Podcast appearances and mentions of Paul Poiret

Welcome to Luxe Stories, a new original series on SiriusXM that delves into the untold stories behind the world's most iconic luxury brands.In our premiere episode, we focus on the enigmatic Coco Chanel—the woman who revolutionized modern fashion and whose aesthetic style became a symbol of cultural transformation."Joining host Pauline is renowned fashion historian and New York Times columnist Rhonda Garelick. Together, they explore Coco's difficult early years -- how they shaped her tastes and fueled her rise.They also confront her wartime affiliations with the Nazi party, affairs with powerful men, conflicts with her longtime business partners, and bitter rivalries with other designers like Elsa Schiaparelli and Paul Poiret.Finally, they reflect on how her successor, Karl Lagerfeld, rescued the brand from near obscurity, how he transformed it with his own bold vision and unapologetic flair, and how Coco herself might react to her brand today as well as the fashion industry that she once ruled. 

“If the public can predict you, it starts to like you. But the Marchesa didn't want to be liked.” For the first three decades of the twentieth century, the Marchesa Luisa Casati astounded Europe. Artists such as Man Ray painted, sculpted, and photographed her; writers such as Ezra Pound and Jack Kerouac praised her strange beauty. An Italian woman of means who questioned the traditional gender codes of her time, she dismissed fixed identities as mere constructions. Gathering on the occasion of the 25th anniversary of the first publication of Infinite Variety: The Life and Legend of the Marchesa Casati (the first full-length biography of Luisa Casati, now offered in an updated, ultimate edition), Michael Orlando Yaccarino joins Valerie Steele, Joan Rosasco, and Francesca Granata in conversation about the enigma that is the Marchesa Casati.Michael Orlando Yaccarino is a writer specializing in international genre film, fashion, music, and unconventional historic figures. Scot D. Ryersson (1960–2024) was an award-winning writer, illustrator, and graphic designer. Michael and Scot collaborated on many projects, are coauthors of Infinite Variety: The Life and Legend of the Marchesa Casati, The Ultimate Edition, and are founders of the Casati Archives. www.marchesacasati.comValerie Steele is a fashion historian and director and chief curator of the Museum at the Fashion Institute of Technology. Steele is the author or editor of twenty-five books, including Paris Fashion, Fetish, and Fashion Designers A-Z.Joan Rosasco taught at Smith College, Columbia University, and New York University, with focus on European art and culture, French literature, and the Belle Époque period. She is author of numerous publications including The Septet.Francesca Granata is associate professor of fashion studies at Parsons School of Design. Her research focuses on modern and contemporary visual culture, fashion history and theory, and gender and performance studies. Granata is editor of Fashion Criticism and author of Experimental Fashion, and wrote the afterword to Infinite Variety.Praise for the book:"Ryersson and Yaccarino are judicious historians of frivolity who capture the tone of a life that was obscenely profligate yet strangely pure."—The New Yorker"A meticulously researched biography, Infinite Variety is as much art history as chronicle of personal obsession."—The New York Times"Fascinating . . . with or without her cheetahs, the Marchesa Casati's circus of the self makes her a natural for the new millennium."—Vanity FairInfinite Variety: The Life and Legend of Marchesa Casati, The Ultimate Edition is available from University of Minnesota Press.

Hear the extraordinary life of Elsa Schiaparelli. From her rebellious youth and surrealist collaborations to her iconic designs like the lobster dress and shocking pink, discover how Schiaparelli redefined fashion as art and left a legacy of daring innovation, with guest and fashion enthusiast, Darrian Wright._______Support this podcast with a small donation: Buy Me A CoffeeThis show is powered by Nice PeopleJoin this podcast and the Patreon community: patreon.com/womendesignersyoushouldknowHave a 1:1 mentor call with Amber Asay: intro.co/amberasay_______Sources:Shocking: The Surreal World of Elsa Schiaparelli by Marie-Sophie Carron de la Carrierehttps://www.schiaparelli.comPodcast —  Dressed: The History of Fashion on SchiaparelliAbout ElsaElsa Schiaparelli was the ultimate rebel of fashion, a designer who turned shocking ideas into art. Born in 1890 to an aristocratic family in Rome, Elsa's life was anything but conventional. As a child, she released a box of fleas under her parents' dinner table and later staged a hunger strike to escape a Swiss convent. After a whirlwind marriage to a charming con man, she found herself as a single mother in New York, scraping by while mingling with avant-garde artists like Marcel Duchamp and Man Ray. It wasn't until she moved to Paris and met legendary designer Paul Poiret that she discovered her true calling: inventing fashion. From surrealist collaborations with Salvador Dalí to creating her signature shocking pink, Schiaparelli defied norms, blending wit, art, and bold femininity. She gave us iconic designs like the lobster dress, the shoe hat, and the first wrap dress. A pioneer who refused to play by the rules, Elsa didn't just make clothes—she made statements.Follow Darrian@iamdarrian ____View all the visually rich 1-min reels of each woman on IG below:Instagram: Amber AsayInstagram: Women Designers Pod

Hoy en el directo matinal de betevé hablamos de la historia del 'pantalón femenino' entre los siglos XIX y XX. De como la mujer ha conseguido vestir con pantalones sin ser juzgada ni detenida por la policía, cosa que en muchos lugares no ha ocurrido con las faldas en el caso de los hombres. De como la Biblia desde hace siglos ha sentado las bases de lo que hoy entendemos por travestismo como algo imoral, impuro y repugnante a los ojos de Dios. Hablamos de Las Terreras machegas, las primeras castizas de Ciudad Real que vistieron con pantalones a mitad del siglo XIX para trabajar en el campo. Hablamos también del famoso 'Permiso de Travestismo' parisien donde la policía autorizaba a las mujeres que quisieran llevar pantalones de forma 'justificada'. De como la prensa de finales del XIX hablaba poco más que del fin del mundo porque los hombres llevasen faldas y las mujeres pantalón. Y de como la alta costura introdujo el pantalón entre las décadas de 1910 y el 1930 con figuras de la moda como Paul Poiret, Elsa Schiaparelli y Cocó Chanel. Nueva franja de mañanas de 12:00 a 14:00h. Programas completos disponibles en la hemeroteca de betevé. Modelito de Rubén Antón diseñado por Lady Braga. Pieza de joyería y pedrería de la antigua sala Bagdad de Barcelona, de la época del destape cuando era un cabaret y hacían espectáculos picantones. Pendientes hechos a mano por Lydie Sommier. Make up por Sandra Martínez y Fashion Stylist por Judit Sanz.

Join me as I chat with Barbara Quick, author of Vivaldi's Virgins and What Disappears, both listed in the Visual Arts category on Art In Fiction.View the video on YouTube: https://youtu.be/nYq1nLL4xv4Inspiration for What Disappears going back several decades to when Barbara was just 22 years old.Revisiting old work after it's "ripened."The role of idential twins in What Disappears.Writing a great villain in fashion designer Paul Poiret. Researching the fashion components in What Disappears.What it was like to be a dancer in Belle Epoque Paris.Barbara's love of dance.Debut of Stravinsky's Rite of Spring  in Paris and the Riot at the Rite.The role played by anti-semitism in both Tsarist Russia and Paris in the novel.The theme of healing in What Disappears.Reading from What Disappears.Writing poetry and prose: two sides of the same coin?One thing Barbara Quick learned from writing novels that she didn't know before.What Barbara is working on now.Press Play now & be sure to check out Vivaldi's Virgins and What Disappears on Art In Fiction: https://www.artinfiction.com/novels?q=barbara+quickBarbara Quick's website: https://www.barbaraquick.com/ Are you enjoying The Art In Fiction Podcast? Consider helping us keep the lights on so we can continue bringing you interviews with your favorite arts-inspired novelists. Just $3 buys us a coffee (and we really like coffee) at Ko-Fi. Just click this link: https://ko-fi.com/artinfictionAlso, check out the Art In Fiction website at https://www.artinfiction.com where you'll find over 1800 novels inspired by the arts in 10 categories: Architecture, Dance, Decorative Arts, Film, Literature, Music, Textile Arts, Theater, Visual Arts, and Other.

On vous emmène à une des soirées costumées les plus folles du siècle dernier, rêvée et organisée par un amoureux fou du vêtement, le couturier et parfumeur Paul Poiret - grand excentrique, couturier de la belle époque et précurseur de l'art déco, il a aussi contribué à propager dans l'art et la mode le goût pour l'esthétique orientale qui allait faire fureur dans les années 10... Au programme Palmiers, parfums d'orient, riches costumes et animaux du désert: bienvenue dans la mille et deuxième nuit de Paul Poiret... Sujets traités : fête, couturier , parfumeur, Paul Poiret, belle époque, art déco, mode, art, costumes, palmiers, désert, Cindya Izzarelli Merci pour votre écoute Un Jour dans l'Histoire, c'est également en direct tous les jours de la semaine de 13h15 à 14h30 sur www.rtbf.be/lapremiere Retrouvez tous les épisodes d'Un Jour dans l'Histoire sur notre plateforme Auvio.be : https://auvio.rtbf.be/emission/5936 Et si vous avez apprécié ce podcast, n'hésitez pas à nous donner des étoiles ou des commentaires, cela nous aide à le faire connaître plus largement.

durée : 00:17:03 - Les Nuits de France Culture - par : Philippe Garbit - En 1954, Jean Oberlé et Pierre Devaux rendaient hommage à Paul Poiret dans l'émission "Des aînés, des copains", ils évoquaient, dans une causerie, la vie du grand couturier du début du XXème siècle, précurseur du style Art déco. - invités : Paul Poiret Grand couturier (1879-1944)

De la Belle Époque jusqu'aux années folles, Paris continue plus que jamais d'attirer les artistes du monde entier. La Ville-Monde est à la fois une capitale au cœur de l'innovation et le foyer d'un formidable rayonnement culturel. Le parcours présente près de 400 œuvres de Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, Marie Laurencin, Fernand Léger, Tamara de Lempicka, Amedeo Modigliani, Chana Orloff, Pablo Picasso, Marie Vassilieff et tant d'autres. L'exposition montre également des tenues de Paul Poiret, de Jeanne Lanvin, des bijoux de la maison Cartier, un avion du musée de l'Air et de l'Espace du Bourget et même une voiture prêtée par le musée national de l'automobile à Mulhouse. À travers la mode, le cinéma, la photographie, la peinture, la sculpture, le dessin, mais aussi la danse, le design, l'architecture et l'industrie, l'exposition donne à vivre et à voir la folle créativité de ces années 1905-1925.

“Le Paris de la modernité” 1905-1925au Petit Palais, Parisdu 14 novembre 2023 au 14 avril 2024Interview de Juliette Singer, conservatrice en chef du patrimoine et commissaire scientifique de l'expositionpar Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 13 novembre 2023, durée 15'06,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2023/11/14/3493_paris-de-la-modernite_petit-palais/Communiqué de presseCommissariat :Annick Lemoine, directrice du Petit Palais, commissaire généraleJuliette Singer, conservatrice en chef du patrimoine, commissaire scientifiqueAprès « Paris Romantique, 1815-1858 » et « Paris 1900, la Ville spectacle », le Petit Palais consacre le dernier volet de sa trilogie au « (Le) Paris de la modernité, 1905-1925 ». De la Belle Époque jusqu'aux Années folles, Paris continue plus que jamais d'attirer les artistes du monde entier. La Ville-Monde est à la fois une capitale au cœur de l'innovation et le foyer d'un formidable rayonnement culturel. Paris maintiendra ce rôle en dépit de la recomposition de l'échiquier international après la Première Guerre mondiale, période pendant laquelle les femmes jouent un rôle majeur, trop souvent oublié. Ambitieuse, inédite et trépidante, cette exposition souhaite montrer combien cette période est fascinante, en faisant ressortir les ruptures et les géniales avancées tant artistiques que technologiques. Le parcours présente près de 400 oeuvres de Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, Marie Laurencin, Fernand Léger, Tamara de Lempicka, Jacqueline Marval, Amedeo Modigliani, Chana Orloff, Pablo Picasso, Marie Vassilieff et tant d'autres. L'exposition montre également des tenues de Paul Poiret, de Jeanne Lanvin, des bijoux de la maison Cartier, un avion du musée de l'Air et de l'Espace du Bourget et même une voiture prêtée par le musée national de l'automobile à Mulhouse. À travers la mode, le cinéma, la photographie, la peinture, la sculpture, le dessin, mais aussi la danse, le design, l'architecture et l'industrie, l'exposition donne à vivre et à voir la folle créativité de ces années 1905-1925.L'exposition, dont le parcours est à la fois chronologique et thématique, tire son originalité du périmètre géographique sur lequel elle se concentre largement, celui des Champs-Élysées, à mi-chemin des quartiers de Montmartre et de Montparnasse. S'étendant de la Place de la Concorde à l'Arc de Triomphe et à l'Esplanade des Invalides, il comprend le Petit et le Grand Palais, mais aussi le Théâtre des Champs-Élysées, ou encore la rue de la Boétie. Ce quartier est au coeur de la modernité à l'oeuvre. Le Grand Palais accueille alors chaque année la toute dernière création aux Salons d'Automne et des Indépendants, y sont montrées les oeuvres du Douanier Rousseau, d'Henri Matisse, de Kees van Dongen parmi tant d'autres. Durant la Première Guerre mondiale, le Petit Palais joue un rôle patriotique important, en exposant des oeuvres d'art mutilées et des concours de cocardes de Mimi-Pinson.En 1925, il est au centre de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes où se côtoient pavillons traditionnels, Art Déco et de l'avant-garde internationale. À quelques pas, dans l'actuelle avenue Franklin Roosevelt alors appelée avenue d'Antin, le grand couturier Paul Poiret s'installe dans un superbe hôtel particulier en 1909. Il marque les esprits en y organisant en 1911 la mémorable fête de « La Mille et Deuxième Nuit » pour laquelle le couturier crée des tenues accompagnées d'accessoires. Le lieu abrite aussi la galerie Barbazanges, où Les Demoiselles d'Avignon de Picasso est révélé pour la première fois en 1916. L'artiste vit rue de la Boétie avec sa femme Olga. [...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

In the Mood è il progetto di Radio 21 aprile Web per iniziare la settimana con un pensiero diverso, attraverso la segnalazione di alcuni articoli dei principali inserti di cultura dei giornali italiani.Questa settimana, dalla Domenica del Sole 24 ore, le grafiche scelte da Manzoni per continuare a raccontare in un modo diverso (Salvatore Silvano Nigro, Come leggere (oggi) i Promessi Sposi) e Antonio Calabrò (Quei razionalisti che volevano il futuro) sul libro di Gianni Biondino, "Quello che non siamo" Guanda editore, euro 22, e sulla storia appunto del razionalismo architettonico.Dalla Lettura del Corriere della Sera, Maurizio Ferrera "Rubens il primo europeista" sulla posizione tollerante in vista della pace espressa dal pittore in un suo quadro del 1638.Robinson, la Repubblica: Mark Rothko il pittore nell'articolo di Dario Pappalardo "Mark Rothko era mio padre".Il Manifesto, Alias di domenica, il fascino dei tessuti russi del 1800 ed i grandi stilisti come Paul Poiret e Yves Saint Laurent. Articolo di Valentina Porcheddu: "Come scintilla il savoir-faire del popolo!Dal Messaggero, Fabio Isman sul sedicesimo papa di Roma, Callisto.Musica sotto licenza Artlist.io

Curator Romy Cockx talks to Danielle Radojcin about Man Ray's journey from growing up as the son of working-class immigrants in Philadelphia to a towering giant of 20th Century image-making.Man Ray was responsible for some of the most eye-catching photos of women in the 20th Century: Lee Miller's floating lips, the glass tears of Kiki de Montparnasse, and portraits of fashion stars Coco Chanel and Elsa Schiaparelli to name but a few.MoMu, the Fashion Museum in Antwerp, is currently running an exhibition showcasing Man Ray's relationship with fashion, from his photo editorials for Harper's Bazaar and Vogue, to the gowns worn by some of the famous women who modelled them. Cockx talks about what influenced Man Ray, from Paul Poiret to Marcel Duchamp and the Marquis de Sade, and the designers he in turn has influenced, including Phoebe Philo and Martin Margiela.Recommended links from Romy Cockx:https://www.stockmansartbooks.be/nl/man-ray-and-fashion.htmlhttps://www.momu.be/en/exhibitions/man-ray 

