Podcasts about fondation cartier

Alejandro Cartagena | Ground Rules Photographer, publisher, and curator Alejandro Cartagena joined me at the 2025 Chico Review. We talk about the many different ways in which Alejandro practices photography and how much he has embraced being and editor and curator for others. Alejandro also discusses his upcoming retrospective, Ground Rules, at SFMOMA, curated by Shana Lopes along with the accompanying book published by Aperture. The show opens in September and the book is scheduled for November. https://alejandrocartagena.com — https://www.instagram.com/alexcartagenamex/ This podcast is sponsored by the Charcoal Book Club Begin Building your dream photobook library today at https://charcoalbookclub.com Alejandro Cartagena, Mexican (b. 1977, Santo Domingo, Dominican Republic) lives and works in Monterrey, Mexico. His projects employ landscape and portraiture as a means to examine social, urban, and environmental issues. Cartagena's work has been exhibited internationally in more than 50 group and individual exhibitions in spaces including the Fondation Cartier pour l'art contemporain in Paris and the CCCB in Barcelona, and his work is in the collections of several museums including the San Francisco MOMA, The J. Paul Getty Museum, The Museum of Contemporary Photography in Chicago, The MFAH in Houston, the Portland Museum of Art, The West Collection, the Coppel collection, the FEMSA Collection, Museum of Fine Arts in Houston, the George Eastman House and the Santa Barbara Museum of Art and among others. Cartagena has received several awards including the international Photolucida Critical Mass Book Award, the Street Photography Award in London Photo Festival, the Lente Latino Award in Chile, the Premio IILA-FotoGrafia Award in Rome and the Salon de la Fotografia of Fototeca de Nuevo Leon in Mexico among others. He has been named an International Discoveries of the FotoFest festival, a FOAM magazine TALENT and an Emerging photographer of PDN magazine. He has also been a finalist for the Aperture Portfolio Award and has been nominated for the Santa Fe Photography Prize, the Prix Pictet Prize, the Photoespaña Descubrimientos Award and the FOAM Paul Huff Award. His work has been published internationally in magazines and newspapers such as Newsweek, Nowness, Domus, the Financial Times, The New York Times, Le Monde, Stern, PDN, The New Yorker, and Wallpaper among others.

Vous pouvez accéder actuellement à la première rétrospective en Europe consacrée à Olga de Amaral. C'est une figure incontournable de la scène artistique colombienne. L'exposition rassemble près de 80 ouvres créées entre les années 60 et aujourd'hui, dont beaucoup n'ont jamais été présentées en dehors de Colombie. Son matériau de prédilection, c'est le textile. J'ai été bluffé par les œuvres monumentales du rez-de-chaussée qui sont librement suspendues dans l'espace. Alors que le sous-sol nous dévoile différentes explorations artistiques. L'exposition « Olga de Amaral » est à voir jusqu'au 16 mars. Rendez-vous à la Fondation Cartier pour l'Art contemporain, 261 boulevard Raspail dans le 14ème. En raison de l'affluence, une réservation en ligne est obligatoire. Et le musée est accessible aux personnes à mobilité réduite. Photo : Marc Domage

La Fondation Cartier présente la première rétrospective en Europe de la grande artiste colombienne Olga de Amaral, jusqu'au 16 mars 2025. L'exposition rassemble près de quatre-vingts œuvres de cette figure incontournable de l'art du textile. Un art qu'elle a contribué, dans les années soixante, à élever au rang d'art noble, alors qu'il était considéré comme mineur jusque-là, car dévolu aux femmes. On peut y voir l'évolution de l'artiste, de ses tissages influencés par les textiles anciens de son pays aux sculptures en trois dimensions, autant de fils tombant en pluie fine de couleur que l'on peut traverser. À lire aussiHay Festival: quand la littérature transforme un village colombien

La Fondation Cartier présente la première rétrospective en Europe de la grande artiste colombienne Olga de Amaral, jusqu'au 16 mars 2025. L'exposition rassemble près de quatre-vingts œuvres de cette figure incontournable de l'art du textile. Un art qu'elle a contribué, dans les années soixante, à élever au rang d'art noble, alors qu'il était considéré comme mineur jusque-là, car dévolu aux femmes. On peut y voir l'évolution de l'artiste, de ses tissages influencés par les textiles anciens de son pays aux sculptures en trois dimensions, autant de fils tombant en pluie fine de couleur que l'on peut traverser. À lire aussiHay Festival: quand la littérature transforme un village colombien

À la Fondation Cartier pour l'art contemporain,  première grande rétrospective européenne de l'œuvre d'Olga de Amaral, avec près de 90 pièces textiles datant des années 1960 à aujourd'hui est au Grand Palais en avant-première de la réouverture de lʹensemble de ses galeries en juin 2025, exposition consacrée à lʹœuvre poétique et sensible de lʹartiste japonaise Chiharu Shiota mondialement reconnue pour ses installations monumentales faites de fils de laine entrelacés. Par Florence Grivel. Paris, Fondation Cartier, Olga de Amaral, jusquʹau 16 mars Paris, Grand-Palais, Chiharu Shiota The Soul Trembles jusquʹau 19 mars 2025

Dans cet épisode, nous recevons Victoire de Changy, autrice et libraire, qui a fait son entrée dans le monde du livre en 2017 avec son premier roman "Une dose de douleur nécessaire", finaliste du Prix Rossel. Elle confirme ensuite la délicatesse et la sensibilité de sa plume avec "L'île longue", "La paume plus grande que toi" et trois albums jeunesse remarquables : "L'Ours Kintsugi", "Le Bison Non-Non" et "Collections" (ce dernier lui vaudra le prix suisse du livre jeunesse 2024). Elle publie ensuite "Subvenir aux miracles" et, en 2024, participe à l'ouvrage collectif "Être mère" et publie son dernier roman "Immensità". En 2022, Victoire franchit une nouvelle étape en reprenant, avec son mari Romain, la librairie bruxelloise Les Yeux Gourmands, située sur le parvis de Saint-Gilles.Les recommandations de Victoire:"Le manteau d'Estela". Le conte écrit par Victoire et interprété par Séphora Pondi de la Comédie Française pour la Fondation Cartier, inspiré de l'exposition Olga de Amaral. Ecoutez-le ici: https://www.fondationcartier.com/expositions/olga-de-amaral/t%C3%AAtes-curieuses-olga-de-amaral"Printemps Sombre" de Unica Zürn et la nouvelle traduction de Lucie Taïeb chez Ypsilon: https://ypsilonediteur.com/catalogue/printemps-sombreReco Maureen"Simple Comme Sylvain" de Monia Chokri"Politiser le bien-être" de Camille Teste: https://boutique.binge.audio/products/politiser-le-bien-etre-camille-testeLe projet de Maureen et Anaïs Elba concernant la santé mentale dans la musique: https://www.instagram.com/discare.beRecommendation Damien"Numéro Deux" de David Foenkinos"Here" le roman graphique de Richard McGuire et "Here" le film de Robert ZemeckisLe magazine espagnol "Apartamento" sur les intimités et les intérieurs: https://www.apartamentomagazine.com/"Fort Alamo" de Fabrice Caro"Les Pistolets en Plastique" de Jean-Christophe Meurisse"Intermezzo" de Sally RooneyAmour, Gloire & Chips est hosté par Damien Aresta et Maureen Vanden Berghe, on y parle de trucs divers et de culture en gros.Suivez Amour Chips sur Instagram: https://www.instagram.com/amourchipsAbonnez-vous aux newsletter de Maureen et DamienSalut l'Ekip: https://mrnvdb.substack.com/Ma Petite Lettre: https://damienaa.substack.com/ Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

durée : 00:27:11 - Les Midis de Culture - par : Marie Labory - Au programme du débat critique, des expositions : "Rétrospective Olga de Amaral" à la fondation Cartier et "Stephen Jones, chapeaux d'artiste" au Palais Galliera, musée de la mode de Paris. - réalisation : Laurence Malonda - invités : Joseph Ghosn Directeur adjoint de la rédaction de Madame Figaro; Céline du Chéné Productrice à France Culture

