Podcasts about Otto Dix

"Worldbuilding Through Memory and Myth: Elias Hernandez on Storytelling, Surrealism, and the Legacy of Conflict" In this immersive episode of What's My Thesis?, host Javier Proenza welcomes artist and educator Elias Hernandez, whose deeply narrative visual practice draws from Latin American surrealism, video game aesthetics, and inherited stories of displacement and resilience. A recent MFA graduate from USC and collaborator with cult streetwear label Brain Dead, Hernandez charts a complex universe in his paintings—populated by star-bearing knights, sentient castles, and time-traveling wizards—where memory, mythology, and trauma are rendered in fantastical allegory. Born in Mountain View and raised between the Bay Area and Sunnyvale, Hernandez reflects on a childhood steeped in card games like Magic: The Gathering, which sparked his fascination with visual storytelling. These early interests evolved into a practice that explores “the burden and blessing” of cultural inheritance—from Salvadoran family histories shaped by civil war to folkloric Catholic imagery and Latin American feminist surrealism. In conversation, Hernandez discusses how drawing, teaching, and game-inspired worldbuilding intersect in his creative process. His paintings act as sequential mythologies—each one building upon the last—presenting a nonlinear, symbolic narrative of a hero's journey infused with biblical allusions, cosmic cults, and archetypes of good and evil. These compositions resist linear interpretation, instead inviting viewers into a slow unfolding of meaning that echoes oral tradition and pre-Columbian storytelling. As Hernandez explains, his work is not overtly political, yet it is politicized by its very existence within American contemporary art spaces. Drawing from artists like Otto Dix, Diego Rivera, and Leonora Carrington, his practice embodies a transhistorical dialogue where surrealist aesthetics and contemporary iconography converge—memes, murals, and medieval allegory colliding in a uniquely generational vision. Highlights include: How early exposure to fantasy media and tabletop gaming shaped his narrative sensibility The role of inherited trauma in the creative act and character development Reflections on his time as a bilingual educator in Oakland and the visual languages of immigrant youth A detailed breakdown of his fictional universe, including moon-worshipping cults and star-forging armor The spiritual dimensions of drawing and ceramics as ritual practices Insight into Central American cultural erasure and mythological reimaginings Hernandez's work transcends medium and genre, bridging pop culture with ancient cosmology, and positioning painting as a vehicle for complex identity expression and speculative folklore. This episode is an invitation into the mind of a worldbuilder—one who channels collective memory into realms where the past haunts, empowers, and transforms. Follow Elias Hernandez on Instagram @eliasxhernandez and visit his website at www.eliashernandez.art. Listen now and subscribe to What's My Thesis? on your favorite podcast platform. If you enjoyed this episode, leave a five-star review and support the show on Patreon for early access and bonus content. #EliasHernandez #LatinArt #SurrealistPainting #WorldbuildingArt #ContemporaryArtPodcast #WhatsMyThesis #ArtAndIdentity #FantasyArt #CivilWarMemory #MagicTheGatheringArt #USCArt #BraindeadCollab