Dans ce podcast, nous revenons sur les souvenirs de Françoise Cailles, l'historienne et l'écrivain a consacré 4 ans de recherches en parallèle de son métier d'experte bijoux avant de lancer son ouvrage " RENE BOIVIN JOAILLIER" , oeuvre majeure de la profession !  I- René Boivin est né en 1864. En 1890, il fonde sa propre maison de joaillerie, qui porte son nom. La Maison René Boivin devient rapidement reconnue pour son style unique et audacieux. René Boivin était connu pour sa volonté de repousser les limites de la joaillerie traditionnelle et d'explorer de nouvelles formes, motifs et matériaux. Sous la direction de René Boivin, la Maison a développé une réputation pour ses créations avant-gardistes et innovantes. René Boivin a cherché à créer des bijoux qui étaient à la fois artistiques et portables, se concentrant sur la beauté de la pièce dans son ensemble plutôt que sur la valeur intrinsèque des pierres précieuses utilisées. Ses créations étaient souvent caractérisées par des formes géométriques, des motifs floraux stylisés et l'utilisation de matériaux inhabituels. En 1917, René Boivin décède, laissant derrière lui un héritage important dans le monde de la joaillerie. La maison René Boivin est ensuite reprise par sa veuve, Jeanne Boivin, qui engage à Suzanne Belperron, une designer de bijoux talentueuse. Ensemble, elles continuent à développer le style distinctif de la maison. Suzanne Belperron, qui a travaillé pour la maison René Boivin, a créé de nombreuses pièces emblématiques qui ont marqué l'histoire de l'art de la joaillerie au 20e siècle. Cependant, en février 1932, Suzanne Belperron quitte la maison Boivin pour rejoindre Bernard Herz, un célèbre négociant en pierres. La maison René Boivin a continué à prospérer après le départ de Suzanne Belperron, suivi par d'autres dessinatrice notamment Juliette Moutard et Marie-Caroline de Brosses. Malheureusement, peu de temps après cette acquisition, la maison René Boivin a fermé ses portes à la fin des années 1990.  L'histoire de René Boivin témoigne de son rôle essentiel dans l'évolution de l'art de la joaillerie. Ses créations novatrices et son approche artistique ont influencé et inspiré de nombreux designers de bijoux par la suite, et son héritage perdure encore aujourd'hui  II- Jeanne Boivin était une créatrice de bijoux et l'épouse de René Boivin, fondateur de la Maison René Boivin. Voici quelques éléments sur son histoire : Jeanne Boivin était la sœur de Paul Poiret, Germaine Bongard et Nicole Groult, et elle était issue d'une famille créative et artistique. Après son mariage avec René Boivin, elle a collaboré étroitement avec lui dans la création de bijoux. La Maison René Boivin, dont Jeanne Boivin a pris la direction après la mort prématurée de son mari en 1917, a marqué l'histoire de la joaillerie française. Sous sa direction, accompagnée d'une équipe de femmes talentueuses, le nom de René Boivin a continué à résonner et à influencer le monde de la haute joaillerie jusqu'à nos jours. Elle a joué un rôle essentiel dans la direction de la Maison René Boivin après la mort de son mari et a contribué à maintenir l'héritage de la marque. Jeanne Boivin et son équipe de femmes ont insufflé un nouveau souffle à la scène de la haute joaillerie en proposant des bijoux distinctifs et en introduisant des couleurs et des styles uniques. Leur créativité audacieuse et leur approche ludique ont contribué à réinventer les codes de la joaillerie de l'époque  Jeanne Boivin a joué un rôle essentiel dans le maintien de l'héritage de René Boivin et a veillé à ce que la Maison René Boivin continue d'être reconnue comme une référence dans le domaine de la joaillerie. Son travail et celui de son équipe ont contribué à faire de la Maison René Boivin un nom emblématique de l'histoire de la joaillerie française III- Suzanne Belperron, de son nom de naissance Madeleine Suzanne Vuillerme, est née le 26 septembre 1900 à Saint-Claude dans le Jura, en France. Elle était la fille de Jules Alix Vuillerme et de Marie Clarisse Faustine Bailly-Maître. Suzanne Belperron a acquis une renommée mondiale en tant que créatrice de bijoux. Notamment la Maison René Boivin. Pendant son temps chez René Boivin, elle a créé de nombreuses pièces emblématiques qui ont marqué l'histoire de l'art de la joaillerie au 20e siècle. Son style était distinctif, audacieux et novateur. Elle a développé une approche unique de la conception de bijoux, mettant l'accent sur l'intégrité artistique plutôt que sur la valeur des pierres précieuses. Suzanne Belperron était connue pour sa capacité à mélanger des matériaux inhabituels et à créer des pièces au design original. Ses créations étaient caractérisées par des formes géométriques, des motifs floraux stylisés et une utilisation innovante de l'émail. En février 1932, Suzanne Belperron quitte la Maison René Boivin pour rejoindre Bernard Herz, un célèbre négociant en pierres . Après cette transition, elle a continué à créer des bijoux de renom pour une clientèle internationale, dont des personnalités célèbres telles que la duchesse de Windsor, la reine Elizabeth de Belgique et Greta Garbo. Malgré son immense talent et sa renommée, Suzanne Belperron est restée discrète et n'a pas signé la plupart de ses créations, ce qui les rend d'autant plus précieuses et recherchées aujourd'hui. L'histoire de Suzanne Belperron est également marquée par une bataille judiciaire entourant son nom et son héritage, qui s'est déroulée plusieurs années après sa mort en 1983. Cette histoire a ajouté des rebondissements à la postérité de cette créatrice de bijoux exceptionnelle. Suzanne Belperron a laissé une empreinte indélébile dans le monde de la joaillerie. Son héritage perdure grâce à ses créations intemporelles et innovantes, qui continuent à inspirer les créateurs de bijoux d'aujourd'hui.   https://www.musee-orsay.fr/fr/ressources/repertoire-artistes-personnalites/jeanne-boivin-4359 https://reneboivin.com/pages/heritage https://www.macklowegallery.com/blogs/designer-spotlights/highlighting-women-makers-the-remarkable-women-who-reignited-the-house-of-boivin https://fr.wikipedia.org/wiki/Suzanne_Belperron https://www.vanityfair.fr/mode/articles/lhistoire-aux-mille-rebondissements-de-la-maison-belperron/25420 https://lateliermahler.com/actualites/rene-boivin-la-fabuleuse-histoire-de-ce-joaillier-francaise-atelier-mahler/

Cristina Acidini"L'arte della moda"L'età dei sogni e delle rivoluzioni 1789-1968Forlì, Museo Civico San DomenicoFino al 2 luglio 2023http://www.mostremuseisandomenico.itTintoretto, William Hamilton, George Romney, Francesco Hayez, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, James Tissot, Giovanni Boldini, Vittorio Corcos, Henry Matisse, Josef Hoffmann, Giacomo Balla, Piet Mondrian, Umberto Boccioni, Giorgio de Chirico, Damien Hirstinsieme con Charles Frederick Worth, Ventura, Mariano Fortuny, Paul Poiret, SalvatoreFerragamo, Coco Chanel, Germana Marucelli, Valentino Garavani e Pierpaolo Piccioli, Giorgio Armani, Christian Dior per John Galliano, Gucci, Prada, Tom Ford, Cristobal Balenciaga, Yohij Yamamoto: sono soltanto alcuni dei 100 artisti e dei 50 stilisti e couturier protagonisti di L'arte della moda. L'età dei sogni e delle rivoluzioni, 1789 – 1968, la grande mostra ideata e realizzata da Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì negli spazi del Museo Civico San Domenico, fino al 2 luglio 2023. Diretta da Gianfranco Brunelli e curata da Cristina Acidini, Enrico Colle, Fabiana Giacomotti e Fernando Mazzocca, l'esposizione è dedicata all'affascinante rapporto fra arte e moda. Il periodo preso in considerazione attraversa tre secoli: dall'Ancien Régime al secondo Novecento. Un racconto unico. Un percorso espositivo di confronti che comprende oltre 300 opere, tra quadri, sculture, accessori, abiti d'epoca e contemporanei. L'esposizione forlivese, la prima del suo genere, somiglia a un vero e proprio kolossal. Le opere, che a partire dal Settecento attraversano la Rivoluzione francese, il Romanticismo, la Macchia, l'Impressionismo, il Simbolismo e tutte le Avanguardie novecentesche fino a oggi, identificano un rapporto tra arte e moda dove l'arte rispecchia, crea e si fa moda e la moda appartiene definitivamente alle arti. La moda dipinta, ritratta, scolpita, realizzata dai grandi artisti. L'abito che modella, nasconde, dissimula e promette il corpo. L'abito come segno di potere, di ricchezza, di riconoscimento, di protesta. Come cifra distintiva di uno stato sociale o identificativa di una generazione. La moda come opera e comportamento. L'arte come racconto e come sentimento del tempo Tra le opere esposte Ritratto dell'avvocato Carlo Manna (1907) di Umberto Boccioni, Ritratto di Emiliana Concha de Ossa (1888) di Giovanni Boldini, Grande composizione A con nero, rosso, grigio giallo e blu (1919) di Piet Mondrian, Donna e anemoni (1920-1921) di Henry Matisse a cui fanno da contrappunto due completi ricamati di Giorgio Armani, il Panciotto di Marinetti (1923 – 1924) di Fortunato Depero, la Camicia Orlando (A/I 2001-02) di Gianfranco Ferré, il Delphos in seta con sopravveste in velluto (1920 circa) di Mariano Fortuny in dialogo con una Kore di tipo Eleusidella fine del II secolo, l'Abito da giorno “Linea Assira” (1961) di Germana Marucelli e un abito da sera inedito di Elsa Schiaparelli. Accompagnato dal catalogo edito da Dario Cimorelli Edizioni, il progetto espositivo, curato dall'architetto Alessandro Lucchi, si è avvalso della preziosa collaborazione dei più importanti musei d'arte, degli archivi, dei musei e maison di moda. L'esposizione forlivese porta in Italia capolavori provenienti da importanti istituzioni museali internazionali quali, tra gli altri, il Musée d'Orsay di Parigi, la Galleria Belvedere di Vienna, il Musée d'Art et d'Histoire di Ginevra, la Klimt Foundation e il MAK- Museum of Applied Arts, di Vienna, la Galerie Neue Meister di Dresda, Le Domaine de Trianon | Château de Versailles, il Kunstmuseum de l'Aia, il Museum National di Cracovia, il Castello Reale di Varsavia. Accanto ad essi i maggiori musei italiani: le Gallerie degli Uffizi di Firenze, la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma, la Pinacoteca Agnelli di Torino, il Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, il Museo e Real Bosco di Capodimonte di Napoli, il Museo Archeologico Nazionale di Napoli, la Pinacoteca di Brera di Milano, i Musei Civici di Mantova, l'Istituto per il Teatro e il Melodramma - Fondazione Giorgio Cini di Venezia, il Museo del Novecento di Milano, l'Accademia di Belle Arti di Brera, il Museo Poldi Pezzoli di Milano, le Gallerie Nazionali d'Arte Antica di Roma, la Fondazione Magnani Rocca di Fontanellato, le Gallerie d'Italia di Intesa Sanpaolo, la Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca, la Fondazione Cariverona, il Museo Palazzo Ricci di Macerata, la Biblioteca Nazionale Centraledi Firenze, i Musei Civici di Padova, la Galleria d'Arte Moderna di Roma, il Museo Revoltella di Trieste, la Galleria d'Arte Moderna Restivo di Palermo. Prestigiosi anche i prestiti degli abiti e degli accessori provenienti da fondamentali case di moda come Giorgio Armani, Curiel, Prada, Christian Dior Couture, Archivio Storico Gucci, Maison Valentino, Lanvin, Max Mara; e da importanti istituzioni come Palazzo Morando | Costume Moda Immagine di Milano, Archivio Renato Balestra, il Museo Stibbert di Firenze, Centro di ricerca Gianfranco Ferré, il Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti di Firenze, Archivio Storico Galitzine, il Museo Ferragamo di Firenze, il Museo Boncompagni Ludovisi di Roma, il Museo del Costume - Castello di Donnafugata di Ragusa, il Museo dell'Aeronautica Caproni di Trento, il Museo Mariano Fortuny y Madrazo e il Museo Correr di Venezia, la Fondazione Archivio Capogrossi di Roma, l'Archivio Germana Marucelli di Milano, gli Archivi Mazzini di Massa Lombarda, Fortuny di Venezia, la Collezione Tirelli Trappetti di Roma e la Collezione Massimo Cantini Parrini. Importanti anche i prestiti da collezioni private fra cui quella di AlbertoTagliabue e Giovanna Frossi. Ideata e realizzata dalla Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì in collaborazione con il Comune di Forlì e il Museo Civico San Domenico, la mostra è frutto del lavoro del prestigioso comitato scientifico presieduto ad honorem da Antonio Paolucci e composto da Marco Antonio Bazzocchi, Silvia Casagrande, Simona Di Marco, Fabriano Fabbri, Mario Finazzi, Gioia Mori, Francesco Parisi, Paola Refice, Giorgio Restelli, Stefania Ricci, Ines Richter, Chiara Squarcina, Ulisse Tramonti. Anche per L'arte della moda. L'età dei sogni e delle rivoluzioni, 1789 – 1968 si conferma la preziosa collaborazione avviata nel 2014 tra la Fondazione e Mediafriends, l'Associazione Onlus di Mediaset, Mondadori e Medusa, nel segno di arte e solidarietà, grazie alla quale una parte del biglietto di ingresso alla mostra verrà devoluto per sostenere il progetto “Scuola di Vita”, rivolto a ragazze e ragazzi che non hanno ancora trovato una strada.IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarehttps://ilpostodelleparole.itQuesto show fa parte del network Spreaker Prime. Se sei interessato a fare pubblicità in questo podcast, contattaci su https://www.spreaker.com/show/1487855/advertisement

Historiquement Vôtre réunit 3 personnages qui ont la folie des grandeurs : Nicolas Fouquet, le surintendant des finances du Roi Louis XIV. Un roi pour qui il a voulu bien faire, mais surtout trop faire… et il a fini par le payer ! Puis un grand couturier qui a vu trop grand : Paul Poiret, le premier grand couturier français qui n'a pas réussi à le rester. Et un milliardaire indien qui a folie des grandeurs et des hauteurs aussi, puisqu'il s'est fait construire une maison de 27 étages : Mukesh Ambani.

Stéphane Bern, entouré de ses chroniqueurs historiquement drôles et parfaitement informés, s'amuse avec l'Histoire – la grande, la petite, la moyenne… - et retrace les destins extraordinaires de personnalités qui n'auraient jamais pu se croiser, pour deux heures où le savoir et l'humour avancent main dans la main. Aujourd'hui, Paul Poiret. 

Historiquement Vôtre réunit 3 personnages qui ont la folie des grandeurs : Nicolas Fouquet, le surintendant des finances du Roi Louis XIV. Un roi pour qui il a voulu bien faire, mais surtout trop faire… et il a fini par le payer ! Puis un grand couturier qui a vu trop grand : Paul Poiret, le premier grand couturier français qui n'a pas réussi à le rester. Et un milliardaire indien qui a folie des grandeurs et des hauteurs aussi, puisqu'il s'est fait construire une maison de 27 étages : Mukesh Ambani.

Stéphane Bern, entouré de ses chroniqueurs historiquement drôles et parfaitement informés, s'amuse avec l'Histoire – la grande, la petite, la moyenne… - et retrace les destins extraordinaires de personnalités qui n'auraient jamais pu se croiser, pour deux heures où le savoir et l'humour avancent main dans la main. Aujourd'hui, Paul Poiret. 

