Podcast appearances and mentions of Martin Crimp

Am 21. März feierte die Oper "Written on Skin" von George Benjamin und Martin Crimp im Münchner Prinzregententheater Premiere. Die Theaterakademie August Everding inszeniert das Werk gemeinsam mit dem Münchner Rundfunkorchester unter der Leitung von Peter Rundel und in Kooperation mit der Münchner Musikhochschule.

durée : 00:04:58 - Classic & Co - par : Anna Sigalevitch - Anna Sigalevitch nous parle de “Picture a day like this”, l'opéra de George Benjamin et Martin Crimp en ce moment à l'opéra comique et jusqu'au 31 octobre.

Welcome back to the 197th episode of The Cup which is our a weekly (give or take, TBD, these are unprecedented times) performing arts talk show presented by Cup of Hemlock Theatre. With the theatres on a come back we offer a mix of both reviews of live shows we've seen and continued reviews of prophet productions! For our 197th episode we bring you a Duet Review of of Roberto Zucco, written by Bernard-Marie Koltès (translated from the French by Martin Crimp), directed by ted witzel, and presented by Buddies in Bad Times Theatre. Join Mackenzie Horner and Ryan Borochovitz, as they discuss the purgatorial state of true crime, sticky images, and a vision of Jean Valjean if he never met the Bishop. Roberto Zucco is playing at Buddies in Bad Times Theatre (12 Alexander Street, Toronto, ON) until October 5th, 2024. Tickets can be purchased from the following link: https://buddiesinbadtimes.com/show/roberto-zucco/ CONTENT WARNING: Roberto Zucco contains themes, discussions, and depictions of serial murder, suicide, sex work, and sex trafficking (including the involvement of minors); this review, likewise, speaks directly to these topics. Viewer discretion is strongly advised. Less importantly, this review contains many SPOILERS for Roberto Zucco, as well as the historical Italian crimes that inspired it. It will begin with a general non-spoiler review until the [18:56] mark, followed by a more in-depth/anything goes/spoiler-rich discussion. If you intend to see the production, we recommend you stop watching after that point, or at least proceed at your own risk. Follow our panelists: Mackenzie Horner (Before the Downbeat: A Musical Podcast) – Instagram/Facebook: BeforetheDownbeat Apple Podcasts: https://apple.co/3aYbBeN Spotify: https://spoti.fi/3sAbjAu Ryan Borochovitz – [Just send all that love to CoH instead; he won't mind!] Follow Cup of Hemlock Theatre on Instagram/Facebook/Twitter: @cohtheatre If you'd like us to review your upcoming show in Toronto, please send press invites/inquiries to coh.theatre.MM@gmail.com --- Support this podcast: https://podcasters.spotify.com/pod/show/cup-of-hemlock-theatre/support

Režiser Tin Grabnar s sodelavci, ki je v ljubljanski Drami pred leti uprizoril Ibsna kot zvočno gledališče, je za "predstavo slovesa" od velikega odra, kakršnega poznamo, zrežiral dramo Edmonda Rostanda Cyrano de Bergerac na način glasbenega gledališča – po priredbi sodobnega angleškega dramatika Martina Crimpa v prevodu Boštjana Gorenca. V naslovni vlogi je Jure Henigman, nenavadni trikotnik dopolnjujeta še Tina Vrbnjak kot Roksana in Benjamin Krnetić kot Christian. Nekaj vtisov po premieri, pospremljeni z bučnim odobravanjem, je strnil Dušan Rogelj. Naslov izvirnika: Cyrano de Bergerac Avtor priredbe Martin Crimp Prva slovenska uprizoritev Premiera 13. april 2024 Veliki oder Režiser Tin Grabnar Prevajalec Boštjan Gorenc Dramaturg Rok Andres Dramaturška sodelavka Ana Duša Lektorica Tatjana Stanič Scenografinja Sara Slivnik Kostumografinja Tina Bonča Asistentka kostumografinje Nina Čehovin Skladatelj Leon Firšt Korepetitor Iztok Kocen Oblikovalec svetlobe Borut Bučinel Oblikovalka maske Julija Gongina Oblikovalec zvoka Jurij Alič Igrajo Tina Vrbnjak,Jure Henigman, Domen Novak, Benjamin Krnetić, Nina Valič, Uroš Fürst, Gašper Lovrec, Klemen Janežič, Saša Pavlin Stošić, Rok Vihar Foto: Peter Uhan https://www.drama.si/dogodek/cyrano-de-bergerac/

durée : 00:27:08 - George Benjamin, compositeur (5/5) - par : Judith Chaine - Dans le dernier volet de nos entretiens, le compositeur et chef d'orchestre George Benjamin relate sa rencontre avec le dramaturge Martin Crimp, qui deviendra le librettiste de ses trois opéras. La création française de leur dernier opéra, "Lessons in Love and Violence", aura lieu le 14 mai à Lyon. - réalisé par : Périne Menguy

durée : 00:43:41 - Par les temps qui courent - par : Marie Richeux - Nous recevons la comédienne Isabelle Carré pour son rôle dans le spectacle "La Campagne" de Martin Crimp, mis en scène par Sylvain Maurice au Théâtre du Rond-Point du 5 au 22 janvier, et au Théâtre national de Nice du 26 au 28 janvier. - invités : Isabelle Carré Comédienne, actrice et écrivaine