À l'occasion de la 8e édition du festival Un Week-End à l'Est, qui met cette année à l'honneur la scène artistique d'Erevan en Arménie, un dialogue inédit entre l'artiste visuel Melik Ohanian et le cinéaste Andrei Ujica met en lumière une figure majeure du 7e art, le cinéaste Artavazd Pelechian. Aussi rare que célébré, il est le « chainon manquant de la véritable histoire du cinéma », selon l'expression de Serge Daney qui fut, avec Jean-Luc Godard, l'un des plus ardents promoteurs de son œuvre en France au début des années 1990. Conversation modérée par la curatrice d'art contemporain Lilit Sokhakian. Melik Ohanian, artiste visuel français d'origine arménienne, adopte une approche multidisciplinaire et politiquement engagée dans sa pratique artistique. À travers la sculpture, la photographie, le cinéma et l'installation, son œuvre conceptuelle et poétique explore les notions de déplacement en tant que phénomènes politiques, sociaux et culturels, ainsi que les concepts de temps et de la nature de la mémoire individuelle et collective. Son travail a été présenté lors de nombreuses expositions personnelles en France et à l'étranger. Il a participé à de nombreuses expositions collectives notamment aux biennales de São Paulo (2004), Berlin (2004), Sydney (2004, 2016), Moscou (2005), Gwangju (2006), Séville (2006), Venise (2007, 2015), Sharjah (2011) et à la Biennale de Lyon (2005, 2017). En 2015, il est lauréat du Prix Marcel Duchamp, et participe au Pavillon de l'Arménie à la Biennale de Venise, qui est récompensé par le Lion d'Or du meilleur pavillon national. Son installation permanente dans le Parc Trembley à Genève, Les Réverbères de la Mémoire reçoit le Prix Visarte à Zurich en 2019. Après des études de littérature, Andrei Ujica décide en 1990 de se consacrer au cinéma et co-réalise avec Harun Farocki Vidéogrammes d'une Révolution (1992). Ce film, qui évoque la relation entre le pouvoir politique et les médias en Europe à la fin de la Guerre Froide, fait date. Son second film Out of the Present (1995) évoque l'histoire du cosmonaute Sergei Krikalev qui passa dix mois dans la station Mir, tandis que sur terre l'Union Soviétique cessait d'exister. L'Autobiographie de Nicolae Ceaușescu (2010) conclut sa trilogie dédiée à la fin du communisme. Avec TWST | Things We Said Today (2024) Ujica se tourne vers l'émergence de la culture de masse. Andrei Ujica a également réalisé deux films commandités par la Fondation Cartier pour l'art contemporain : 2 Pasolini (2000/2020) et Unknown Quantity avec Paul Virilio et Svetlana Alexievitch (2002-2005). Lilit Sokhakyan, curatrice d'art contemporain, s'est installée à Paris en 2012, où elle a commencé à collaborer avec la Fondation Cartier pour l'art contemporain sur diverses expositions et projets, notamment liés à l'artiste Artavazd Pelechian. Avec l'équipe de la Fondation Cartier, Lilit a assisté Pelechian dans la création de son dernier film La Nature, elle a assuré la création du site internet entièrement dédié à la vie et à la filmographie de Pelechian, ainsi que la distribution de ses œuvres dans plusieurs festivals internationaux, notamment à New York, Amsterdam, Milan et Venise. Elle continue d'accompagner Artavazd Pelechian dans ses projets européens et ses expositions, ainsi que dans le développement de son nouveau projet d'opéra. Amphithéâtre des Loges Jeudi 21 novembre 2024 Crédits photos : © mtetard © Hrair Hawk Khatcherian

Si cet épisode vous a plû, vous pouvez écouter la suite des aventures de la Fondation Cartier dans “Voir venir, venir voir” sur votre plateforme d'écoute préférée : Spotify, Apple Podcasts, Deezer. Au programme des prochains épisodes : les premiers coups d'éclat de Jouy-en-Josas, les révolutions de Raspail et des expositions mythiques racontées par celles et ceux qui les ont faites.----Alors qu'au début ce n'était qu'une suggestion de l'artiste César, la Fondation Cartier est aujourd'hui en passe de devenir l'un des plus grands lieux d'exposition d'art contemporain au monde. Aujourd'hui, dans Passages, nous vous proposons de découvrir "Voir venir, venir voir", le podcast qui retrace 40 ans d'histoire de la Fondation Cartier, produit par l'équipe de Louie Creative, l'agence de Louie.Comme le dit si bien Alain Dominique Perrin - Président-Fondateur de la Fondation Cartier pour l'art contemporain - « on ne classe pas ses souvenirs comme on classe ses dossiers ». Grâce à des archives et à des interviews inédites, cette série documentaire, raconte la Fondation : sa création en 1984, ses expositions inoubliables et ses plus grands coups d'éclat, le tout parsemé d'anecdotes méconnues. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Dans cet épisode on reçoit le talentueux Olivier Maffrand, fondateur de Singulair, qui répond aux questions de Yacine Sqalli.

Aujourd'hui, dans Faites des Gosses, on vous propose de découvrir un podcast jeunesse que l'on produit avec l'équipe de Louie Créative pour la Fondation Cartier pour l'art contemporain : Les têtes curieuses. Dans ce podcast, on invite des auteurs et des autrices à imaginer des contes pour enfants inspirés des expositions accueillies à la Fondation Cartier. Que vous soyez allés voir l'exposition ou non, ces histoires plongent petits et grands dans des univers féériques, loufoques et mystérieux. Découvrez ces histoires pour enfants dans le podcast "Les têtes curieuses" : https://linktr.ee/lestetescurieusesA propos de cet épisode : C'est l'histoire d'une petite grenouille appelée Chandra Glou, qui vivait tranquillement dans une rizière du Kerala. Elle suivait le flux naturel des choses, et regardait la vie passer. Tout le monde la trouvait paresseuse. Mais elle s'en défendait en disant qu'elle aimait juste ne pas agir, et laisser faire la vie. En réalité, Chandra bougeait si peu, qu'on crût qu'elle était en pierre. Un matin, alors qu'elle regardait le soleil se refléter sur une goutte de pluie, et qu'elle écoutait le bruit du vent sur les feuilles, elle fût emportée dans un voyage de plusieurs semaines, dans un bateau, qui l'emmena tout droit au sous sol d'un célèbre musée de Paris, à côté de sculptures d'animaux en pierre.« Les têtes curieuses » est un podcast de la Fondation Cartier, produit par Louie Créative, l'agence de création de contenu de Louie Media. Ce conte a été écrit et interprété par Lison Daniel. La production est supervisée par Charlotte Pudlowski, Lucile Rousseau-Garcia et Solène Dupont-Delestraint. L'épisode a été réalisé et mixé par Thomas Rozès, qui a aussi composé les musiques, avec PA Wucal. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Cet événement est organisé conjointement par l'École d'architecture Paris-Malaquais et les Beaux-arts de Paris, en lien avec l'enseignement « L'entour ». Il sera modéré par Yann Rocher et Alain Berland. L'enseignement de master "L'entour", consacré à l'histoire et à la technique de la scénographie d'exposition, est encadré par Thierry Leviez (Pavillon Bosio) et Yann Rocher (École d'architecture Paris-Malaquais). Il est commun à l'École d'architecture Paris-Malaquais, aux Beaux-Arts de Paris et au Pavillon Bosio – École supérieure d'arts plastiques de Monaco. Chris Dercon, Directeur Général de la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain « Tout au long de ma carrière, j'ai toujours été intéressé par le « display », la monstration, et l'architecture des expositions – ces deux termes qui sont plus parlants que le simple mot « scénographie ». Qu'il s'agisse de commissaires tels qu'Alexander Dorner ou Reynold Arnould, de l'artiste Richard Hamilton ou des architectes Lina Bo Bardi, Carlo Scarpa ou Friedrich Kiesler, ces pionniers ont souvent parlé, ainsi que d'autres à la suite, du pouvoir de la monstration. J'ai eu le grand plaisir de travailler avec des praticiens innovants de ce milieu, comme Dan Graham, Rem Koolhaas, Wolfgang Tillmans ou Anselm Kiefer. Lors de cette conférence, je présenterai et commenterai 40 ans de scénographies expérimentales sur lesquelles j'ai travaillé de New York à Rotterdam, en passant par Munich, Londres ou encore Paris. S'ajoutant à ces noms et à ces collaborations, je montrerai également des projets expérimentaux auxquels j'ai participé avec Hubert Damisch, Hans Haacke, Paul McCarthy, Ai Weiwei ou Richard Tuttle ; et le dernier en date : l'exposition du photographe Juergen Teller et de l'architecte Tom Emerson. » Chris Dercon est historien de l'art, commissaire d'exposition et directeur de musée, d'origine belge, né à Lier en 1958. Il effectue ses études à la Rijksuniversiteit Leiden en Histoire de l'art, études théâtrales, et à la Vrije Universiteit à Amsterdam en études cinématographiques. Il a travaillé en tant qu'enseignant, critique et journaliste. Il dirige des institutions culturelles depuis 1988 : il commence en tant que directeur de la programmation du PS1 New York en 1988, à Rotterdam de 1990 à 1995 il dirige le Witte de With (Melly Kunstinstituut), puis le Boijmans Van Beuningen de 1996 à 2002. De 2003 à 2011 il dirige la Haus der Kunst à Munich. De 2011 à 2016, il dirige la Tate Modern de Londres. De 2017 à 2018, il dirige la Volksbühne Berlin. De 2019 à 2023, il est nommé président de la Réunion des Musées Nationaux et du Grand Palais où il dirige le projet de restauration du Grand Palais. Il est actuellement Directeur Général de la Fondation Cartier, et travaille sur le projet du nouveau bâtiment de la Fondation Cartier. Amphithéâtre des Loges Mercredi 10 janvier 2024 Crédit photo : Richard Tuttle, I Don't Know. The Weave of Textile Language, Tate Modern, Londres, 2015

