Podcast appearances and mentions of victor vasarely

Začenjamo v Mednarodnem grafičnem likovnem centru, kjer je na ogled razstava z naslovom Victor Vasarely v odmevu, ki ponuja izbor grafik, slik in objektov iz različnih obdobij madžarsko-francoskega umetnika. Predstavljamo tudi 21. mednarodni festival animiranega filma Animateka, ki tokrat prinaša okoli 300 filmov. Vabimo vas še na novogoriške odrske deske.

Na Ta veseli dan kulture, s katerim obeležujemo rojstvo pesnika Franceta Prešerna, so znani Prešernovi nagrajenci in nagrajenke Prešernovega sklada za leto 2025. Nagrado sta prejela kiparka Dragica Čadež in režiser ter performer Dragan Živadinov. Na ta praznični dan bodo vrata muzejev in galerij za ljubitelje umetnosti po vsej Sloveniji na široko odprta, v Mestni galeriji Ljubljana si lahko ogledate razstavo Mati vseh bojev kiparja in intermedijskega umetnika Tomaža Furlana. V kranjski Galeriji Prešernovih nagrajencev bodo odprli razstavo Tomata Koširja, v Koroški galeriji likovnih umetnosti v Slovenj Gradcu pa bodo danes ob 150- letnici rojstva Franca Bernekerja odprli razstavo Okamenele sanje. V Mednarodnem grafičnem likovnem centru bo odprtje razstave z naslovom Victor Vasarely v odmevu. V Španskih borcih pa si bo mogoče ogledati interaktivno intermedijsko uprizoritev z naslovom Vse se je nadaljevalo z zmrznjenimi jastogi režiserke in dramaturginje Varje Hrvatin.

Regénynek komoly művészettörténet, művészettörténetnek pedig regényes írás az a Victor Vasarely és Fajó János közös alkotói útjáról szóló kötet, amely nemrég jelent meg Rieder Gábor művészettörténész tollából, és amelyhez egy időszaki kiállítás is kötődik. Az op-art magyar származású világsztárjának hazai fogadtatásáról, megkérdőjelezhetetlen hatásáról, a rá példaképként tekintő Fajóról, és közös mesterükről, Kassák Lajosról is szó esik az új epizódban. Mindezek mellett a szitanyomatok felemelkedéséről és bukásáról is kérdezi Nyáry Krisztián a szerzőt. A beszélgetés előtt az évszázad első huszönöt évének New York Timesban publikált legfontosabb szépirodalmi könyvei közül emelünk ki néhányat, végül pedig tíz, a közelmúltban megjelent képzőművészeti kötetet is ajánlunk.

Regénynek komoly művészettörténet, művészettörténetnek pedig regényes írás az a Victor Vasarely és Fajó János közös alkotói útjáról szóló kötet, amely nemrég jelent meg Rieder Gábor művészettörténész tollából, és amelyhez egy időszaki kiállítás is kötődik. Az op-art magyar származású világsztárjának hazai fogadtatásáról, megkérdőjelezhetetlen hatásáról, a rá példaképként tekintő Fajóról, és közös mesterükről, Kassák Lajosról is szó esik az új epizódban. Mindezek mellett a szitanyomatok felemelkedéséről és bukásáról is kérdezi Nyáry Krisztián a szerzőt. A beszélgetés előtt az évszázad első huszönöt évének New York Timesban publikált legfontosabb szépirodalmi könyvei közül emelünk ki néhányat, végül pedig tíz, a közelmúltban megjelent képzőművészeti kötetet is ajánlunk.

