Podcast appearances and mentions of Charles Frederick Worth

Stéphane Bern raconte, alors que s'ouvre la semaine des défilés à Paris, le destin de l'inventeur de la haute couture : Charles Frederick Worth, un anglais devenu, au milieu du XIXe siècle, le couturier attitré de toute l'aristocratie européenne… Qui était vraiment Charles Frederick Worth ? En quoi est-il l'inventeur de la haute couture ? Quel héritage a-t-il laissé dans le milieu de la mode ? Pour en parler, Stéphane Bern reçoit Sophie Grossiord, directrice par intérim du Palais Galliera Musée de la mode de Paris et Annick Lemoine, directrice et conservatrice générale du Petit Palais, toutes les deux commissaires de l'exposition "Worth. Inventer la haute couture" à découvrir au Petit Palais à Paris, jusqu'au 7 septembre 2025. Au Coeur de l'Histoire est réalisée par Loïc Vimard. Rédaction en chef : Benjamin Delsol. Auteure du récit : Charlotte Chaulin. Journaliste : Clara Leger.Distribué par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Stéphane Bern raconte, alors que s'ouvre la semaine des défilés à Paris, le destin de l'inventeur de la haute couture : Charles Frederick Worth, un anglais devenu, au milieu du XIXe siècle, le couturier attitré de toute l'aristocratie européenne… Qui était vraiment Charles Frederick Worth ? En quoi est-il l'inventeur de la haute couture ? Quel héritage a-t-il laissé dans le milieu de la mode ? Pour en parler, Stéphane Bern reçoit Sophie Grossiord, directrice par intérim du Palais Galliera Musée de la mode de Paris et Annick Lemoine, directrice et conservatrice générale du Petit Palais, toutes les deux commissaires de l'exposition "Worth. Inventer la haute couture" à découvrir au Petit Palais à Paris, jusqu'au 7 septembre 2025. Au Coeur de l'Histoire est réalisée par Loïc Vimard. Rédaction en chef : Benjamin Delsol. Auteure du récit : Charlotte Chaulin. Journaliste : Clara Leger.Distribué par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Chanel, Dior, Saint Laurent – the names that define Parisian chic are French. But did you know that the entire French Haute Couture empire was built by … an Englishman? Join Eve Jackson at the Petit Palais in Paris for a dazzling deep dive into a new exhibition on Charles Frederick Worth, the revolutionary British designer who transformed fashion from mere clothing into high art and big business.

“Worth” Inventer la haute coutureau Petit Palais, Parisdu 7 mai au 7 septembre 2025Entretien avec Raphaële Martin-Pigalle, conservatrice en chef du patrimoine, département des peintures modernes (1890-1914) au Petit Palais, et co-commissaire scientifique de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 5 mai 2025, durée 16'28,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/05/21/3620_worth_petit-palais/Communiqué de presseCommissariat général :Annick Lemoine, conservatrice générale, directrice du Petit PalaisMiren Arzalluz, directrice du Musée Guggenheim, Bilbao, directrice honoraire du Palais GallieraCommissariat scientifique :Sophie Grossiord, directrice par intérim du Palais Galliera, conservatrice générale du patrimoine, responsable des collections mode début du XXe siècle jusqu'à 1947Marine Kisiel, conservatrice du patrimoine, responsable des collections mode du XIXe siècle, Palais GallieraRaphaële Martin-Pigalle, conservatrice en chef du patrimoine, département des peintures modernes (1890-1914) au Petit Palaisassistées d'Alice Freudiger, assistante d'exposition au Palais Galliera. Avec la contribution exceptionnelle du Palais Galliera, le Petit Palais présente une exposition consacrée à la maison de couture Worth.Charles Frederick Worth (1825-1895), fondateur d'une maison qui incarne l'apogée du luxe parisien, est une figure incontournable de l'histoire de la mode. Né en Angleterre, celui qu'on qualifie aisément d'inventeur de la haute couture, fonde en 1858 la maison «_Worth & Bobergh_ » au 7 rue de la Paix, à Paris. Cette maison qui portera ensuite le seul nom de «_Worth_», devient le symbole du raffinement et du savoir-faire français et s'étend sur quatre générations et près d'un siècle.Présentée sur 1 100 m2 dans les vastes galeries du Petit Palais, cette rétrospective inédite rassemble plus de 400 pièces — vêtements, accessoires, objets d'art, peintures et arts graphiques— et a pour ambition de mettre en lumière aussi bien les créations que les figures marquantes de la maison Worth. Outre la collection du Palais Galliera, l'exposition bénéficie de prêts rares et prestigieux en provenance de musées internationaux tels que le Philadelphia Museum of Art, le Metropolitan Museum of Art, le Victoria and Albert Museum, le Palazzo Pitti, ainsi que de nombreuses collections privées.Le parcours suit une chronologie s'étendant du Second Empire à l'entre-deux-guerres et montre comment la griffe Worth, grâce à la vision internationale de son fondateur, est devenue une référence incontestée, contribuant à consolider la place de Paris comme capitale mondiale de la mode.La première partie de l'exposition retrace les débuts de la maison, son essor et sa clientèle, de 1858 à la veille de la Première Guerre mondiale. Arrivé à Paris en 1846, Charles Frederick Worth débute comme commis chez Gagelin, un marchand renommé, avant de se faire rapidement un nom.En 1858, il fonde la maison « Worth & Bobergh » avec le Suédois Otto Gustav Bobergh, au premier étage du 7 rue de la Paix.La maison habille la princesse de Metternich, la cour impériale jusqu'à l'Impératrice Eugénie elle-même, imposant sa domination sur la mode parisienne. En 1870, après la séparation avec Bobergh, la griffe devient « Worth ». Des tenues de jour aux manteaux d'opéra, de la tea-gown (robe d'intérieur) aux robes de bal, l'exposition illustre le style Worth, inimitable, à travers un ensemble de silhouettes portées au gré d'une journée.[...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

This episode takes a deep dive into the captivating history and dynamics of Fashion Week, exploring its evolution from exclusive shows in the 19th century to its modern global presence. We discuss the origins, the role of influencers, and the ongoing challenges of exclusivity within the fashion industry. • Overview of Fashion Week origins and evolution • Influence of the Industrial Revolution on fashion • The role of Charles Frederick Worth in establishing fashion shows • The significance of Press Week in the U.S. and the birth of New York Fashion Week • The exclusivity and social dynamics of Fashion Week today • Impact of influencers on modern fashion narratives • Future considerations for inclusivity in Fashion Week eventsSupport the show

Direction Drouot à Paris pour Les Estivales, la 1ère vente du printemps de flacons de parfum et Nuages de poudres 2024 avec le commissaire-priseur, Le Floc'h. Une vente bien évidemment orchestrée par l'incontournable et unique l'expert Jean-Marie Martin-Hattemberg. Un homme qui vit, respire sa passion pour la parfumerie pré-industrielle (1880-1960) et a écrit de nombreux livres sur les parfums et la beauté. Son dernier livre, retrace le parcours de Charles Frederick Worth, un homme visionnaire, aux éditions Thames & Hudson. Un beau livre écrit avec Chantal Trubert, arrière-arrière-petite-fille de Charles Frederick Worth, Francoise Tétart-Vittu, historienne du costume, ancienne responsable du Cabinet des Estampes du Musée Galliera et Fabrice Olivieri, fondateur de Parfumologie, créateur de parfum. Écoutons-le sans plus tarder pour prendre le pouls du marché des collectionneurs de flacons de parfum, découvrir ses dernières acquisitions et s'attarder bien évidemment sur les flacons étonnants et d'exception de cette vente. Courez vite aujourd'hui à Drouot pour voir l'exposition jusqu'à 18h et aussi lundi matin. Sinon, le catalogue est disponible sur le site internet de Le Floc'h. Soutenir Tatousenti :· Faire un don pour soutenir et encourager Tatousenti à continuer, cliquez ici· Site : www.tatousenti.com· Instagram : https://www.instagram.com/bettinaaykroyd/ Production : Bettina Aykroyd Si cet épisode vous a plu, n'hésitez pas à laisser plein d'étoiles et un commentaire sur la plateforme Apple Podcasts et surtout à vous abonner grâce à votre application de podcasts préférée ! Cela m'aide énormément à faire découvrir Tatousenti à de nouveaux auditeurs et de nouvelles auditrices. Tatousenti, le podcast qui agite le parfum Tatousenti podcast explore le monde du parfum dans tous ses sens. Le sens de l'innovation, de la créative et de l'audace. Chaque semaine, Bettina donne la parole à celles et ceux qui créent et imaginent le parfum de demain. On y parle parfum, saveurs, ingrédient, odeur, émotion développement durable avec les parfumeurs et des chefs d'entreprise, des chocolatiers, des chefs cuisiniers à titre d'exemple.Bettina Aykroyd, franco-britannique et expert odeur, parfum et saveurs. Mon motto : pour bien sentir, il faut se sentir bien.

