Podcasts about Emil Nolde

Mokuhanga is carried by those with a desire to explore the medium to its fullest, to foray into uncharted territory, to educate many, and to draw more people to the art form. On this episode of The Unfinished Print, I speak with Vladimir Ivaneanu and Soetkin Everaert, co-founders of the Japanese print promotion project Mokuhanga Magic! We discuss how Mokuhanga Magic! began, exploring the mokuhanga journeys of both Soetkin and Vladimir, dive into the art of collaboration, share stories of their travels to Japan, and reflect on the current state of mokuhanga today. Please follow The Unfinished Print and my own mokuhanga work on Instagram @andrezadoroznyprints or email me andrezadorozny@gmail.com Notes: may contain a hyperlink. Simply click on the highlighted word or phrase. Artists works follow after the note if available. Pieces are mokuhanga unless otherwise noted. Dimensions are given if known. Print publishers are given if known. Mokuhanga Magic! - website Emil Nolde (1867–1956) was a German-Danish Expressionist known for his bold use of colour, deep interest in spirituality and the human condition. As a printmaker, Nolde was a pioneering figure in early 20th-century German art, producing powerful woodcuts, etchings, and lithographs that often explored biblical themes, folklore, and dramatic human expressions. Despite being banned by the Nazi regime—who labeled his work as "degenerate art"—Nolde continued to create in secret. Nolde's printmaking helped shape the visual language of German Expressionism and influenced generations of artists. Durchbrechendes Licht (Light Breaking Through), 1950 oil on canvas 68.5 x 88.5 cm MEXT (Mombukagakusho) Scholarship is a prestigious academic scholarship offered by the Japanese Ministry of Education, Culture, Sports, Science and Technology to support international students studying in Japan. Established in 1954, it provides funding for various academic levels, including undergraduate, graduate, vocational, and research programs. The scholarship covers tuition, a monthly stipend, and round-trip airfare. Students can apply either through Japanese embassies (Embassy Recommendation) or directly through Japanese universities (University Recommendation). It aims to promote international exchange and has supported over 65,000 students from around the world. Paul Furneaux  is a Scottish born mokuhanga printmaker and teacher who uses the medium of mokuhanga creating pieces of work that are third dimensional, abstract and sculptural. Little Loch (Lochin) 47 x 36 cm Variable edition of 10 Nagasawa Art Park (MI Lab) Awaji City - Nagasawa Art Park was an artist-in-residence program located in Awaji City, Hyōgo Prefecture, Japan. It was open for 12 years before evolving into MI Lab in 2012. More info, here.  Tintin is a fictional character and the protagonist of The Adventures of Tintin, a comic book series created by Belgian cartoonist Hergé (1907-1983) (the pen name of Georges Remi). First appearing in 1929, Tintin is a young Belgian reporter and adventurer who travels the world, often finding himself embroiled in dangerous plots, solving mysteries, and fighting injustice. The series became internationally beloved for its clean graphic style, detailed research, and engaging storytelling, making Tintin one of the most iconic comic book characters of the 20th century. MI Lab  is a mokuhanga artists residency located in Kawaguchi-ko, near Mount Fuji. More info can be found, here.  manga is a style of Japanese comic books and graphic novels that encompasses a wide range of genres and themes, appealing to audiences of all ages. Typically published in black and white, manga is known for its distinctive art style, expressive characters, and cinematic storytelling. It is often serialized in magazines before being collected into volumes called tankōbon. Manga covers everything from action, romance, and fantasy to slice-of-life, horror, and science fiction. It has deep cultural roots in Japan but has gained massive popularity worldwide, influencing global comic art and animation, and serving as the foundation for many anime adaptations. hanmoto system  is the Edo Period (1603-1868) collaboration system of making woodblock prints in Japan. The system was about using, carvers, printers, and craftsmen by various print publishers in order to produce woodblock prints. The system consisted of the following professions; publisher, artist, carver, and printer. Motoharu Asaka - is a woodblock carver (horishi) and printer based in Shinjuku, Tōkyō Japan. website Tuula Moilanen - is a Finnish mokuhanga printmaker and painter based in Finland. She lived and studied in Kyōto from 1989 to 2012, where she learned her printmaking at Kyōto Seika University and from printmaker Akira Kurosaki (1937–2019). Her work can be found here. Her interview with The Unfinished Print: A Mokuhanga Podcast can be found here. Stake Out By the Bridge 21x30cm from Sea Lion Series (2023) Kari Laitinen - is a Finnish artist and printmaker based in Finland. His works explore colour and dimension. More information can be found, here. He helped write, with Tuula Moilanen, the book Woodblock Printmaking with Oil-based Inks and the Japanese Watercolour Woodcut. It was published in 1999. William Blake (1757–1827) was an English poet, painter, and printmaker known for his visionary and symbolic works that combined text and image. Though largely unrecognized in his lifetime, he is now celebrated as a key figure of the Romantic era. His major works, such as Songs of Innocence and of Experience and The Marriage of Heaven and Hell, explore themes of spirituality, imagination, and social critique. Blake's unique style and integration of poetry and visual art have made him a lasting influence on both literature and art. Keiko Kadota (1942-2017) - was the director of Nagasawa Art Park at Awaji City from 1997-2011, and then of MI Lab at Lake Kawaguchi from 2011 until her passing. Terry McKenna  is a mokuhanga printmaker and teacher residing in Karuizawa, Japan. He received guidance in the art form from Richard Steiner, a prominent mokuhanga printmaker based in Kyoto. Terry established the Karuizawa Mokuhanga School, a renowned residency dedicated to mokuhanga education, located in Karuizawa, Japan.  Further details about Terry and his school can be found, here. Additionally, you can listen to Terry's interview with The Unfinished Print: A Mokuhanga Podcast, here and Richard Steiner's interview here.  Storm Clearing Wattle Flat (2015) 8.6" x 14" Albrecht Dürer (1471–1528) was a German Renaissance artist known for his woodcuts, engravings, and detailed drawings. Based in Nuremberg, he brought international recognition to printmaking with works like Melencolia Iand The Four Horsemen of the Apocalypse. Dürer combined Northern European detail with Italian Renaissance ideals, influencing art across Europe and contributing to theories on proportion, perspective, and human anatomy. Michihamono  - is a tool manufacturer for woodblock printmaking as well as other woodworking. Located in Tōkyō. You can find their online store, here. © Popular Wheat Productions Opening and closing musical credit - background noise from Gyozanomanshu Kami Shakuji restaurant. logo designed and produced by Douglas Batchelor and André Zadorozny  Disclaimer: Please do not reproduce or use anything from this podcast without shooting me an email and getting my express written or verbal consent. I'm friendly :)  Слава Українi If you find any issue with something in the show notes please let me know. ***The opinions expressed by guests in The Unfinished Print podcast are not necessarily those of André Zadorozny and of Popular Wheat Productions.***  

Lebenswerk und Lebensweg von Emil Nolde stehen im Mittelpunkt einer großen Ausstellung im Museum Würth 2 in Künzelsau. In Kooperation mit der Nolde-Stiftung Seebüll bietet die Schau einen kritischen Blick auf hinreißend schöne Malerei - und stellt am Ende die überraschende Frage: War Nolde postmodern?

