Podcasts about einzelausstellung

Zum ersten Mal wurden die wiederentdeckten Bildwerke des Kölner Fotografen Eugen Coubillier (1873-1947) in einer umfassenden Einzelausstellung gewürdigt. Denn Coubillier hat die fotografische Geschichte der Stadt maßgeblich mitgeprägt, er war ein höchst erfolgreicher Porträtist und Architekturfotograf. Zu seinen Kunden gehörte die Stadt Köln, Konrad Adenauer und auch viele Kölnerinnen und Kölner. In dieser Live-Podcastfolge machen wir anhand seiner Bilder einen Stadtspaziergang. Meine Gäste: Walter Filz (SWR) und Podcast Host von Akte 88 Helmut Frangenberg, KStA-Redakteur und Podcast Host von True Crime.Köln

Viele Gemälde des us-amerikanischen Künstlers Richard Pousette-Dart strahlen, als hätten sie eine eigene Lichtquelle in sich verborgen. Er malte kraftvolle Farbräume, die aus tausenden kleinen, bunten Punkten bestehen. Aber Richard Pousette-Dart hat auch in Schwarz-Weiß gearbeitet und die Farben dabei so dick aufgetragen, dass die Gemälde wie Wandteppiche wirken. Richard Pousette-Dart gehörte zu den Pionieren des „Abstrakten Expressionismus“, der unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg in den USA entstand. Sein Werk ist vor allem durch seine tiefe Spiritualität geprägt. Das Museum Frieder Burda widmet dem 1992 verstorbenen Künstler die bislang größte Einzelausstellung in Europa.

(00:45) Premiere von «Countertime» am Opernhaus Zürich: Drei Choreografien, ein rebellischer Geist der 60er Jahre. Weitere Themen: (05:37) Der neue Papst gilt als unamerikanischster Kardinal unter den US-Amerikanern. (11:49) Sie war eine der wichtigsten Vermittlerinen afrikanischer Kunst in Europa. Die kamerunisch-schweizerische Künstlerin Koyo Kouoh. Nun ist sie gestorben. (15:48) «Wofür wir Töchter unsere Mütter brauchen» von Sarah Trentzsch ist wie ein Gespräch, das man zu lange aufgeschoben hat. Und nun endlich führt. (20:04) Eine Offenbarung: Doris Stauffers erste Einzelausstellung im Musée des Beaux-Arts.

Seit 2025 widmet sich Mona Claudine ausschließlich ihrer Kunst und präsentiert ihre Werke nun in ihrer ersten Einzelausstellung in der Galerie 11. In ihren Bildern erzählt Mona Claudine von nordischen Mythen und Kindheitserinnerungen. Archetypische Motive kombiniert sie auf der Leinwand auf ihre Art und erschafft so farbstarke Szenen, die sich nur teilweise einer allgemeingültigen Dechiffrierung öffnen.Es sind farbintensive poetische Bildwelten, die sich dem Betrachtenden zum Innenblick anbieten. Titel wie Meeting Fjälla oder From North to South, Tulikettus Dreams of Gozo entführen in die freien Räume verschütteter Anknüpfungen an Erzählungen und Erinnerungen unserer nordischen Ahnen. Mona Claudine (Jahrgang 1972) malte über viele Jahre neben ihrem Beruf als Augenärztin, fasste dann 2022 - beeinflusst durch den Verlust naher Künstlerfreunde - den Entschluss, die Malerei in den Mittelpunkt ihres Lebens zu stellen.

Imdahl, Georg www.deutschlandfunk.de, Kultur heute

(00:00:51) Eine Aktionswoche richtet den Blick auf sie. (00:05:31) Die Italienische Künstlerin Carol Rama ist eine Rebellin der Moderne: Das Kunstmuseum Bern widmet ihr eine Einzelausstellung. (00:09:57) Zum Tod von Peter Bichsel: Der Schriftsteller in SRF-Sendungen. (000:14:05) Ein Gespräch mit dem Bichsel-Experten Beat Mazenauer. (00:20:27) Wie würdigen die Schweizer Zeitungen den verstorbenen Schriftsteller Peter Bichsel? (00:23:59) Zitate von Peter Bichsel in einer Collage.

Herzlich willkommen in Folge 106 von Die Sucht zu SEHEN, dem Grisebach-Podcast. Alle zwei Wochen sprechen wir hier mit Menschen, die etwas in der Kunst - oder über sie - zu sagen haben. Heute zu Gast ist der Schweizer Künstler Tobias Spichtig. Er findet Inspiration in Musik, Film aber auch Mode, er macht Gemälde, Zeichnungen, Fotografien und ist unter anderem berühmt für seine Skulpturen, die er »Geister« nennt und die tatsächlich aussehen wie verlassene Körper. Letztes Jahr hatte er eine Einzelausstellung in der Kunsthalle Basel, dieser Tage zeigt er mehrere Arbeiten bei Grisebach Zürich; wir freuen uns sehr, dass er heute bei uns ist, um uns davon zu erzählen, herzlich willkommen!

„Ich habe Tischtennisbälle schon immer geliebt. Sie sind quasi ein Nichts, sie wiegen kaum etwas. Ich liebe das Geräusch, wenn man mit ihnen spielt.“ Die brasilianische Künstlerin hat zum Takt eines Tischtennismatches die „Ping-Poems“ kreiert. Lenora de Barros verwandelt Sprache und Klänge in Videotext-Gedichte, Sound-Installationen, Filme, Fotografien und Live-Performances. Sie ist aktuell eine der weltweit wichtigsten Vertreterinnen der sogenannten „Konkreten Poesie“. Der Badische Kunstverein widmet ihr jetzt die erste umfangreiche Einzelausstellung in Deutschland.

Probst, Carsten www.deutschlandfunk.de, Kultur heute

Was bewirkten "Junges Rheinland" und Mutter Ey 1924? Sie scharte die Maler des "Jungen Rheinland" um sich und zeigte 1921 die erste Einzelausstellung von Max Ernst. Otto Dix kam ihretwegen aus Dresden nach Düsseldorf und malte sie 1924. Von Michael Köhler.

Probst, Carsten www.deutschlandfunkkultur.de, Fazit

(00:00:37) Die Musik zum Hörspiel «Philip Maloney» kennt man – was ist neu an der Musik zur Serie? (00:04:57) Sandra Knecht erforscht Heimat und Identität in ihrer ersten grossen Einzelausstellung in Basel. (00:09:32) «Staubfrau» – eine sehenswerte Uraufführung über Gewalt gegen Frauen am Schauspielhaus Zürich. (00:13:44) Prix SwissPerform: die Schauspielpreise 2025 sind bekannt. (00:14:38) Der Wakkerpreis des Schweizer Heimatschutzes geht dieses Jahr an die Gemeinde Poschiavo. (00:15:41) Weimarer Klassik-Stiftung will Original-Manuskript von Goethes «Faust II» zeigen. (00:16:32) Mönch, Bestseller Autor und Coach: Anselm Grün wird 80.

Der koreanische Künstler Sung Hwan Kim ist ein Geschichtenerzähler. Er geht Mythen genauso nach wie Klatsch und Horror-Stories. Das ZKM zeigt nun eine große Einzelausstellung.

Schmitz, Rudolf www.deutschlandfunkkultur.de, Fazit

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KI in der Fotografie - Echt oder gefälscht? KI-generierte Bilder und Videos verbreiten sich immer mehr, die Erkennung wird dabei immer schwerer. Das in New York lebende Künstler_innenduo Andrea Orejarena (*1994) und Caleb Stein (*1994) begeben sich in die Tiefen sozialer Medien und sammeln systematisch Bilder, die in den USA zirkulieren und Verschwörungserzählungen unterfüttern. Auf einem Roadtrip durch amerikanische Bundesstaaten suchten sie diese vermeintlichen Schauplätze, sogenannte „Glitches“ (Störungen), in der Realität auf und fotografierten diese. Ihr Archiv enthält mittlerweile mehr als 2.000 Fotos und andere Bilder, die teils mit Augenzwinkern, teils mit paranoidem Blick, unser Verhältnis zur Wirklichkeit hinterfragen. Ein Teil davon ist in der Ausstellung TACTICS & MYTHOLOGIES im PHOXXI der Deichtorhallen Hamburg zu sehen, der ersten Einzelausstellung von Orejarena und Stein in Europa. In DAS IST KUNST spricht Jumoke Olusanmi mit Andrea Orejarena und Caleb Stein über Glitches, wie der Alltag in einer Marsstation aussieht und warum ihnen die Arbeit im Kollektiv besonders wichtig ist.

Vielhaber, Christiane www.deutschlandfunk.de, Kultur heute

Sie scharte die Maler des "Jungen Rheinland" um sich und zeigte 1921 die erste Einzelausstellung von Max Ernst. Otto Dix kam ihretwegen aus Dresden nach Düsseldorf und malte sie 1924. Zu diesem Kreis zählten auch Gert Wollheim, Walter Ophey, Karl Schwesig u.v.a. Der Grafiker Otto Pankok sagte: "Wir empfanden uns als Dynamit." Was für ein Aufbruch war das? Wie politisch, literarisch engagiert waren die Künstler des "Jungen Rheinland"? Wofür legten sie den Grundstein? Von Michael Köhler.