durée : 00:43:44 - Par les temps qui courent - par : Marie Richeux - Nous recevons la comédienne Isabelle Carré pour son rôle dans le spectacle "La Campagne" de Martin Crimp, mis en scène par Sylvain Maurice au Théâtre du Rond-Point du 5 au 22 janvier, et au Théâtre national de Nice du 26 au 28 janvier. - invités : Isabelle Carré Comédienne, actrice et écrivaine

durée : 00:43:44 - Par les temps qui courent - par : Marie Richeux - Nous recevons la comédienne Isabelle Carré pour son rôle dans le spectacle "La Campagne" de Martin Crimp, mis en scène par Sylvain Maurice au Théâtre du Rond-Point du 5 au 22 janvier, et au Théâtre national de Nice du 26 au 28 janvier. - invités : Isabelle Carré Comédienne, actrice et écrivaine

durée : 00:05:04 - Coulisses - par : Patricia Martin - Dans les coulisses ce matin de "La Campagne" une pièce de l'auteur anglais Martin Crimp que l'on pourra voir à partir du 22 novembre au Théâtre de Sartrouville.

No âmbito dos 400 anos do nascimento de Molière, a RFI continua a mostrar as apropriações lusófonas das obras do dramaturgo francês. Em Almada, falámos com a actriz Teresa Gafeira que entrou nas peças “George Dandin” e “Don Juan”, encenadas por Joaquim Benite, em “Tartufo”, encenada por Rogério de Carvalho, e em “O Misantropo”, de Martin Crimp, encenada por Nuno Carinhas. A actriz garante que Molière “nunca vai deixar de ser levado à cena” porque um “grande clássico” nunca perde actualidade. É no Teatro Municipal Joaquim Benite, a sua segunda casa, que a actriz e encenadora portuguesa Teresa Gafeira nos recebe. Esta é também a casa da Companhia de Teatro de Almada, um “Teatro Azul” cujas fachadas se confundem com o azul do horizonte. É ainda uma casa de histórias, onde não faltam as histórias de Molière. Em 2006, o espectáculo de estreia do espaço foi “Don Juan”, encenado por Joaquim Benite, que 20 anos antes encenara “George Dandin” já para a Companhia de Teatro de Almada. Teresa Gafeira entrou em “George Dandin” e “Don Juan” de Joaquim Benite, mas também na peça “Tartufo” encenada por Rogério de Carvalho e “O Misantropo” de Martin Crimp encenada por Nuno Carinhas. Para a actriz, Molière “nunca vai deixar de ser levado à cena” porque um “grande clássico” nunca perde actualidade. Nem que já tenha 400 anos. “Eu quando penso em Molière, penso num grande clássico e um grande clássico é aquele que permite tudo, por isso é que é clássico, porque nunca perde as suas qualidades, nunca perde a sua actualidade. É possível sempre fazer leituras novas, é sempre possível ao longo dos séculos aproximar à realidade de cada momento e isso é que é um clássico. Não é uma coisa morta, é uma coisa que se mantém viva, apesar de ter séculos de existência. Quando penso em Molière é nisso que penso. Para mim Molière, juntamente com Shakespeare, são os dois grandes clássicos, são aqueles que se podem fazer sempre, que são sempre actuais e que há sempre coisas a aprender. São levados a palco porque como não perdem a actualidade, ou seja, a maneira como os temas são tratados, os temas que são tratados, a maneira como são tratados, a complexidade, as possíveis leituras a serem feitas são tantas que continuam sempre a ser feitos porque as pessoas sentem sempre que é um desafio”, descreve. Molière e Shakespeare são aqueles nomes que “atraem, mas, ao mesmo tempo, assustam um bocado”. Certo é que um cartaz com estes clássicos tem garantia de sala cheia. “O público, mesmo que não conheça as obras, se ouvir falar que é um Molière ou que é um Shakespeare, o público vai ao teatro. Vai.” Teresa Gafeira interpretou Dona Elvira na peça “Don Juan”, em 2006. Trata-se de “uma personagem muito complexa” porque “é seduzida” por Don Juan “e depois tenta salvá-lo”. “O Don Juan, ao mesmo tempo que procura o prazer, é como se procurasse a morte toda a vida. Aquela busca do prazer é, ao mesmo tempo, procurar a morte. É o problema da existência, o problema da morte. Na nossa encenação, era muito evidente esse lado do Don Juan”, recorda a actriz. A cenografia da peça “era uma coisa um pouco atemporal” e o guarda-roupa “não era propriamente de época, era uma mistura”. Quanto ao espaço cénico, da autoria de Manuel Graça Dias e Egas José Vieira, era algo “muito aberto e, ao mesmo tempo, muito opressivo”, “com uma mesa enorme, gigantesca, que era a mesa onde ele depois convidava o Convidado de Pedra para jantar e era uma mesa enorme, gigantesca, no palco, sem nada, uma mesa vermelha sem nada, só com duas cadeiras”. Na peça “George Dandin”, também encenada por Joaquim Benite, em 1986, Teresa Gafeira interpretou a senhora de Sotenville. “O George Dandin é uma delícia, é uma crítica à sociedade, às aparências, ao querer subir, ao querer ser mais do que se é e, por isso, ser-se explorado pelos que estão mais alto, ser-se feito em fanicos pelos que estão mais altos, pelos senhores de Sotenville. O George Dandin era muito divertido, era um espectáculo de pequeno formato até porque ainda não tínhamos este teatro”, lembra. A peça andou em digressão pelo país todo, “de norte a sul”, e chegou mesmo a ir a França, numa altura em que ainda não se legendavam espectáculos. “Não era difícil porque eles conhecem o texto, mesmo não percebendo patavina de português!”, conta, a sorrir. Em 2014, Teresa Gafeira interpreta a astuta empregada Dorina na peça “Tartufo”, encenada pelo luso-angolano Rogério de Carvalho. “Ela é a que mais critica, mas, no fundo, é a que vê tudo”, descreve, lembrando que a peça “tinha um cenário muito bonito”, de José Manuel Castanheira, que era como “uma rotunda toda ela cenografada como se fosse o interior de um palácio, cheio de portas e cadeiras e um chão central como se fosse um chão de mármore também pintado”. Este ano, a actriz entrou em “O Misantropo” de Martin Crimp, a partir de Molière, encenado por Nuno Carinhas, no qual interpretava a professora de teatro. A trama seguia praticamente a estrutura original, mas “era passado numa suíte de um hotel de luxo em Londres, a protagonista era uma vedeta de cinema internacional, o Alceste era um autor dramático e crítico de teatro”. “Segue [Molière] passo a passo, mas tudo passado para os dias de hoje”, explica. Teresa Gafeira sublinha não ter a menor dúvida que “há-de haver sempre alguém que sinta necessidade de montar Molière”: “Acho que Molière nunca vai deixar de ser levado à cena. Não há possibilidade (...) Eu acho que nunca vai deixar de ser feito. É como os clássicos gregos, nunca vão deixar de ser feitos. Nem Molière, nem os clássicos gregos, nem o Shakespeare.”