Trong hàng loạt sắc lệnh hành pháp được ký ngay ngày đầu tiên nhậm chức của tân tổng thống Mỹ, ngày 20/01/2025, chỉ có một bản ghi nhớ duy nhất liên quan đến văn hóa, thẩm mỹ, kiến trúc, đó là chính sách « thúc đẩy kiến trúc công dân liên bang đẹp đẽ ». Theo bình luận của nhật báo The Wall Street Journal, kiến trúc là mục tiêu đầu tiên trong « cuộc chiến văn hóa » của chính quyền tổng thống Donald Trump. Cùng với thông tín viên Bùi Uyên, đồng thời là kiến trúc sư tại Paris, RFI tìm hiểu tại sao kiến trúc hiện đại lại trở thành cái gai trong mắt Donald Trump.RFI : Chính sách của tổng thống Mỹ Donald Trump « thúc đẩy kiến trúc công dân liên bang đẹp đẽ » cụ thể đề cập đến những chủ đề gì ? KTS. Bùi Uyên : Sắc lệnh này yêu cầu tất cả các tòa nhà chính phủ liên bang mới phải tôn trọng di sản kiến trúc địa phương truyền thống và cổ điển, các dự án mang phong cách khác sẽ không được chấp thuận. Bản ghi nhớ này bị lu mờ bởi những tuyên bố chấn động hơn. Ít người biết được rằng bản ghi nhớ này nằm trong chiến dịch lâu nay của đảng cánh hữu Mỹ, đặc biệt là cá nhân tổng thống Donald Trump, chống lại kiến trúc hiện đại và hậu hiện đại, mà họ cho là « xấu xí ».Họ cho rằng kiến trúc thoát khỏi các quy tắc của chủ nghĩa cổ điển đồng nghĩa với phản bội chủ nghĩa nhân văn và truyền thống thẩm mỹ vốn có của nền dân chủ Mỹ. Nhưng chỉ đến nhiệm kỳ của tổng thống Donald Trump, tư tưởng này mới biến thành một sắc lệnh hành pháp, được ban hành từ cuối nhiệm kỳ trước, và khôi phục lại ngay từ ngày đầu ông Trump trở lại Tòa Bạch Ốc.Trong sắc lệnh cùng tên ban hành cuối năm 2020, vẻ đẹp của kiến trúc cổ điển Hy Lạp và La Mã cổ đại được dẫn chứng như biểu tượng của vẻ đẹp không gian công cộng và niềm tự hào công dân, cho bản sắc của nước Mỹ, mang lại được sự kính trọng của đại chúng. Các công trình liên bang xây mới phải mang phong cách cổ điển, tân cổ điển, art décor. Đối với các công trình cần tu bổ, cải tạo, có thể tính đến việc phá đi xây lại theo phong cách cổ điển. Mâu thuẫn là ở chỗ, trước khi bước vào chính trường, vị tổng thống thứ 45 và 47 của nước Mỹ được biết đến là một chủ đầu tư bất động sản, với những tòa nhà kính thép mang phong cách hiện đại. Minh chứng rõ nhất là tòa cao ốc chọc trời mang tên ông giữa lòng New York.Không dừng lại ở kiến trúc, sự áp đặt trong thiết kế các công trình liên bang này là một chính sách nằm trong một đường lối theo xu hướng độc đoán về tư tưởng, hạn chế sự tự do trong biểu hiện nghệ thuật. Mới đây, việc ông Trump trở thành chủ tịch trung tâm nghệ thuật biểu diễn Kennedy Memorial Center và việc sa thải chủ tịch, cũng như nhiều nhân viên hội đồng quản trị của trung tâm, là một minh chứng tiếp theo cho chính sách thao túng và định hướng văn hóa của chính quyền Donald Trump.RFI : Như vậy có nghĩa là kiến ​​trúc có thể trở thành một công cụ tuyên truyền tư tưởng chính trị ?KTS. Bùi Uyên : Khác với các loại hình nghệ thuật khác, trong mắt các nhà cầm quyền, công trình kiến trúc trụ sở công là một phương tiện trực quan ưu tiên để biểu trưng quyền lực và truyền tải những tư tưởng chính trị. Để so sánh, việc tuyên truyền bằng các loại hình nghệ thuật khác như âm nhạc, thi ca, hội họa, phim ảnh, cần một sự tiếp nhận chủ động của công chúng bằng cách đọc, nghe, xem ...  Trong khi đó, với ưu thế tọa lạc nơi không gian công cộng, các tòa trụ sở được trưng ra trước dân chúng, buộc người dân phải tiếp nhận thông điệp của nó.Nhưng tổng thống thứ 47 của Hoa Kỳ không phải là người đầu tiên dùng kiến trúc như một công cụ tuyên truyền chính trị. Trong lịch sử nước Mỹ, kiến trúc của các công trình công cộng luôn phản ánh tầm nhìn và ý chí chiến lược đương thời. Chủ nghĩa cổ điển của Hy Lạp và La Mã trong thế kỷ 18 và 19 được dùng để gợi lên sự ổn định và tinh tế. Việc áp dụng phong cách « tàu biển » và Art Decor vào thế kỷ 20 gợi lên những nét thực tế tiến bộ trong Thỏa thuận mới của Roosevelt. Việc thể hiện kiến trúc chủ nghĩa hiện đại trong thời kỳ Chiến tranh Lạnh là để chứng minh tính hiệu quả của nhà nước phúc lợi và ưu thế công nghệ của quốc gia.Chính phủ Mỹ luôn sử dụng kiến ​​trúc theo cách mang tính biểu tượng và thường mang tính chiến thuật. Tuy nhiên, những hàm ý này là phản ánh gián tiếp, hoặc khuynh hướng lựa chọn ôn hòa, chứ chưa bao giờ bị bắt buộc bởi một sắc lệnh của chính tổng thống như lần này dưới thời Donald Trump. Theo sử gia người Mỹ Michel.R.Allen, « sắc lệnh này của tổng thống cấu thành một quyết định độc tài đầu tiên ».RFI : Trong lịch sử, việc áp dụng những điều luật áp đặt một cách nhìn và kiểm soát về nghệ thuật, kiến trúc tương tự chỉ được thấy rõ nhất dưới những chính quyền độc tài, toàn trị hay dân tộc chủ nghĩa như Đức quốc xã hay Stalin của Liên Xô cũ. Những chính sách này đã kiểm soát kiến trúc như thế nào ?KTS. Bùi Uyên : Dưới thời Hitler, để đại diện cho diễn ngôn về một giống nòi thượng đẳng, phong cách Hy Lạp và La Mã được lấy làm cảm hứng biểu trưng cho chủng tộc thuần khiết, tiếp nối sinh học và văn hóa mẫu mực. Cùng vị kiến trúc sư Albert Speer, cũng là cánh tay phải trên chính trường, người đứng đầu chính quyền Quốc xã đã vẽ lên quy hoạch và kiến trúc lại Berlin, với tham vọng biến thành phố này thành một đại đô thị hàng đầu thế giới.Ở đó, những công trình kiến trúc phong cách Hy Lạp và La Mã cũng sẽ trường tồn hàng ngàn năm như hai nền văn minh kia. Các thiết kế thủ đô Berlin khi đó gần như bê nguyên các hình mẫu của điện Panthéon của Hy Lạp, Khải Hoàn Môn của Pháp, sự khác biệt lớn nhất là về tỉ lệ :  tất cả các công trình kiến trúc trong phác thảo của Hitler đều to lớn hơn gấp nhiều lần so với nguyên mẫu. Theo đó, khát vọng mang lại tầm vóc khổng lồ của dân tộc Đức thuần khiết được chuyển thể thành những kiến trúc tân-cổ điển với khối tích choáng ngợp. Còn tại Liên Xô cũ, chính quyền Stalin không áp đặt một phong cách kiến trúc chủ đạo duy nhất, nhưng kiểm soát và định hướng phong cách kiến trúc với những mục tiêu chính trị cụ thể cho từng công trình. Chính quyền Stalin lập ra một tổ chức mang tên « Liên hiệp các kiến trúc sư vô sản ». Tổ chức này dân dần phá hủy từ bên trong các tổ chức, hội nhóm chuyên ngành mang tính tiên phong. Tuy không thể công khai đối lập với kiến trúc hiện đại, biểu trưng của tiến bộ và cách mạng, chính quyền Stalin cản trở các kiến trúc sư trẻ, theo trường phái hiện đại, tiếp cận với các dự án lớn, vì lo ngại khó có thể kiểm soát họ.Việc quy hoạch lại Matxcơva được giao cho kiến trúc sư Lazar Kaganovic theo trường phái cổ điển. Bên cạnh phong cách cổ điển mà phe bảo thủ ưa chuộng, Stalin cho xây dựng các công trình theo phong cách kiến trúc hiện đại Mỹ để làm hài lòng công chúng ủng hộ cánh mạng tháng 10 Nga 1917 và cộng đồng quốc tế, để chứng tỏ sự vượt trội so với Hoa Kỳ.RFI : Trở lại thời đại ngày nay, chỉ trích nghệ thuật hiện đại cấp tiến và giới tinh hoa dường như đang trở thành lá bài dân túy, củng cố chủ nghĩa dân tộc bảo thủ ? KTS. Bùi Uyên : Thật vậy, tiêu biểu là sắc lệnh được tổng thống Mỹ Donald Trump ban hành cuối nhiệm kỳ trước. Không những chỉ định rõ hình mẫu kiến trúc cổ điển cho các công trình công cộng liên bang, sắc lệnh còn chỉ trích thẳng thừng kiến trúc hiện đại, kiến trúc thô mộc (brutalisme) như một phong cách « không được dân chúng ưa chuộng » « kém hấp dẫn » « gây tranh cãi ». Các kiến trúc sư danh tiếng quốc tế cũng bị đánh giá là « không coi trọng tính địa phương và thị hiếu thẩm mỹ trong vùng ». Các tác phẩm của họ chỉ nhằm « gây ấn tượng trong giới tinh hoa kiến trúc », « nghệ thuật vị nghệ thuật », được ca tụng trong giới chuyên môn nhưng lại « xấu xí » trong mắt dân chúng.Theo luận điểm này, việc phê phán kiến trúc hiện đại đồng nghĩa với việc tôn trọng khiếu thẩm mỹ của số đông dân chúng, chống lại sự độc quyền thẩm mỹ của giới tinh hoa. Tuy nhiên, chính việc áp đặt kiến trúc cổ điển như vẻ đẹp chuẩn mực lại là một sự phủ nhận tính đa dạng, cởi mở, trẻ trung của một « hợp chủng quốc » với lịch sử lập quốc khá non trẻ so với đại đa số các quốc gia có nền mỹ thuật, kiến trúc lâu đời khác.Sự trỗi dậy của những cáo buộc kiến trúc hiện đại nói riêng và nghệ thuật hiện đại nói chung, xuất phát từ những tư tưởng theo khuynh hướng bảo thủ, không chỉ là hiện tượng ở xứ cờ hoa. Tại châu Âu, đảng cực hữu AfD của Đức cũng nhiều lần chỉ trích những di sản của kiến trúc hiện đại. Sự kiện kỷ niệm 100 năm khai sinh trường thiết kế Bauhaus – cái nôi của kiến trúc hiện đại và hậu hiện đại – tạo cơ hội cho đảng này lên án ngôi trường và những đóng góp của nó cho lịch sử.Đảng AfD cho rằng phong trào Bauhaus đã truyền bá sự « xấu xí », gu thẩm mỹ sai lệch. Hay theo như phát biểu tại nghị viện của nghị sỹ của đảng này, ông Tillschneider, đây là « sự đoạn tuyệt với truyền thống xây dựng, bằng việc lắp ghép các cấu kiện tiền chế (..) trên thực tế là tầm nhìn gớm ghiếc, một cuộc sống trong những không gian chật chội, đầy cấm đoán và ngăn chặn ». Để rồi đi đến kết luận « Bauhaus không thể là nơi đưa ra những kiểu mẫu, mà chỉ là một sai lầm lịch sử ». Có thể AfD đã sớm quên, hoặc chưa bao giờ được biết đến hoàn cảnh ra đời vai trò lịch sử của hình thức kiến trúc này. Nếu không có những cải tiến vượt bậc về công nghệ sản xuất beton tiền chế và những thiết kế chức năng tối ưu tiết kiệm diện tích, thì nước Đức và nhiều quốc gia châu Âu không thể đối mặt với tình trạng thiếu nhà ở trầm trọng do chiến tranh tàn phá. Xây nhanh, công nghiệp hóa, giá rẻ, nhưng đảm bảo điều kiện vệ sinh và tiện nghi sử dụng.Thật trùng hợp, « sai lầm lịch sử » chính là từ mà chính quyền phát xít Đức gọi tên Bauhaus trước khi đóng cửa trường này dưới thời Quốc xã. Họ cáo buộc trường là trụ sở của những người « Do thái -  Bolshevik » bởi tên tuổi của các giảng viên – nghệ sỹ lớn người Đức gốc Do Thái hoặc gốc Liên Xô cũ. Không dừng ở đó, chính quyền dưới thời Hitler còn gọi tên nhiều tác phẩm nghệ thuật hiện đại những năm đầu thế kỷ 20 là « nghệ thuật thoái hóa », với một cuộc triển lãm cùng tên, hội tụ những bức tranh của các danh họa lớn của các trường phái hiện đại thời bấy giờ như Picasso, Chagall, Otto Dix, Paul Klee hay Kandinsky. Nhiều bức tranh bị tịch thu, phân loại và bị tiêu hủy, nhiều họa sỹ nếu không trốn đi thì bị cấm sáng tác thể loại nghệ thuật này.RFI : Hơn một thế kỷ trôi qua, cái tên nhà độc tài và những tư tưởng dưới thời Quốc xã tưởng như là vết nhơ mà nước Đức đã cố gắng gột rửa để trở thành một quốc gia dân chủ đi đầu, dẫn dắt Liên Âu. Giờ đây không ít chính sách trong số đó lại được đưa vào chương trình tranh cử của đảng cực hữu, đang ngày càng lớn mạnh ở Đức. Bên kia bờ Đại Tây Dương, cái nôi của tự do dân chủ, chính quyền Mỹ của Donald Trump cũng lần đầu tiên ban hành những quyết sách áp đặt chống lại kiến trúc hiện đại. Vì sao kiến trúc hiện đại lại là mục tiêu bị bài trừ? KTS. Bùi Uyên : Kiến trúc hiện đại được hình thành vào những năm 20 của thế kỷ XX từ trường nghệ thuật Bauhaus ở Đức. Trên nền tảng tiến bộ Cách mạng công nghiệp, thiết kế kiến trúc được phát triển tự do hơn, giải phóng khỏi những tỉ lệ và bố cục cổ điển, lấy công năng là mục tiêu chính, thông qua đó giản lược các đường nét, chi tiết trang trí. Đây là một bước ngoặt rõ nét so với kiến trúc cổ điển thịnh hành suốt nhiều thế kỷ.Một lý do quan trọng để phong cách kiến trúc này lan rộng là đòi hỏi bức thiết xây dựng lại nhanh chóng và số lượng lớn sau Thế Chiến thứ nhất. Cùng với sự hình thành liên minh chính trị hai bờ Đại Tây Dương và sự giao thoa trao đổi văn hóa dễ dàng hơn, luồng tư tưởng kiến trúc này nhanh chóng được « quốc tế hóa », lan rộng ở châu Âu và Hoa Kỳ, đặc biệt với làn sóng di cư của các trí thức tinh hoa, các nghệ sỹ, kiến trúc sư, do ảnh hưởng của Thế Chiến thứ 2.Bên khối các nước xã hội chủ nghĩa, đứng đầu là Liên Xô, kiến trúc hiện đại cũng được xây dựng rộng rãi để đáp ứng nhu cầu nhà ở cho đại bộ phận dân chúng.Ở châu Âu, các tòa nhà theo phong cách hiện đại còn được tiếp tục xây dựng sau Thế Chiến thứ 2, đến tận những năm 70, dưới hình thức những đô thị vệ tinh mới. Tuy vậy, đây cũng là một nguyên nhân để phong cách kiến trúc này bị nhận biết chủ yếu trong công chúng, bởi các tòa nhà chung cư xây dựng hàng loạt bằng beton tiền chế, với hình khối đơn giản, đều đặn có phần nhàm chán. Cùng với sự xuống cấp và các vấn đề xã hội hiện nay của các khu dân cư này, hình ảnh kiến trúc hiện đại này trở nên phản cảm.Với những bối cảnh lịch sử và xã hội nói trên, các đảng bảo thủ và dân tộc chủ nghĩa nhìn thấy ở di sản kiến trúc hiện đại mọi hiện thân và thông điệp đối lập hoàn toàn với đường lối chính trị mà họ theo đuổi : tính quốc tế, toàn cầu hóa, tính cách mạng, ly khai khỏi các khuôn mẫu cổ điển truyền thống, gắn với đề cao phúc lợi xã hội.Ngày nay, triết lý và ngôn ngữ kiến trúc đã tiến những bước dài, mang trong nó những tư duy mới về môi trường, chuyển đổi năng lượng, đề cao tính địa phương. Việc bài xích kiến trúc hiện đại, để áp đặt thay vào đó hình thức và phong cách cổ điển, dưới vỏ bọc cải thiện thẩm mỹ đô thị, ẩn thực sự sau đó là sự định hướng sáng tạo và cản trở tự do biểu đạt. Không chỉ dừng lại ở kiến trúc, những chính sách độc đoán thao túng các hoạt động nghệ thuật vẫn còn nối tiếp, vô hình chung đẩy lùi những bước tiến tất yếu của văn hóa và vận động xã hội.