Kunst aus Beton. Anlässlich seiner ersten institutionellen Einzelausstellung in der Weserburg spricht Kurator Ingo Clauß mit dem Künstler Martin Reichmann (*1989 in Bremerhaven, lebt in Bremen). Im Mittelpunkt stehen ungeschliffene Betonskulpturen, die auf Kulturgüter verschiedener Epochen verweisen: Gebrochene Säulen, die nichts mehr tragen, abgeformte Objekte zwischen Alltagsfundstück, Antiken-Kitsch und künstlerischem Entwurf. Oder mit den Worten Reichmanns gesprochen: „ruinierte Relikte, lackierte Geschichte, kalzifizierte Gehirne.“ Für die Ausstellung verwandelte er den Projektraum kurzerhand zu einer Betongießerei und das Museum damit in eine Künstlerwerkstatt. Im Gespräch gibt Martin Reichmann Einblicke in seinen künstlerischen Prozess: Warum Beton der Werkstoff seiner Wahl ist, wie er ihn entdeckte und was er damit verbindet. Auch der Einfluss von Techno und Musikkultur auf seine Arbeiten wird thematisiert. Martin Reichmann studierte an der Muthesius Kunsthochschule in Kiel und der Hochschule für Künste Bremen, wo er 2022 seinen Abschluss als Meisterschüler bei Ingo Vetter absolvierte. 2022 wurde Reichmann der Karin Hollweg Preis verliehen, einer der höchstdotierten Förderpreise aller Kunsthochschulen in Deutschland. Für seine Ausstellung in der Weserburg „Hyper!ons Epiphysis“ sind neue Arbeiten entstanden. Sie ist bis zum 22. September 2024 in Bremen zu sehen. Zum Künstler: [http://martin-reichmann.de]( http://martin-reichmann.de) Zur Ausstellung in der Weserburg: [https://weserburg.de/ausstellung/martin-reichmann-hyperons-epiphysis/](https://weserburg.de/ausstellung/martin-reichmann-hyperons-epiphysis//) Mehr Infos zur Weserburg unter: [https://weserburg.de/](https://weserburg.de/) Fragen und Anregungen zum Podcast unter: info@weserburg.de

Rosa Hausleithner erzählt im Gespräch mit Sophie Thun von ihren Anfängen als Künstlerin, ihrer Zeit an der Akademie in der Bildhauerklasse von Bruno Gironcoli und wie sich ihre Arbeiten von ortspezifischen, skulptural-architektonischen Interventionen zu gemalten Raumkompositionen entwickelt haben. Diese Folge wurde am 7. Juni 2024 im Podcast-Studio der Secession aufgenommen. Rosa Hausleithners polychrome Bildräume formieren sich primär in ihren Gedanken. Als kleine, skizzenhafte Linienzeichnungen werden sie mit Blei- und Farbstiften auf Papier fixiert, um dann in Acryl auf Leinwand ausformuliert zu werden. Von der Bildhauerei kommend, baut die 1952 in Wien geborene Künstlerin mit ihren Gemälden fiktionale Farbräume, die sich den perspektivischen Regeln gezielt widersetzen. „Die Farbgebung, einmal opak, oftmals luzid, verstärkt und / oder verführt den Blick des Betrachtens, bis hin zur Imagination eines Kippeffekts. Dadurch entstehen im Zusammenspiel der verschiedenen Bildbausteine immer wieder neu definierte Standpunkte.“ (Rosa Hausleithner über ihre Arbeit anlässlich der Verleihung des 2020 von der Secession vergebenen Gmoser Preises). Rosa Hausleithner absolvierte 1984 ihr Bildhauereistudium bei Bruno Gironcoli an der Akademie der bildenden Künste in Wien und stellte u. a. in der Neuen Galerie Graz, im Künstlerhaus Salzburg, in der Secession, der Kunsthalle Krems und im Museum auf Abruf in Wien aus. Sie war im Vorstand der IG Bildende Kunst tätig und Beiratsmitglied des Kulturrat Österreich. Seit ist sie 1987 Mitglied der Secession. Sophie Thun (*1985, lebt und arbeitet in Wien) arbeitet vor allem mit Techniken der analogen Fotografie, ihren Räumen, Prozessen sowie Produktions- und Ausstellungsbedingungen. Aufgewachsen in Warschau, absolvierte Thun ihr Masterstudium an den Akademien der bildenden Künste in Wien und in Krakau. Thun ist seit 2021 im Vorstand der Secession, wo sie 2020 eine Einzelausstellung hatte; von 2023 bis 2025 ist sie Interims-Professorin der Klasse für Fotografie an der Kunstakademie Düsseldorf.   Secession Podcast: Artists ist eine Gesprächsreihe mit Mitgliedern der Secession. Das Dorotheum ist exklusiver Sponsor des Secession Podcasts.   Jingle: Hui Ye mit einem Ausschnitt aus Combat of dreams für Streichquartett und Zuspielung (2016, Christine Lavant Quartett) von Alexander J. Eberhard. Schnitt: Paul Macheck Produktion: Bettina Spörr, Jeanette Pacher Programmiert vom Vorstand der Secession

Voss, Charlotte www.deutschlandfunkkultur.de, Studio 9

Ghislaine Leung arbeitet anders, als es das Publikum vielleicht erwarten würde. Anstatt Kunstwerke zu fertigen und diese dann für Ausstellungen in der Welt herumzuschicken, verschickt sie Anweisungen für ihre Kunst, oder wie sie sie nennt: Scores. In ihrer EInzelausstellung in der Kunsthalle geht es ihr um "Commitments". von Mirco Kaempf

In unserer 40. Folge - unserer Folge zur Berlinale - sprechen Felix von Boehm und Charlotte Paulus mit der Leiterin der Sammlung Grafikdesign der Kunstbibliothek Christina Thomson über Filmplakate. Auch in dieser Folge steht zu Beginn unseres Podcasts ein Werk aus der Sammlung der Nationalgalerie im Fokus: Diesmal ist es das Werk „Untitled (Meine Leute sind besser als Ihre Leute)“ von Barbara Kruger aus dem Jahr 1994/2016. Dieses wurde 2023 von den FREUNDEN ermöglicht durch den Nachlass von Marianne Schmidt für die Sammlung der Nationalgalerie angekauft. Die US-amerikanische Künstlerin Barbara Kruger ist bekannt für ihre großformatigen Plakate und Installationen und war 2022 in einer großen Einzelausstellung in der Neuen Nationalgalerie zu sehen.

Das Kornhausforum in Bern zeigt die erste grosse Einzelausstellung des Lausanner Kunstkollektivs Fragmentin. Der Berner Schauspieldirektor Roger Vontobel inszeniert «Die unendliche Geschichte» von Michael Ende als generationenübergreifendes Familienstück. Das Kunstkollektiv Fragmentin aus Lausanne beschäftigt sich mit den Auswirkungen der Digitalisierung auf die Umwelt. In Installationen, Videos und netzbasierten Arbeiten gelingt es den drei jungen Kunstschaffenden, ihre Reflexionen in (an)sprechende Kunstwerke zu übersetzen. Seit zwei Jahren leitet der Regisseur Roger Vontobel die Schauspielsparte der Bühnen Bern. Nun inszeniert er das traditionelle Familienstück zur Weihnachtszeit. Das ist auch ein Statement für das Publikum der Zukunft. Was sind die Herausforderungen an das Theater in der Hauptstadt? Weitere Themen: - Mit Kunst über die Digitalisierung sprechen - Roger Vontobel zeigt «Die Unendliche Geschichte» in Bern

Er ist vielleicht nicht ganz so berühmt wie Picasso oder Matisse, aber seine Bilder haben die gleiche Kraft und den gleichen Wiedererkennungswert. Modigliani gehört zu den großen Vertretern der Klassischen Moderne, die im Paris des frühen 20. Jahrhunderts ihre Kunst schufen. Seine weiblichen Akte lösten bei seiner ersten Einzelausstellung einen handfesten Skandal mit Polizeieinsatz aus. Die Stuttgarter Staatsgalerie hofft und erwartet eine großen Publikumsandrang, bei der ersten Modigliani-Schau seit 15 Jahren in Deutschland. Marie-Christine Werner diskutiert mit Dr. Nathalie Lachmann – Kuratorin der Ausstellung in der Staatsgalerie Stuttgart; Prof. Dr. Markus Müller – Leiter des Kunstmuseums Pablo Picasso in Münster; Eva-Susanne Schweizer – Repräsentantin für Baden-Württemberg vom Auktionshaus Christie's

Georg Baselitz ist heute einer der erfolgreichsten deutschen Künstler. Seine erste Einzelausstellung ab dem 1.10.1963 wurde zun Skandal, die Staatsanwaltschaft schaltete sich ein. Von Thomas Mau.

(00:00:50 ) Marco Solari, der langjährige Präsident des Filmfestivals in Locarno gibt sein Amt ab. Nachfolgerin wird als erste Frau überhaupt die Roche-Erbin Maja Hoffmann. Filmredaktor Michael Sennhauser schätzt ein, was das für das Filmfestival bedeutet. (00:05:17) Die spanische Künstlerin Laia Abril setzt sich seit vielen Jahren mit feministischen Themen auseinander. Das Museum «Photo Elysee» in Lausanne zeigt nun ihre neuste Arbeit, in der es um die sogenannte Massenhysterie von Frauen geht. (00:09:58) Die polnische Künstlerin Monika Sosnowska deformiert architektonische Elemente wie Treppen, Gitter oder Stahlkonstruktionen und schafft daraus raumgreifende Skulpturen. Das Zentrum Paul Klee in Bern widmet der renommierten Künstlerin eine Einzelausstellung und fokussiert dabei auf ihren aufwändigen Arbeitsprozess. (00:14:17) Zu Kulturorte in der Schweiz, abseits der grossen Städte. Dahin nehmen wir sie mit auf unserer kulturellen Landpartie. Heute besuchen wir den Hüter eines grossen Schatzes. Der Literaturvermittler Martin Dreyfus hat in den letzten 50 Jahren eine der wohl grössten Privatbibliotheken der Schweiz zusammengetragen.