Nos 400 anos do nascimento de Molière, quisemos perceber porque é que o dramaturgo francês continua a inspirar os criadores contemporâneos.  Fomos conversar com o encenador Nuno Carinhas que estreou, este ano, “O Misantropo” do contemporâneo Martin Crimp, inspirado no clássico de Molière. Nuno Carinhas preferiu a versão de Crimp e aí viu a “transposição para o nosso tempo” e a“dilaceração muito bem-disposta” no mundo das artes do espectáculo. Os 400 anos do nascimento de Molière continuam a levar-nos até às releituras em língua portuguesa do dramaturgo francês. Em Lisboa, fomos conversar com Nuno Carinhas, encenador, cenógrafo e figurinista, que foi também Director Artístico do Teatro Nacional São João entre 2009 e 2018. Este ano, Nuno Carinhas levou a palco “O Misantropo” de Martin Crimp, a partir de Molière, para a Companhia de Teatro de Almada. O espectáculo estreou no Teatro Municipal Joaquim Benite, em Almada, a 28 de Abril. “O Misantropo” é um dos textos mais duros de Molière. Apresentada em Junho de 1666, a peça é uma sátira de costumes à arrogância das classes dominantes do seu tempo, mas é também uma história de amor e de ciúme. Alceste odeia a humanidade e até defende a sua extinção, como única forma de acabar com a hipocrisia e o tráfico de influências. Porém, ele ama Celimene que orbita no centro dessa mesma sociedade que ele tanto abomina. Nuno Carinhas foi buscar a versão contemporânea de “O Misantropo” escrita pelo dramaturgo britânico Martin Crimp, em 1996, e que é uma réplica à sociedade de hoje, nomeadamente no mundo do espectáculo, marcada por uma generalizada decadência dos valores humanos e por um crescente individualismo. Anos depois de ter levado a palco “O Resto Já Devem Conhecer do Cinema”, o encenador português voltou ao universo das apropriações de Crimp porque quis continuar “a explorar esse lado reinterpretativo ou interpretativo-criativo do Martin Crimp”. “Eu aproximei-me de O Misantropo precisamente por ser o Martin Crimp. Eu nunca fiz Molière nem tinha pensado fazer, mas O Misantropo é, com o Dom João, provavelmente as peças que eu prefiro do Molière. Quando vi que existia este Misantropo - que já não é novo, já é dos anos 90 - decidi fazê-lo por ser uma transposição para o nosso tempo absolutamente extraordinária, uma dilaceração muito bem-disposta sobre a convivialidade das pessoas do espectáculo e das artes do espectáculo, do cinema, da comunicação social, à mistura com agentes profissionais, com professores de representação, etc. Havia ali toda uma escola do teatro na versão do Crimp que me interessava”, explica Nuno Carinhas. Muda-se o cenário e muda-se o tempo, “o tempo é hoje, o lugar Londres”. Muda-se também o nome das personagens, menos o de Alceste, mas a história continua a mostrar um homem que está mal com o mundo inteiro e ama uma mulher que adora ser adorada por esse mundo que ele detesta. “É simultaneamente uma crítica a esta micro-sociedade do espectáculo, mas é obviamente também uma maravilhosa história de amor que, como sempre, teria que acabar mal, sobretudo na versão de Martin Crimp porque ele para ser coerente não se poderia, de maneira nenhuma, aproximar de uma jovem que está no pico do seu sucesso juvenil, que tem 21 anos, é americana, está em Londres de passagem também pelo seu sucesso no cinema. Portanto, para ele se poder aproximar dessa jovem, tem que abrir mão da sua misantropia, tem que abrir portas à sociedade e isso ele não quer por coerência própria”, descreve o encenador. A crítica fundamental à sociedade é feita tanto por Alceste, o misantropo, quanto por Jennifer, a nova Celimene, que também reconhece a frivolidade geral da sociedade do espectáculo, mas usa-a de forma pragmática. “Alguém disse que o Martin Crimp tinha criado uma Alceste ao fazer a Jennifer. O misantropo tem razão quando diz que ambos são rápidos de espírito e têm uma visão crítica sobre os outros. Só que ela ainda não está farta, digamos assim, tão farta e tão batida na vida como o Alceste. Ela tem outros recursos para sobreviver e continuar a viver nessa relação hipócrita com os outros, mais ou menos festiva, sem grandes compromissos”, continua Nuno Carinhas. Alceste ainda tenta, em vão, convencer Jennifer a fugir desse mundo e a instalarem-se algures no campo. “Um dos grandes problemas dos profissionais do espectáculo quando são misantrópicos – e somos muitas vezes misantrópicos, estou a falar de mim e de todos em geral – há momentos em que o que as pessoas do cinema, do teatro e da televisão querem é estar sozinhas, isolarem-se, viverem fora dos estúdios, dos teatros e fora dos outros. Temos momentos de reclusão quase fisicamente impostos e isso nem sempre é possível”, acrescenta. O encenador também assinou a cenografia e os figurinos, com Ana Vaz. Para recriar a suite de um hotel de luxo, onde se aloja a diva em ascensão, ele fez “uma caixa preta, um lugar mais ou menos sinistro entre a caixa de bombons e um sarcófago chique”, com “uma grande parede ‘capitonée' no fundo, o chão de carpélio preto” e “chaises longues de veludo preto”. No final, havia um “baile de máscaras” com “trajes do século XVIII” e um lustre a fechar a composição. Nuno Carinhas usou a tradução de Daniel Jonas, de 2021, do texto de 1996 de Martin Crimp, o qual trabalhou o texto de Molière de 1666. Para o encenador, “todos os textos que resistem ao tempo são intemporais” e apesar de se viver numa época que “faz uma espécie de terra de ninguém do que é a herança cultural”, ainda há peças que resistem e se o fazem “é porque há alguma coisa de absolutamente indispensável e universal”. A contracorrente da aparente marcha contemporânea em direcção a “um deserto linguístico”, surgem dramaturgos que traduzem versos antigos, como Daniel Jonas que “tem um arrojo e uma maneira de compor entre o arcaico e o quotidiano nosso, o contemporâneo, de uma forma muito expressiva e livre”. Quatro séculos depois, Molière continua a inspirar criadores. Para Nuno Carinhas, talvez seja porque “ele trata de uma forma risível os seus argumentos, mas toca em coisas que hoje em dia as pessoas continuam a assumir”. Além disso, “é um criador fascinante e fascinante sobretudo relacionando a sua obra com a época em que viveu”. “É muito interessante nós pensarmos também que a época que o criou e que o deixou fazer foi a mesma época que depois o criticou e que o censurou. Isso é muito interessante para nós percebermos a natureza da criatura. Ele não se deixou ficar por ser um simples mestre de cerimónias de Luís XIV, à beira da corte, a fazer pequenas comédias só por divertimento. Não. É óbvio que ele tirou partido dessas situações. Ele, enquanto pessoa, é um personagem trágico também por natureza e eu creio que ele acabou mesmo misantropicamente, mas é um período fascinante da história do teatro. Se falamos de Shakespeare, falamos de Molière. Se falamos de Molière, falamos de Gil Vicente… Enfim, em todos os países há épocas que proporcionam o aparecimento e a resolução de determinados génios da escrita e do teatro que aparecem alimentados também por essa sociedade e por essa maneira de viver”, conclui Nuno Carinhas. Para ouvir a conversa integral com o encenador Nuno Carinhas no podcast desta emissão.