“Kimono“ au musée du quai Branly – Jacques Chirac, Parisdu 22 novembre 2022 au 28 mai 2023Interview de Anna Jackson, Conservatrice en chef du département Asie du Victoria and Albert Museum, Londres, et commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 21 novembre 2022, durée 16'41.© FranceFineArt.(avec l'aimable traduction de Anne Geurts)https://francefineart.com/2022/11/22/3355_kimono_musee-du-quai-branly/Communiqué de presseCommissaires :Anna Jackson, Conservatrice en chef du département Asie du Victoria and Albert Museum, LondresJosephine Rout, Conservatrice au département Asie du Victoria and Albert Museum, LondresRéférent scientifiqueJulien Rousseau, Responsable de l'unité patrimoniale Asie au musée du quai Branly – Jacques Chirac, ParisAu fil d'un parcours regroupant près de 200 kimonos, vêtements inspirés du kimono et objets associés, dont certains sont exposés pour la première fois en France, l'exposition retrace l'histoire de ce vêtement depuis le début de l'époque Edo – au 17e siècle. En même temps qu'elle met en lumière l'importance esthétique, sociale et vestimentaire du kimono, l'exposition souligne le grand dynamisme d'un vêtement trop longtemps perçu comme traditionnel et immuable mais dont pourtant l'influence sur la mode contemporaine, et mondialisée, est majeure depuis le 17e siècle.Vêtement iconique, le kimono est probablement le symbole japonais ultime, vénéré au Japon comme l'incarnation de la culture et de la sensibilité nationales, et considéré internationalement comme un fascinant objet d'exotisme. Son statut symbolique et sa forme demeurée inchangée au travers de nombreux siècles lui confèrent une image d'habit traditionnel, immuable et hors du temps. Cette exposition choisit de renverser cette vision pour souligner tout à la fois sa fluidité et sa capacité à s'adapter à la mode, aussi bien au Japon qu'ailleurs. Ou comment le kimono se livre en emblème d'un Japon qui influence le monde et se laisse influencer par lui.L'exposition présente des pièces rares et remarquables, dont un kimono créé par Kunihiko Moriguchi, « trésor national vivant » au Japon, mais aussi des tenues célèbres associées à la culture populaire comme les costumes originaux des films Star Wars par Trisha Biggar. Des créations de Paul Poiret, Yohji Yamamoto et John Galliano révèlent l'importance du rôle du kimono comme source d'inspiration pour les plus grands couturiers.Le kimono au JaponLa mode des kimonos s'épanouit au Japon durant l'époque Edo (1603-1868), période marquée par une stabilité politique, une croissance économique et une expansion urbaine sans précédent. Kyoto devient le centre d'un artisanat de luxe du kimono et l'esprit créatif qui l'anime se conjugue au dynamisme commercial de sa voisine Osaka, faisant de cette région le berceau d'un style et d'un raffinement nouveaux. À l'orée du 18e siècle, l'attention se déplace sur Edo, actuelle Tokyo, où règne une bouillonnante culture entremêlant divertissements, glamour et érotisme, désignée sous l'appellation de ukiyo ou « monde flottant ». Pendant cette période, la mode constitue une force sociale et économique majeure au Japon. La plupart des kimonos conservés de l'époque Edo correspondent à des tenues de luxe, vendues dans des boutiques spécialisées. Si les clients ont la possibilité de se procurer des tissus afin de coudre eux-mêmes leur kimono, les somptueux vêtements portés par l'élite fortunée correspondent à des commandes spécifiques. [...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Historiquement Vôtre réunit 3 personnages qui ont la folie des grandeurs : Nicolas Fouquet, le surintendant des finances du Roi Louis XIV. Un roi pour qui il a voulu bien faire, mais surtout trop faire… et il a fini par le payer ! Puis un grand couturier qui a vu trop grand : Paul Poiret, le premier grand couturier français qui n'a pas réussi à le rester. Et un milliardaire indien qui a folie des grandeurs et des hauteurs aussi, puisqu'il s'est fait construire une maison de 27 étages : Mukesh Ambani.

Stéphane Bern, entouré de ses chroniqueurs historiquement drôles et parfaitement informés, s'amuse avec l'Histoire – la grande, la petite, la moyenne… - et retrace les destins extraordinaires de personnalités qui n'auraient jamais pu se croiser, pour deux heures où le savoir et l'humour avancent main dans la main. Aujourd'hui, Paul Poiret

Historiquement Vôtre réunit 3 personnages qui ont la folie des grandeurs : Nicolas Fouquet, le surintendant des finances du Roi Louis XIV. Un roi pour qui il a voulu bien faire, mais surtout trop faire… et il a fini par le payer ! Puis un grand couturier qui a vu trop grand : Paul Poiret, le premier grand couturier français qui n'a pas réussi à le rester. Et un milliardaire indien qui a folie des grandeurs et des hauteurs aussi, puisqu'il s'est fait construire une maison de 27 étages : Mukesh Ambani.

Stéphane Bern, entouré de ses chroniqueurs historiquement drôles et parfaitement informés, s'amuse avec l'Histoire – la grande, la petite, la moyenne… - et retrace les destins extraordinaires de personnalités qui n'auraient jamais pu se croiser, pour deux heures où le savoir et l'humour avancent main dans la main. Aujourd'hui, Paul Poiret

La haute couture est aujourd'hui encore une tradition française d'élégance et de luxe. Charles Frederick Worth est considéré comme son créateur. Né en Angleterre en 1825, il travaille très tôt dans le textile.Gagnant Paris dès 1845, il parvient à ouvrir un atelier de confection dans l'entreprise textile où il travaille. Ses créations attirent l'attention de l'Impératrice Eugénie, qui lui passe de nombreuses commandes.Dès lors sa réputation dans la haute société parisienne est assurée. Worth ne laisse pas ses clientes fortunées choisir les tissus et les formes de leurs robes, comme c'était l'usage.Il les crée lui-même, sur mesure. Et pour que ces grandes dames puissent étudier ses modèles, il demande à des mannequins de les porter. Ce sont de telles innovations qui ont donné naissance à la haute couture.D'autres précurseursAprès Worth, d'autres créateurs ont donné ses lettres de noblesse à la haute couture. À l'époque de son apparition, à la fin du XIXe siècle, les femmes portent un corset, ce qui resserre la taille et fait saillir le buste.Véritable instrument de "torture", le corset ne met guère en valeur la silhouette féminine. Les femmes qui le portent ne peuvent que manquer de naturel dans leur démarche.Couturier favori de la Belle Époque, Jacques Doucet respecte la tradition mais rend ses robes un peu plus souples. Mais c'est Paul Poiret qui met fin à la tyrannie du corset.En 1906, ce célèbre couturier ose le supprimer. Dès lors, les femmes peuvent porter des robes droites, à la taille haute et non plus étranglée. Ainsi habillées, elles ressemblent un peu aux élégantes du Directoire.Les femmes doivent à ce grand précurseur de la haute couture une allure plus naturelle. Et elles y gagnent une nouvelle liberté de mouvement.Mais la haute couture, dont les modèles font déjà la réputation de Paris dans le monde entier, n'est pas l'apanage des hommes. En effet, il y eut aussi des pionnières : Jeanne Lanvin qui, dès 1909, devient un des grands noms de la haute couture, et, bien sûr, Coco Chanel. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

La haute couture est aujourd'hui encore une tradition française d'élégance et de luxe. Charles Frederick Worth est considéré comme son créateur. Né en Angleterre en 1825, il travaille très tôt dans le textile. Gagnant Paris dès 1845, il parvient à ouvrir un atelier de confection dans l'entreprise textile où il travaille. Ses créations attirent l'attention de l'Impératrice Eugénie, qui lui passe de nombreuses commandes. Dès lors sa réputation dans la haute société parisienne est assurée. Worth ne laisse pas ses clientes fortunées choisir les tissus et les formes de leurs robes, comme c'était l'usage. Il les crée lui-même, sur mesure. Et pour que ces grandes dames puissent étudier ses modèles, il demande à des mannequins de les porter. Ce sont de telles innovations qui ont donné naissance à la haute couture. D'autres précurseurs Après Worth, d'autres créateurs ont donné ses lettres de noblesse à la haute couture. À l'époque de son apparition, à la fin du XIXe siècle, les femmes portent un corset, ce qui resserre la taille et fait saillir le buste. Véritable instrument de "torture", le corset ne met guère en valeur la silhouette féminine. Les femmes qui le portent ne peuvent que manquer de naturel dans leur démarche. Couturier favori de la Belle Époque, Jacques Doucet respecte la tradition mais rend ses robes un peu plus souples. Mais c'est Paul Poiret qui met fin à la tyrannie du corset. En 1906, ce célèbre couturier ose le supprimer. Dès lors, les femmes peuvent porter des robes droites, à la taille haute et non plus étranglée. Ainsi habillées, elles ressemblent un peu aux élégantes du Directoire. Les femmes doivent à ce grand précurseur de la haute couture une allure plus naturelle. Et elles y gagnent une nouvelle liberté de mouvement. Mais la haute couture, dont les modèles font déjà la réputation de Paris dans le monde entier, n'est pas l'apanage des hommes. En effet, il y eut aussi des pionnières : Jeanne Lanvin qui, dès 1909, devient un des grands noms de la haute couture, et, bien sûr, Coco Chanel. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

“Shocking!”, ou “Chocante!”, é a mostra em cartaz no Museu de Artes Decorativas, de Paris, sobre o trabalho da estilista italiana Elsa Schiaparelli (1890-1973), quase 20 anos depois da última grande retrospectiva (2004) sobre a designer de moda. Elsa Schiaparelli foi um dos grandes nomes da vanguarda parisiense dos anos 1920 e 1930. Exuberante e inovadora, ela criou peças icônicas, como um chapéu na forma de sapato, luvas com apliques imitando unhas coloridas, além de batizar e popularizar uma cor – o rosa-choque. Schiaparelli nasceu em 1890, em Roma, em uma família de acadêmicos e aristocratas – o tio astrônomo Giovanni Schiaparelli foi homenageado em 2016, dando nome a uma sonda europeia lançada em direção a Marte. Viajando pela Europa, Elsa conhece o futuro marido, o conde William de Wendt de Kerlor, com quem se casa em 1914. O casal se instala em Nova York e depois em Boston. Nos Estados Unidos, ela conhece os artistas Marcel Duchamp e Man Ray. Schiaparelli deixa o marido mulherengo e volta para a Europa com a filha do casal, Gogo, no começo dos anos 1920. Em Paris, fica amiga dos dadaístas e tem como mentor o estilista francês Paul Poiret. Em 1927, ela apresenta sua primeira coleção, tendo como destaques peças em malha tecidas com ilustrações de ilusão de ótica, como gravatas e laços, hoje um design tão banalizado. Ela tem colaborações de artistas como Jean Cocteau e Salvador Dalí, mas foi rival histórica de Coco Chanel, com quem vivia trocando agulhadas. “Estrangeira e italiana, ela se projeta na primeira metade do século 20, em uma cultura de moda necessariamente francesa”, ressalta Suzana Avelar, professora doutora dos cursos de graduação e mestrado em Têxtil e Moda (USP). “É um momento em que Paris recebe tantas pessoas do mundo todo, principalmente da Europa, bem como artistas das vanguardas modernas – e Elsa Schiaparelli faz parte desse grupo extenso de pessoas que vêm das artes, design e moda. Ela convive e está de acordo com essas notórias vanguardas”, acrescenta. Além de subverter a função das roupas, Schiaparelli vai trabalhar outras fibras, não só as naturais, explorando materiais sintéticos e químicos. “Tanto ela, quanto Chanel, trazem isso para a alta costura”, diz a historiadora, que cita ainda uma coleção de estampas circenses, onde mais uma vez Schiaparelli contempla situações do cotidiano. “A gente vê a moda como um reflexo da cultura, mas na verdade é preciso entender a moda como elemento de composição na nossa cultura”, observa a historiadora. “A moda é o que torna o nosso corpo culturalmente visível, como citam várias teóricas como Kaja Silverman e Elizabeth Wilson. Mulheres como Elsa Schiaparelli, Coco Chanel e madame Grès tornam o corpo da mulher visível, mas do ponto de vista das próprias mulheres”, explica Suzana Avelar. Depois do apogeu entre as duas grandes guerras, a grife Schiaparelli viveu uma fase de declínio. A maison apresentou sua última coleção em 1954 e fechou as portas pouco depois. Elsa Schiaparelli morreu em 1973, em Paris, aos 83 anos. A marca Schiaparelli caiu em desuso durante algumas décadas, até ser comprada pelo italiano Diego Della Valle em 2007 e relançada com estardalhaço em 2012. Em 2019, o estilista texano Daniel Roseberry, 33 anos, foi escolhido para ser o novo diretor artístico da casa. Desde então a grife passou a frequentar os holofotes com frequência. Lady Gaga vestiu uma criação quando cantou o hino nacional em Washington para a posse de Joe Biden, em janeiro de 2021. Assim como a cantora Beyoncé, quando recebeu seu 28° prêmio Grammy, em março do ano passado, ou a modelo Bella Hadid, no tapete vermelho de Cannes, também em 2021. E, mais recentemente, Anitta vestiu um Schiaparelli vermelho e ousado para receber o prêmio VMA (Video Music Awards) por "Envolver", em Newark (Nova Jérsey), no dia 28 de agosto. O Museu de Artes Decorativas de Paris, uma referência em design, reuniu 520 peças para a exposição, incluindo vestidos, acessórios, objetos de decoração, quadros e fotografias assinadas por grandes nomes da época. Há peças emprestadas, como o vestido com estampa de lagosta, uma colaboração com Salvador Dali, do Museu de Arte da Filadélfia (EUA). Ao lado de peças originais, a retrospectiva mostra a influência de Schiaparelli sobre estilistas que vieram na sequência, como Yves Saint Laurent, Azzedine Alaïa, John Galliano, Jean-Paul Gaultier e Christian Lacroix. Saint-Laurent já revistou o rosa-choque, por exemplo, enquanto Galliano se inspirou nas gravatas com estampas de jornal para criar tailleurs. E é impossível não se lembrar das embalagens de perfume de Gaultier diante dos frascos de Schiaparelli, principalmente do mítico Shocking, de 1937. A filha da designer casou-se com um americano e teve duas filhas, a modelo e atriz Marisa Berenson (“Cabaré”, “Barry Lindon”, entre outros) e a modelo e fotógrafa Berry Berenson, que morreu aos 53 anos em um dos aviões sequetrados por terroristas em 11 de setembro de 2001, em Nova York. “Shocking! – os mundos surrealistas de Elsa Schiaparelli” fica em cartaz até 22 de janeiro de 2023, no Museu de Artes Decorativas de Paris.