Das Sammlerehepaar Hella und Heinz Pachen hat rund 2000 Kunstwerke zusammengetragen. Die Werke aus dem 20. Jahrhundert unter anderem von Karl Schmidt-Rottluff oder Otto Dix war lange im Museum Pachen in Rockenhausen untergebracht.Kunstwerke haben die Eltern von fünf Kindern nach und nach erstanden und oft in Raten abbezahlt. Nach dem Tod der Sammler folgte ein erbitterter Erbstreit. Ein Großteil der Sammlung wurde versteigert. Das Museum Pachen heißt jetzt Museum für Kunst. Kunst hat sich Rockenhausen aber auch ohne die Pachens auf die Fahne geschrieben.

Das Sammlerehepaar Hella und Heinz Pachen hat rund 2000 Kunstwerke zusammengetragen. Die Werke aus dem 20. Jahrhundert unter anderem von Karl Schmidt-Rottluff oder Otto Dix war lange im Museum Pachen in Rockenhausen untergebracht.Kunstwerke haben die Eltern von fünf Kindern nach und nach erstanden und oft in Raten abbezahlt. Nach dem Tod der Sammler folgte ein erbitterter Erbstreit. Ein Großteil der Sammlung wurde versteigert. Das Museum Pachen heißt jetzt Museum für Kunst. Kunst hat sich Rockenhausen aber auch ohne die Pachens auf die Fahne geschrieben.

Actress and author Julianne Moore says it was a "great shock" to hear that her children's book "Freckleface Strawberry" was among those removed from some American public schools, after an executive order from President Donald Trump saw a long list of titles confiscated for review. Olivia Salazar-Winspear explains what the current US administration sees as cause for concern in children's literature. We also take a look at a new exhibition recreating the "Degenerate Art" scene of the 1930s, when the Nazi party sought to demonise avant-garde painters like Marc Chagall, Paul Klee, Otto Dix and Pablo Picasso, as the Picasso museum in Paris presents these major works of modern art in a contemporary context. Plus we hear from debut filmmaker and actress Ariane Labed, as she explores the complex dynamic between two sisters who are a little too close for comfort in her gothic-tinged feature "September Says".