Intro: Leak It All, the gumbo of bad decisions.Let Me Run This By You: Overcoming insecurities, chasing hope, staying curious, and Marilyn Monroe.  Interview: A Maze by Rob Handel, Just Theatre, New College of Florida, Asolo Repertory Theatre, SF State, playwriting MFAs, Attempts on Her Life by Martin Crimp, Soho Rep, North Oakland, The Civilians, Yale, UCSD, Lincoln Center Directors Lab, underground poker games, the NYC Tombs, Playwrights Foundation, Annie Baker, Sam Hunter, Zakiyyah Alexander,  Soho Rep Writer Director Lab, Adam Bock, Shotgun Players, Anne Washburn, The Bacchae, Eureka Day, left wing anti-vaxxers, Ben Brantley, writing during the pandemic, a pilot about a tech start up run by altruistic vampires, Mike Schur, What We Do In The Shadows, Aurora Theatre Company.

Actor James McAvoy stars as Cyrano in the U.S premiere of the Martin Crimp adaptation, "Cyrano de Bergerac," using spoken word, rap, rhymes, and poetry to seduce his one true love. We are joined by Evelyn Miller who stars as Roxane. The show runs at the Brooklyn Academy of Music through May 22. *James McAvoy was scheduled to join us for this conversation, but we were unable to reach him.

On April 5, director Jamie Lloyd's Oliver Award winning revival of “Cyrano de Bergerac” will begin performances at Brooklyn Academy of Music, having run in the West End to great acclaim. For the production, Edmund Rostand's classic text has been newly adapted from its original French verse into English (still verse) by long-working playwriting-maestro Martin Crimp. James McAvoy embodies the title character wholly and imbues the brilliant wordsmith he plays with humor and humanity. The swagger of this Cyrano is different and the entire story feels - if not new - more urgent. The production is stealthy in its minimalism and inspiring in its palpable adoration of language.Director Jamie Lloyd and actor James McAvoy join us.