Pocas ciudades en el mundo tienen la historia de Berlín. No sólo por sus diversas situaciones geopolíticas, sino por la historia artística que alberga. Recorriendo sus calles, constatamos dicha historia contemplando sus monumentos, sus cicatrices, sus estaciones de metro, sus museos… Berlín siempre ha sido un lugar de refugio, cambios, reflexiones e interacciones con el arte y sus movimientos que marcaron épocas y etapas. El Arte en Berlín: Un Viaje por la Vanguardia y la Historia Berlín, la capital de Alemania, es un crisol cultural donde convergen la historia y la modernidad en una de las escenas artísticas más dinámicas de Europa. Desde las épocas gloriosas del arte clásico hasta la turbulencia del siglo XX y la constante reinvención del presente, Berlín ofrece un recorrido único para los amantes del arte. Este artículo explora las diversas facetas del arte en Berlín, desde sus icónicos museos hasta sus vibrantes galerías contemporáneas y el impacto de su tumultuosa historia. Un Epicentro Histórico del Arte Europeo Berlín ha sido un bastión del arte europeo desde hace siglos, pero su importancia como capital cultural creció especialmente durante el siglo XIX, cuando la ciudad se convirtió en un centro intelectual y artístico bajo el Imperio Alemán. La Isla de los Museos (Museumsinsel), ubicada en el río Spree, es el testimonio más tangible de esta época dorada. Este complejo de museos es Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO y alberga algunos de los tesoros más importantes del arte mundial. Entre sus cinco museos principales, destacan: 1. El Museo de Pérgamo (Pergamonmuseum): Famoso por su colección de arte antiguo, alberga piezas monumentales como el Altar de Pérgamo y la Puerta de Ishtar de Babilonia. Este museo es una visita imprescindible para quienes deseen explorar las raíces del arte antiguo y sus conexiones con la modernidad. 2. La Galería Nacional Antigua (Alte Nationalgalerie): Se especializa en obras del Romanticismo alemán, el Impresionismo y el Clasicismo. Aquí es posible contemplar obras maestras de Caspar David Friedrich, Claude Monet y Édouard Manet. 3. El Museo Bode: Reconocido por su colección de escultura y arte bizantino, además de su amplia galería numismática. Estas instituciones ofrecen un vistazo a los fundamentos clásicos y antiguos del arte, en contraste con el Berlín contemporáneo, marcado por su inclinación hacia la vanguardia y el arte experimental. El Arte en el Siglo XX: Expresionismo, Guerra y Renacimiento El siglo XX fue un período de transformaciones dramáticas para Berlín, y estas se reflejan poderosamente en su arte. A comienzos de siglo, la ciudad fue cuna del Expresionismo Alemán, un movimiento que rompió con las convenciones tradicionales del arte al enfocarse en emociones crudas y subjetivas. Artistas como Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde y Käthe Kollwitz retrataron una ciudad vibrante y angustiada, marcada por la rápida industrialización y las tensiones sociales. La devastación causada por la Segunda Guerra Mundial dejó cicatrices imborrables tanto en la ciudad como en su escena artística. Tras la guerra, Berlín quedó dividida en dos: Oriente bajo la influencia soviética y Occidente bajo la tutela occidental. Este periodo vio el surgimiento de un Berlín Oriental marcado por el arte de la propaganda, mientras que Berlín Occidental se convirtió en un punto focal del arte experimental. El Muro de Berlín, que dividió la ciudad entre 1961 y 1989, no solo simbolizó la separación política, sino también la separación artística. Sin embargo, su caída en 1989 marcó un renacimiento cultural sin precedentes. Las paredes del muro, antes emblema de la represión, se transformaron en lienzos para artistas callejeros de todo el mundo, lo que dio lugar a la East Side Gallery, el tramo más largo del muro aún en pie, convertido en una galería al aire libre. Berlín Contemporáneo: Una Ciudad Vanguardia Tras la reunificación de Alemania, Berlín ha experimentado un auge cultural que la ha consolidado como uno de los principales centros del arte contemporáneo. Hoy, la ciudad alberga más de 400 galerías, lo que la convierte en un lugar de peregrinación para coleccionistas y aficionados al arte. Algunos de los espacios más importantes del arte contemporáneo incluyen: • Hamburger Bahnhof – Museo de Arte Contemporáneo: Un antiguo depósito de trenes convertido en museo, que alberga obras de artistas tan influyentes como Andy Warhol, Joseph Beuys y Anselm Kiefer. Este museo se ha convertido en uno de los epicentros del arte moderno en Berlín. • Berlinische Galerie: Este museo está dedicado al arte moderno desde principios del siglo XX hasta la actualidad, con un enfoque en el arte de Berlín. A menudo presenta exposiciones sobre el Expresionismo y la Bauhaus, dos movimientos estrechamente ligados a la historia artística de la ciudad. • KW Institute for Contemporary Art: KW es un espacio vanguardista conocido por su papel en la fundación de la Bienal de Berlín, uno de los eventos de arte más influyentes de Europa. Aquí, los visitantes pueden explorar lo último en arte experimental, performances y multimedia. El Arte Urbano: Berlín como Lienzo El arte callejero y el graffiti son partes fundamentales de la identidad visual de Berlín. A lo largo de los años, las calles de la ciudad han sido ocupadas por artistas locales e internacionales, que han transformado los muros grises en vibrantes murales llenos de expresión política y social. Distritos como Kreuzberg y Friedrichshain se han convertido en epicentros de este arte urbano, donde nombres como Blu, El Bocho y Victor Ash han dejado su huella. El RAW Gelände, un complejo industrial abandonado, es otro de los puntos clave para quienes buscan explorar el arte callejero de Berlín. Este espacio al aire libre está lleno de murales, instalaciones artísticas temporales y eventos culturales alternativos, lo que refleja el espíritu de constante transformación de la ciudad. Conclusión: Berlín, Ciudad del Arte sin Límites Berlín es una ciudad donde el pasado y el futuro del arte conviven en una tensión dinámica. Desde los tesoros antiguos de la Isla de los Museos hasta los murales callejeros que desafían las convenciones artísticas, Berlín es un lugar donde cualquier amante del arte puede encontrar inspiración. La ciudad continúa siendo un laboratorio de ideas, donde el arte se reinventa constantemente, en una búsqueda incesante por reflejar la complejidad de la vida urbana y la historia. Para los viajeros y residentes por igual, explorar Berlín es sumergirse en un diálogo continuo entre la tradición y la innovación. Otros temas en el programa: 31:06 Paréntesis 49:29 Lugares míticos 58:36 Axiomas No quiero matarte - Capítulo 2 Puedes leer más y comentar en mi web, en el enlace directo: https://luisbermejo.com/berlin-zz-podcast-06x04 Puedes encontrarme y comentar o enviar tu mensaje o preguntar en: WhatsApp: +34 613031122 Paypal: https://paypal.me/Bermejo Bizum: +34613031122 Web: https://luisbermejo.com Facebook: https://www.facebook.com/ZZPodcast/ X: https://x.com/LuisBermejo y https://x.com/zz_podcast Instagram: https://www.instagram.com/luisbermejo/ y https://www.instagram.com/zz_podcast/ Canal Telegram: https://t.me/ZZ_Podcast Canal WhatsApp: https://whatsapp.com/channel/0029Va89ttE6buMPHIIure1H Grupo Signal: https://signal.group/#CjQKIHTVyCK430A0dRu_O55cdjRQzmE1qIk36tCdsHHXgYveEhCuPeJhP3PoAqEpKurq_mAc Grupo Whatsapp: https://chat.whatsapp.com/FQadHkgRn00BzSbZzhNviThttps://chat.whatsapp.com/BNHYlv0p0XX7K4YOrOLei0

