Podcasts about satiric

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Escritor, humorista gráfico e hincha de Rosario Central, entre sus muchas catalogaciones, es uno de los autores más entrañables de la literatura argentina. Además de acercar los libros al público más futbolero, aproximó el fútbol a quienes menos les interesaba ese deporte. “El Negro”, como se lo identificaba, nació en Rosario, provincia de Santa Fe, el 26 de noviembre de 1944 y murió en su ciudad natal, el 19 de julio de 2007, con 62 años. Antes de cumplir 20 años, había comenzado a trabajar en la agencia de publicidad de Roberto Reyna, donde conoció al dibujante Alberto Mirtuono, quien fue su jefe durante la creación del inolvidable Boogie, el aceitoso. En 1968, publicó su primer chiste gráfico en el número uno de la revista Boom de Rosario y, dos años después, creó ese personaje, una parodia del agente secreto James Bond, en la que cuenta las aventuras de un prófugo de la justicia y veterano de la Guerra de Vietman que se transforma en un asesino a sueldo, frío y despiadado. En 1972, junto con Caloi, Ian y Lolo Amengual, colaboró en las revistas Hortensias y Satiricón. Ese mismo año creó al famosísimo gaucho Inodoro Pereyra y a su perro parlante Mendieta, que le permitieron narrar historias que fueron cristalizando la figura gauchesca y la idiosincrasia de la pampa argentina. Luego, con la fundación de la revista Mengano, comenzó a trabajar allí y, a partir de 1976, Inodoro Pereyra se publicó en el diario Clarín. Además de su carrera de dibujante y humorista, en 1981 publicó su primera novela, Best Seller, considerada actualmente como un clásico de la literatura de humor y, al año siguiente, editó su primer libro de cuentos: El mundo ha vivido equivocado. En 1984 comenzó a trabajar en la revista Fierro, una de las más prestigiosas de la historieta argentina, donde publicó la serie Cuatro hombres en la cabaña. A lo largo de su trayectoria, fue distinguido con múltiples premios, entre ellos: Premio Konex en 1992, Premio Konex de Platino en 1994 y, en 2006, el Senado le otorgó la Mención de Honor “Domingo Faustino Sarmiento” por su aporte a la cultura argentina. Lo recordamos a través de una edición del programa Historias de nuestra Historia, conducido por el historiador Felipe Pigna, emitido por AM870 y conservado en el Archivo Histórico de Radio Nacional. Música: La Leyenda de Rosario (E Llopis - Rafael Ielpi) Enrique Llopis [1987 del Álbum "Son Historias"]  

¡Bienvenidos a un nuevo episodio de DAME UN TITULAR! En el programa de hoy contamos con la genialidad de Víctor Lemes. Acompáñenos en una conversación apasionante desde La Zapatería Estudio, donde abordamos temas como la industria musical, la inmediatez de los singles comerciales, y la diferencia entre escribir por obligación y por pasión. Víctor Lemes nos hablará de su amor por el formato chirigotero, sus sueños de actuar en Argentina y sus experiencias como presentador de televisión. También compartirá sus reflexiones sobre la composición, su crítica a las letras comerciales y cómo las redes sociales influyen en su música. Entre risas y bromas, recorreremos los logros y anécdotas de Víctor, desde su impacto viral en redes sociales hasta su participación en festivales internacionales. Por supuesto, no puede faltar una actuación musical en vivo y sus ya famosas letras que reflejan la actualidad y el contexto social. Preparen sus auriculares y no olviden suscribirse y darle "me gusta" al programa. ¡Empezamos ya!

Podcast Host CJMiller sits down with SUNY Old Westbury Assistant Professor and Mixed Media Artist Fred Fleisher to discuss symbolism in art. Fred talks about creating art that deals with duality issues and the perceived separateness of each other. The imaginative artist shares his process and expanding practice in maintaining presence and flow when creating his 2-dimensional paintings and sculptural installations. Fred incorporates humor, cynicism, and satire into his work by combining symbolistic elements from our everyday social fabric. In essence, the artist uses humor in art to "get through the day" and deal with society's current challenges. His process includes surrounding himself with a studio full of iconic "parts," entering a flow state and combining different elements to express himself. He discovers an idea for something, works it out, and then allows some freewheeling while sketching the image.  Fred uses his phone and iPad to set up his rough composition. From there, he goes to his canvas, where the idea progresses and emerges. "I allow energy to unfold and see what happens when I put disparate things together," he said.  His creations include assemblage art as well as 2-dimensional surfaces. Fred sources " Spiritual Moderns: Twentieth-Century American Artists and Religion" by Erica Doss and "The Spiritual Artist" by Christopher J. Miller as inspired sources.  In conversation, Fred ponders whether symbolism can stop us from spiritually communicating something more significant, while CJ ponders the opposite. As CJ prepares for an upcoming show, he struggles with not adding symbolic elements. CJ shares how many of us try to qualify our spiritual worth by whether our art is successful. We are not trying to validate our worth when we create art. Both agree that we shouldn't let our perceived identities stop us from connecting to Spirit.  CJ and Fred also discussed the writing process. CJ encourages writers to get their thoughts down quickly and edit later. Fred references "The War of Art" by Steven Pressfield. According to Fred, creating art is a way to stop the mind chatter, the thoughts of duality, and practice presence. The podcast concludes with Fred sharing how communication, both verbally and through art, is the key to personal growth. For more information and samples of Fred's work, visit https://www.fredfleisher.net. Fred Fleisher is originally from Pennsylvania and has lived in the New York metropolitan area for over twenty-five years. After enlisting in the Army, he earned an MFA from Queens College, CUNY, a BFA in Painting & Drawing, and a BS in Art Education from Penn State University. Both nationally and internationally, Galleries have represented his work, and he has had recent solo exhibitions in Brooklyn and New York City.  He has been included in several exhibitions and numerous group exhibitions while working with curators in the art world. He also organizes and curates exhibitions and is an Assistant Professor at SUNY Old Westbury. For more information on CJ and his art retreats, visit www.spiritualartisttoday.com. His book, "The Spiritual Artist," is available on Amazon. 

In this episode, host Rahul N Singh explores the concepts of Sattva, Rajas, and Tamas, the three gunas or qualities according to Hindu philosophy, as mentioned in Chapter 14 of the Bhagavad Gita. The discussion plunges deep into each guna, emphasizing their attributes and impacts on action and consequence. The host explains how these gunas compete to control matter and, in turn, human behaviour. He emphasizes the importance of balanced action with correct knowledge, more prevalent in the Satiric state, and warns listeners about the delusions and incorrect perceptions attributed to Rajasic and Tamasic states. Apart from the spiritual discourse, the host also offers information about the podcast's Patreon benefits and encourages listeners to engage more with the podcast through various platforms.Translation used: The Bhagavad Gita Comes Alive: A Radical Translation by Jeffrey ArmstrongIf you enjoyed listening to the 90th episode of the Thoughts on The Bhagavad Gita and want to listen to more episodes like this on the Bhagavad Gita, or on Non-Duality, or the wisdom of the Mystics please follow/subscribe to this Podcast. New episodes are uploaded every Sunday.Thoughts on the Upanishads, Conversations with the Bearded Mystic, Guided Meditations, and much more only on Patreon, Buzzsprout Subscriptions, Apple Podcast Subscriptions and Supercast.Patreon: Support The Bearded Mystic Podcast and get ad-free, bonus episodes along with many more benefits:https://www.patreon.com/thebeardedmysticpodcastJoin The Bearded Mystic Podcast Discussion Group on Whatsapp:  https://chat.whatsapp.com/GcCnyrjQwLuEPHBaVA6q9LBe notified of my weekly virtual meditation session followed by a Q&A Discussion via zoom (Notifications only):https://chat.whatsapp.com/DcdnuDMeRnW53E0seVp28bPlease rate and write a review for this Podcast: https://www.thebeardedmysticpodcast.com/reviews/new/You can follow me and contact me on social media:Website: https://www.thebeardedmysticpodcast.comTikTok: https://vm.tiktok.com/ZMdk3HPJh/Instagram: https://www.instagram.com/thebeardedmysticpodcast/Youtube: https://www.youtube.com/c/TheBeardedMysticPodcast/Twitter: https://twitter.com/bearded_mysticFacebook: https://www.facebook.com/The-Bearded-Mystic-PodcastSupport the show