Noch bis zum 23. Juni sind in der Galerie Rapp in Wil die Gemälde von Anna Maier ausgestellt. Im Podcast-Gespräch sagt sie, wie viel sie von sich über die Bilder preisgibt und wie die frühe Konfrontation mit dem Tod ihr Leben geprägt hat. Der breiten Öffentlichkeit dürfte sie in erster Linie als TV- und Radiomoderatorin bekannt sein. Dabei ist Anna Maier äusserst vielseitig. So veröffentlichte sie zum Beispiel 2021 ihr erstes Buch «Sei du der Pilot deines Lebens» und arbeitet aktuell an einem Roman. Bereits ihr ganzes Leben ist die Kunst allerdings ein wichtiger Bestandteil. Noch heute schwärmt sie von Kindheitserinnerungen, die vor allem durch den Vater – ein Maler – geprägt sind. In der Küche habe eigentlich immer eine Staffelei mit einem unfertigen Bild gestanden und der Geschmack von Terpentinöl umhüllte die gesamte Wohnung. So überrascht es wenig, dass auch Anna Maier schon in jungen Jahren selber zum Pinsel griff. Ihre heutigen Werke zeichnen sich durch ihre Vielschichtigkeit aus – «Manche Bilder haben bis zu zehn einzelne Farbschichten» – und sollen damit das Leben widerspiegeln. Im Podcast-Gespräch erklärt Anna Maier, wie mit der Einzelausstellung in Wil der Schritt in die Galerie-Welt zustande gekommen ist und weshalb sie ganz bewusst bei einem Grossteil ihrer Werke auf ein rundes Format mit runden Rahmen setzt. Gerade diese Rahmen stellten anfangs übrigens eine grosse Herausforderung dar: zu komplex und zu teuer. Heute fertigt der Partner von Anna Maier diese in Dimensionen bis zu 1,70 Meter Durchmesser her. Das Gespräch dreht sich auch um den Umstand, dass Malen oftmals mit Leiden verbunden ist und um Perfektionismus und die Auswirkungen des frühen Tods der Mutter auf das eigene Leben.

Nein, es ist kein Zufall - Tatsächlich ist der Künstler Julius von Bismarck ein Nachfahre des ersten deutschen Reichskanzlers. In seiner heute eröffneten Einzelausstellung in der Berlinischen Galerie setzt er sich dabei erstmals explizit mit seinem Verhältnis zum bekannten Ahnen auseinander. Was dabei an eine kleine Falt-Giraffe erinnert und um welche Themen es noch im neuen Monopol-Magazin geht, das verrät euch Chefredakteurin Elke Buhr. Moderation: Til Schäbitz detektor.fm/was-wichtig-wird Podcast: detektor.fm/feeds/was-wichtig-wird Apple Podcasts: itun.es/de/9cztbb.c Google Podcasts: goo.gl/cmJioL Spotify: open.spotify.com/show/0UnRK019ItaDoWBQdCaLOt

Das Wiener mumok zeigt derzeit die erste umfassende Einzelausstellung des amerikanischen Konzeptkünstlers Adam Pendleton in Europa. Hierzulande noch weniger bekannt, zählt Pendleton zu den Stars der zeitgenössischen amerikanischen Kunstszene. In seinen Arbeiten wechselt und verbindet er die Medien Malerei, Collage, Skulptur, Video und Performance und setzt sich mit Themen wie Identität, Sprache und Rassismus auseinander. Mithilfe der Kuratorin der Ausstellung, Marianne Dobner, taucht Alexander Giese in dieser Folge von „Ausgesprochen Kunst“ in Pendletons Welt ein. Besonders die Videoporträts und der Perfektionismus in der Gesamtgestaltung der Ausstellung haben es ihm angetan – eine klare Empfehlung! Die Ausstellung „Adam Pendleton. Blackness, White, and Light“ läuft noch bis zum 7. Jänner 2024. Kontakt: redaktion@gieseundschweiger.at; Website: https://www.gieseundschweiger.at/de/; Redaktion: Lara Bandion, Fabienne Pohl; Musik: Matthias Jakisic; Sprecherin: Sarah Scherer; Grafische Gestaltung: Studio Riebenbauer Zur Ausstellung: https://www.mumok.at/de/adam-pendleton-blackness-white-and-light

NEWS IN SIMPLE GERMAN - Nachrichten in einfachem DeutschEpisode 48 - Student isst Kunstwerk in Museum---In einem Museum in Südkorea kam es letzte Woche zu einem ungewöhnlichen Zwischenfall. Ein Kunststudent aus Seoul entfernte eine Banane von einem Kunstwerk und aß sie auf. Die Banane, die Teil eines ikonischen Kunstwerks des italienischen Künstlers Maurizio Cattelan war, war mit Klebeband an der Wand des Museums befestigt gewesen. Ein Sprecher des Museums sagte zu dem Vorfall: "Der Student hat gesagt, dass er die Banane gegessen hat, weil er hungrig war.""Es geschah sehr plötzlich, also wurden keine besonderen Maßnahmen ergriffen." "Der Künstler wurde über den Vorfall informiert, aber er hat nicht darauf reagiert."Das Kunstwerk mit dem Titel 'Comedian' wurde im Dezember 2019 für 120.000 US-Dollar verkauft und zu einem großen viralen Moment der Kunstwelt. Nachdem der Student die Frucht aufgegessen hatte, klebte er die Bananenschale wieder zurück an die Wand. Später wurde die Bananenschale dann vom Museum durch eine frische Banane ersetzt.Das fruchtige Kunstwerk ist Teil einer Einzelausstellung von Cattelan, die bis zum 16. Juli im Museum in Seoul läuft. Die Banane selbst wird regelmäßig alle zwei bis drei Tage ausgetauscht und ist nicht zum Verkauf bestimmt.Cattelan ist bekannt für satirische Werke, die oft Debatten um Kunst auslösen.Es war nicht das erste Mal, dass jemand dachte, dass das Bananen-Kunstwerk reif für die Ernte sei.Im Jahr 2019 schnappte sich der Performance-Künstler David Datuna die Banane und verzehrte sie vor den Augen der verblüfften Zuschauer.Datuna sagte damals zu seiner Aktion, die er als Kunstperformance bezeichnete: "Ich liebe diese Installation wirklich. Sie ist sehr lecker."Ein weiteres bekanntes Kunstwerk von Cattelan ist eine massiv vergoldete Toilette namens "America", die etwa 6 Millionen US-Dollar wert ist. Die Toilette wurde im Jahr 2019 in England aus einer Ausstellung gestohlen und nie wiedergefunden.---Ich hoffe, diese Folge hat Euch gefallen und würde mich freuen wenn Ihr diesen Podcast abonniert.Ich wünsche Euch einen angenehmen Tag und haltet die Ohren steif!Bye Bye!---https://www.instagram.com/simple_german_network/

Zum 70. Geburtstag von Rosemarie Trockel widmet ihr das Frankfurter Museum für Moderne Kunst eine große Einzelausstellung. Sie zeige, dass in Trockels Werk hochaktuelle Diskurse früh verhandelt wurden, sagt die Kunstkritikerin Laura Helena Wurth. Wurth, Laura Helenawww.deutschlandfunkkultur.de, FazitDirekter Link zur Audiodatei

Sandra Mujinga hat den Preis der Nationalgalerie erhalten. Zu der Auszeichnung gehört die Ausrichtung einer Einzelausstellung. In "I Build My Skin With Rocks" im Hamburger Bahnhof zeigt die Künstlerin mysteriöse Wesen auf riesigen Bildschirmen.Von Simone Reberwww.deutschlandfunkkultur.de, FazitDirekter Link zur Audiodatei

SZ: Erst am vergangenen Wochenenende hat Luka Jana Berchtold ihre erste große Einzelausstellung im Lustenauer DOCK 20 abgebaut, nun wurde die 32 jährige Künstlerin als neue Kuratorin der Bludenzer Galerie allerArt vorgestellt. Wir haben die gebürtige Bregenzerwälderin ins Studio eingeladen. (Carina Jielg) "Über die Grenze", heißt ein interdisziplinäres Kultur und Tourismusprojekt zum Thema Flucht - heute hören Sie die Fluchtgeschichte des Schlagerkomponisten Willi Geber (Jasmin Ölz-Barnay) Zudem haben wir eine aktuelle Stellungnahme von Winfried Nußbaummüller, dem LEiter des Kulturamtes zum Thema Finanznot am Landestheater (Ingrid Bertel)

Götzke, Manfredwww.deutschlandfunkkultur.de, FazitDirekter Link zur Audiodatei

Gottfried Helnwein Der international renommierte Künstler Gottfried Helnwein arbeitet derzeit an neuen Bildern für seine große Einzelausstellung in der Albertina im Herbst des kommenden Jahres. Schon jetzt gibt es bei uns: Überbackene Melanzani.