Queens of the Mines paperback, ebook, and hardback novel now available on Amazon.    In this episode, we dive into the life of Isadora Duncan.   In How to Lose a Guy in 10 Days, the film from 2003, Kate Hudson's character Andy dons a yellow diamond necklace in one scene that they call the “Isadora Diamond”. That $6 million 80-carat yellow diamond in the necklace was designed by Harry Winston and is named after Isadora Duncan. whose philosophy earned her the title of “the creator of modern dance”.   Angela Isadora Duncan, was born in San Francisco on May 26, 1877. The youngest of the four children of banker, mining engineer and connoisseur of the arts, Joseph Charles Duncan and Mary Isadora Gray. Soon after her birth, Joseph was caught embezzling from the two banks that he was hired to set up. He used the money to fund his private stock speculations. Joseph was lucky to avoid prison time. Her mother Mary left Joseph and moved the children to Oakland to find work as a seamstress and piano teacher. The family lived in extremely poor conditions in Oakland and Angela Isadora attended school until she was ten years old. School was too constricting for her and she decided to drop out. To make money for the family, Angela Isadora joined her three older siblings and began teaching dance to local children. She was not a classically trained dancer or ballerina. Her unique, novel approach to dance showed joy, sadness and fantasy, rediscovering the beautiful, rhythmical motions of the human body. Joseph remarried and started a new family, they all perished aboard the British passenger steamer SS Mohegan, which ran aground off the coast of the Lizard Peninsula of Cornwall England on the 14th of October in 1898. Only 91 out of 197 on board survived.  Eventually, Angela Isadora went east to audition for the theater. In Chicago, she auditioned for Augustin Daly, who was one of the most influential men in American theater during his lifetime. She secured a spot in his company, which took her to New York City. In New York, she took classes with American Ballet dancer Marie Bonfanti. The style clashed with her unique vision of dance. Her earliest public appearances back east met with little success. Angela Isadora was not interested in ballet, or the popular pantomimes of the time; she soon became cynical of the dance scene. She was 21 years old, unhappy and unappreciated in New York, Angela Isadora boarded a cattle boat for London in 1898. She sought recognition in a new environment with less of a hierarchy. When she arrived, ballet was at one of its lowest ebbs and tightrope walkers and contortionists were dominating their shared music hall stages. Duncan found inspiration in Greek art, statues and architecture. She favored dancing barefoot with her hair loose and wore flowing toga wrapped scarves while dancing, allowing her freedom of movement. The attire was in contrast to the corsets, short tutus and stiff pointe shoes her audience was used to. Under the name Isadora Duncan, she gave recitals in the homes of the elite. The pay from these productions helped Isadora rent a dance studio, where she choreographed a larger stage performance that she would soon take to delight the people of France.  Duncan met Desti in Paris and they became best friends. Desti would accompany Isadora as she found inspiration from the Louvre and the 1900 Paris Exposition where Loie Fuller, an American actress and dancer was the star attraction. Fuller was the first to use theatrical lighting technique with dance, manipulating gigantic veils of silk into fluid patterns enhanced by changing coloured lights.  In 1902, Duncan teamed up with Fuller to tour Europe. On tour, Duncan became famous for her distinctive style. She danced to Gluck, Wagner and Bach and even Beethoven's Seventh Symphony. Female audiences adored her despite the mixed reaction from the critics. She inspired the phenomenon of young women dancing barefoot, scantily clad as woodland nymphs who crowded theaters and concert halls throughout Europe. Contracts and the commercialization of the art while touring distracted Isadora from her goal, educating the young on her philosophy of dance. "Let us first teach little children to breathe, to vibrate, to feel, and to become one with the general harmony and movement. Let us first produce a beautiful human being. let them come forth with great strides, leaps and bounds, with lifted forehead and far-spread arms, to dance.” In 1904, she moved to Berlin to open the Isadora Duncan School of Dance. The school had around 20 students who mostly had mothers who were the primary breadwinners, and the fathers were either ill or absent. The school provided room and board for the students. For three years, her sister, Elizabeth Duncan was the main instructor, while Isadora was away, funding the school from tour. Elizabeth was not free spirited like her sister and taught in a strict manner. During the third year, Duncan had a child with theater designer Gordon Craig. Deirdre Beatrice, born September 24, 1906. At the school, Duncan created a new troupe of six young girls. Anna, Maria, Irma, Elizabeth, Margot, and Erica. The group was called the "Isadorables", a nickname given to them by the French poet Fernand Divoire. At the start of World War I, the Isadorables were sent to New York with the rest of the new students from Bellevue.  Occultist Aleister Crowley founded the religion of Thelema. He identified himself as the prophet entrusted with guiding humanity into the Æon of Horus in the early 20th century. Isadora and her bohemian companion Desti fell into his circle after meeting him at a party. Crowley fell in love with Desti and she became a member of Crowley's occult order.  Crowley published widely over the course of his life and wrote that Duncan "has this gift of gesture to a very high degree. Let the reader study her dancing, if possible in private than in public, and learn the superb 'unconsciousness' — which is magical consciousness — with which she suits the action to the melody." Duncan had a love affair with Paris Singer, one of the many sons of sewing machine magnate Isaac Singer. The fling resulted in a son, Patrick Augustus, born May 1, 1910. A year later, Isadora was dancing on tables until dawn at the Pavillon du Butard hunting lodge mansion in the gardens of Versailles. Paul Poiret, the French fashion designer and founder of the haute couture house, known to throw lavish parties, was recreating the roman festival Bacchanalia hosted by Louis XIV at Versailles. On the table in a Poiret Greek evening gown, Duncan tried to not knock over the 900 bottles of champagne that were consumed by the 300 guests. The following year Isadora acquired the Hôtel Paillard in Paris,  which she turned into her new temple of dance called Dionysion. Dionysion was the name of a poem  that Crowley  had published.   Which   maakes m e  curious  how far into Crowleys cult did Isaadora dive? On a rainy afternoon Annie Sims, Isadora's nanny, loaded the children into the car for a drive to meet Isadora in Versailles. Morverand, the chauffeur, had only just pulled onto the road, when a taxi-cab bolted towards the car. Morverand jammed on his brakes, causing the engine to also stop. He got out of the car to check the engine, and turned the starting lever and the car bounded forward towards the river, down the river bank and plunged down 30 feet into the Seine. Morverand was left standing on the street. In the downpour of rain, few were out and about. The only witness, a young woman who watched the car exit the gate then crash, ran back to Duncan's house. Augustine, Isadora's brother, was the  only one home. Augustine ran to the scene, seized Morverand by the throat and knocked him down on the bank. A crowd of boatmen stopped the fight and began looking for the sunken car. The search lasted an hour and a half. A motor boat that was dragging the river discovered the car, which was hauled to the surface, where the bodies of the nanny and Isadora's two small children were found inside. Two doctors made efforts to save them but there was no luck. Morverand gave himself up at the police commissary. He explained that he did not understand how the accident happened. All of Paris was sympathetic.  Isadora went through a depression while mourning her children, and spent several months on the Greek island of Corfu with her brother and sister. She then went for a stay at the Viareggio Seaside Resort in Italy, where she met the beautiful and rebellious actress Eleonora Duse. Duse wore men's clothing and was one of the first women in Italy to openly declare her queerness.  The two had a romantic fling in Italy yet Duncan was desperate for another child. She became pregnant  after begging the young sculptor Romano Romanelli, basically an Italian stranger to sleep with her. She gave birth to a son on August 13, 1914 but he died a few hours after birth. She immediately returned  to the States. Three months later Duncan was living in a townhouse in Gramercy Park in New York City. Dionysion was moved to Manhattan in a studio at 311 Fourth Avenue on the northeast corner of 23rd Street and Fourth Avenue. The area is now considered Park Avenue South. One month later, The Isadorables made their American debut on December 7, 1914 at Carnegie Hall with the New York Symphony.  Mabel Dodge, who owned an avant garde salon at 23 Fifth Avenue, the point of rendezvous for the whole of New York's of the time, described The Isadorables: "They were lovely, with bodies like cream and rose, and faces unreal with beauty whose eyes were like blind statues, as though they had never looked upon anything in any way sordid or ordinary". Duncan used the ultra modern Century Theater at West 60th Street and Central Park West for her performances and productions. The keys were gifted to Duncan by Otto Kahn, sometimes referred to as the "King of New York". Kahn was a German-born American, a well known investment banker, appearing on the cover of Time Magazine. He reorganized and consolidated railroads, was a philanthropist, a patron of the arts and served as the chairman of the Metropolitan Opera. Isadora, somehow, was evicted from the Century by the New York City Fire Department after one month. Duncan felt defeated and decided to once again leave the States to return to Europe to set up school in Switzerland. She planned to board the RMS Lusitania, but her financial situation at the time drove her to choose a more modest crossing. The Lusitania was sunk by a German U-boat 11 miles off the southern coast of Ireland, killing 1,198 passengers and crew.   During her voyage to Europe, Isadora discovered that their manager had arranged for a tour for the Isadorables without her. She was so upset that she stopped speaking to her students, despite the man's actions being completely out of their control. After struggling to keep afloat there, the school was dispelled and the younger students sent home to their families. The girls eventually made up with Duncan and in 1917 Isadora adopted all six Isadorables. Yet troubles ensued. The Isadorables were living in Long Island and Isadora urged them to leave New York. Each girl, except for Gretel, had fallen in love and did not wish to go. When Isadora found out her brother Augustine assisted the group in a performance at the Liberty Theater, she forbade them from continuing, producing a legal contract which prevented them from separating from her. They had no choice but to cancel their time at the Liberty. The girls eventually left Duncan a few years later but stayed together as a group for some time. While Duncan ran another school in Paris that was shortly closed due to World War I, the girls entertained troops in the US.  Isadora Duncan went against traditional cultural standards. Her scandalous love life as bisexual made her a controversial figure on the front pages of the papers. She was a feminist, a Darwinist, a Communist and an atheist. Her leftist sympathies took her to the Soviet Union at the end of the Russian Revolution. To her, it seemed to be the land of promise. Duncan opened a school in Moscow and Irma, one of the Isadorables, took the teaching position at the school while Isadora toured and performed. She met the poet Sergey Aleksandrovich Yesenin, eighteen years her junior in Russia and they were married in May of 1922, even though matrimony was against her beliefs. Together, they left for a US tour. Fear of the “Red Menace” was at its height in North America, and the couple was unjustly labeled as Bolshevik agents.  On tour in Boston, she waved a red scarf and bared her breast on stage in Boston, proclaiming, "This is red! So am I!" For this, her American citizenship was revoked. As she left the country, Duncan bitterly told reporters: “Good-bye America, I shall never see you again!” Yesenin's increasing mental instability turned him against her and they were ultimately unhappy. He returned alone to the Soviet Union after the tour and committed suicide. Her spotlight was dimming, her fame dwindled. For a number of years she lived out public dramas of failed relationships, financial woes, and drunkenness on the Mediterranean and in Paris, running up debts at hotels. Her financial burdens were carried by a decreasing number of friends and supporters who encouraged her to write her autobiography. They believed the books success could support her extravagant waywardness. On September 14, 1927 in Nice, France Duncan was asked to go on a drive with the handsome French-Italian mechanic Benoît Falchetto in a sporting car made by the French Amilcar company. Desti sat with Isadora as she dressed for the occasion. Duncan put on a long, flowing, hand-painted silk scarf created by the Russian-born artist Roman Chatov. Desti asked her to instead wear a cape in the open-air vehicle because of the cold weather, but Isadora paid no mind. A cool breeze blew from the Riviera as the women met Falchetto at the Amilcar. The engine made a rumble as Falchetto put on his driving-goggles. Isadora threw the enormous scarf around her neck and hopped in. She turned to look at Desti and said "Adieu, mes amis. "Je vais à l'amour", "I am off to love'. They sped off and Isadora leaned back in her seat to enjoy the sea breeze. The wind caught her enormous scarf that, tragically, blew into the well of the rear wheel on the passenger side, wrapping around the open-spoked wheel and rear axle. Isadora was hurled from the open car in an extraordinary manner, breaking her neck and nearly decapitating her. Instantly killing her.  At the time of her death, Duncan was a Soviet citizen. Her will was the first Soviet citizen to undergo probate in the United States.  In medicine, the Isadora Duncan Syndrome refers to injury or death consequent to entanglement of neckwear with a wheel or other machinery. The accident gave rise to Gertrude Stein's mordant remark that “affectations can be dangerous.” Duncan was known as "The Mother of Dance" was cremated, and her ashes were placed in the columbarium at Père Lachaise Cemetery in Paris. On the headstone of her grave is inscribed École du Ballet de l'Opéra de Paris ("Ballet School of the Opera of Paris"). Duncan's autobiography My Life was published in 1927. The Australian composer Percy Grainger called it a "life-enriching masterpiece."  A plaque commemorating Isadora Duncan's place of birth is at 501 Taylor Street on Lower Nob Hill, fittingly near the Theater District in San Francisco. San Francisco renamed an alley on the same block from Adelaide Place to Isadora Duncan Lane. 

“Boldini“ Les plaisirs et les joursau Petit Palais, Parisdu 29 mars au 24 juillet 2022Interview de Servane Dargnies-de Vitry, conservatrice des peintures du XIXe siècle au Petit Palaisi et co-commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 28 mars 2022, durée 20'13.© FranceFineArt.Communiqué de presse Commissariat :Servane Dargnies-de Vitry, conservatrice des peintures du XIXe siècle au Petit PalaisBarbara Guidi, directrice des musées de la ville de Bassano del GrappaLe Petit Palais consacre une grande exposition à l'artiste italien Giovanni Boldini (1842-1931), dont la dernière rétrospective en France remonte à plus de soixante ans. Pourtant, le portraitiste virtuose fut l'une des plus grandes gloires du Paris au tournant des XIXe et XXe siècles, en observateur attentif de la haute société qu'il admirait et fréquentait. Une scénographie évocatrice et immersive accompagne un parcours riche de 150 œuvres mêlant peintures, dessins, gravures, costumes et accessoires de mode prêtés par des musées internationaux comme le musée Giovanni Boldini à Ferrare, le Museo di Capodimonte à Naples, la National Portrait Gallery de Londres, le musée d'Orsay, le Palais Galliera, le MAD parmi tant d'autres, et de nombreuses collections particulières. À travers l'oeuvre de Boldini, l'exposition invite le public à revivre les plaisirs de la Belle Époque et l'effervescence d'une capitale à la pointe de la modernité.Né en Italie à Ferrare en 1842, Boldini passe la majeure partie de sa vie dans la Ville Lumière. Il est vite introduit dans les milieux artistiques et devient proche de Degas. Protégé du marchand Adolphe Goupil, il se fait remarquer par le choix de ses sujets qui évoquent la modernité et le bouillonnement de la vie parisienne. Boldini profite des loisirs qu'offre la capitale et sort tous les soirs au théâtre, au restaurant en emportant toujours avec lui ses crayons. Les lumières nocturnes créées par le nouvel éclairage électrique le fascinent ainsi que les mouvements incessants de cette ville qui ne s'arrête jamais. Les tableaux qu'il tire de ses croquis comme Scène de fête au Moulin Rouge témoignent de l'effervescence qui s'empare alors de la ville. L'artiste se lie également d'amitié avec le caricaturiste Sem et le peintre Paul Helleu et tous les trois deviennent inséparables.Mais au-delà de ces scènes de genre, ce sont ses portraits qui vont lui apporter le succès. Boldini saisit d'une manière très moderne mais à contre-courant des avant-gardes tout ce que la capitale compte d'héritières, de princesses, de dandys, d'artistes et d'écrivains. Ses portraits qui vont fixer à jamais le tout-Paris de la Belle Époque sont comme les équivalents picturaux des personnages d'À la Recherche du temps perdu de Proust, l'un de ses plus grands admirateurs. Avec ces tableaux, le peintre témoigne également de son goût prononcé pour la mode. Il brosse à grands traits les plus belles tenues des couturiers Worth, Paul Poiret, Jacques Doucet et bien d'autres et développe, au fil de ces commandes, un style unique qui sera sa signature : une touche rapide, une attention à la pose du modèle, une mise en valeur de la ligne serpentine des corps. À travers les oeuvres présentées, l'exposition livre un témoignage captivant et émouvant de ce Paris perdu. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

Today's episode will be dedicated to the French designer Paul Poiret, the man who freed women from their corsets.Together, we will discover who was Paul Poiret, the King of Fashion, his many sources of inspirations, how he changed the Parisian artistic life before the First World War, the woman behind his conception of womanhood and his marketing inventions. We will also try to understand why the fashion world tended to forget about him when it came to women clothing simplification at the beginning of the 20th century to only remember about Coco Chanel.Follow me in this new episode of My Fashion Stories Box Podcast to know more about the story of Paul Poiret!Follow My Fashion Stories Box Podcast on Instagram for visual diaries going along with the episodes. 