So excited to welcome Artist, Frederick Hayes, to the podcast this week. Fred makes graphite drawings and paintings of faces, and he also creates found-material assemblage sculptures that portray the psychological interior of his subjects. Half made up and half based on the street photos that he takes, his portraits conjure up a community of people. These heads function as general archetypes but also as familiar faces that Fred might see in his community, remember from his past, or have seen in the media as victims of racial injustice. Fred Hayes is also an artist who studiously avoids being pigeonholed, and I loved hearing about how he prioritizes freedom in his varied studio practice. Find Frederick Hayes online: IG: https://www.instagram.com/fhay_00/ WEB: https://www.fredhayesstudio.com/ 2023 Lillian Orlowsky and William Freed Grant-Winners Exhibition at PAAM (thru 6/16/24, Provincetown): https://paam.org/the-2023-artist-grant-recipients/ This episode is kindly sponsored by the New York Studio School. Check out their June-July 2024 Summer Marathon courses here: ⁠nyss.org⁠ Artists mentioned: Henri Matisse, Emil Nolde, Cartier Bresson, Robert Rauschenberg, Margaret Kilgallen, Terry Hoff & Chris Johanson of the Mission School / Luggage Store Gallery, Max Beckmann Frederick Hayes has exhibited work at Triple Candie, the Studio Museum, Hallwalls Contemporary, New Museum, San Francisco Museum of Modern Art, San Jose Museum, San Diego Museum of Contemporary Art, Addison Gallery of American Art, DeSaisset Museum, Boston University, Number 35, and the Luggage Store and Patricia Sweetow Gallery in San Francisco, CA.  Hayes has held residencies at MacDowell, VCCA, LMCC and The Headlands Center for the Art.  He is the recipient of a 2020 NYFA-NYSCA Fellowship in Printmaking/Drawing/Book Arts, a 2012 & 2001 Pollack-Krasner Grant, a 2010 Robert Blackburn Workshop Studio Immersion Program Fellowship, a 2000 San Francisco Art Commission Individual Artist Grantand his work is in the collection of the San Francisco Museum of Modern Art, the New Museum of Contemporary Art, the Studio Museum in Harlem, the Addison Gallery of American Art, and UC Berkeley Art Museum Thank you, Fred! Thank you Patrons and Listeners! Appreciate everyone! Check the pod out on IG! And why not review Peps on Apple Podcasts? Yay! Find me, your beloved host, online at: ⁠amytalluto.com⁠ and ⁠@talluts⁠ All music by Soundstripe ---------------------------- Pep Talks Website: ⁠peptalksforartists.com⁠ Pep Talks on IG: ⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠@peptalksforartists⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠ Amy, your beloved host's website: ⁠amytalluto.com⁠ Amy, your beloved host, on IG: ⁠⁠⁠⁠⁠⁠@talluts⁠⁠⁠⁠⁠⁠ Pep Talks on Art Spiel as written essays: ⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠https://tinyurl.com/7k82vd8s⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠ ⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠BuyMeACoffee⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠ Donations always appreciated! --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/peptalksforartistspod/message Support this podcast: https://podcasters.spotify.com/pod/show/peptalksforartistspod/support

Los Angeles-based, Emmy-winning Danish musician and music producer JOACHIM SVARE has seen the changes in the music industry, and especially the recording industry, over the decades. Joachim shares his thoughts on the community of Danish musicians he helped build in Studio City when he first arrived in the early '90s to his current work scoring for film and tv, in particular preschool animation, a highlight being an Emmy win for "Color Song Red" (2019).Joachim selects a work by Emil Nolde from the SMK collection.https://open.smk.dk/en/artwork/image/KMS6206(Private photograph)----------We invite you to subscribe to Danish Originals for weekly episodes. You can also find us at:website: https://danishoriginals.com/email: info@danishoriginals.com----------And we invite you to donate to the American Friends of Statens Museum for Kunst and become a patron: https://donorbox.org/american-friends-of-statens-museum-for-kunst

"Mutter Ey", geboren am 4.3.1864 als Johanna Stocken in eine arme Familie in Wickrath, wurde zur Galeristin und Förderin deutscher Avantgarde-Künstler – und zur damals wohl meistgemalten Frau Deutschlands... Von Christiane Kopka.

Early last century many German artists like George Grosz, Emil Nolde and Otto Dix became politically involved. This film uses their art and their own words to explore a volatile period in Germany. --- Support this podcast: https://podcasters.spotify.com/pod/show/noah-becker4/support

Christopher & Jobst im Gespräch mit Daniel. Wir reden über Zweifel, Free Jazz vor 3000 Leuten, One Hit Wonder in der Kunst, Marathon- statt Hürdenlauf, der von uns allen geschätzte Jens Rachut, social hopping, sehr gut essen gehen, Tod der CD, Manufactum-Ästhetik & Distinktions-Tum, sich selbst als Verstärker von Unsicherheiten, Devos "Satisfaction" im Nachtprogramm, Haare mit Seife hochstrubbeln und n englischer Offiziersmantel, Schorsch Kamerun & Rocko Schamoni und Punk als dominante Jugendkultur, Auseinandersetzungen mit Teddy Boys, keinen großen Respekt vor Autoritäten, ungewöhnliche Gastfreundschaft, fanatische Leser, Deutsch-Rock-Cover von Yes & Novalis, das miefige linke Hippie-Milieu, bedauern Physik nicht zu verstehen, eine Unterschriften-Sammlung der Wikingjugend für Rudolf Heß, Bundespräsident Carl Karstens, Lehre als Druckvorlagenhersteller, gutes Gefühl zur Welt, Leute sind viel unterschiedlicher als man denkt, eine Wohngemeinschaft in Preetz, "Entweder der Lehrer oder ich", früh morgens anfangen zu trinken, Wodka in Jacket-Tasche klauen, nicht mit den Lederjacken-Schäferhunde-Punks klarkommen, Gänserupfen, Aschenbecher aus Hotels klauen, Zivildienst in der Altenpflege, eine WG mit Männern über 1.90m, der Kiez war am Auseinanderbrechen, mit der Rock-o-Rama-Welt nix anfangen können, nicht in Bands spielen wollen, das legendäre Angeschissen-Cover, dem Collagen-Prinzip treu bleiben, "Ich bin ein kleiner Schmetterling" von Team Scheisse, eine Wohnung für 142 DM, in Café-Stuben in Hohe Luft arbeiten, es gab praktisch keine Frauen in Plattenläden, die Macht des Patriacharts im Underground, Bewunderung für Gun Club, das erste große Angeschissen-Konzert in der Fabrik, Nina Simone live, die "Nie wieder Deutschland"-Demo, eine Option auf ein anderes Deutschland, die Geschichte der Links-Abweichler, Kunst als Versprechen für ein neues Leben, das Reproduzieren von Klischees, verklemmte sexuelle Phantasien, wann kollabiert ein Bild, alle Bilder für 20.000 DM, HipHop hat den Sieg davon getragen, autodestruktive Adern, gutegelaunte Paranoia, psychedelisch schöne Männer, die Ekelhaftigkeit von Emil Nolde, John Lydon ist sich treu geblieben, "Let England Shake" von PJ Harvey, Banksy ist Pipifax, Fetische der eigenen Besonderheit, ein Foto von Thomas Gottschalks Fuß, uvm.

Roman Zieglgänsberger hat einen der schönsten Arbeitsplätze in Hessen. Als Kustos der Klassischen Moderne hütet er im Museum Wiesbaden nicht nur 111 Werke des Expressionisten Alexej von Jawlensky. Zur Wiesbadener Sammlung gehören auch Arbeiten berühmter Zeitgenossen wie Max Beckmann, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc, Gabriele Münter oder Emil Nolde. (Wdh. vom 05.01.2023)

Nach 1945 erlangte Emil Nolde (eigentlich Emil Hansen) zunächst großen Ruhm in der Gemeinschaft der bildenden Künste - bis herauskam, dass er nicht nur Mitglied der NSDAP war, sondern deren Ideen und Ideale auch voll unterstützt hat. Ob der Maler Antisemit aus Überzeugung war oder sich nach dem Motto "Alles für die Kunst" an diejenigen hing, die Macht hatten, versuchen wir in der heutigen Podcast-Folge zu klären. In der heutigen Podcast-Folge erzählen wir die spannende Geschichte des expressionistischen Malers Emil Nolde.

Der er både en smuk kærlighedshistorie og en mindre charmerende politisk historie i dagens Kraniebrud. Den ekspressionistiske maler Emil Nolde og hans hustru var begge glødende nazister, selvom Hitlers kunstcensur ramte ham. De var også meget glade for hinanden, hvilket kan ses den dag i dag i haven for foden af deres hjem lige syd for den dansk-tyske grænse. Kraniebrud sender i denne uge en serie om gode historier fra museer i Sønderjylland og Sydslesvig, og fortællingen om Emil Nolde er femte del i serien. Medvirkende: Anne Blond, projektleder. Vært: Kasper Friis. See omnystudio.com/listener for privacy information.