Die bisher größte Einzelausstellung des amerikanischen Videokünstlers John Sanborn zeigt das ZKM in Karlsruhe. Sanborn benutzt zwar die neueste Technologie, setzt sie formal jedoch so streng ein, dass man sich in einer Galerie Alter Meister wähnt.Von Rudolf Schmitzwww.deutschlandfunkkultur.de, FazitDirekter Link zur Audiodatei

Anlässlich ihrer großen Einzelausstellung in der Weserburg spricht Direktorin Janneke de Vries mit Silvia Bächli (*1956 in Baden, lebt in Basel). Die Schweizer Künstlerin gilt als eine der wichtigsten zeichnerischen Positionen ihrer Generation. Seit 40 Jahren bereichern ihre Arbeiten in Tusche, Kohle, Pastellkreide oder Gouache die älteste Gattung der Bildenden Kunst mit neuen und unerwarteten Impulsen. Im Gespräch gibt Silvia Bächli faszinierende Einblicke in den künstlerischen Prozess: Wie entstehen ihre Zeichnungen? Welche Impulse sind wichtig? Wie reagiert sie auf die Räume, in denen sie ausstellt? Neben dem zeichnerischen Werk geht es dabei auch um eine neuere Gruppe kleinformatiger Skulpturen, die ebenfalls in der Ausstellung in Bremen zu sehen ist und das Werk auf besondere Weise ergänzt und fortführt. Silvia Bächli ist in bedeutenden öffentlichen Sammlungen vertreten, darunter befinden sich Arbeiten im Kunstmuseum Basel, im Centre Georges Pompidou in Paris oder auch im New Yorker MoMA, um nur einige wenige Sammlungen hervorzuheben. Neben den zahlreichen internationalen Einzel- und Gruppenausstellungen hat die Künstlerin 2009 die Schweiz auf der Biennale in Venedig vertreten. Sie war darüber hinaus 24 Jahre lang Professorin an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. Der Podcast wird gefördert durch die VGH-Stiftung. Zur Künstlerin: [https://www.silviabaechli.ch]( https://www.silviabaechli.ch) Zur Ausstellung in der Weserburg: [http://www.officeforart.org/about-us/] http://www.officeforart.org/about-us/) Mehr Infos zur Weserburg unter: [https://weserburg.de/](https://weserburg.de/) Fragen und Anregungen zum Podcast unter: info@weserburg.de

Ayumi Paul wurde in Gießen geboren, als Tochter eines Deutschen und einer Japanerin. Die drückten der Fünfjährigen eine Geige in die Hand, was den späteren Berufsweg von Ayumi besiegelte; jedenfalls machte sie zunächst erfolgreich Karriere als Violinistin und Komponistin. Bis sie irgendwann merkte: Das war noch nicht alles. Ayumi begann sich mehr und mehr der Bildenden Kunst zuzuwenden. Nach einem Stipendium an der Villa Massimo in Rom und einer Einzelausstellung in der Kunsthalle Osnabrück ist sie seit einigen Wochen Resident Artist im Berliner Gropius Bau, wo sie eine gesungene Skulptur realisiert. Was das heißt und wie zielstrebig man sein muss, um in gleich zwei kulturellen Disziplinen zu reüssieren, erzählt sie uns jetzt, in Folge 48 von Die Sucht zu SEHEN. Herzlich willkommen, Ayumi Paul!

Die von den zwei Kunsthistorikern Dr. Fritz Goldschmidt und Dr. Victor Wallerstein nach dem Ersten Weltkrieg gegründete und nach ihnen benannte Galerie am Schöneberger Ufer 36a eröffnete 1921 eine Abteilung für die Moderne. Und in ihr fand vom April bis zum Juni 1922 eine Ausstellung von Wassily Kandinsky statt. Sie begleitete sozusagen Kandinskys Rückkehr nach Deutschland. War er vor dem Krieg als Mitbegründer der Künstlergruppe „Blauer Reiter“ in München tätig, zog ihn die russische Revolution nach Moskau, wo er 1920 der Leiter des „Instituts für Künstlerische Kultur“ wurde. Als ihm klar wurde, dass die neuen Machthaber in Rußland weder der künstlerischen Freiheit allgemein, noch der abstrakten Malerei im Besonderen zugeneigt waren, kehrte er zurück und folgte im Juni 22 dem Ruf Walter Gropius‘, um am Bauhaus in Weimar zu unterrichten. Die Berliner Börsen-Zeitung veröffentlichte in ihrer Ausgabe vom 10. Mai eine Kritik der Einzelausstellung bei Goldschmidt-Wallerstein. So ganz kann sich der Rezensent nicht für die Abstraktion Kandinskys erwärmen, wie Paula Leu zu berichten weiß.

Im Aargauer Kunsthaus ist bis zum ersten Mai die Einzelausstellung von Manor Kunstpreisträger Dominic... The post K wie Kultur – Aargauer Kunsthaus: Dominic Michel appeared first on Kanal K.

Die zweite Ausgabe des neuen heliumTALK-Formats - einem offenen Gespräch zwischen Jörg Heikhaus (aka Alex Diamond, 54) und Melvin Heikhaus (24), zwischen Künstler und Galerist, zwischen Vater und Sohn. Wir reden über unsere Einschätzung der Bedeutung von Online-Verkäufen in der Kunst, über Platformen wie Artsy und Co und beurteilen das Ganze mal nach 2 Jahren Corona. Hat sich das Verhalten der Kunden verändert? Im zweiten Teil gibt es dann ein Interview mit Jens Rausch, der am Freitag den 8. April seine vierte Einzelausstellung bei heliumcowboy eröffnet. Es ist auch Melvin's erste Vernissage in diesem Jahr. Diesmal sassen wir nicht gemeinsam im Studio in Hamburg, sondern 150 km voneinander getrennt - Jörg war zur Aufnahme im Atelier auf dem Land und da dann auch noch in Quarantäne. Verrückte Zeiten.

Wie betrachten wir fotografische Bilder? Wie messen wir ihnen Bedeutung bei? Welche Funktionen erfüllen sie? Wie können sie künstlerisch genutzt werden? Seit über 20 Jahren beschäftigt sich Viktoria Binschtok mit digitaler Bildkultur. In verschiedenen Werkgruppen bringt sie analoge und digitale Bildwelten zusammen, kombiniert eigene Fotografien mit Fundstücken aus dem Internet. So auch für ihre Cluster-Serie, die seit 2014 entsteht. Dafür speist sie Fotos aus ihrem persönlichen Archiv in Online-Suchmaschinen ein. Den Algorithmen entsprechend werden ähnliche Bilder gefunden, die sie reinszeniert und anschließend zusammenstellt. Humorvolle Leichtigkeit und technischer Brillanz gehen hier Hand in Hand. Sie selbst sagt: „Man kann sich diesen Arbeiten auf vielseitige Weise annähern – assoziativ, ästhetisch, phänomenologisch, politisch oder bildtheoretisch.“ Viktoria Binschtok (geb. 1972 in Moskau, aufgewachsen in Minden/Westfalen) lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte künstlerische Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig und war Meisterschülerin bei Prof. Timm Rautert. Seit 2018 ist sie in den Sammlungspräsentationen der Weserburg mit verschiedenen Werken präsent – aktuell mit dem zweiteiligen Tableau Pasta Lady von 2020. Parallel ist eine Einzelausstellung im Oldenburger Kunstverein zu sehen (noch bis zum 24. April 2022), zu dem ein bilderreicher und lesenswerter Katalog entstanden ist. Der Podcast wird gefördert durch die VGH-Stiftung. Zum Werk der Künstlerin: [http://klemms-berlin.com/artists/viktoria-binschtok.html?overview](http://klemms-berlin.com/artists/viktoria-binschtok.html?overview) Zur Ausstellung im Oldenburger Kunstverein: [https://www.oldenburger-kunstverein.de/ausstellung/viktoria-binschtok/](https://www.oldenburger-kunstverein.de/ausstellung/viktoria-binschtok/) Mehr Infos zur Weserburg unter: [https://weserburg.de/](https://weserburg.de/) Anregungen und Fragen zum Podcast:

IV. Interview mit Helmut Friedel Anlässlich seines 90. Geburtstags im Jahr 1998 findet eine umfangreiche Einzelausstellung mit dem Titel Rupprecht Geiger Rot Gelb Blau in im Kunstbau der Städtischen Galerie im Lenbachhaus München um, im angegliederten Kunstbau statt. In der Begleitpublikation erscheint ein im Dezember 1997 mit dem Künstler durchgeführten Interview. Der renommierte Kunsthistoriker und damalige Direktor des Lenbachhauses Prof. Dr. Helmut Friedel bettet einige Antworten des Künstlers in seinen beachtenswerten Katalogbeitrag „Rupprecht Geiger zu Wort kommen lassen“ ein. Dazu zitiert er relevante Tagebuchpassagen aus denm Nachkriegstagebüchern bzw. dem Rotbuch sowie Zitate aus früheren Interviews. ⠀ Somit entsteht eine bedeutsame Zusammenfassung der wichtigsten Impulse und künstlerischen Ideen im Oeuvre Geigers. ⠀ ⠀ ⠀ Es lesen Wolfgang Urbanczik und Philipp Pill: Friedel, Helmut, Ausst. Kat. Rupprecht Geiger im Lenbachhaus München, Kunstbau des Lenbachhauses, Städtische Galerie, München, 1998, S.7-12

Wir erklären die Welt durch das Fenster, anstatt uns selber im Humus der Erde zu suhlen. Für Pedro Wirz ein NoGo: Für seine bisher grösste Einzelausstellung ist der Künstler in den Amazonas gereist und konzipiert nun die Räume der Kunsthalle als persönliche planetarische Standortbestimmung. Zu sehen in Environmental Hangover. von Mirco Kaempf

