz. el sábado 18 de marzo llega la segunda entrega dedicada a Stan Getz, con dos grabaciones en las que el empresario Norman Granz tuvo un papel esencial: la grabación en estudio Stan Getz Plays y el directo Live At The Shrine, publicadas ambas en el año 1955. Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2017 HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz. Toda la información de HDO 248 en http://www.tomajazz.com/web/?p=29767. Toda la información de HDO en http://www.tomajazz.com/web/?cat=13298

This week we tell the story of Jazz pioneer Norman Granz, founder of Verve Records, Jazz at the Philharmonic and a rare record set he produced called "The Jazz Scene". Plus we discuss Sun Ra, John Cage and a new record release on Sundazed Music, as well as asking the vinyl doctor about manual and automatic turntables. If you like records, just starting a collection or are an uber-nerd with a house-full of vinyl, this is the podcast for you. Nate Goyer is The Vinyl Guide and discusses all things music and record-related. http://www.thevinylguide.com http://facebook.com/vinylguide https://instagram.com/vinylguide/

El jazz como una fiesta. La fiesta de las giras y conciertos de los espectáculos Jazz At The Philharmonic promovidos por el empresario Norman Granz que tuvieron lugar entre mediados de los años 40 y el inicio de la década de los años 80 del pasado siglo. En esta entrega de HDO suena una selección de temas (inéditos) grabados en Jazz At The Philharmonic, Seattle, 1956 y publicados en la grabación homónima. Suenan el Swing Set (Roy Eldridge, Flip Phillips, Illinois Jacquet, Oscar Peterson, Herb Ellis, Ray Brown, Jo Jones); el Modern Jazz Quartet (John Lewis, Milt Jackson, Percy Heath, Connie Kay); el Modern Jazz Quartet con Sonny Stitt, Stan Getz, Dizzy Gillespie; el Gene Krupa Quartet (John Drew, Dave McKenna, Eddie Shu, Gene Krupa); el Oscar Peterson Trio (Oscar Peterson, Herb Ellis, Ray Brown); finalmente, Ella Fitzgerald con The Oscar Peterson Trio. Toda la información de la entrega en http://www.tomajazz.com/web/?p=21608. Toda la información acerca de HDO en http://www.tomajazz.com/web/?cat=13298. © Pachi Tapiz, 2015 Hablando de oídas (HDO) es un audioblog presentado, producido y editado por Pachi Tapiz.

This is one of the finest bands that tenor saxophone master Stan Getz ever led and yet it has not been very well documented on reissues. It began it's genesis on the East Coast but when Getz and his family moved to Los Angeles in 1953, Mr. Getz secured a long club engagement and brought this band out to the West.Norman Granz documented the band in the studio over several sessions and there is much to preserve. That is The Jazz feature for tonight. The band consisted of Stan Getz on tenor saxophone, Bob Brookmeyer on valve trombone, Johnny Williams on piano, Teddy Kotick on bass and the tasty Frank Isola on drums.Getz was at the top of his formidable game in 1953 and this band was one of his best. We'll hear 9 selections by this ensemble tonight. Check it out!

William "Sonny" Criss had a career that seemed to go in fits and starts. Sonny emerged early on the 1940's L.A. Jazz scene with his full-bodied sound and passionate approach and played with all the important players then went on to play with Norman Granz' Jazz At The Philharmonic travelling jam session and shared the stage with Charlie Parker, Fats Navarro, Hank Jones, Shelley Manne and others. He made his first recordings under his name for Granz in 1950. His career was stifled by changing styles in L.A. and Criss was brushed aside by the West Coast Jazz cool players. Sonny was a hot, passionate player with a sweeping sound all his own. We turn to one of his 3 albums he made for the small Imperial label in 1956. The title tells it all "Sonny Criss Plays Cole Porter". Ten great Porter songs played with beauty and originality with Sonny's alto in the lead and backed by Larry Bunker on vibes, Sonny Clark on piano, Buddy Clark (no relation) on bass, and Lawrence (aka Larence) Marable on drums. Criss was born in Memphis on October 23, 1927 and died by his own hand in Los Angeles on on Nov. 19,1977 at age 50 after a diagnosis of terminal cancer of the stomach. A great voice was lost and Sonny still seems under appreciated and we hope tonight's Jazz Feature rectifies this a bit. Sonny was a great player and always delivered!