Carl visits the Museum of the City of New York where he's joined by Collections Manager for Costumes and Textiles, Elizabeth Randolph, to discuss the famous dress Alice Vanderbilt wore to her sister-in-law Alva'a ball, while inspecting the original dress itself. On the evening of March 26, 1883, Alva Vanderbilt threw her famous costume ball to officially open her new "Petit Chateau" on Fifth Avenue and to secure her place in Gilded Age society.  Her sister-in-law, Alice, not to be outdone, arrived at the ball and created  one of the most talked about fashion statements from the Gilded Age to today.  Alice had the famed British-born Parisian couturier Charles Frederick Worth design a gown that represented "electric light" - a new idea in 1883.  Encrusted with gold and silver threads, Alice's gown caught the attention of not only the guests at the ball, but the press whose reports of her dress ranged from the credible to the outrageous. Jose Mora, the noted society photographer of the era, captured Alice in a famous photograph in which Alice, wearing the dress, holds a torch high above her head.  Myths about the dress have circulated for years - that there was a concealed battery back in the bodice, that the dress itself somehow "lit up", and on and on.  Miraculously, the original dress survives today and is in the collection of the Museum of the City of New York. With deep gratitude and thanks to the Museum, I was allowed to see the actual dress and record this interview with Elizabeth Randolph. With the dress laid out before us, we explored the story of what's true, what's not, and just what effect (both visual and social) Alice would have made wearing the dress on the night of Alva's ball. 

In this episode I am joined by prominent historian Elizabeth L. Block to discuss all things 19th century fashion! Her book, Dressing Up chronicles how wealthy American women-as consumers and as influencers-helped shape French couture of the late nineteenth and examines the couturiers' influential clientele--wealthy American women who bolstered the French fashion industry with a steady stream of orders from the United States.  Countering the usual narrative of the designer as solo creative genius, Block tell us just how these women-as high-volume customers and as pre-Internet influencers-were active participants in the era's transnational fashion system. Block describes the arrival of nouveau riche Americans on the French fashion scene, joining European royalty, French socialites, and famous actresses on the client rosters of the best fashion houses-Charles Frederick Worth, Doucet, and Felix, among others. Block reveals the power of American women in French couture. Listen now to find out just influential late 19th century France was to American fashion, and how The Gilded Age on HBO has interpreted this in their new hit show. Join the Behind The Seams family to support the podcast and gain access to bonus content: www.patreon.com/silhouettespodcast Thanks for listening, and stay fab everyone. Follow the show on Instagram @Silhouettespodcast for more updates --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/silhouettes/message

Dressing Up by Elizabeth L Block chronicles how wealthy American women--as consumers and as influencers--helped shape French couture of the late nineteenth and examines the couturiers' influential clientele--wealthy American women who bolstered the French fashion industry with a steady stream of orders from the United States. Countering the usual narrative of the designer as solo creative genius, Block shows that these women--as high-volume customers and as pre-Internet influencers--were active participants in the era's transnational fashion system. Block describes the arrival of nouveau riche Americans on the French fashion scene, joining European royalty, French socialites, and famous actresses on the client rosters of the best fashion houses--Charles Frederick Worth, Doucet, and Felix, among others. She considers the mutual dependence of couture and coiffure; the participation of couturiers in international expositions (with mixed financial results); the distinctive shopping practices of American women, which ranged from extensive transatlantic travel to quick trips downtown to the department store; the performance of conspicuous consumption at balls and soirees; the impact of American tariffs on the French fashion industry; and the emergence of smuggling, theft, and illicit copying of French fashions in the American market as the middle class emulated the preferences of the rich. Lavishly illustrated, with vibrant images of dresses, portraits, and fashion plates, Dressing Up reveals the power of American women in French couture.Join the Behind The Seams family to support the podcast and gain access to bonus content: https://www.patreon.com/silhouettespodcastThanks for listening, and stay fab everyone.Follow the show on Instagram @Silhouettespodcast for more updates Become an aCast+ subscriber to support the podcast and gain access to bonus content: https://plus.acast.com/s/silhouettes-a-fashion-history-podcast-1. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Te cuento sobre Charles Frederick Worth y su casa de alta costura. Cómo pasó de vestir a reinas y mujeres aristócratas a ser un dato en los libros de historia de la Moda.

Brecht van Hulten in gesprek met Madelief Hohé, conservator mode en kostuum bij Kunstmuseum Den Haag.  Vivienne Westwood, Alexander McQueen, Stella McCartney, maar ook de maatkleding van Savile Row, Britse kostschooluniformen, de Schotse ruit, sportkleding, kleding van de Britse Royal Family, hoeden voor Ascot van Philip Treacy en Stephen Jones: de Britten hebben hun stempel stevig weten te drukken op de modegeschiedenis. En denk daarbij zeker niet alleen aan keurige, conservatieve maatkleding. In Engeland hadden ook de rebellen van Swinging London, punks en skinheads invloed op het modebeeld. Net als de Britse royals zelf, en dan vooral de zo geliefde Lady Diana. Behalve mode-icoon was zij ook een rebel die mode aangreep om een statement te maken. Kunstmuseum Den Haag duikt met de modetentoonstelling 'Royals & Rebels – British Fashion' in de rijke geschiedenis van de Britse mode en brengt hiermee ook een eerbetoon aan Vivienne Westwood. Er komen naast haar, McQueen en McCartney talloze andere Britse ontwerpers aan bod, onder wie Charles Frederick Worth, Liberty's, Lucile, Edward Molyneux, Mary Quant, Katharine Hamnett, Paul Smith, John Galliano, Phoebe Philo, Richard Quinn, Gareth Pugh, Simone Rocha en jonge talenten zoals Bora Aksu, Robert Wun, Charles Jeffrey Loverboy en Matty Bovan. 