Für ihre erste grosse Einzelausstellung schafft Laura Mietrup eine handgemalte Umgebung für Objekte und Formen und eröffnet einen 40 Meter langen Interpretationsraum im Annex des Kunsthauses Baselland. von Mirco Kaempf

Einzelausstellung oder Gruppenausstellung? Was ist besser? Worauf sollte man bei der Planung achten? Und warum ich nicht "ohne Kamera" bin ... ;) MUSIK: VAST | Calvin Russell | Giant Rooks

Alexandra Bircken kam über das Modedesign zur Bildhauerei. Sie lehrt an der Akademie der Bildenden Künste in München. Das Museum Brandhorst widmet ihrem bildhauerischen Werk eine Einzelausstellung. Ein Beitrag von Tilman Urbach. Außerdem: KI.Robotik.Design - eine Ausstellung in der Pinkothek der Moderne / Architekt Alois Juraschek über die baulichen Herausforderungen im ländlichen Raum / und: Der Schauspieler Tom Schilling in der Serie "Ich und die anderen"

Stephen Burks ist Designer, Pädagoge und Reisender. Er studierte Architektur am Illinois Institute of Technology und Produktdesign am IIT's Institute of Design sowie an der Columbia University's Graduate School of Architecture. Nach Jahren des Reisens zwischen New York und Europa sowie Auslandsaufenthalten in Tokio und Mailand wurde Stephen um die Jahrtausendwende zum unabhängigen Designer, als der italienische Hersteller Cappellini erste Stücke in Produktion nahm. Heute ist er einer der anerkanntesten amerikanischen Industriedesigner seiner Generation. In Zusammenarbeit mit Non-Profit-Organisationen hat Stephen als Berater für Produktentwicklung in enger Zusammenarbeit mit Hunderten von Kunsthandwerkern in Australien, Kolumbien, der Dominikanischen Republik, Frankreich, Deutschland, Ghana, Haiti, Indien, Indonesien, Italien, Kenia, Mexiko, Peru, den Philippinen, Ruanda, Senegal, Spanien, Südafrika, den USA und Großbritannien gearbeitet. Er wurde von vielen der weltweit führenden Marken beauftragt, Kollektionen zu entwickeln, die Handarbeit als Innovationsstrategie einsetzen, darunter B&B Italia,), Boffi (Line, 2003), Bolon (Grasso Textiles, 2018), Calvin Klein, Cappellini (Cappellini Love, 2008), Estee Lauder (Missoni Profumi, 2006), Moroso (M'Afrique, 2009), Parachilna (Anwar, 2014, Babel, 2016), Roche Bobois (The Traveler, 2014, The Traveler Outdoor, 2016, Planete, 2018) und Swarovski. Stephens Arbeiten wurden international ausgestellt, darunter die Armory Show, Art Basel/Design Miami, Cooper-Hewitt National Design Museum, DX Design Exchange, Dwell On Design, Kotrijk, IMM Cologne, die International Contemporary Furniture Fair, MAD Museum of Art & Design (Stephen Burks, Are You A Hybrid, 2011), Philadelphia Art Museum, Neocon, Salone del Mobile, Hong Kong Shenzhen Biennale und die Stockholm Furniture Fair, sowie die erste Einzelausstellung von Produktdesign, die jemals im Studio Museum Harlem gezeigt wurde (Stephen Burks Man Made, 2011). Er wurde mit zahlreichen internationalen Preisen geehrt. Im Jahr 2019 wurde Stephen der erste Harvard Loeb Fellow aus dem Bereich Produktdesign, war Expert-In-Residence am Harvard Innovation Lab und lehrte als Designkritiker im Master of Design Engineering Programm an der Harvard Graduate School of Design. Im Herbst 2022 wird das Werk von Stephen Burks Man Made im High Museum of Art in Atlanta, Georgia, im Mittelpunkt einer Übersichtsausstellung zur Mitte seiner Karriere stehen.

Das alte Handwerk der Porzellanherstellung ins 21. Jahrhundert überführen, das ist Stefanie Herings Auftrag und Leidenschaft. Ihr puristisches Geschirr aus feinstem Biskuitporzellan besticht durch Form und Material. An die 600 Restaurants weltweit - und nicht wenige Sterneköche - servieren Speisen auf Herings Geschirr. Über eine Einzelausstellung im Berliner Haus am Waldsee kam die ausgebildete Keramikerin auf Einladung des Goethe Instituts nach Bangkok und arbeitete vor Ort in einer der besten Manufakturen der Welt.Sie ist auf der ganzen Welt unterwegs und hat ihre Basissstation in Berlin.

Petra Kleinherne came to Australia from Germany in 1981 and has lived and worked in Melbourne ever since. Painting is her calling and passion. A new solo exhibition of her works entitled “Farbräume” opens next week in the Jacob Hoerner Galleries in the Melbourne suburb of Carlton. - Petra Kleinherne kam 1981 von Deutschland nach Australien, und lebt und arbeitet seither in Melbourne. Ihre Berufung und Leidenschaft ist die Kunstmalerei. Eine neue Einzelausstellung ihrer Werke mit dem Titel „Farbräume“ eröffnet nächste Woche in den Jacob Hoerner Galleries im Melbourner Vorort Carlton.

Für ihre erste Einzelausstellung in Italien hat Jessika Khazrik nor the Society of False Witnesses ihre Arbeit umgestaltet und ihr die Form einer vielschichtigen, ferngesteuerten Installation gegeben, die ausschließlich von der Straße aus und damit trotz der aktuellen Schließungsmaßnahmen erfahrbar ist. Abeyance & Concurrence (Schwebe & Gleichzeitigkeit) entstand in Reaktion auf die gedehnte Zeitlichkeit der (post-)koronialen Gegenwart und entsorgten Vergangenheit angesichts der jüngsten kollektiven wie auch persönlichen Erfahrungen von Aufstand, Solidarität und Verhaftung der Künstlerin. Es handelt sich um einen Versuch, strukturellen Verwerfungen des internationalen Rechts den gewaltigen Ausbruch langsamer Gewalt und die gleichzeitige Suche nach transformativer Gerechtigkeit anhand von Akten kollektiver Störung entgegenzustellen. --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/saltobz/message