What you'll learn in this episode: Jennifer's unique process of layering acrylic and art images, and how she discovered her signature technique. Why the most important thing a young artist can do is find their voice. Why Jennifer rarely uses images her customers request in her jewelry. How Jennifer's work ties into the history of pop and op art. Why Jennifer sees other art jewelers as inspiration, not competition. About Jennifer Merchant: Jennifer Merchant is a studio t based in Minneapolis, MN. She graduated with a BFA in Metals and Jewelry from the Savannah College of Art and Design. She is a full-time artist showcasing her work in galleries, museums and exhibitions. Her work has been published in several national magazines such as American Craft, Ornament and Delta Sky Magazine. Merchant is best known for her innovative layered acrylic process in which images and prints are layered between solid acrylic. Her work is graphic with clean lines and modern aesthetic. Pieces confound viewers, appearing transparent from one angle of view while showcasing bold patterns and colors from another. Photos available on TheJewelryJourney.com Additional resources: Website Facebook Instagram Twitter Transcript: Like the op and pop art that inspires it, Jennifer Merchant's jewelry challenges your eye. Clear from some angles and bold and colorful from others, the jewelry is created by layering acrylic with images from art books. Jennifer joined the Jewelry Journey Podcast to talk about how she developed her technique; how she chooses the images in her jewelry; and why art jewelers need to work together to push the discipline forward. Read the episode transcript here. Sharon: Hello, everyone. Welcome to the Jewelry Journey Podcast. This is the second part of a two-part episode. If you haven't heard part one, please head to TheJewelryJourney.com. Today, my guest is Jennifer Merchant. Jennifer was also a guest several years ago. She thought she would be a metalsmith but segued to acrylic jewelry, which is what she has become known for: creative and innovative acrylic jewelry such as necklaces, bracelets, earrings and brooches. They have eye-catching graphics embedded in them. I was also surprised to learn that hand carving is sometimes involved. Welcome back. When you left college, did you know you were going to have your own business? Jennifer: Not right away. I think it took me about five years to really get the confidence together to start my own business. I definitely spent that first five years after graduation very lost and not really sure what in the heck I was going to do with my jewelry degree, especially because I went to school in Savannah, Georgia. That's where I made all my art connections and jewelry connections. Moving back to Minneapolis, I was off on my own. I didn't have a community at that point. It definitely was a number of years of wondering, “How am I going to end up using this degree that cost me so much money?” I had been waiting tables and was increasingly unhappy because I knew I had something different to offer the world. I ended up getting fired from a job. I had been speaking with a friend at work who had another friend that was putting on an art show. She had told me about it because she knew I was an artist. I remember getting fired from the job and calling her up right away, like, “I think I want to do that art show because I need to try to make some money.” It went okay, and it inspired me to say, “Jewelry is something you can do and make a living with. Let's give this a shot.” I had to move back home with my mom for a couple of years and cut my expenses way down, because I wasn't going to take out another loan to start a business. I built it very small, very scrappy. I had a second bedroom in my mom's house where I had my workshop, and I started from there doing little local events. That's where it all started. Sharon: Wow. What's the biggest piece of advice you can give to somebody who's just starting out? Jennifer: I would say when you're just starting out, really try to find your voice. Sharon: What do you do? What does one do when they find their voice? For instance, some people have found the voice, but they're homemakers or they work in an office. What do you do when you find your voice? Jennifer: I think once you know what you want to say, the next step is finding out who wants to hear it. And that is a very hard step, finding your niche and finding your people that resonate with your voice. I think the only way to really do that is to get yourself out there, get your work out there. I think with the Internet now and how accessible online stuff is, it might be a little easier to get yourself out there through social media, through the Internet, than maybe it was years ago when you had to have a physical presence out in the world. People can start by getting their work out there online and hopefully seeing who is interested, who connects with it, and then finding places in the real, outside world to continue that process and eventually find your market. Sharon: Do you have people who come to you with the image they want to include already? Jennifer: Not very often. I've had people ask me about that, but I think ultimately, I have to be drawn to the image specifically in order to be able to incorporate it in a piece. I did have a client that had a specific art piece she wanted in a bracelet for her daughter. That I was able to do because I resonated with the work and it was something that worked well within the form of jewelry. I've also had requests where someone wants family mementos or something encased in the acrylic. That's a very cool, sentimental thing, but visually, it doesn't really work with my aesthetic as well. I'm not going to do something just because I get asked for it. I also have to be drawn to it enough in order to go through with it, because it is a labor-intensive process and it is an art of passion. If I'm not super excited about the thing I'm making, it's probably not going to turn out that great either. I have tried to do things early on in my career specifically for a client that just didn't quite work out. We weren't on the same page. I think as you get more into it, you figure out the types of things you can push the boundaries on and the types of things that you can't. When someone's request is something that you can do and make them happy with, and when it's just not something that'll work out, you know. Sharon: That's interesting. So if somebody brought you their wedding photo, it depends on whether you like the wedding dress or something like that. Jennifer: Or if it has enough visual interest. I think the thing that makes my work successful is the images that I do use are interesting within a small scale of jewelry, and not all images can do that. I work with a lot of op art and pop art, and there's a lot of visual interest going on in a small space. With a photograph or something more sentimental, that's not always the case. It just wouldn't look as cool as they think it's going to. Sharon: I've seen comic books used in your work. How did you come to that? Jennifer: All of the things in my work that look like comic books are actually Roy Lichtenstein pieces. His pop art was inspired by comics, and he reimagined them into huge canvases and paintings. My jewelry does something similar, where I take Roy Lichtenstein's work and images and collect tons of books and rip out those pages and put that in my jewelry. It feels kind of meta. I've actually met some of his descendants and collectors and friends over the years, and a lot of them assure me that he would really appreciate what I'm doing with his work. It's a very similar idea as to how he repurposed art and things that he saw into something new and different. Sharon: That's interesting. I didn't know that. Did you study art history in college as you were studying jewelry and metal and all that? Jennifer: Yeah, art history is definitely part of your Bachelor of Fine Arts degree. It wasn't always my favorite class because the art history classes were about art that was ancient and a lot of religious art and that sort of thing. I think I had one class where it was modern art in the 20th century, which, of course, is the most interesting to me. But that art history background definitely sparked some interest in different art movements and art periods. Art Deco is a very favorite design motif of mine. As I was talking about earlier, I'm very inspired by pop art and op art. I think art history plays a huge role. I never thought at the time when I was in school that I would end up studying more about art history and specific artists and doing that kind of research, but it is really important to my work now. Sharon: Can you explain what the difference between pop art and op art is? Jennifer: Sure. With pop art, everyone knows Roy Lichtenstein and Warhol. They took popular things or everyday objects like a soup can and made them stylized and put them in the context of fine art as this kind of ridiculous thing. Op art deals with optical properties. A lot of op art is very linear. It kind of tricks your eye. It looks like it's moving, but it's a static image. Funny enough, when I started working with op art, I was actually collecting those optical illusions books for kids. There'd be very few usable images in there, but there'd be a few black and white, scintillating-looking, squiggly-lined spirals or something like that. That sparked my interest in optical art and looking it up outside of the context of those silly books for kids. I found out this is a whole art movement, and there are artists like Richard Anuszkiewicz and Victor Vasarely and Bridget Riley that pioneered this in the 60s, when it really became a thing. I just find it so fascinating. But it's kind of funny that my two art movements that I use a lot in my work are pop and op. Like, who knew? Sharon: Do you ever use any other kind besides those? You say you like Art Deco. I don't know what you'd use for an image, but I guess you could use an Art Deco image. Jennifer: I think with Art Deco I am more inspired by the overall forms of pieces or the shapes. I like the ideas. I like the repetitive nature of Art Deco. They went from Art Nouveau, where it was all crazy and ornate, and then Art Deco kind of simplified things. It was a little more streamlined. I really like that. I think I carry those design principles through my work, not as much the direct visuals. Although if I could find great books with Art Deco prints of patterns or wallpapers or whatever, I'd love to use those. I just haven't quite found the right image sources yet for that. Finding pop art and op art books has been pretty easy for me, and the images are just so striking, so that's why I've gravitated towards those. I'm open to other types of art and other artists. I just haven't moved on yet from the things I am working on. I can only focus on so many things at a time, but I could see myself doing some collections using Rothko paintings or Gerhard Richter with those interesting images, Jackson Pollock with the splashes. Those kinds of things I could see being very interesting within the context of layered acrylic. It just depends on where my book collection takes me. Sharon: So, if we're looking at used books at a used bookstore, we should keep our eyes open for interesting things that could be used as interesting prints. Jennifer: Yeah. I actually buy so many of my books online because physical shops only have so many things, and what I'm looking for is so specific. The art sections are usually kind of small, so I've ended up finding a lot of online retailers. I've gotten pretty good at being able to figure out whether a book is going to be visually interesting based on the online listing. I will even look at the size of the book, if they list dimensions, to give me ideas. If it seems like a good coffee table art book with lots of pictures, that's what I'm trying to find. Something with lots of great images. Sharon: It sounds like people would be very interested in your leftovers. Jennifer: I have a whole shelf of these books that are like little skeletons. You can see the sections where I've really gone to town ripping pages out, and then other sections that are left. There's plenty of things I leave in the book that I think are amazing, but they just aren't going to work for jewelry. Yeah, I've got a lot of skeleton books on my shelf. I keep them. I can't get rid of them. Sharon: I like that, skeleton books. Once again, it's a Herculean task, the whole thing of starting your own business. Would you say that there is somebody that inspired you and keeps inspiring you? Jennifer: I wouldn't say it's a specific person. I think after that initial, tiny show that I did trying to sell my work, I think the most inspiring thing was seeing the other artists and seeing people that were making a living doing their work. I think that's what's really inspiring to me, finally meeting other people that were already doing what I wanted to do and realizing, “Wow, this is a viable career path.” There's not a lot of artists in my family, so no one really had any advice to give me back in the day. They weren't necessarily unsupportive, but they didn't really know how to encourage my art, either. It's been very helpful getting out there and seeing people that are doing things and just being inspired. Different artists and different people inspire me for very different reasons. Some artists, their work is the thing that inspires you, and other artists have such a great work ethic or a really creative way of marketing. I try to keep my eyes and ears open all the time, and I let inspirations muddle around in my brain. And then one day some other thing will trigger an idea. You just never know. I try to always be open. Sharon: I'm surprised; I usually see you at shows where there are a lot of other art jewelers, which is what I categorize you as. I see art jewelers, makers a lot. I'm thinking of New York City Jewelry Week, which is where I saw you once or twice. The last time I saw you, I wasn't able to say hello. I would think you'd be more—well, maybe it's the way I am, but I'd be more envious or competitive seeing all the other art jewelers, as opposed to finding inspiration. Jennifer: I don't know. I don't think of it as a competition in any way. I think it helps me a lot because my work is so different from everyone else's, so there isn't a super direct comparison. I think maybe for some other types of jewelers it might be a little different because there is more of a direct comparison with their aesthetic or their materials. In that respect, there isn't really competition. I used to be a lot more of a competitive person, but as I've gotten older and been in the business long enough and met all different artists, you just see that it's so much more about passion and drive. You can be successful doing just about anything if you're willing to put the work in. I've met so many different people with so many different types of jewelry and art, and they're successful in radically different ways. Even if some other artist is successful in a way that will never work for me, I still love learning about what they're doing. Even if it doesn't directly apply to me, there's something in that lesson, in listening to them and their story that might click something for me in an indirect manner. So, I really do try to be open and inspired by everyone, and I definitely don't see it as competition. I think it's great seeing more and more art jewelers getting work out there, making things that are big and bold and wild and weird materials. The more of it that's out there, the better for all of us, because then the consumer or the client is seeing more of it out in the world. Then when they come across my work, it might not seem as weird or as off putting. They might get it a little bit faster and a little bit easier because of all the other people that came before me and all the people that are alongside me. I think working together as a community, being inspired by each other, helping each other be successful, that can only help all of us. Sharon: Do you think when people first see your art, they don't think of it as jewelry because it doesn't have diamonds or emeralds? Do they think of it as a throw away, in a way? Jennifer: Oh, yeah. I've had the gamut of reactions to my work, and it really depends on the setting it's in as well as how people respond to it. There are definitely people out there that, to them, jewelry is diamonds and gold, and that's fine. I might not be able to change their mind. Other people see the work and, right away, think it looks cool. Maybe they didn't even know it was a bracelet, but they were drawn to it. Then when they find out it's an actual wearable piece, they're even more blown away. You never know what kind of reaction you're going to get from people. I've definitely had to do a lot of educating on my process and the materials because when someone sees a plastic necklace that costs $2,000, they kind of scratch their heads, like, “What is going on here?” And then I tell them all about the process and all the different steps and all the different things that went into it. Sometimes you win people over, and sometimes they're like, “Why bother?” I just try to pay more attention to the people that are won over and interested. If they're not, that's fine. I know my work is not for everyone, and I'm okay with that. Sharon: That's an interesting philosophy. You've given me a different perspective as well on your jewelry. Thank you for being here today, Jennifer. Jennifer: Yes. Thank you so much for having me. It's been a pleasure. We will have photos posted on the website. Please head to TheJewelryJourney.com to check them out. Thank you again for listening. Please leave us a rating and review so we can help others start their own jewelry journey.