Ein Hörspiel von Martin Crimp. Im Rahmen der ARD Themenwoche: "Stadt.Land.Wandel". Das vermeintlich geordnete und idyllische Leben eines Landarztes mit Frau und Kindern scheint durch das mysteriöse Auftauchen einer jungen Frau in Frage gestellt. Das Land fungiert im Hörspiel des erfolgreichen britischen Dramatikers als Chiffre für menschliche Isolation und als Schauplatz städtischer Neurosen. Mit: Miriam Goldschmidt (Corinne), Peter Brombacher (Richard), Christin Marquitan (Rebecca). Übersetzung aus dem Englischen: Frank Heibert. Technische Realisation: Karl-Otto Bremer und Sabine Kaufmann. Regie: Beate Andres. Regieassistenz: Anke Spiegel. Redaktion: Susanne Hoffmann. Produktion: NDR/rbb 1999. Verfügbar bis 04.05.2022. ndr.de/radiokunst

POP-UP está em cena no Teatro Helena Sá e Costa a 23 e 24 de Outubro e a Rádio ESMAE teve a oportunidade de acompanhar um ensaio e recordar o processo junto da equipa. A partir do texto "(A)tentados" de Martin Crimp, esta criação de Nádia Matos e Tomás Seruca Bravo encaixota a complexidade de uma simples vida perdida. Por: Inês Sincero

Autor: Seidel, Änne Sendung: Kultur heute Hören bis: 19.01.2038 04:14 Berichte, Meinungen, Rezensionen "Superspreader" - Das neue Stück von Albert Ostermaier am Münchner Residenztheater Freiheitskampf - "Written on skin" von George Benjamin und Martin Crimp an der Oper Köln Am Abgrund - Die Folgen der Corona-Pandemie für Italiens Kulturszene Erklärer der portugiesischen Seele - Zum Tod des Philosophen Edouardo Lourenço Am Mikrofon: Änne Seidel

Éric Champoux compte aujourd'hui à son actif la création des lumières de plus d’une centaine de productions. Issu de l’École nationale de Théâtre du Canada, cuvée 1997 où il rencontre Wajdi Mouawad, il crée pour lui les lumières de presque toutes ses créations dont, Incendies, Forêts, Seuls, Temps, Des femmes, Des Héroes, Sœurs, Le Dernier jour de sa Vie (Œuvres complète de Sophocle), Tous Des Oiseaux, Mort Prématurée d’un Chanteur Populaire Dans la Fleur de l’Âge et pour L’Enlèvement au Sérail à l’Opéra de Lyon et bientôt l’opéra Œdipe pour l’Opéra Bastille à Paris. Issu du milieu théâtral montréalais, il est rapidement invité à travailler pour les univers du cirque et de l’opéra. Il collabore ainsi à plusieurs reprises avec l'Opéra de Montréal pour le très acclamé Dead Man Walking de Jake Heggie, et Samson et Dalila tout deux dirigés par Alain Gauthier, pour Falstaff dirigé par David Gately, Aïda mis en scène par François Racine, pour Roméo et Juliette créé par Tom Diamond et plus récemment pour l’opéra contemporain Written On Skin de Martin Crimp. Par ailleurs, il collabore régulièrement avec le collectif les 7 Doigts de la Main, notamment pour Le Murmure du Coquelicot, Cuisines & Confessions, Passagers, The Princess of Circus et Prime Time tout deux commandés par le Théâtre Musical de Moscou, et The Last Chapter commande du Sheik de Sharja aux Émirats Arabes Unis. Pour le Cirque du Soleil, il créé les lumières du spectacle OVO pour les versions chapiteau (2009) et aréna (2016), ainsi que pour Allavita!, une commande de l’Exposition Universelle de Milan (2015). Il prête également ses lumières aux deux premiers spectacles sur glace du Cirque du Soleil : Crystal (2017) et tout récemment Axel (2019). Toujours pour le Cirque du Soleil, il créé les lumières de Juste Une P’Tite Nuite (Hommage au groupe Les Colocs) et à Joyeux Calvaire (Hommage au groupe Les Cowboys Fringuants). Homme aux multiples facettes, il est aussi artiste-peintre et photographe. Dans son travail, les mediums se croisent, se chevauchent et se mélangent.Soutenez ce podcast http://supporter.acast.com/lueur. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

Mat "Objet d'attention" vum engleschen Theaterschrëftsteller Martin Crimp as am TNL fir d'éischte Kéier säit méintlaanger Paus nees en Theaterstéck ze gesinn. Koproduzéiert mam TOL, bitt dëst Stéck e beklemmende Bléck an den alldeeglechen Horror vun enger toxescher Bezéiung. Mëtten dran, e klengt Kand a ronderëm, d'Beleegschaft vun engem Virstadhaus mat wéineg hëllefräichen Tendenzen. De Frédéric Braun war  d'Stéck kucken.  

Day for Night with Caridad Svich, a series that looks at the intersection between theatre & poetry in the edgelands. Episode 26: excerpt from Carthage/Cartagena by Caridad Svich (published by Intellect Books in JARMAN (all this maddening beauty and other plays) and excerpt from Martin Crimp's Attempts on Her Life (published by Faber and Faber). * Content warning: some violent imagery. * Listener support is appreciated. --- Support this podcast: https://anchor.fm/caridad-svich/support

This week Amy kicks off with a rant about people who want to 'break the mould' of genre fiction, instead of just doing it bloody well, which leads us down the rabbit hole of defining genres, arguing about the rules (knowing the rules; bending the rules; breaking the rules; stop breaking the bloody rules!), following formulas, smashing formulas, value adding and (because it's us) comparing genres to pizza. What other podcast about writing can be so smart and so dumb all at the same time? Guaranteed to be 80% cheeky and 100% 30 minutes long. (This may be our best episode yet, so don't miss it. It's probably all downhill from here.) See omnystudio.com/listener for privacy information.