The great producer Norman Granz was responsible for bringing the jam session which he felt was the core of Jazz music, to the stage. He also recorded many studio produced jams with some of the greatest musicians in the world. Charlie Parker, Oscar Peterson, Illinois Jacquet, Count Basie, Buddy Rich and literally hundreds of others. Many of these recordings are now considered classic and essential in anyone's record collection. We will play a variety of them tonight on our special Fun Drive Show.

Jazz producer and music impresario Norman Granz was born to Jewish immigrants in Los Angeles and came of age in pre-WWII America. During a time of segregation, fear and war Granz wanted to unite, desegregate and entertain. He arranged desegregated jam sessions in LA that later turned into Jazz at The Philharmonic. He started various...

Jazz producer and music impresario Norman Granz was born to Jewish immigrants in Los Angeles and came of age in pre-WWII America. During a time of segregation, fear and war Granz wanted to unite, desegregate and entertain. He arranged desegregated jam sessions in LA that later turned into Jazz at The Philharmonic. He started various...

Jazz producer and music impresario Norman Granz was born to Jewish immigrants in Los Angeles and came of age in pre-WWII America. During a time of segregation, fear and war Granz wanted to unite, desegregate and entertain. He arranged desegregated jam sessions in LA that later turned into Jazz at The Philharmonic. He started various […]