Roman Zieglgänsberger hat einen der schönsten Arbeitsplätze in Hessen. Als Kustos der Klassischen Moderne hütet er im Museum Wiesbaden nicht nur 111 Werke des Expressionisten Alexej von Jawlensky. Zur Wiesbadener Sammlung gehören auch Arbeiten berühmter Zeitgenossen wie Max Beckmann, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc, Gabriele Münter oder Emil Nolde. (Wdh. vom 05.01.2023)

Zu Ostern ein wenig Kultur gefällig? Dann seid Ihr bei uns genau richtig, denn Andreas und Thomas haben sich hoch in den Norden aufgemacht, um mit Dr. Christian Ring, dem Dirketor der Stiftung Ada und Emil Nolde über den Maler zu sprechen.

Roman Zieglgänsberger hat einen der schönsten Arbeitsplätze in Hessen. Als Kustos der Klassischen Moderne hütet er im Museum Wiesbaden nicht nur 111 Werke des Expressionisten Alexej von Jawlensky. Zur Wiesbadener Sammlung gehören auch Arbeiten berühmter Zeitgenossen wie Max Beckmann, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc, Gabriele Münter oder Emil Nolde.

Er war Nazi und Antisemit. Es gelang Emil Nolde aber lange, eine Legende über sich als verfemten Künstler während des Dritten Reichs aufrechtzuerhalten. Eine Ausstellung in Kassel beleuchtet die Rolle, die die ersten drei Documentas dabei spielten.Von Ludger Fittkauwww.deutschlandfunkkultur.de, FazitDirekter Link zur Audiodatei

Die Colsmans waren ein kunstbegeistertes nordrhein-westfälisches Unternehmer-Ehepaar. Und außerdem verschwägert mit den Gründern des Folkwang-Museums. So hatten sie früh Zugang zu zahlreichen modernen Künstlern und begannen ab dem beginnenden 20. Jahrhundert, ihre Expressionisten-Sammlung aufzubauen. 70 dieser Werke werden im Sommer bei Grisebach versteigert. Meisterwerke von Emil Nolde, Otto Dix, Christian Rohlfs und vielen anderen. Mit den Hintergründen kennt sich kaum jemand besser aus als der deutsche Kunsthistoriker, Literaturwissenschaftler und Publizist Rainer Stamm. Zusammen mit seiner Frau hat er jüngst im Beck-Verlag ein Buch veröffentlicht, das die Geschichte der Folkwang-Gründung beleuchtet. Und er ist unser Gast in Folge 47 von Die Sucht zu SEHEN. Herzlich willkommen, lieber Rainer Stamm!

Randall shows Chris some of Hitler's favorite artists, and some of Hitler's own paintings.  *** Download slides here: https://mega.nz/file/VpllnD4D#hy3_24eqWYTHTM3SR3x2XNOACkZ57XmwC5_8kBd1a0I *** Hitler's favorite fine artists according to Albert Speer: 1) Eduard von Grützner 2) Wilhelm Leibl 3) Hans Thoma 4) Hans Makart 5) Carl Spitzweg 6) Arno Breker 7) Paris Bordone 8) Titian 9) Anselm Feuerbach (Nana) 10) Giovanni Paolo Panini 11) Eduard von Steinle *** In the book, The Mind of Adolf Hitler, Hanisch reports: "He (Hitler) was never an ardent worker, was unable to get up in the morning, had difficulty in getting started, and seemed to be suffering from a paralysis of the will."[6]  *** This episode based on Inside the Third Reich, 1970 edition, first US printing You may read a different edition online here: https://archive.org/details/Inside_the_Third_Reich_Albert_Speer ... p43 One of Hitler's as well as Hoffman's favorite painters was Eduard Grützner... ... For all departments of art Hitler regarded the late nineteenth century as one of the greatest cultural epochs in human history. That is was not yet recognized as such, he said, was only because we were too close to it in time. But his appreciation stopped at Impressionism, whereas the naturalism of a Leibl or a Thoma suited his activistic approach to art. Makart ranked highest; he also thought highly of Spitzweg. In this case I could understand his feeling, although what he admired was not so much the bold and often impressionistic brushwork as the staunch middle-class genre quality, the affable humor with which Spitzweg gently mocked the small-town Munich of his period. ... p90 Along the opposite wall stood a massive chest containing built-in speakers, and adorned by a large bronze bust of Richard Wagner by Arno Breker. Above this hung another tapestry which concealed the movie screen. Large oil paintings covered the walls: a lady with exposed bosom ascribed to Bordone, a pupil of Titian; a picturesque reclining nude said to be by Titian himself; Feuerbach's Nana in a very handsome frame; an early landscape by Spitzweg; a landscape of Roman ruins by Pannini; and surprisingly, a kind of altar painting by Eduard von Steinle, one of the Nazarene group, representing King Henry, founder of cities. But there was no Grützner. Hitler occasionally let if be known that he had paid for these paintings out of his own income. ... Occasionally the movies were discussed, Hitler commenting mainly on the female actors and Eva Braun on the males. No one took the trouble to raise the conversation above the level of trivialities by, for example, remarking on any of the new trends in directing. Of course the choice of films scarcely allowed for any other approach, for they were all standard products of the entertainment industry. Such experiments of the period as Curt Ortel's Michelangelo film were never shown, at least not when I was there.  ... Later, during the war, Hitler gave up the evening showings, saying that he wanted to renounce his favorite entertainment "out of sympathy for the privations of the soldiers." Instead records were played. But although the record collection was excellent, Hitler always preferred the same music. Neither baroque nor classical music, neither chamber music nor symphonies, interested him. Before long the order of the records became virtually fixed. First he wanted a few bravura selections from Wagnerian operas, to be followed promptly with operettas. That remained the pattern. Hitler made a point of trying to guess the names of the sopranos and was pleased when he guessed right, as he frequently did.  ... p27 To decorate the Goebbels house I borrowed a few watercolors by Nolde from Eberhard Hanfstaengl, the director of the Berlin National Gallery. Goebbels and his wife were delighted with the paintings—until Hitler cane to inspect and expressed his severe disapproval. Then the minister summoned me immediately: "The pictures have to go at once; they're simply impossible!" ... p42 Thus, in the realm of architecture, as in painting and sculpture, Hitler really remained arrested in the world of his youth: the world of 1880 to 1910, which stamped its imprint on his artistic taste as on his political and ideological conceptions.  *** Topics discussed include:  Rudolf von Alt birth of the modern world Reich Culture Chamber Abstract art Emil Nolde Eduard von Grützner Wilhelm Leibl Hans Thoma Hans Makart Carl Spitzweg Arno Breker Richard Wagner Paris Bordone Titian Anselm Feuerbach (Nana) Reich Culture Chamber The Degenerate Art Exhibition Jazz Swing Kids (1993) Fraktur https://chrisandrandall.com/ep32-does-art-influence-the-public-mind-part-3-of-3-authoritarians-and-the-cias-art-war *** Timeline: 1863 -- Salon de Refuses 1910 -- First abstract painting 1914 -- WWI 1919 -- Bauhaus founded  1933 -- Hitler attains power in Germany 1933 -- Reich Culture Chamber established with Goebbels in charge ... Goebbels and some others believed that the forceful works of such artists as Emil Nolde, Ernst Barlach and Erich Heckel exemplified the Nordic spirit; as Goebbels explained, "We National Socialists are not un-modern; we are the carrier of a new modernity, not only in politics and in social matters, but also in art and intellectual matters."[14] However, a faction led by Rosenberg despised Expressionism, leading to a bitter ideological dispute which was settled only in September 1934, when Hitler declared that there would be no place for modernist experimentation in the Reich.  Also outlawed Jazz and the font Fraktur ... 1933 -- Bauhaus closes ... The Nazi movement, from nearly the start, denounced the Bauhaus for its "degenerate art", and the Nazi regime was determined to crack down on what it saw as the foreign, probably Jewish, influences of "cosmopolitan modernism".[1]  ... 1937 -- The Degenerate Art Exhibition ... Hitler had been an artist before he was a politician—but the realistic paintings of buildings and landscapes that he preferred had been dismissed by the art establishment in favor of abstract and modern styles. So the Degenerate Art Exhibition was his moment to get his revenge. He had made a speech about it that summer, saying "works of art which cannot be understood in themselves but need some pretentious instruction book to justify their existence will never again find their way to the German people".  *** recorded April 21, 2022 *** Visit us at https://chrisandrandall.com/