Cristina Acidini"L'arte della moda"L'età dei sogni e delle rivoluzioni 1789-1968Forlì, Museo Civico San DomenicoFino al 2 luglio 2023http://www.mostremuseisandomenico.itTintoretto, William Hamilton, George Romney, Francesco Hayez, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, James Tissot, Giovanni Boldini, Vittorio Corcos, Henry Matisse, Josef Hoffmann, Giacomo Balla, Piet Mondrian, Umberto Boccioni, Giorgio de Chirico, Damien Hirstinsieme con Charles Frederick Worth, Ventura, Mariano Fortuny, Paul Poiret, SalvatoreFerragamo, Coco Chanel, Germana Marucelli, Valentino Garavani e Pierpaolo Piccioli, Giorgio Armani, Christian Dior per John Galliano, Gucci, Prada, Tom Ford, Cristobal Balenciaga, Yohij Yamamoto: sono soltanto alcuni dei 100 artisti e dei 50 stilisti e couturier protagonisti di L'arte della moda. L'età dei sogni e delle rivoluzioni, 1789 – 1968, la grande mostra ideata e realizzata da Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì negli spazi del Museo Civico San Domenico, fino al 2 luglio 2023. Diretta da Gianfranco Brunelli e curata da Cristina Acidini, Enrico Colle, Fabiana Giacomotti e Fernando Mazzocca, l'esposizione è dedicata all'affascinante rapporto fra arte e moda. Il periodo preso in considerazione attraversa tre secoli: dall'Ancien Régime al secondo Novecento. Un racconto unico. Un percorso espositivo di confronti che comprende oltre 300 opere, tra quadri, sculture, accessori, abiti d'epoca e contemporanei. L'esposizione forlivese, la prima del suo genere, somiglia a un vero e proprio kolossal. Le opere, che a partire dal Settecento attraversano la Rivoluzione francese, il Romanticismo, la Macchia, l'Impressionismo, il Simbolismo e tutte le Avanguardie novecentesche fino a oggi, identificano un rapporto tra arte e moda dove l'arte rispecchia, crea e si fa moda e la moda appartiene definitivamente alle arti. La moda dipinta, ritratta, scolpita, realizzata dai grandi artisti. L'abito che modella, nasconde, dissimula e promette il corpo. L'abito come segno di potere, di ricchezza, di riconoscimento, di protesta. Come cifra distintiva di uno stato sociale o identificativa di una generazione. La moda come opera e comportamento. L'arte come racconto e come sentimento del tempo Tra le opere esposte Ritratto dell'avvocato Carlo Manna (1907) di Umberto Boccioni, Ritratto di Emiliana Concha de Ossa (1888) di Giovanni Boldini, Grande composizione A con nero, rosso, grigio giallo e blu (1919) di Piet Mondrian, Donna e anemoni (1920-1921) di Henry Matisse a cui fanno da contrappunto due completi ricamati di Giorgio Armani, il Panciotto di Marinetti (1923 – 1924) di Fortunato Depero, la Camicia Orlando (A/I 2001-02) di Gianfranco Ferré, il Delphos in seta con sopravveste in velluto (1920 circa) di Mariano Fortuny in dialogo con una Kore di tipo Eleusidella fine del II secolo, l'Abito da giorno “Linea Assira” (1961) di Germana Marucelli e un abito da sera inedito di Elsa Schiaparelli. Accompagnato dal catalogo edito da Dario Cimorelli Edizioni, il progetto espositivo, curato dall'architetto Alessandro Lucchi, si è avvalso della preziosa collaborazione dei più importanti musei d'arte, degli archivi, dei musei e maison di moda. L'esposizione forlivese porta in Italia capolavori provenienti da importanti istituzioni museali internazionali quali, tra gli altri, il Musée d'Orsay di Parigi, la Galleria Belvedere di Vienna, il Musée d'Art et d'Histoire di Ginevra, la Klimt Foundation e il MAK- Museum of Applied Arts, di Vienna, la Galerie Neue Meister di Dresda, Le Domaine de Trianon | Château de Versailles, il Kunstmuseum de l'Aia, il Museum National di Cracovia, il Castello Reale di Varsavia. Accanto ad essi i maggiori musei italiani: le Gallerie degli Uffizi di Firenze, la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma, la Pinacoteca Agnelli di Torino, il Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, il Museo e Real Bosco di Capodimonte di Napoli, il Museo Archeologico Nazionale di Napoli, la Pinacoteca di Brera di Milano, i Musei Civici di Mantova, l'Istituto per il Teatro e il Melodramma - Fondazione Giorgio Cini di Venezia, il Museo del Novecento di Milano, l'Accademia di Belle Arti di Brera, il Museo Poldi Pezzoli di Milano, le Gallerie Nazionali d'Arte Antica di Roma, la Fondazione Magnani Rocca di Fontanellato, le Gallerie d'Italia di Intesa Sanpaolo, la Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca, la Fondazione Cariverona, il Museo Palazzo Ricci di Macerata, la Biblioteca Nazionale Centraledi Firenze, i Musei Civici di Padova, la Galleria d'Arte Moderna di Roma, il Museo Revoltella di Trieste, la Galleria d'Arte Moderna Restivo di Palermo. Prestigiosi anche i prestiti degli abiti e degli accessori provenienti da fondamentali case di moda come Giorgio Armani, Curiel, Prada, Christian Dior Couture, Archivio Storico Gucci, Maison Valentino, Lanvin, Max Mara; e da importanti istituzioni come Palazzo Morando | Costume Moda Immagine di Milano, Archivio Renato Balestra, il Museo Stibbert di Firenze, Centro di ricerca Gianfranco Ferré, il Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti di Firenze, Archivio Storico Galitzine, il Museo Ferragamo di Firenze, il Museo Boncompagni Ludovisi di Roma, il Museo del Costume - Castello di Donnafugata di Ragusa, il Museo dell'Aeronautica Caproni di Trento, il Museo Mariano Fortuny y Madrazo e il Museo Correr di Venezia, la Fondazione Archivio Capogrossi di Roma, l'Archivio Germana Marucelli di Milano, gli Archivi Mazzini di Massa Lombarda, Fortuny di Venezia, la Collezione Tirelli Trappetti di Roma e la Collezione Massimo Cantini Parrini. Importanti anche i prestiti da collezioni private fra cui quella di AlbertoTagliabue e Giovanna Frossi. Ideata e realizzata dalla Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì in collaborazione con il Comune di Forlì e il Museo Civico San Domenico, la mostra è frutto del lavoro del prestigioso comitato scientifico presieduto ad honorem da Antonio Paolucci e composto da Marco Antonio Bazzocchi, Silvia Casagrande, Simona Di Marco, Fabriano Fabbri, Mario Finazzi, Gioia Mori, Francesco Parisi, Paola Refice, Giorgio Restelli, Stefania Ricci, Ines Richter, Chiara Squarcina, Ulisse Tramonti. Anche per L'arte della moda. L'età dei sogni e delle rivoluzioni, 1789 – 1968 si conferma la preziosa collaborazione avviata nel 2014 tra la Fondazione e Mediafriends, l'Associazione Onlus di Mediaset, Mondadori e Medusa, nel segno di arte e solidarietà, grazie alla quale una parte del biglietto di ingresso alla mostra verrà devoluto per sostenere il progetto “Scuola di Vita”, rivolto a ragazze e ragazzi che non hanno ancora trovato una strada.IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarehttps://ilpostodelleparole.itQuesto show fa parte del network Spreaker Prime. Se sei interessato a fare pubblicità in questo podcast, contattaci su https://www.spreaker.com/show/1487855/advertisement

La haute couture est aujourd'hui encore une tradition française d'élégance et de luxe. Charles Frederick Worth est considéré comme son créateur. Né en Angleterre en 1825, il travaille très tôt dans le textile.Gagnant Paris dès 1845, il parvient à ouvrir un atelier de confection dans l'entreprise textile où il travaille. Ses créations attirent l'attention de l'Impératrice Eugénie, qui lui passe de nombreuses commandes.Dès lors sa réputation dans la haute société parisienne est assurée. Worth ne laisse pas ses clientes fortunées choisir les tissus et les formes de leurs robes, comme c'était l'usage.Il les crée lui-même, sur mesure. Et pour que ces grandes dames puissent étudier ses modèles, il demande à des mannequins de les porter. Ce sont de telles innovations qui ont donné naissance à la haute couture.D'autres précurseursAprès Worth, d'autres créateurs ont donné ses lettres de noblesse à la haute couture. À l'époque de son apparition, à la fin du XIXe siècle, les femmes portent un corset, ce qui resserre la taille et fait saillir le buste.Véritable instrument de "torture", le corset ne met guère en valeur la silhouette féminine. Les femmes qui le portent ne peuvent que manquer de naturel dans leur démarche.Couturier favori de la Belle Époque, Jacques Doucet respecte la tradition mais rend ses robes un peu plus souples. Mais c'est Paul Poiret qui met fin à la tyrannie du corset.En 1906, ce célèbre couturier ose le supprimer. Dès lors, les femmes peuvent porter des robes droites, à la taille haute et non plus étranglée. Ainsi habillées, elles ressemblent un peu aux élégantes du Directoire.Les femmes doivent à ce grand précurseur de la haute couture une allure plus naturelle. Et elles y gagnent une nouvelle liberté de mouvement.Mais la haute couture, dont les modèles font déjà la réputation de Paris dans le monde entier, n'est pas l'apanage des hommes. En effet, il y eut aussi des pionnières : Jeanne Lanvin qui, dès 1909, devient un des grands noms de la haute couture, et, bien sûr, Coco Chanel. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

La haute couture est aujourd'hui encore une tradition française d'élégance et de luxe. Charles Frederick Worth est considéré comme son créateur. Né en Angleterre en 1825, il travaille très tôt dans le textile. Gagnant Paris dès 1845, il parvient à ouvrir un atelier de confection dans l'entreprise textile où il travaille. Ses créations attirent l'attention de l'Impératrice Eugénie, qui lui passe de nombreuses commandes. Dès lors sa réputation dans la haute société parisienne est assurée. Worth ne laisse pas ses clientes fortunées choisir les tissus et les formes de leurs robes, comme c'était l'usage. Il les crée lui-même, sur mesure. Et pour que ces grandes dames puissent étudier ses modèles, il demande à des mannequins de les porter. Ce sont de telles innovations qui ont donné naissance à la haute couture. D'autres précurseurs Après Worth, d'autres créateurs ont donné ses lettres de noblesse à la haute couture. À l'époque de son apparition, à la fin du XIXe siècle, les femmes portent un corset, ce qui resserre la taille et fait saillir le buste. Véritable instrument de "torture", le corset ne met guère en valeur la silhouette féminine. Les femmes qui le portent ne peuvent que manquer de naturel dans leur démarche. Couturier favori de la Belle Époque, Jacques Doucet respecte la tradition mais rend ses robes un peu plus souples. Mais c'est Paul Poiret qui met fin à la tyrannie du corset. En 1906, ce célèbre couturier ose le supprimer. Dès lors, les femmes peuvent porter des robes droites, à la taille haute et non plus étranglée. Ainsi habillées, elles ressemblent un peu aux élégantes du Directoire. Les femmes doivent à ce grand précurseur de la haute couture une allure plus naturelle. Et elles y gagnent une nouvelle liberté de mouvement. Mais la haute couture, dont les modèles font déjà la réputation de Paris dans le monde entier, n'est pas l'apanage des hommes. En effet, il y eut aussi des pionnières : Jeanne Lanvin qui, dès 1909, devient un des grands noms de la haute couture, et, bien sûr, Coco Chanel. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Una invitada especial desde Colombia: Luz Lancheros, periodista moda. Así que celebramos el Día del Padre nerdeando de los "Padres de la Moda del siglo XX", desde Charles Frederick Worth hasta Alexander McQueen.