 Parce que chaque semaine qui commence est un nouveau départ, j'avais envie de vous lire une histoire, alors je vous propose le bijou comme un bisou du dimanche soir.     Il était une fois Cartier et les Arts de l'Islam     Le XIXe siècle s'orchestre globalement entre la fin de la période Napoléonienne et la première guerre mondiale. Ce moment de notre histoire rassemble les découvertes techniques mais également les voyages qui nourrissent l'imaginaire et créent de nouvelles voies esthétiques. Les scientifiques, artistes, historiens d'art, ou collectionneurs s'intéressent alors à l'art Oriental. Et à Paris, les premières expositions qui présentent ces arts de l'Orient datent de 1867 et 1878 ce qui crée une curiosité pour cette culture artistique. Par exemple le collectionneur Albert Jacquemart, dont le fond permettra la création du musée Jacquemart-André, écrit dans la Gazette des Beaux-Arts pour rendre compte en 1862 du livre de Charles Davillier sur « l'Histoire des faïences hispano-mauresques ».      Puis en 1903 à lieu l'exposition des « Arts musulmans » à l'Union centrale des arts décoratifs. Et le public découvre avec ravissement les cuivres damasquinés, les étoffes chatoyantes et les jeux de lumières sur les objets précieux et d'un coup ce sont les Mille et une nuits qui surgissent ainsi au cœur de Paris. Le public est plongé dans un univers rutilant et féérique qui fait écho au romantisme des artistes célébrant un orientalisme poétique comme par exemple le peintre Delacroix après sa visite au Maroc.     En 1907 c'est la convention entre la Grande Bretagne et la Russie impériale qui définit les sphères d'influence de ces 2 puissances sur La Perse, l'Afghanistan et le Tibet. Cet accord, ratifié sans informer les pays concernés, provoquera des bouleversements politiques et sociaux dont l'une des conséquences sera l'éclatement de la Perse. De plus l'Iran connaît une révolution entre 1905 et 1911. Alors se développe un nouveau commerce des antiquités venues d'Iran qui envahit le marché parisien. L'engouement pour cette esthétique orientale déclenche de nouvelles passions chez les collectionneurs.     C'est ainsi que Louis Cartier, le petit fils du fondateur de la Maison de joaillerie se prend de passion pour les miniatures persanes et mogholes ainsi que pour les reliures.     En 1909, le spectacle Shéhérazade produit au Théâtre des Champs-Elysées par les Ballets russes provoque un électro-choc culturel. Joseph-Charles Mardrus traduit Les Mille et Une Nuits que l'on s'arrache. Quand au spectacle ! Il éblouit et choque tout à la fois le microcosme parisien. La sensualité du danseur Nijinski à demi nu scandalise et inspire. Les couleurs violentes révulsent les biens pensants et influencent durablement les artistes. Dans la mode, les turbans et les pantalons bouffants s'imposent dans les créations du couturier Paul Poiret. En joaillerie, le bracelet porté en haut du bras qui s'inspire des «bazubands» indiens devient un best-off et Cartier qui présente dès 1904 un bandeau en diamants et platine dont le décor ajouré rappelle les moucharabiehs se met à créer des aigrettes diamantées.     Puis, changement de décor : l'exposition de Munich en 1910 montre un art musulman qui efface ce caractère fabuleux pour montrer la pureté des motifs et la sobriété des lignes. On imagine alors combien le public est dérouté mais cette réalité esthétique portera en germes les lignes de l'Art déco.      En fait, les Arts de l'Islam rassemblent tout ce que nous appelons l'Orient. Ces arts sont présents de l'Andalousie à l'Inde, du Maroc au Pakistan, de l'Afghanistan au Bangladesh et de la Turquie à l'Iran. Cette esthétique orientale, typique du monde musulman et inspirée par l'Islam s'étend du VIIe siècle au XIXe et qualifie autant l'architecture mauresque renaissance de l'Alhambra que le mausolée romantique aux inspirations islamique, iranienne, ottomane et indienne qu'est le Taj Mahal.      C'est pour faire comprendre cette histoire et cette diversité que l'exposition Cartier et les Arts de l'Islam qui a lieu au Musée des Arts décoratifs jusqu'au 20 février commence par retracer l'origine de cet intérêt pour les arts et l'architecture de l'Islam à travers le contexte culturel parisien du début du XXe siècle.     On peut donc comparer les motifs de la faïence, des tapis ou des manuscrits islamiques et leur traduction dans les dessins joailliers, les objets et les bijoux des archives Cartier. Car Louis Cartier a la bonne idée de mettre sa collection à disposition de ses dessinateurs dont le plus célèbre est Charles Jacqueau. Les registres de l'époque, couverts de «décorations arabes» et de «décorations perses», sont précieusement conservés dans les archives de Cartier.     On peut vraiment se rendre compte de toutes les étapes de la création quand on voit dans une vitrine le manuscrit à la calligraphie arabe présenté juste à côté de plusieurs dessins qui déclinent le motif, le réinterprètent et précèdent le bracelet, le collier ou même le fermoir du sac du soir : traduction joaillière française de cet art oriental.      La couleur chez Cartier est aussi directement inspirée des arts d'Orient. Louis Cartier est le premier à imaginer le célèbre « décor de paon » où il combine le bleu du saphir et le vert de l'émeraude dans une même parure. Cette gamme chromatique est totalement différente des bijoux de l'époque qui étaient monochromes en diamants. L'inspiration de Louis Cartier proviendrait des faïences marocaines et il peaufine cette révolution colorimétrique en mêlant aux pierres précieuses les pierres dures : le lapis-lazuli d'Afghanistan, le jade de Chine et la turquoise, des mines d'Iran.     En 1911, cette révolution de la couleur se double du travail de la matière sous l'impulsion de Jacques, le plus jeune des frères Cartier, responsable de la succursale londonienne. La reine Alexandra d'Angleterre lui demande de transformer des joyaux de la collection royale en « bijoux indiens » pour les porter avec des robes que lui a offertes lady Mary Curzon, l'épouse du vice-roi des Indes. Devenu fournisseur officiel de la Couronne, il est invité aux cérémonies du troisième Durbar à Delhi, au cours duquel le roi George V et la reine Mary sont couronnés empereur et impératrice des Indes. Il y rencontre les maharajahs qui à la fois lui commandent la transformation de leurs bijoux en parures européennes mais aussi lui découvrent des émeraudes gravées de fleurs ou d'inscriptions de l'époque moghole et les rubis taillés en boules facettées. Cartier développe alors le commerce des pierres précieuses et des perles, achète des bijoux indiens anciens et contemporains pour les vendre tels quels ou recomposés dans les magasins de Paris, Londres, New York et crée son célèbre «Tutti frutti» qui devient la spécialité de la Maison.   Et quand Jeanne Toussaint prend la direction artistique de la Maison parisienne en 1933, elle poursuit cette inspiration indienne. Elle-même collectionneuse de bijoux indiens, elle demande aux ateliers de les démontrer et de les analyser pour créer de nouvelles formes en volume. Elle introduit le mauve des améthystes dans les Tutti frutti.   D'ailleurs dans la nef centrale, les écrans digitaux au format grand angle reconstitue la composition de bijoux de l'inspiration aux différentes pierres qui la composent.  J'ai été fascinée par la démonstration, en grand écran et en direct, de la formation du célèbre collier Draperie réalisé par Cartier en 1947. Sous mes yeux, la coupole de la mosquée devenait maillage du collier et les pierres s'ajustaient comme autant de mosaïques orientales jusqu'au magnifique bijou offert par le duc de Windsor à Wallis Simpson dont je peux aussi voir la flexibilité.     Car la flexibilité des bijoux persans et indiens donne naissance à des innovations techniques comme des montages sur platine, de nouvelles montures et assemblages.      Mais ce qui donne à la Maison Cartier vingt ans d'avance sur le style Art Déco, c'est son intégration des motifs abstraits propres à l'iconographie islamique : triangles, hexagones, écailles, palmettes, ondulations… Ces motifs géométriques sont tirés de l'architecture, des revêtements des mosquées, des textiles et tapisserie et se répètent à l'identique selon un ordre mathématique.   Au début du XXe siècle, les Arts sont profondément marqués par l'Art nouveau. Mais Louis Cartier n'adhère pas à cette esthétique naturaliste et organique. Par ailleurs, la Maison est reconnue pour son style guirlande néoclassique XVIIIe. Alors quand Louis Cartier s'empare de l'abstraction de l'Islam, et qu'il revêt les poudriers, étui de rouge à lèvres, boite à allumettes et bien sûr les bijoux, de cette géométrie, c'est un pari très risqué. Mais ce sera un pari gagnant qui inscrira durablement la Maison dans la modernité.  Dans la seconde partie de l'exposition, les bijoux et objets Cartier sont mis en regard d'œuvres islamiques provenant des collections du MAD et du musée du Louvre. Alors on voit concrètement comment les motifs abstraits de l'Islam sont interprétés en géométrie, comment est organisé la répétition, le jeu du vide et de la couleur, le travail de l'ombre et de la lumière et on se rend compte qu'ils étaient déjà présent dans les collections de la Maison Cartier bien avant qu'on les qualifie d'Art déco.     En collaboration étroite avec Pierre RAINERO, directeur de l'image et du patrimoine de Cartier, le commissariat de cette exposition a été organisé par 4 conservateurs : Sarah SCHLEUNING et le Dr. Heather ECKER du Dallas Museum of Art, Judith HENON-RAYNAUD, du Musée du Louvre, et Évelyne POSSEME, du musée des Arts décoratifs.     Si vous êtes ou passez sur Paris, cette exposition exceptionnelle qui présente 500 bijoux, objets et autres chef d'œuvre de la Maison Cartier se déroulera jusqu'au 20 février 2022 au Musée des Arts Décoratifs.   Et je vous invite à me dire, sur les réseaux sociaux d'Il était une fois le bijou, les pièces qui vous ont le plus captivés.      Ainsi se termine cette histoire de Cartier et les Arts de l'Islam.        Je suis Anne Desmarest de Jotemps et je donne une voix aux bijoux chaque dimanche. Et si vous aussi vous avez envie de faire parler vos bijoux et votre Maison je serai ravie de vous accompagner pour réaliser votre podcast de marque ou de vous accueillir en partenaire dans mes podcast natifs.     Le podcast « Il était une fois le bijou » est en pleine préparation de son nouveau thème et je brûle d'impatience de vous dévoiler mais il faudra encore attendre un peu.     Notre prochain rdv sur la podcast Brillante sera le 19 décembre et je recevrais Muriel Piaser la fondatrice du salon et de la plate forme Precious Room by Muriel Piaser.     Et je vous retrouverais sur ce podcast le bijou comme un bisou la semaine prochaine.     Pour ne manquez aucun de nos rendez-vous du dimanche autour du bijou, abonnez à chacun de mes 3 podcasts « Il était une fois le bijou », « le bijou comme un bisou » et « Brillante » sur votre plate-forme d'écoute préférée et encouragez-moi en partageant l'épisode sur vos réseaux sociaux.     Si vous êtes sur Apple podcast ou sur You Tube mettez de jolis commentaires, c'est ce qui permet de référencer les podcasts !      A dimanche pour votre prochaine histoire de bijou !     Musique : Allan Deschamps 0 Le Sign, Maarten Schellekens - Farewell  

بیاید باهم بریم مهمونی، سال 1911 ئه. شما توی پاریس هستیدو هوا تاریک شده. یه کارت دعوت دارید تا به یه مهمونی شبونه به خونه مجلل یه فرد ثروتمند برید. اسم مهمونی شب هزار و دومه و تم مهمونی لباسهای شرقی. شما با یه لباس ساتن چیندار که تا زانو میرسه و یه شلوار ساتن چیندار و توربانی که به سرتون بستید وارد مهمونی میشید. وارد که میشید میبینید همه مهمونها شبیه شخصیتهای داستان هزارویک شب لباس پوشیدن و فرشهای ایرانی همه جا توی باغ پهنه. چادرها جا به جای باغ علم شدن و پرنده های مناطق گرمسیری بین درختها پرواز میکنن و فانوسها باغ رو روشن کردن. یه گوشه بازار ایرانی به راهه و توی چادرها حتی فالگیر به سبک شرقی هم هست. شما توی مهمونی شب ایرانی هستید. البته همه چیز توی این مهمونی ایرانی نیست و یه ترکیب بزرگ از شرقه؛ از روسیه گرفته تا سنتهای عربی و ترکی تا چین. موسیقی ترکی و عربی از بین درختها جایی که شما ارکستر رو نمیبینید پخش میشه و رقصنده ها با شیوه‌گری و طنازی، عربی میرقصن.بیاید باهم بریم مهمونی، سال 1911 ئه. شما توی پاریس هستیدو هوا تاریک شده. یه کارت دعوت دارید تا به یه مهمونی شبونه به خونه مجلل یه فرد ثروتمند برید. اسم مهمونی شب هزار و دومه و تم مهمونی لباسهای شرقی. شما با یه لباس ساتن چیندار که تا زانو میرسه و یه شلوار ساتن چیندار و توربانی که به سرتون بستید وارد مهمونی میشید. وارد که میشید میبینید همه مهمونها شبیه شخصیتهای داستان هزارویک شب لباس پوشیدن و فرشهای ایرانی همه جا توی باغ پهنه. چادرها جا به جای باغ علم شدن و پرنده های مناطق گرمسیری بین درختها پرواز میکنن و فانوسها باغ رو روشن کردن. یه گوشه بازار ایرانی به راهه و توی چادرها حتی فالگیر به سبک شرقی هم هست. شما توی مهمونی شب ایرانی هستید. البته همه چیز توی این مهمونی ایرانی نیست و یه ترکیب بزرگ از شرقه؛ از روسیه گرفته تا سنتهای عربی و ترکی تا چین. موسیقی ترکی و عربی از بین درختها جایی که شما ارکستر رو نمیبینید پخش میشه و رقصنده ها با شیوه‌گری و طنازی، عربی میرقصن. شما وارد یه شب از زندگی پل پوآره شدید. منابع: dressed کتاب تحولات تصویری هنر ایران / سیامک دل زنده نشر نظر https://www.businessoffashion.com/articles/news-analysis/paul-poiret-1879-1944 https://mag.sarak-co.com/paul-poiret/ https://www.youtube.com/watch?v=PWoDp0dp3mY https://www.youtube.com/watch?v=SHiRB_zHvS0 https://www.youtube.com/watch?v=ViNDmCX3DOw https://www.youtube.com/watch?v=ViNDmCX3DOw https://www.youtube.com/watch?v=TkvzZGw--sI https://www.youtube.com/watch?v=KfawrJ8HhkI https://www.youtube.com/watch?v=Njy48I6CfRI https://www.youtube.com/watch?v=aYqq79xS8rk https://www.metmuseum.org/toah/hd/poir/hd_poir.htm https://valthegemgal.com/a-name-you-need-to-know-paul-poiret/ https://www.crfashionbook.com/fashion/a32210792/paul-poiret-fashion-history/ https://en.wikipedia.org/wiki/Paul_Poiret