Die Debatte mit Natascha Freundel, Ibou Coulibaly Diop und Andreas Kilb --- "Kunst, wenn sie keine Hofkunst ist, kann immer ein Moment der Utopie enthalten." Andreas Kilb --- "Längst überfällig!", "Ich bin von diesem Tribunal entsetzt!", "Großartig kontextualisierende Ausstellung!", "Ideologisch verkorkst, kaum besser als die Nazis!", "Was ist die Freiheit der Kunst?" Die Einträge im Gästebuch zur Ausstellung "Whose Expression?" im Berliner Brücke-Museum zeigen, wie sehr diese Schau polarisiert. Erstmals werden die Expressionisten Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Max Pechstein und Karl Schmidt-Rottluff in den Kontext des deutschen Kolonialismus gestellt. Schon jetzt – anderthalb Monate nach ihrer Eröffnung – zählt die Ausstellung mehr als doppelt so viele Besucher wie die letzte Schau im Brücke-Museum vor der Corona-Pandemie. Waren die Mitglieder der "Brücke"-Gruppe, die das "Ursprüngliche", die „Einheit von Mensch und Natur“ suchten, kolonialistische Künstler, die sich das Fremde aneigneten, ohne sich für dessen Kultur und Würde zu interessieren? Müssen wir so weit gehen zu sagen: Ohne Kolonialismus kein Expressionismus? Wieso werden heute Werktitel umbenannt? Und finde Dekolonisierung nur in Museen statt? -- Andreas Kilb, Kulturredakteur der FAZ, betont die Freiheit und emanzipatorische Kraft der Kunst, gerade in den Werken der "Brücke". -- Ibou Coulibaly Diop, Literaturwissenschaftler und Dekolonisierungsexperte, wünscht sich neue Erzählungen, die verschiedene Perspektiven gleichwertig aufeinander beziehen: "Erzählungen, die unsere Gesellschaften so erzählen, wie sie sein sollten, und nicht nur wie sie sind". --- Mehr Infos unter www.rbbkultur.de/derzweitegedanke --- Schreiben Sie uns Ihre Gedanken an derzweitegedanke@rbbkultur.de

When the Nazi Party came to power in Germany, in 1933, one of their first goals was to reshape culture by force. The Nazis organized book burnings, stormed artist studios, confiscating work they disagreed with, and fired contemporary artists from teaching positions in universities. The goal was to place limits on human expression–an ominous display for what was to come. Visit the companion gallery for this episode here: https://mjdorian.com/dangerous/ The celebrated 1800's German poet, Heinrich Heine, wrote: "where books are burned, there too, people will burn." On this episode, we explore the Degenerate Art Exhibition of 1937, otherwise known as Entartete Kunst. The intended goal of the exhibit was to insult and ridicule the featured artists and kill modern art. Making it clearly known to the German public that the Nazi Party was forbidding any form of abstraction in painting, film, sculpture, or music. The suppression or censorship of art is a symptom that something is desperately wrong in the cultural fabric of a society. What happened to the artists featured in the exhibition? Did they continue making art? Did they flee or stay and protest? Why is art so dangerous? --------- Artists featured in this episode: Otto Dix, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, and Conrad Felixmüller. Explore their work in this special companion gallery I put together: https://mjdorian.com/dangerous/ --------- If you'd like to become a supporter of CREATIVE CODEX, and obtain access to all the exclusive content, such as the Kurt Cobain series and all the Creativity Tip episodes, head on over to: https://www.patreon.com/mjdorian --------- All music in this episode was produced & composed by MJDorian. --------- Creative Codex is written and produced by MJDorian. More info here: https://mjdorian.com/ Instagram: https://www.instagram.com/mjdorian/ Twitter: https://twitter.com/mjdorian YouTube: https://www.youtube.com/creativecodex

Sie ist charmant, redegewandt und weiß sehr viel über die wichtigsten „alten“ und zeitgenössischen Meister:innen: Veronika Kranich kennen die meisten von uns vermutlich als Vortragende u.a. bei den „Kunst + Kaffee + Kuchen“-Veranstaltungen im Freizeitzentrum Schnelsen. Egal ob Emil Nolde, Renée Magritte oder Paula Modersohn-Becker: Die Schnelsenerin kennt sie alle und erzählt kenntnisreich und allgemeinverständlich von den namhaften Persönlichkeiten.

Sistema de impresión de imágenes inventado en 1798 por Aloys Senefelder. La litografía fue uno de los primeros sistemas de copiado y reproducción en serie de imágenes. La técnica está basada en el sencillo y fundamental principio de que “el agua y la grasa se repelen”. Para este tipo de impresión, se utiliza una matriz de piedra caliza pulida sobre la que se dibuja con pincel o lápiz graso. La litografía fue utilizada por en el Siglo XIX por Goya, Daumier, Géricault, Delacroix, Odilon Redon, Vuillard, Bonnard, y en el siglo XX, Eduard Munch, Emil Nolde, Matisse y Braque y Picasso. A finales del siglo XIX e indisociablemente asociado a la aplicación de la cromolitografía o litografía en color, nace el nuevo arte del cartelismo, máximo representante del cuál fue sin duda Toulouse-Lautrec. Con sus carteles este artista francés revolucionó el arte de la publicidad. Durante el siglo XIX la litografía estuvo estrechamente vinculada al desarrollo de la prensa y fue uno de los sistemas más utilizados para la ilustración de libros. Aunque este procedimiento fue extensamente usado con fines comerciales, la mayor parte de los grandes pintores de los siglos XIX y XX también lo emplearon ya que facilitaba obtener un cierto número de copias de un mismo trabajo: Picasso,5​ Toulouse-Lautrec, Joan Miró, Piet Mondrian, Ramón Casas, Antoni Tàpies, Alphonse Mucha, Goya, Andy Warhol, etc. Asimismo, reciben el nombre de litografía, además del sistema de impresión, cada uno de los ejemplares obtenidos por este procedimiento así como el taller donde se realiza este tipo de trabajos. Posteriormente, al aparecer las rotativas se comenzaron a emplear láminas flexibles de zinc o de aluminio, y más recientemente de plástico, en sustitución de las pesadas piedras litográficas. Con la incorporación de la fotomecánica, dichas planchas dejaron de ser dibujadas a mano, puesto que la sensibilización de su superficie permitía exactas reproducciones fotográficas. Aunque de forma incorrecta, aún es frecuente denominar a las empresas de Artes Gráficas, como Litografías.

Brian Levant hat aus der amerikanischen Kultserie „Die Feuersteins“ zwei Spielfilme gemacht. In der Serie „Der Beischläfer“ bieten sich ein Schöffe und eine Richterin regelmäßig einen Schlagabtausch und in der Doku „Der weiße Blick – Expressionismus und Kolonialismus“ werden Bilder von Emil Nolde und Max Pechstein unter die Lupe genommen. >> Artikel zum Nachlesen: https://detektor.fm/kultur/was-laeuft-heute-flintstones-der-beischlaefer-der-weisse-blick-expressionismus-und-kolonialismus

Brian Levant hat aus der amerikanischen Kultserie „Die Feuersteins“ zwei Spielfilme gemacht. In der Serie „Der Beischläfer“ bieten sich ein Schöffe und eine Richterin regelmäßig einen Schlagabtausch und in der Doku „Der weiße Blick – Expressionismus und Kolonialismus“ werden Bilder von Emil Nolde und Max Pechstein unter die Lupe genommen. >> Artikel zum Nachlesen: https://detektor.fm/kultur/was-laeuft-heute-flintstones-der-beischlaefer-der-weisse-blick-expressionismus-und-kolonialismus

Heute geht es um die Auffrischungsimpfung gegen das Corona-Virus, es geht um die Frage, ob und wie in diesem Winter Weihnachtsmärkte stattfinden können, um die Zahl in Hamburg zugelassener Autos, ein neues Angebot des HVV, bei dem Kunden erst fahren und dann zahlen, und es geht um gleich zwei Ausstellungen mit Werken von Emil Nolde.