The Le Random team of ⁠⁠thefunnyguys⁠⁠, Peter Bauman (⁠⁠Monk Antony⁠⁠) and Conrad House (⁠⁠Nemo Cake⁠⁠) spoke to special guest and acclaimed expert Georg Bak ⁠about the foundational significance of the 1950s in generative art history: The Analog Era. This episode corresponds with: ⁠⁠Generative Art Timeline: Chapter 3⁠ 10 Significant Modern Era Moments (Covered in the talk)⁠ 1951: MIT and the US Navy First Demonstrate the Whirlwind Computer ( + 1954: Whirlwind and SAGE Initiatives by US Military Funding Spark Computing Innovations) 1952: Love-Letters by Christopher Strachey + 1959: Theo Lutz produces Stochastic Texts 1952: Abstronic by Mary Ellen Bute + Electronic Abstractions by Ben Laposky 1952: Birth of Neo-Dada + John Cage's Theater Piece No. 1 + 1957: Allan Kaprow Begins Making ‘Environments' + 1950: Happenings 1953: Grace Murray Hopper Invents Programming Languages 1954: Victor Vasarely's Yellow Manifesto Lays Generative Art's Conceptual Foundation 1956: CYSP by Nicolas Schöffer 1957: John Backus Releases FORTRAN 1957: Max Mathews Develops MUSIC I 1958: John Whitney Makes First Computer Animation for Film Vertigo

Victor Vasarely was a Hungarian-French artist known for his innovative style and contributions to the Op Art movement. One of Vasarely's most famous works is "Zebra," created in 1937. This painting showcases his ability to create optical illusions through the use of black and white stripes. When viewed from a distance, the stripes appear to vibrate and create a sense of movement. This technique, known as the "Vasarely effect," became a hallmark of his style. The Zebra painting is considered to be the first Op Art painting. Check out my other podcasts  Art Smart | Rainbow Puppy Science Lab Who ARTed is an Airwave Media Podcast. If you are interested in advertising on this or any other Airwave Media show, email: advertising@airwavemedia.com Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

The artists discuss the power of the Processing community with Alex Estorick and explain what makes Southern California a different kind of art world.

Historiquement Vôtre réunit 3 personnages qui ont (vraiment) fait illusion : Georges Méliès, “l'un des deux piliers du cinéma français” qui l'a fait naître et exister, en mettant dans son art la magie et l'illusion qui constituaient son premier métier. Puis un artiste qui avait l'art de l'illusion lui aussi : Victor Vasarely devenu, avec ses œuvres fixes qui semblent bouger pourtant, le père de l'art optique. Et un trio funk qui a fait "Just an illusion" dans les 80's : Imagination.

Stéphane Bern, entouré de ses chroniqueurs historiquement drôles et parfaitement informés, s'amuse avec l'Histoire – la grande, la petite, la moyenne… - et retrace les destins extraordinaires de personnalités qui n'auraient jamais pu se croiser, pour deux heures où le savoir et l'humour avancent main dans la main. Aujourd'hui, Victor Vasarely devenu, avec ses œuvres fixes qui semblent bouger pourtant, le père de l'art optique. 

Historiquement Vôtre réunit 3 personnages qui ont (vraiment) fait illusion : Georges Méliès, “l'un des deux piliers du cinéma français” qui l'a fait naître et exister, en mettant dans son art la magie et l'illusion qui constituaient son premier métier. Puis un artiste qui avait l'art de l'illusion lui aussi : Victor Vasarely devenu, avec ses œuvres fixes qui semblent bouger pourtant, le père de l'art optique. Et un trio funk qui a fait "Just an illusion" dans les 80's : Imagination.

Stéphane Bern, entouré de ses chroniqueurs historiquement drôles et parfaitement informés, s'amuse avec l'Histoire – la grande, la petite, la moyenne… - et retrace les destins extraordinaires de personnalités qui n'auraient jamais pu se croiser, pour deux heures où le savoir et l'humour avancent main dans la main. Aujourd'hui, Victor Vasarely devenu, avec ses œuvres fixes qui semblent bouger pourtant, le père de l'art optique. 

Historiquement Vôtre réunit trois personnages qui ont (vraiment) fait illusion : Georges Méliès, “l'un des deux piliers du cinéma français” qui l'a fait naître et exister, en mettant dans son art la magie et l'illusion qui constituaient son premier métier. Puis un artiste qui avait l'art de l'illusion lui aussi : Victor Vasarely devenu, avec ses œuvres fixes qui semblent bouger pourtant, le père de l'art optique. Et un trio funk qui a fait "Just an illusion" dans les 80's : Imagination.

Stéphane Bern, entouré de ses chroniqueurs historiquement drôles et parfaitement informés, s'amuse avec l'Histoire – la grande, la petite, la moyenne… - et retrace les destins extraordinaires de personnalités qui n'auraient jamais pu se croiser, pour deux heures où le savoir et l'humour avancent main dans la main. Aujourd'hui, Victor Vasarely.

Historiquement Vôtre réunit trois personnages qui ont (vraiment) fait illusion : Georges Méliès, “l'un des deux piliers du cinéma français” qui l'a fait naître et exister, en mettant dans son art la magie et l'illusion qui constituaient son premier métier. Puis un artiste qui avait l'art de l'illusion lui aussi : Victor Vasarely devenu, avec ses œuvres fixes qui semblent bouger pourtant, le père de l'art optique. Et un trio funk qui a fait "Just an illusion" dans les 80's : Imagination.

Stéphane Bern, entouré de ses chroniqueurs historiquement drôles et parfaitement informés, s'amuse avec l'Histoire – la grande, la petite, la moyenne… - et retrace les destins extraordinaires de personnalités qui n'auraient jamais pu se croiser, pour deux heures où le savoir et l'humour avancent main dans la main. Aujourd'hui, Victor Vasarely.

Ein Alphabet aus Kreisen, Ellipsen, Dreiecken, Quadraten und anderen Grundformen hat der in Ungarn geborene Graphiker und Maler Victor Vasarely (1906 - 1997) entwickelt, um damit Bilder in unendlichen Variationen zusammenzusetzen. Allen gemeinsam ist eine strenge Ordnung und der geschickte Einsatz von Farben, sodass die Formelemente extrem räumlich wirken und sich manchmal sogar zu bewegen scheinen. Heutzutage würde man solche Op-Art-Bilder digital produzieren, aber zumindest seine „Prototypen“ hat Vasarely großformatig selbst gemalt, bevor sie dann z. B. als Serigraphien vervielfältigt wurden. Der Titel des Bildes in dieser Podcast-Folge heißt „Vega-Tek“. Man könnte dabei an ein technisches Gerät denken. Vasarely hielt die Physik für eine neue Quelle der Poesie.

En 2022 se cumplen cien años del nacimiento del compositor greco-francés Iannis Xenakis, que vivió entre 1922 y 2001. Si su obra, en general, puede considerarse entre las más innovadoras e influyentes de entre las surgidas en la segunda mitad del siglo XX, esto es especialmente cierto en lo que respecta a su producción compositiva electroacústica. Xenakis fue un precursor en diversos ámbitos de la creación con medios electrónicos que, en los últimos tiempos, están cobrando más y más vigencia: síntesis granular, instalaciones sonoras, música algorítmica... Ars Sonora dedica un ciclo de ocho programas —el más extenso de los hasta ahora emprendidos en la etapa actual de nuestro espacio— a poner en valor y en perspectiva la obra electroacústica de Iannis Xenakis, repasando todas las creaciones que desarrolló en este ámbito a lo largo de su vida. En ocasiones complementaremos ese repaso del catálogo electrónico xenakiano con la escucha de algunas de sus composiciones instrumentales, y también escucharemos obras de otros autores que pueden ayudar a ubicar adecuadamente las aportaciones del músico griego dentro de su contexto histórico. En esta séptima entrega de la serie nos centraremos en una extensa pieza, "Kraanerg", fechada entre 1968 y 1969. En ella los sonidos procedentes de la cinta magnética se combinan con otros de procedencia acústica, como también sucedía en "Pour la Paix", uno de los trabajos que presentamos en la anterior edición de este ciclo. En "Kraanerg" los sonidos electrónicos se fusionan con los timbres de la orquesta (en la versión que proponemos, se trata del Callithumpian Consort, un ensemble creado y dirigido por el también pianista Stephen Drury). Se trata de una composición para veintitrés instrumentos y cinta analógica de cuatro canales compuesta originalmente para un ballet con coreografía de Roland Petit y escenografía de Victor Vasarely. "Kraanerg" fue creada con motivo de la gran inauguración del Centro Nacional de las Artes de Canadá, en la ciudad de Ottawa, un evento que en principio iba a coincidir con la Expo 67, pero se retrasó dos años, hasta 1969. El título de la composición es una palabra inventada por Xenakis, y consiste en un compuesto imaginario de las raíces griegas "kraan" y "erg", cuya combinación podría traducirse como "acción realizada". Según las notas al programa del compositor, el título también hace referencia a los "movimientos juveniles actuales" (recordemos que este trabajo se compuso entre 1968 y 1969), y a su visión de la inminente "lucha biológica entre generaciones que se despliega por todo el planeta, destruyendo los marcos políticos, sociales, urbanos, científicos, artísticos e ideológicos existentes a una escala no experimentada previamente por la humanidad". Escuchar audio