   Il était une fois les robes bijoux de Jeanne Lanvin J'ai longtemps hésité à vous parler de Lanvin parce qu'il n'y a pas à proprement parler de joaillerie dans cette Maison. Mais Lanvin est la première marque de Luxe globale française dont l'aventure commence dès 1889 grâce à une femme extraordinaire : Jeanne Lanvin. Son goût pour les couleurs, les broderies et surtout les perlés transforme ses robes en véritables bijoux. Alors je n'ai pas pu résister à vous partager cet univers de beauté. Pour resituer le contexte, c'est en 1825 que Worth en ouvrant sa Maison, crée le concept de Haute Couture. C'est-à-dire que les femmes ne se présentent plus chez une couturière auxquelles elles dictent leurs désirs mais c'est au contraire le couturier, reconnu en tant qu'artiste, qui propose ses propres modèles dont la cliente peut demander des variations de couleurs ou de tissus. Par ailleurs il supprime la crinoline et crée la tournure qui commence à libérer les femmes. En 1903, c'est Paul Poiret qui crée sa Maison, supprime le corset et se pose comme pionnier de la libération du corps féminin. Entre les 2 et si ces hommes ont jeté les bases de la couture d'aujourd'hui, Jeanne Lanvin a inscrit sa marque comme un concept à 360° englobant divers départements et à dimension internationale, non pas un style de vêtement mais un univers entier qui décline un art de vivre à la française, doté d'une identité forte, liée non pas à la personnalité singulière du créateur mais à une histoire émotionnelle à laquelle la clientèle adhère. Cette configuration économique, commerciale et communautaire qui nous semble aujourd'hui évidente a été créé par une seule femme française que l'on pourrait qualifier de 1e CEO (c'est-à-dire PDG) de l'époque. D'ailleurs Jeanne n'a pas de surnom, on l'appelle « Madame », et c'est ce qui est inscrit sur la porte de son bureau. Elle nait en 1867 dans une famille très modeste et est l'aînée de 10 frères et sœurs. Alors dès ses 13 ans elle est placée rue du Faubourg-Saint-Honoré chez la modiste Mme Bonni, spécialisée dans la confection de chapeaux. Elle est arpète c'est-à-dire apprentie mais son travail est surtout de livrer les clientes qui lui donnent quelques pièces pour prendre l'omnibus et retourner au travail. A la place elle rentre à pied et économise. Le week-end elle confectionne des poupées qu'elle vend. Elle commence ainsi modestement, patiemment, avec acharnement à se constituer des économies qui deviendront ses fonds propres.  Au bout de 3 ans, elle a réussit à apprendre suffisamment de techniques pour entrer dans l'atelier de la Maison Félix comme garnisseuse. Elle est ainsi montée en compétence pour la confection des fleurs et de colifichets et en niveau puisque le prestige de la Maison est supérieur. Puis elle devient Première garnisseuse chez Cordeau et Laugudin, avant de vivre sa première expérience internationale à Barcelone. Et en 1889, Jeanne Lanvin ouvre sa première boutique de chapeaux à l'entresol du 16 rue Boissy d'Anglas. Il lui faut à peine 4 ans pour obtenir son pas-de-porte rue du Faubourg Saint Honoré qui est encore aujourd'hui le siège de sa société et c'est elle qui donne du travail à sa famille. Encore quelques années et elle se marie puis divorce avec le comte italien Emilio di Pietro (alors que le divorce en France n'est rétablit que depuis 1884). Mais en 1897 est née sa fille Marguerite, et tout change. Elle crée une mode enfantine. A cette époque les bébés sont emmaillotés, puis garçons et filles ont une robe jusqu'à l'âge de propreté et enfin ils sont habillés comme les adultes. Jeanne veut pour sa fille une mode particulière, plus libre, en un mot confortable. Elle ne révolutionne pas les formes mais les adapte subtilement, un pli d'aisance par ci, un coup de ciseau par là, une broderie en petit poisson,… avec un soin du détail et de la façon qui la caractérisera toujours et un choix de tissu de très grande qualité. Et comme elle tient à donner une éducation à sa fille, la petite côtoie d'autres enfants dont les parents veulent et peuvent offrir ces mêmes vêtements à leur progéniture. Plus fort même, ces femmes ont bientôt envie de ces tenues pour elles-mêmes. C'est l'enfant qui devient le modèle de l'adulte et c'est une révolution. Jeanne Lanvin, l'entrepreneur, prend alors toute sa dimension. La création des départements se succède dans un développement horizontal inédit : 1908 ouverture du département « enfant », 1909 « Jeune fille et femme », 1913 le secteur « fourrure » propose même aux clients, comme une conciergerie avant l'heure, de conserver leur fourrure pendant l'été. En 1920 elle ouvre la « décoration » car à l'époque on redécorait l'ensemble d'une pièce, du meuble aux objets via les tentures, on peut encore admirer son boudoir au Musée des Arts Décoratifs et si la salle de bain de La Duchesse d'Albe n'est plus visible, on peut encore visiter à Paris le théâtre Daunou réinventé du bleu Lanvin. En 1922 apparait le département « Sport » pour répondre aux engouements de la Belle époque. En 1924 c'est la création du secteur « Parfum ». Enfin en 1926, s'ouvre le département « Homme » qui est une totale innovation car auparavant les dames s'adressaient à des couturières et les messieurs à des tailleurs, 2 corps de métiers considérés comme complètement différents.  En à peine 30 ans, sans sponsors ni pygmalions, Jeanne Lanvin crée une proposition globale de luxe qui intervient dans tous les aspects de consommation Lifestyle de ses clients. Pour l'espace de vente, elle a acheté le 15 de la rue du Faubourg Saint Honoré en 1915 juste en face de sa boutique qui fait angle entre la rue Boissy d'Anglas et la rue du faubourg où elle était déjà installée et qu'elle finira par racheter, créant ainsi une super surface, prémices des grandes enseignes de luxe d'aujourd'hui. A chaque fois elle s'entoure de jeunes talents et les faits connaitre, une avant première des Directeurs Artistiques que les grandes Maisons mettent aujourd'hui en avant comme promesse d'innovation et de créativité renouvelée. Les talentueux Paul Iribe et Armand-Albert Rateau participent ainsi à sa légende. Car il s'agit bien d'une légende. Jeanne Lanvin est discrète, elle n'est absolument pas mondaine et il faut vraiment chercher pour savoir qu'elle s'est remariée avec Xavier Mélet, le journaliste au quotidien Le Temps, Consul de France à Manchester. Par contre sa dévotion pour sa fille est connue de tous, une attitude authentique qui est photographiée et devient même le logo de la Maison, un puissant facteur d'émotion auquel on s'identifie. La Maison devient ainsi une véritable marque, avec un ADN fort et une présence internationale, en ouvrant des succursales de Deauville à Barcelone, de Cannes à Buenos-Aires. Le parfum reçoit un accueil mitigé en France, qu'importe il fait un tabac aux Etats-Unis et elle le réintroduit sur le marché européen tout auréolé de cette aura de réussite Outre-Atlantique, et ça marche ! La production est soigneusement contrôlée et garanti le savoir-faire français. Elle aime les couleurs -notamment tous les bleus jusqu'à créer un bleu quattrocento inspiré des peintures de Fra Angelico et que l'on authentifie encore aujourd'hui de «bleu Lanvin»- alors elle crée son propre atelier de teintures à Nanterre en 1923.  De la même façon il n'y a pas une pièce emblématique mais un style que l'on qualifierait aujourd'hui d'intemporel. Elle reprend la robe mise à la mode par l'impératrice Eugénie avec le buste fin et la jupe bouffante. Enlève les corsets, les cerceaux et les épaisseurs, bref tout ce qui engonce et crée ce que les petites filles appellent encore la robe qui tourne et ce que les jeunes filles et toutes les femmes portent encore aujourd'hui comme LA robe toute simple, élégante, stylée et parfaite. Les tissus (la soie, le crêpe marocain, la mousseline) sont fluides, fins et légers et ce qui caractérise la robe Lanvin ce sont les broderies et les perlés lesquels dessinent les motifs géométriques de l'Art Déco avec une virtuosité inégalée. Jeanne Lanvin a pour cela installé 2 ateliers spécialistes de chaque technique au cœur même de sa Maison. Dans l'atelier de broderie on pique, on entrecroise les fils colorés ou métallisés. Dans l'atelier de perlé, on brode avec des perles de verre et des rocailles, blanches ou de couleur, plates ou rondes mais aussi des paillettes et des sequins, des petits miroirs et des rhodoïds, des coquillages et des coraux et des strass Swarovski. Ces techniques sont gardées secrètes comme la manière de superposer les sequins par ordre de grandeur pour former des cônes. Mais la profusion de ces broderies transforme les robes en bijoux. D'ailleurs le Vogue de 1925 écrit « les broderies de perles somptueuses comme un travail de joaillerie restent les plus élégantes pour le soir ». La robe devenu bijou est tellement harmonieuse dans sa rutilance que le moindre joyau serait de trop. Dans certains modèles le bijou est attaché à la robe comme sur « courtisane » de 1912 où partent de chaque épaule un très long ruban perlé et pailleté dont l'extrémité est frangée de rocaille et qui se noue négligemment presque à la taille et se termine sous le genou comme un immense sautoir. En 1925 la robe Lesbos est d'une fraiche couleur absinthe sur laquelle les broderies forment ces longs colliers de la Belle Epoque directement cousus sur la robe et qui coulent tout le long des pans de la jupe. Sur la robe « Mille et une nuit » de cette même teinte, présentée à l'Exposition Universelle des Arts Déco, ce sont des nœuds entièrement brodés et perlés qui s'étendent du nombril jusqu'au bas du vêtement. En rappel des bracelets tout aussi décorés, attachés à la robe, entourent le haut des bras et s'agrémentent de longs rubans perlés comme des ailes de papillon étincelants qui bougent et rutilent à chaque mouvement. Jeanne Lanvin, et c'est une innovation, aime décorer le dos. La robe prisonnière II de 1936 présente un interminable motif géométrique qui coure tout le long de la colonne vertébrale. Dans d'autres modèles les broderies perlées sont amovibles pour laisser l'opportunité d'un porté en journée ou pour le soir. La robe Tulipe présente, un dos entièrement brodé que la cliente peut choisir de faire coudre ou non. La toilette « Fleur de pois » possède une encolure bijou au dos duquel se superpose (ou s'enlève) un immense plastron de 4 rangées de broderies perlées qui souligne la cambrure de sa matière souple et scintillante. La « Papillon Noir » montre un dos agrémenté d'un immense col amovible identifiant la femme par ses dimensions et sa légèreté à ces lépidoptères. Par ailleurs, les robes sont sobres, en une seule couleur et avec une coupe pure qui en soulignent l'élégance. L'attention est d'autant plus focalisée sur ces broderies et perlés qui forment l'encolure et transforment la robe en bijou. Sur Eurydice ce sont de grosses boules de petites perles blanches brodées en circonvolution qui tranchent sur le noir du tissu. Sur Monna-Vanna les rhodoïds taillés en pointes de diamants s'ajustent en pectoral précieux. Sur la toilette Claridge (1936), les broderies s'étendent de la poitrine aux épaules en arabesques précieuses. D'autre fois, le bijou se décline, comme sur le modèle Théodora (1929) où les broderies d'un col Claudine en pétales de marguerites se retrouvent aux poignets et s'étendent sur la main comme un gantelet de diamants. Comme dans le modèle Rosolis (1927) où les décorations de l'encolure répondent à 3 rangs de perles qui courent sur tout l'avant bras. La tenue entière peut être un bijou : la robe comme les accessoires. Des turbans irisés de perles se mettent dans les cheveux, comme le modèle Impérial qui couronne la coiffure de perles jusqu'aux oreilles. Ou encore le chapeau du soir des années 40, couvert de fleurs de perles et dont les broderies qui pendent de chaque côté de la tête peuvent se transformer en boucles d'oreilles. Jusque dans les années 40, Jeanne Lanvin emploiera plus de mille ouvrières spécialistes pour créer ces centaines de modèles où le bijou se fond à la robe dans un mariage intime d'élégance et de savoir faire d'excellence. De l'Exposition universelle de San Francisco en 1915 à Exposition internationale des Arts décoratifs de Paris de 1925, en passant par le défilé en 1935 sur paquebot Normandie à destination de New York, jusqu'à l'exposition du Golden Gate à San Francisco en 1939 et au Théâtre de la mode en 1945, Jeanne Lanvin aura fait rayonné le savoir faire français dans le monde entier en ayant imaginé et réunit les conditions des empires du luxe moderne. Elle s'éteint, Officier de l'Ordre de la Légion d'honneur, le 6 juillet 1946 et sa fille devenue Marie-Blanche de Polignac reprendra la Maison. Ainsi se termine cette histoire des robes bijoux de Jeanne Lanvin et je remercie chaleureusement le département Patrimoine de Lanvin sans lequel cette émission n'aurait pas eu lieu.  Je tiens à faire une dédicace spéciale à Séréna, Axelle, Nathalie, Caroline et Candice pour vos jolis messages sur LinkedIn ainsi que Juwelenstyle et Chiara pour ceux sur Instagram. Je suis Anne Desmarest de Jotemps et je donne une voix aux bijoux. Chaque dimanche j'émets en alternance sur un podcast différent. Et justement la semaine prochaine ce sera sur le podcast thématique « Il était une fois le bijou » que le street artiste Le diamantaire, nous parlera des diamants qu'il appose sur les murs du monde entier dans cette saison 3 appelée Diamant forever. Le dimanche suivant sur le podcast Brillante ce sera la joaillière Flavie Paris qui nous parlera de sa collection spéciale créée justement avec Le Diamantaire. Pour ne manquez aucun de nos rendez-vous du dimanche autour du bijou, abonnez à chacun de ces 3 podcasts « Il était une fois le bijou », « le bijou comme un bisou » et « Brillante » sur votre plate-forme d'écoute préférée ou sur YouTube et encouragez- moi en partageant l'épisode sur vos réseaux sociaux. Si vous êtes sur Apple podcast mettez de jolis commentaires, c'est ce qui permet de référencer les podcasts !  A bientôt pour un prochain bijou comme un bisou. Site Twitter Facebook Instagram LinkedIn Musique : Allan Deschamp, 0 le Sign