Jan Mom spreekt conservator 1860-1960 bij het Stedelijk Museum Amsterdam Beatrice von Bormann over de tentoonstelling 'KIRCHNER EN NOLDE: EXPRESSIONISME. KOLONIALISME' in het Stedelijk Museum in Amsterdam. Het werk van Ernst Ludwig Kirchner en Emil Nolde staat bekend om de knallende kleuren en spontane penseelstreken waarmee zij mensen, landschappen en objecten op onconventionele wijze neerzetten. Hoe hangt de uitgesproken beeldtaal van deze twee expressionisten samen met het kolonialisme? In deze grote tentoonstelling staan de verhalen achter de geportretteerden centraal en wordt de relatie tussen Kirchners en Noldes werk en mensen en kunstwerken uit buiten-Europese gebieden in een bredere context geplaatst. Hoe kijken we vandaag de dag naar deze werken?

Before continuing in their series considering the relation between artists and their gardens, Tom and Sheila discuss the art of Chuck Close, who died last week.  They turn then to Emil Nolde, Charles Burchfield, and Odilon Redon.

Obwohl Emil Nolde fest zum nationalsozialistischen System stand, wurde er aus der Reichskammer der bildenden Künste ausgeschlossen. Nach dem Krieg ein Glücksfall. Denn dadurch konnte er eine Rolle als verfolgter und verfemter Künstler annehmen.

Mit diesem Schreiben hatte der Maler Emil Nolde nicht gerechnet: am 23. August 1941 wurde ihm mitgeteilt, dass er wegen "mangelnder Zuverlässigkeit" aus der Reichskam-mer der bildenden Künste ausgeschlossen worden sei. Ein Schock! Autorin: Jutta Duhm-Heitzmann

A jealous angry artist got this guy Goebbels to collect all the artwork from all the German museums and create The Degenerate art show (Entartete Kunst). The first display was composed of over 600 artworks including artists, Pablo Picasso, Wassily Kadinsky, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, and other major artists of the 20th century were displayed with paintings by psychotic patients and were subjected to vicious ridicule by the press and the German people. They estimated over a million visitors in the 1st month. Enjoy the show! thanks a million #handsinalottasoups #whogetstocallitart #contemporaryary #Propoganda #warisdumb #EntarteteKunst #stolenart #arthistory #crazyworld Thanks for listening !!!!!!! Let us know what you think! gooderguysradio@gmail.com https://www.instagram.com/gooderguysradio/ https://www.facebook.com/GooderGuys https://twitter.com/GooderGuysRadio --- Send in a voice message: https://anchor.fm/the-gooder-guys/message

The following is a link to the Nelson-Atkins Museum's Discriminating Thieves Exhibition.4:15 How Discriminating Thieves exhibition came about6:20 Title of Discriminating Thieves exhibition came from correspondence by Nelson-Atkins' first director Paul Gardner7:30 One of the four works in the exhibition: painting by German Expressionist Emil Nolde titled Masks 8:50 Karl Buchholz held Masks for a decade until 1948 when he sent it to dealer Curt Valentin 11:30 Nolde was a member of Nazi party but still targeted by Nazis15:00 Pitfalls of researching women18:00 Marguerite Stern's ownership of Jean – Francois Ducis' 1779 Bust of Augustin Pajou 19:50 Pierre Bonnard's Still life with Guelder Roses21:30 Nicolas de Largillière's Augustus the Strong – erroneously listed on property card as portrait of King Frederick of Denmark 25:00 2019 Collecting and Provenance: A Multidisciplinary Approach by Jane Milosch, Nick Pearce25:50 German-American Provenance Research Exchange with the Smithsonian Provenance Research Initiative and Prussian Cultural Heritage Foundation was a “game changer”35:35 Guest speaker for Discriminating Thieves Exhibition was Corine Wegener, Director of the Smithsonian Cultural Rescue Initiative42:00 The process of provenance research is never finished as new resources become available 44:30 Importance of research in museum setting by individuals with specialized knowledge46:30 Cincinnati Art Museum's exhibition Paintings, Politics and the Monuments Men: The Berlin Masterpieces in America47:30 Nelson-Atkins' first curator of European Art Patrick Kelleher was one of the signatories of the Weisbaden ManifestoTo view rewards for supporting the podcast, please visit Warfare's Patreon page.To leave questions or comments about this or other episodes of the podcast, please call 1.929.260.4942 or email Stephanie@warfareofartandlaw.com. © Stephanie Drawdy [2021]

Diskussionslystne museer: Flere museer opfordrer deres gæster til at tage de kritiske briller på. Kunstnere som Emil Nolde, Ernst Ludwig Kirchner og Paul Gauguin er aktuelle i udstillinger, som sætter kolonialistiske værdier og idéer under lup. Og tendensen rækker også ud over de danske grænser: Et britisk galleri har netop åbnet en Karen Blixen fotoudstilling, som også sætter Blixens afrikanske liv til diskussion. Vi diskuterer Blixen med galleriet og det danske Karen Blixen Museum - og tager en helikoptertur hen over tidens aktivistiske museumstendenser. Står musikjournalistikken stille? De danske dagblade fokuserer for ensidigt på albumudgivelser, festivalkoncerter og mangler diversitet. Det viser en ny ph.d.-afhandling om musikjournalistik i den digitale tidsalder. Vi inviterer afhandlingens afsender, lektor fra Danmarks Medie- og Journalisthøjskole, i studiet sammen med Berlingskes musikredaktør til en diskussion af musikanmelderiet. Hobbittens lyd: Fra på fredag løber elverfolk, orker, dværge og ikke mindst hobbitter rundt i Dyrehaven nord for København. Det Kongelige Teater har nemlig premiere på deres udendørs opsætning af Tolkiens "Hobitten", som næste sommer også tager turen til Aarhus. Men hvordan skaber man den musik, som tager publikum med til Isengard, Erebor og Tågebjergene? Det taler vi med komponist Jeanett Albeck om i dagens Kulturen på P1. Vi kommer også omkring den nye genåbningsaftale for kulturlivet, og en ny rapport, der - til forskernes overraskelse - viser, at danskerne ikke er blevet mere religiøse under pandemien. Værter: Jesper Dein og Tore Leifer.

Annemieke Bosman spreekt schrijver Peter Delpeut over zijn boek 'Het vergeten kwaad'. Peter Delpeut duikt in het verleden van Jonas Mekas in ‘Het vergeten kwaad’. Al jarenlang heeft Delpeut op grijpafstand naast zijn bureau Mekas’ ‘Movie Journal’ staan. Sinds zijn studententijd is hij een groot bewonderaar van de Litouws-Amerikaanse cineast. Totdat hij in juni 2018 werd opgeschrikt door een artikel in ‘The New York Review of Books’. Historicus Michael Casper beweerde dat Mekas bepaalde gebeurtenissen in het Litouwen van de Tweede Wereldoorlog bewust is vergeten of verkeerd heeft voorgesteld. Van de ene dag op de andere werd Mekas de zoveelste gevallen engel in een lange rij van culturele beroemdheden die door hun ‘oorlogsverleden’ werden achtervolgd. Het overkwam Günter Grass, Paul de Man, Emil Nolde en in Nederland de dichter Lucebert. Wat te doen? Het artikel voor waar aannemen en overgaan tot de orde van de dag? Of de beschuldigingen terzijde schuiven – een al even gemakkelijke vluchtweg. Delpeut koos voor onderzoek. Een onderzoek dat resulteerde in een persoonlijk essay over geschiedschrijving versus individuele herinnering waarin hij Mekas, Casper noch zichzelf heeft willen ontzien.