Hier mein Artikel erschienen im Evolve Magazin online über die Premiere von Marina Abramović an der Münchner Staatsoper im September 2020. Ursprünglich war die Weltpremiere für April 2020 geplant, und musste wie alles in der Kultur verschoben werden. Mein Interview mit Marina fand Mitte Dezember 2020 statt, somit ist mit next year i Gespräch 2021 gemeint, wo Marina Abramović als erste Frau seit 250 Jahren eine Einzelausstellung in der Royal Academy in London erhält. Diese große Ausstellung ist nun ein zweites Mal verschoben, nun in den Herbst 2023. https://www.royalacademy.org.uk/exhibition/marina-abramovicDas Marina Abramovic Institut https://mai.art/Die nächsten Vorstellungen von 7 death of Maria Callas werden in der Nationaloper in Athen stattfinden im JUNO 2021.https://www.nationalopera.gr/ In Deutschland gibt es einen weiteren Termin bei den Opernfestspielen in München am 26.Juli.https://www.staatsoper.de/stueckinfo/7-deaths-of-maria-callas/2021-07-26-19-00.htmlTemine für die Staatsoper in Berlin gibt es erst in 2022.Weitere Planungen in Florenz und Paris. ...............................................................................................................................................................................................Liebe, Tod und Erkenntnis von Ute Maria Lerner ©Wilfried Hösl„7 Deaths of Maria Callas” von Marina Abramović an der bayerischen StaatsoperUte Maria LernerLeider hätte ich nicht zur Premiere ihres neuen Opern-Projekts Anfang April nach München gekonnt, und so fragte ich Marina Abramović Mitte März, ob denn der Florenz-Termin im Juni noch stehen würde, woraufhin sie mir am27. März zurückschrieb: „Dear Uma, I am rehearsing in an empty theater in an empty city!“Ich weiß noch, dass mich in diesem Moment zum ersten Mal ein seltsames Gefühl durchzog, dass ich tief in meiner Magengrube spürte. Dann wissen wir alle, wie es weiterging: Lockdown. Auftritt: Coronavirus betritt die Weltbühne und legt kurzfristig die Welt lahm.Eine Meditation auf das Leben und das SterbenNun, ein halbes Jahr später, hat sie unter besonderen Umständen, sozusagen als erster Hoffnungsschimmer für unsere Opern und Theaterhäuser, stattgefunden, die Premiere. Eine denkwürdige Spielzeiteröffnung an der Staatsoper in München in mehrfacher Hinsicht. Und zudem Weltpremiere!Aber mal ehrlich, eine ganz normale Premiere im Spielplan eines Opernhauses, das würde doch auch nicht ganz zu Marina Abramović passen. Selbst der Hausherr Nikolaus Bachler sagt in einem Gespräch mit Abramović: „Manchmal glaube ich, ein Marina Abramović Projekt mit Callas und sieben Toden gäbe es unter normalen Umständen sowieso nicht.“ Marina lacht.Und die gewohnte Opernkost ist es ja auch nicht, sondern eine Mischung aus Performance, Gesang, Film und narrativen Elementen. Für mich persönlich ist es eine Meditation auf das Leben und das Sterben. Der Noch Hausherr Nikolas Bachler gehört augenscheinlich zu den Intendanten, die sich gerne auf neue, zeitgemäße Musiktheaterkonzepte einlassen.Normalerweise fasst die bayerische Staatsoper über 2000 Menschen, die Corona-Auflagen sahen nur 200 Besucher zur Premiere vor, aber einen Tag vor der Premiere hat man noch eine Sondergenehmigung bekommen und konnte noch einmal 300 Karten herausgeben, also 500 Besucher zur Premiere zulassen. Ein Pilotprojekt und Hoffnungsschimmer auf dem Weg zu hoffentlich wieder besseren Zeiten für Kunst und Kultur. Die 300 Karten waren sofort weg. Es folgten in München noch vier weitere Vorstellungen, dann soll das Projekt, wie ursprünglich geplant aber neu terminiert, nun 2021 auch nach Florenz, Berlin und Athen gehen.GrenzgängerinMarina Abramović hatte nun also am 01. September Premiere mit ihrem, wie sie sagt, seit 30 Jahren gehegten Wunsch, dieses Projekt zu Maria Callas zu realisieren. Es trägt den Titel „7 Deaths of Maria Callas“. Marina Abramović (73) ist die wohl bekannteste Performancekünstlerin der Welt, und eine der wenigen, die in diesem Alter noch aktiv auf dem internationalen Kunstmarkt präsent ist. Einem großen internationalen Publikum bekannt wurde sie 2010 mit ihrer drei Monate dauernden Performance im Museum of Modern Art (MOMA) in New York mit dem Titel: The Artist is Present.Eine, wie ich finde, großartige, transformative und spirituelle Arbeit. Die Menschen standen drei Monate jeden Tag Schlange, um sich der Künstlerin auf einem Stuhl gegenüberzusetzen und stumm in die Augen zu schauen. Genau genommen 721 Stunden, die Abramović auf dem Stuhl verbrachte. Jeder, der diese Übung aus Selbsterfahrungsgruppen kennt, weiß, welche Kraft darin liegt. Diese mentale und körperliche Kraft kann wohl nur jemand aufbringen, der in seiner Kunst immer bis an die physischen und mentalen Grenzen gegangen ist. In ihrer Arbeit hat sie sich mit ihrem Körper, den sie als ihr Werkzeug betrachtet, auch in extreme Gefahrenzonen begeben. Als Beispiele seien ihre Performance „Rhythm 0“ von 1974 oder „Rhythm 5“ genannt, wo sie in einem brennenden Stern lag, das Bewusstsein verlor und vom Publikum gerettet wurde. Eine Künstlerin wie sie hat natuerlich von Anfang an polarisiert, aber das liegt in der Natur derer, die immer wieder gewohntes Terrain verlassen.Durch Mauern gehenMein Interesse an Marina Abramović regte sich erst, als ich ihre im Jahre 2017 Autobiographie „Walking through Walls“ (Durch Mauern gehen) las. Ihre Transformation in die Heilung und das Umsetzen ins Künstlerische, das war es, was mich besonders an ihrer Arbeit und Biografie interessierte. Darüber hinaus ist ihr Leben, indem immer die Arbeit auch das Sternenzentrum bildete, sehr bewegt und in ihrer Konsequenz beeindruckend.An der Liebe wäre sie fast zerbrochen, die Liebeschmerzen führten sie auf eine tiefe Reise zu sich selbst und ihren Verletzungen, zu intensiven Reinigungsprozessen, zu Schamanen nach Brasilien und Klöstern in Indien. Auch daraus schöpfte sie Essentielles für ihre Arbeit. Ihre Abramović Methode, die seit vielen Jahren an ihrem Marina Abramović Institut (MAI) gelehrt wird, wird an junge Menschen und den Performance Nachwuchs weitergegeben. „Cleaning the House“ nennt sie diese Arbeitstools. 2017/18 tourte ihre Retrospektive, die den bezeichnenden Titel „THE CLEANER“ trug, durch sieben Hauptstädte in Europa. Nach 40 Jahren kehrte sie sogar in ihre Heimat Serbien, nach Belgrad zurück, und ihre Retrospektive dort bildete 2019 den krönenden Abschluss der Europatour. Von den Kulturvertretern ihres Heimatlandes bis dato eher gemieden, (ein klassisches Motiv vieler Künstlerbiographien) setzte sich dieses Mal die Premierministerin des Landes dafür ein, Marina Abramović zurück in ihre Heimat zu holen. Überhaupt hat die Ausnahmekünstlerin, die seit Beginn des neuen Jahrtausends in New York lebt, und in den folgenden Jahren den amerikanischen Kunstmarkt eroberte, in Europa immer einen Kontinent an ihrer Seite gehabt, der ihrer Arbeit seit Anbeginn ihrer Karriere eine konstante Plattform bot.Heute ist sie weltberühmt und eine hochbezahlte Künstlerin. Sie hat aber, wie mir scheint, die Bodenhaftung nicht verloren. Sie ist eine Kunstnomadin, die in ihrem Leben alle Kontinente bereist hat. In ihrer Biografie sagte sie einmal, ihre glücklichste Zeit war die, als sie in den späten siebziger Jahren mit ihrem damaligen Partner Ulay und der gemeinsamen Hündin Alba in einem umgebauten Bus vier Jahre durch die Welt reiste, fast ohne Geld. Eine besondere Zeit muss wohl auch ihr Aufenthalt mit ihrem Partner Ulay zu Beginn der achtziger Jahre bei den Aborigines im australischen Outback gewesen sein, wo sie Einblicke in deren spirituellen Kosmos erhielt, eine Erfahrung, die wohl nur ganz wenigen Fremden zuteilwird.Ulay lernte sie 1975 kennen, es war – beide sind am gleichen Tag geboren – eine Schicksalsbegegnung. Ihre Arbeits- und Liebesbeziehung hielt bis 1988 an, dann trennte sich das Paar spektakulär. Eigentlich hatten die beiden die Überquerung der Chinesischen Mauer geplant, ein Projekt, welches sie jahrelang vorbereitet hatten. Sie wollten sich auf der Chinesischen Mauer von den entgegengesetzten Enden entgegengehen, um dann zu heiraten. Es kam anders. Als sie sich nach drei Monaten Wanderung auf der Mitte des Weges trafen, besiegelte es das Ende ihrer Liebesbeziehung.Nach der Trennung von Ulay (Frank Uwe Laysiepen), der in diesem Jahr Anfang März verstarb, startete sie dann ab 1988 ihre Solo-Karriere. Und mal ehrlich, wer kann von sich behaupten, nicht nur über Mauern gegangen zu sein, sondern auch durch Mauern?Marina Abramović ist eine Suchende, aber auch eine Lehrende. In den neunziger Jahren lehrte sie bereits u.a an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig das Fach Performance Kunst. Im Jahre 1997 bekam sie den Goldenen Löwen der Biennale in Venedig für ihre Arbeit, eine vier Tage und sieben Stunden andauernde Performance, die den Schrecken des Balkan Krieges zeigte. In „Balkan Baroque“ schrubbte sie vier Tage lang blutige Knochen.Maria und MarinaBis heute sucht ihr kreativer Geist immer wieder nach Herausforderungen und wendet sich deshalb nun auch dem Opernprojekt über Maria Callas zu. Seit sie zum ersten Mal im Alter von 12 Jahren eine Aufnahme der Callas hörte, habe sie die Stimme und die Person der Callas fasziniert und begleitet. “I love Callas, since I saw her in the late fifties“, sagt Marina Abramović. Die Callas sei an gebrochenem Herzen gestorben, ist sich Abramović sicher, und sie selbst sei beinahe auch an gebrochenem Herzen zu Grunde gegangen. Die Callas hatte eine schwierige Mutterbeziehung, so wie sie. Maria Callas ist im Sternzeichen des Schützen geboren, Marina Abramović ebenfalls. Auch im Äußeren sehen sich die beiden Frauen, beide mit Charakternase, sogar ähnlich. Der große Unterschied sei der, sagt Abramović, dass die Callas es zuließ, dass ihr gebrochenes Herz auch ihre Arbeit zerstörte. Sie selbst hätte das nicht zugelassen. Wenn man ein solches Ausnahmetalent wie die Callas besitze, dann hätte man eine Verpflichtung der Welt gegenüber, es der Welt bereitzustellen.Auch scheint mir eines essenziell im Unterschied: Marina Abramović ist durch den schmerzlichen Prozess der Erkenntnis gegangen, dass die Fähigkeit, lieben zu können, immer mit der Selbstliebe beginnt. Hier liegt meiner Interpretation nach vielleicht auch der große Unterschied zwischen den beiden Ausnahmekünstlerinnen. Callas hat es zugelassen, dass die fehlende Selbstliebe ihr nicht die Kraft zur Verantwortung gegeben hat, die eine große Künstlerin für ihr Talent übernehmen muss.Marina Abramović ist heute eine faszinierende Erscheinung, oder anders formuliert, sie gehört zu den Frauen, die im Alter noch an Ausstrahlung gewinnen, weil sie es wohl geschafft haben, mit dem Kosmos im Einklang zu schwingen, und sich dem Essentiellen zuzuwenden. Dazu umgibt Marina Abramović sich gerne mit jüngeren Menschen. Ihr künstlerisches Team, aber auch ihre Partner sind eigentlich immer jünger gewesen. Mit jüngeren Menschen fühlt sie sich einfach wohler, wie sie sagt.Liebe zur KunstLiebe ist für uns alle ein Grundbedürfnis und gleichzeitig der meistmissbrauchte Begriff überhaupt. Das, was als Liebe bezeichnet wird, ist oft eher das genaue Gegenteil oder das Klammern von zwei Abhängigen aneinander, wie es kürzlich Prof. Hüther in einem Podcast-Gespräch mit mir beschrieb. Und gleichzeitig ist die Liebe das meistbehandelte Motiv in allen Kunstformen, und besonders in der Oper.Marina Abramović hat sich nun 7 Operntoden und auch Todesformen gewidmet, die aus “Liebe“ gestorben wurden. Die sieben Bühnentode werden in Filmen von der Künstlerin inszeniert und auf die große Leinwand projiziert. Einen achten, den echten Tod der Maria Callas an Herzversagen in ihrem Pariser Apartment, stellt sie dann live als Traumsequenz auf der Bühne dar. Diese Tode ist Maria Callas in ihren meistgesungenen Opern immer wieder gestorben. Wir sprechen über Norma, Othello, Lucia di Lammermoor, Tosca, Madame Butterfly, Traviata und Carmen. Die zweite Arie des Abends, Tosca, 2. Akt – „Vissi d`arte, Vissi d´amore“, Ich lebte für die Kunst, ich lebte für die Liebe –, könnte dann schon das Glaubensbekenntnis auch von Marina Abramović sein.Sie zeichnet sich für das Konzept und die Regie verantwortlich, ist aber auch von Anbeginn des Abends auf der Bühne anwesend. Bei diesem Projekt wird ihr ihre Arbeit mit dem Theaterregisseur Bob Wilson, mit dem sie bereits 2012 „The Life and Death of Marina Abramović“ auf die Bühne brachte, zugutekommen. Die Arbeit mit Wilson habe zudem ihre Sicht auf die Schauspielkunst verändert, wie sie sagt.Auch wieder an ihrer Seite, wie schon 2012, der US- amerikanische Schauspieler William Dafoe, der in sieben Filmsequenzen ihr Counterpart ist. Die Kostüme hat Burberry Designer Riccardo Tisci entworfen, Yoel Gamzou, der junge israelisch-amerikanische Dirigent gibt sein Debüt beim bayerischen Staatsorchester, die Musik stammt von Marko Nikodijević, sieben Opernsängerinnen singen jeweils eine Opernsequenz.Das TotenkleidDer Abend beginnt mit der Stimme von Abramović über Band: „Ich bin eine flackernde Flamme auf einer einzelnen Kerze …“Der Tod beschäftigt mich schon lange, sagt Marina Abramović. Das könnte wohl auch mit ihrer Großmutter zu tun haben, die ihr Totenkleid immer parat liegen hatte, schon in jungen Jahren, wie Abramović in ihrer Biografie schreibt. Eigentlich eine weise Vorkehrung der Großmutter, sind doch diese beiden Momente, wie der Mensch in die Welt eintritt, und wie er sie verlässt, die beiden wichtigsten Momente seiner Existenz. Selbstverständlich hat die Künstlerin für ihre letzte Performance bereits Vorkehrungen getroffen, und schon lange ein Skript für ihr eigenes Begräbnis geschrieben. So wünscht sie sich drei Begräbnisse an drei Orten, und niemand wisse dann, in welchen Sarg nun die echte Marina liege. Eigentlich klar, dass die Performance-Legende ihre Reise in eine neue Dimension auch mit einer Performance starten möchte.Georgia van der Rohe, die Tochter des weltbekannten Architekten Mies van der Rohe, schrieb einmal in ihrer Biografie: „Motivation, Entschlossenheit, Durchhaltevermögen waren meine Devise“. Ich erinnere mich noch, dass ich dem gut nachfühlen konnte, habe ich doch schon früh als Künstlerin selbst erfahren, dass diese Eigenschaften unabdingbar sind. Dies sind Eigenschaften, die ich Marina Abramović unbedingt zuordnen würde.Und man sieht es: Es lohnt sich, diese Eigenschaften als Künstlerin zu pflegen. „7 Deaths of Maria Callas“, ein Abend, an dem eine Diva einer Diva huldigt, und auch die spirituelle Erkenntnis transportiert, dass wir das Leben verlieren, wenn wir die Liebe verlieren. „It was a purification for me”, sagt sie nach ihrer Premiere, “all struggle came to an end and I can focus now on life again.“An ihren wichtigsten Läuterungsprozessen, so scheint es, hat Marina Abramović das Publikum immer teilhaben lassen, ja sie braucht das Publikum, wie sie sagt. Und: Breathe, breathe , breathe, breathe heißt es am Schluss, fast schon eine prophetische Aufforderung angesichts der Zeit, in der wir uns befinden, und erkennen dürfen, wie essentiell der Atem, der freie Atem für unser Leben ist. Leben, Liebe, Schmerzen, Tod und Atmen, es geht um Essentielles. Hoffen wir, dass Marina Abramović sich nun, geläutert, weitere große Lebensthemen vornimmt. Und ist nicht die Zeit genau JETZT, die beste Zeit, das Leben, die Liebe und die Kunst zu feiern? Seven Deaths of Maria Callas, nach der Uraufführung an der Staatsoper München Anfang September, 2021 geplant in Florenz, Berlin, Paris und Athen. Zum Projekt ist ebenfalls ein Bildband erschienen bei Damiani, Harcover, 175 Seiten, 55 Euro.———————————————————————————-