Fashion designers and their work are everywhere these days, from our closets to the runways. But one man started it all: Charles Frederick Worth. Learn who he was and how he created haute couture in this classic episode of BrainStuff, based on this article: https://history.howstuffworks.com/historical-figures/who-started-haute-couture.htm Learn more about your ad-choices at https://www.iheartpodcastnetwork.com

“Histoires de photographies” Collections du Musée des Arts Décoratifsau MAD, musée des Arts Décoratifs, Parisdu 19 mai au 12 décembre 2021Interview de Sébastien Quéquet, attaché de conservation en charge des collections photographiques, département des Arts graphiques et commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 19 mai 2021, durée 27'22, © FranceFineArt.Extrait du communiqué de presse :CommissariatSébastien Quéquet, attaché de conservation en charge des collections photographiques, département des Arts graphiquesAvec la collaboration de :Sonia Aubès, documentalisteMax Bonhomme, docteur en histoire de l'artIris Cartron, élève de l'École normale supérieureBéatrice Krikorian, chargée de missionLe Musée des Arts Décoratifs présente une exposition de ses collections de photographies, révélées pour la première fois au public. Ce fonds patrimonial exceptionnel, riche de plus de 350 000 phototypes, rassemble des photographies de mode, d'architecture, de paysage, de décor, mais aussi publicitaires, allant des années 1840 aux créations les plus récentes.« Histoires de photographies » retrace, à travers 400 tirages originaux et négatifs, un siècle et demi d'histoires photographiques immortalisées par de grands noms tels Eugène Atget, Laure Albin-Guillot, Dora Kallmus, plus connue sous le nom de Madame d'Ora, Man Ray, Cecil Beaton, Robert Doisneau, Bettina Rheims, David Seidner… Chronologique et thématique, l'exposition dévoile la diversité des usages de la photo — politique, économique, juridique, artistique ou documentaire — et met en lumière les croisements, sensibles ou inattendus, avec les arts décoratifs. Elle offre ainsi un regard neuf sur le rôle de premier plan que le Musée des Arts Décoratifs a joué dans la reconnaissance de la photographie sur la scène artistique française.Dès son origine en 1864, l'Union centrale des beaux-arts appliqués à l'industrie – aujourd'hui Les Arts Décoratifs – envisage la photographie comme un « art appliqué à l'enseignement et à la vulgarisation ». Elle est alors considérée comme l'un des vecteurs les plus efficaces pour inspirer les ouvriers et artisans en plein contexte d'émulation artistique et économique. Au temps des premières expositions d'arts industriels, l'institution produit ses propres photographies grâce au laboratoire qu'elle met en place en 1883 et appelle les photographes à rejoindre ses rangs afin de fournir des modèles, en vue de former le regard et d'éduquer par l'image. Au fil du temps, le musée et sa bibliothèque acquièrent des milliers de clichés ayant pour vocation de documenter les collections que les créateurs ont pu donner par ailleurs, à l'instar de la maison Fouquet ou Louis Sognot.Au-delà des collections, c'est toute une politique d'expositions que la photographie nourrit tout au long du XXe siècle comme l'« Exposition des photographies de guerre » en 1916 ou l'« Exposition internationale de la photographie contemporaine » en 1936. La programmation propose et accueille les premières rétrospectives françaises consacrées à Henri Cartier-Bresson (1955) ou à Jacques Henri Lartigue (1975). En 2021, le musée rend un nouvel hommage à la photographie mais cette fois à travers le prisme de sa propre collection. Six sections permettent d'en saisir la profusion et la variété : la quête des modèles, les vues de pays comme objet d'étude et d'inspiration, la photographie au service du patrimoine, l'utilité commerciale de la photographie exploitée par la presse et la publicité, la reconnaissance de la photographie et la photographie de mode.Le parcours débute au commencement de l'histoire de la photographie dans le sillon des premières associations et institutions : la Société française de photographie voit le jour en 1854 et la Chambre syndicale de la photographie en 1862. Cette partie introduit le visiteur dans les premières images de ce milieu du XIXe siècle en rappelant leur vocation pédagogique pour les artistes et les artisans. L'acquisition de modèles photographiques – natures mortes mais aussi ornements ou figures – est alors au coeur des impératifs des institutions.Le XIXe siècle est aussi une époque d'échanges et de mouvements. Les expositions universelles, plus particulièrement à partir de 1867, invitent à découvrir le monde, cet « ailleurs » que l'on méconnait alors, et la photographie participe à ce phénomène. Les clichés pris à l'étranger ont nourri l'imaginaire des artistes et des décorateurs, autant que celui des collectionneurs. De l'Amérique du Sud à l'Asie en passant par l'Europe et la Méditerranée, les photographies témoignent de différents points de vue : colonial, touristique, ethnographique ou personnel. La photographie est également l'une des ressources les plus convoquées à l'heure où s'organise la protection des monuments. En apportant un témoignage visuel de leur état et de leur transformation, elle joue un rôle essentiel à l'égard du patrimoine et de l'architecture à travers l'objectif d'Henri Le Secq ou de Charles Marville.L'exposition entraîne le visiteur dans les années 1920-1930, qui voient l'apparition progressive de la photographie publicitaire. Cette partie dévoile comment l'essor du modernisme photographique doit autant aux photographes eux-mêmes qu'aux graphistes, éditeurs et décorateurs, qui font entrer l'image dans les domaines de la vie quotidienne. L'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, qui se tient à Paris en 1925, est fondamentale pour le marché de la photographie et de l'édition. Certaines revues comme Art et Décoration ou L'Architecture d'Aujourd'hui, et Connaissance des arts ensuite, accordent une place croissante à l'illustration photographique. Publiées dans ces revues, les clichés de Thérèse Bonney, Dora Kallmus ou Jean Collas jouent également un rôle de diffusion de modèles, contribuant au renouveau de la création et à l'évolution des goûts.C'est également l'ambition de l'Union française des arts du costume (UFAC), créée en 1948, sous l'impulsion de François Boucher, qui rassemble un ensemble prestigieux de pièces de mode, textiles et de tirages dont la gestion est alors confiée au musée. L'alliance de ces deux collections, dont l'accord est scellé en 1981, devient le socle de la mode du Musée des Arts Décoratifs. Le corpus photographique apporte un témoignage artistique et intime sur les figures les plus marquantes de la haute couture parisienne : Charles Frederick Worth, Madeleine Vionnet, Paul Poiret… Créateurs que les toutes récentes expositions « Harpers Bazaar. Premier magazine de mode » et « Le dessin sans réserve » ont mis en lumière.« Histoires de photographies » s'inscrit dans une programmation initiée en 2020 avec « Le dessin sans réserve », à la suite de « Faire le mur. Quatre siècles de papiers peints » en 2016, qui s'attache à faire découvrir au public toute la richesse de fonds restés longtemps dans l'ombre. L'exposition révèle les contours d'un médium à part entière, ses personnalités fondatrices et ses expressions les plus surprenantes.Un catalogue éponyme est disponible aux éditions MAD. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

When you read about fashion history and the birth of the designers, you learn that the first tailor to be recognized as such was Charles Frederick Worth during the 19th century. But, allow me to disagree here and to introduce you to the woman who put the foundations for fashion designers and Parisian Haute Couture, Rose Bertin. 

Doç.Dr. Ayşe Günay'a sorduk. "Moda nedir" sorusuyla başladık, İlk moda tasarımcılarından Charles Frederick Worth ve kadınlar için radikal tasarımlar yapan Paul Poiret'den bahsettik. 1920'li yılların modası, savaşın modaya etkisi, kadın ve erkek modası, modanın nasıl yayıldığı, illüstratör ve dergilerin etkisiyle devam ettik. İyi dinlemeler