QUIET AUTHORITYBest known as a contributing member of the bebop jazz movement and a member of the Oscar Peterson Trio, jazz bassist Ray Brown performed with jazz giants from Dizzy Gillespie and Charlie Parker to his wife Ella Fitzgerald. Despite Fitzgerald’s short-lived marriage to Brown (1947-1953), she remained a lifelong friend and musical associate. A disciple of the 1940s Oscar Pettiford school of jazz bass, Brown developed an individual style renown for its tastefully executed rhythmic lines within the context of ensemble accompaniment. His talent reflects such breadth and diversity that he was the most cited musician in the first edition of the Penguin Guide to Recorded Jazz (1992). Unlike many of the founders of bebop bass, Brown still performed and earned a successful living as a studio musician, record producer, and nightclub owner. Raymond Matthews Brown was born in Pittsburgh, Pennsylvania, on October 13, 1926. He took piano lessons at age eight and gained knowledge of the keyboard through memorizing the recordings of Fats Waller. A member of the high school orchestra, he soon found himself overwhelmed by the number of pianists among his classmates. "There must have been 14 piano players in it. And 12 of them were chicks who could read anything on sight," explained Brown in Jazz Masters of the Forties. In the book Oscar Peterson: The Will to Swing, Brown revealed the main reason for ending his study of piano: "I just couldn’t find my way on it. It just didn’t give me what I wanted." Soon afterward, Brown, unable to afford a trombone, switched to bass, an instrument provided by the school’s music department.Brown’s new musical role model emerged in Duke Ellington’s innovative bassist, Jimmy Blanton. As he told Jack Tracey in Down Beat, "I just began digging into Blanton because I saw he had it covered—there was nobody else. There he was, right in the middle of all those fabulous records the Ellington band was making at the time, and I didn’t see any need to listen to anybody else." As a teenager Brown played local engagements. Despite offers by bandleaders, he followed his mother’s advice and finished high school before performing on the road with regional territory bands. After graduating in 1944, he performed an eight-month stint in Jimmy Hinsley’s band. Around this time, Brown fell under the influence of bassists Leroy "Slam" Stewart and Oscar Pettiford, a prime mover of a modern jazz bass approach. He next joined the territory band of Snookum Russell. Eight months later, while on the road with Russell, Brown followed the suggestion of fellow band members and moved to New York City.In 1945 Brown arrived in New York City, and during his first night visited Fifty-Second Street—"Swing Street," a mob-controlled thoroughfare lined with various jazz clubs. That evening he encountered pianist Hank Jones, a musical associate, who introduced him to Dizzy Gillespie. That same evening, Gillespie, prompted by Jones’ recommendation, hired Brown without an audition. Attending the band’s rehearsal the next day, Brown—a 19-year-old musician still largely unfamiliar with many of bebop’s innovators—discovered that his fellow band members were Charlie Parker, Bud Powell, and Max Roach. "If I had known those guys any better I would have probably never gone to the rehearsal," admitted Brown in Jazz Journal International. "The only guy I knew something about was Dizzy because some of his records had filtered down through the south where I’d been playing with a territory band." The group’s leader, however, immediately recognized the talent of his young bassist. As Gillespie commented, in his memoir To Be or Not to Bop, "Ray Brown, on bass, played the strongest, most fluid and imaginative bass lines in modern jazz at the time, with the exception of Oscar Pettiford." Shortly afterward, Gillespie added Detroit-born vibraphonist Milt Jackson. In Jazz Masters of the Forties, Brown recounted his early years with Jackson: "We were inseparable. They called us twins."In 1945 Brown appeared with Gillepsie at Billy Berg’s night club in Hollywood, California, an engagement which, with the exception of a small coterie of bebop followers, failed to generate a favorable response from west coast listeners. In Gillespie’s memoir To Be or Not to Bop, Brown summarized the band’s Hollywood stint: "The music wasn’t received well at all. They didn’t know what we were playing; they didn’t understand it." During the winter of 1946, Gillespie returned to New York and opened at Clark Monroe’s Spotlite on 52nd Street with a band consisting of Brown, Milt Jackson, Stan Levey, Al Haig, and alto saxophonist Sonny Stitt. In To Be or Not to Bop, Brown modestly described his role in the sextet, "I was the least competent guy in the group. And they made something out of me." In May of 1946, the sextet recorded for the Musicraft label, cutting the sides such as "One Bass Hit"—featuring Brown’s bass talents—and "Oop Bop Sh’ Bam,’ and "That’s Earl Brother." On Feb 5, 1946, Brown took part in one of Charlie Parker’s sessions for the Dial label, recording such numbers as "Diggin’ Diz."In 1946 Gillespie formed his second big band, using the same six-member line-up. On February 22, 1946, Brown appeared with Gillespie’s big band for a RCA/Victor session organized by pianist and jazz critic Leonard Feather. As Feather wrote in his work Inside Jazz, "Victor wanted an all-star group featuring some of the Esquire winners, so we used J.C. Heard on drums and Don Byas on tenor, along with Dizzy’s own men—Milt Jackson, Ray Brown, and Al Haig—and the new guitarist from Cleveland, Bill de Arango." The date produced the numbers "52nd Street Theme," "Night in Tunisia," "OI’Man Rebop," and "Anthropology." Between May and July of 1946, Brown appeared on such Gillespie recordings as "Our Delight," "Things to Come," and "Rays Idea" (co-written with Gil Fuller). In November of the same year, he cut the classic Gillespie side "Emanon."In 1947 Gillespie assembled a smaller group inside his big band which included Brown, Milt Jackson, pianist John Lewis and drummer Kenny Clarke. As Jackson told Whitney Baillett, in American Musicians II, "We’d play and let the band have a rest. I guess it was Dizzy’s idea." Attending an August 1947 Gillespie big band session Brown’s bass is heard on such numbers as "Ow!," "Oop-Pop-A-Da," and John Lewis’ "Two Bass Hit" which Brown’s bass is heard driving the band and, at the composition’s close, soloing with force and a controlled sense of melody. On December 10, 1947, Brown married vocalist