Peter Truschner. Romanautor, Fotograf und Kolumnist beim Perlentaucher. Zitate aus dem Gespräch: »Ich empfinde mich als Künstler und Blogger in einer Übergangsphase.« »Es gibt Leute, die wollen feste Bezahlung und gleichzeitig die Wildheit und Freiheit der Kunst leben. Das funktioniert nur ganz selten.« »Die Kunst ist eine harte Mutter, deswegen rennen auch so viele vor ihr davon. Sie verlangt sehr viel von einem. Meistens ist es eher mit einem Opfer verbunden, als mit einer Belohnung.« Peter Truschner wurde 1967 in Klagenfurt geboren und lebt seit 1998 in Berlin. Er studierte Philosophie und Medienwissenschaft. Sein erster Roman »Schlangenkind« erschien 2001, sein Roman »Die Träumer« wurde 2007 für den »Deutschen Buchpreis« nominiert und seine Stücke werden seit 2008 an deutschen Theatern aufgeführt. Seit 2009 arbeitet er mit der Kamera und war Artist in Residence in Istanbul, Sri Lanka und Mexiko. Seit 2011 ist er freier Dozent, u.a. an der UdK Berlin. 2016 erschien sein Fotobuch »Bangkok Struggle« bei Peperoni Books und das Museum Moderner Kunst in Klagenfurt zeigte die gleichnamige Einzelausstellung. Seit 2018 hat er das »Fotolot« des »Perlentaucher« zur meistgelesenen Onlinekolumne über künstlerische Fotografie im deutschsprachigen Raum gemacht. 2022 wird sein neuer Roman »Wie ein Messer« sowie der Text »Die Maske abgenommen«, ein Text zur komplexen Beziehung zwischen Künstler und Modell, erscheinen. http://www.peter-truschner.net/de/ Fotolot: https://www.perlentaucher.de/fotolot Aktueller Blog: https://www.perlentaucher.de/fotolot/ueber-andy-sewells-neues-fotobuch-known-and-strange-things-pass.html Instagram: https://www.instagram.com/peter.truschner/ Episoden-Cover-Gestaltung: Andy Scholz Episoden-Cover-Foto: Privat Idee, Produktion, Redaktion, Moderation: Andy Scholz http://fotografieneudenken.de/ https://www.instagram.com/fotografieneudenken/ Der Podcast ist eine Produktion von STUDIO ANDY SCHOLZ 2021. Der Initiator ist Andy Scholz, Jahrgang 1971, geboren in Varel am Jadebusen. Er studierte Philosophie und Medienwissenschaften in Düsseldorf, Kunst und Fotografie in Essen an der Folkwang Universität der Künste (ehemals Gesamthochschule Duisburg-Essen) u.a. bei Jörg Sasse und Bernhard Prinz. Andy Scholz ist freier Künstler, Autor sowie künstlerischer Leiter und Kurator vom FESTIVAL FOTOGRAFISCHER BILDER, das er gemeinsam mit Martin Rosner 2016 in Regensburg gründete. Seit 2012 hatte er verschiedene Lehraufträge u.a. Universität Regensburg, Fachhochschule Würzburg, North Dakota State University in Fargo (USA), Philipps-Universität Marburg, Ruhr Universität Bochum. Er lebt und arbeitet in Essen. https://festival-fotografischer-bilder.de/ http://fotografieneudenken.de/ https://www.instagram.com/fotografieneudenken/ http://andyscholz.com/ http://photography-now.com/exhibition/147186

Die erste Folge in der Reihe Talking Heads. Zu Gast ist Janneke de Vries, Direktorin der Weserburg Museum für moderne Kunst. Seit 2018 leitet sie das Museum in Bremen. Im Gespräch mit Kurator Ingo Clauß erzählt sie, wie sie den Übergang von einem Kunstverein in ein großes Haus erlebt hat. Es wird über die neue Programmatik, die Zusammenarbeit mit Sammler*innen und über ihre erste große Einzelausstellung mit Andrea Bowers gesprochen. Abschließend gibt es einen kurzen Ausblick auf das Programm 2021.

Autor: Gampert, Christian Sendung: Kultur heute Hören bis: 19.01.2038 04:14

Louise Bourgeois die erste Frau die im MoMa eine Einzelausstellung erhielt und davor lange von der Kunstwelt ignoriert wurde.