“Luxes” au musée des Arts Décoratifs, Parisdu 15 octobre 2020 au 2 mai 2021Extrait du communiqué de presse :CommissairesOlivier Gabet, Commissaire général, Directeur du Musée des Arts DécoratifsAssisté de Cloé Pitiot, Conservatrice au Département moderne et contemporain au Musée des Arts DécoratifsÀ la suite de « Dix mille ans de luxe », conçue en partenariat avec le Louvre Abu Dhabi en 2019, le Musée des Arts Décoratifs présente, du 15 octobre 2020 au 2 mai 2021, « Luxes ». L'exposition propose un voyage à travers le temps et la géographie, alliant des moments de contemplation et des scansions plus monumentales, offrant à chacune des 100 oeuvres présentées l'espace le plus pertinent pour la délectation et la compréhension.Le parcours, chronologique et thématique, ouvre deux lieux emblématiques pourtant habituellement fermés à la visite : le salon 1900, mémoire vivante de l'Exposition universelle de Paris, une commande du musée pour célébrer l'Art nouveau et les arts décoratifs français, et le salon des Boiseries, dévoilant d'autres chefs-d'oeuvre du décor européen, dont un incroyable lustre de Venini exposé à Paris en 1925, une salle généreuse où lire et rêver, en prenant le temps, face aux Tuileries et au rythme de la ville. Sensible et encyclopédique, sélective et historique, l'exposition offre ainsi, pour la première fois à Paris et au Musée des Arts Décoratifs, une certaine idée du luxe à l'usage du monde contemporain. La scénographie a été confiée à Nathalie Crinière et à son agence, avec la participation exceptionnelle de la Confédération européenne du Lin et du Chanvre.Fondé en 1864 par les représentants des industries d'art qui devaient devenir plus tard ce que nous connaissons sous le nom d'industries du luxe, le Musée des Arts Décoratifs a, sans aucun doute, une légitimité particulière à proposer une exposition sur un tel sujet. Ses collections se sont constituées de manière rétrospective ou simultanée afin de défendre une certaine idée des arts décoratifs à la fois français et ouverts sur toutes les cultures artistiques, c'est-à-dire de l'art de vivre, de la créativité dans le domaine de l'objet, objet d'art ou objet de mode. En plus de 150 ans, il a su tisser des liens étroits avec les manufactures du XIXe siècle, comme avec ce qui en transmet l'héritage contemporain, les maisons du luxe français. Très tôt en ses rangs, des personnalités aussi remarquables que Charles Christofle ou Louis Cartier ont contribué à faire du musée, dans ses expositions comme dans ses collections, ce qu'il est aujourd'hui.Sans se limiter à l'idée d'un luxe à la française, l'exposition Luxes s'emploie à donner à ce sujet si vaste, d'un point de vue anthropologique et culturel, toute son ampleur universelle, portée par un choix très serré d'oeuvres ou d'ensembles d'oeuvres, qui sont autant de moments cruciaux, témoins d'une évolution de la notion de luxe, de son emploi dans une civilisation donnée. Elle souligne des points moins connus du grand public pour lequel la notion de luxe est de nos jours très profondément définie par la présence massive des marques dans notre quotidien, mots-sésames du fantasme de la consommation, logos surreprésentés dans l'espace urbain, artères des métropoles ou aéroports d'un monde globalisé, en somme une nouvelle lingua franca à l'échelle de la planète. Si certaines maisons apparaissent dorénavant comme consubstantielles à l'idée même du luxe, l'idée force de l'exposition Luxes est de ne pas s'y réduire.À travers siècles et civilisations, des objets insignes marquent une sorte de généalogie du luxe, commençant par le sablier de Marc Newson, objet suprême qui symbolise le luxe du temps, puis par les plus beaux exemples de l'Antiquité, cuiller à fard égyptienne ou pièces insignes du Trésor de Boscoreale. Faite de choix drastiques et de partis pris, l'exposition dessine une histoire du luxe qui pourrait être toute autre selon l'optique de commissaires différents.Elle souligne l'aspect matériel et objectif de cette incarnation du luxe, cette patiente défense de savoir-faire transmis d'une génération à l'autre. Elle rappelle combien l'histoire de l'art en général, et l'histoire des arts décoratifs en particulier, est modelée par l'archéologie du luxe, les objets précieux conservés avec soin et transmis, qu'ils soient cachés dans la panique de l'éruption du Vésuve (Boscoreale) ou pieusement légués par les trésors princiers (coffret de Mangot). Notion mouvante et poreuse, le luxe s'incarne dans tant de réalités différentes, quelquefois façonnées de paradoxes radicaux.Au XVIIIe siècle, l'effervescence décorative du luxe chinois offre un saisissant contraste au sentiment de l'épure si cher au luxe japonais, ces céramiques élémentaires, réparées avec délicatesse lorsqu'elles ont été brisées, à l'instar de la pratique du Kintsugi. Aux temps médiévaux, le luxe, ce sont les épices, le sel, les produits les plus répandus à notre époque.À la Renaissance, une cuiller ouvragée épousant un coquillage de porcelaine est d'un luxe éblouissant et distinctif. Au XVIIe siècle l'Europe se ruine pour les tulipes…Aux XVe et XVIe siècle, l'otium, le loisir des Romains, est une autre forme de luxe, quand le peuple lui n'a d'autre choix que de travailler : jeux de cartes d'un raffinement extrême, backgammon marqueté, mais aussi instruments scientifiques et manuscrits rares, tant le savoir est une forme de luxe en soi. C'est plus tardivement, au XVIIe siècle avec les manufactures royales assises sur le pouvoir et le rayonnement louisquatorziens, puis au XVIIIe siècle avec l'avènement des marchands-merciers, « marchands de tout, faiseurs de rien », habiles à créer des objets dont les clients raffolent même s'ils n'en ont guère besoin, que le luxe proche de son acception contemporaine s'épanouit, renforcé au XIXe siècle par les luttes artistiques qu'incarnent aussi les Expositions universelles où créativité et progrès technologique deviennent l'obsession des industries d'art en Europe, aux États-Unis mais aussi, déjà, en Asie. Au même moment, en révolutionnant l'idée de ce qu'est la mode, non plus une simple toquade de cliente, mais la signature, la griffe, qui impose un geste créateur en tant que tel, Charles Frederick Worth promeut la naissance de la haute couture. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

Martin Kamer does not only acquire at auctions. The scene of this anecdote is the St. Louis flea market in Paris. In the 1980s, a trader sells Martin Kamer a Turkish dress with harem pants. The yellow coat and the sky-blue trousers do not match because of the different embroideries, Kamer knows that. He bought the two pieces anyway - and two years later, when he goes shopping again at the same dealer, he will be in for a pleasant surprise. A top by Charles Frederick Worth immediately catches his eye.

Schauplatz dieser Anekdote ist der Flohmarkt St. Louis in Paris. Eine Händlerin verkauft Martin Kamer in den 1980er-Jahren ein türkisches Kleid mit Pluderhose. Der gelbe Mantel und die himmelblaue Hose passen aufgrund der unterschiedlichen Stickereien nicht zusammen, das weiss Kamer. Er kaufte die beiden Teile trotzdem - und wird zwei Jahre später, als er bei derselben Händlerin wieder auf Einkaufstour ist, eine freudige Überraschung erleben. Ein Oberteil von Charles Frederick Worth sticht ihm sofort ins Auge.

New York Fashion Week has ended, and the baton has been passed to Milan, London and Paris. With a shortened schedule, and a move largely to digital platforms, New York Fashion Week hardly resembles fashion weeks of the past. And like everything else in the industry, change already happening around fashion show presentations was precipitated by the pandemic. Ever since the birth of haute couture, developed and codified by Charles Frederick Worth in the late 1800s, VIP customers would be invited to see next season’s collection and place their orders. Select press attaches were also invited, as a way to garner interest in the collection once it became more widely available to the public. This worked well in a small centralized country like France but became unwieldy for couturiers in the United States. Thus, Fashion Week was devised by Eleanor Lambert as a weeklong event in New York City, that customers and press could all participate in twice a year. This concentrated event was such a success that it was soon copied in France, as the perfect way to extend their reach to customers and press in other countries. Soon, the tradition spread to Italy, England and beyond. Fashion weeks also correlated with buying seasons, providing the perfect opportunity for store buyers to choose the looks that would end up in their stores six months later. This also provided a safeguard to designers, as it gave them a chance to test their styles in the market before going into full production. Fast forward to today, and fashion week is now primarily a consumer-focused event, largely due to social media and the ability to share information instantaneously, direct to the general public, an audience that is not even invited to attend the physical shows!  This means that the press can no longer time their coverage to the season, which essentially puts the system completely out of balance. What’s more, buyers are much more likely to be working one-on-one with brands to develop exclusive styles for their stores, long before fashion week, which means that buyers are primarily showing up to support what they’ve already bought. On top of this, as customers become more value-based in how they shop, brands have to contend with issues of sustainability and transparency. Holding big expensive shows with celebrities feels out of touch. Many brands have been toying with solutions to these problems in an effort to rebalance the system, including “see now, buy now” collections to combat fast fashion copies, livestream shows on Pinterest and Twitch to alleviate travel, and augmented reality shows with avatar models to alleviate costs. But these solutions have never really fully taken root or upended the system. But now that has all changed, in a time where physical gatherings are difficult at best, and digital is leading the way. And so, the Spring 2021 shows held this September have largely been used as tests by brands searching for the best way to engage buyers, press and customers. It’s forcing them to think much more individually, while still considering the benefit of scale that a bi-annual fashion event provides. When the fall shows come around in February, we’re likely to see a much more hybrid approach to fashion week with brands approaching their presentations more personally and confidently...no matter if the pandemic persists. fashionconsort.com @fashionconsortagency Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

El modisto británico afincado en París, Charles Frederick Worth, revolucionó el concepto de la moda en la segunda mitad del siglo XIX, convirtiéndose en ‘el padre de la alta costura’ y en diseñador de los vestidos de las mujeres más importantes de la época. "Cuaderno de Historias" es un podcast sobre curiosidades y anécdotas históricas de todos los tiempos. Presentado por Alfred López, escritor, divulgador y bloguero. Fondo músical: Alexander Klein - Morning Sun https://www.jamendo.com/track/1669511/morning-sun-solo-piano

En este breve recuento histórico, hacemos un recorrido por la historia de la moda desde inicios del siglo XX hasta los los fabulosos años 70. Empezando por Charles Frederick Worth, padre de la alta costura, pasando por la rebeldía de Mademoiselle Chanel; el new look de Christian Dior y hasta llegar al espíritu de fiesta y liberación de Yves Saint Laurent. Esto es: breve historia de la moda parte 1, un tema de moda serio pero no tan en serio.