SynopsisToday marks the birthday of Henry Brant, born in Montreal in 1913 to American parents. In 1929, Brant returned to New York and studied composition with Wallingford Riegger and George Antheil, exponents of the then-current modernist trends in music.Brant came of age during the Great Depression, however, and has said back then avant-garde composers were faced with some hard choices. They could stop composing altogether, write for commercial films and radio, or simplify their cutting-edge music to make it more accessible. Satiric music was also an option, and some of Henry Brant's early works fall into that category.One 1938 chamber piece by Brant is titled Hommage aux Freres Marx, subtitled Three Faithful Portraits. The portraits in question are of Chico, Groucho, and Harpo, the wildly popular “Marx Brothers” comedy team of the 1930s.By the 1950s, Brant became fascinated with “spatial music” involving groups of performers positioned at different spots in a concert hall or performing space. Brant became famous for works exploring this option, and his Ice Fields for pipe organ and a symphonic orchestra, scattered at different spots around the concert hall, won for its 88-year old composer the Pulitzer Prize for music in 2002.Music Played in Today's ProgramHenry Brant (1913-2008) Hommage aux Frères Marx (Three Faithful Portraits) Boston Musica Viva Newport 85588

This month Joe and Durs take a look at the lyrics to Live and Gangsta's Paradise (Coolio and Kylian Mash). #GangstasParadise #Coolio #KylianMash) #Lyrics #LyricSatiric #DursProductions #DursProductionsPodcasts

Mini Ráfaga a partir de una frase Petronio sobre la pintura y la economía, del parágrafo 88 del Satiricón. De la serie recopilatoria Las Mejorcitas Mini Ráfagas que salió al aire por Radio UNAM. Comentarios: Ernesto Priani Saisó. Producción: Ignacio Bazán Estrada. Voces: María Sandoval y Juan Stack. Controles Técnicos: Carlos Montaño.

This month Joe and Durs take a look at the lyrics to Live and Let Die by Paul McCartney and Wings from 1973! #PaulMcCartney #Wings #LiveandLetDie #JamesBond #Lyrics #LyricSatiric #DursProductions #DursProductionsPodcasts 

Joe and Durs discuss the lyrics of  Rolling Stones' Gimme Shelter from their 1969 album Let It Bleed. Find links to all of our Podcasts here: Linktr.ee/DursProductions #Podcast #DursProductionsPodcasts #LyricSatiricPodcast #LyricSatiric #LetItBleed #RollingStones #GimmieShelter #Music #Lyrics

Joe and Durs discuss the lyrics of Rainbow's Stargazer from their 1976 album Rising. #Podcast #DursProductionsPodcasts #LyricSatiricPodcast #LyricSatiric #Rainbow #RitchieBlackmore #Dio #RonnieJamesDio #RainbowRising #Music #Lyrics

On the debut episode of Lyric Satiric, Joe and Durs discuss the lyrics of  Thin Lizzy's The Boys Are Back In Town from their 1976 album Jailbreak.  #Podcast #DursProductionsPodcasts #LyricSatiricPodcast #LyricSatiric #ThinLizzy #TheBoysAreBackInTown #Music #Lyrics 

Se cumple un nuevo aniversario del fallecimiento de Roberto “el negro” Fontanarrosa en el año 2007. El periodista de Radio Nacional Rosario Diego Frisco recordó al reconocido escritor popular y humorista gráfico rosarino que, a través de sus obras se convirtió en un representante de nuestra cultura. En ese marco, detalló las distintas actividades que se realizarán en la ciudad para homenajear a Fontanarrosa. Fontanarrosa inició su carrera en revistas de Rosario, trascendió a nivel nacional por la originalidad de sus dibujos y la rapidez con que los ejecutaba, de ahí que su producción gráfica fuera tan prolífica o abundante. En la década del 70 comenzó a dibujar en las revistas Hortensia, Satiricón y en el diario Clarín, donde trascendió con sus personajes "Boogie, el aceitoso" -que llegó a publicaciones de Colombia y México-, y el gaucho Inodoro Pereyra, siempre unido a su perro Mendieta. Hincha de Rosario Central y fanático del fútbol, también escribió varias obras con este deporte como temática, como el cuento "19 de diciembre de 1971", en el que relata la victoria de Central sobre Newell's en la semifinal de un torneo nacional, "El ocho era Moacyr", o las historias sobre la hermana Rosa, una mentalista excéntrica protagonista de relatos relacionados con los eventos en los que jugaba la Selección Nacional, que retoma en esta nueva colección de textos. En este caso, el autor elige como protagonista de las historias a un periodista deportivo que sigue los pasos de la Selección argentina en las eliminatorias de los mundiales de Francia y de Corea/Japón, y en los encuentros deportivos de esas contiendas futbolísticas, donde vuelve a aparecer la Hermana Rosa, que va anticipando con poco éxito los resultados deportivos de la Selección albiceleste; e incluye al analista y dermatólogo Juan José Serenelli, quien intenta derribar con aguda lógica pensamientos simplistas que todo hincha puede tener. En estos escenarios, Fontanarrosa se vale de comparaciones, a veces hiperbólicas, al montar situaciones en las que algunos partidos recuerdan una contienda bélica, o al aludir a coreógrafos para dar cuenta de la habilidad deportiva que ciertos jugadores de equipos contrarios portan y que será necesario derribar en el campo de juego. En esos relatos, la prosa del autor se destaca por la vastedad cultural que revela tener y que siempre puso en juego el popular creador de "El mundo ha vivido equivocado", "No sé si he sido claro", "Nada del otro mundo", "El mayor de mis defectos" y "Uno nunca sabe", nacido el 26 de noviembre de 1944. Pase lo que pase, lunes a viernes de 7.00 a 9.00 Con Darío Villarruel, Sofía Muschetto y Jorge Vaccaro.