« La fin du monde est un concept sans avenir ». Paul Virilio, grand architecte et philosophe disparu en 2018, est à l'origine de la dromologie, soit l'étude du rôle joué par la vitesse dans les sociétés modernes. À l'occasion de la parution de 22 de ses essais (éd. du Seuil), sa fille Sophie Virilio, l'architecte Jean Richer, l'éditrice Maria Vlachou et l'historien de l'art Christian Joschke dialoguent autour de la pensée accélérationniste. L'ouvrage La fin du monde est un concept sans avenir permet de parcourir quatre décennies (1976-2010) et décrit un arc théorique partant du regard d'un enfant marqué par le bombardement de Nantes en 1943 pour aller jusqu'à celui du philosophe qui définira l'esthétique de la disparition. Le monde dans le viseur est en perpétuelle accélération, surpris par l'accident, habité par la guerre, frappé par les bombes climatique et informatique, incarcéré dans le communisme des affects, obsédé par la conquête du temps réel et l'effacement de la distance. Urbaniste et philosophe (1932-2018), Paul Virilio déclare que ses deux universités ont été la guerre et l'art. Tout d'abord peintre puis maître verrier, il suit en auditeur libre les cours de Vladimir Jankélévitch, de Louis de Broglie et de Maurice Merleau-Ponty. Il consacre dix ans au projet Bunker Archéologie, qui fera l'objet d'une exposition sous l'égide du CCI Beaubourg en 1975. En 1963, il fonde le groupe Architecture Principe et la revue éponyme. En 1968, il devient professeur à l'École spéciale d'architecture de Paris et y enseigne pendant vingt-neuf ans. En 1972, il crée avec le sociologue Jean Duvignaud la revue Cause Commune et collabore entre autres aux revues Esprit, Traverses et L'Autre Journal. Il publie son premier essai, L'Insécurité du territoire, en 1976. En 1990, il devient directeur de programme au Collège international de philosophie sous la direction de Jacques Derrida. Sa collaboration avec la Fondation Cartier, initiée par l'exposition La Vitesse (1991), se poursuit jusqu'à la fin de sa vie, avec Ce qui arrive (2003), Terre Natale, Ailleurs commence ici (2008-2009). Paul Virilio est traduit dans 35 pays. Sophie Virilio, romancière et photographe sous pseudonymes, est la fille et unique ayant-droit de Paul Virilio. Elle œuvre à la diffusion de la pensée de son père à travers la revue annuelle Dromologie et des rencontres, expositions et évènements auxquels elle collabore et apporte le soutien de son fonds privé. Jean Richer est architecte-géographe. Il milite pour la prise en compte du temps dans les processus de transformation des villes. Actif dans le soin apporté au déjà-là du patrimoine et dans la recherche urbaine, il entend faire de l'écologie grise une pratique transformatrice pour aborder les grands changements du monde. Maria Vlachou est éditrice et directrice des droits étrangers aux Éditions du Seuil. Elle a collaboré notamment avec la RMN, l'EHESS et les PUF. Depuis 2021, elle préside la commission extraduction de sciences humaines au CNL. Elle est docteure en archéologie (EPHE) et spécialisée dans la sculpture architecturale de l'époque hellénistique. Christian Joschke est historien de l'art et s'intéresse particulièrement aux rapports entre arts et politique et à l'histoire de la photographie. Il a fondé avec Olivier Lugon la revue Transbordeur. Photographie histoire société aux éditions Macula et dirige avec lui la collection « Transbordeur » chez le même éditeur. Professeur aux Beaux-Arts de Paris, il aborde cette année la pensée accélérationniste avec ses étudiants. Penser le Présent est réalisé avec le soutien de Société Générale. Amphithéâtre des Loges Jeudi 18 janvier 2024 Crédit photo : © Droits réservés couverture : Dunkerque et dessus, Virilio 5-7 juin 1969 © Michel Pamart, photo Fonds S. Virilio

durée : 00:49:20 - Grand Canal - par : Eva Bester - Isabelle Gaudefroy, directrice artistique de la Fondation Cartier pour l'art contemporain vient nous présenter la programmation de la Fondation pour l'année 2024.

“Bijoy Jain / Studio Mumbai” Le souffle de l'architecteavec les artistes Alev Ebüzziya Siesbye et HU Liuà la Fondation Cartier pour l'art contemporaindu 9 décembre 2023 au 21 avril 2024Interview de Juliette Lecorne, conservatrice à la Fondation Cartier, et commissaire associée de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 11 décembre 2023, durée 20'47,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2023/12/14/3501_bijoy_fondation-cartier-pour-l-art-contemporain/Communiqué de presseCommissaire de l'exposition : Hervé Chandès, directeur Général Artistique de la Fondation CartierCommissaire associée : Juliette Lecorne, conservatrice à la Fondation CartierDu 9 décembre 2023 au 21 avril 2024, la Fondation Cartier pour l'art contemporain présente Le souffle de l'architecte, une exposition spécialement créée pour l'institution par l'architecte Bijoy Jain, fondateur du Studio Mumbai en Inde. Il est l'auteur d'une œuvre témoignant d'une profonde préoccupation pour la relation entre l'homme et la nature, et dont le temps et le geste sont des facteurs essentiels. Explorant les liens entre l'art, l'architecture et la matière, Bijoy Jain propose à la Fondation Cartier une création totale : un espace de rêverie et de contemplation en dialogue avec le bâtiment iconique de Jean Nouvel.Le souffle de l'architecteBijoy Jain imagine une exposition qui se vit comme une expérience physique et émotionnelle.Le souffle de l'architecte offre aux visiteurs une véritable invitation à respirer, à errer en toute quiétude, à redécouvrir le silence : » Le silence a un son, nous l'entendons résonner en nous. Ce son connecte tous les êtres vivants. C'est le souffle de la vie. Il est synchrone en chacun de nous. Le silence, le temps et l'espace ont éternels, tout comme l'eau, l'air et la lumière, qui sont notre construction élémentaire. Cette abondance de phénomènes sensoriels, de rêves, de mémoire, d'imagination, d'émotions et d'intuition provient de ce réservoir d'expériences, ancré dans les coins de nos yeux, dans la plante de nos pieds, dans le lobe de nos oreilles, dans le timbre de notre voix, dans le murmure de notre souffle et dans la paume de nos mains. » Convoquant l'ombre et la lumière, la légèreté et la gravité, le bois, la brique, la terre, la pierre ou encore l'eau, l'architecte dessine une traversée sensorielle, en résonance avec la matière. Elaborée au rythme du souffle et façonnée à la main, l'exposition déploie une installation composée de fragments d'architectures. [...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Christine Kuan is the President and Creative Director of Creative Capital. Before joining Creative Capital, Christine Kuan was CEO and Director of Sotheby's Institute of Art, where she oversaw the Master's Degree programs in Art Business, Contemporary Art, and Fine & Decorative Art & Design, as well as the Online, Summer, and Pre-College programs. In this role, she established new programs and partnerships with Tsinghua University in Beijing, Ewha University in Seoul, Centro University in Mexico City, and ESCP Business School in Paris. Kuan also launched a new scholarship program in partnership with Spelman College at the Atlanta University Center Consortium (AUCC). Prior to Sotheby's Institute, she was the Chief Curator and Director of Strategic Partnerships at Artsy, where she oversaw museum and institutional partnerships, digital collection strategy, open access policy, educational initiatives, and launched their auctions business, including benefit auctions such as Whitney Art Party, Brooklyn Museum Artists Ball, ICI Benefit, Public Art Fund Benefit, Sotheby's x Planned Parenthood. Notably, Kuan established more than 500 museum and institutional partnerships worldwide, including Musée du Louvre, Musée Picasso, Musée d'Orsay, SFMOMA, J. Paul Getty Museum, Smithsonian Cooper-Hewitt Museum, Diebenkorn Foundation, Rauschenberg Foundation, Frankenthaler Foundation, Fondation Cartier, and more. Prior to Artsy, Kuan was Chief Curatorial Officer and Vice President of External Affairs at Artstor, a nonprofit image library founded by The Andrew W. Mellon Foundation, where she led digital collections acquisitions and the funding for the digitization of archives and collections. She has also served as Editor-in-Chief of Oxford Art Online/Grove Art Online at Oxford University Press, where she significantly expanded scholarly information on women artists and Asian contemporary artists working with guest editors Whitney Chadwick and Melissa Chiu, commissioning biographies on Faith Ringgold, Judy Chicago, Ai Weiwei, Cai Guo-Qiang, and others. Kuan has also worked at The Metropolitan Museum of Art in the Department of Asian Art and the General Counsel's Office, and she has taught English Literature and Writing at the University of Iowa, Peking University, Rutgers University, and guest lectured at Stanford University's pilot program of Arts Leadership. She has been interviewed by The New York Times, Wall Street Journal, Refinery29, Vogue, New York, China Global Television Network (CGTN), and other outlets. Kuan's publications include: Creative Legacies: Artists' Estates and Foundations (eds. Kathy Battista and Bryan Faller); Rights and Reproductions: The Handbook for Cultural Institutions (ed. Anne Young), Digital Heritage and Culture: Strategy and Implementation (eds. Herminia Din and Steven Wu), Guest Critic May 2022 for The Brooklyn Rail, and Best Practices Guide for Artist Demographic Data Coordination (Association of Art Museum Curators Foundation). She has lectured and published extensively on digital strategy, museum policy, and new technologies for the art world. Kuan holds an MFA in Creative Writing Poetry from the University of Iowa Writers' Workshop, and a BA in Art History and English Literature from Rutgers University. Creative Capital: https://creative-capital.org/ theartcareer.com⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠ Christine Kuan:⁠ ⁠⁠@kuannyc Follow us: ⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠@theartcareer⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠ Podcast host: ⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠@emilymcelwreath_art⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠ Editing: ⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠@benjamin.galloway⁠⁠ The Art Career is supported by ⁠The New York Studio School⁠

“Dance Talk” ® with Joanne Carey and special guest, Serge Laurent, Van Cleef & Arpels' Director of Dance and Culture Program In this episode of  “Dance Talk” ® with Joanne Carey,  join host Joanne Carey as she chats with Special Guest, Serge Laurent Van Cleef & Arpels' Director of Dance and Culture Program. Listen in as Joanne and Serge discuss Van Cleef & Arpels initiative, Dance Reflections, and its commitment to uphold the long history of support it has to the world of dance. Serge offers a profound insight into the way in which dance, movement and choreography appeal to such a wide audience by bringing all the artistic disciplines together to offer a unique and cultural experience to the viewer. He discusses Van Cleef & Arpels commitment to its mission of Creation, Transmission and Education. Serge Laurent was educated in Art History and Archeology at Ecole du Louvre, Paris, France. Monsieur Laurent spent twenty years at the Fondation Cartier pour l'Art Contemporain as well as the Centre Pompidou in Paris. Since 2019, Serge Laurent has been in charge of the Dance and Culture Program at Van Cleef & Arpels. Follow on Instagram @vancleefarpels Find out more about Dance Reflections ⁠https://www.dancereflections-vancleefarpels.com/en/mission Follow Joanne Carey on Instagram @westfieldschoolofdance And follow  “Dance Talk” ® with Joanne Carey wherever you listen to your podcasts. Tune in. Follow. Like us. And Share. Please leave us review about our podcast  “Dance Talk” ® with Joanne Carey "Where the Dance World Connects, the Conversations Inspire, and Where We Are Keeping Them Real."