Ella Fitzgerald in Ohio and moved into a residence on Ditmars Boulevard in the East Elmhurst section of Queens, New York. Soon afterward, the couple adopted a son, Ray Jr.After leaving Gillespie’s band in 1947, Brown and performed with Fitzgerald on Norman Granz’s Jazz at the Philharmonic tours and various record dates. "When I left Dizzy," commented Brown in Ella Fitzgerald, "the band was getting ready to go to Europe, and I couldn’t. I’d just gotten married to Ella Fitzgerald. At that time I was in a bit of a curl between her and wanting to be with her as well. She wanted me to travel with her trio; she had Hank Jones playing piano. So I finally decided I was going to stay in New York." During a concert series in September 1949, Brown performed when Canadian-born pianist Oscar Peterson made his debut with the tour (according to Brown, he had already performed with Peterson at informal Canadian jam sessions). In 1950 Brown and Peterson performed as a duo, and for the next several years, were also billed on various tours.In 1950 Brown recorded with Charlie Parker and, between 1950 and 1952, appeared with the Milt Jackson Quartet. The quartet’s pianist John Lewis recounted in The Great Jazz Pianists, "We were all friends and would play together when Dizzy’s band wasn’t working." At another Parker session in August 1951, Brown found himself in the company of such sidemen as trumpeter Red Rodney, John Lewis, and drummer Kenny Clarke. Together they backed Parker on sides which included "Swedish Schnapps," "Si Si," "Back Home Blues," and "Lover Man." A few months later, Brown appeared with the Milt Jackson Quartet, and on March 25, 1952 Brown attended a Charlie Parker big band recording session in Hollywood, California.In 1952 Brown and guitarist Irving Ashby became the founding members of the Oscar Peterson Trio. Ashby’s replacement, Barney Kessel, performed with the trio a year before Peterson recruited guitarist Herb Ellis who, along with Brown on bass, formed one of the most famed jazz trios of the 1950s. "Herb and I rehearsed all the time," stated Brown in Oscar Peterson: The Will to Swing. "For a trio that didn’t have any drums, we had it all. Herb and I roomed together and we played everyday. Not just the gig. We played golf in the morning and guitar and bass in the afternoon, and then we would shower, take a nap, go to dinner, and go to the gig. We had it all." Under Peterson’s leadership, Brown and Ellis underwent a challenging musical regimen. In Jazz Journal International, Brown revealed his admiration for Peterson’s reputation as a difficult task master: "If you are not intimidated by absolute professionalism, then you have no problem. Sure he’ll throw you a curve from time to time by calling unscheduled numbers or unexpectedly doubling the tempos, but if you’re not good enough to handle that, you shouldn’t be with Oscar anyway."By 1953 Brown and Fitzgerald ended their marriage. As Stuart Nicholson noted his book Ella Fitzgerald, "Ray remained adamant that he would pursue his career with Oscar Peterson, and the couple had begun to see less and less of each other. Finally, they decided to bring their marriage to and end and filed for a ‘quickie’ divorce." The divorce was finalized on August 28, 1953 in Juarez, Mexico. Fitzgerald maintained custody of Ray Jr., yet she and Brown remained friends. In November 1953 they, along with Oscar Peterson, appeared at a concert in Japan.In 1958 Peterson replaced Ellis with drummer Gene Gammage, who stayed with the trio a few months until Peterson recruited drummer Edmund Thigpen. Fortunately, Brown was able to stay with the trio and earn a comfortable living. However, by the early 1960s, the group also proved demanding in its performance schedule. As Brown explained in Jazz Journal International, "Some of the tours were really punishing—we’d come to Europe and do 62 one-nighters in 65 days." After his 15-year membership in the Oscar Peterson Trio, Brown left the group in 1965, and settled in Hollywood, where he worked in the areas of publishing, management, and record production. In 1974 he co-founded the L.A. Four with saxophonist Bud Shank, Brazilian guitarist Luarindo Almeida, and drummer Shelly Manne (later replaced by Jeff Hamilton). One of Brown’s exemplary studio dates emerged in the 1974 album Dizzy Gillespie Big 4.By 1976 Brown appeared four days a week on the Merv Griffin Show. A year later, after two decades of appearing as a sideman on the Contemporary label, Brown recorded the solo effort Something for Lester, placing him in the company of pianist Cedar Walton and drummer Elvin Jones. In Down Beat Zan Stewart gave the album the magazine’s highest rating (five stars), and commented, "Walton and Jones are apropos partnersin sound for the superlative bassist… Ray’s imparts the line to ‘Georgia’—what glorious tone he possesses! It continually overwhelms the listener, as does his superb intonation, for Brown is always at the center of each note."In a 1980 Jazz Journal International interview, Brown told Mike Hennessey, "I’m very fortunate. I’m still able to travel and play various countries and still be liked by the public. I’m able to play what I like to play and as long as people want to listen, that’s fine with me." During the 1980s, Brown recorded solo albums for the Concord label as well as releases by the L.A. Four, and numerous guest sessions with pianist Gene Harris. Since his first appearance on Telarc Records in 1989, his albums for the company include the 1994 trio LP (with pianist Benny Green and drummer Jeff Hamilton) Bass Face, Live at Kuumbwa, the 1995 work Seven Steps to Heaven (with Green and drummer Greg Hutchinson), and the 1997 release Super Bass. Brown still performs both as a leader and accompanist at festivals and concert dates. "During the past decades Brown’s sound and skill have remained undimmed, "wrote Thomas Owens, in his 1995 book Bebop: The Music and Its Players. "He is an agile, inventive, and often humorous soloist. His arco [bow] technique is excellent, though he seldom reveals it. But he shines most brilliantly as an accompanist. Examples of his beautiful lines are legion." Interviewed in The Guitar Player Book, Herb Ellis also lauded the talents of his former music partner: "[Ray Brown] is in a class all by himself. There is no other bassist in the world for me, and a lot of players feel the same way. On most instruments, when you get to the top echelon it breaks down to personal taste, but I tell you, there are a lot of guys on his tail, but Ray has it all locked up."