On today’s episode Annie and Elyse chat about the places you have to go if you’re a fan of high fashion or "haute couture" in Paris. Elyse gives us a brief overview of how haute couture got started in France and it turns out that it's fascinating! Support Elyse on Patreon If you're a fan of fashion you really need to go on a pilgrimage on a couple of streets in Paris (see below). These are high fashion boutiques where they sell high-end "prêt à porter". This means "ready-made". But a shirt might cost you 2,000€ so it's  not exactly affordable for everyone. Haute Couture as a Label Appellation d'Origine Protégée (AOP) is akin to the AOC you've probably hear of for wines. These products have to meet requirements that we call "cahier des charges" in French. Designers who want to enjoy the "haute couture" label must have everything done by hand. You have to have two in-house "ateliers" (workshops) where workers craft beautiful pieces. Everything has to be custom-made and custom-fitted. They must also participate in two shows a years. What the French call a "défilé de mode". You can see the official calendar of défilés in Paris here. Haute Couture Started with Louis XIV and Versailles Haute couture is not new in France. As a matter of fact it started with Louis XIV and his lavish palace in Versailles. And it continued after that with Madame de la Pompadour and Madame du Barry and continued with Marie-Antoinette. Back then they wore elaborate wigs called a "poule" (a chicken!). Women always wore jewelry and heavy makeup. Their dresses were 5 feet wide. It was all extravagant. Nobility All Came to Paris to Buy their Clothes Everybody who was anybody came to Paris to buy their clothes. This included the royal families or Germany, England, Russia, Spanish, Italy, etc. Yes, even the Italians who developed their fashion later. When members of various royal families came to Paris with their entourage, they usually stayed for a while. Local luxury hotels appeared as a result. Women at the time couldn't do much outside of the domestic realm, so they loved to get away and visit Paris to buy clothes. Marie Antoinette's Fashion Minister Rose Bertin was the first woman stylist to be introduced at the court and serve Marie Antoinette. Rose Bertin became very successful and she was called "fashion minister" by Marie Antoinette. In a truly rebellious act, she didn't marry because she didn't want to be under the control of a man. She managed to escape to London before the Revolution could get her and came back to France once it was safe for her to do so much later. More Recent Developments in Haute Couture Louis Hippolite Leroy was the stylist for Napoleon and Joséphine and he also created a business empire based on high fashion. He made the gowns for Napoleon's coronation. He is the one who coined the term "haute couture". Charles Frederick Worth succeeded Mr. Leroy and opened a shop on Place Vendôme. This is under Napoleon III and he's the one who invented the défilé with live people. He also "created" the profession of fashion model that was more respectable than being a dancer or actress. Copyright Protection for Haute Couture The official union of French haute couture came to life in 1911. The idea there was to stop people from copying and stealing styles. Members of this group were Christian Dior, Yves Saint Laurent, Pierre Cardin, Courrèges. More recently Christian Lacroix, Jean-Paul Gauthier, etc. We don't mention all of them, of course! Every fashion house now makes their own perfume. This is probably because anyone can wear perfume whereas most people can't get away with wearing those extravagant gowns. French expression of the week: Si le riducule tuait, on serait tous mort! Places You Should Check Out to See Haute Couture in Paris Boulevard Saint Honoré around number 380. Chanel is around there (on rue Cambon), Gucci, Louis Vuiton, Burbury, Loboutin. It's fun to go in and look around. Rue Montaigne (start around number 48). Place Vendôme More episodes to help you prepare your first trip to Paris Email | Facebook | Instagram | Pinterest | Twitter   Did you get my VoiceMap Paris tours yet? They are designed for people who want to see the best of Paris neighborhoods and put what they are looking at into historical context. There are so many great stories in Paris. Don't walk right past them without having a clue what happened there! You can buy them directly from the VoiceMap app or click here to order activation codes at the podcast listener discount price. Support the Show Tip Your Guide Extras Patreon Audio Tours Merchandise