De vidtstrakte områder, tyskerne pludselig blev herrer over, var beboet af mange forskellige folkeslag. I Tysk Sydvestafrika (vore dages Namibia) havde San-folket levet som jægersamlerfolk i op mod 30.000 år. Omvendt havde indbyggerne i Tysk Østafrika (Tanzania) en udpræget maritim levevis med århundredgamle handelsbånd til andre dele af verden.Omvendt havde Papua New Guinea både været kendt af europæerne siden 1500-tallet men i høj grad bevaret deres oprindelige levevis. Det blev udfordret af tyskernes hårdhændede fremfærd i begyndelsen af 1900-tallet, hvilket maleren Emil Nolde oplevede på sin rejse i 1913-14.Dette er tredje af fem afsnit i Kongerækken hos Politiken Histories nye podcastserie om racisme i kunst og samfund i det 19. og 20. århundredes Tyskland.Serien udkommer i samarbejde med Statens Museum for Kunst. Politiken Historie har haft fuld redaktionel frihed.

Det kejserlige Tyskland fik efter sin fødsel 1871 appetit på kolonier i både Afrika og Asien. Det kortvarige kolonieventyr sluttede med Tysklands nederlag i Første Verdenskrig, men det fik enorm betydning for populærkulturen i Tyskland såvel som for kendte malere som Emil Nolde og Ernst Ludwig Kirchner.Lyt med, når Politiken Histories podcast Kongerækken i fem afsnit diskuterer racisme i kunst og samfund i det 19. og 20. århundredes Tyskland.I seriens første afsnit kredser vi om Tyskland som ny kolonihaver. Inden 1871 var ’Tyskland’ et kludetæppe af konkurrerende små og store stater i hjertet af Europa. Magtpolitisk havde tyskerne kun begrænsede ting at sige, men kulturelt havde man høje tanker om sig selv.Lande som Frankrig og Storbritannien viste flaget over hele verden. Tyskerne derimod kunne ikke prale af et stort kolonirige, men de var stadig interesserede i fjerne egne, især inspireret af naturforskeren Alexander von Humboldts rejser over hele verden.I den tyske museumsverden havde man også fået øjnene op for de fremmede kulturers kunstneriske potentiale. Store etnografiske samlinger med forskellige eksotiske kunstgenstande, skød derfor op og voksede eksplosivt i årene frem mod 1871. Her fik almindelige mennesker såvel som kunstnere øjnene op for fremmedartede kulturers formåen.Serien udkommer i samarbejde med Statens Museum for Kunst. Politiken Historie har haft fuld redaktionel frihed.

“Alles waar te voor staat is verkeerd, behalve tevreden”, zegt de tegeltjeswijsheid. En zo heb je dus ook te religieus, dat vindt zelfs de Bijbel. In deze aflevering duiken we in het verhaal van Mozes en het gouden kalf, aan de handen van schilderijen van Emil Nolde en Marc Chagall en romans van Harry Mulisch en Jan Siebelink. Kijk op www.eo.nl/scheppingsdrift voor een overzicht van alle kunst die we bespreken, plus nog meer kunst bij het verhaal van Mozes en het gouden kalf.

Canons et tableaux Le marchand d'art lucernois Theodor Fischer était probablement le principal marchand d'art de Suisse depuis les années 1920, sans doute parce qu'il faisait commerce de tout ce qu’on lui demandait à Lucerne, ville au tourisme en plein essor. Bien avant la guerre, il avait déjà des contacts d'affaires avec des marchands allemands tels que Walter Andreas Hofer, Karl Haberstock et Hans Wendland qui, par la suite, se sont tous salis les mains avec des œuvres d'art spoliées. Le plus connu d'entre eux, Karl Haberstock, a fait une transition sans accroc dans le marché de l'art d'après-guerre. Il est devenu un marchand et collectionneur respecté. À l’instar de beaucoup d'autres, il a créé une fondation. En 1939, Theodor Fischer se fait un nom au niveau international en organisant à Lucerne une vente aux enchères "d’art dégénéré". Les nazis ont "nettoyé" les musées allemands et ont vendu à l'étranger des œuvres d'art indésirables, notamment des pièces expressionnistes, très demandées. Photo: Joseph Goebbels, ministre de la propagande du régime nazi, à la Maison de l'art allemand de Munich, lors de sa visite de l'exposition sur "l'art dégénéré", en février 1938. A gauche, deux peintures d'Emil Nolde ("Christ et le pécheur", "Les vierges sages et folles"), à droite la sculpture "Saint Georges", de Gerhard Marcks. (© Das Bundesarchiv)

Wie hielten es die Expressionisten mit dem Kolonialismus? In Berlin wird die Herkunft einer Sammlung von Karl Schmidt-Rottluff untersucht. In Kopenhagen und Amsterdam beleuchten Ausstellungen die Haltung von Emil Nolde und Ernst Ludwig Kirchner. Von Christiane Habermalz www.deutschlandfunkkultur.de, Fazit Hören bis: 19.01.2038 04:14 Direkter Link zur Audiodatei

Explicit Content:   In this episode, we continue our conversation about sex, kink, and self-creation. Episode Art:  "Mask Still Life III," Emil Nolde, 1911Support the show (https://www.buymeacoffee.com/Jislaaik)

Afl. 6/6 – In de twintigste eeuw zijn de kunstenaars van Die Brücke zowel gevierd als verafschuwd. Het belangrijkste keerpunt was het kunst- en cultuurbeleid van nazi-Duitsland: Emil Nolde was een aanhanger, maar ook zijn werk werd in beslag genomen, net als van de andere Brücke-kunstenaars. Caspar Stalenhoef gaat hierover in gesprek met Gregor Langfeld, professor kunstgeschiedenis aan de Universiteit van Amsterdam en de Open Universiteit. https://www.kranenburgh.nl/tentoonstelling/94/kunstenaars-van-die-brucke Muziek: ‘Calisson’ van Blue Dot Sessions

De Weimar à la chute Histoire Vivante vous propose une semaine sur l’histoire de Joseph Goebbels et du journal qu’il a tenu de 1923 jusqu’à la fin du IIIe Reich. Une évocation de ce personnage et de ses écrits intimes avec Nicolas Pantin, historien et spécialiste de Goebbels. Dans ce deuxième épisode, suite de notre entretien avec Nicolas Patin, historien et maître de Conférence à l'Université Bordeaux-Montaigne. Ses thèmes de recherches sont centrés sur l'Histoire de l'Allemagne de 1914 à 1945, l'histoire des élites politiques, l'histoire du nazisme et de la "Solution finale". Un entretien qui portera notamment sur le sujet de ses recherches sur le journal de Goebbels. Nicolas Patin a rédigé une étude critique de ce journal afin de mieux saisir la complexité de ce texte et les enjeux auxquels le ministre de la propagande nazie était confronté. Cet entretien est illustré par des lectures du journal de Joseph Goebbels. Photo: Joseph Goebbels à la Maison de l'art allemand de Munich, lors de sa visite de l'exposition sur "l'art dégénéré", en février 1938. A gauche, deux peintures d'Emil Nolde ("Christ et le pécheur", "Les vierges sages et folles"), à droite la sculpture "Saint Georges", de Gerhard Marcks.(© Das Bundesarchiv)

Bärbel Wolfmeier wandelt auf den Spuren des berühmten Malers Emil Nolde und besucht sein Museum.

“Groteske Gestalten” von Dieter R. Fuchs Erschienen in "Brücken", Anthologie zum Magazin LITERÀBILES, Uwe Kullnick, Susanna Bummel-Vohland (Hg), ISBN 978-1981205332 Es liest Uwe Kullnick

En este episodio hablamos sobre reglas de la cuarentena y recomendaciones para romper la monotonía, clases de música en línea, Emil Nolde, Richard Wagner y Larry David, censurar al artista y no a su arte. See acast.com/privacy for privacy and opt-out information.