Micaela et moi sommes à Poitiers et, pendant cette semaine, je vous propose une grande balade à vélo dans Paris avec mon amie Isabelle. La balade est assez longue donc, je vous propose de la déguster en plusieurs fois. Et n'hésitez pas à nous faire part à Isabelle et à moi de vos aventures à vélo, à Paris ou ailleurs, cela nous fera extrêmement plaisir.  Bon êtes-vous prêts? C'est parti !  www.onethinginafrenchday.com  

L'artiste australien Ron Mueck est en majesté à la Fondation Cartier à Paris. Œuvres monumentales où l'infime détail de l'anatomie humaine est représenté jusqu'au moindre poil ou œuvres minimalistes tout aussi réalistes. On y retrouve aussi des sculptures de groupe plus récentes où l'animal : chiens et cochons s'invitent à présent aux côtés des humains. Des sculptures fascinantes et mystérieuses qui révèlent tout le parcours d'un artiste singulier dont on peut découvrir la dernière installation la plus gigantesque qu'il a réalisée, composée d'une centaine de crânes à la taille démesurée.

L'artiste australien Ron Mueck est en majesté à la Fondation Cartier à Paris. Œuvres monumentales où l'infime détail de l'anatomie humaine est représenté jusqu'au moindre poil ou œuvres minimalistes tout aussi réalistes. On y retrouve aussi des sculptures de groupe plus récentes où l'animal : chiens et cochons s'invitent à présent aux côtés des humains. Des sculptures fascinantes et mystérieuses qui révèlent tout le parcours d'un artiste singulier dont on peut découvrir la dernière installation la plus gigantesque qu'il a réalisée, composée d'une centaine de crânes à la taille démesurée.

Chaque semaine, Sortiraparis vous propose une sélection de sorties à faire à Paris et en Ile-de-France ! ©Musique proposée par La Musique Libre/Jazz In Paris - Media Right Productions/Rizhlaine Ferfar/Laurent Pradal

“Ron Mueck” à la Fondation Cartier pour l'art contemporain, Paris, du 8 juin au 5 novembre 2023Interview de Aby Gaye, chargée du projet d'exposition à la Fondation Cartier pour l'art contemporain, par Anne-Frédérique Fer,à Paris, le 6 juin 2023, durée 16'47, © FranceFineArt.https://francefineart.com/2023/06/08/3452_ron-mueck_-fondation-cartier/Communiqué de presseCommissariat :Commissaire d'exposition : Hervé ChandèsCommissaire associé : Charlie ClarkeChargée du projet d'exposition : Aby GayeDu 8 juin au 5 novembre 2023, la Fondation Cartier pour l'art contemporain invite le sculpteur australien Ron Mueck à exposer un ensemble d'oeuvres jamais montrées en France aux côtés d'oeuvres emblématiques de sa carrière. Les publics découvriront son installation monumentale Mass (2017), présentée pour la toute première fois hors d'Australie, ainsi qu'une sculpture de grande dimension conçue pour l'occasion. Avec cette troisième exposition témoignant de l'évolution récente de la pratique de Ron Mueck, la Fondation Cartier poursuit un dialogue au long cours avec cet artiste qu'elle a révélé au public français en 2005 et dont les oeuvres sont aussi rares qu'attendues.Né en 1958 à Melbourne et vivant au Royaume-Uni depuis 1986, Ron Mueck développe une œuvre qui touche à l'universel et renouvelle profondément la sculpture figurative contemporaine. Il crée des oeuvres aux dimensions surprenantes et empreintes d'une inquiétante étrangeté. De nombreux mois, et parfois plusieurs années, lui sont nécessaires pour créer chacune de ses sculptures. Ron Mueck a réalisé en un peu plus de 25 ans un corpus de quarante-huit oeuvres, dont les dernières sont achevées au printemps 2023 pour l'ouverture de l'exposition.L'exploration d'un nouveau processus de créationPar son échelle et sa facture, l'installation monumentale Mass marque un nouveau jalon dans la carrière de Ron Mueck. Cette oeuvre, commandée par la National Gallery of Victoria (Melbourne, Australie) en 2017, est la plus grande qu'il ait jamais réalisée. Composée de cent gigantesques crânes humains, Mass est reconfigurée par l'artiste en fonction de l'espace pour chaque présentation. Elle offre une expérience physique et psychique fascinante qui nous amène à contempler les notions fondamentales de l'existence humaine. Son titre donne à lui seul une idée de la polysémie de l'oeuvre. Le mot anglais « mass », signifiant à la fois un amas, un tas, une foule, mais aussi une messe, est une source d'interprétations propres à chaque visiteur. L'iconographie du crâne elle-même est ambiguë. Si l'histoire de l'art l'associe à la brièveté de la vie humaine, elle est aussi omniprésente dans la culture populaire. Pour l'artiste, « le crâne humain est un objet complexe, une icône puissante, graphique, que l'on identifie immédiatement. Familier et étrange à la fois, il rebute autant qu'il intrigue. Il est impossible à ignorer, accaparant inconsciemment notre attention ». Les crânes se présentent comme un groupe, une somme d'individus qui s'impose au visiteur. En cela, Mass se distingue des précédentes oeuvres de Ron Mueck qui avait, jusqu'alors, toujours représenté l'être humain dans son individualité.Également exposé pour la première fois en France, Dead Weight (2021), un crâne en fonte de près de deux tonnes, contraste avec ses œuvres habituellement naturalistes. Les traces du moulage de cette sculpture demeurent, l'artiste ayant volontairement laissé les marques de sa fabrication et la nature brute du matériau parler d'elles-mêmes.[...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Dans ce premier épisode d'une série consacrée au droit de l'environnement dans l'art, nous parlerons des rapports entre artiste et institutions et de la question de l'attribution de personnalité juridique à la nature. Regards croisés entre Jeanne Barral, conservatrice à la Fondation Cartier et Magali Lafourcade secrétaire générale de la Commission nationale consultative des droits de l'Homme, sur l'œuvre « La Vallée » de Fabrice Hyber, en marge de son exposition école actuellement à la Fondation Cartier jusqu'au 30 avril 2023. The post « La Vallée » de Fabrice Hyber : propriété et personnalité juridique de la nature first appeared on Amicus radio.

durée : 00:52:49 - L'Heure bleue - "On peut apprendre des choses par les œuvres", c'est ainsi que l'artiste Fabrice Hyber explique le format très particulier choisi pour accueillir la soixantaine de ses œuvres peintes à la Fondation Cartier, jusqu'à la fin du mois d'avril. Visite guidée de "La Vallée" dans l'Heure Bleue.

Intitulées Les Voix de la Vallée, ces rencontres prennent la forme d'un dialogue entre deux experts en leur domaine, comme par exemple une sportive et un philosophe, ou une écrivaine et un ingénieur forestier - qui vont réfléchir à deux voix autour des hypothèses artistiques proposées par Fabrice Hyber dans ses œuvres. Enregistrées in situ à la Fondation Cartier et réalisée en collaboration avec Duuu Radio, ces atypiques cours du soir deviennent des podcasts à réécouter sur le bien nommé cHyber espace...https://duuuradio.fr/https://www.fondationcartier.com/voix-de-la-valleePhoto de Une : Ariel Kyrou, Fabrice Hyber et Olivier Schwartz à la Fondation Cartier à Paris © Raphaëlle Pluskwa Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

This episode is also available as a blog post: https://thecitylife.org/2023/01/15/the-fondation-cartier-pour-lart-contemporain-and-the-shed-present-the-north-american-debut-of-the-yanomami-struggle/ --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/citylifeorg/message Support this podcast: https://podcasters.spotify.com/pod/show/citylifeorg/support

À Paris, la Fondation Cartier pour l'art contemporain s'est transformée en salle de classes pour mieux présenter les peintures de l'artiste français Fabrice Hyber, souvent de très grands formats panoramiques comme ses « paysages biographiques » qui racontent en dessin et en couleurs la vie de proches disparus. Depuis 30 ans, Fabrice Hyber sème une forêt en Vendée, la vallée, un lieu qui irrigue toute son œuvre.

À Paris, la Fondation Cartier pour l'art contemporain s'est transformée en salle de classes pour mieux présenter les peintures de l'artiste français Fabrice Hyber, souvent de très grands formats panoramiques comme ses « paysages biographiques » qui racontent en dessin et en couleurs la vie de proches disparus. Depuis 30 ans, Fabrice Hyber sème une forêt en Vendée, la vallée, un lieu qui irrigue toute son œuvre.