 Bien sûr j'aime les splendides bijoux ruisselants de diamants et pierres précieuses. Mais je ne sors pas assez pour honorer comme il se doit ces splendeurs joaillières. Alors j'aime quand un bijou vit avec moi, qu'il bouge, quand je peux jouer avec, discrètement ou non.     Ce mouvement s'exprime dans le mot cinétique qui vient du grec ancien Kinêtikos et justement signifie ce qui se meut, ce qui est en mouvement. La cinétique est une théorie qui explique un ensemble de phénomènes par le mouvement de la matière. Par extension, la cinétique se rapporte à divers processus comme la chimie, la mécanique, la thermodynamique, les réactions enzymatiques ou électrolytiques et bien sûr l'art.     L'Art cinétique regroupe des pratiques diverses. Il y a les œuvres qui bougent concrètement et celles qui donnent l'impression du mouvement quand le spectateur bouge devant l'œuvre.     Le début de l'Art cinétique se situe vers 1950 au moment où les premières œuvres optiques en noir et blanc se fondent sur une illusion d'optique pour donner cette idée de mouvement. Les œuvres de Vasarely sont typiques de cette idée. Quand on se déplace devant un tableau la construction représentée semble bouger !     Certains spécialistes déterminent les premières manifestations de l'art cinétique dans les années 1910 notamment avec les œuvres de Marcel Duchamp qui est définit comme le père de l'art contemporain. Peintre et inventeur, il explore le surréalisme et le dadaïsme, se lance dans le futuriste et travaille sur le mouvement. Il déclare même « ce sont les regardeurs qui font les tableaux » et c'est justement sur cette base que l'art cinétique s'inscrit.     Plus tard, Alexander Calder participe à cette réflexion des artistes sur le mouvement avec ses mobiles. Les suspensions en fils et pièces métalliques s'activent par le déplacement de l'air ambiant et l'œuvre évolue ainsi avec le mouvement des visiteurs.     A Paris, la galerie Denise René s'ouvre en 1945 au 124 rue de la Boétie et expose justement les travaux que Vasarely avait réalisé à la fin des années 30. Cette galerie va devenir le lieu de diffusion privilégié de l'art cinétique en commençant par faire connaitre l'abstraction géométrique. Et en 1955, elle crée du 6 au 30 avril l'exposition « Le Mouvement » qui va justement faire comprendre ce mouvement artistique en rassemblant cote à cote les œuvres d'artistes venus du monde entier, artistes reconnus comme ceux de la nouvelle garde, qui partagent la même réflexion sur des médium variés comme Marcel Duchamp, Alexander Calder, Victor Vasarely, Yaacov Gibstein dit Agam, Pol Bury, Arne Jacobsen, Jesús-Rafael Soto et Jean Tinguely.     Dans ces œuvres il y a tout ce qui se meut : de l'illusion d'optique aux pièces activées par des moteurs ou par des éléments naturels comme l'eau ou l'air.     Lors de cette manifestation historique, point de départ officiel du Mouvement cinétique, Victor Vasarely, Pontus Hulten et Roger Bordier rédigent « Le Mouvement notes pour un manifeste » dont la couverture jaune donnera à cette publication le surnom de « Manifeste Jaune » qui théorise l'art optique et cinétique. Vasarely est à cette occasion désigné leader du Mouvement cinétique. Il déclare « par l'effet de perspectives opposées, ces éléments font naitre et s'évanouir tour à tour un « sentiment spacial » et donc l'illusion du mouvement et de la durée ».     Ce qui est difficile à appréhender aujourd'hui c'est la dimension révolutionnaire de ce mouvement. Pontus Hulten le co-rédacteur du Manifeste Jaune, et qui sera en 1977 le premier Directeur du Centre George Pompidou analyse bien l'impulsion de ces artistes. Bien sûr toutes ces recherches sur le mouvement sont au départ liés au progrès du cinématographe qui séduit et symbolise l'évolution de la société. Mais ce n'est qu'un moyen. Les artistes cinétiques travaillent sur 3 registres. Tout d'abord travailler le mouvement par rapport à un espace rend compte du développement de l'urbanisme. Il ne faut pas oublier que c'est dans les années 60 que l'industrie prend le pas sur l'agriculture comme source de développement avec tous les changements sociétaux que ça implique comme le développement du travail à l'usine puis au bureau qui deviendra le modèle dominant, et qui provoque une nouvelle concentration dans les villes, développant les immeubles de grands ensembles comme les transports urbains.   D'autres artistes cinétiques par leurs recherches optiques et lumineuses veulent monter le caractère changeant du monde et souligner son instabilité et cette recherche semble naturelle à une époque qui suit directement les 2 guerres mondiales.  D'autres artistes encore cherchent à libérer l'œuvre soit en créant des œuvres différentes du tandem usuel tableau-sculpture soit en investissant l'espace comme une symbolique d'émancipation.      Mais tous ces artistes veulent libérer l'art de ses carcans. Ils veulent une fusion de tous les arts et une ouverture des arts vers l'extérieur et le public. Alors ils utilisent des vidéos, des machines interactives, des néons, des lasers jusqu'à des espaces immersifs. Je pense que les nouvelles œuvres numériques et leur inscription dans les NFT (jeton cryptographique qui représente un objet, souvent numérique, rattaché à une identité numérique) qui semblent si nouvelles, sont directement la suite de ce mouvement de l'Art cinétique. Même si l'esprit est différent, je suis frappée par cette analogie de la situation entre un monde qui change et la mouvance des œuvres qui s'y développent.      Ces artistes vont même plus loin en voulant faire disparaitre leur égo d'artistes au profit de la collectivité du mouvement artistique. Alors ils se constituent en collectifs.     Il y a le G.R.A.V. à Paris, le Groupe N à Padou, le Groupe T à Milan, le Groupe Zéro à Düsseldorf, le Groupe Nul en Hollande, le Groupe Dvizhenie à Moscou et le Groupe Anonima aux États-Unis.     Le GRAV est le plus célèbre, les abréviations veulent dire Groupe de recherche d'Art Visuel. Il exprime bien la notion d'expérimentation que prônait ces artistes comme leur volonté que l'œuvre ne soit pas réservée à une élite culturelle et intellectuelle. Alors ils rendent leur art accessible en permettant aux spectateurs de toucher et manipuler les œuvres et développent une nouvelle approche ludique de l'art.   Leur manifeste intitulé « Assez de mystifications » et distribué en octobre 1963 à la Biennale de Paris déclarait : « Nous voulons intéresser le spectateur, le sortir des inhibitions, le décontracter.  Nous voulons le faireparticiper.  Nous voulons le placer dans une situation qu'il déclenche et qu'il transforme.  Nous voulons qu'il s'oriente vers une interaction avec d'autres spectateurs.  Nous voulons développer chez le spectateur une forte capacité de perception et d'action. »     Pontus Hulten organisera de nombreuses manifestations pour faire connaitre cet art cinétique. Dès 1955 il participe aux expositions de la galerie Denise René, en 1961 il organise l'exposition « Rorelse i Konsten » au Moderna Museet de Stockholm et en 1968, il programme « The Machine as Seen at the End of the Mechanical Age » au MoMA de New York.     C'est lors de l'exposition MAT-Kinetische Kunst — Multiple Art Transformable-Art cinétique de Zürich, en 1960 que l'expression Art cinétique est employée pour la 1e fois par une institution muséale. Les artistes repérés par la Galerie Denise René y sont bien sûr représentés et forme ainsi la Nouvelle Tendance.  Auxquels s'adjoignent bientôt les artistes américains.  En 1964 s'ouvre au MoMA de New York de l'exposition The Responsive Eye organisée par son directeur américain William C. Seitz et en collaboration avec la galerie Denise René qui apporte presque la moitié des œuvres présentées. A cette occasion le Times utilise pour la 1e fois le terme Op'Art pour qualifier ces œuvres. Ce mot est une abréviation de l'expression Optical Art qui qualifie les jeux d'optiques présenter notamment par la Galerie One à Londres laquelle présentait la première les œuvres de Vasarely.     L'expression Op'Art qui dès lors concurrencera au niveau international l'expression Art cinétique, exprime également un dialogue avec la société technique et industrielle et renoue avec l'abstraction et les compositions géométriques.      S'ils se développent en même temps, l'Op'Art partage avec le Pop Art la volonté de rendre l'art accessible. Le Pop Art qui veut dire Popular Art montre la société de consommation, utilise des matériaux industriels mais son champ de bataille se situe sur la dénonciation de l'unicité de l'œuvre. Par ailleurs ces 2 mouvements réintroduisent la réalité dans l'expression artistique et son accessibilité au plus grand nombre.     Bien sûr ce mouvement de l'Art cinétique n'est pas né magiquement. Il est fortement imprégné par les changements sociétaux de l'époque et les réflexions révolutionnaires dans l'art des mouvements artistiques précédents comme les futuristes, cubistes, constructivistes,… et bien d'autres.  L'art cinétique sera à son apogée vers 1975 puis tombera dans l'oubli jusqu'à l'exposition Dynamo au Grand Palais en 2013.        Comme l'Art cinétique est pluri-médium, certains artistes s'essaieront aux bijoux. Pol Bury dont on peut voir la Fontaine des Sphères aux jardins du Palais Royal a créé sur ce même principe de sphères mobiles des bijoux. Sa fontaine est mue par l'eau et sur les bijoux c'est un système de trembleuses qui fait bouger les petites billes sur un plan carré, rond ou octogonal. Vous pouvez surveiller les enchères car on trouve quelquefois ces bijoux qui sont rares car fabriqués entre 1968 et 1975. Ils font l'objet de collections passionnées comme celle de Diane Venet. Et si vous en mourrez d'envie vous trouverez peut être des pièces à la Galerie Minimasterpiece et j'ai vu une bague qui est encore en vente chez Vissi d'Arte. (promis sur Instagram je vous mettrais tous les visuels et les tags). C'est une bague en or gris composée d'un plateau carré orné de sphères toutes mobiles de différentes tailles. Une pure beauté animée.     Toujours chez Vissi d'Arte, vous trouverez la bague appelée justement « Mobile » de Meret Oppenheim. Cette artiste peintre et plasticienne surréaliste n'a créé que 8 pièces de ce modèle édité par Cleto Munari. Sur cette bague, 3 engrenages en or blanc, jaune et rose montrent un tiers de leur surface diamanté alors quand on joue avec, le système ludique fait rayonner leur éclat comme autant de rayons précieux.     Récemment Thierry Vendome vient de rééditer sa bague « choc », une de ses plus anciennes créations du début des années 80. Les premiers modèles étaient réalisés avec des perles blanches et noires qui s'entrechoquaient dans un corps de bague en or. La nouvelle est une bague ouverte d'une côté une opale fixe, de l'autre un profilé d'or s'ouvre comme un livre et permet à la bille d'opale d'aller et venir au gré du mouvement de la main dans une danse carrément hypnotique. Comme chaque modèle est unique, allez directement le voir dans sa boutique-atelier de saint Paul pour faire créer votre bague cinétique « Choc ».        Depuis sa première collection, Marie Mas travaille sur les principes cinétiques. Sa joaillerie se définit comme une joaillerie de mouvement unique. Ses collections s'appellent « Wave », « Swinging ». Par exemple La collection Wave capture l'esprit organique du mouvement et incarne une liberté et la bague King Wave est une chevalière en or rose où les diamants ou les pierres de lune bleutées sont montées sur de fines tiges. Alors quand vous glissez le doigt dans la bague, ces tiges se soulèvent et définissent le volume qui vous est personnel pour un rendu unique.   Mon coup de cœur est toujours la bague « Dancing ». C'est une bague ouverte avec d'un côté un diamant navette et de l'autre des quartzs et topazes cabochons qui déclinent un camaïeu de bleus jusqu'à ce que vous bougiez la main et que d'un mouvement souple les cabochons montrent leur autre surface en camaïeu violet-rose d'améthystes et de quartzs. Marie Mas vient justement d'ouvrir son show room parisien rue de Richelieu, il n'y a plus qu'à prendre rdv.        En bijou contemporain cinétique, j'adore aussi Agnès Dubois. Chez elle pratiquement tout bouge ! La bague « Funambille » est un rond dans un carré où la perle d'eau douce rose ou de calcédoine bleu ou chrysophrase verte roule sur son entourage décentré.  La bague « l'éloge du vide » est une cage ovoide où la perle navige librement pour attérir d'un côté ou d'autre du panier dans un jeu personnel. La bague « Mars » est complètement carrée et son va et vient cosmique est à l'échelle de notre doigt. Mais mon super crush c'est la bague « sixième sens » c'est une forme aérienne qui occupe la main d'une géométrie de cercles posés comme un système galactique dans lequel une perle planète évolue librement. Elle réalise ses modèles en argent et vermeil, à la main, dans son atelier à Fontenay-sous-Bois où elle vous recevra sur rdv.        Ainsi se termine cette histoire du bijou cinétique        Musique : Allan Deschamps - 0 Le Sign, Michael Sandler - Public Squeeze  