This week Amy kicks off with a rant about people who want to 'break the mould' of genre fiction, instead of just doing it bloody well, which leads us down the rabbit hole of defining genres, arguing about the rules (knowing the rules; bending the rules; breaking the rules; stop breaking the bloody rules!), following formulas, smashing formulas, value adding and (because it's us) comparing genres to pizza. What other podcast about writing can be so smart and so dumb all at the same time? Guaranteed to be 80% cheeky and 100% 30 minutes long. (This may be our best episode yet, so don't miss it. It's probably all downhill from here.) See omnystudio.com/listener for privacy information.

Dimanche 19 janvier 2020, rencontre Le Chœur et la cité , organisée par T2G - Théâtre de Gennevilliers centre dramatique national et AOC [Analyse Opinion Critique], avec Frédérique Aït-Touat, Daniel Jeanneteau et Olivia Rosenthal, après la présentation de la pièce "Le reste vous le connaissez par le cinéma" de Martin Crimp d’après Les Phéniciennes d’Euripide et mis en scène par Daniel Jeanneteau. Débat présenté par Sylvain Bourmeau.

Pour le salon d’écoute What You See qui s’est installé au T2G – Théâtre de Gennevilliers pendant le week-end SUR LES BORDS #1 du 4 au 6 octobre, 3 voix racontent le spectacle ‘Le reste vous le connaissez par le cinéma’ de Martin Crimp et Daniel Jeanneteau qui sera joué au T2G du 9 janvier au 1er février 2020.Avec les voix de : Alain Carnat, Maëva Lu-Chi-Vang, Benoit SkouratkoJingle et musique : Dominique PetitgandEnregistrements, montage et réalisation : Charlotte Imbault, 2019Production : T2G — Théâtre de Gennevilliers, centre dramatique nationalPhoto : Mammar BenranouLayout : Charlotte Imbault

Pour le salon d'écoute What You See qui s'est installé au T2G – Théâtre de Gennevilliers pendant le week-end SUR LES BORDS #1 du 4 au 6 octobre, 3 voix racontent le spectacle ‘Le reste vous le connaissez par le cinéma' de Martin Crimp et Daniel Jeanneteau qui sera joué au T2G du 9 janvier au 1er février 2020.Avec les voix de : Alain Carnat, Maëva Lu-Chi-Vang, Benoit SkouratkoJingle et musique : Dominique PetitgandEnregistrements, montage et réalisation : Charlotte Imbault, 2019Production : T2G — Théâtre de Gennevilliers, centre dramatique nationalPhoto : Mammar BenranouLayout : Charlotte Imbault

Kirsten Shepherd-Barr investigates 'character' in Modern Drama In this Open Day taster lecture, Kirsten Shepherd-Barr investigates how the notion of ‘character’ in theatre has changed over time, drawing examples from Beckett, Pinter, Churchill, Kane and Crimp.

Kate Maltby, Lucy Powell, Zoe Strimpel join Shahidha Bari. Virtue Rewarded is the subtitle of Samuel Richardson's 1740 novel Pamela, which began as a conduct book before he turned it into the new literary form of the novel. Playwright Martin Crimp has taken this book as the inspiration for his latest work When We Have Sufficiently Tortured Each Other. Shahidha Bari & guests debate consent then and now + news of the £40,000 Artes Mundi 8 Prize which is awarded tonight in Cardiff. The Artes Mundi 8 shortlisted artists are Anna Boghiguian (Canada/Egypt); Bouchra Khalili (Morocco/France); Otobong Nkanga (Nigeria/Belgium); Trevor Paglen (USA); Apichatpong Weerasethakul (Thailand). The exhibition runs at the National Museum Cardiff until Feb 24th 2019. New Generation Thinker Des Fitzgerald reports. Martin Crimp's play When We Have Sufficiently Tortured Each Other is directed by Katie Mitchell and stars Cate Blanchett. It runs at the National Theatre in rep until March 2nd 2019. Producer: Luke Mulhall

Support Personality Bingo and [become a patron at our Patreon here](https://www.patreon.com/personalitybingo?alert=2). If a contribution of a couple of Euro wouldn’t make a massive difference to your life, just know it makes a gigantic one in ours! As Blindboy says, “it’s a model based off soundness”, so if you CAN support, please do on behalf of someone who can’t!  --------------------------------------------------------------------------- Emily Fox is a Graduate of the three-year Bachelor in Acting at the Lir Academy Dublin. Her most recent work includes Peep by Jodi Gray directed by Gavin Kostick, No One Sees the Video by Martin Crimp directed by Samantha Cade and Vikings. You can catch Emily in Sistemic by David Donovan in this years Scene + Heard festival and also in Gemma Kane’s debut play ‘48’ directed by Claire Maguire, both in Smock Alley Theatre 1662. 