Escritor, humorista gráfico e hincha de Rosario Central, entre sus muchas catalogaciones, es uno de los autores más entrañables de la literatura argentina que, además de acercar los libros al público más futbolero, aproximó el fútbol a quienes menos les interesaba ese deporte. Roberto Fontanarrosa, “El Negro”, como se lo identificaba, nació en Rosario, provincia de Santa Fe, el 26 de noviembre de 1944 y murió en su ciudad natal, el 19 de julio de 2007, cuando tenía 62 años. Antes de cumplir 20 años, había comenzado a trabajar en la agencia de publicidad de Roberto Reyna, donde conoció al dibujante Alberto Mirtuono, quien fue su jefe durante la creación del inolvidable Boogie, el aceitoso. En 1968, publicó su primer chiste gráfico en el número uno de la revista Boom de Rosario y dos años después, creó ese personaje, una parodia del agente secreto James Bond, en la que cuenta las aventuras de un prófugo de la justicia y veterano de la Guerra de Vietman que se transforma en un asesino a sueldo, frío y despiadado. En 1972, junto con Caloi, Ian y Lolo Amengual, colaboró en las revistas Hortensias y Satiricón. Ese mismo año creó al famosísimo gaucho Inodoro Pereyra y a su perro parlante Mendieta, que le permitieron narrar historias que fueron cristalizando la figura gauchesca y la idiosincrasia de la pampa argentina. Luego, con la fundación de la revista Mengano, comenzó a trabajar allí y, a partir de 1976, Inodoro Pereyra se publicó en el diario Clarín. Además de su carrera de dibujante y humorista, en 1981 publicó su primera novela, Best Seller, considerada actualmente como un clásico de la literatura de humor y, al año siguiente, editó su primer libro de cuentos, El mundo ha vivido equivocado. En 1984 comenzó a trabajar en la revista Fierro, una de las más prestigiosas de la historieta argentina, donde publicó la serie Cuatro hombres en la cabaña. A lo largo de su trayectoria, fue distinguido con múltiples premios, entre ellos: Premio Konex en 1992, Premio Konex de Platino en 1994 y, en 2006, el Senado le otorgó la Mención de Honor “Domingo Faustino Sarmiento” por su aporte a la cultura argentina. Lo recordamos a través de un retrato elaborado por el Área de Contenidos y conservado en el Archivo Histórico de Radio Nacional.

The bizarre, satiric reunion of Satan with his daughter, Sin, and their offspring, Death, a parody of the Trinity, among other things. The shift of style to allegory for satiric purposes. Satan's journey through Chaos on his way to earth. Chaos as “the deep” of Genesis 1, but also the Chaos of the Creation myths of Hesiod, Ovid, and Lucretius. The surreal picture of an undignified Satan having to fly, creep, swim, as Chaos turns moment by moment from solid to liquid to gas. The moving personal invocation to God as an inward light at the opening of Book 3, compensating for the painful solitude of Milton's blindness. One of the most beautiful parts of the poem. --- Support this podcast: https://anchor.fm/michael-dolzani/support

LUNAE DIES. Es una orgullosa selección de distintos temas de literatura donde encontraremos temas tan singulares como biografías de autores literarios, cuentos muy recomendables, una sección especial donde recitaremos poemas e interpretaremos pequeñas novelas, y sobre todo recomendaciones de libros que a nosotros nos gusta leer entre muchas otras cosas más. *Satiricón – Petronio *Pedro Páramo XIX Juan Rulfo --- Send in a voice message: https://anchor.fm/irving-sun/message

Escritor, humorista gráfico e hincha de Rosario Central, entre sus muchas catalogaciones, es uno de los autores más entrañables de la literatura argentina que, además de acercar los libros al público más futbolero, aproximó el fútbol a quienes menos les interesaba ese deporte. “El Negro”, como se lo identificaba, nació en Rosario, provincia de Santa Fe, el 26 de noviembre de 1944 y murió en su ciudad natal, el 19 de julio de 2007, con 62 años. Antes de cumplir 20 años, había comenzado a trabajar en la agencia de publicidad de Roberto Reyna, donde conoció al dibujante Alberto Mirtuono, quien fue su jefe durante la creación del inolvidable Boogie, el aceitoso. En 1968, publicó su primer chiste gráfico en el número uno de la revista Boom de Rosario y dos años después, creó ese personaje, una parodia del agente secreto James Bond, en la que cuenta las aventuras de un prófugo de la justicia y veterano de la Guerra de Vietman que se transforma en un asesino a sueldo, frío y despiadado. En 1972, junto con Caloi, Ian y Lolo Amengual, colaboró en las revistas Hortensias y Satiricón. Ese mismo año creó al famosísimo gaucho Inodoro Pereyra y a su perro parlante Mendieta, que le permitieron narrar historias que fueron cristalizando la figura gauchesca y la idiosincrasia de la pampa argentina. Luego, con la fundación de la revista Mengano, comenzó a trabajar allí y, a partir de 1976, Inodoro Pereyra se publicó en el diario Clarín. Además de su carrera de dibujante y humorista, en 1981 publicó su primera novela, Best Seller, considerada actualmente como un clásico de la literatura de humor y, al año siguiente, editó su primer libro de cuentos, El mundo ha vivido equivocado. En 1984 comenzó a trabajar en la revista Fierro, una de las más prestigiosas de la historieta argentina, donde publicó la serie Cuatro hombres en la cabaña. A lo largo de su trayectoria, fue distinguido con múltiples premios, entre ellos: Premio Konex en 1992, Premio Konex de Platino en 1994 y, en 2006, el Senado le otorgó la Mención de Honor “Domingo Faustino Sarmiento” por su aporte a la cultura argentina. Lo recordamos a través de un informe elaborado por el Área de Contenidos y conservado en el Archivo Histórico de Radio Nacional. 061201ARTE Y GENTEFIL 2006 ANDALUCIAFONTANARROSAFOTO PAULA ISLAS  