In episode 243 UNP founder and curator Grant Scott is in his shed looking to the future whilst reflecting on the evolution of cameras, AI portraits and listening to photo talk. Plus this week, photographer Gautier Deblonde takes on the challenge of supplying Grant with an audio file no longer than 5 minutes in length in which he answer's the question ‘What Does Photography Mean to You?' Gautier Deblonde is a French photographer, renowned for his portraits of key international artists and a practice that is situated between reportage and documentary. Born and raised in France, he moved to London in 1991 to work as a photographer. He works closely with his artist subjects, photographing their working spaces and in doing so their contributions to the art world. Deblonde's subjects include Damien Hirst, Gilbert & George, Jeff Koons, Antony Gormley and Ron Mueck. His book Atelier, published by Steidl, captured sixty-nine artist studios in panorama, providing a glimpse behind the scenes to the source of artistic creation, and his book Artists, published by Tate Gallery in 1999, brought together a number of his artist portraits. Projects have included True North (2009), a series about Svalbard in the High Arctic exhibited at Galerie du Jour Agnès B in Paris, and Still Life: Ron Mueck at Work (2013), a documentary film commissioned by the Fondation Cartier. Deblonde's photographs of the creation and installation into the Millennium Dome of Ron Mueck's sculpture Boy won a World Press Award and were published in 2001. His works have been exhibited in a number of museums and galleries including Le Petit Palais in Paris, Tate Britain and the National Portrait Gallery in London. www.gautierdeblonde.com Dr. Grant Scott is the founder/curator of United Nations of Photography, a Senior Lecturer and Subject Co-ordinator: Photography at Oxford Brookes University, Oxford, a working photographer, documentary filmmaker, BBC Radio contributor and the author of Professional Photography: The New Global Landscape Explained (Routledge 2014), The Essential Student Guide to Professional Photography (Routledge 2015), New Ways of Seeing: The Democratic Language of Photography (Routledge 2019). His film Do Not Bend: The Photographic Life of Bill Jay was first screened in 2018 www.donotbendfilm.com. He is the presenter of the A Photographic Life and In Search of Bill Jay podcasts. © Grant Scott 2022

In questo audio il prezioso incontro con Sergio Risaliti storico curatore e Paola Randi regista. L'intervista è in Contemporaneamente di Mariantonietta Firmani, il podcast pensato per Artribune.In Contemporaneamente podcast trovate incontri tematici con autorevoli interpreti del contemporaneo tra arte e scienza, letteratura, storia, filosofia, architettura, cinema e molto altro. Per approfondire questioni auliche ma anche cogenti e futuribili. Dialoghi straniati per accedere a nuove letture e possibili consapevolezze dei meccanismi correnti: tra locale e globale, tra individuo e società, tra pensiero maschile e pensiero femminile, per costruire una visione ampia, profonda ed oggettiva della realtà. Con Sergio Risaliti e Paola Randi parliamo di cinema e musei, sogni e mecenati. Il museo nasce, come istituzione democratica, all'interno di un progetto di indirizzo culturale della collettività, in un costante processo evolutivo. Nel cinema è fondamentale lo spirito di sperimentazione, ma anche di conoscenza della storia. Il museo misura il grado di evoluzione culturale e civile di un luogo, città, nazione. Il Centre Pompidou ha dato un impulso innovativo straordinario al concetto di museo, rispecchiando il differente approccio culturale francese. Il cinema struttura l'inconscio collettivo, nel tentativo di conservare per sempre l'emozione intuita e narrata dall'autore, attraverso l'illusione, e molto altro.ASCOLTA L'INTERVISTA!! GUARDA IL VIDEO!! https://youtu.be/tvO4GE0Nqc4 BREVI NOTE BIOGRAFICHE DEGLI AUTORISergio Risaliti laurea in Lettere e filosofia a Firenze, è storico dell'arte, dal 2018 direttore Artistico del Museo del Novecento di Firenze, ideatore e curatore di mostre ed eventi. Ha fondato e diretto sedi espositive pubbliche e private tra cui “Palazzo delle Papesse” a Siena e “Quarter Centro per l'Arte Contemporanea” a Firenze. Tra le molte mostre ideate e curate si ricordano, “Bacon Beuys Burri”, “La collezione della Fondation Cartier”, “Pascali e Savinio”, “Le Repubbliche dell'Arte”. Curatore del nuovo allestimento del museo Marca di Catanzaro, della mostra “Jeff Koons. In Florence”, Piazza Signoria e Palazzo Vecchio. Con Achille Bonito Oliva ha curato “De Gustibus”, Siena, e “Orizzonti. Belvedere dell'Arte”, Firenze. Nel biennio 2020/2021 è stato nominato guest curator della sezione di arte contemporanea del Museo e Real Bosco di Capodimonte a Napoli. Manager culturale per aziende e fondazioni private come: Cartier, Armani, Ferragamo, Sammontana, Ferrari, Bulgari, The Charming Hotel, Banca del Chianti. Ha collaborato con la Galleria Christian Stein a Milano, già membro nel comitato scientifico di Frac Rhône-Alpes, Lyon e di Galleria d'Arte Moderna, Bologna. Scrittore e giornalista collabora regolarmente con “Il Venerdì” di Repubblica, “Il Corriere fiorentino”, “Arte Mondadori”. Curatore di pubblicazioni come il censimento dell'arte giovane italiana “Espresso”, “Toscana contemporanea”; libri d'artista di Giulio Paolini, il Catalogo generale della grafica di Fausto Melotti, e altri. Paola Randi regista e sceneggiatrice, laurea in Giurisprudenza, parallelamente, studia arte, musica e teatro. Lavora per ONG internazionali per il sostegno delle donne nell'economia e fonda e dirige, la rivista TTR, che dal 1996 al 2000 dà il nome a un festival internazionale di teatro di ricerca. Dal 2003 si dedica esclusivamente al cinema. Ha scritto e diretto lungometraggi, corti, documentari, video sperimentali, di animazione e serie tv. Il primo film “Into Paradiso”, riceve numerosi riconoscimenti al Festival di Venezia, Miglior Film al Festival Bimbi Belli di Nanni Moretti. E quattro nomination ai David di Donatello: Miglior Regista Esordiente ed Effetti Speciali, Scenografia e Musiche. Vince il Nastro d'Argento per il miglior soggetto con il secondo film, “Tito e gli alieni”, presentato al Festival di Torino 2017. Docente in masterclass, al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, all'Università di Oxford, all'Università di Roma Tor Vergata, all'Università della Tuscia. Ed anche alla Wake Forest University, alla Roma Film Academy; è nella giuria del Premio Solinas, “Storie per il Cinema” 2012 e 2017. Insegna alla Griffith e alla RUFA. Ha ideato e diretto “Il Pilota”, workshop per la creazione di una serie per il web in collaborazione con Il Kino. Ha diretto per Netflix la serie “Luna Nera” (Ep. 5 e 6) e la serie “Zero” (ep.1, 3). Ultima regia “La Befana vien di notte - le origini” per Lucky Red scritto da Nicola Guaglianone e Menotti.

“Fabrice Hyber” La Valléeà la Fondation Cartier pour l'art contemporain, Parisdu 8 décembre 2022 au 30 avril 2023Interview de Jeanne Barral, conservatrice à la Fondation Cartier pour l'art contemporain et commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 31 mai 2022, durée 19'32.© FranceFineArt.https://francefineart.com/2022/12/08/3361_fabrice-hyber_fondation-cartier/Communiqué de presseCommissariat :Jeanne Barral, assistée de Margaux Knight« J'ai toujours considéré que mes peintures étaient comme des tableaux de classe, ceux sur lesquels nous avons appris à décortiquer nos savoirs par l'intermédiaire d'enseignants ou de chercheurs. On y propose d'autres mondes, des projets possibles ou impossibles. Dans cette exposition, j'ai choisi d'installer des oeuvres à la place de tableaux d'une possible école. » Fabrice HyberDu 8 décembre 2022 au 30 avril 2023, la Fondation Cartier pour l'art contemporain présente La Vallée, une grande monographie consacrée à la peinture de Fabrice Hyber. Dans ses toiles peintes « du bout des doigts », l'artiste français donne à voir le déploiement d'une pensée libre et vivante. Réunissant une soixantaine de toiles dont près de vingt oeuvres produites spécifiquement pour l'exposition, Fabrice Hyber crée au sein de la Fondation Cartier une école ouverte à toutes les hypothèses. Le visiteur est invité à traverser différentes salles de classe selon un parcours qui suit les méandres de la pensée de l'artiste.Artiste, semeur, entrepreneur, poète, Fabrice Hyber est l'auteur d'oeuvres prolifiques précisément répertoriées. Faisant fi des catégories, il incorpore dans le champ de l'art tous les domaines de la vie, des mathématiques aux neurosciences, en passant par le commerce, l'histoire, l'astrophysique, mais aussi l'amour, le corps et les mutations du vivant.DE LA VALLÉE À L'OEUVRELes multiples dimensions de l'art de Fabrice Hyber trouvent leur origine dans la forêt qu'il fait pousser depuis les années 1990 au coeur du bocage vendéen, autour de l'ancienne ferme de ses parents, éleveurs de moutons. Les quelque 300 000 graines d'arbres, de plusieurs centaines d'essences différentes, semées selon une technique patiemment mise au point, ont transformé progressivement les terres agricoles en une forêt de plusieurs dizaines d'hectares. Le paysage est devenu oeuvre. « Avec la Vallée, je voulais d'abord reconstituer un paysage arboré autour de la ferme de mes parents pour créer une barrière naturelle avec l'agriculture industrielle environnante et ceux qui la développaient. Chaque fois que quelque chose se met en place, je porte mon regard ailleurs pour trouver des choix alternatifs. C'est systématique. » Lieu d'apprentissage, d'expérimentation, de refuge, la Vallée est devenue la matrice et la source d'inspiration de l'ensemble de l'œuvre de l'artiste, qui compare volontiers sa pratique avec la croissance organique du vivant : « Au fond je fais la même chose avec les oeuvres, je sème les arbres comme je sème les signes et les images. Elles sont là, je sème des graines de pensée qui sont visibles, elles font leur chemin et elles poussent. Je n'en suis plus maître. »[...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Michael McClard arrived in New York in 1973 with a BFA from the San Francisco Art Institute, where he also won a Peabody Award in Sculpture. He soon made his mark on the art scene as a member of a highly original group of young artists who helped to revive an interest in painting and visual performance. He was a founding member of the noted artists' support  group Colab and its first chairman. Sidestepping the confines  of abstract conceptual art,  McClard's work seethes with figurative content; yet it has nevertheless retained a conceptual element and mines a strong vein of humor. During the 70s he staged provocative  performances such as « Foes v. Foes » at the Kitchen and  surreal, carnivalesque installations at venues such as the Clocktower (« There's Meat on these Bones ») ; PS 1, Institute for Art and Urban Resources,  De Appel, Amersterdam and N.A.M.E Gallery, Chicago. For these presentations, he constructed all sets and props and performed, often as sole actor. His one-act play, « Mumbo Jumbo, » was published in Avalanche 12, Winter 1975. In October 1981, his first large-scale one-man show of paintings and frescoes took place at Mary Boone, occupying both galleries on either side of West Broadway. Drawing on sources from  mythology, history and  everyday life, he created a pantheon of imaginary characters, notable for their tactile raw energy, range of facial expressiveness and astute power of observation. Also featured were  inventive depictions of historical scenes,  acclaimed by critics such as Grace Glueck of the New York Times for their verve and by Hal Foster of Art in America for their metaphysical insights. Many of these works were acquired by New York and Los Angeles public and private collectors. During this period  McClard was also awarded two fellowships by the National Endowment for the Arts, in Visual Arts and Mixed Media. In the 90s McClard took a temporary hiatus from painting to explore new media. He embraced the digital revolution and applied his draughtsmanship skills to the creation of original software with his brother Peter McClard through their dotcom enterprise, Hologramophone Research.  The computer installation «Characters» furthered his interest in human physiognomy by generating an unlimited sequence of drawings of faces and was exhibited in « A visage découvert, » Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, Jouy-en Josas, France. The book mentioned in the interview: Leavings: Memoir of a 1920s Hollywood Love Child. “I Might Have to Bite You” 1983, pastel on Strathmore, 24” x 18” “Hello Darling” 1983, pastel on Strathmore, 24” x 18” “Miss Bozzart” 1983, pastel on Strathmore, 24” x 18”