“Apocalypse” Hier et demainà la BnF François Mitterrand, Parisdu 4 février au 8 juin 2025Entretien avec Jeanne Brun, directrice adjointe du Musée national d'Art moderne - Centre Pompidou - en charge des collections, et commissaire générale de l'exposition, par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 3 février 2025, durée 15'48, © FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/02/07/3589_apocalypse_bnf-francois-mitterrand/Communiqué de presse Commissariat généralJeanne Brun, directrice adjointe du Musée national d'Art moderne – Centre Pompidou en charge des collections, avec la collaboration de Pauline Créteur, chargée de recherche auprès de la directrice adjointe du Musée national d'Art moderne – Centre PompidouCommissariatFrançois Angelier, journaliste et essayisteCharlotte Denoël, cheffe du service des Manuscrits médiévaux et de la Renaissance, département des Manuscrits, BnFLucie Mailland, cheffe du service Philosophie, religion, département Philosophie, histoire, sciences de l'homme, BnFLa Bibliothèque nationale de France propose la première grande exposition consacrée à l'apocalypse. L'apocalypse ? Un mot obscur, qui fait peur, un mot qui parle de la fin du monde. Il n'en finit pas de résonner depuis deux mille ans dans notre culture et nos sociétés occidentales quand survient une catastrophe majeure, et aujourd'hui encore, en fond de nos angoisses climatiques. Et pourtant… L'étymologie de ce mot d'origine grecque signifie révélation, dévoilement, une signification reprise par les chrétiens. Dans le livre de l'Apocalypse qui clôt le Nouveau Testament, saint Jean parle d'un voile se levant sur le royaume intemporel qui réunira les croyants dans la Jérusalem céleste. Un mot porteur d'espoir, fait pour déjouer nos peurs profondes ?Du Moyen Âge à notre époque, l'exposition traverse cet imaginaire en montrant certains des plus prestigieux manuscrits de l'Apocalypse de Jean, des fragments rarement présentés de la célèbre tenture d'Angers, et la fameuse suite de gravures de Dürer consacrées au texte, mais aussi de nombreux chefs-d'oeuvre, peintures, sculptures, photographies, installations, livres rares, extraits de films, venant des collections de la Bibliothèque comme des plus grandes collections françaises et européennes, publiques et privées (Centre Pompidou, musée d'Orsay, British Museum, Victoria and Albert Museum, etc.).Parmi ces quelque 300 pièces, des oeuvres de William Blake, Odilon Redon, Vassily Kandinsky, Ludwig Meidner, Natalia Gontcharova, Otto Dix, Antonin Artaud, Unica Zürn, jusqu'à Kiki Smith, Tacita Dean, Miriam Cahn et Anne Imhof.[...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Wir alle kennen sie, und doch gehen wir ganz unterschiedlich mit ihr um: die Wut. Diese allzu menschliche Emotion ist in der Gesellschaft eher negativ besetzt und wird in der Kunst, wie bei Otto Dix, sogar als Monster dargestellt. Wie wir unsere Wut positiv nutzen können und warum manche Menschen unseren Zorn provozieren, um Aufmerksamkeit zu erregen, zeigen die Werke aus der Sammlung der Kunsthalle, die der Psychologe Can Isyapar und die Autorin Jaqueline Scheiber in dieser Folge der Kunstcouch diskutieren.

Was bewirkten "Junges Rheinland" und Mutter Ey 1924? Sie scharte die Maler des "Jungen Rheinland" um sich und zeigte 1921 die erste Einzelausstellung von Max Ernst. Otto Dix kam ihretwegen aus Dresden nach Düsseldorf und malte sie 1924. Von Michael Köhler.

In der Kunsthalle Mannheim wurde 1924/25 der Epochenbegriff "Neue Sachlichkeit" geprägt. Jetzt wird er in einer großen Jubiläumsausstellung gefeiert. Werke von Otto Dix, Lotte Laserstein oder Edward Hopper erzählen von den gar nicht "Goldenen 20er Jahren"

Der Maler Armin Boehm malt große Gesellschaftsallegorien in giftigen Farben, benutzt dabei popkulturelle Codes, um unsere Zeit einzufangen. Oft werden seine Bildwelten mit denen von Otto Dix oder George Grosz vor hundert Jahren verglichen. Von Thorsten Jantschek www.deutschlandfunkkultur.de, Feature

Der Maler Armin Boehm malt große Gesellschaftsallegorien in giftigen Farben, benutzt dabei popkulturelle Codes, um unsere Zeit einzufangen. Oft werden seine Bildwelten mit denen von Otto Dix oder George Grosz vor hundert Jahren verglichen. Von Thorsten Jantschek www.deutschlandfunkkultur.de, Feature

Der Maler Armin Boehm malt große Gesellschaftsallegorien in giftigen Farben, benutzt dabei popkulturelle Codes, um unsere Zeit einzufangen. Oft werden seine Bildwelten mit denen von Otto Dix oder George Grosz vor hundert Jahren verglichen. Von Thorsten Jantschek www.deutschlandfunkkultur.de, Feature

Wer Auf den Tag genau bereits in Berliner Zeiten gehört hat, dem wird Manfred Georg, manchmal auch als Manfred George firmierend, ein Begriff sein. Als meinungsfreudiger Theaterkritiker wie als feinnervig-wortgewaltiger Gesellschaftsanalyst vor allem für die Berliner Volks-Zeitung war er häufig in unserem Programm zu Gast, und auch sein heutiger Beitrag aus dem Hamburger Echo vom 13. Oktober 1924 lässt an Wahrheit und Klarheit nichts zu wünschen übrig. Mit ungeschönten Worten erinnert Georg an die Schrecken des noch nicht lange zurückliegenden Weltkrieges und stemmt sich in seinem Text energisch gegen die revanchistischen Planer und Prediger eines deutschen Rachefeldzuges. Unterstützung holt er sich dabei von zwei bildenden Künstlern: Otto Dix und Willibald Krain. Wie er das tut, weiß Rosa Leu.

Reinhardt, Anja www.deutschlandfunk.de, Kultur heute

Bernhard, Henry www.deutschlandfunkkultur.de, Studio 9

Bernhard, Henry www.deutschlandfunkkultur.de, Fazit

Sie scharte die Maler des "Jungen Rheinland" um sich und zeigte 1921 die erste Einzelausstellung von Max Ernst. Otto Dix kam ihretwegen aus Dresden nach Düsseldorf und malte sie 1924. Zu diesem Kreis zählten auch Gert Wollheim, Walter Ophey, Karl Schwesig u.v.a. Der Grafiker Otto Pankok sagte: "Wir empfanden uns als Dynamit." Was für ein Aufbruch war das? Wie politisch, literarisch engagiert waren die Künstler des "Jungen Rheinland"? Wofür legten sie den Grundstein? Von Michael Köhler.

Otto Dix hat 1938 eine eindrückliche Werkgruppe von Gemälden und Zeichnungen mit Motiven aus dem Engadin geschaffen. Seine Beziehungen in die Schweiz gehen darüber hinaus und sind sehr vielfältig. Der künstlerische Direktor Stephan Kunz spricht mit der Co-Kuratorin Dr. Ina Jessen über die Besonderheiten der Ausstellung "Otto Dix und die Schweiz", die vom 22.06. – 27.10.2024 im Bündner Kunstmuseum zu sehen ist.Mehr zur Ausstellung und den begleitenden Veranstaltungen finden Sie auf der Webseite des Bündner Kunstmuseums.