“Tal vez podamos volver a empezar en la nueva tierra rica, en California. Pero tu no puedes empezar. Tu y yo somos la ira de un momento, mil imágenes. Somos esta tierra, esta tierra roja; y somos los años de inundación, y los del polvo y los de la sequía. No podemos empezar otra vez. Y cuando el propietario nos dijo que nos fuéramos: eso somos nosotros; y cuando el tractor derribó la casa, eso somos hasta que nos muramos. A California marcharemos con nuestra amargura. Y un día los ejércitos de amargura desfilarán todos en la misma dirección. Caminarán juntos y de ellos emanará el terror de la muerte.” “Las uvas de la ira”, película de 1.940 dirigida por John Ford, basada en la novela homónima de John Steinbeck de 1.939. Existe una estrecha relación entre el cine y el libro, y siempre se ha puesto sobre el tapete qué tan fiel puede ser la traslación de una obra literaria al cine, así como el eterno discurso entre la influencia que hay entre estas dos corrientes artísticas. Discusiones que cobran actualidad cada vez que se dice que una película está basada en un libro determinado, sea del género que sea, y que promueven un debate que siempre estará ahí, eternamente. El libro y el cine son un puente para la aventura ya que el cine utiliza la imagen para captar la atención y la emoción del espectador, y la literatura usa la palabra para crear imágenes en la mente del lector que van a despertar su sensibilidad. Esta relación entre el cine y la literatura no es nueva. Desde que los hermanos Lumière inventaran en cinematógrafo se trato de darle un contenido culto a las películas debido a la mirada despectiva de ciertas élites que consideraban al cine como un arte menor, un espectáculo de feria, exclusivo para el consumo de las clases bajas. Para dotarle de calidad surgió la idea de incorporar obras clásicas del teatro al cine para darle un contenido artístico, e incluso grandes artistas de los escenarios se unieron al experimento que recibió el nombre de “Cine de Arte” o “Teatro fotografiado”, pero todo resultó un fracaso y duró bien poco. Adolecía, sobre todo de actuaciones sobrecargadas típicas de su origen teatral. A pesar de ese traspié, el cine comenzó una estrecha relación con la literatura y buscó nuevos caminos para realizar adaptaciones literarias. Conviene observar que adaptar un libro al celuloide no debe ser labor fácil, ya que una adaptación no debe ser un calco completo del libro y más teniendo en cuenta que hay obras literarias que son demasiado voluminosas y por esa extensión es casi imposible trasladarlas a la pantalla, por lo que lo más correcto es sintetizarlas, y en eso el cine puede ayudar, pues la utilización de la imagen servirá en muchos aspectos para lograr esa síntesis que no desfigure la obra. Otro aspecto importante es mantener el espíritu del escritor, pues sin el una película no sería otra cosa que un envoltorio completamente vacío. Las adaptaciones no se hicieron esperar. George Méliès, el creador de los efectos especiales y director de películas geniales, se inspiró en Julio Verne y su obra “De la Tierra a la Luna”, para realizar su cinta “Viaje a la Luna” en 1.902. En Alemania, durante la década de 1.920, aparece una corriente llamada expresionismo, que explora los rincones más oscuros de la naturaleza humana. Esta tendencia toma como referentes muchas novelas de tipo gótico o de terror, como es el caso de “Drácula” escrita por Bram Stoker en 1.897, que fue llevada a la pantalla por Friedrich Murnau en 1.922 con el nombre de “Nosferatu”; la misma que tendría un excelente con la película homónima de Werner Herzog, en 1.979, para no tener que pagar derechos de autor. Otro caso es el de la obra “El Golem” de Gustav Meyrink, de 1.915, que también es llevada a la pantalla grande por Paul Wegener en 1.920. Con la aparición del cine sonoro empezó una fiebre por adaptar obras literarias al cine, en especial en Estados Unidos, donde los escritores que posteriormente se convirtieron en iconos de la literatura contemporánea norteamericana, en géneros como el drama o la novela negra, se convirtieron en guionistas de los grandes estudios de Hollywood. Tal es el caso de autores de la talla de Francis Scott Fitzgerald, William Faulkner, Raimomd Chandler, Dashiel Hammet, James M. Cain, Ernest Heminway, entre otros. Muchas de las magníficas películas de la edad de oro de los grandes estudios están basadas en sus guiones o en sus novelas. Destacaremos joyas como “El halcón maltés”, de 1.941, basada en la novela de Dashiell Hammet y dirigida por John Huston; “El largo adiós” de 1.973, de la obra de Raimond Chandler, dirigida por Robert Altman y “El cartero siempre llama dos veces” de James M. Cain, de la que se hicieron dos versiones: la de 1.946 dirigida por Tay Garnett, con Lana Turner y John Garfield como protagonistas (para mi, la mejor), y la de 1.981, de Bob Rafelson, con Jessica Lange y Jack Nicholson. Pero las adaptaciones literarias, en especial de los grandes clásicos, no siempre han llegado a buen puerto. Algunas de ellas incluso han deteriorado considerablemente el libro donde se originan, trastocando y envileciendo la obra literaria, a veces por razones económicas, de falta de rigor, de querer agradar al público, etc. El caso de “Don Quijote”, obra fundamental de la literatura universal, a pesar de tener decenas de adaptaciones con resultados desiguales, no ha llegado a cuajar. Existieron dos proyectos para filmar la vida del personaje de la triste figura, pero fueron abandonados por falta de dinero. Uno lo intentó realizar el inmenso Orson Welles en 1.957, del que sólo queda una versión en DVD, montada por su guionista Jesús Franco. Por su parte, Terry Gilliam, ex- integrante de los Monthy Python, comenzó una adaptación en el año 2000, aún no terminada, aunque existe un documental, llamado “Lost in La Mancha”, que augura que la película será una buena adaptación. En cuanto a obras teatrales, podemos citar esplendidos filmes basados en la obra monumental de William Shakespeare, poniendo énfasis en el gran actor y director Laurence Olivier. Pier Paolo Passolini, entre los años sesenta y setenta, adaptó magistralmente joyas de la literatura como “El Decamerón”, “Los cuentos de Canterbury”, “Las mil y una noches” y las tragedias griegas “Edipo” o “Medea”. Otro cineasta, el alemán Volker Schondorf, plasmó en 1.979 con gran pericia la monumental novela de Gunther Grass, “El tambor de hojalata”, obra mágica de la nueva literatura alemana, combinando fantasía con el más crudo realismo, describiendo el ascenso y caída del nazismo, todo ello bajo la mirada de un niño que se niega a crecer, encarnando una metáfora de la rebeldía. Por cierto el filme se llevó el Oscar a la mejor película extranjera, un premio más que merecido por su innegable calidad. En otro orden de cosas, los llamados han tenido un papel importante en el cine, a pesar de que muchos críticos literarios los rechacen por considerarlos una escritura inferior en la literatura, y algunos se han convertido en éxitos de taquilla, como el caso de “Lo que el viento se llevó” de Margaret Mitchel, de 1.937, llevada al cine por Victor Fleming en 1.939 y protagonizada por Clark Gable y Vivien Leigh, que obtuvo un éxito arrasador y se llevó diez premios óscar. “El padrino”, novela escrita por Mario Puzo , publicada en 1.969, y aclamada por crítica y público, fue adaptada al cine por Francis Ford Coppola en 1.972, y se convirtió en una trilogía que ocupa un lugar preeminente en la historia del llamado séptimo arte. A ello hay que sumar la calidad de su realización el magnífico guion del propio Puzo y Coppola y las actuaciones de actores en estado de gracia como Marlon Brando, Al Pacino, Robert de Niro, Robert Duvall y otros. En los últimos años, la relación, a veces