Bernie Krause est un artiste et chercheur qui a commencé dans la musique avant de se découvrir une vocation : enregistrer les sons de la nature. Il en a fait des partitions, présentées dans une installation intitulée "Le grand orchestre des animaux". Parce qu'aujourd'hui cette oeuvre est plus que j'amais d'actualité, j'avais envie de vous en parler ! Et désormais, tout Bulle d'Art se trouve sur www.bulle-dart.fr ! 

durée : 00:58:18 - Plan large - par : Antoine Guillot - Aujourd'hui dans Plan Large, nous recevons Marie Perennès, Simon Depardon, réalisatrice et réalisateur de "Riposte féministe", la cinéaste Icíar Bollaín pour "Les Repentis", et aussi Albert Serra, et Sophie-Catherine Gallet. - invités : Simon Depardon Documentariste; Maria Perennès conservatrice à la Fondation Cartier pour l'art contemporain, réalisatrice; Icíar Bollain réalisatrice espagnole; Albert Serra Réalisateur; Sophie-Catherine Gallet Collaboratrice à France Culture, critique de cinéma à Revus et corrigés, cinéaste

durée : 00:58:18 - Plan large - par : Antoine Guillot - Aujourd'hui dans Plan Large, nous recevons Marie Perennès, Simon Depardon, réalisatrice et réalisateur de "Riposte féministe", la cinéaste Icíar Bollaín pour "Les Repentis", et aussi Albert Serra, et Sophie-Catherine Gallet. - invités : Simon Depardon Documentariste; Maria Perennès conservatrice à la Fondation Cartier pour l'art contemporain, réalisatrice; Icíar Bollain réalisatrice espagnole; Albert Serra Réalisateur; Sophie-Catherine Gallet Collaboratrice à France Culture, critique de cinéma à Revus et corrigés, cinéaste

Malgré l'avancée des luttes féministes, l'idée reçue selon laquelle les femmes ne peuvent pas s'entendre perdure. Aux confins de rivalités supposées, de sexisme intériorisé et de compétition pour le regard masculin, ces représentations d'une entente dite impossible entre les femmes ne sert qu'une idéologie : celle du patriarcat. Dans ce dernier épisode avant l'été, Clémentine et Pauline reviennent sur la mise en scène de ces conflits et sur les mécanismes de la misogynie dont peuvent faire preuve certaines femmes dans le milieu du travail et dans la pop culture. Références entendues dans l'épisode“Plainte pour viol contre Gérald Darmanin: le dossier est relancé”, Mediapart, 11 juin 2020. “« D'homme à homme » : l'expression de Macron pour défendre Darmanin fustigée par des féministes”, l'Obs, 15 juillet 2020. La crise de la masculinité, Francis Dupuis-Déri (Remue Ménage, 2018.)La sociobiologie selon Edward O. Wilson est une discipline étudiant les bases biologiques présumées des comportements sociaux répertoriés dans le règne animal.“Non Compete Clause”, The Baffler, 12 octobre 2017. “Why Women Compete With Each Other”, The New York Times, 31 octobre 2015. Pride and Prejudice réalisé par Joe Wright en 2005 et se basant sur le roman du même nom de Jane Austen. Pourquoi l'amour fait mal, l'expérience amoureuse dans la modernité, Eva Illouz, Seuil, 2006. Qui est miss Paddle ?, podcast de Judith Duportail, Pavillon Sonore, 2020. Mental FM, podcast d'Victoire Tuaillon, Arte Radio, 2018. Woman's Inhumanity to Woman, Phyllis Chessler, Chicago Review Press, 2009. “Passive Aggressive Pam”, Saturday Night Live, 2013. Feminist Fight club, A Survival Manual for a Sexist Workplace, Jessica Bennett, Harpen Collins, 2016. “The Persistent Myth of Female Office Rivalries”, Harvard Business Review, 2019. It's not you, it's the workplace, Andrea S. Cramer, Alton B. Harris, Nicolas Brealey Publishing, 2019. Latter-day Screens: Gender, Sexuality, and Mediated Mormonism, Brenda R. Weber, Duke University Press, 2019. Rivalités féminines au travail, Annik Houel, Odile Jacob, 2014. Valérie Pécresse au micro du Petit Journal, 15 mai 2015. “Concurrences professionnelles et stéréotypes de la rivalité féminine”, Le Genre Présidentiel, Frédérique Matonti, 2017. Le féminisme au-delà des idées reçues, Christine Bard, Le Cavalier Bleu, 2012. Antoinette Fouque, militante féministe et figure de proue du MLF l'enregistre en tant qu'association et marque en 1979. “Why Maria Sharapova's Rivalry With Serena Williams Echoes The Practiced Fragility of White Women”, Medium, 13 septembre 2017. Mrs. America est une série créée par Dahvi Waller en 2020. “Does Patriarchy Divide Women: The Importance Of Solidarity”, Feminism in India, 2019. Les Journalopes est un collectif français de six journalistes indépendantes. All about Eve est un film réalisé par Joseph L. Mankiewicz en 1950. La Favorite est un film réalisé par Yórgos Lánthimos en 2018. Mes meilleures amies (Bridesmaids) est un film réalisé par Paul Feig en 2011. “Why Bridesmaids just ain't funny”, Indie Wire, 20 juin 2018. La ligue des super-féministes, Mirion Malle, La Ville Brûle, 2019. Feud est une série de Ryan Murphy créée en 2017. L'Amie prodigieuse, Elena Ferrante, Gallimard, 2014. Princesse malgré elle est un film basé sur les livres de Meg Cabot réalisé par Garry Marshall en 2001. Selling Sunset est une téléréalité américaine produite par Netflix en 2019. The Real Housewives est une téléréalité américaine créée en 2005. Thirteen est un film réalisé par Catherine Hardwicke en 2003. Antéchrista, Amélie Nothomb, Albin Michel, 2003. Vicky Cristina Barcelona est un film réalisé par Woody Allen en 2008. Le numéro Sexe des Inrockuptibles, juillet 2020. L'exposition Claudia Andujar, Fondation Cartier. La playlist "QDM Summer 2020" sur Spotify.Quoi de Meuf est une émission de Nouvelles Écoutes, cet épisode est conçu et présenté par Clémentine Gallot et Pauline Verduzier mixé par Laurie Galligani. Générique réalisé par Aurore Meyer Mahieu. Montage et coordination Ashley Tola. Vous pouvez consulter notre politique de confidentialité sur https://art19.com/privacy ainsi que la notice de confidentialité de la Californie sur https://art19.com/privacy#do-not-sell-my-info.