Tọa lạc tại khu đất vàng trên đại lộ nổi tiếng thế giới Champs-Elysées, cửa hàng Louis Vuitton là điểm hẹn của mọi du khách khi tới Paris, dù mua hàng, thăm thú toà nhà hay chỉ để chụp ảnh. Sản phẩm của nhà thiết kế thường được bán với giá “trên mây” nhưng luôn được khách hàng mơ ước sở hữu ít nhất một sản phẩm vì chất lượng hay vì phong cách riêng. (Tạp chí phát lần đầu ngày 08/01/2016). Trước khi nổi tiếng với các bộ sưu tập thời trang, túi xách và đồ trang sức, Louis Vuitton khởi nghiệp là một nhà thuộc da, sản xuất rương, hòm và vali. Bước khởi nghiệp từ năm 1854, sự khéo léo và kinh nghiệm thành thạo của nhà thiết kế đồ da được vinh danh tại triển lãm “Volez, Voguez, Voyagez” từ 04/12/2015 đến 21/02/2016, dưới sự chỉ đạo của Olivier Saillard, Giám đốc Bảo tàng Thời trang (Musée de la Mode - Palais Galliera) và đạo diễn Robert Carsen. 160 năm sự nghiệp của đế chế chữ lồng LV nổi tiếng được trưng bày thành chín chủ đề trong chín gian phòng của Grand Palais (Đại Điện), từ những chuyến du lịch bằng tầu hỏa, một chiếc cầu cảng, tới những đụn cát tượng trưng cho chuyến phiêu lưu khám phá vùng đất mới của các nhà thám hiểm cuối thế kỷ XIX - đầu thế kỷ XX. Và mỗi chủ đề lại được ông Olivier Saillard trình bày theo trình tự thời gian, sống động hơn nhờ những trang phục và phụ kiện của nhà thiết kế Louis Vuitton thiết kế trong giai đoạn đó còn lưu lại được trong bảo tàng Thời trang. Bước đầu khởi nghiệp của cậu bé “cứng đầu” Vuitton Câu chuyện bắt đầu với cuộc phiêu lưu của một cậu bé xuất thân từ vùng núi Jura (vùng Bourgogne-Franche-Comté, đông bắc nước Pháp). Cha cậu là nông dân, còn mẹ cậu làm chủ một cối xay. Một buổi sáng mùa thu năm 1835, cậu bé Louis ở thôn Anchay, năm đó mới hơn 14 tuổi, bỏ nhà tìm đường lên Paris một mình. Không ai biết tại sao cậu bé lại bỏ nhà đi. Một số người cho rằng cậu muốn trốn bà mẹ ghẻ hà khắc. Một số người khác lại kể là cậu không chịu được cảnh hiu quạnh của chốn bốn bề chỉ có rừng, đá và nước. Sải những bước chân đầy quyết tâm, Louis Vuitton đi dọc các con suối, băng qua các ngôi làng hẻo lánh và để lại phía sau những ngọn núi im lìm của vùng rừng núi Jura. Chặng đường 450 cây số để tới Paris không làm mòn ý chí của cậu, nhất là khi người ta mang dòng họ Vuitton, có nghĩa là “cứng đầu” (tête dure) theo tiếng địa phương franc-comtois nơi cậu xuất thân. Louis Vuitton đặt chân tới thủ đô Paris chỉ với chiếc ba lô chất đầy tham vọng và kinh nghiệm nghề mộc mà cậu tích góp được khi giúp người cha làm thêm ở xưởng xay của gia đình kiếm thêm chút tiền bù cho xưởng xay không có việc vào mùa đông. Hai năm đầu tiên ở thủ đô, chàng thanh niên phải làm nhiều công việc vặt để kiếm sống trước khi được nhận vào học việc tại xưởng Romain Maréchal, trên phố Saint-Honoré, vào năm 1837. Công việc chính được giao là đóng hòm, rương bằng gỗ theo yêu cầu để đựng đồ, bảo vệ và vận chuyển. Louis Vuitton học rất nhanh. Chàng thanh niên vùng Jura biết chọn theo cảm tính những loại gỗ phù hợp nhất, sau đó cậu cắt, tỉa, chỉnh sửa và lắp ráp lại. Tài năng của cậu khiến nữ hoàng Eugénie phải ấn tượng. Từ năm 1852, Louis Vuitton là người duy nhất mà nữ hoàng tin tưởng để giao đóng những chiếc rương chở những chiếc váy phồng sang trọng khi đi nghỉ. Và cũng từ đó, ông nổi tiếng trong giới thượng lưu. “Sang trọng, tiện ích, sáng tạo”, châm ngôn của Louis Vuiton Năm 1854, Louis mở cửa hiệu riêng “Louis Vuitton” ở số nhà 4, phố Neuve-des-Capucines, sau 17 năm làm việc cho ngài Maréchal. Từ đó, chàng thanh niên hiểu rằng phải tạo ra được những chiếc rương hiện đại và có chất lượng tốt với ba tiêu chí : sang trọng, tiện tích, sáng tạo. Ý tưởng độc đáo của ông là sáng tạo ra kiểu rương phẳng và nhẹ, được chia thành nhiều ngăn hay thêm những chiếc ngăn kéo bằng gỗ hồng và không hề cồng kềnh so với những loại rương truyền thống trước đó. Rương của ông có thể chất gọn trên giá để hành lý trong các toa tầu hoả hay cất dưới những chiếc giường nằm trên những con tầu thủy vượt Đại Tây Dương. Óc sáng tạo của Louis Vuitton bay bổng biến những chuyến chu du giờ trở thành một nghệ thuật sống. Năm 1859, nhãn hiệu Vuitton ngày càng phát triển và nhà sáng lập chuyển xưởng sản xuất với khoảng 20 người thợ sang thành phố Asnières, bên bờ sông Seine, để tiện cho việc chuyên chở đường thủy. Sau đó, cùng với người vợ, họ xây một ngôi nhà ngay bên cạnh mà hiện trở thành bảo tàng Louis Vuitton (trong một con phố sau này được đặt tên ông, “rue Louis-Vuitton”). Năm 1870, người thợ đóng hòm dũng cảm và bền bỉ mở thêm cửa hiệu thứ hai tại phố Scribe, ngay trước Grande Hôtel và cách không xa nhà hát Opéra nơi du khách nước ngoài giầu có thường lui tới. Cửa hàng mới không bao giờ vắng khách, còn xưởng sản xuất tại Asnières thì làm việc liên tục. Tại Paris, thương hiệu Louis Vuitton luôn xuất hiện cùng với những trang phục sang trọng giành cho phụ nữ, mà nhà thiết kế là Charles Frederick Worth, người sáng lập ra ngành thời trang cao cấp và là một người bạn của Louis. Nhà nhiếp ảnh Nadar (tên thật là Gaspard-Félix Tournachon) cũng là một người bạn. Louis Vuitton còn quen biết nhiều nghệ sĩ nổi tiếng thời đó, như các hoạ sĩ trường phái ấn tượng Pissaro, Monnet, Cezanne. Thương hiệu gắn đi liền với chiến tích trong thế kỷ XIX Những chiếc rương Louis Vuitton luôn đi kèm với những vinh quang trong suốt thế kỷ XIX được cho là thời kỳ của các nhà khảo cổ và thám hiểm. Đối với những chuyến đi xa, Louis Vuitton thiết kế những mẫu mã có khả năng thích ứng trong mọi điều kiện đặc biệt, như một chiếc rương kín bọc kẽm hay một chiếc rương bằng gỗ long não được gò đồng. Chiếc hòm hay chiếc rương không chỉ đơn thuần là chỗ để cất hành lý tư trang mà là nơi bảo vệ những bộ quần áo bằng vải lanh của nhà thám hiểm khỏi các loại côn trùng trong khu rừng rậm Châu Phi. Nhà sản xuất nổi tiếng đáp ứng mọi yêu cầu của từng cá nhân, tất cả đều được làm bằng tay. Những chiếc rương có thể biến thành giường xếp hay thư viện, thành hộp đựng kim cương hay hộp đựng trứng cá hồi. Có những chiếc rương bên trong được thiết kế như một tủ quần áo để bảo vệ những chiếc váy phồng sang trọng, những chiếc mũ rộng vành quý phái, chân váy hay áo vét… Hay có những rương được thiết kể thành một quầy bar, một chiếc máy cassette, hộp nữ trang, một bàn làm việc… Tiểu thuyết gia người Mỹ Ernest Hemingway và nhà văn người Pháp Françoise Sagan rất chuộng chiếc rương-thư viện có “bàn” làm việc, giá sách và máy đánh chữ Underwood bên trong (năm 1932). Diễn viên nổi tiếng Katharine Hepburn tới Paris ngày 19/07/1948 với hành trang là những chiếc rương và vali của Louis Vuitton. Ngoài ra, các thành viên hoàng tộc, các nhà tỉ phú, những ngôi sao hay người thích phiêu lưu du lịch... đều khẳng định “đẳng cấp” với sản phẩm của Louis Vuitton. Chính từ chiếc rương vừa là giường mà nhà thám hiểm người Pháp gốc Ý Pierre Savorgnan de Brazza đã đàm phán với tộc trưởng Iloo Đệ nhất, người đứng đầu tộc người Tékés, để trao Congo cho nước Pháp, mở đầu giai đoạn thuộc địa của Pháp tại Châu Phi. Cũng trong chuyến đi này, Brazza còn mang theo một chiếc rương-bàn làm việc di động với một ngăn bí mật. Nhà thám hiểm chết ở Dakar (Senegal) trên đường về Pháp vào năm 1905. Chỉ có chiếc rương là về tới nơi. Vào thời điểm đó, Louis Vuitton đã qua đời được 13 năm. Người con trai Georges, đứng đầu doanh nghiệp, được triệu lên Bộ Thuộc địa để tìm cách phá khóa lấy những bản ghi chép được nhà thám hiểm người Ý cất trong ngăn kéo bí mật. Điều này chứng tỏ những chiếc rương của Louis Vuitton nổi tiếng chắc chắn và an toàn đến mức nào. Cha truyền con nối Trong những năm 1870, thương hiệu Vuitton bắt đầu xuất ra nước ngoài. Louis đã truyền lại cho người con trai Georges những kỹ năng, kinh nghiệm và dần dần nhường chỗ cho thế hệ sau. Con cháu nhà Vuitton đều phải trải qua mọi vị trí trong xưởng sản xuất. Georges sống hai năm tại Anh và mở cửa hàng đầu tiên tại Luân Đôn, trên phố Oxford nổi tiếng, vào năm 1885. Tại Pháp, Louis thiết kế loại túi vải tráng caro nổi tiếng, hoàn toàn không thấm nước, mà ngày nay vẫn “làm mưa làm gió”, với dòng chữ “Bản quyền thương hiệu Louis Vuitton” để tránh hàng giả. Louis Vuitton mất vào năm 1892. Người con trai Georges, được cả gia đình ủng hộ, lên điều hành đế chế Vuitton và tiếp tục gặt hái thành công. Năm 1896, Georges đã thay thế dòng chữ dài in trên túi với biểu tượng hai chữ cái “LV” lồng vào nhau. Đây được coi là một cuộc cách mạng! Vì lần đầu tiên, một nhà thiết kế lại đặt tên thương hiệu lên sản phẩm. Cũng từ thời điểm này, để tránh bị làm giả, nhà sản xuất luôn tạo ra nhiều họa tiết mới, như chỏm kim cương, những vì sao và hoa… để trang trí cho chiếc túi vải của mình. Nhà Louis Vuitton trở thành trung tâm thu hút tại Triển lãm Hoàn cầu do Paris tổ chức vào năm 1900, với hơn 48 triệu khách thăm quan. Georges Vuitton phụ trách khu vực “Vật dụng du lịch và đồ da” và đã biến gian hàng thành một vòng đu quay kỳ diệu bày những chiếc vali và những chiếc túi độc đáo nhất, lịch lãm nhất của nhà sản xuất. Năm 1977, Henry Racamier, một nhà công nghiệp vùng Franche-Comté (quê hương của Louis Vuitton) và là chồng của bà Odile Vuitton (cháu gái của Louis), tiếp quản cơ nghiệp và biến doanh nghiệp gia đình thành một thương hiệu quốc tế sang trọng. Chiếc túi đơn mầu trông có vẻ tẻ nhạt giờ trở thành một biểu tượng nổi tiếng trên toàn thế giới. Cho tới năm 1989, nhà tỉ phú Bernard Arnault, chủ tập đoàn LVMH, mua lại Louis Vuitton và mở rộng sản phẩm của thương hiệu với những bộ sưu tập quần áo, nước hoa, phụ kiện thời trang… Louis Vuitton nhanh chóng trở thành biểu tượng cho phong cách lịch lãm kiểu Pháp trên khắp thế giới, đặc biệt là tại Trung Quốc. Khi nhắc tới Vuitton, dù không phải là tín đồ thời trang, người ta vẫn nghĩ ngay tới nghệ thuật sáng tạo và phong cách “sang trọng” kiểu Pháp. Ông Patrick-Louis Vuitton, là thế hệ thứ năm trong dòng họ và hiện phụ trách các đơn đặt hàng đặc biệt, vẫn liên tục nhận được những yêu cầu “độc” từ những khách hàng giầu có. Ông giải thích : “Rất đơn giản. Bạn muốn mang một đồ vật nào đó đi cùng, chỉ cần nói cho chúng tôi biết, chúng tôi sẽ làm phần còn lại. Chẳng có gì là không làm được, nhưng tôi từ chối làm quan tài hay rương cho động vật. Đó không phải là nghề của tôi”. Những “Yêu cầu kỳ lạ nhất” mà ông đã từng làm, là một chiếc rương chứa đàn xtrađivariut, hay cất vòng nạm kim cương, một chiếc hộp để chứa 1.000 điếu xì gà có máy giữ ẩm bên trong, một chiếc hộp để đựng trứng cá hồi, rương đựng búp bê, rương trang điểm kịch Nhật Bản hay hộp đựng iPod (của Karl Lagerfeld). Với Patrick-Louis Vuitton, mỗi một đồ vật là một thách thức, song mang đầy phong cách riêng. Ông kể lại : “Cách đây ba năm, một khách hàng Trung Quốc nói với tôi : Tôi muốn có thể xem vô tuyến khắp nơi trên thế giới và uống một tách cà phê với bốn người. Thế là tôi đã làm một chiếc rương bên trong gắn một màn ảnh, một đầu truyền hình vệ tinh, một đầu máy DVD và một máy pha cà phê. Ông ấy chỉ việc mở chiếc rương ra để xem bộ phim yêu thích với bạn bè giữa hoang mạc…” Chưa bao giờ, nhà Vuitton biết đến hai từ “khủng hoảng”. Xưởng sản xuất tại Asnières-sur-Seine, được Louis mua lại năm 1859, vẫn có 200 nghệ nhân làm việc. Kỹ năng và óc sáng tạo của họ tiếp tục đáp ứng được nhu cầu ngày càng tinh túy và “ngông” của khách hàng giầu có.