Federico Giudicendreacuratore della mostra"Escher"Palazzo Ducale di Genovahttps://www.mostraescher.it/Palazzo Ducale di Genova è pronto ad accogliere, fino al 20 febbraio 2022, lapiù grande e completa mostra antologica dedicata al grande genio olandese Maurits CornelisEscher, oggi uno degli artisti più amati a livello globale e i cui mondi impossibili sono entratinell'immaginario collettivo rendendolo una vera icona del mondo dell'arte moderna.Con oltre 200 opere e i suoi lavori più rappresentativi come Mano con sfera riflettente (1935),Vincolo d'unione (1956), Metamorfosi II (1939), Giorno e notte (1938) e la serie degli Emblemata,la mostra presenta in 8 sezioni un excursus della sua intera e ampia produzione artistica.Per la prima volta, a Genova il pubblico potrà esperire l'immaginifico universo escheriano tramiteinedite sale immersive e strutture impossibili che saranno messe a confronto con opere di grandiartisti visionari del calibro di Giovanni Battista Piranesi (1720 - 1778) e di Victor Vasarely (1906 –1997).Tra arte, matematica, scienza, fisica, natura e design, la mostra Escher è un evento unico perconoscere più da vicino un artista inquieto, riservato ma indubbiamente geniale e per misurarsiattivamente con i tantissimi paradossi prospettici, geometrici e compositivi che stanno alla basedelle sue opere e che ancora oggi continuano a ispirare generazioni di nuovi artisti in ogni campo.Promossa e organizzata dal Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, Comune di Genova,Regione Liguria e Arthemisia, in collaborazione con M. C. Escher Foundation, la mostra ècurata da Mark Veldhuysen – CEO della M.C. Escher Company – e Federico Giudiceandrea –uno dei più importanti esperti di Escher al mondo.La mostra vede come sponsor Generali Valore Cultura e special partner Ricola.L'evento è consigliato da Sky Arte.A Escher, artista sui generis che amava dire “lo stupore è il sale della terra”, si deve il merito diaver amplificato le possibilità immaginative della grafica e aver donato lo stupore, appunto, a tutticoloro che hanno osservato e osservano la sua opera dove tutto è connesso: scienza, natura,rigore analitico e capacità contemplativa.Partendo dalle opere di impronta Art-Nouveau risalenti al periodo della formazione presso lascuola di Jessurun de Mesquita, la mostra pone l'accento sul periodo del viaggio italiano diEscher.Ispirato e influenzato dall'arte a lui contemporanea e del passato, l'artista declina costruzionegeometrica e rigore nel segno visionario della ricerca estetica più pura. Artista poliedrico econtemporaneo al suo tempo, fu però capace di anticipare intere correnti artistiche come quelle del Surrealismo e dell'Optical Art di cui può essere considerato un esponente ante litteram. Infatti, egli non trova solo nel mondo dei numeri, della geometria e della matematica l'unica chiave dar forma al suo universo creativo. Genio complesso che attinge a piene mani ai vari linguaggi fondendoli in un nuovo intrigante percorso, può, in questo senso, considerarsi un unicum nel panorama della storia dell'arte di tutti i tempi che emoziona sempre il grande pubblico.L'arte di Escher, che le nuove tecnologie digitali sembrano rincorrere facendone propri i risultati, infatti, non accusa i segni del tempo, sebbene siano trascorsi quarantasette anni dalla scomparsadel suo ideatore.IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarehttps://ilpostodelleparole.it/