The first in-house production in HOME Manchester’s autumn and winter season for 2018 is a new production of French writer Jean Genet’s 1947 play The Maids, in an English version by Martin Crimp. The play will be directed in-the-round at HOME by Lily Sykes, an English-born director who has lived and worked in Germany for the last ten years and has recently become a German citizen. In a break during rehearsals, BTG Editor David Chadderton spoke to Lily about the play, existentialism, polarisation of society, the differences between directing for British and German theatres and a great deal more. The Maids will run at HOME Manchester from 16 November to 1 December 2018. For more information, see homemcr.org. (Photo of Lily Sykes by Magnus Reed)

Au micro de Lauren Bastide, Alice Zeniter raconte son enfance proche de la nature (09:30), l'expérience du racisme alors qu'elle était enfant (20:35) son rapport à l'écriture adolescente (27:33), l'école Normale Supérieure et la découverte d'un Paris à la Boris Vian (34:00), le sentiment d'avoir été épargnée par le sexisme (44:20), sa première rencontre avec l'Algérie (50:25), le pouvoir de la littérature de changer la narration sur les migrations (60:23). Enfin, elle lit un passage du poème « One Art » d'Elizabeth Bishop (1:05:40) et raconte son absence de désir d'enfant (1:08:25).Alice Zeniter est une autrice et dramaturge née en 1986 à Clamart, dans les Hauts-de-Seine. Son dernier ouvrage, « L'Art de perdre », une fresque romanesque suivant le parcours d'une famille de « harkis » émigrés en France après la guerre d'Algérie, a été récompensé du prix Goncourt des Lycéens en novembre 2017. Alice Zeniter grandit en Normandie, un terrain propice au développement de son imagination. Elle publie son premier roman à l'âge de 16 ans « Deux moins un égal zéro », aux éditions du Petit Véhicule. Elle entre en 2006 à l'école Normale Supérieure. Arrivée dans le théâtre par le jeu, elle se tourne vers l'écriture théâtrale et participe aux ateliers de mise en scène de l'ENS. Simultanément, Alice Zeniter écrit une thèse sur les personnages féminins dans l'oeuvre de l'auteur anglais Martin Crimp. Elle part pour Budapest enseigner le français en 2008, elle y écrit un roman, « Jusque dans nos bras », récompensé du prix littéraire de La Porte Dorée en 2010. Alice Zeniter est également l'autrice de « Sombre dimanche » (2013), qui a reçu le Prix du livre Inter et le Prix de la Closerie des Lilas, et de « Juste avant l'oubli » (2015).La Poudre est une production Nouvelles Écoutes. Réalisation et générique : Aurore Meyer-Mahieu. Coordination : Zisla Tortello. Mixage : Laurie GalliganiCet épisode de La Poudre est rendu possible grâce au soutien des éditions Robert Laffont, qui ont décidé, en partenariat avec Nouvelles Écoutes, de faire don d'une vingtaine d'exemplaires de la « Servante écarlate » de Margaret Atwood à l'association Rev'Elles. La mission de Rev'Elles est de faciliter l'insertion professionnelle de jeunes femmes résidant en Zones Urbaines Sensibles par le biais d'un accompagnement sur le long terme. On vous invite à découvrir leur travail et à les soutenir par le biais d'un don !

We kick off the new academic year going behind the scenes of our first drama production, four short plays by British playwright Martin Crimp in Crimp 1, 2, 3 & 4. We caught up with composer and sound designer Kerry Yong, lighting designer James McKeogh and assistant sound designer Lewis Hannaby to talk about the challenges of linking together four plays in our smallest theatre and the collaborative creative process. Crimp 1, 2, 3 & 4 runs from 9-14 October in the Milton Court Studio Theatre. Tickets are currently sold out but returns may be available from the Barbican Box Office on the day (https://www.barbican.org.uk/whats-on/2017/event/guildhall-school-presents-crimp-1-2-3-4). Follow us on Twitter (www.twitter.com/guildhallschool), Facebook (www.facebook.com/guildhallschool/) and Instagram (www.instagram.com/guildhallschool) and head to our website (www.gsmd.ac.uk) to stay up to date with all the events and news from the Guildhall School. Intro and outro music is Little Lily Swing by Tri-Tachyon, licenced under Creative Commons CC BY 4.0 (http://freemusicarchive.org/music/Tri-Tachyon/Little_Lily_Swing/Tri-Tachyon_-_01_-_Little_Lily_Swing)

Photo By: Tina RowdenToday’s conversation covered a lot of ground. Listen in as Atom speaks about his approach to understanding the human condition, remorse and reconciliation, national self-determination and the stories he tells.BiographyWith fifteen features and related projects, Egoyan has won numerous prizes at international film festivals including the Grand Prix and International Critics Awards from the Cannes Film Festival, two Academy Award® nominations, and numerous other honours.  His films have won twenty-five Genies – including three Best Film Awards – and a prize for Best International Film Adaptation from The Frankfurt Book Fair.  Egoyan’s films have been presented in numerous retrospectives across the world, including a complete career overview at the Pompidou Centre in Paris, followed by similar events at the Filmoteca Espagnol in Madrid, the Museum of The Moving Image in New York and the Royal CINEMATEK in Brussels.His body of work – which includes theatre, music, and art installations – delves into issues of memory, displacement, and the impact of technology and media in modern life. His latest feature, REMEMBER, stars Christopher Plummer.Egoyan’s art projects have been presented around the world including The Venice Biennale and Artangel in London. Steenbeckett became part of The Artangel Collection, an innovative alliance with the Tate. His installation, Auroras, was recently on view at the Maxim Gorki Theater in Berlin, in a program commemorating the centennial of the Armenian Genocide.Egoyan directed the North American premiere of Martin Crimp’s Cruel and Tenderfor the Canadian Stage theatre company in early 2012. His adaptation of Samuel Beckett’s Eh Joe was presented by The Gate Theatre in Dublin, where it won The Irish Times/ESB Award for Best Direction before transferring to London’s West End and The Lincoln Center Festival in New York.Egoyan directed the contemporary Chinese opera Feng Yi Teng for the 2012 Spoleto Festival in Charleston and the Lincoln Center Festival, New York. It was performed at the Luminato Festival in 2013, following the remount of Richard Strauss’s Salome with the Canadian Opera Company. Egoyan directed a new production Mozart’s Così fan tutte for the COC in 2014. His award-winning production of Wagner’s Die Walküre was performed in early 2015.Egoyan is a member of The Academy of Motion Picture Arts and Sciences, the Directors Guild of Canada, the Directors Guild of America, the Writers Guild of Canada, the Writers Guild of America, and the Royal Canadian Academy of Art. He is an Officer of the Order of Canada.Egoyan is honoured with a 2015 Governor General’s Performing Arts Award.Ego Film ArtsNational past article.Trailer for Remember See acast.com/privacy for privacy and opt-out information.