peligrosa, entre estos dos artes se ha incrementado. Ante la carestía de ideas de la industria cinematográfica, esta no ha tenido otra alternativa que contar con toda obra literaria que encuentre a su alcance y que suponga que tiene asegurada una buena taquilla, con el fin de recuperar la inversión y generar ganancias. En algunas ocasiones ha salido airosa con películas como la trilogía de “El señor de los anillos” , de J.R. Tolkien, dirigida por Peter Jackson entre 2000 y 2003; “El perfume”, de Patrick Suskind de 2005, dirigida por el alemán Tom Tykwer; “Expiación” de Ian Mcewan, dirigida por el inglés Joe Wright o “No es país para viejos” de la novela de 2005 escrita por Corman McCarthy y dirigida por los hermanos Coen, que ganó cuatro premios óscar, entre ellos el de mejor actor secundario que recayó en Javier Bardem en 2007. Otro escritor al que ha recurrido el cine con frecuencia es Stephen King, creador omnipresente de best sellers del género de terror. Quizá la mejor adaptación de una obra suya sea “El resplandor” de 1.977, película dirigida por el gran Stanley Kubrick en 1.980, con su habitual maestría. Este género ha llevado a la gran pantalla monstruos clásicos como Drácula y Frankenstein, creados por la pluma de Bram Stoker y Mary Shelley, hasta el punto de que decenas de versiones de estos personajes han sido realizadas por los estudios Universal en Estados Unidos y la Hammer británica en las décadas de los treinta a los sesenta del pasado siglo. Habría que resaltar la versión que de Drácula hizo Francis Ford Coppola en 1.992 en su película “Drácula de Bram Stoker”. También la ciencia ficción nos ha trasladado con su poder de anticipación a los mundos creados por H.G. Wells, como “La máquina del tiempo” o “El hombre invisible”, o a la magnífica “Blade Runner” de 1.982 dirigida por Ridley Scott, basada en la novela “Sueñan los androides con ovejas eléctricas”, escrita por Philips K. Dick en el año 1.968, ambientada en un Los Angeles agobiado por la lluvia ácida y la presencia inquietante de robots inteligentes. Al despertar el siglo XX y en medio de la crisis de los sentimientos artísticos, se alza el joven cine adueñado de un estilo, salpicado de posibilidades. Luis Lumière se contenta con cinematografiar como antes había fotografiado, con una ciencia discreta de la composición: filma la salida de las fábricas, la entrada del tren en una estación, Venecia, la coronación del zar Nicolás II…..El cine permite registrar un acontecimiento, desde el más insignificante al más considerable, en su duración real, dando así cuerpo a la fugacidad misma. El cine fija a razón de dieciséis, y más tarde veinticuatro imágenes por segundo. En seguida empiezan a descubrirse las posibilidades. El nuevo arte ha de alimentarse abundantemente de los dos géneros literarios mayores: la novela y el teatro. Toma prestado de ellos su poder de evocación, su capacidad persuasiva, el ensueño, anudado al apetito que anhela conquistar a una sociedad industrial en pleno desarrollo. Luego la cinematografía estalla, se multiplica, se introduce en los más recónditos rincones y se derrama por el mundo con vocación literaria y principios universales: duración ajustada a lo que un espectador puede soportar sin impacientarse, sin necesidad de fragmentar su atención, personajes que evolucionan, argumento que conmociona, espacio y tiempo. Se ajusta al teatro en extensión y a la novela en técnica, y añade la imagen. Los autores literarios, con su mirada omnisciente, pueden entrar en los sentimientos de los personajes y desnudarnos su intimidad. El director de cine, usuario de un instrumento, la cámara, meramente testimonial, necesita armarse de una habilidad extrema para filmar la realidad humana de una historia tal como está escrita. Pocos directores han sido capaces de ofrecerla con la claridad y prudencia que exige el medio, con elegancia. La mayoría de las novelas que son llevadas al cine fallan en la transmisión de los mensajes que lanza en autor, casi siempre teñidos de frivolidad. Solo los directores más hábiles filman la circunstancia humana, la de lo creado en la interioridad, la de lo secreto, en busca de una eficacia dramática estrictamente visual. Pocos son capaces de filmar directamente, es decir, sin recurrir al diálogo explicativo, sentimientos como la sospecha, el deseo, los celos, la envidia…...La simplicidad y la claridad no es incompatibles con los sentimientos más sutiles de los seres humanos. Así el lenguaje del cine exige una especialización casi absoluta. El director no puede ser diestro en tal o cual aspecto, sino gestor y responsable de cada imagen, de cada plano, de cada escena, del guión, del argumento, del montaje, de la fotografía, del sonido, en fin, de muchas especialidades más que han hecho del cine un verdadero cúmulo industrial de las artes. Como sucede con las demás experiencias artísticas, las mayores inversiones no obtienen la mejor valoración crítica, y a menudo con pequeños presupuestos se obtenido magníficas películas. La antigua inquietud por transformar “El Quijote”, Anna Karénina”, “Guerra y Paz”, Madame Bovary” o “El lazarillo” u otras grandes obras literarias en grandes obras cinematográficas, ha cosechado más fracasos que éxitos. Novelas mediocres, sin embargo, se convirtieron en brillantes filmes. Todo esto y la conciencia de estar ante un nuevo lenguaje artístico ha catapultado el estudio del cine más que otras disciplinas, en un incremento considerable en la vida académica. Veamos, para terminar, un ejemplo de cómo se acomoda al cine la tradición de determinados usos literarios. Desde los inicios del arte de las letras, las formas narrativas plantearos un juego de metáforas útiles para plasmar de forma evocadora las muy diversas facetas del encuentro amoroso. Ese juego retórico de ocultación y misterio es particularmente incitador. Puesto que anima el deseo, excita la fantasía y provoca la pasión. La tradición literaria usa estos recursos, a medio camino entre la relación amorosa y el erotismo y tiene raíces tan lejanas en el tiempo como los relatos de “Las mil y una noches” en las recónditas literaturas orientales, “El arte de amar” de Ovidio y el “Satiricón” de Petronio , “El Decamerón”, de Boccaccio; el “Libro de buen amor” de Juan Ruiz; “La Celestina” de Fernando de Rojas; y tiene su continuidad en la literatura francesa (“Las amistades peligrosas” de Choderlos de Laclos), la inglesa (“el amante de Lady Chatterley” de D.H. Lawrence ) y la italiana (“la romana” de Alberto Moravia), solo por citar algunos ejemplos. El cine no se olvida de esa tradición y la trata con los mismos principios y similares metáforas e imágenes. Muchos, y con variable destreza, son sus cultivadores. Recordemos a Federico Fellini con “Amarcord” o a Luis Buñuel con “Belle de jour”. Y sin entrar en más valoraciones, pues las épocas recientes están tan pegadas a nuestros ojos que no podemos observarlas y probablemente la mayoría de las películas de moda serán olvidadas, esa corriente recuperó impulso comercial a través de títulos como “Instinto básico”, y en España con las producciones de Vicente Aranda y Bigas Luna. Pero no nos engañemos: la mejor película no es la de mayor presupuesto, ni la que logra un mayor éxito de taquilla, ni la del director más reconocido, ni la del actor de moda, ni la más publicitada, ni siquiera la dirigida con talento; la mejor película es la recreada por nuestra mente, por nuestro altísimo poder imaginativo. Y en ese sentido la mejor película no siempre se instala para dejarse acariciar por nuestra memoria tras haberla visto, pues muchas veces la película se adueña de nuestro pensamiento y se acomoda en nuestra razón durante la lectura de una gran novela porque la literatura es el mejor cine de nuestra vida.