Two of the finest and most innovative trumpeters in Jazz are on tap here. Roy "Little Jazz" Eldridge and John Birks "Dizzy" Gillespie. Roy was the elder of the two and came up in the 30's during the "swing era". It had been said and it is a generalization with some merit that Roy is the link between Louis Armstrong and Dizzy Gillespie. Dizzy Gillespie needs no introduction as he is one of the pioneers of Modern Jazz and one of the most brilliant and innovative trumpeters of any era. These two Jazz Masters are accompanied with skill and inspiration by Oscar Peterson on piano, Herb Ellis on guitar, Ray Brown on bass and Louis Bellson on drums so it doesn't get much better than that! The date was simply called "Roy and Diz" and was done in Los Angeles on October 29, 1954 and supervised and produced by the great Norman Granz. Blues, good standards and a great ballad make up the tunes you'll hear. Trumpets all out!!!!

Tonight we are celebrating the birthday of one of the great pioneers of Jazz: Lionel Hampton. Lionel wasn't the first to play the vibraphone nor was Louis Armstrong the first to play the trumpet, nor Coleman Hawkins the first to play the tenor saxophone but each of these pioneers developed a concept on their chosen instrument that generations of players followed. Hampton lived to the ripe old age of 94 and achieved much in has long career. Tonight's Feature is the beginning of his association with the great impresario, Norman Granz. Granz was not interested in Hampton's band but his artistry on the vibraphone. Hampton began a series of recordings where he was evenly matched with three music masters: pianist Oscar Peterson, bassist Ray Brown and drummer Buddy Rich. Tonight's Feature is their first meeting and it's some of the best music Hampton has ever played. Standards, blues and ballads are all given royal treatment by four masters.Almost all of the tunes were first "takes".

Of all the bands that tenor saxophone giant Stan Getz put together, this one is the least documented. It was formed in 1953 and worked on the East Coast but Stan bought a house in Los Angeles and took the band out there to play gigs in that area. They made three recording sessions for Norman Granz in July and August 1953 and we'll hear some of the results of those. They were first issued on Granz' Clef and Norgran labels as "Interpretations #1 #2 #3 by the Stan Getz Quinttet".The group consisted of Getz, Bob Brookmeyer on valve trombone, Johnny Williams, piano, Teddy Kotick on bass and the underrated drummer Frank Isola. Getz and Brookmeyer had a unique musical chemistry that allowed them to weave lines together and improvise collectively almost like a modern Dixieland band, Pianist Johnny Williams' contributions to this band are enormous as he plays with the stabbing intensity of Horace Silver and Russ Freeman but sounds like only himself. Bassist Teddy Kotick was Charlie Parker's favourite and Bird called Teddy..."my heartbeat". Frank Isola was a subtle and swinging drummer who kept everything light and very swinging.Jimmy Giuffre said that this quintet was Stan Getz' best band and you'll hear why. It broke up in the late Fall of 1953 because of a lack of work but Getz re-united it for his legendary Shrine Auditorium concert in November 1954.

Yusef Lateef (born William Evans in Chattanooga, Tennessee and raised in Detroit) was 80 years old on October 9 2008 and is still teaching/lecturing and performing. Yusef really became prominent to the Jazz community in general when he expanded Cannonball Adderley's Quintet to a Sextet, adding his compositions, his flute and oboe and of course, his mighty tenor saxophone to the Adderley band. After leaving Adderley, he embarked on a career leading his own bands and recording for Impulse,Atlantic and his own label YAL Records.....YAL standing for Yusef Abdul Lateef. Before he settled in New York in 1960 he had led his own groups out of Detroit after graduating from Wayne State University in music. He worked as much as he wanted in the Motor City and came to New York to play the odd engagement but mostly to record for the Savoy,Prestige and New Jazz labels. His one album for Norman Granz' Verve label is tonight's Feature and it's one of Yusef's early triumphs. The recording became a valued collector's item as it was only issued once. It saw CD release in 1998 but is no longer available as it was a limited edition release. This fine recording has Mr. Lateef on mostly tenor saxophone and on one track on flute. Curtis Fuller is on trombone, the late, underrated pianist is Hugh Lawson,Ernie Farrow is on bass and Louis Hayes, all of 19 years old, is on drums. All, save for one tune by Charlie Parker, are by Lateef and show his wide range of expression. The album is a minor classic and should be re-issued again.