Wankender Boden, unsicherer Grund - die Beziehung zwischen Mensch, Land, Natur-Ressourcen ist das Thema von "There's No Such Thing as Solid Ground", einer Einzelausstellung der nigerianisch-niederländischen Künstlerin Otobong Nkanga im Berliner Gropius Bau. Dort, in house, war Nkanga zuvor ein Jahr lang Artist in Residence. - Antje Bonhage berichtet.

Die Grafikdesignerin Anette Lenz zählt zu den einflussreichsten Gestaltern und Gestalterinnen der Gegenwart. Das Museum für Angewandte Kunst in Frankfurt zeigt nun die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Deutschland. Anette Lenz verwandelt dabei die Museumsräume in begehbare grafische Welten.

Derzeit sind gleich in zwei Berner Ausstellungen Bilder von Pedä Siegrist zu sehen, der stadtbekannten Grafikerin und Künstlerin. Zum einen hat sie ein Poster zur Ausstellung Buchbilder in der Buchhandlung Stauffacher beigesteuert, zum anderen widmet das Kulturlokal ONO ihr und ihren Acrylbildern derzeit eine Einzelausstellung. Wer sich ab und zu im Berner Bermudadreieck aufhält – ... >

Barfuss durch Sand und zeitgenössische Kunst... - der Gropius Bau ist wieder auf und zeigt die Einzelausstellung des US-taiwanesischen Künstlers Lee Mingwei. Eine Schau mit Performances und Installationen aus drei Jahrzehnten, in der es um Rituale des Schenkens und Beschenktwerdens geht. - Andrea Handels hat die Ausstellung besucht.

Tim Bengel, Künstler, hat mehr als 1/2 Milliarde YouTube views und ist vor allem bekannt für seine einzigartigen schwarz, goldenen Sandbilder. In unserem Gespräch erzählt Tim mir was auf seinem Weg von einer nicht beendeten Ausbildung über zwei abgebrochene Studiengänge bis hin zu einer erfolgreichen Einzelausstellung in New York alles passiert ist. Wir sprechen über Geld, Erfolg und Glück. Besonders interessiert hat mich aber warum er mitten in Berlin einen Friedhof gebaut hat und wie es kommt, dass der Tod ihn im Leben am stärksten motiviert. Ich fand es wahnsinnig spannend wie tief das Gespräch sich entwickelt hat und bin mir sicher, dass Tim’s Denkanstoß was einmal auf dem eigenen Grabstein stehen soll wichtig für jeden ist. Tim: https://www.instagram.com/timbengel/ Nono Konopka: https://www.instagram.com/nonokonopka Anmelden zur wöchentlichen TOP4 Tipps & Tricks Mail zu jeder Folge über: https://nonokonopka.com Foto: Constantin Schiller Musik: Amadeus Indezki

Artfreaks...wir sind zurück mit der 19. Folge von unserem Podcast. Diesmal geht es um die große und fantastische Einzelausstellung von Paule Hammer im MdbK Leipzig, um den Motherfucker Klaus Kinski und um die tollen Vorteile von Narzissmus.

Jürgen und das Model Laura waren auf der Einzelausstellung von Yens Franke in München und führten Interviews.

Der Multimediakünstler Lawrence Lek zeigt eine Einzelausstellung im HeK, die die Besucher in eine Welt der Zukunft verführt.

Die portugisische Künstlerin Joana Vasconcelos hat ihre erste Einzelausstellung in Deutschland. Ihre Kunst ist femministisch, bunt und spielt mit Alltagsgegenständen. Die überdimensionalen Skulpturen und Rauminstallationen versprühen nicht selten einen gewissen Humor. Was das alles mit Tampons und "urban knitting" zu tun hat?- Hört rein! Die Ausstellung, die Ines besucht hat: https://maxernstmuseum.lvr.de/de/ausstellungen/aktuell/aktuell.html

“Downtown Denise Scott Brown” ist die erste umfassende Einzelausstellung, die das Architekturzentrum Wien der Architektin und Stadtplanerin Denise Scott Brown widmet. Ein Ausstellungsportrait von CastYourArt.

Barbara Lüdde ist eine junge Künstlerin, über deren Arbeit Jörg im Verlauf des letzten Jahres immer wieder gestolpert ist. Zuletzt hat sie ein Buch gemacht, das heisst „Our Piece Of Punk". Gemeinsam mit Ihrer Mitherausgeberin Judit Vetter hat sie darin - wie es im Untertitel zum Buch heisst - „Einen queer_feministischen Blick auf den Kuchen“, also die Punk-Szene, geworfen. Das Buch haben die beiden mittels Cowdfunding finanziert, es ist 170 Seiten stark, zweisprachig in deutsch und englisch und enthält - Zitat - „Zeichnungen, Comics, Textbeiträge, Diskussionen und Liebeserklärungen über die Möglichkeiten und Grenzen von Queer_Feminismus im Punk“. Zur Zeit sind die beiden Zeichnerinnen viel unterwegs und machen Lesungen zum Buch. Daneben hat Barbara in diesem Jahr aber auch noch eine vielbeachtete Einzelausstellung in der Âme Nue Galerie in Hamburg gezeigt und bei einigen Gruppenausstellungen mitgemacht. Ihr Stil ist wirklich ganz besonders und fusst in den amerikanischen Urspüngen von Alternative Comics und den Plattencovern und Flyern der Punkbands der 80er. Barbara und Jörg quatschen also über die Kunst und den Punk und ihr Austausch ist natürlich auch ein bisschen generationsübergreifend, wenn man das so sagen will, denn die beiden trennen durchaus ein paar Jährchen. Inhaltlich spannend wird es dadurch für beide ...

In der Hamburger Kunstszene kennen ihn vermutlich die meisten. Ein riesiges und unübersehbares Wandbild von Björn befindet sich an der Nordseite des Millerntorstadions. Im letzten Jahr hatte er eine richtig große Einzelausstellung in der Affenfaust Galerie, die, so kann man es wohl sagen, ordentlich Wellen schlug, und erst vor kurzem reiste er im Namen von Viva con Agua nach Los Angeles, wo er nicht nur für den guten Zweck Wände bemalte, sondern auch in einer Ausstellung seine Kunst zeigen konnte. Seine Kunst - das sind vor allem Zeichnungen, Malerei, Installationen und Skulpturen. Mit Comic und Graffiti hat wohl alles mal angefangen, aber auch wenn ich jetzt schon 2 mal seine Wandmalereien erwähnt habe, so ist sein künstlerisches Werk inzwischen doch eher in Galerien statt im öffenltichen Raum zu finden.

Als Anne Käthi Wehrli – kurz AKW – im zarten Alter von 17 Jahren einer Restaurant-Empfehlung im Züri Tipp folgt, bringt das scharfe tamilische Essen den AKW-Stein ins Rollen. Noch am selben Abend beginnen sie und ihre Freunde, ihr erstes Zine zu produzieren. In den USA lernt sie «Teenfag» kennen und wird Teil einer damals noch analog vernetzten Gemeinschaft von Zineproduzentinnen. In der achten Episode von «Alles Blau» Podcast spannt Wehrli den Bogen von damals bis heute, und Satz für Satz erschliesst sich, wie die Kernfusion zwischen Kunst und Pharmazie stattfinden konnte, die ihre irrwitzigen Performances, Texte und Zeichnungen erzeugt. AKW ist Mitglied von PANCH http://www.panch.li/lupe-zuerich/category/team/, kollaboriert mit «Corner College» http://www.corner-college.com/Kollaborateure/518, hat eine Einzelausstellung im Kunstraum «Les Complices» eingerichtet http://www.lescomplices.ch/recollect/1-x-medium-bitte/, und empfiehlt einen Besuch bei «Bildwechsel» in Hamburg: http://www.bildwechsel.org

Monika Stalder makes showrooms great again. Nach ihrer Einzelausstellung im CAN von Februar bis März 2017 („Gallery Non Gallery“) stellt die aus dem Emmental stammende Künstlerin in den kommenden Monaten im Kunstmuseum Bern, im Zürcher Schaufenster-Museum „Die Diele“ und im Projektraum „EIS, ZWOI, DRÜ“ - ebenfalls in Zürich - aus. Am Karfreitag führten wir ein ausführliches Gespräch über ihre Herkunft, über das Sich-als-Aussenseiter-fühlen, und natürlich über ihre Arbeit. www.monikastalder.ch

Themen: Zwei Sammlungen, „Atoms for Peace“, verkappte Einzelausstellung, Bilder neben Bildern, Briefmarken finden, Schmetterlingskästen und Zeichnungen, große Botschaften, Fotografien aus Papier, Bilder verknüpfen, Direktheit, Kunst- oder Dokumentarfilm, Ausstellung als Film, „On Climate“, Bedeutungen von Technik, personifizierte Katastrophen, Bildwelten der Moderne, schöne Briefmarken, „Sie befinden sich in einer Ausstellung.“, „Ute Hoffritz – Weißer Wal“, symbolische Rache, Sontag, Mythen, Mullicans Wünschelruten, Kranichtherapie und Ernährung, Akzeleration oder Material, deep learned Macintosh woodcuts, Sichtbarkeiten Links: [1] www.lorisberlin.de/bilder_nina_wiesnagrotzki.html [2] www.wiesnagrrr.de [3] www.contemporaryartdaily.com/2016/04/on-climate-at-loris [4] www.nbk.org/artothek