In der neuesten Folge von "Ausgesprochen Kunst" diskutieren Herbert und Alexander Giese die Ausstellung "GLANZ UND ELEND - Neue Sachlichkeit in Deutschland" im Leopold Museum (noch zu sehen bis 29.09.2024). Sie erkunden, wie Künstler wie Beckmann, Dix und Grosz die Zeit zwischen den Weltkriegen ungeschönt darstellten - von den Nachwirkungen des Ersten Weltkriegs bis zur Vergnügungsindustrie der "Goldenen Zwanziger". Das Vater-Sohn-Duo teilt ihre Eindrücke dieser ersten umfassenden Schau zur deutschen Neuen Sachlichkeit in Österreich und reflektiert über die Bedeutung dieser Kunstbewegung für die heutige Zeit. https://www.leopoldmuseum.org/de/ausstellungen/142/glanz-und-elend Kontakt: redaktion@gieseundschweiger.at Website: https://www.gieseundschweiger.at/ Redaktion: Fabienne Lubczyk, Lara Bandion Musik: Matthias Jakisic Sprecherin: Sarah Scherer Grafische Gestaltung: Studio Riebenbauer Link zur We&Me-Foundation: https://www.weandmecfs.org/de/ Oder direkt spenden: https://donate.weandmecfs.org/de-at/

Die A13 zwischen Mesocco und Lostallo wird schneller repariert als geplant. Ab dem 10. Juli ist sie einspurig befahrbar, die vollständige Reparatur dauert bis Ende Jahr. Das hat das Bundesamt für Strassen heute erklärt. Rund 50 Personen arbeiten an der Baustelle.  Weitere Themen: * Politische Rarität: Chur hat nur drei Stadträte – dies ist kaum woanders in der Schweiz zu finden. Sollte Chur mehr Regierungsmitglieder haben? Die Fraktionspräsidenten geben Antwort. * Otto Dix zählt zu den bedeutendsten deutschen Künstlern des letzten Jahrhunderts. Im Bündner Kunstmuseum zeigt sich unter dem Thema «Otto Dix und die Schweiz» ein ungewohnter Blick auf ihn durch Landschaftsbilder aus dem Engadin und vom Bodensee.

In diesem Kunstsnack geht es um das "Selbstbildnis vor der Litfaßsäule" von Georg Scholz. Auch wenn der Titel das Bild schon gut beschreibt, steckt noch sehr viel mehr hinter dem Gemälde. Warum sich Georg Scholz hier selbst mit einem Auto im Hintergrund abbildete, worum es bei der Neuen Sachlichkeit ging und welches dunkle Kapitel der Künstler durchleben musste, verrät Euch Kunsthistoriker und Comedian Jakob Schwerdtfeger.

Biesler, Jörgwww.deutschlandfunk.de, Kultur heute

Early last century many German artists like George Grosz, Emil Nolde and Otto Dix became politically involved. This film uses their art and their own words to explore a volatile period in Germany. --- Support this podcast: https://podcasters.spotify.com/pod/show/noah-becker4/support

Versione audio: Tra il 1919 e il 1935 si sviluppò in Germania il movimento artistico noto come Neue Sachlichkeit, ossia ‘Nuova oggettività', il cui nome fu coniato in occasione di una mostra tenutasi nel 1925 a Mannheim. Il termine “oggettività” non va inteso nel solco del Realismo ottocentesco, giacché i pittori del gruppo fecero ricorso […] L'articolo Otto Dix e la Nuova Oggettività in Germania proviene da Arte Svelata.

Eintauchen in die Schrecken des Krieges und in die wilden Zwanzigerjahre in Berlin: Im Werk von Otto Dix spiegeln sich sechs Jahrzehnte deutsche Geschichte.

„Ich muss Sie malen! Sie repräsentieren eine ganze Zeitepoche“, soll der selbsternannte Erfinder der Neuen Sachlichkeit, der Künstler Otto Dix zu der Journalistin Sylvia von Harden gesagt haben. Das Porträt steht in der Ausstellung „Sieh Dir die Menschen an! Das neusachliche Typenporträt in der Weimarer Zeit“ im Kunstmuseum Stuttgart beispielhaft dafür, wie Künstler der Zeit bestimmte Klischeevorstellungen von Menschen in ihren Werken reproduzieren – sie anhand von Äußerlichkeiten kategorisieren. Die Ausstellung macht deutlich, dass wir diese Klischeebilder längst nicht überwunden haben.

Es betrifft uns alle, ist unvermeidbar und doch eine Herausforderung: Älter werden. Auf der Kunstcouch sprechen Autorin Jaqueline Scheiber und Psychotherapeut Umut Özdemir über das Altern, den gesellschaftlichen Druck und positive wie herausfordernde Seiten. Neben spannenden Alltagsbeispielen und wichtigen Denkanstößen geht es auch um drei Kunstwerke, die unterschiedliche Perspektiven des Älterwerdens aufzeigen.

As a podcast listener, a few topics I enjoy are obviously art and history, but I also like true crime and really anything with a compelling story. The Art of Crime hosted by Gavin Whitehead is an incredible podcast that brings all of that together. Longtime listeners have no doubt noticed my love of modernism and my fascination with how World War 2 reshaped the art world. Today I wanted to share an episode of The Art of Crime all about Otto Dix and the attempted assassination of Hitler. I don't want to spoil anything, but despite knowing how it all would end, I found myself on the edge of my seat as Gavin described the would-be assassin carefully chipping away at brick and mortar in the stone column, timing his hammer strikes to coincide with a passing train so as not to draw any unwanted attention. That theatrical experience shows as every episode of The Art of Crime has a compelling story. Find The Art of Crime on your favorite podcast platform https://pod.link/1645426577 Who ARTed is an Airwave Media Podcast. If you are interested in advertising on this or any other Airwave Media show, email: advertising@airwavemedia.com Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Die umfangreichste Pop-Art-Kollektion Europas, die drittgrößte Picasso-Sammlung der Welt, eine der bedeutendsten Sammlungen zum deutschen Expressionismus, herausragende Werke der russischen Avantgarde und eine exzellente Sammlung zur Geschichte der Fotografie: Das Museum Ludwig in Köln besitzt heute eine der wichtigsten Sammlungen von Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts weltweit. Im Jahr 1946, unmittelbar nach Ende des 2. Weltkriegs, übergab der Kölner Jurist Josef Haubrich seine Kun­st­samm­lung der Stadt und legte, mit Werken von Otto Dix, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann oder Karl Schmidt-Rottluff, den Grund­stein für die Samm­lung des Mu­se­um Lud­wig. Genau 30 Jahre sorgte eine weitere spek­takuläre Schenkung an die Stadt Köln für Auf­se­hen, als das Sammlerpaar Peter und Irene Lud­wig seine einzi­gartige Samm­lung von Kunst der 1960er und 1970er Jahre mit zahl­reichen Meis­ter­w­erken amerikanisch­er Pop Art, der Stadt vermachte. In diesem Kunstblick treffen wir wir Yilmaz Dziewor, den Direktor des Museum Ludwig - ein Gespräch über seine Leidenschaft zur Kunst, das Sammlerehepaar Ludwig, die Sammlung Haubrich und darüber, wie er sich zu aktuellen Entwicklungen in der zeitgenössischen Kunstszene informiert. Viel Vergnügen!