“The ancient Greeks had technology in their DNA. And you can understand this in their religion because, they had a god for technology, Hephaistos. I remembered it while we are discussing this shield and thorax. They were made with fire and a hammer. And this was doing the work of the god Hephaistos. His characteristic tool was a fire and a hammer.”The Museum Herakleidon was founded in 2004 by Mr. and Mrs. Firos and extends to two buildings in the historic district of Thissio, next to the Acropolis, the Ancient Agora and the Temple of Hephaestus. The first building is located at 16 Herakleidon str. and the second one 150 meters further, at 37 Ap. Pavlou str., one of the busiest pedestrian streets of Athens.During the first decade of its operation, the museum focused on artistic activities and organized exhibitions with artworks of great artists such as M.C. Escher, Victor Vasarely, Carol Wax, Constantine Xenakis, Adolf Luther, Francesco Scavullo, Toulouse-Lautrec, Edgar Degas, Edvard Munch, Sol LeWitt and others. At the same time, a plethora of cultural activities allowed visitors to explore the essence of each artist's perspective.· www.herakleidon-gr.org
· www.creativeprocess.info

The Museum Herakleidon was founded in 2004 by Mr. and Mrs. Firos and extends to two buildings in the historic district of Thissio, next to the Acropolis, the Ancient Agora and the Temple of Hephaestus. The first building is located at 16 Herakleidon str. and the second one 150 meters further, at 37 Ap. Pavlou str., one of the busiest pedestrian streets of Athens.During the first decade of its operation, the museum focused on artistic activities and organized exhibitions with artworks of great artists such as M.C. Escher, Victor Vasarely, Carol Wax, Constantine Xenakis, Adolf Luther, Francesco Scavullo, Toulouse-Lautrec, Edgar Degas, Edvard Munch, Sol LeWitt and others. At the same time, a plethora of cultural activities allowed visitors to explore the essence of each artist's perspective.· www.herakleidon-gr.org
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“The ancient Greeks had technology in their DNA. And you can understand this in their religion because, they had a god for technology, Hephaistos. I remembered it while we are discussing this shield and thorax. They were made with fire and a hammer. And this was doing the work of the god Hephaistos. His characteristic tool was a fire and a hammer.”The Museum Herakleidon was founded in 2004 by Mr. and Mrs. Firos and extends to two buildings in the historic district of Thissio, next to the Acropolis, the Ancient Agora and the Temple of Hephaestus. The first building is located at 16 Herakleidon str. and the second one 150 meters further, at 37 Ap. Pavlou str., one of the busiest pedestrian streets of Athens.During the first decade of its operation, the museum focused on artistic activities and organized exhibitions with artworks of great artists such as M.C. Escher, Victor Vasarely, Carol Wax, Constantine Xenakis, Adolf Luther, Francesco Scavullo, Toulouse-Lautrec, Edgar Degas, Edvard Munch, Sol LeWitt and others. At the same time, a plethora of cultural activities allowed visitors to explore the essence of each artist's perspective.· www.herakleidon-gr.org
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Marianna VianelloFondatrice e CEO "Kid Pass"https://kidpass.it/Kid Pass Days 2021100 eventi in 100 spazi culturali da tutta Italia. Appuntamenti online e in presenza, per festeggiare insieme la ripartenza della culturaIn arrivo un nuovo weekend dedicato alle famiglie: il 15 e 16 maggio 2021 musei, palazzi e parchi d'Italia ospitano la più grande rassegna di eventi per bambiniKID PASS DAYS 2021: 100 EVENTI IN 100 SPAZI CULTURALI DA TUTTA ITALIA. APPUNTAMENTI ONLINE E IN PRESENZA, PER FESTEGGIARE INSIEME LA RIPARTENZA DELLA CULTURAIn arrivo la settima edizione della grande maratona nazionale di appuntamenti per scoprire l'arte, la storia, la cultura e la scienza, a misura di bambino.Iniziative a Milano, Roma, Torino, Genova, Venezia, Bologna, Firenze, Napoli, Palermo e in tante altre città italiane È in arrivo la settima edizione di Kid Pass Days, la più grande maratona di eventi dedicati alle famiglie che si terrà nel weekend del 15 e 16 maggio 2021. Dopo la speciale edizione tutta digitale dello scorso anno, l'edizione 2021 sarà sia in presenza, con laboratori e visite guidate, sia digitale, con speciali contenuti a portata di smartphone, tablet, pc e smart tv, appuntamenti in diretta streaming e sui social. Sono oltre 100 gli appuntamenti in 100 spazi culturali italiani, tra i più importanti musei, palazzi storici e parchi d'Italia, uniti in un programma che coniuga l'alto valore educativo e culturale ad un apprendimento all'insegna del gioco e del divertimento.Una nuova pioggia di adesioni per la più grande rassegna di eventi di edutainment in Italia che, in questo particolare anno, diventa un modo per ripartire tutti insieme attraverso la cultura, con un invito a provare nuove attività che avvicinano all'arte, alla scienza e alla tecnologia. Sono tre le aree tematiche da esplorare, per tutti i gusti e le età: Piccoli Artisti; I love History; A tutta Scienza. Gli eventi che animeranno le città andranno da Trento a Palermo, passando per Milano, Torino, Genova, Venezia, Firenze, Bologna, Roma, Napoli e tanti altri centri. In programma anche un appuntamento tutto digitale: lo Special Live Day che andrà in onda il 16 maggio, dalle ore 10.00 alle 18.00. La maratona streaming inaugurerà con la riapertura di Città della Scienza di Napoli e l'intervento del presidente prof. Riccardo Villari, per poi condurre i piccoli spettatori tra le sale del Museo del Novecento e del Museo Nazionale Scienza e Tecnologia Leonardo da Vinci di Milano. In diretta anche un laboratorio sul paesaggio campestre curato da Raccolta Lercaro di Bologna e una speciale lezione su come estrarre i colori della natura insieme ad Aboca Museum di Sansepolcro. Parte da Torino il viaggio nel tempo dal Medioevo al Settecento, con Precettoria di Sant'Antonio di Ranverso e la Palazzina di Caccia di Stupinigi. Alla Fondazione Querini Stampalia di Venezia i piccoli spettatori potranno conoscere un vero alchimista grazie all'autrice Stella Nosella. Infine, un viaggio virtuale oltremanica per conoscere il Museum of London insieme a Pingu's English Italia e fino alla Genova del 1500 con l'Orto della Cultura con l'autrice de L'Orlando avventuroso - La congiura dei Fieschi, Federica Saini.Alcuni dei protagonisti e delle attività di Kid Pass Days: vivace la proposta di Milano, che vede per la prima volta la partecipazione del PAC – Padiglione Arte Contemporanea, insieme al Museo di Storia Naturale e del Parco Montanelli, dove i bambini scopriranno la paleontologia in gioco; al Museo Civico Archeologico avrà luogo una speciale maratona nella antica città di Milano, da concludere a colpi di quiz; tornano anche quest'anno le Gallerie d'Italia, il Museo Poldi Pezzoli e la Veneranda Fabbrica del Duomo.In diretta dalla Basilica di Superga di Torino il laboratorio per realizzare una “basilica pop-up” e dalla Pinacoteca dell'Accademia Albertina quello per creare splendide corone, da decorare con tanta fantasia, mentre dal MAO – Museo di Arte Orientale partirà il viaggio Cina tra dame, cammelli e suonatori a cavallo. In presenza a Palazzo Madama l'esperienza sensoriale de Il giardino tra le mani. Tantissime partecipazioni dalla Liguria, a Genova con Galata-Museo del Mare e il Viaggio nel Tempo con Geronimo Stilton, alla scoperta di Sua maestà la Rosa a Palazzo Reale, delle Storie di dame, dogi, cardinali, condottieri, uomini di potere tra i dipinti di Palazzo Spinola e tra i Ricordi di Viaggio al Castello D'Albertis Museo delle Culture del Mondo. E ancora i Musei Civici, insieme al Museo d'Arte Orientale E. Chiossone, poi a La Spezia, dove sarà possibile scoprire il Museo Archeologico del Castello di San Giorgio e i Musei Civici. Un salto a Trento per scoprire il Castello del Buonconsiglio, le attività online del MUSE-Museo delle Scienze con Science Show ed esperimenti spettacolari con l'azoto liquido, e quelle sia in presenza che online per far fiorire il Giardino del Mart di Rovereto e far prendere vita ai Dinosauri di tutti i pianeti.A Venezia si celebrano i 1600 anni della città Sulle ali del leone con un'inedita guida a Palazzo Ducale e un viaggio Indietro nel tempo nel cortile di Palazzo Grimani; quiz ed enigmi attenderanno i piccoli archeologi al Museo Archeologico Nazionale con SPQR. La storia di Roma attraverso i reperti, mentre ad aspettarli al Museo d'Arte Orientale ci sono le Avventure di animali al Museo. A spasso per il centro storico con Una passeggiata misteriosa e la visita guidata per i più piccoli C'era una volta un leone con Venice Family Tours.Un tuffo nel contemporaneo e nelle mostre di Ocean Space, con The Soul Expanding Ocean #1: Taloi Havini e nello zoo di vetro di Pierre Rosenberg a Le Stanze del Vetro. Nuove, importanti adesioni dal Veneto: i Musei Civici di Treviso con Un mare di fiori per Santa Caterina, il Museo Nazionale di Villa Pisani e la Fondazione Tipoteca Italiana di Cornuda.A Bologna ci si avventurerà sin “dentro” i dipinti dei musei della città, con Genus Bononiae; a Casa Monti di Alfonsine (RA) e andare Alla scoperta del mondo delle api insieme a Mielizia. A Firenze i bambini potranno andare alla ricerca di Uno zoo in fuga al MAF- Museo Archeologico Nazionale di Firenze, vivere un'avventura a fumetti nel pre-protostorico al Parco del Mugello, partecipare a tanti appuntamenti al Museo Leonardo Da Vinci, al Museo Beato Angelico, al Museo e Istituto Fiorentino di Preistoria.Ad attendere i piccoli storici a Roma ci sarà uno speciale Passaporto scoperta, per esplorare il Museo Nazionale Romano alle Terme di Diocleziano e un laboratorio per realizzare una composizione geometrica alla maniera dell'artista Victor Vasarely con Art Forum Würth Capena. Infine, un salto fino a Palermo per una visita alla GAM - Galleria d'Arte Moderna, a Palazzo Branciforte e a Villa Zito.Scopo dei #kidpassdays è diffondere l'accessibilità della cultura a misura di bambino, valorizzando eventi di qualità rivolti alla famiglia. Per questo, da sette anni i Kid Pass Days si confermano il più grande programma di edutainment d'Italia.Il progetto è reso possibile con il sostegno degli sponsor Pingu's English Italia e Mielizia e dei partner Fondazione IDIS-Città della Scienza, MUSE-Museo delle Scienze di Trento; Ocean Space; Aboca Museum; Raccolta Lercaro, Venice Family Tours e alla radio partner Radio VivaFM.KID PASS DAYS 2021 è promosso da Kid Pass e dall'Associazione Kid Pass Culture, punti di riferimento per le famiglie per vivere esperienze insieme ai più piccoli attraverso proposte, consigli, notizie sulla cultura a misura di bambino e con la nuova Piattaforma Kid Pass Edu che offre corsi per bambini online di archeologia, illustrazione, elettronica & robotica, giornalismo e molto altro.La lista dei musei partecipanti e il programma completo, in continuo aggiornamento, sono disponibili sul sito https://kidpass.it/Per informazioni:Facebook: kidpass.itInstagram: kid_pass; #kidpassdaysweb: www.kidpassdays.it IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarehttps://ilpostodelleparole.it/