Allez découvrir l'exposition consacrée Sally Gabori, qui est considérée comme l'une des plus grandes créatrices contemporaines australiennes. Elle s'est mise à peindre sur le tard, vers l'âge de 80 ans. On se rend compte qu'elle est très attachée à son île natale, celle de Bentinck. Y vit le dernier peuple côtier de l'Australie aborigène, en lien avec les colons européens. Ses toiles paraissent abstraites mais célèbrent des paysages. Toutes ces oeuvres sont des hymnes à son île natale. J'ai trouvé les couleurs parfois envahissantes. La rétrospective consacrée à Sally Gabori est à voir jusqu'au 6 novembre Rendez-vous à la Fondation Cartier pour l'art contemporain. Une photo Thibault Voisin

Jusqu'au 6 novembre 2022, la Fondation Cartier pour l'art contemporain à Paris expose les œuvres d'une des plus grandes artistes australiennes de ces 20 dernières années, Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori.  C'est la 1ère fois qu'une exposition personnelle lui est consacrée hors de son pays d'origine, et son histoire, en tant que femme, en tant qu'artiste, est unique.  L'histoire de Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori commence au début des années 20, sur une île au Nord de l'Australie, Bentick Island, habitée par un peuple aborigène, les Kaiadilt. Très isolés et attachés à leurs terres d'origine, ils sont l'une des dernières communautés à être entrés durablement en contact avec les colons européens. En 1948, un raz de marée dévastateur les contraint à quitter leur île. Pour survivre. Ils seront recueillis sur une île voisine, Mornington Island.  Arrachés à leur terre, ils perdent leurs repères et se retrouvent comme prisonniers sur cette île. A l'unisson de sa communauté, Sally Gabori vivra toute cette période entre désespoir et dénuement. C'est en 2005 que la vie de Sally Gabori va radicalement changer.  Alors qu'elle a dépassé les 80 ans, elle découvre la peinture dans le cadre d'un atelier. Pendant près de 10 ans, elle va représenter dans ses toiles, avec des couleurs vibrantes: la terre, le ciel, et la mer de son île natale, Bentick Island.  Très rapidement, elle acquiert une renommée nationale et internationale. Aujourd'hui, une trentaine de ses toiles sont accrochées, ici, à la Fondation Cartier pour l'art contemporain à Paris. Pour vous faire ressentir la force de la peinture de Sally Gabori, nous avons rencontré Juliette Lecorne, la commissaire de cette exposition, Nicholas Evans, anthropologue, linguiste spécialiste de la communauté Kaiadilt, et Bruce Johnson Mc Lean, Conservateur spécialiste de l'art aborigène à la National Gallery of Australia. Ecoutez l'incroyable histoire de Sally Gabori.   Soutenez-nous !

Ces chants, enregistrés en 2015 pour la collection Petites Planètes, sont ceux qu'on peut entendre en ouverture des cérémonies chamaniques du peuple Huni Kuin, une communauté autochtone qui vit au Brésil, dans l'État de l'Acre au nord-ouest du pays. Tout comme le peuple Yanomami ou le peuple Makuxi, les Huni Kuin vivent dans la forêt et considèrent que tout ce qui la compose est vivant. Animaux - humains ou non-humains - végétaux, minéraux, rivières, soleil, vent ou pluie… Tous cohabitent, en interdépendance, en respect et sans aucune hiérarchie. Ne plus penser “la nature” mais “le vivant”, considérer la philosophie et la culture chamanique comme de grandes alliées pour transformer notre manière d'être au monde et répondre aux enjeux écologiques du temps présent… C'est ce qui a guidé l'anthropologue Bruce Albert, la commissaire d'exposition Juliette Lecorne et la Fondation Cartier pour concevoir l'exposition “Les Vivants”, à découvrir au Tripostal à Lille jusqu'au 2 octobre. L'exposition réunit plus de 250 œuvres signées par de grands noms de l'art contemporain, de la brésilienne Solange Pessoa au bioacousticien américain Bernie Krause en passant par les travaux du botaniste français Francis Hallé. Mais surtout, et c'est tout l'intérêt des Vivants, les deux tiers des œuvres ont été réalisées par des artistes amérindiens contemporains. Jaider Esbell, Joseca ou encore Bane : tous ont à cœur de témoigner de la cosmologie de leur peuple, d'interpeller le monde des modernes et de valoriser leur culture sur le marché de l'art - et tout court - grâce à des œuvres, politiques, porteuses d'espoir et franchement, éblouissantes de beauté. “Les Vivants” vous transforment et nous y allons ensemble, en compagnie de Juliette Lecorne et avec les éclairages de l'anthropologue Bruce Albert depuis Montevideo en Uruguay. Notre politique de confidentialité GDPR a été mise à jour le 8 août 2022. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Elle s'appelle Sally Gabori, et son nom ne vous dit probablement rien. Cette peintre aborigène autodidacte, décédée en 2015, est désormais considérée comme une des grandes artistes contemporaines australienne. Son travail est à l'honneur à Paris à la Fondation Cartier qui présente trente de ses toiles dont plusieurs monumentales. C'est sa première exposition personnelle en Europe. Sur les cimaises de la fondation Cartier à Paris, de grandes toiles abstraites, des couleurs vives, éclatantes, vibrantes. Difficile d'imaginer qu'elles ont été peintes par une vieille dame aborigène de 80 ans qui n'avait jusqu'alors jamais touché à un pinceau. Elles représentent le monde disparu de Sally Gabori. Son véritable nom est Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori. « Mirdidingkingathi » signifie « qui est née à Mirdidingki », un lieu situé dans le sud de l'île Bentinck, au nord de l'Australie. « Juwarnda » désigne le dauphin, son animal totémique, comme le raconte Isabelle Gaudefroy, directrice artistique de la Fondation Cartier. L'exil en héritage Sally Gabori serait née vers 1924, elle appartient au peuple Kaiadilt, un des derniers à être entré en contact avec les colons européens. Elle a 24 ans lorsqu'elle est évacuée de son île, à la suite d'un cyclone, vers une mission presbytérienne sur l'île voisine de Mornington. Dorénavant, interdiction de parler le kayardilt, sa langue natale et les parents sont séparés des enfants. Un exil forcé, qui coupe radicalement tout un peuple de sa culture et de ses traditions. Sally Gabori ne pourra retourner chez elle que lorsque les droits territoriaux autochtones commenceront à être reconnus à partir des années 1990. Plusieurs toiles portent le nom de « Nyinyilki », un endroit très spécifique sur l'île Bentinck, explique Juliette Lecorne, commissaire de l'exposition. « Un lieu associé à la lutte politique du peuple Kaiadilt pour la reconnaissance des droits sur leurs terres. À partir des années 1980 se déploie en Australie un mouvement de reconnaissance des droits des terres aborigènes et à partir des années 1990 s'installe à Nyinyilki une "Outstation", un campement sommaire qui va permettre aux Kaiadilt – qui sont toujours isolés sur l'île de Mornington – de retourner plus fréquemment sur l'île Bentinck, afin de pouvoir se reconnecter à cette terre. » La peinture par hasard et avec frénésie Durant les neuf dernières années de sa vie, Sally Gabori va peindre plus de 2 000 toiles, un travail compulsif, une cartographie mentale des lieux et une célébration des paysages de son île natale tout autant que des membres de sa famille. C'est Dibirdibi qu'elle a le plus souvent représenté, une célébration des mythes fondateurs de la création de l'île Bentinck qui s'est séparée du continent australien il y a 6 000 ans. Dibirdibi est un ancêtre poisson qui aurait façonné l'île, une entité spirituelle, associée à son mari, Pat Gabori, dont elle est la deuxième épouse et avec qui elle a eu onze enfants. Plusieurs de ses toiles portent également le nom de Thundi, lieu sacré de la naissance de son père. « Les mouvements et les mutations de la couleur sur les toiles font écho à des mouvements climatologiques et météorologiques de l'île Bentinck comme les "Morning Glories", ces nuages cylindriques qui se déploient sur des kilomètres et que l'on peut retrouver dans certains mouvements de ses tableaux », précise Juliette Lecorne. Sally Gabori tient son pinceau dans son poing serré et peint ses touches d'acrylique sur une couche de fond qui n'est pas encore sèche, les couleurs commencent alors à muer et lui permettent de montrer des mouvements du vent, des réverbérations de lumière dans l'eau ou le ciel. Elle produira aussi plusieurs œuvres, avec d'autres femmes qui, comme elle, ont connu l'exil. Deux grandes toiles collaboratives, de plus de six mètres de long, ont fait le voyage jusqu'à Paris. Sally Gabori est aujourd'hui considérée comme l'une des plus grandes peintres contemporaines australiennes. Son œuvre unique aux couleurs chatoyantes est sans attache apparente avec d'autres courants esthétiques, notamment au sein de la peinture aborigène. Ses toiles sont le fruit de ses souvenirs, des lieux tels qu'elle les a connus et les a vécus avant son exil et après son retour. Chemins, rivières, montagnes, ou encore, sous la forme de larges arcs de cercles noirs, les pièges à poisson de tradition kaiadilt. ► Exposition Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori, jusqu'au 6 novembre 2022 à la Fondation Cartier

COLORI DELL'UNIVERSO L'Astrofotografia alla scoperta di meraviglie sorprendenti BIOFILIA , a Genova e' in corso la Biennale di Arte e Ambiente, un'esposizione diffusa che trasforma la citta' in un museo a cielo aperto LO SCIOPERO DELLA CULTURA il libro di Laura Raicovich riflette su impegno e identita' dei Musei : non sono e non possono essere neutrali Il mistero nel mondo reale visitiamo la mostra di Fondation Cartier alla 23à Esposizione internazionale alla Triennale

“Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori“à la Fondation Cartier pour l'art contemporain, Parisdu 3 juillet au 6 novembre 2022Interview de Juliette Lecorne, curator à la Fondation Cartier pour l'art contemporain et commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 5 juillet 2022, durée 19'01.© FranceFineArt.Communiqué de presse Commissariat : Juliette Lecorne, curator à la Fondation Cartier pour l'art contemporainDu 3 juillet au 6 novembre 2022, la Fondation Cartier pour l'art contemporain présente la première exposition personnelle de l'artiste aborigène Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori hors de l'Australie.Considérée comme l'une des plus grandes artistes contemporaines australiennes de ces deux dernières décennies, Sally Gabori commence à peindre en 2005, vers l'âge de 80 ans, et atteint rapidement une renommée artistique nationale et internationale. En quelques années d'une rare intensité créatrice, jusqu'à sa disparition en 2015, elle élabore une oeuvre unique aux couleurs vibrantes sans attache apparente avec d'autres courants esthétiques, notamment au sein de la peinture aborigène contemporaine. Réunissant une trentaine de peintures monumentales, l'exposition est réalisée en étroite collaboration avec la famille de l'artiste et la communauté kaiadilt, ainsi qu'avec les plus grands spécialistes de l'art et de la culture kaiadilt. Ils seront présents à Paris à l'occasion de son inauguration pour rendre hommage à cette artiste dont l'oeuvre fascine par son caractère spontané, lumineux et profondément original. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