“Le Paris de Dufy” au Musée de Montmartre, Parisdu printemps à septembre 2021Extrait du communiqué de presse :Commissariat :Didier Schulmann, Ancien Conservateur au Musée national d'art moderne/CCI – Centre Pompidou, Paris Saskia Ooms, Responsable de la conservation du Musée de Montmartre Scénographie, Atelier Maciej Fiszer La mémoire collective retient de Raoul Dufy (1877-1953) la dextérité de son trait, l'équilibre de ses compositions, son talent de coloriste, son sens de la synthèse et sa monumentale Fée Electricité ; et sous la plume des critiques, pour caractériser son oeuvre, les mots de charme, distinction, légèreté, élégance, fraîcheur se sont imposés à la sensibilité commune. L'exposition « Le Paris de Dufy » que présente le Musée de Montmartre a pour ambition de montrer et d'étudier le choix de la thématique de Paris comme motif dans l'oeuvre de l'artiste : un sujet qui, malgré les nombreuses expositions dédiées à Raoul Dufy, n'a jamais été traité jusqu'à aujourd'hui.Organisée avec la participation exceptionnelle du Centre Pompidou, en partenariat avec le Mobilier national et les manufactures des Gobelins, de Beauvais et de la Savonnerie, l'exposition réunit près de deux-cents oeuvres et documents de Raoul Dufy (peintures, dessins, aquarelles, lithographies, céramiques, tapisseries, mobilier, objets et photographies), représentatives du Paris qui a inspiré l'artiste : Montmartre, ses ateliers parisiens, ses monuments les plus emblématiques – la tour Eiffel, le Panthéon, les Invalides, l'Opéra, les soirées mondaines, la Seine, les balades en canotage sur la Marne et les promenades au Bois de Boulogne…Elle se veut aussi être un hommage à celui qui occupa l'un des ateliers du 12 rue Cortot -où se situe aujourd'hui le Musée de Montmartre- et qui à partir de 1911, s'installe au 5 impasse Guelma : lieu qui vit naître un grand nombre de chefs-d'oeuvre dont certains figurent dans l'exposition et qui fut durant toute la vie du peintre son point d'attache. Les oeuvres exposées, datées de 1898 à 1953, ont été sélectionnées parmi les collections du MNAM, Centre Pompidou et des musées dépositaires -Château-Musée Grimaldi-Cagnes sur mer, Musée d'Art moderne André Malraux – MuMa, Le Havre, Musée National de la Céramique-Sèvres, Musée des Tissus-Lyon, Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, Musée d'Arts de Nantes, Musée des Beaux-Arts Jules Chéret- Nice ; le Musée d'art Moderne de Paris, Palais Galliera, Musée de la Mode de Paris, Musée Calvet-Avignon, le Musée de Grenoble, le Musée Calvet d'Avignon. A celles-ci s'ajoutent, les prêts précieux de mobiliers consentis par Le Mobilier national et les manufactures des Gobelins, de Beauvais et de la Savonnerie. Des prêts d'importantes collections privées et de galeries couronnent l'ensemble.Le catalogue [édité par In Fine éditions d'art] qui réunit les essais des commissaires Didier Schulmann et Saskia Ooms, de Sophie Krebs, conservatrice générale du patrimoine et responsable des collections du Musée d'Art moderne de Paris, de Romy Golan, professeure de l'histoire de l'art du XXème siècle au Graduate Center of the City University of New York ainsi qu'un entretien inédit avec Fanny Guillon-Laffaille, experte de l'oeuvre de Raoul Dufy et auteure du catalogue raisonné, enrichit nos connaissances sur cette thématique, qui rappelons-le, est pour la première fois étudiée.Raoul Dufy (Le Havre 1877- Forcalquier 1953)Raoul Dufy est né le 3 juin 1877 au Havre. Il est le deuxième des neuf enfants de Léon-Marius Dufy et de Marie-Eugénie Lemonnier. Son père est comptable, musicien, maître de la chapelle Saint-Joseph. Il transmettra son amour de la musique à plusieurs de ses fils, Raoul jouera du piano et de l'orgue. En 1891, alors âgé de quatorze ans, le jeune Raoul qui dessine déjà beaucoup, est contraint d'aider financièrement sa famille ; il travaille au port du Havre pour une maison d'importation de cafés brésiliens et y passe cinq ans : « J'ai passé ma vie sur le pont des navires : c'est une formation idéale pour un peintre. » confiera-t-il quelques années plus tard.Octobre 1899, Raoul Dufy quitte le Havre pour Paris Après avoir obtenu une bourse de la ville du Havre où il a commencé son apprentissage du dessin en suivant les cours du soir de Charles Lhuillier à l'Ecole municipale des Beaux-Arts, Raoul Dufy décide, pour perfectionner sa formation, de quitter sa ville natale pour Paris. Il s'inscrit alors à l'Ecole nationale Supérieure des Beaux-Arts, est admis dans l'atelier de Léon Bonnat où il y retrouve son camarade Émile-Othon Friesz (Le Havre, 1879 – Paris, 1949) qui y travaille déjà depuis deux ans. Dans la foulée de son arrivée, Dufy loge dans des ateliers successifs, passant très alternativement de la rive droite à la rive gauche : 9, rue Campagne- Première en 1899 puis à Montmartre au 12, rue Cortot avec Othon Friesz ; ensemble, ils vont occuper un atelier situé au premier étage de l'aile droite (actuel emplacement du musée). Paris captive le jeune havrais qui, crayons et carnet de dessins en poche, passe beaucoup de temps à arpenter ses rues et ses différents quartiers. Pour se rendre à l'Ecole des Beaux-Arts, Raoul emprunte souvent la rue Laffitte où au 16, le marchand Durand-Ruel expose les impressionnistes, un peu plus loin au 37, il découvre Gauguin, Cézanne chez Ambroise Vollard. Il visite les musées, se rend régulièrement au Louvre, observe et se promène dans les jardins, croque les scènes de la vie quotidienne, dessine les monuments emblématiques, des vues de Paris depuis Montmartre ou d'autres points de vue… Peint à la manière impressionniste, il réalise des portraits et autoportraits ainsi que de nombreux paysages. Ce n'est donc pas un hasard si Didier Schulmann choisi l'expression flâneur en lévitation comme titre de son essai publié dans le catalogue de l'exposition.Paris, au fil des rencontres… « Mais de Paris ce n'est pas qu'une vision monumentale et urbaine qui le passionne. C'est tout ce milieu parisien unique qui permet à un peintre de rencontrer tous les acteurs de la scène artistique et littéraire »précise Sophie Krebs dans son essai Dufy et Paris La naissance du décoratif. Assez rapidement, il fait la connaissance de la marchande de tableaux Berthe Weill qui sera la première à lui acheter en 1902 un pastel La rue de Norvins. Elle le convie par la suite à participer à ses expositions collectives dans sa galerie-brocante du 25 avenue Victor-Massé à Montmartre. Et c'est en 1903 que Raoul Dufy participe pour la première fois au Salon des Indépendants où il présente des plages normandes et des vues de Montmartre. Le peintre renouvellera son expérience en 1904 et montrera six peintures dont trois vues de Paris.En 1905, la visite du Salon des Indépendants est un choc pour Dufy ! Il y découvre l'oeuvre d'Henri Matisse « Luxe, calme et volupté ». Séduit, il adopte alors radicalement le style fauve. Mais le fauvisme n'est qu'une étape vers la découverte de son style personnel, il s'en détachera en 1907… Comme tous les peintres de sa génération, il est marqué par la grande rétrospective que consacre le Salon d'Automne à Paul Cézanne(1839-1906), disparu l'année précédente en 1906. Dufy prend alors conscience de l'importance de la géométrie des formes. En 1908, un voyage à l'Estaque avec Braque fait évoluer ses recherches picturales : il simplifie alors les formes, structure l'espace et adouci ses couleurs. Assez rapidement, il se débarrasse des contraintes cubistes pour se laisser aller au plaisir de la liberté du trait, lui permettant ainsi de développer son sens de la courbe, de l'arabesque ainsi que la force de suggestion d'une forme à peine esquissée… Ces deux périodes stylistiques ne produisent aucune oeuvre en lien avec les oeuvres parisiennes. En 1909, Dufy fait la connaissance du célèbre couturier Paul Poiret (1879-1944) et lors d'un diner que ce dernier donne, rencontre Guillaume Apollinaire (1880-1918). A la demande du poète, Raoul Dufy grave trente bois destinés à illustrer le recueil « Le Bestiaire ou Cortège d'Orphée ». Cette collaboration fructueuse incite Apollinaire à introduire Raoul Dufy dans les cercles littéraires parisiens. Quelques mois après, Paul Poiret, fasciné par les bois gravés de l'artiste, lui propose de transposer ces motifs sur textile. L'intérêt de Dufy pour les arts décoratifs commence à s'affirmer. Au Salon des Indépendants de 1910, il présente cinq peintures dont trois « Jardins » inspirés de ses visites au Jardin des Plantes. Et c'est en 1911, qu'il s'installe avec sa jeune épouse Eugénie-Émilienne Brisson au 5, impasse Guelma, à Montmartre. Cette même année, il créé avec Paul Poiret, une entreprise d'impression de tissus au 141, boulevard de Clichy, dénommée La petite Usine. Mais c'est surtout à partir de 1912, en signant un contrat avec la firme de soieries lyonnaise Bianchini-Férier, que Raoul Dufy exprime pleinement son talent de créateur de tissus et de décorateur. Il y épanouira à la fois la stylisation ornementale de ses sujets : monuments, fleurs, animaux, personnages, et son penchant pour la couleur. En août 1914, quelques mois après son retour d'un second voyage en Allemagne où il visite Berlin, Cologne, Düsseldorf et où il rencontre le marchand et publiciste d'art Herwarth Walden, la Première Guerre mondiale est déclarée. Pour avoir déclaré un rhumatisme articulaire aigu, il ne pourra pas être envoyé au Front. Son engagement patriotique se traduit alors à travers la diffusion de gravures de propagande issues de sa propre entreprise, Iconographie Raoul Dufy, créée en 1915. La qualité et la variété des séries qu'il fait sortir des presses d'Épinal lui valent, en janvier 1917, d'être mis à la disposition du musée de la Guerre. En février 1918, Dufy devient le conservateur adjoint, chargé de la bibliothèque. Il a la charge des documents bibliographiques et iconographiques, dont des photographies, comportant des vues aériennes qui, on le suppose, auront une influence sur son travail de peintre.1919 : Dufy devient subitement Dufy En 1919, sa peinture acquiert un dynamisme nouveau, il se concentre sur trois domaines : la fluidité, la couleur et le mouvement. L'originalité du véritable « style Dufy » que l'artiste met en place et auquel il restera fidèle tient dans la dissociation de la forme et de la couleur. La forme, donnée par le dessin tracé au crayon, à l'encre de Chine, au pinceau fin, voire grattée directement dans un à-plat de couleur, structure la scène et lui apporte la vie. La couleur, étalée tantôt en larges à-plats, tantôt en zébrures nerveuses et rapides, débordant largement pour créer une ambiance faite de tons purs et rayonnants. Cette même année, il signe un premier contrat avec les galeristes Bernheim-Jeune et Vildrac, il y exposera jusqu'en 1932. Poursuivant inlassablement ses recherches sur la lumière et la couleur, Raoul Dufy effectue, en 1922, un long voyage en Italie où il fait la connaissance du critique Pierre Courthion qui lui consacrera une monographie en 1929. Il rencontre, quelques temps après, le céramiste catalan Josep Llorens i Artigas(1892-1980), qui lui permet d'ouvrir un nouveau champ artistique. Il s'imposera quelque temps plus tard comme un exceptionnel décorateur de céramique.1923 : Paris et ses monuments inspirent Dufy Raoul Dufy est sollicité en 1923 pour réaliser une série de cartons de tapisseries sur le thème de Paris et de ses monuments. Ils serviront à des garnitures de sièges, à un paravent et seront exécutés par la manufacture nationale de Beauvais. En 1925, il peint Paris à vol d'oiseau pour une tenture pour Poiret dont il reprend et adapte le concept pour le paravent commandé par l'Etat et réalisé en 1933. Cette composition inventée par un Dufy en lévitation au-dessus du paysage urbain parisien renoue avec un genre passé de mode : les panoramas. Christian Zervos évoquera cette conception originale dans Sélection. Chronique de la vie artistique « Le voici s'amusant à prendre Paris comme sujet de son oeuvre. Paris est représenté à vol d'oiseau ; des maisons serrées les unes contre les autres comme dans les anciennes représentations des villes qui ornent les relations de voyage. Par endroits se détachent les monuments de la capitale. Pour en donner l'aspect principal, Dufy les a tournés tous vers le spectateur. L'effet en est des plus heureux ». L'année suivante, en 1926, il réédite en hommage à son ami Guillaume Apollinaire décédé en 1918 Le poète assassiné. Ce sont des monuments emblématiques parisiens comme La Basilique du Sacré Coeur, le Panthéon… qu'il choisit comme décor des 36 lithographies. En 1934, Marie Cuttoli, célèbre mécène de la tapisserie moderne, qui souhaitait par une collaboration avec des artistes contemporains renouveler la tapisserie d'Aubusson, propose à Raoul Dufy de créer de nouveaux cartons de tapisseries sur le thème de Paris. Les deux tapisseries réalisées respectivement en 1934 et 1937 par les lissiers de l'atelier André Delarbre sont présentes dans l'exposition et pour la première fois réunies ! En 1936, son talent d'artiste décorateur étant largement reconnu, plusieurs commandes de décors lui sont faites. Il exécute La Seine, de Paris à la mer pour parer le mur de l'hémicycle du bar-fumoir du théâtre du Palais de Chaillot. Et c'est en 1937, qu'il réalise pour le pavillon de l'Electricité à l'Exposition internationale des arts et des techniques La Fée Electricité. Cette même année, il est invité à être membre du jury du prix Carnegie, et se rend pour la première fois aux États-Unis, à Pittsburg en Pennsylvanie. A partir de 1938, la couleur et la lumière occupent une place prépondérante dans son oeuvre, sublimant les scènes de cargos, d'ateliers et d'hommages aux musiciens qui caractérisent à cette époque sa production. Comme le dit si bien le célèbre critique d'art et fondateur du Musée national d'Art moderne de Paris Jean Cassou(1897-1986), « Coloriste unique, l'un des plus merveilleux de tous les temps, il sait de ses étonnants bleus, verts, jaunes et violets, emplir une toile, la saturer, en faire une explosion d'intensité.« De la lumineuse et juvénile Vue de Paris depuis Montmartre de 1902 (p. suivante) à la crépusculaire pochade de 1952 pour la brochure touristique de Thérèse Bonney (p16), c'est bien un Paris vu d'en haut, et ses monuments vus de face, qui traversent toute l'oeuvre de Dufy, sur quelque support qu'il les inscrive.Pour accompagner l'exposition, un catalogue coédité par le Musée de Montmartre et les Editions In Finé est publié. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

This is a revisit of our 2013 episode on the often avante-garde French designer Paul Poiret. He got rid of corsets, introduced the concept of lifestyle branding, and used draping rather that tailoring to create his dramatic designs. Learn more about your ad-choices at https://www.iheartpodcastnetwork.com

We talk about the challenges of packing museum objects and Poiret’s and Drecoll’s dresses for Jean Epstein’s 1925 film ‘Le Double Amour’. See links below. How to store a wedding dress, Museum of London (16 September 2013): https://www.youtube.com/watch?v=eHcQug5ZJd4 Jean Epstein (director); Drecoll, Paul Poiret (dresses for Nathalie Lissenko); Pierre Kéfer (décors, executed by Lazare Meerson), Le Double Amour (1925): https://www.imdb.com/title/tt0237181/ Le Double Amour on the Cinémathèque française website: https://www.cinematheque.fr/henri/film/48362-le-double-amour-jean-epstein-1925/ Cycle Jean Epstein – Le Double Amour, DVD Classik (not dated): https://www.dvdclassik.com/critique/le-double-amour-epstein Bernard Boutet de Monvel, Stephen Ongpin Fine Art: https://www.stephenongpin.com/object/805553/0/bernard-boutet-de-monvel-paris-1884; also: https://www.instagram.com/boutet.de.monvel/ Birgit Haase and Adelheid Rasche, ‘Christoph Drecoll: Rediscovering the Viennese Worth’, Costume, Volume 53, Issue 2 (2019): https://www.euppublishing.com/doi/full/10.3366/cost.2019.0120 Textile design by Paul Poiret for Martine, Metropolitan Museum of Art (c. 1919): https://www.metmuseum.org/art/collection/search/487282 Printed cotton, designed by Francis Jourdain, made by Cornille (c. 1925), Lot 233, ‘Étoffes & Costumes Anciens – Papiers Peints’, Couteau-Bégarie & Associés, Paris, Auction (19 February 2021): https://www.coutaubegarie.com/lot/107236/14310881

Doç.Dr. Ayşe Günay'a sorduk. "Moda nedir" sorusuyla başladık, İlk moda tasarımcılarından Charles Frederick Worth ve kadınlar için radikal tasarımlar yapan Paul Poiret'den bahsettik. 1920'li yılların modası, savaşın modaya etkisi, kadın ve erkek modası, modanın nasıl yayıldığı, illüstratör ve dergilerin etkisiyle devam ettik. İyi dinlemeler

We discuss the V&A’s ‘Kimono: From Kyoto to Catwalk’ exhibition and the varied meanings of this fascinating garment. See links below. Collina Strada: https://collinastrada.com/ Ian Kelly, Beau Brummell: The Ultimate Man of Style (2006): https://www.hodder.co.uk/titles/ian-kelly/beau-brummell/9780340836996/ Duro Olowu: https://www.duroolowu.com/ Arles – Les Rencontres de la Photographie: https://www.rencontres-arles.com/en Julien Faure: https://www.instagram.com/julienfaure1864/ Les choses de Paul Poiret / vues par Georges Lepape (1911): https://www.vmfa.museum/piction/108734640-160584885/ Kimono: Kyoto to Catwalk, Victoria & Albert Museum (to 25 October 2020): https://www.vam.ac.uk/exhibitions/kimono-kyoto-to-catwalk Storey Studio (exhibition designers): https://www.storeystudio.com/project/va/kimono-kyoto-catwalk-exhibition Curator Tour led by Anna Jackson, Keeper of the Asian Department: https://youtu.be/oEf0iFNTVGw https://youtu.be/hG6UVZexmc8 https://youtu.be/dvyC_pqYhvw https://youtu.be/oz1AzscxHjk https://youtu.be/OSgNdkcg9To Netsuke & Inro, V&A: http://www.vam.ac.uk/content/articles/n/netsuke-inro/ Sheila Cliffe, The Social Life of Kimono: Japanese Fashion Past and Present (Bloomsbury 2020): https://www.bloomsbury.com/us/the-social-life-of-kimono-9781350211186/ Jennifer Craik, The Face of Fashion (Routledge 2003): https://www.taylorfrancis.com/books/9780203409428 Kimonos in the Khalili Collections: https://www.khalilicollections.org/all-collections/japanese-kimono/ Kitsuke: How to wear kimono (August 2017): https://youtu.be/gVdwYM75oLI Wasoukan, How to wear a kimono (September 2020): https://www.youtube.com/playlist?list=PLZyw9a9Ouji03DOIT2SlTUyrDJbKP7hBL Ome Kimono Museum, Tokyo: http://www.omekimono.jp/

O fruto das lentes de um dos fotógrafos mais icônicos do século 20 sob um ângulo desconhecido do público. Esse é o objetivo da exposição "Man Ray e a Moda", em cartaz no Museu de Luxemburgo, em Paris.  Pioneiro da fotografia de moda, Emmanuel Radnitsky – verdadeiro nome de Man Ray – chegou dos Estados Unidos na capital francesa no início dos anos 1920. A fotografia, que não era considerada uma arte pelo americano, não fazia parte de seus planos. Amigo de Marcel Duchamp, Jean Cocteau e Francis Picabia, seu objetivo era se dedicar à pintura.  Para Man Ray, a fotografia era apenas uma forma de sobreviver na Paris dos anos 1920. Não era à toa que ele se autodesignava um "fautographe", uma brincadeira com a palavra "faute" (erro, em francês) e "photographe" (fotógrafo). Para ser reconhecido como um artista, ele criou uma nova estética, levando o dadaísmo e o surrealismo para as revistas Vogue, Vanity Fair, Harper's Bazaar, e conquistando grandes nomes da moda, como Paul Poiret, Gabrielle Chanel e Elsa Schiaparelli. Essa incessante busca para elevar a fotografia a seu conceito de arte também estimulou o americano a desenvolver e aplicar novas estéticas e técnicas em suas fotografias, como a "solarização" e a "reticularização", além da granulação e transposição de imagens – artíficios tão vanguardistas quanto valiosos, que continuam a influenciar o mundo da moda. "Man Ray inspira até hoje os estilistas, como Martin Margiela, por exemplo, atraído por esse lado surrealista de sua obra. Já dentro do universo da fotografia, ele criou astúcias em um tempo onde não havia Photoshop. Essas técnicas continuam sendo utilizadas pelos fotógrafos, mas digitalmente, através de programas. Man Ray fazia isso manualmente: ele foi um pioneiro dos efeitos", avalia a curadora da exposição e historiadora de moda, Catherine Ormen.  A conexão entre a cultura de massa e a arte abstrata atravessou as décadas e também continua a encantar o público. Para visitar a exposição no Museu de Luxemburgo, por exemplo, é necessária uma reserva prévia de bilhetes para evitar grandes aglomerações nas salas. Para vários dias da mostra, os horários já estão esgotados.  "Acho que o que encanta o público é simplesmente a magia que vem do surrealismo, que perturba a visão ordinária das coisas. É a descoberta de algo estranho. Além disso, a moda é algo que fala a todos, por isso o público dessa exposição é tão diversificado. Essa 'estranheza' nas fotografias de Man Ray não assusta e faz sonhar. Ele escapa da visão de documentarista das roupas para fazer algo que incita o sonho. Ele soube dar essa pincelada onírica às suas fotos", afirma Catherine Ormen. Várias das célebres obras de Man Ray estão expostas no Museu de Luxemburgo, como Preto e Branca, em que a companheira Kiki de Montparnasse posa ao lado de uma máscara; As Lágrimas, clicada para uma publicidade de maquiagem; Mulher com Cabelo Longo, além dos famosos retratos de Gabrielle Chanel e de Lee Miller, modelo e estagiária de quem Man Ray se tornou amante e que, mais tarde, teve uma brilhante carreira como fotógrafa de guerra. Para Emmanuelle de L'Ecotais, historiadora de arte e especialista na obra do americano, através das imagens, o artista conseguiu entrar no inconsciente coletivo. "Há algumas obras que Man Ray criou nos anos 20 que se tornaram ícones, que todo mundo conhece. Elas têm um impacto visual tão grande que até hoje funcionam extremamente bem. Acho que dois aspectos principais atraem o público: a força estética dessas imagens, mas também a profundidade – porque as fotos de Man Ray têm um sentido, não são apenas belas imagens. Há algo por trás do aspecto visual que é sempre muito intrigante e que cria uma espécie de fascinação", diz.  Mulher ocupa espaço central na obra de Man Ray A exposição no Museu de Luxemburgo também evidencia o espaço central da mulher na obra de Man Ray. Longe de ser um objeto, como para muitos fotógrafos de moda, as personagens do surrealista americano têm protagonismo e força. Segundo Emmanuelle de L'Ecotais, o artista acompanhou e foi influenciado pela liberação das mulheres.  "Ele vive nessa época, os anos 1920 em Paris, quando a situação da mulher está mudando: elas começam a usar calça, a fumar, a cortar os cabelos, têm Gabrielle Chanel como representante. E Man Ray era fascinado pelas mulheres e pela feminilidade. Então, ele tem essa vontade de valorizar a mulher. Em suas fotos, as personagens femininas não são consideradas como um objeto, mas são cultuadas, devido à sua fascinação e a seu amor incondicional." A exposição "Man Ray e a Moda" fica em cartaz no Museu de Luxemburgo, em Paris, até 17 de janeiro de 2021. 