Giannina Braschi escritora puertoriqueña y una de las autoras más leídas y relevantes de la literatura contemporánea escrita en español, lee y comenta una escena del “Satiricón” de Cayo Petronio, autor romano que vivió durante el reinado del emperador Nerón.

Mario Mactas en LIbros con Ñ, sobre María Kodama, Satiricón y la vida.

Înainte de turul doi de scrutin al alegerilor prezidențiale, președintele în funcție, Igor Dodon, a îndemnat alegătorii să „nu dea porumbelul din mână”... Electoratul a decis altfel.

Roberto Alfredo «el Negro» Fontanarrosa (Rosario, 26 de noviembre de 1944-19 de julio de 2007) fue un humorista gráfico y escritor argentino. Su carrera comenzó a finales de los años 1960 como dibujante humorístico en la Revista Boom de Rosario (1968) luego en Zoom y Deporte 70 destacándose rápidamente por su calidad y por la rapidez y seguridad con que ejecutaba sus dibujos. Estas cualidades hicieron que su producción gráfica fuera copiosa. Por el año 1973 dibuja en las revistas Hortensia y Satiricón y en el diario Clarín. Entre sus personajes más conocidos están el matón Boogie El Aceitoso y el gaucho Inodoro Pereyra y su perro Mendieta. Sobre la introducción de este último personaje en sus tiras, Fontanarrosa explicó: “Es muy difícil meter un caballo en un cuadrito de historieta, por lo tanto apareció un perro. Y se llama Mendieta porque me causaban gracia los perros con nombres humanos.” Se le conocía su gusto por el fútbol, deporte al cual le dedicó varias de sus obras. El cuento 19 de diciembre de 1971 es un clásico de la literatura futbolística argentina. Como buen «futbolero» siempre mostró su simpatía por el equipo al que seguía desde pequeño, Rosario Central. Una de sus citas más conocidas sobre el fútbol es: "Si hubiera que ponerle música de fondo a mi vida, sería la transmisión de los partidos de fútbol". En los años setenta y ochenta, se lo podía encontrar tomándose un café en sus ratos libres en el bar El Cairo (esquina de calles Santa Fe y Sarmiento), sentado a la metafórica «mesa de los galanes», escenario de muchos de sus mejores cuentos. Desde los años noventa, la mesa se mudó al bar La Sede hasta la reapertura de El Cairo. Fontanarrosa era un verdadero habitué :“Yo, al cielo, le pondría canchitas de fútbol y un par de bares, porque en el bar estás en tu casa y a la vez estás balconeando la calle.” (Fuente: Wikipedia)