En el episodio de esta semana, hablamos de Charles Frederick Worth, uno de los pioneros y fundadores de la alta costura parisina. De cuánto cuesta  una pasarela de moda y del compromiso del gran conglomerado de lujo Kering ante sus emisiones de carbono. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/behind-theshowroom/message

Las palabras Alta Costura (Haute Couture) hoy en día se utilizan con mucha ligereza tanto en la televisión como en revistas. Para aclarar un poco las cosas, decidimos traerles TODO lo que necesitan saber sobre realmente ¿Qué es la Alta Costura? Sus procesos, Quienes son los diseñadores embajadores, las super rígidas reglas de la Cámara Sindical de Alta costura en Francia y como todo inicio con un hombre Ingles. Fantasía, Imaginación y cero límites. El juego de la aspiración que representan estas colecciones para las casas de moda más prestigiosas, la precision del trabajo a mano y anécdotas curiosas que ocurrían en estos eventos privados de salon: Hubert de Givenchy y su musa de Hollywood, Gabrielle Chanel y su lugar secreto para espiar, Christian Dior enfrenta la superstición con flores en sus pasarelas. Puedes seguirnos en Instagram como: @vipsisters, @ivanapina y @vainannie tambien en YouTube como: VIPSisters o Editorial con VIPSisters

Fashion designers and their work are everywhere these days, from our closets to the runways. But one man started it all: Charles Frederick Worth. Learn who he was and how he created haute couture in this episode of BrainStuff. Learn more about your ad-choices at https://news.iheart.com/podcast-advertisers

Les analyses et les concepts de Pierre Bourdieu (1930-2002) aident à « penser la mode ». Il s’agit notamment de l’opposition entre dominants et dominés, qui aide à dessiner un « champ » de valeurs, de normes ou de critères autour desquels s’établit une hiérarchie de pouvoirs entre individus, types de marchés ou marques. Le « capital symbolique », la « consécration » et la « légitimation » aident à comprendre certains enjeux sociologiques importants. Certains textes de Bourdieu portent d’ailleurs directement sur la mode et le luxe, comme « Le couturier et sa griffe, contribution à une théorie de la magie » (Pierre Bourdieu, Yvette Delsaut, 1975). L'invention du couturier moderne avec Charles Frederick Worth (1825-1895) manifeste selon Bourdieu la naissance du pouvoir charismatique du créateur, de l' « idéologie de la création » et de la notion de « griffe » associée à l'idée de « transsubstantiation ». Les analyses de Bourdieu sur la légitimité « inférieure » ou « supérieure » des disciplines dans la hiérarchie culturelle permettent de réfléchir aux oppositions entre production restreinte et production de masse, entre « art pour l'art » et commerce... Une conférence d’Agnès Rocamora, professeure au London College of Fashion.

This episode explores the career and legacy of the man many consider to be the first true fashion designer, Charles Frederick Worth. We also speak with Hylan Booker, an American designer who sat at the helm of the house of Worth in the late 1960s. Learn more about your ad-choices at https://news.iheart.com/podcast-advertisers

Aufstieg eines Star-Designers: Charles Frederick Worth kleidet im 19. Jahrhundert die oberen Zehntausend ein - die französische Kaiserin genauso wie die Edel-Prostituierte. Autorin: Elsbeth Föger

Au milieu du XIXe siècle, Charles Frederick Worth fonde sa « maison spéciale de nouveautés confectionnées », campant dès lors la posture du grand couturier qui « signe » ses modèles comme un artiste ses œuvres. Depuis plus d'un siècle et demi, les maisons inscrites à la Chambre syndicale de la couture parisienne écrivent un chapitre de l'histoire de la haute couture, cette organisation commerciale subtile dont la clé de voûte est un savoir-faire ancestral doublé d'un sens aigu de la mise en scène. Si pendant des décennies elle a donné le ton des saisons, la haute couture a cessé de dicter au monde sa mode. Mille fois annoncée ces quarante dernières années, sa disparition n'est pourtant pas à l'ordre du jour. Ancienne responsable des archives documentaires de la maison Yves Saint Laurent, Guénolée Milleret est aujourd'hui auteure et enseignante dans le domaine des arts appliqués. Outre des articles, elle a publié de nombreux ouvrages dont Haute Couture. Histoire de l'industrie de la création française (Eyrolles, 2015), Les folles heures de la vie d'une Parisienne (Eyrolles, 2013), La mode du XIXe siècle en images (Eyrolles, 2012).

"I like to dress Americans, they have faith, figures and francs" (Charles-Frederick Worth, 1895). Emilie Hammen (doctorante IFM) raconte les grandes dates de l'histoire des relations transatlantiques dans la mode. Depuis l'époque du Gilded Age aux États-Unis (1865- 1901), la haute société de la côte Est des Etats-Unis constitue une clientèle privilégiée de la couture française. Les clientes américaines de la haute couture ont été un modèle historique de la "consommation ostentatoire" théorisée par Thorstein Veblen. Emilie Hammen retrace une histoire riche en influences réciproques, depuis Paul Poiret, considéré comme "the king of fashion" aux Etats-Unis, jusqu'à Eleanor Lambert (1903 2003), qui créa la Fashion Week de New York et organisa Le Grand Divertissement de Versailles en novembre 1973, en passant par Mainbocher, griffe de haute couture fondée à Paris en 1929 et transférée à New York en 1940... On repense à une formule de la Gazette du Bon Ton en 1913 : "la mode, seule industrie française prépondérante aux Etats-Unis".

Kejsarinnan Eugénie av Frankrike (1826-1920) var en lika tidig som tung trendsättare inom modet. Tack vare hennes stöd av det sprillans nya modehuset Worth i Paris - öppnat 1858 av Charles Fredrick Worth - började modevärlden förändras. Huset Worth blev en sorts mall för hur framtida modehus - och dess designer - kommit att arbeta, och prissätta. För hela världen tittade på vad hon bar för kläder - och tog efter. Det fanns inte en butik med fingret på trendpulsen som inte hade hennes porträtt i fönstret. Kejsarinnan Eugénie av Frankrike var av nobel spansk börd, en grevinna, född i Grenada med det lååånga namnet: María Eugenia Ignacia Augustina de Palafox-Portocarrero de Guzmán y Kirkpatrick – mamman hade skotskt blod i sig. Som tonåring förekom hon ofta i dåtidens spanska skvallerspalter, omskriven lika mycket för sitt udda utseende som för sin vilda livsstil. Men det var som hustru till världens då mäktigaste man – kejsar Napoleon III, mannen som styrde över vad som kallas för Frankrikes andra kejsardöme – som hon fick rejält gehör för sin stil. Det var en tid under vilken kejsarparet ville återskapa den glans Frankrike och Paris förlorat efter revolutionen, och som inget av flera efterföljande styren kunnat ersätta. Och tiden var mogen. När han satte sig på tronen efter en statskupp var man less på det eländiga livet i Paris. Det som beskrivs i ”Les Miserables” (eller ”Samhällets olycksbarn”), Victor Hugos roman som blivit superpoppis musikal. Staden var smutsig, fattig och sjukdomshärjad. Man putsade därför gärna på myten om hans farbror, den starke Napoleon Bonaparte, och drömde om svunna glansfulla tider. Och den som verkligen fattade galoppen med denna uppdämda längtan efter pompa, ståt och ära – det var kejsarinnan Eugénie. Hon visste att tydliga signaler om bättre tider var nödvändiga, och vad kunde vara tydligare än kläder? Mode! Spektakulärt mode. Nytt mode. Och det kunde det nyöppnade modehuset Worth erbjuda. Det drevs av en engelsman vid namn Charles Frederick Worth med helt nya idéer om hur klänningar skulle designas, hur de skulle köpas och vad de skulle kosta. Charles Frederick Worth dog år 1895, för över hundra år sedan. Men det är inte bara hans nydanande idéer om mode som lever vidare. Det gör hans familj också. Och en av släktingarna bor faktiskt här i Sverige och honom har vi träffat i Göteborg – Patrice Worth. Innan kejsarinnan Eugénie vågade sig på att bära plaggen offentligt lät hon sin modiga bästis testa dem först. Hon var orädd att prova nya saker och kunde bära upp kläder som få andra. Allt såg spännande och eftertraktansvärt ut på henne. Även idag finns det personer som vågar mer än andra och därmed bryter ny mark genom sin modiga stil. Vi har träffat en av dem – den svenska superstylisten Bea Åkerlund som klär stjärnor som Madonna, Rhianna och Lady Gaga. Vi har även kollat upp vad som idag krävs för att bli en Kunglig Hovleverantör i Sverige. Finns det några modemärken bland dem? Eh…ja, det får ni höra mer om i programmet. Veckans gäst är Björn af Kleen, författare och journalist på Expressens kultursidor.