Annette Soumilas* explains the tasks of a textile conservator and explains the difference between a textile conservator and a textile restorer. For the exhibition "The Vulgar" at the Barbican Museum in London (2017) and for the exhibition "Recent Parades" at the Kunsthalle in Bern (2018), she was taking care of loans from Martin Kamer by preparing them for the exhibitions. For the one in Bern, her skills were particularly in demand for the parasol from the ensemble "The Queen of Sheba" by Paul Poiret (1914). * Annette Soumilas is an independent costume and fashion designer, specialising in textile conservation and display of historic dress.

Fashion clues in pictures can document trends over a decade, but specific details can sometimes pinpoint an exact year or two.  Like the puffy large crown hats of circa 1910 or the Paul Poiret tapered narrow skirts of the circa 1912, supposedly influenced by bi-plane rides.  Or the Garibaldi shirt style popular in the early 1860s.  In 1864, walking skirts that belled out above the ankles were the rage in Paris. it was a winter of dresses drawn up over colored skirts with plaid edging.There are fashion repeats like the balloon like Gigot sleeves of the 1830s reappearing in the 1890s.    In episode 91 Dress and the Vote, Emily Boisvert spoke about generations of women who bonded over their desire for the vote by wearing certain style clothes in particular colors.   Have you spotted any of these trends in your family photos?  Fashion trends can be influenced by politics, wars, people (Garibaldi), technology (think the smokey eye of the silent film era for instance) and even pandemics. Pandemic mask wearers had a wide variety to choose from including character themed ones. If you have a photo of an ancestor wearing a mask from that era, I'd love to see it.Fashion clues can be difficult to read. In this episode you'll find tips to help you decide when and where an image was taken.Related Episodes:Episode 91: Dress and the VoteLinks:The Flu PandemicRethinking Fashion in the midst of a Pandemic,  a Radio Boston podcastHow the Spanish Flu of 1918 Affected Fashion by Booth Moore. (Subscription required)Mask-Wearing Rules in the 1918 Pandemic faced resistance. Sign up for my newsletter.Watch my YouTube Channel.Like the Photo Detective Facebook Page so you get notified of my Facebook Live videos.Need help organizing your photos? Check out the Essential Photo Organizing Video Course.Need help identifying family photos? Check out the Identifying Family Photographs Online Course.Have a photo you need help identifying? Sign up for photo consultation.About Maureen Taylor:Maureen is a frequent keynote speaker on photo identification, photograph preservation, and family history at historical and genealogical societies, museums, conferences, libraries, and other organizations across the U.S., London and Canada.  She's the author of several books and hundreds of articles and her television appearances include The View and The Today Show (where she researched and presented a complete family tree for host Meredith Vieira).  She's been featured in The Wall Street Journal, Better Homes and Gardens, The Boston Globe, Martha Stewart Living, Germany's top newspaper Der Spiegel, American Spirit, and The New York Times. Maureen was recently a spokesperson and photograph expert for MyHeritage.com, an internationally known family history website and also writes guidebooks, scholarly articles and online columns for such media as Smithsonian.com. Learn more at Maureentaylor.comDid you enjoy this episode? Please leave a review on Apple Podcasts.

Cachés, critiqués, fantasmés, les seins sont un enjeu fort des luttes féministes. Alors que la pause du confinement a permis à beaucoup d’enlever leurs soutien-gorges, cet abandon n’a rien d’anodin et pose des questions d’inclusivité, de santé et de représentation. D’une libération à de nouvelles injonctions esthétiques et sociales, Clémentine vous raconte l’histoire des seins avec Camille Froidevaux-Metterie, autrice de Seins : En quête d'une libération.Références entendues dans l’épisode : Camille Froidevaux-Metterie est une autrice, professeure de sciences politiques et chercheuse travaillant sur la condition féminine. Elle vient de publier Seins : en quête d’une libération (Anamosa, 2020) Le no bra est un mouvement et une tendance consistant pour des femmes à volontairement ne pas porter de soutien-gorge, pour des raisons de confort ou féministes.Femen est un groupe féministe d'origine ukrainienne, fondé à Kiev en 2008 par Anna Hutsol, Oksana Chatchko et Oleksandra Shevchenko. Free the Nipple (Libérez le Téton) est une campagne créée en 2012 critiquant la convention qui autorise les hommes à apparaître torse nu en public quand il est socialement interdit pour les femmes de faire de même. Le mouvement donne lieu à un film éponyme en 2014. Le new burlesque, ou neo-burlesque, est un mouvement artistique et féministe né aux États-Unis. Il s'agit de performances scéniques réalisées par des danseuses ou danseurs légèrement vêtu.e.s ou pratiquant le striptease.Extrait de la vidéo de la youtubeuse Burlesque Bazoom.Paul-Michel (dit Michel) Foucault est un philosophe français. Ludovic O'Followell était un médecin et auteur français.Madeleine Vionnet est une couturière française du XXème siècle. Elle est la première à abandonner le corset dans ses créations, une innovation que l’on attribue souvent à Paul Poiret, autre grand couturier de l’époque. L’article de Slate sur la vie passionnante Mary Phelbs alias Caresse Crosby.Henry Charles Bukowski est un écrivain américain d'origine allemande, auteur de romans, de nouvelles et de poésie. James Joyce, de son nom de naissance James Augustine Aloysius Joyce, est un romancier et poète irlandais.Warner's est un ancien corsetier américain, fondé en 1874 par les médecins et frères Warner.Une pub de 1988 de la marque française de lingerie Scandale. Une pub de 1987 de la marque de lingerie américaine Triumph. L’ouvrage de la chercheuse de Fanny Gallot En découdre (La Découverte, 2015) sur l’histoire des couturières.L’enquête d’Ifop pour 24Matin sur l’hygiène des français.e.s.Impatiente est un podcast imaginé par Maëlle Sigonneau et Mounia El Kotni, produit par Nouvelles Ecoutes.Girls (2012) est une série de Lena Dunham.The Deuce (2017) est une série de David Simon avec Maggie Gyllenhaal.Nicki Minaj est une rappeuse et actrice américaine.Quoi de Meuf est une émission de Nouvelles Écoutes, cet épisode est conçu et présenté par Clémentine Gallot, mixé par Charles de Cillia. Générique réalisé par Aurore Meyer Mahieu. Montage et coordination par Ashley Tola.

Françoise Cloarec, J'ai un tel désir, Éditions Glénat, 8 décembre 2018.Marie Laurencin et Nicole Groult, une histoire d'amour peu banale. L'une est une peintre connue, ancienne maîtresse d'Apollinaire, l'autre une couturière talentueuse et créative, soeur de Paul Poiret et mariée à André Groult. Nous suivons leurs deux destins incandescents dans le Paris de la Belle Époque, de 1907 au début des années vingt, lorsque naît la première fille de Nicole. « C'est toi le père », dira Nicole à Marie. L'enfant s'appelle Benoîte Groult. Marie Laurencin a épousé un baron allemand juste avant la Grande Guerre ce qui lui vaut un exil de plus de cinq ans en Espagne. Elles s'écriront des centaines de lettres. Que leur désir réciproque puisse être coupable ne leur vient pas à l'idée, elles existent en marge de l'hypocrisie, naturellement. Elles devancent leur temps, sans autre revendication que leur liberté et leur plaisir. Entourées d'Apollinaire, Picasso, Braque, Rousseau, Picabia, Roché, elles ne laisseront personne briser leur entente qui durera toute la vie.Françoise Cloarec est psychanalyse et peintre, diplômée des Beaux-Arts de Paris. En 2008 elle publie chez Phébus Séraphine, ouvrage consacré à Séraphine de Senlis, peintre inclassable, et qui eut un grand succès de même que le film de Martin Provost qui en en est inspiré. Paraît en 2010, toujours chez Phébus, Storr, architecte de l'ailleurs, artiste tout aussi inclassable que Séraphine Louis.

We discuss Jean Paul Gaultier’s incredible final show and the wonders of looking at couture clothes in museum storerooms. See links below. Rebecca Arnold, Fashion: A Very Short Introduction (OUP 2009): https://global.oup.com/academic/product/fashion-a-very-short-introduction-9780199547906 and https://e.jd.com/30536485.html Gaultier Paris – Spring-Summer 2020 Fashion Show: https://www.jeanpaulgaultier.com/en-gb/jpglive/ and https://www.vogue.com/fashion-shows/spring-2020-couture/jean-paul-gaultier Catherine Ringer and Les Rita Mitsouko: http://www.catherineringer.com/ The Clothworkers’ Centre at the V&A: https://www.vam.ac.uk/info/the-clothworkers-centre-for-the-study-and-conservation-of-textiles-and-fashion Paul Poiret, ‘Toujours’ Dress, 1911 (VA&): http://collections.vam.ac.uk/item/O139787/toujours-dress-paul-poiret/ Paul Iribe, Les Robes de Paul Poiret (1908): https://archive.org/details/lesrobesdepaulpo00irib Dress by Madeleine Vionnet, 1937 (V&A): http://collections.vam.ac.uk/item/O319608/dress-vionnet-madeleine/ Schiaparelli, Evening ensemble, 1938 (V&A): http://collections.vam.ac.uk/item/O15665/the-circus-collection-evening-ensemble-elsa-schiaparelli/ Claire McCardell, Day ensemble, c. 1950 (V&A): http://collections.vam.ac.uk/item/O74836/womans-day-ensemble-mccardell-claire/ Dress Collections in the UK: https://www.dressandtextilespecialists.org.uk/collections-map/

The work of avant-garde couturier Paul Poiret was shocking to some, and undeniably groundbreaking to everyone else. The fact that he radically altered the way women dressed during the 20th century was only ONE of his major innovations. Learn more about your ad-choices at https://news.iheart.com/podcast-advertisers

Welcome to the second episode in the Unravel Roundtable Series. In this episode Dana and Jasmine talk to academic activist Regan Loggans about the history of cultural appropriation in fashion. Together they define appropriation and go all the way back to ancient Greece and Rome to cover a range of appropriation cases in fashion into the present. Definitions: Appropriation:”Taking possession of something, or taking something over, without permission.” or the adoption or use of the elements of one culture by members of a different culture. Often confused with pastiche (which may be a eurocentric conflation) Definition found in “Understand Postmodernism” by Glenn Ward Acculturation: The process of cultural change and psychological change that results following meeting between cultures. The effects of acculturation can be seen at multiple levels in both interacting cultures. Title: War by Edwin Starr https://www.youtube.com/watch?v=dpWmlRNfLck Image: Denise and Paul Poiret dressed for the “Thousand and Second Night” party, 24 June 1911. You can find Regan Loggans on Instragram @phaggotplanet Visit us below for images and fashion: www.unravelpodcast.com Instagram: @unravelpodcast Twitter: @unravelpodcast Facebook: www.facebook.com/unravelpodcast/ Pinterest: unravel: a fashion podcast www.pinterest.com/afashionpodcast/ GoFundMe: https://www.gofundme.com/csaunravel2017

想了解時尚，就不可以不知道保邏•波烈是誰。Paul Poiret，通常翻譯為保羅•波列，或者保羅•普瓦雷。他自封為“時裝之王” King Of The Fashion，或許有些狂傲，但是他，開啟了二十世紀現代時裝雛型。(完整文稿內容請關注微信公眾號：秋千swing）历史考究加上一点想象力，为您挑选俯拾皆是的时尚野趣和寻常好时光。

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Monsieur Antoine et Monsieur Nicolas de la revue en ligne Diktats, racontent les grandes étapes de la gravure de mode en France, depuis le XVIIe siècle jusqu’à l’arrivée de la photographie au tournant du XXe siècle, en passant par l’ « âge d’or » du XVIIIe siècle (le règne de Louis XVI). La gravure de mode a été un outil de diffusion des modes parisiennes en province et à l’étranger pendant plusieurs siècles et fait l’objet aujourd’hui d’un marché attirant les collectionneurs du monde entier. Antoine et Nicolas racontent les planches de mode vendues à l’unité ou par suites, les almanachs, les « recueils généraux » de coiffures ou de costumes et de modes, évoquent les grands noms du genre au XVIIIe siècle (famille Bonnart, Esnauts et Rapilly…), la naissance des magazines de mode au sens moderne (Le cabinet des modes ou les modes nouvelles, 1785, puis le Journal des Dames et des Modes, 1797-1839, sans oublier La Galerie des Modes à partir de 1778…). Ils racontent la « révolution Art Déco » (1910-1930) qui tente de renouer avec le luxe des images de mode du XVIIIe siècle. Avec La Gazette du Bon Ton, de 1912 à 1925, Lucien Vogel et Michel de Brunhoff renouent avec cette longue tradition. Mais la photographie est venue porter un coup fatal à cet art à partir de 1880. Les premières photos de mode en couleur s’installent dans le paysage de la presse au tournant du XXe siècle, et des grands artistes comme Edward Steichen font cause commune avec de grands couturiers comme Paul Poiret pour renouveler l’art de l’illustration de mode. Diktats est une librairie en ligne spécialisée dans les livres anciens sur la mode et le costume. Spécialistes d'histoire de la mode et de livres anciens, Monsieur Antoine et Monsieur Nicolas propose une sélection d'ouvrages rares et précieux et collabore aussi bien avec des clients institutionnels (musées internationaux, maisons de couture) qu’avec des collectionneurs privés. En 2008 Diktats a été qualifiée de « caverne d’Ali Baba pour livres rares et précieux » par Le Monde.

"I like to dress Americans, they have faith, figures and francs" (Charles-Frederick Worth, 1895). Emilie Hammen (doctorante IFM) raconte les grandes dates de l'histoire des relations transatlantiques dans la mode. Depuis l'époque du Gilded Age aux États-Unis (1865- 1901), la haute société de la côte Est des Etats-Unis constitue une clientèle privilégiée de la couture française. Les clientes américaines de la haute couture ont été un modèle historique de la "consommation ostentatoire" théorisée par Thorstein Veblen. Emilie Hammen retrace une histoire riche en influences réciproques, depuis Paul Poiret, considéré comme "the king of fashion" aux Etats-Unis, jusqu'à Eleanor Lambert (1903 2003), qui créa la Fashion Week de New York et organisa Le Grand Divertissement de Versailles en novembre 1973, en passant par Mainbocher, griffe de haute couture fondée à Paris en 1929 et transférée à New York en 1940... On repense à une formule de la Gazette du Bon Ton en 1913 : "la mode, seule industrie française prépondérante aux Etats-Unis".

Le photographe Luc Quelin présente la vie et l'oeuvre de Man Ray (1890-1976) aux étudiants IFM. Fantasme, rêve, mode... Man Ray a exploré beaucoup de domaines de la photographie qui restent dominants aujourd'hui. Ce précurseur de la photographie moderne est né à Philadelphie, mais il a vécu à Paris à partir de 1921. D'abord dessinateur dans une agence de publicité, il voulait être peintre mais il a découvert la photographie qu'il a contribué à élever au niveau d'un grand art. Luc Quelin raconte l'amitié de Man Ray avec Marcel Duchamp, Paul Poiret, Berenice Abbott, Kiki de Montparnasse, André Breton..., ses débuts dans le mouvement dada, son atelier de la rue Campagne-Première, l'Hôtel Istria, son influence sur les grands photographes de mode comme Guy Bourdin... Il analyse quelques-une des photographies les plus célèbres de Man Ray : "Le violon d'Ingres" en particulier (1924), mais aussi les différentes versions des compositions avec Kiki de Montparnasse (le visage allongé au masque africain, les larmes de verre, etc.), qui continuent à marquer notre imaginaire aujourd'hui.

French designer Paul Poiret's work, which was often avante-garde, changed the fashion world in significant ways. He got rid of corsets, introduced the concept of lifestyle branding, and used draping rather that tailoring to create his dramatic designs. Learn more about your ad-choices at https://news.iheart.com/podcast-advertisers

Paul Poiret was a French designer credited with unlacing women from corsets. Cristen and Caroline explore the intersection of fashion history, industrialization and gender equality in the first installment of their Boys of Summer series. Learn more about your ad-choices at https://news.iheart.com/podcast-advertisers