Today marks the birthday of Henry Brant, born in Montreal in 1913 to American parents. In 1929, Brant returned to New York and studied composition with Wallingford Riegger and George Antheil, exponents of the then-current modernist trends in music. Brant came of age during the Great Depression, however, and has said back then avant-garde composers were faced with some hard choices. They could stop composing altogether, write for commercial films and radio, or simplify their cutting-edge music to make it more accessible. Satiric music was also an option, and some of Henry Brant’s early works fall into that category. One 1938 chamber piece by Brant is entitled “Hommage aux Freres Marx,” subtitled “Three Faithful Portraits.” The portraits in question are of Chico, Groucho, and Harpo, the wildly popular “Marx Brothers” comedy team of the 1930s. By the 1950s, Brant became fascinated with “spatial music” involving groups of performers positioned at different spots in a concert hall or performing space. Brant became famous for works exploring this option, and his “Ice Fields” for pipe organ and a symphonic orchestra, scattered at different spots around the concert hall, won for its 88-year old composer the Pulitzer Prize for music in 2002.

Today marks the birthday of Henry Brant, born in Montreal in 1913 to American parents. In 1929, Brant returned to New York and studied composition with Wallingford Riegger and George Antheil, exponents of the then-current modernist trends in music. Brant came of age during the Great Depression, however, and has said back then avant-garde composers were faced with some hard choices. They could stop composing altogether, write for commercial films and radio, or simplify their cutting-edge music to make it more accessible. Satiric music was also an option, and some of Henry Brant’s early works fall into that category. One 1938 chamber piece by Brant is entitled “Hommage aux Freres Marx,” subtitled “Three Faithful Portraits.” The portraits in question are of Chico, Groucho, and Harpo, the wildly popular “Marx Brothers” comedy team of the 1930s. By the 1950s, Brant became fascinated with “spatial music” involving groups of performers positioned at different spots in a concert hall or performing space. Brant became famous for works exploring this option, and his “Ice Fields” for pipe organ and a symphonic orchestra, scattered at different spots around the concert hall, won for its 88-year old composer the Pulitzer Prize for music in 2002.

The Cinematography Podcast Episode 82: John Brawley John Brawley began his career shooting television series in his native Australia, coming to the U.S. to shoot the USA series, Queen of the South. John approaches each project with a “visual manifesto,” or a set of rules for yourself and the crew to follow with the camera, lenses, lighting, and color story defining what you're doing. John's recent project, The Great, stars Elle Fanning as Catherine The Great and Nicholas Hoult as Peter, the (not great) king of Russia. John worked closely with series creator Tony McNamara, a fellow Aussie who also received an Oscar nod for writing The Favourite. While shooting, John, Tony and the production designer determined that all the light sources be consistently candlelight, daylight, or firelight. Since it was Catherine's story, she was always in the center of the frame and her close-ups were always just a little closer. The UK is the home of period drama, but Tony McNamara wanted The Great to be “punk history” or satire, taking liberties with the Catherine The Great story, both in costuming and language. He and John also resisted the urge to do period cliché visuals- for example, they did not use any “sweeping” crane shots and avoided using excess smoke for atmosphere. The Great was just renewed for a second season. Find John Brawley: http://johnbrawley.com/ See some tech tests from John's projects: https://johnbrawley.wordpress.com/ Instagram: @johnbrawley See The Great on Hulu: https://www.hulu.com/welcome Find out even more about this episode, with extensive show notes and links: http://camnoir.com/ep82/ Sponsored by Hot Rod Cameras www.hotrodcameras.com Website: www.camnoir.com Facebook: @cinepod Instagram: @thecinepod Twitter: @ShortEndz

Hace 10 años todo estaba por hacer en esta nuestra Biblioteca Perdida, casi cada semana estrenábamos nuevas secciones. Esta que os traemos hoy fue la primera incursión del Gastronomikón, espacio dedicado a la milenaria cultura culinaria, con los banquetes como protagonistas en esta primera entrega de la mano de Leandro Bello. El banquete de Platón, los que se describen en el Satiricón, las historias de Gargantúa y Pantagruel... serán tan solo algunos de los nombres propios de que cobrarán protagonismo.

Avui abordem una de les passions m

El bar El Cairo, inaugurado en 1943 en la ciudad de Rosario y famoso por ser el lugar de reunión de artistas e intelectuales, quedó inmortalizado en "La Mesa de los Galanes", publicado en el año 1995. Muchos de los motivos de los cuentos y de los personajes ficticios de Fontanarrosa están inspirados en las charlas que se daban entre los muchachos de la mesa, según las propias palabras del escritor rosarino. Roberto Fontanarrosa nació en 1944 en Rosario. Fue humorista gráfico, escritor e hincha de Rosario Central. En 1971 crea una parodia de James Bond, Boggie el Aceitoso. En 1972 comienza a colaborar en la revista de humor "Hortensia" y en la revista "Satiricón". En 1976 nace "Inodoro Pereyra, el renegau" y se instala en el diario Clarín, volviéndose uno de los personajes más populares del rosarino. Su primer libro de cuentos "El mundo ha vivido equivocado" se publica en 1982 y es el inicio de una serie de libros de cuentos donde el fútbol y la cotidianidad se entrecruzan para crear relatos maravillosos, que provocan una gran cantidad de reconocimientos al autor, entre los que se destacan en 1992 el Premio Konex, en 1994 el Konex de Platino y en 2006 la Mención de Honor "Domingo Faustino Sarmiento", otorgada por el Senado de la Nación, por su aporte a la cultura. El 19 de julio de 2007 fallece en la ciudad de Rosario.

This episode aims to unmask what is going on in r/VXjunkies, a subreddit that has various Redditors scratching their heads over the years. We delve deep into Reddit's archives to find out what exactly is going on, and why? From a 70s video to a tech version of SCP Foundation, what theory of that sub's birth holds the most ground? ft a mini-rant on that one technobabble scene from Avengers: Endgame

Una mini Ráfaga sobre la desgracia de la Sibila y su don de profetizar el futuro, a partir de una cita de Cayo Petronio Árbitro, del Satiricón, parágrafo 48, línea 8. Comentarios: Ernesto Priani Saisó. Producción: Ignacio Bazán Estrada. Voces:María Sandoval y Juan Stack. Controles técnicos: Carlos Montaño.

In his new novel, "Legal Asylum: A Comedy," bestselling and Harper Lee Prize-winning author Paul Goldstein takes a satiric – and affectionate – look at the lengths to which the dean of a backwater state law school will go to ensure that her school makes it into the annual U.S. News & World Report Top Five. With the simultaneous arrival on campus of an American Bar Association committee to conduct the law school’s reaccreditation review, "Legal Asylum" asks: Can a school make it into the exalted realm of the U.S. News Top Five and lose its accreditation, all in the same year? In a wide-ranging conversation, Jon Malysiak, the Director of Ankerwycke Books (the trade imprint of ABA Publishing), explores with Goldstein how fiction follows truth and the rankings game can produce a law school at which law teachers (at least those who manage to make it into the classroom) teach no law, a timid associate dean discovers a secret agenda that surprises even him, and a mailroom clerk may hold the school's future in his hands. And why, after reading an advance copy, Alan Dershowitz could write, “You will never view legal education in the same light after you've read 'Legal Asylum.'”