What should we take from a First World War documentary?   Following our adventure to Canada for the International Society for First World War Studies conference, we welcome Prof Robert Burgoyne to discuss his keynote paper on the Peter Jackson film They Shall Not Grow Old (2018).   Along the way, we explore the ways in which war films can quote from each other, differences in structure to the film 1917, and the importance of audience expectations when creating a historical piece.   ReferencesRobert Burgoyne, The New American War Film (2023) Santanu Das, ‘Colors of the Past: Archive, Art and Amnesia in a Digital Era', American Historical Review 124.5 (2019) Otto Dix, Der Krieg (1924) Adrian Gregory, The Silence of Memory (1994) Samuel Hynes, A War Imagined (1991) Peter Jackson, They Shall Not Grow Old (1918)Sam Mendes, 1917 (1919) Bal Mieke, Quoting Caravaggio: Contemporary Art, Preposterous History (1999) Lewis Millstone, All Quiet on the Western Front (1930) Stephen Spielberg, Saving Private Ryan (1930) Allison Tanine, ‘Digital Film Restoration and the Politics of Whiteness in Peter Jackson's, They Shall Not Grow Old', Quarterly Review of Film and Video 39.5 (2021) Rebecca West, The Return of the Soldier (1918)

Ein schaurig-skurriles Bild passend zu Halloween: In diesem Kunstsnack widmet sich Jakob Schwerdtfeger dem Gemälde "Die Sieben Todsünden" von Otto Dix. Die trostlosen Gestalten können als Warnung vor dem drohenden Unheil des Zweiten Weltkriegs verstanden werden. Was man unter der Kunstströmung "Neue Sachlichkeit" versteht, warum der Künstler sogar vor Gericht kam und was Pinocchio damit zu tun hat, erfahrt Ihr in dieser Episode.

Man muss Bilder machen, vor denen man Angst hat, sagt der Berliner Künstler Martin Eder. Wer sich vor flauschigen Haustieren fürchtet, sollte um die großformatigen Ölgemälde des Künstlers einen Bogen machen. Eder spielt bewusst mit Kitsch, Trash, Humor und Groteske: Seine Bilder zeigen Katzen und Igel, christliche Motive und erotisch drapierte Nacktheit. Seine Bilder malt Eder im altmeisterlichen Gestus mit schrillen Farben; als Vorlagen verwendet er oft Bilder, die wir aus den sozialen Netzwerken kennen. Darüber hinaus macht er mit seinem Projekt RUIN düstere Musik, die als Soundtrack zu seinen Bildern verstanden werden kann. Eders Werk steckt voller kunsthistorischer Bezüge und Anspielungen – vor allem auf sein großes Vorbild Otto Dix. Ein Grund, sein Bild „The Earth Sphere“ in der Ausstellung DIX UND DIE GEGENWART in den Deichtorhallen Hamburg zu zeigen und ihn als Gast in den Podcast einzuladen. In dieser Folge von DAS IST KUNST spricht Friederike Herr mit Martin Eder über seine Kunst, Regenbögen – und natürlich über Otto Dix.

Welcome to the Instant Trivia podcast episode 925, where we ask the best trivia on the Internet. Round 1. Category: note-able women 1: In 1999 this singer who once tore up the Pope's picture was ordained the first female priest in the Latin Tridentine Church. Sinead O'Connor. 2: Emily Watson earned an Oscar nomination for playing cellist Jacqueline du Pre in this 1998 film. Hilary and Jackie. 3: She sang on Broadway in "Damn Yankees" and "Bells Are Ringing" before playing TV's screechy-voiced Edith Bunker. Jean Stapleton. 4: The violin virtuoso known by the single name Midori was born in this country in 1971. Japan. 5: Patti Page played Sister Rachel in this Burt Lancaster film based on a Sinclair Lewis novel. Elmer Gantry. Round 2. Category: art and artists 1: This "American Gothic" artist was an asst. professor of fine arts at the Univ. of Iowa in 1934. Grant Wood. 2: This Spanish surrealist collaborated on 2 films with Luis Bunuel, "Un Chien Andalou" and "L'Age D'Or". Salvador Dali. 3: A Canaletto view of this square shows the Doge's palace and the Loggia of Sansovino. Saint Mark's Square. 4: Otto Dix did several of this type of portrait, including one "As a Soldier" and one as the war god Mars. self-portrait. 5: Though the Spanish court painter, he portrayed the vulgarity of the family of Charles IV. Francisco Goya. Round 3. Category: esoterica 1: This Poe poem has a scholar seeking solace in ancient, esoteric writings, but he's disturbed by a "rapping at my chamber door". "The Raven". 2: The Pleistocene Epoch was the last time about 1/3 of the Earth's land surface was covered by these. glaciers. 3: Kukai, also known as Kobo Daishi, brought esoteric Shingon Buddhism to this country. Japan. 4: For Louis XV from 1769 to 1774 it was Marie DuBarry. mistress. 5: Pemba, one of the world's leading suppliers of clove oil, is an island near Zanzibar in this ocean. Indian Ocean. Round 4. Category: the world of lounge 1: Much lounging is done on this vinyl-covered fabric named for Naugatuck, Connecticut. Naugahyde. 2: The primo cocktail of the cocktail nation is this one favored by James Bond. a martini. 3: You can't go wrong if you make this man your model of style and demeanour:"The last thing I need is a dame around me who says she's my wife. You know how I operate.". Dean Martin. 4: 1996 film that popularized lines like "You're money, baby". Swingers. 5: With hits like "Somewhere My Love", this bandleader brought a "Ray" of light to '60s lounge. Ray Conniff. Round 5. Category: "n"veloped 1: The only word in "The Pledge of Allegiance" that starts and ends with "N". nation. 2: It's the first age you reach when you're surrounded by "N"s. nineteen. 3: This "Dance" by the Pointer Sisters was featured in the film "Beverly Hills Cop". "The Neutron Dance". 4: A black widow spider's venom is classified as this 10-letter type of poison. a neurotoxin. 5: A webcam on this university's School of Communications is pointed at Lake Michigan. Northwestern. Thanks for listening! Come back tomorrow for more exciting trivia! Special thanks to https://blog.feedspot.com/trivia_podcasts/

Bitte nicht lächeln! Dem Fotografen August Sander war wichtig, möglichst naturgetreu an das Wesen der Menschen zu gelangen – mit seiner Idee hat er Kulturgeschichte geschrieben. Aber was steckt genau dahinter? Und war das Ehepaar Martha und Otto Dix wirklich so distanziert, wie es in der Fotografie von 1925 scheint? Das erfahrt ihr in dieser Folge des STÄDEL MIXTAPE, dem Podcast, bei dem wir Kunstwerke hörbar machen.

After serving in WWI, German painter Otto Dix rose to fame in the 1920s partly through his unflinching portrayal of modern warfare and the toll it took on the human body. However, these themes landed him on the blacklist following the Nazi seizure of power in 1933. After a no-name carpenter masterminded—and nearly pulled off—a daring attempt on Hitler's life in 1939, the Nazis came knocking at Dix's door, suspecting that he aided the would-be assassin.   Show notes and full transcripts available at www.artofcrimepodcast.com.   If you'd like to support the show, please consider becoming a patron at www.patreon.com/artofcrimepodcast.   The Art of Crime is part of the Airwave Media network. To learn more about Airwave, visit www.airwavemedia.com. If you'd like to advertise on The Art of Crime, please email advertising@airwavemedia.com.