Our weekly songs, readings and practices are now available in our Weekly Guide! We hope for it to be a catalyst for the movement of the Holy Spirit through our week. Sign up to receive it here. Podcast thumbnail: Emil Nolde, Dschunke mit grünem Segel | Junk with green sail, 1913. Love -  Timberline Old Town & Everyday Joe's

Der Künstler Emil Nolde wurde in der Wander- und Propagandaausstellung „entartete Kunst“ 1937 diffarmiert und erhielt ab 1941 Berufsverbot. Doch der Expressionist war Nationalsozialist und Antisemit. Nach dem Zweiten Weltkrieg stellte er sich als Opfer dar und wurde als Genie gefeiert. Die aktuelle Ausstellung im Hamburger Bahnhof in Berlin arbeitet die Rezeption das erste Mal auf. Wir haben sie besucht und stellen uns die Frage: Muss oder kann man in solchen Fällen Werk und Autor*in trennen? Dieses Mal ist unsere Folge länger, weil politisch ;-)

Chantal Pattyn praat in deze podcast met kunstenaar Kati Heck, en verkent met Amaryllis Jacobs het werk van Studio Mumbai. Een tentoonstelling in Berlijn zet het imago van de expressionistische kunstenaar Emil Nolde op de helling.

Tredje - og siste - dag med live-podkast! Vi oppsummerer den tysk-norske literaturfestivalen. Dessuten får Ingrid endelig snakket om Emil Nolde og nazismen etter å ha sett en ny utstilling i Berlin.

If you want to know more about the art, artists, and movements we talked about in this episode, see the links below! A lot of them are to The Art Story, but other great resources are the official site of MoMA, and guggenheim.org.Emil Nolde, Die Brucke, German ExpressionismMan Ray, Dada, La Retour a la Raison (film)Alphonse Mucha, Art NouveauDonald Judd,This episode was a lot of fun to record, more than a little bit because when we were done, I felt like a real live adult. I felt like I knew something important; something more nuanced than the trash dunes of the pop culture wasteland. I felt like my shoes should be called "loafers," and suddenly longed for the smell of rich tobacco. I hope you all got at least a little of that.

Meet Monet protecting his peonies with straw, Caillebotte inspecting orchids in his hot-house, Liebermann planning his Wannsee rose-bower, and Matisse thumbing the latest seed catalogues, in this podcast by Clare A.P. Willsdon, Professor of the History of Western Art at the University of Glasgow. Image caption: video still of the dahlias in Emil Nolde's garden © Royal Academy of Arts

Exhibition curator Ann Dumas examines the different ways that artists ranging from Claude Monet to Henri Matisse painted the garden in the late 19th and early 20th centuries. Image caption: video still of the dahlias in Emil Nolde's garden © Royal Academy of Arts

This panel event explored the current state and future potential of contemporary urban gardening. Chaired by journalist and horticulturist Alys Fowler, the subversive and exciting work of guerrilla gardener and author Richard Reynolds, forager John Rensten and artist Wendy Shillam are brought to the table. Image caption: video still of the dahlias in Emil Nolde's garden © Royal Academy of Arts

Monet and his fellow artist-gardeners applied their artistic eye to the composition of their gardens, using nature’s palette of flowers and foliage to create horticultural works of art. In this event, we consider how the artistic principles behind the use of colour and composition can be applied to planting and landscaping to transform garden design, creating harmony or contrast, and evoking different moods and a sense of space. Garden designers Dan Pearson, Tom Stuart-Smith and Sarah Price, and artist Stephen Chambers RA explore how colour is used in modern garden design, in a panel discussion led by critic and historian Tim Richardson. Image caption: video still of the dahlias in Emil Nolde's garden © Royal Academy of Arts

Claude Monet’s artistic and horticultural achievement at Giverny was not unique. Other contemporary artists sought similar fusions between garden design and art. In this talk, MaryAnne Stevens touches upon artists’ gardens in Spain, Germany and Denmark, concluding with one in Norway which sought to provide artistic motifs as well as to fulfil economic, ecological and national ideals. Art historian and curator MaryAnne Stevens discusses the role that the gardens created by artists such as Sorolla, Liebermann, Tuxen and Astrup, played in their search for new modes of artistic expression. Image caption: video still of the dahlias in Emil Nolde's garden © Royal Academy of Arts

Par Angela Lampe, conservateur au musée national d’art moderne

Par Sylvain Amic, conservateur au musée Fabre, commissaire de l’exposition

Par Lionel Richard, écrivain et historien

Par Benoît Decron, conservateur en chef du musée de l’Abbaye Sainte-Croix

Par Nicolas Struve, comédien

Par Sylvain Amic, conservateur au musée Fabre, commissaire de l'exposition

Par Angela Lampe, conservateur au musée national d'art moderne

Par Nicolas Struve, comédien

Looking at the interaction between politics and creativity during the first half of the 20th century, Cornelia Feye, Athenaeum Music and Arts Library School of the Arts and Arts Education Director, will put into context works on view in The Human Beast. German art experienced an extraordinary surge of creativity in the years before World War I and throughout the Weimar Republic. In 1905 Ernst Ludwig Kirchner founded the expressionist movement Die Brücke together with like-minded artists in Dresden. In Munich Wassily Kandinsky started the Blaue Reiter with Paul Klee, Franz Marc and August Macke in 1911. Artists like Käthe Kollwitz, Emil Nolde, Max Beckmann and Otto Dix were associated with the movement. Several started to teach at the Bauhaus School and their influence grew beyond Germany - until the Nazi regime put an end to all avant-garde arts by declaring them "degenerate" and confiscating thousands of artworks in museums and private collections all over Germany. This lecture will look at the interaction between politics and creativity during this time period. Series ticket packages are available for the entire Friday Morning Lecture & Tour Series. To purchase a series package, please call our Box Office at 619-696-1947. Sponsored by The San Diego Museum Art Docent Council www.TheSanDiegoMuseumofArt.org Video produced by The Balboa Park Online Collaborative

"Desde el pasado 19 de enero y hasta el próximo 22 de abril se exhibe en la Fundación Juan March la exposición «De Caspar David Friedrich a Picasso. Obras maestras sobre papel del Museo Von der Heydt, de Wuppertal», que está integrada por una selección de 68 obras, entre acuarelas, dibujos y grabados, realizadas entre 1810 y 1951 por 32 destacados maestros de la vanguardia histórica europea, como Cézanne, Chagall, Degas, Dalí, Van Gogh, Kandinsky, Klee, Klimt, Monet, Picasso y Toulouse-Lautrec, entre otros.Se trata de una colección de obras que pertenecieron al gran coleccionista alemán Eduard Freiherr Von der Heydt, quien las donó al museo que lleva su nombre y se encuentra en la ciudad alemana de Wuppertal.Los 32 artistas representados en la muestra, todos ellos europeos, están considerados como «pioneros de la modernidad»; y entre ellos se encuentran nombres de la Historia del Arte que han determinado individual y colectivamente la evolución del dibujo contemporáneo. Sus obras, de una amplia variedad de técnicas y temas, pertenecen asimismo a diversas corrientes artísticas, como el romanticismo, el naturalismo, el realismo, el simbolismo, el puntillismo, el impresionismo, el cubismo, el expresionismo y la abstracción.De casi todos los autores representados en la muestra han ofrecido obra las exposiciones de la Fundación Juan March, doce de ellos con muestras monográficas. Edgar Degas está representado en esta ocasión con 6 obras; Paul Cézanne, Paul Klee, Emil Nolde y Georges Seurat con 5; Otto Dix y Pablo Picasso con 4; Kirchner, Chagall y Toulouse-Lautrec con 3; Heckel, Kandinsky y Rohlfs con 2; y los 19 restantes con una obra.Con fondos del Museo Von der Heydt, de Wuppertal, la Fundación Juan March exhibió en 1986, en su sede, una exposición de pinturas titulada «Obras maestras del Museo de Wuppertal: De Marées a Picasso», que ofreció 78 obras de 38 artistas. También con este museo la Fundación ofreció en Madrid, de octubre a diciembre de 1999, una exposición con 41 óleos del pintor alemán Lovis Corinth.La exposición fue inaugurada con una conferencia a cargo de Sabine Fehlemann, directora del Museo Von der Heydt, de Wuppertal, y autora de la introducción y los comentarios a cada autor, que recoge el catálogo."Más información de este acto

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