In his new novel, "Legal Asylum: A Comedy," bestselling and Harper Lee Prize-winning author Paul Goldstein takes a satiric – and affectionate – look at the lengths to which the dean of a backwater state law school will go to ensure that her school makes it into the annual U.S. News & World Report Top Five. With the simultaneous arrival on campus of an American Bar Association committee to conduct the law school’s reaccreditation review, "Legal Asylum" asks: Can a school make it into the exalted realm of the U.S. News Top Five and lose its accreditation, all in the same year? In a wide-ranging conversation, Jon Malysiak, the Director of Ankerwycke Books (the trade imprint of ABA Publishing), explores with Goldstein how fiction follows truth and the rankings game can produce a law school at which law teachers (at least those who manage to make it into the classroom) teach no law, a timid associate dean discovers a secret agenda that surprises even him, and a mailroom clerk may hold the school's future in his hands. And why, after reading an advance copy, Alan Dershowitz could write, “You will never view legal education in the same light after you've read 'Legal Asylum.'”

Matthew Breen is the editor in chief of The Advocate and the deputy editor for Out. Breen was named Editor in Chief of The Advocate in March 2011. He first joined the Out staff in 2003.www.advocate.com———– Thomas M. Garnet is the owner of his own full time video production company in Miami, FL. Along with his partner of 22 years, he runs also two divisions of the company specifically catered to the LGBT community – Click Click Expose (Gay Entertainment Media) – which targets pageantry, podcasting and internet radio and the CCE Sports Network. Thomas is a former Managing Director of AMC Theatres and Loews Theatres, a former public school teacher and was the field producer for the 1993 March on Washington video which was produced by the National Gay and Lesbian Task Force. After leaving teaching, management and public policy – he devotes his efforts full time to his passion – which is video production and live web streaming.Kevin Majoros is the contributing sports writer for the Washington Blade and the host of Capital Sports TV on the CCE Sports Network. As an athlete, Majoros is an 8-time Gay Games medalist in the sports of swimming, track and field and open-water swimming.Fund Drive:  http://www.mainplayersystem.com/radio/player/93?size=miniWe’re Making Sports HistoryThe CCE Sports Network is the nation’s first and only LIVE web streaming on-line sports website dedicated exclusively to broadcasting the Gay and Lesbian Sports community. Did you know there are more than 200 tournaments, matches and games happening somewhere across the United States? Every month, more than 100,000 LGBT athletes have their choice of dozens of tournaments that can participate & compete.WE HAVE CREATED A FLEXIBLE AND MOBILE LIVE WEB STREAMING PRODUCTION TEAM CAPABLE OF FILMING, EDITING, LIVE STREAMING AND PRODUCING VIDEO CONTENT COVERING THE BREATH AND DEPTH OF THE GAY AND LESBIAN SPORTS COMMUNITY.The Production Vision1) To create a multi-camera broadcast complete with play by play commentary, on-screen scoring, music, commercials and interviews;2) To create an engaged audience through live chat and live photography updates during the live web broadcast;3) To produce monthly content that will drive on-line viewership which includes news & sports shows, documentaries and instructional videos;4) To create diversity in programming by showcasing a number of different sports including tennis, soccer, hockey, basketball, swimming, wrestling, figure skating, water polo, diving. By the end of 2016, we wish to add volleyball, softball, bowling, rowing, rugby & flag football to the live broadcast schedule.WE ARE A FREE SERVICE TO ALL LGBT SPORTS ORGANIZATIONS SUPPORTED BY SPONSORS, ADVERTISERS, DONATIONS & COMMUNITY VOLUNTEERS.Our Web Audience1) There are more than 8 LGBT national association governing bodies who promote, host, train and advocate for their member sports. Each association has thousands of members, hundreds of individual clubs and dozens of tournaments, matches and events throughout the year.2) With more than 100,000 active LGBT sports athletes (competing in more than 200 tournaments, matches & games) who have family, friends, fans & supporters – the CCE Sports Network has the ability to attract more than 500,000 viewers to its live broadcast & archived content. Expanding to the LGBT community at-large and sports fans across the world, we have a potential audience of more than 1 million viewer interactions through live broadcast, archived content, live chat & live photography updates.WE HAVE STARTED OUR 4TH YEAR OF BROADCASTING AND HAVE ACHIEVED:30 LIVE broadcasts;123,422 viewers (as of 09/19/2015);81 days of live streaming; and568 hours of live web streaming.Broadcast Event Focus and TimetableBroadcast Year 1 – May 1, 2012 – Dec 31, 2012 — TennisBroadcast Year 2 – Jan 1, 2013 – Dec 31, 2013 — Tennis, Soccer, Swimming, Diving, Water PoloBroadcast Year 3 – Jan 1, 2014 – Dec 31, 2014 — Tennis, Soccer, Swimming, Diving, Water Polo, Wrestling, Basketball, Figure Skating, Hockey & monthly sports showBroadcast Year 4 – Jan 1, 2015 – Dec 31, 2015 – Tennis, Soccer, Basketball & monthly sports show – Goal to add: Flag Football & SoftballBroadcast Year 5 – Jan 1, 2016 – Dec 31, 2016 – Our goal for 2016 is to have Tennis, Soccer, Basketball, Flag Football, Softball, Volleyball, Rugby & SwimmingBroadcast Year 6 – Jan 1, 2017 – Dec 31, 2017 – Our goal is to be the exclusive live web streaming provider for World OutGames Miami in Miami, Florida May 26 – June 4 along with providing coverage for Tennis, Soccer, Basketball, Flag Football, Softball, Volleyball, Rugby, Swimming, Water Polo & Diving.———–Charlie David:Charlie David has been a host for E! Television, NBC, OutTV, LOGO, here! TV, Pink TV, EGO, Fine Living and Slice Networks on such shows as FYE!, SpyTV, Crash Test Mommy and his travel series Bump which shot over 100 episodes around the world and garnered a Hugo Television award. He has appeared as musical guest on VH1, BBC, CBS’s The Early Show, and dozens of radio shows.In 2005 Out Magazine recognized Charlie in the ‘Out 100’ at their gala in New York. In 2007 the Philadelphia Film Society awarded Charlie with their Rising Star Award. In 2008 the Festival del Sol in Gran Canaria awarded their Best Male Actor Award to Charlie and the male cast of A Four Letter Word. Formerly in a rock band… okay, actually it was a boy band, Charlie opened for Destiny’s Child, Pink, Snoop Dogg, Rick Springfield and Black Eyed Peas.A love of storytelling led Charlie to start Border2Border Entertainment Inc., a production company whose film and television credits include Mulligans, Judas Kiss, I’m a Stripper (series), Studlebrity and Positive Youth. Border2Border Entertainment’s films have been licensed to Showtime, Super Channel, HBO Canada, MTV/LOGO, Sundance Channel, Condé Nast Entertainment, Discovery Networks, The Movie Network, Movie Central, Encore Avenue, and OutTV in North America as well as finding a worldwide audience through international distribution partners.He is a graduate of the Canadian College of Performing Arts and his current passions include motorcycle cruises, high adrenaline encounters with wildlife, SCUBA diving and sports. He resides in Toronto and Montréal, Canada when he’s not living out of a suitcase. Element Twenty TwoPresentsARed Headed RevolutionProductionPaternity LeaveDirected by Matt RiddlehooverWritten by Matt Riddlehoover and Dustin TittlePublicityElement Twenty Twofilm@elementtwentytwo.comSales RepresentationBorder2Border Entertainmentinfo@border2border.caPATERNITY LEAVEStarringGreg JACOB YORKKen CHARLIE DAVIDThomas CHRIS SALVATORECo-StarringAlex RAFAEL SOCHAKOVConnie REBECCA LINESDr. Elliot SUSANNAH DEVEREUXFilmmakersWriter/Director MATT RIDDLEHOOVERCo-Writer DUSTIN TITTLEProducerExecutive ProducerCo-Executive ProducerAssociate ProducersDirector of PhotographyProduction DesignerEditorStill PhotographyCAMERON MCCASLANDDAVID PETERSMICHAEL PERRINEJASMINE MCATEEJONATHAN OWLUCA RACITIJOSH ICKESLORI PURYEARMIRANDA MEGILLETHAN JAMESPATERNITY LEAVESynopsisMatt Riddlehoover’s Paternity Leave is a romantic comedy about Greg (JacobYork), Ken (Charlie David), and a moment of passion on the eve of their fouryear anniversary that changes the course of their lives forever.Greg begins feeling nauseated, fatigued, moody and – most unfortunately –fat. At his wit’s end and Ken’s insistence, he sees a doctor who’s stumped andrefers the couple to a specialist. To everyone’s amazement, Greg is pregnant.Shock, stress, and fear settle in, and Greg’s relationship gets put to theultimate test.Co-starring Chris Salvatore (Eating Out: All You Can Eat, Drama Camp, TheOpen Weekend), Paternity Leave poses a modern answer to the age oldquestion: “Are we ready to be parents?”About the Production“What Paternity Leave does,” co-writer Dustin Tittle explains, “is co-opt thetraditional family and some of its roles. There’s a total blurring of the linesand it’s easy to forget it’s about two men – it’s about two people.”“When I first read the script, I laughed so much,” actor Charlie David recalls.“It’s such a wild and fun concept… Obviously, we live in a world where theidea of having babies isn’t out of the norm – but two dudes doing it is veryout of the norm. And yet, it also largely mirrors the reality of where we are…looking at gay marriage and adoption and surrogacy. It’s very relevant.”Shot in seven days, principal photography of the film began on September 1,2014 – Labor Day – in Nashville, TN. It made its world premiere at theNashville Film Festival on April 19, 2015, and its West Coast premiere atFilmOut San Diego on May 30, 2015.PATERNITY LEAVEAbout the CastJacob York (Greg), a native of Benton, KY, moved to Atlanta, GA sevenyears ago to participate in the Shakespeare Tavern’s Apprentice Program.Some of his roles include Macbeth (The Atlanta Shakespeare Company),Algernon in The Importance of Being Earnest (Tennessee RepertoryTheatre), Bennett Riggs in Angry Fags (7 Stages), Tubbs in Middle School:The Musical (Alliance Theatre), and Tom in Fat Pig (Aurora Theatre). Inaddition to acting, Jacob is a playwright whose first show, Homers,premiered at the Georgia Ensemble Theatre & Conservatory in early 2015.Charlie David (Ken) is an actor and filmmaker, perhaps best known for hisrole on the LGBT horror series, Dante’s Cove. His feature film acting creditsinclude A Four Letter Word, Mulligans, 2 Frogs in the West, Judas Kiss, andMore Scenes from a Gay Marriage. He has also worked as a host on anumber of TV shows, like F.Y.E!, SpyTV, Bump!, and Crash Test Mommy.More recently, he has produced and directed a number of acclaimeddocumentary features, including Positive Youth, I’m a Porn Star, and I’m aStripper.Chris Salvatore (Thomas) is a singer/songwriter and actor. After graduatingfrom The New York Conservatory for Dramatic Arts in 2008, Chris made hisfeature film debut in Eating Out: All You Can Eat, a romantic comedydirected by Q. Allan Brocka. He then went on to star in two successfulsequels to Eating Out, both of which premiered on Logo in 2011. Chrisrecently appeared on stage in an original play, Pieces, which received ravereviews from New York critics during its sold-out run. His music has beenfeatured on MTV and is now available through iTunes and other onlinestores.PATERNITY LEAVEWriter-Director Matt RiddlehooverPaternity Leave 2015/director, screenwriterFilmOut Audience Award nominee, Best FeatureFilmOut Audience Award nominee, Best ScreenplayMore Scenes from 2014/director, screenwriter, actora Gay Marriage TLA Gaybie nominee (& winner), Best Gay ComedyTLA Gaybie nominee (& winner), Best DirectorTLA Gaybie nominee (& winner), Best Lead ActorWest Hollywood 2013/director, screenwriter, actorMotel TLA Gaybie nominee, Best Gay ComedyScenes from a 2012/director, screenwriter, actorGay Marriage TLA Gaybie nominee, Best Gay ComedyGaze 2010/director(documentary) TLA Gaybie nominee, Best Gay DocumentaryBookends 2008/director, screenwriter, actorTo a Tee 2006/director, screenwriter, actorReading Into It 2005/director, screenwriter, actor(short)PATERNITY LEAVEAbout the FilmmakersMatt Riddlehoover (writer/director) is an award-winning, Nashville-basedfilmmaker. His work has appeared on Late Night with Conan O’Brien,Out.com, and in Filmmaker Magazine. He is married to Dustin Tittle, aNashville native and co-writer of Paternity Leave. They have two cats; one ofwhom is very sweet.Dustin Tittle (co-writer) was raised in the open sewer called “the musicindustry,” where he learned from a young age to take as few things seriouslyas possible. A published writer, Dustin’s wit miraculously disappears duringany and all attempts to “try to write,” so most of his contributions to PaternityLeave have been the result of impromptu one-liners written without hisknowledge but with his permission.Cameron McCasland (producer) is a filmmaker whose work has garneredawards at Crossroads Film Festival, Worldfest Houston, Fearless FilmFestival, as well as a special humanitarian award from the Rondo HattonClassic Horror Film Board, and five Emmy nominations.Josh Ickes (director of photography) is a premiere cinematographerspecializing in the phantom camera, high end car rigs, and steadicamoperation. He has photographed several film, television, live concert andspecial event productions for clients like Honda and Verizon. Ickes has alsolensed Olympic athletes, country music superstars, and rock ‘n’ roll legends.Miranda Megill (editor) is a Nashville-based film editor and sound designer.Paternity Leave marks her fifth collaboration with Matt Riddlehoover.Ethan James (still photography) is a published photographer whose imageshave appeared in magazine and book publications nationally and across theseas (Brazil, Australia, London, Germany, etc.).PATERNITY LEAVEReviews“Paternity Leave might be the world’s funniest‘gaymantic’ comedy… it is hilarious through and through.The entire cast is superb… the writing is so crisp.”-Timothy Rawles, San Diego Gay & Lesbian News“…a laugh-filled film about the ups and downsa pending newborn would add to any relationship.”-Jonathan Pinkerton, Examiner.com“Satiric, yet heartfelt… well worth seeing.”-Brad Hart, Rage Monthly“A little bundle of cinematic joy…it’s a labor of love, laughter, and a few tears.”-Kansas City LGBT Film Festival“If you’re looking for LGBT comedy…Paternity Leave is your pick.”-James Grady, Out & About Newspaper

Programa "Leyendas en el Tintero" dirigido y presentado por Fernando Gracia, con la colaboración María Tortosa en un especial sobre El Satiricón. Emitido en directo el Martes, 28/01/2014 de 22:00 a 23:00 h. a través de esmiradio.es Lo puedes escuchar en directo los Martes de 22 a 23h. a través de Internet en http://www.esmiradio.es o también en directo a través de Tune-In o iVoox. Consulta nuestra programación en www.esmiradio.es Contacto: info@esmiradio.es