Otto Dix - VantablackПодкаст про альбом, вышедший в 2023 году крутейшей дарквейв группы Otto Dix. И в момент обсуждения становится понятно, что и мы не смогли прийти к общему понимаю этого релиза. И думаю, что это произошло потому, что истинное творчество всегда будет вызывать реакцию.Приятного прослушивания! Если подписаться на подкаст и сделать репост выпуска, то "Vantablack" будет чернее "Нефти" и "Дамы в черном".Apple Podcast:https://podcasts.apple.com/ru/podcast/mousepodcast/id1648443353?i=1000613484547Яндекс музыка:https://music.yandex.ru/album/23340474/track/113900376?utm_medium=copy_linkЗвук:https://zvuk.com/episode/131754524Mave:https://mousepodcast.mave.digital/ep-45Наш Telegram:https://t.me/mousepodcastГруппа в VK:https://vk.com/public216420089

Artiste multidisciplinaire, photographe et cinéaste, Jennifer Alleyn poursuit dans sa démarche une archéologie de l'intime. Elle a recours à l'autofiction pour ausculter l'origine, l'héritage, les traces de la perte. Son processus créatif est déclencheur de la rencontre de soi et de l'autre. Pour son baptême cinématographique, elle participe en 1991 à l'émission La Course Destination monde (Radio-Canada). Elle tourne 26 courts métrages en solo, sur les 5 continents, d'où se dégagent humanisme et sensibilité artistique, qualités que l'on retrouve ensuite dans ses fictions: Cosmos, primé à Cannes en 1997 et Svanok, meilleur court métrage aux Rendez-vous du cinéma Québécois en 2006. L'atelier de mon père, son premier long métrage, a remporté en 2008, le Prix de la meilleure œuvre canadienne au 26è Festival international du Film sur l'art de Montréal (FIFA), ainsi qu'un Prix Gémeaux. En 2011, elle scrute le regard acide du peintre allemand Otto Dix, avec son deuxième long métrage Dix fois Dix qui remporte le prix Tremplin pour le monde Artv, au FIFA et deux nominations aux Gémeaux. La même année, elle collabore avec Nancy Huston à une installation présentée au Musée des Beaux-Arts de Montréal. Son travail récent fut exposé à la Galerie C de Neuchâtel (Suisse), puis à Longueuil et Montréal. En 2018, elle réalise et produit Impetus, un long métrage qui invite la fiction à dialoguer avec le cinéma-vérité, mettant en vedette Emmanuel Schwartz et Pascale Bussières. L'originalité et la beauté de cette oeuvre de cinéma-vérité, sont saluées par la critique et le public. Son œuvre multidisciplinaire et protéiforme, est lauréate de nombreux prix, dont le Prix Création 2019 décerné par L'Observatoire du cinéma du Québec (OCQ) pour « sa contribution exceptionnelle à la cinématographie québécoise. » En pleine pandémie, elle réalise avec le comédien Henri Chassé, deux films de confinement, La Sieste et le Réveil. Son projet d'arts visuels Catalogue des traces, créé au Symposium d'art contemporain de Baie St-Paul (2021) abordait le thème du déracinement, thématique qu'elle élabore dans son prochain long métrage. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

In unserem neuen Kurzformat "Fünf Minuten Futur III" spricht Juliane über ihr Lieblingsbild in den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden: Otto Dix Triptychon Der Krieg, das im Albertinum zu sehen ist.

What happens if you combine the First World War with an action-adventure film?   This month we watch the 2021 film The King's Man and discuss its portrayal of an alternative vision of the war. Along the way we explore John Buchan novels, the absence of key historical events, and wonder about whatever happened to Wilfred Owen.   References: Guardian review Indiewire review   John Buchan, The Thirty-Nine Steps (1915) John Buchan, Greenmantle (1916) John Buchan, Mr Standfast (1919) John Buchan, The Three Hostages (1924)   Alfred Hitchcock, The Thirty-Nine Steps (1935) Patrick Barlow, The Thirty-Nine Steps (2005) James Hawes, The Thirty-Nine Steps (2008)   'Sapper' [H. C. McNeil], Bulldog Drummond (1920)   Arthur Conan Doyle, The Final Problem (1893)   37 Days (2014), OWALP episode 16    Blackadder, 'Goodbyeee' (1989)   James Joll, The Origins of the First World War (1984)   Wilfred Owen, 'Dulce et Decorum Est' (first published 1920)   Abel Gance, J'accuse (1919)   Paul Fussell, The Great War and Modern Memory (1975)   Lewis Millstone, All Quiet on the Western Front (1931)   Otto Dix, Der Krieg (1924)   Sam Mendes, 1917 (2019), OWALP episode 14    Jessica Meyer, 'Peaky Blinders and the Ubiquity of Poetry', 30/10/2013   Ben Schott, Jeeves and the King of Clubs (2018)   Sarah Moss, Night Waking (2011)   George Tomkyns Chesney, The Battle of Dorking (1871)   George MacDonald Fraser, Flashman (1969)   Brian Fee and John Lasseter, Cars (2006)   A. E. W. Mason, The Four Feathers (1902)   EA Dice Battlefield 1 (2016)

durée : 00:11:10 - Une culture de la honte : Otto Dix - par : Marianne Vourch - Pour lui, elle représente typiquement une époque dans laquelle ce qui importe n'est pas la beauté extérieure d'une femme, mais bien plus son raffinement spirituel. Et Sylvia von Harden représente l'idéalisme de leur génération ! - réalisé par : Sophie Pichon

Otto Dix fought in the First World War for the better part of four years before becoming one of the most important artists of the Weimar era. Marked by the experience, he made monumental, difficult and powerful works about it. Whereas Dix has often been presented as a lone voice of reason and opposition in Germany between the wars, this book locates his work squarely in the mainstream of Weimar society. Informed by recent studies of collective remembrance, of camaraderie, and of the popular, working-class socialist groups that commemorated the war, Michael Mackenzie's book Otto Dix and the First World War: Grotesque Humor, Camaraderie and Remembrance (Peter Lang, 2019) takes Dix's very public, monumental works out of the isolation of the artist's studio and returns them to a context of public memorials, mass media depictions, and the communal search for meaning in the war. The author argues that Dix sought to establish a community of veterans through depictions of the war experience that used the soldier's humorous, grotesque language of the trenches and that deliberately excluded women and other non-combatants. His depictions were preoccupied with heteronormativity in the context of intimate touch and tenderness between soldiers at the front and with sexual potency in the face of debilitating wounds suffered by others in the war. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/new-books-network

Otto Dix fought in the First World War for the better part of four years before becoming one of the most important artists of the Weimar era. Marked by the experience, he made monumental, difficult and powerful works about it. Whereas Dix has often been presented as a lone voice of reason and opposition in Germany between the wars, this book locates his work squarely in the mainstream of Weimar society. Informed by recent studies of collective remembrance, of camaraderie, and of the popular, working-class socialist groups that commemorated the war, Michael Mackenzie's book Otto Dix and the First World War: Grotesque Humor, Camaraderie and Remembrance (Peter Lang, 2019) takes Dix's very public, monumental works out of the isolation of the artist's studio and returns them to a context of public memorials, mass media depictions, and the communal search for meaning in the war. The author argues that Dix sought to establish a community of veterans through depictions of the war experience that used the soldier's humorous, grotesque language of the trenches and that deliberately excluded women and other non-combatants. His depictions were preoccupied with heteronormativity in the context of intimate touch and tenderness between soldiers at the front and with sexual potency in the face of debilitating wounds suffered by others in the war. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/military-history

Otto Dix fought in the First World War for the better part of four years before becoming one of the most important artists of the Weimar era. Marked by the experience, he made monumental, difficult and powerful works about it. Whereas Dix has often been presented as a lone voice of reason and opposition in Germany between the wars, this book locates his work squarely in the mainstream of Weimar society. Informed by recent studies of collective remembrance, of camaraderie, and of the popular, working-class socialist groups that commemorated the war, Michael Mackenzie's book Otto Dix and the First World War: Grotesque Humor, Camaraderie and Remembrance (Peter Lang, 2019) takes Dix's very public, monumental works out of the isolation of the artist's studio and returns them to a context of public memorials, mass media depictions, and the communal search for meaning in the war. The author argues that Dix sought to establish a community of veterans through depictions of the war experience that used the soldier's humorous, grotesque language of the trenches and that deliberately excluded women and other non-combatants. His depictions were preoccupied with heteronormativity in the context of intimate touch and tenderness between soldiers at the front and with sexual potency in the face of debilitating wounds suffered by others in the war. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/german-studies