Papageno, a Klasszik rádió 92.1 műsora Műsorvezető: H. Varga Mariann

ARTAIR - (Episode 5) - Victor Vasarely et l'Op Art by Radio Victoria

Today's show is a little calmer, a little slower. Life has been hectic so we thought we could slow it down for this week a bit. We started off Serra's interview with Donna Giraud about her new art show "Together is Always Better". We took a quick ad and psa break and continued with Niko's review of "Suitcase Stories" (going on until the 25th!) and Serra gave some information about the Museum of Vancouver's discounted rates until the end of 2020. After our second quick ad and psa break, Silvana did her review of The Polygon Gallery's "The Third Realm". Serra finished the show by letting everyone know that WIFTV submissions are open until November 20th and talked about the Vancouver Art Gallery's media preview that she attended which was about their current exhibition of Victor Vasarely.

Guillaume Durand et ses chroniqueurs se sont installés pour trois émissions à Aix-en-Provence, dans une ville chère à Vasarely, au sein de la fondation qui porte son nom. Au sommaire : Franck Thilliez Depuis ses débuts en 2003, Franck Thilliez est un véritable phénomène d'édition. Son dernier roman « Il était deux fois » caracole en tête des ventes et « Pandemia », sorti en 2015 aux éditions du Fleuve Noir, connaît un boom en format poche. Il faut dire que ce polar, qui brosse un scénario catastrophe autour d'une pandémie de grippe en France, présente d'étranges similitudes avec la crise actuelle. Doit-on débattre de la place de l'art dans l'espace public ? Durant l'été 2020, l'oeuvre « The End » de l'artiste Heather Phillipson (une cerise géante, une mouche et un drone surmontant un monticule de crème fouettée), installée sur Trafalgar Square à Londres, a suscité la controverse. On se souvient du fameux « Bouquet de tulipes », de Jeff Koons, offert à la ville de Paris, qui a également fait polémique. Ce genre de débat est récurrent et interpelle. Alors, qui doit décider de l'achat et de l'installation d'oeuvres dans l'espace public ? Entretien avec Pierre Vasarely Il est le petit-fils de Victor Vasarely, légataire universel de son oeuvre. Entretien avec Pierre Vasarely qui nous parle d'un aspect méconnu de la production artistique de son grand-père. Hugues Aufray L'artiste français Hugues Aufray, 91 ans, a sorti un nouvel album. « Autoportrait » compte douze titres, adaptations très personnelles de chansons folk ou de morceaux de blues américain, ainsi qu'une reprise de « Stewball », enregistrée à Londres avec Michael Jones. Extrait. Présentation : Guillaume Durand. Avec la participation de Michel Cerutti (RTS), Laura Tenoudji (France Télévisions), Sarah Doraghi, Yves Bigot (TV5MONDE). Depuis la fondation Vasarely, à Aix-en-Provence.

Bovaryné kíváncsi lesz arra, hogy Victor Vasarely miért épp Párizsba emigrált 90 éve. Pócs Veronika kurátor segít nekünk megoldani a talányt. Arra is választ kapunk, hogy tényleg Vasarely tervezte-e a párizsi Montparnasse vasútállomás faldekorációját, a Renault autó logóját, David Bowie egyik lemezborítóját és a magyar Forma1-es zászlót. Ellátogatunk a legújabb Vasarely-tárlatra is az óbudai Vasarely Múzeumba. Aztán annak járunk utána, hogy vajon most van-e olyan város, amely hasonlóképpen a művészek Mekkája, mint amilyen a 20. század elején Párizs volt? Molnár Ani galériatulajdonos meséli el a legfrissebb nemzetközi tapasztalatait. Hiszen galériájával az elmúlt 10 évben Bécsben, Brüsszelben, Madridban, Torinóban, Genfben, Londonban, New Yorkban állított ki művészeti vásárokon. Óriási sikernek tartja, hogy Maurer Dórának egy évig kiállítása van a londoni Tate Modern Múzeumban, amely szerinte újabb magyar képzőművészekre irányíthat nemzetközi figyelmet.