  “Reading about theatre is a weirdly incomplete experience. Reading about other things is similarly incomplete but it doesn’t have to be the whole experience because if you read about it, you can get hold of it as well. Even with a poor representation of a picture – an artwork – you at least see what it looks like.” - Andrew Haydon This week we are taking a brief pause from our 'Responsibility' season. This is a bonus round from Berlin. Jana speaks with independent theatre critic, Andrew Haydon, about audiences, histories and European vs English theatre. This episode opens up the topics discussed on our show and examines them in a global context. Andrew is one of the few British theatre critics who regularly travels around Europe to see new work, and who is conversant in contemporary European theatre (and not just what happens on the British Isles), approaching it with a distinctly British, but never parochial, perspective. In his writing for The Guardian, Time Out, Exeunt Magazine, and in his respected blog Postcards from the Gods, Andrew has long championed unusual work, difficult work, and has often argued that the British theatre is unnecessarily conservative in terms of form and interest. "I always wonder what it would be like to get a hardcore German theatre theoretician in to watch a load of the really hardcore naturalistic productions that still exist in Britain but just tell them “it’s all a concept” and they are not allowed to go “oh, you’re just being British”. They have to believe that it’s a metaphor. How that would read? I’m sure there’s actually some really creative thinking if we didn’t all just go “urgh! It just looks like a room. It’s meant to look like that.” If we actually thought about it more creatively. There’s probably better ways we could understand what’s going on. There is craft in the way these things are put together, obviously. But craft and possibly not philosophy." - Andrew Haydon Discussed in this episode: 'Live art' and its global history, stage metaphor, the white male default, new writing and authorship, national identity, what defines a 'national theatre history', the demographics of theatre goers, the importance of arts writing, the fallibility of the critic and can theatre ever just be bad? "It is interesting where the history counts. If it’s a history of ‘English Theatre’, if you’ve got a director like Katie Mitchell (who I think did make a domestic production last year but made five or six bits of work elsewhere) does one try to include these because they’re a British director? Or do you include the infinite number of stagings of Martin Crimp, Denis Kelly and Simon Stephens’ plays? Do they count because they’re British playwrights? I don’t think it’s particularly futile to limit a theatre history to a national border." -Andrew Haydon Enjoy and stay tuned: we have more exciting and intellectually rigorous conversations to come. Next fortnight we will return to the topic of Responsibility.

Matthew Sweet talks to Booker-nominated novelist Julia O'Faolain about her new memoir and growing up with her father, a celebrated writer and a radical dissident. Helen Wallace reviews George Benjamin's and Martin Crimp's new opera, ‘Written on Skin'. Professor Nora Crook explains how she discovered who really censored Shelley's notorious poem, ‘The Revolt of Islam'. Marcus Chown reviews The Challenger, a new docu-drama about the investigation into the 1986 space shuttle disaster. And we debate whether the use of words like ‘unacceptable' and ‘inappropriate' are part of a tendency to avoid casting strong moral judgements.

Portraying the PM on stage; artist Yinka Shonibare: the return of Lara Croft; actor Mark Strong; author Tash Aw; artist Chuck Close and George Benjamin and Martin Crimp on their opera Written on Skin.

With Mark Lawson. Sam Raimi's film Oz The Great and Powerful is an imagined prequel to L. Frank Baum's novel The Wizard of Oz. James Franco stars as Oscar Diggs, a circus magician from Kansas who encounters three witches, played by Michelle Williams, Rachel Weisz and Mila Kunis in the land of Oz. Writer Sally Gardner reviews. Composer George Benjamin and playwright Martin Crimp reflect on their new opera, Written on Skin, receiving its UK premiere at the Royal Opera House this week. Based on a medieval folk tale of love and violence, the opera is directed by Katie Mitchell and features Canadian soprano Barbara Hannigan in the pivotal role of Agnes. Author Julia O'Faolain discusses Trespassers: A Memoir, the story of her own life and her relationship with her father, the acclaimed writer Sean O'Faolain, who was also Director of Publicity for the IRA during the Irish Civil War. Producer Nicki Paxman.

Paul Auster on why he never reads reviews and Martin Freeman on his role in The Hobbit. Danny Boyle discusses the Olympic Opening Ceremony and Paul Thomas Anderson on his film The Master and playwright Martin Crimp talks about his new play at the Royal Court Theatre

How relevant is the Nation-State in today's world? Philip Dodd debates the future of the Nation -State with political commentator Will Hutton, New Generation Thinker Adriana Sinclair, Turkish novelist Elif Shafak and historian Quentin Skinner. Susannah Clapp reviews Martin Crimp's new play In The Republic of Happiness. And Philip talks to Wm Paul Young, the American Christian author whose debut novel The Shack has sold over 18 million copies.

This is a background pack for Katie Mitchell's 2007 production of Attempts on her Life by Martin Crimp.