Otto Dix fought in the First World War for the better part of four years before becoming one of the most important artists of the Weimar era. Marked by the experience, he made monumental, difficult and powerful works about it. Whereas Dix has often been presented as a lone voice of reason and opposition in Germany between the wars, this book locates his work squarely in the mainstream of Weimar society. Informed by recent studies of collective remembrance, of camaraderie, and of the popular, working-class socialist groups that commemorated the war, Michael Mackenzie's book Otto Dix and the First World War: Grotesque Humor, Camaraderie and Remembrance (Peter Lang, 2019) takes Dix's very public, monumental works out of the isolation of the artist's studio and returns them to a context of public memorials, mass media depictions, and the communal search for meaning in the war. The author argues that Dix sought to establish a community of veterans through depictions of the war experience that used the soldier's humorous, grotesque language of the trenches and that deliberately excluded women and other non-combatants. His depictions were preoccupied with heteronormativity in the context of intimate touch and tenderness between soldiers at the front and with sexual potency in the face of debilitating wounds suffered by others in the war. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/biography

Otto Dix fought in the First World War for the better part of four years before becoming one of the most important artists of the Weimar era. Marked by the experience, he made monumental, difficult and powerful works about it. Whereas Dix has often been presented as a lone voice of reason and opposition in Germany between the wars, this book locates his work squarely in the mainstream of Weimar society. Informed by recent studies of collective remembrance, of camaraderie, and of the popular, working-class socialist groups that commemorated the war, Michael Mackenzie's book Otto Dix and the First World War: Grotesque Humor, Camaraderie and Remembrance (Peter Lang, 2019) takes Dix's very public, monumental works out of the isolation of the artist's studio and returns them to a context of public memorials, mass media depictions, and the communal search for meaning in the war. The author argues that Dix sought to establish a community of veterans through depictions of the war experience that used the soldier's humorous, grotesque language of the trenches and that deliberately excluded women and other non-combatants. His depictions were preoccupied with heteronormativity in the context of intimate touch and tenderness between soldiers at the front and with sexual potency in the face of debilitating wounds suffered by others in the war. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/art

Otto Dix fought in the First World War for the better part of four years before becoming one of the most important artists of the Weimar era. Marked by the experience, he made monumental, difficult and powerful works about it. Whereas Dix has often been presented as a lone voice of reason and opposition in Germany between the wars, this book locates his work squarely in the mainstream of Weimar society. Informed by recent studies of collective remembrance, of camaraderie, and of the popular, working-class socialist groups that commemorated the war, Michael Mackenzie's book Otto Dix and the First World War: Grotesque Humor, Camaraderie and Remembrance (Peter Lang, 2019) takes Dix's very public, monumental works out of the isolation of the artist's studio and returns them to a context of public memorials, mass media depictions, and the communal search for meaning in the war. The author argues that Dix sought to establish a community of veterans through depictions of the war experience that used the soldier's humorous, grotesque language of the trenches and that deliberately excluded women and other non-combatants. His depictions were preoccupied with heteronormativity in the context of intimate touch and tenderness between soldiers at the front and with sexual potency in the face of debilitating wounds suffered by others in the war. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/european-studies

Otto Dix fought in the First World War for the better part of four years before becoming one of the most important artists of the Weimar era. Marked by the experience, he made monumental, difficult and powerful works about it. Whereas Dix has often been presented as a lone voice of reason and opposition in Germany between the wars, this book locates his work squarely in the mainstream of Weimar society. Informed by recent studies of collective remembrance, of camaraderie, and of the popular, working-class socialist groups that commemorated the war, Michael Mackenzie's book Otto Dix and the First World War: Grotesque Humor, Camaraderie and Remembrance (Peter Lang, 2019) takes Dix's very public, monumental works out of the isolation of the artist's studio and returns them to a context of public memorials, mass media depictions, and the communal search for meaning in the war. The author argues that Dix sought to establish a community of veterans through depictions of the war experience that used the soldier's humorous, grotesque language of the trenches and that deliberately excluded women and other non-combatants. His depictions were preoccupied with heteronormativity in the context of intimate touch and tenderness between soldiers at the front and with sexual potency in the face of debilitating wounds suffered by others in the war. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/geography

Otto Dix fought in the First World War for the better part of four years before becoming one of the most important artists of the Weimar era. Marked by the experience, he made monumental, difficult and powerful works about it. Whereas Dix has often been presented as a lone voice of reason and opposition in Germany between the wars, this book locates his work squarely in the mainstream of Weimar society. Informed by recent studies of collective remembrance, of camaraderie, and of the popular, working-class socialist groups that commemorated the war, Michael Mackenzie's book Otto Dix and the First World War: Grotesque Humor, Camaraderie and Remembrance (Peter Lang, 2019) takes Dix's very public, monumental works out of the isolation of the artist's studio and returns them to a context of public memorials, mass media depictions, and the communal search for meaning in the war. The author argues that Dix sought to establish a community of veterans through depictions of the war experience that used the soldier's humorous, grotesque language of the trenches and that deliberately excluded women and other non-combatants. His depictions were preoccupied with heteronormativity in the context of intimate touch and tenderness between soldiers at the front and with sexual potency in the face of debilitating wounds suffered by others in the war.

¡Bienvenidos cultos! Este mes de Marzo empiezo una serie nueva, en donde las grandes protagonistas serán las mujeres. Así que hoy comienzo platicándote de una mujer que inspiró una obra que representó el concepto de “La Nueva Mujer” de su época, analizaremos la obra “Retrato de la periodista Sylvia Von Harden” pintada por uno de mis artistas predilectos, Otto Dix. No me mal entiendas, vendrán obras elaboradas por mujeres, pero seleccioné esta pintura porque Otto Dix visibiliza a un tipo de mujer muy juzgada y cuestionada incluso en muchas comunidades de nuestros días. Quédate porque Dix nos enseñará que una pintura de los años veinte, aún puede incomodar a una sociedad que se presume muy moderna en la actualidad, pero que demuestra todo lo contrario. Recuerda que las imágenes de referencia y material extra que complementa el tema los encuentras en mi página de Instagram como @todoscultos y recuerda que también tengo una cuenta de Tik Tok con el mismo nombre. ¡Espero lo disfrutes mucho!

Alexis Rhone Fancher, Abbi Flint, and Susan McLean share this week. TERcets is a literary podcast by The Ekphrastic Review. Each episode features three pieces selected by the host, Brian Salmons, from our website, ekphrastic.net. The Ekphrastic Review is an online journal devoted entirely to writing inspired by visual art. Our objective is to promote ekphrastic writing and art appreciation, and to experience how the two strengthen each other and bring enrichment to every facet of life. We want to inspire more ekphrastic writing and promote the best in ekphrasis far and wide. Intro music is "Far-Away Planet" by Curtis Hasselbring (https://curtishasselbring.bandcamp.com/), outro is "Hopp" by Judadi (https://soundcloud.com/judadi/), bumpers by Merkel & Fritzemeier ("Meetin' & Movin'"), Med Dred("Mouseclick Reggae"), and 8-Bit Ninjas ("Shiny Spaceship"). Sonic augmentation of Abbi Flint's piece by Paul Sleaze (https://paulsleaze.bandcamp.com/). The art is "Die Skatspieler" (1920), by Otto Dix.