Se nourrir quand on est loin de chez soi, c’est déjà une aventure. On ne peut plus compter sur son frigo ou sur sa boulangerie préférée, on ne connaît pas les produits qui nous entourent ou la langue dans laquelle ils sont décrits… Alors pour s’approprier un peu l’endroit, il faut se renseigner sur les quartiers, sur ce que font les locaux, et surtout, accepter de rompre avec ses repères habituels. Mais parfois, l’aventure demande un peu plus d’efforts, en particulier lorsque l’on a la contrainte d’une maladie comme le diabète par exemple.C’est le cas d’Inès Marzat, alias Inès Alpha, que Emilie a rencontrée à Lille il y a quelques années. Pour cette artiste du digital, voyager, c’est beaucoup d’excitation mais aussi pas mal d’organisation. Julien Lelièvre a lui vécu une toute autre expérience du voyage. De 2009 à 2016, le photographe a parcouru des milliers de kilomètres à bord de sa Golf pour répertorier les oeuvres d’art présentes sur le réseau autoroutier français. Emilie s’est demandée à quoi pouvaient bien ressembler les repas d’un voyageur solitaire en virée sur la route pendant des journées entières ?Références entendues dans l’épisode : Julien Lelièvre, Art d’autoroute, Building Books, 2019Woinic (ou le sanglier géant) est une sculpture de Eric Sleziac sur l’A34Signal en V (1975), Victor Vasarely, sur l’A8Victor Vasarely (1906-1997) est un artiste plasticien Georges Saulterre est un sculpteur français Les flèches des cathédrales (1989), Georges Saulterre, sur l’A10Sur la trace des Vikings (1990), Georges Saulterre, sur l’A13Signe infini (1994) est une sculpture d’acier de Marta Pan sur l’A6Le Centre national des arts plastiques (Cnap) propose des boursesL’Arche est une chaîne de restaurants sur autoroutesAndreas Gursky est un photographe allemandEric Tabuchi est un photographe françaisLa marque FreeStyle Libre propose des outils pour consulter son profil glycémique en temps réelL’application MapstrLes kanelbullar sont des brioches à la cannelle suédoises Bouffons est une émission de Nouvelles Écoutes, portée par Émilie Laystary. Montée et mixée par Thomas Decourt. Programmation par Cassandra de Carvalho. Coordination par Laura Cuissard avec l’aide de Mathilde Vinet.

Protagoniste du pop art des années 1950, né en Hongrie en 1906, il est le père, fondateur, de l'Op Art. L'Op Art, l’abréviation d’art optique, est une expression utilisée pour parler d’une tendance artistique à partir des années 1960, qui jouait avec la perception visuelle du spectateur et qui exploitait la faillibilité de l’œil à travers des illusions ou des jeux optiques. Regarder une toile de Vasarely est une expérience sensorielle. Où les effets optiques nous aspirent. Même si la surface est plate, nous croyons porter des lunettes 3D. Par l’illusion, on croirait avancer ou reculer. Elle crée une fausse perspective et simule des cubes et des sphères bombées. Les sollicitations visuelles placent le corps du spectateur en situation instable, plongé dans une sensation de vertige proche de certains états d’ivresse légère et parfois décupler par le caractère monumental parfois des environnements. Ce phénomène nous pouvons le rapprocher à l’art psychédélique.

Pozorowany ruch, iluzoryczna trójwymiarowość, złudzenia kolorystyczne. Przygotujcie się na oczopląs i lekkie zawroty głowy. Na wystawie op-artowej nic nie jest takie, jakim się wydaje. Op-art, czyli sztuka optyczna, najbardziej popularny był w latach sześćdziesiątych, choć z abstrakcją geometryczną prekursor op-artu, Victor Vasarely, eksperymentował już w latach trzydziestych.… Czytaj dalej Artykuł Przygody z op-artem pochodzi z serwisu Audycje Kulturalne.

Molecular Aesthetics | Symposium Symposium at ZKM | Center for Art and Media, July 15 -17, 2011 in cooperation with DFG-Center for Functional Nanostructures (CFN) Karlsruhe Institute for Technology (KIT). It was in the 60s of the last century that the pores of our senses openend up. Was it the mescaline impregnated pictures of a Henri Michaux, was it the LSD-borne dreams of a Timothy Leary. Was it the wounds of the second world war, written down in the palm sized drawings of a »WOLS« (Wolfgang Schulze) It was the high period of kinetics of a Jean Tinguely, of a Gerhard von Graevenitz, of the seriell paintings of a Victor Vasarely, generated from the value inverted pragmatism of emptiness of a Marcel Duchamp. Everything screamed out for new art. Now it had to arrive, the biologically based kinetic. A word was spit out: Biokinetic. Realised for the first time in 1969 in the Musem Schloss Morsbroich of the city of chemistry, Leverkusen, the museum which had shortly before become a lanching pad into the infinite blue space of an Yves Klein. /// Symposium im ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie, 15. -17. Juli 2011 In Kooperation mit dem DFG-Centrum für Funktionelle Nanostrukturen (CFN) des Karlsruhe Instituts für Technologie. Es war in den Sechzigern des vergangenen Jahrhunderts, als sich die Poren unserer Sinne öffneten. Waren es die Meskalin trächtigen Bilder eines Henri Michaux, waren es die LSD getragenen Träume eines Timothy Leary? Waren es die Wunden des 2. Weltkrieges, niedergeschrieben in den Handteller großen Zeichnungen eines “WOLS“ (Wolfgang Schulze)? Es war die Hohe Zeit der Kinetik eines Jean Tinguely, eines Gerhard von Graevenitz, der seriellen Malerei eines Victor Vasarely, entstanden aus dem Werte umkehrenden Pragmatismus der Leere eines Marcel Duchamp. Alles schrie nach neuer Kunst. Jetzt musste sie kommen, die biologisch getragene Kinetik. Ein Wort dafür wurde ausgespieen: Biokinetik. Erstmals realisiert 1969 im Museum Schloss Morsbroich der Chemiestadt Leverkusen, jenem Museum, das kurz zuvor Startrampe in den unendlichen blauen Raum eines Yves Klein gewesen ist.

Curator David Rubin talks about the work of Victor Vasarely in Psychedelic: Optical & Visionary Art Since the 1960s, on view at the Memorial Art Gallery, October 17, 2010-January 2, 2011.

"Hasta el próximo 19 de abril está abierta en Madrid, en la sede de la Fundación Juan March, la exposición de 47 obras de Victor Vasarely, el principal teórico del arte cinético y del Op-art. La muestra reúne pinturas y dibujos realizados por Vasarely entre 1929 y 1988, procedentes del Vasarely Múzeum de Budapest; Colección André Vasarely, de París; Colección Michéle Vasarely, de París; Colección Renault, de París; Galerie Lahumiére, de París; Museum Boijmans Van Beuningen, de Rotterdam; Musée de Grenoble; Galerie Hans Mayer, de Düsseldorf; y otras colecciones particulares. La muestra se ha organizado con el asesoramiento de Werner Spies, director del Musée National d'Art Moderne Centre Georges Pompidou, de París, y la ayuda de Michéle-Catherine Vasarely, nuera del artista. Werner Spies es autor del texto que recoge el catálogo. Tras su exhibición en la Fundación Juan March, la exposición Vasarely se ofrecerá en Las Palmas de Gran Canaria (Centro Atlántico de Arte Moderno), del 31 de mayo al 16 de julio; y en Santa Cruz de Tenerife (Colegio de Arquitectos de Canarias), del 24 de julio al 9 de septiembre. La exposición se inauguró con una conferencia a cargo de Javier Maderuelo, crítico de arte y profesor titular del departamento de Arquitectura de la Universidad de Alcalá de Henares, de la que en páginas siguientes se ofrece un resumen realizado por el conferenciante. Antes pronunció unas palabras el presidente de la Fundación, Juan March Delgado: «En su búsqueda artística, Vasarely pronto se decantó por la abstracción geométrica, que le permitió una investigación meticulosa de la perspectiva, del movimiento y de los efectos ópticos, siempre dentro de un sistema perfectamente estructurado. Su arte es un arte científico y a la vez pedagógico, donde a través de sus teorías y del descubrimiento de la unidad plástica, compuesta por dos elementos geométricos que se adaptan el uno al otro, se combinan y permutan todas las formas posibles. Su arte, como él expresó en varias ocasiones, fue concebido para llegar a todo el mundo, un arte social accesible a todos»."Más información de este acto