In this episode of PhotoWork with Sasha Wolf, Sasha and photographer, Wendy Red Star discuss how making work that is meaningful, informative, and healing is not the same as making work that has to explain everything to the audience, especially when there may be expectations that you are a representative of a larger group of people. Wendy and Sasha also talk about the excitement of creating her first monograph, Delegation published by Aperture. https://www.wendyredstar.com https://aperture.org/books/wendy-red-star-delegation/ Paris Photo/Aperture Foundation PhotoBook Awards Entry Initiated in November 2012 by Aperture Foundation and Paris Photo, the Paris Photo–Aperture Foundation PhotoBook Awards celebrate the photobook's contribution to the evolving narrative of photography, with three major categories: First PhotoBook, PhotoBook of the Year, and Photography Catalogue of the Year. https://aperture.org/calls-for-entry/photobook-awards/ Wendy Red Star lives and works in Portland, OR. Red Star has exhibited in the United States and abroad at venues including the Metropolitan Museum of Art (New York, NY), Brooklyn Museum (Brooklyn, NY), both of which have her works in their permanent collections; Fondation Cartier pour l'Art Contemporain (Paris, France), Domaine de Kerguéhennec (Bignan, France), Portland Art Museum (Portland, OR), Hood Art Museum (Hanover, NH), St. Louis Art Museum (St. Louis, MO), Minneapolis Institute of Art (Minneapolis, MN), the Frost Art Museum (Miami, FL), among others. Her work is in the permanent collections of the Museum of Modern Art (New York, NY), the Metropolitan Museum of Art (New York, NY), the Whitney Museum of American Art (New York, NY), the Amon Carter Museum of American Art (Fort Worth, TX), the Denver Art Museum (Denver, CO), the Ruth and Elmer Wellin Museum of Art at Hamilton College (Clinton, NY), the Baltimore Museum of Art (Baltimore, MD), the Fralin Museum of Art at the University of Virginia (Charlottesville, VA), the Nasher Museum of Art at Duke University (Durham, NC), the Birmingham Museum of Art (Birmingham, AL), the Williams College Museum of Art (Williamstown, MA), the Memorial Art Gallery of the University of Rochester (Rochester, NY), and the British Museum (London, UK), among others. She served a visiting lecturer at institutions including Yale University (New Haven, CT), the Figge Art Museum (Davenport, IA), the Banff Centre (Banff, Canada), National Gallery of Victoria in Melbourne (Melbourne, Australia), Dartmouth College (Hanover, NH), CalArts (Valencia, CA), Flagler College (St. Augustine, FL), and I.D.E.A. Space in Colorado Springs (Colorado Springs, CO). In 2017, Red Star was awarded the Louis Comfort Tiffany Award and in 2018 she received a Smithsonian Artist Research Fellowship. Her first career survey exhibition “Wendy Red Star: A Scratch on the Earth” was on view at the Newark Museum in Newark, New Jersey through May 2019, concurrently with her first New York solo gallery exhibition at Sargent's Daughters. Red Star is currently exhibiting at the Museum of Contemporary Art Chicago (Chicago, IL), The Broad (Los Angeles, CA), Santa Cruz Museum of Art & History (Santa Cruz, NM), The Drawing Center (New York, NY), The Rockwell Museum (Corning, NY), amongst others. Her new solo exhibition American Progress is on view at the Anderson Collection at Stanford University (Stanford, CA) through August 2022. Red Star holds a BFA from Montana State University, Bozeman, and an MFA in sculpture from University of California, Los Angeles. She is represented by Sargent's Daughters. Find out more at https://photowork.pinecast.co

Je vous recommande aujourd'hui l'exposition de la photographe Graciela Iturbide, qui s'intitule «Heliotropo 37 ». Le titre fait référence à la rue où se situe son studio à Mexico. C'est la première rétrospective en France consacrée à cette photographe mexicaine. Elle a une approche documentaire des choses, mais elle apporte aussi une dimension poétique. Elle a connu la notoriété en immortalisant les Indiens Seris du désert de Sonora. L'artiste a été inspirée par ses différents voyages. Elle parvient à transcender le quotidien. J'aime l'humanité qui se dégage de ses photographies. «Heliotropo 37 » de Graciela Iturbide, c'est jusqu'au 29 mai à la Fondation Cartier pour l'art contemporain dans le 14ème, métro Raspail

Bernie Krause has been listening to the world for decades, travelling from one end of the Earth to the other to capture the sounds that make each habitat unique: their biophony. His installation piece, The Great Animal Orchestra—created in association with Fondation Cartier pour l'art contemporain and presented as part of the Biennale of Sydney—gives listeners a chance to travel with him. In the Drawing Room, Krause explains why listening helps his ADHD and how sound can reveal the environmental impact of development.

Bernie Krause has been listening to the world for decades, travelling from one end of the Earth to the other to capture the sounds that make each habitat unique: their biophony. His installation piece, The Great Animal Orchestra—created in association with Fondation Cartier pour l'art contemporain and presented as part of the Biennale of Sydney—gives listeners a chance to travel with him. In the Drawing Room, Krause explains why listening helps his ADHD and how sound can reveal the environmental impact of development.

durée : 00:53:17 - L'Heure bleue - par : Laure Adler, Céline Villegas - "Heliotropo 37" dévoile l'ensemble de l'œuvre de la photographe Graciela Iturbide jusqu'au 29 mai à la Fondation Cartier. Cette exposition-portrait est la toute première en France et l'artiste est l'invitée de l'Heure Bleue.

“Graciela Iturbide“Heliotropo 37à la Fondation Cartier pour l'art contemporain, Parisdu 12 février au 29 mai 2022Interview de Alexis Fabry, commissaire général de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 10 février 2022, durée 16'47.© FranceFineArt.Communiqué de presseCommissaire général : Alexis FabryCommissaire associée : Marie PerennèsDu 12 février au 29 mai 2022, la Fondation Cartier pour l'art contemporain présente Heliotropo 37, la première grande exposition en France consacrée à l'ensemble de l'œuvre de la photographe mexicaine Graciela Iturbide, des années 1970 jusqu'à aujourd'hui. Pour cette véritable exposition-portrait, l'artiste nous a ouvert les portes de son studio au 37 calle Heliotropo à Mexico, l'un des chefs-d'oeuvre de l'architecte Mauricio Rocha qui conçoit également la scénographie de l'exposition. Heliotropo 37 rassemble plus de 200 images, des oeuvres les plus iconiques aux photographies les plus récentes, ainsi qu'une série en couleur réalisée spécialement pour l'exposition.«Partir avec mon appareil, observer, saisir la partie la plus mythique de l'homme, puis pénétrer dans l'obscurité, développer, choisir le symbolique… Finalement, la photographie est un rituel pour moi. » Graciela IturbideLauréate du prix W. Eugene Smith en 1987 puis du prix Hasselblad en 2008 – la plus haute distinction photographique – Graciela Iturbide (née, le 16 mai 1942 à Mexico) est une figure majeure de la photographie latino-américaine. Depuis plus de 50 ans, elle crée des images qui oscillent entre approche documentaire et regard poétique : « J'ai cherché la surprise dans l'ordinaire, un ordinaire que j'aurais pu trouver n'importe où ailleurs dans le monde ». Si elle est aujourd'hui célèbre pour ses portraits d'Indiens Seris du désert de Sonora ou ceux des femmes de Juchitán ainsi que pour ses essais photographiques sur les communautés et traditions ancestrales du Mexique, Graciela Iturbide porte également depuis toujours une attention quasiment spirituelle aux paysages et aux objets. L'exposition présente pour la première fois ces deux versants de l'oeuvre de l'artiste et en offre ainsi une vision renouvelée.[...] Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

The Art + Science Reading Group is now a virtual gathering of thinkers, researchers and the incurably curious. Organised by PhD candidates Amelia McConville (School of English and Institute of Neuroscience) and Autumn Brown (School of Education and Science Gallery Dublin) and supported by Science Gallery Dublin and the Trinity Long Room Hub, the series will explore the evolutionary and revolutionary kinship between two approaches to understanding the universe and our place within it. Art and science often share a cyclical relationship of exploration and illumination. How do these disciplines help us frame questions about the universe and in particular those forces we cannot see? This month we're speaking with artist and researcher Alexandra Carr on her experimental approach to art, inspired by natural processes. How might a shared point of visual reference help democratise the big questions about the unknown and the unseen? We will discuss Alexandra's artistic work in collaboration with physicists, geologists, and biologists including the development of biologically smart materials, and speak about her recent installations including an upcoming exhibition in Dublin, Solaris Nexum. Carr completed a foundation at Central Saint Martins School of Art and Design and a ceramics degree at Camberwell College of Art. She has exhibited work at the Fondation Cartier in Paris, in collaboration with Jean-Paul Gaultier. She has been commissioned work from seminal musicians Radiohead, and was recently shortlisted for the Arts@CERN COLLIDE International Award and longlisted for the Aesthetica Art Prize 2017, 2019 and 2020.