Podcasts about bildwelten

Ines Berwings zweiter Gedichtband „zertanzte schuhe“ entfaltet vertrackte Bildwelten zwischen Kindheit und Mutterschaft, Angst und Zuversicht. Die Ästhetik des Films und die Logik des Traums spielen darin eine zentrale Rolle. Rezension von Beate Tröger

Ob „Vermeer – Meister des Lichts“ in Stuttgart, „Fabrique des Lumières“ in Amsterdam oder „Dark Matter“ in Berlin – seit einigen Jahren ist es ein wichtiger Trend in der Kunst: immersive Ausstellungen, Multimedia-Shows zum Eintauchen in Bildwelten. In seiner populärsten Form werden Klassiker der Kunstgeschichte dabei auf Wände, Böden und Decken des Ausstellungsraums projiziert und aufwendig animiert. Die Kunst sprengt den Rahmen und wird zum Erlebnisraum. Mit Erfolg: Immersive Roadshows touren um die Welt und werden millionenfach besucht. Kritiker monieren, es gehe nur um Instagram-taugliche Fotos und kaum um die echte Auseinandersetzung mit Kunst. Aber sind Projektionen nicht manchmal faszinierender als das Original? Was ist gute Kunsterfahrung in Zeiten der Digitalisierung? Norbert Lang diskutiert mit Prof. Dr. Lilian Haberer – Kunsthochschule für Medien, Köln; Mischa Kuball – Konzeptkünstler; Dr. Nepomuk Schessl – Kulturmanager, Geschäftsführer der Alegria Exhibition GmbH

Shadowily in different tongues - der Titel der neuen Ausstellung in der ifa-Galerie Stuttgart lässt sich mit: schattenhaft in vielen Zungen übersetzen. Die Ausgangsidee für die Ausstellung waren die Themen: Widerstand, Resilienz und Regeneration. Widerstand wächst oft im Geheimen. Die Werke von Künstler*innen bringen unterschiedliche Sprachen, Kulturen, Narrative und Bildwelten zusammen. Sie verbinden altes Wissen mit der Gegenwart und spekulieren über die Zukunft - wie können wir mit dem, was wir schon wussten gerechtere Wege für eine gemeinschaftliche Zukunft gestalten?

Seit 2025 widmet sich Mona Claudine ausschließlich ihrer Kunst und präsentiert ihre Werke nun in ihrer ersten Einzelausstellung in der Galerie 11. In ihren Bildern erzählt Mona Claudine von nordischen Mythen und Kindheitserinnerungen. Archetypische Motive kombiniert sie auf der Leinwand auf ihre Art und erschafft so farbstarke Szenen, die sich nur teilweise einer allgemeingültigen Dechiffrierung öffnen.Es sind farbintensive poetische Bildwelten, die sich dem Betrachtenden zum Innenblick anbieten. Titel wie Meeting Fjälla oder From North to South, Tulikettus Dreams of Gozo entführen in die freien Räume verschütteter Anknüpfungen an Erzählungen und Erinnerungen unserer nordischen Ahnen. Mona Claudine (Jahrgang 1972) malte über viele Jahre neben ihrem Beruf als Augenärztin, fasste dann 2022 - beeinflusst durch den Verlust naher Künstlerfreunde - den Entschluss, die Malerei in den Mittelpunkt ihres Lebens zu stellen.

Der ⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠Sponsor dieser Podcastepisode ist AC-Foto.com⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠, über⁠⁠⁠⁠ meinen Affiliatelink ⁠⁠⁠⁠bekommst du dein individuelles Angebot und während du sparst, unterstützt du meinen Podcast. Vielen Dank!⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠Hier gehts zu meinen Workshops⁠⁠⁠⁠In der heutigen Podcastepisode geht es zusammen mit Adrian Rohnfelder tief in den Bereich künstliche Intelligenz. Adrian kommt eigentlich aus der klassischen Reisefotografie, einige kennen Ihn als OM Visionary, also Olympus Ambassador. Seit einiger Zeit beschäftigt sich Adrian aber mehr mit der Erstellung künstlicher Bildwelten denn mit der Reisefotografie. Wo können wir als Fotografen KI Tools nutzen? welche KI Tools gibt es überhaupt am Markt zur Bildgenerierung? Was kann die KI bereits und wo muss sie sich noch weiterentwickeln? All das erfährst du in dieser Podcastepisode. Website Adrian Rohnfelder Workshops und Blog Adrian RohnfelderBuchempfehlung „Himmel und Hölle“ (Autor Dennis Oswald und Adrian Rohnfelder)MidjourneyIdeogramLeonardoKreaMagnificFreepik

Durchs Leben gezeichnet. Das schreibt Ernst Friedrich über sich selbst. Und wenn man das große Glück hat, in die Welt dieses faszinierenden Künstlers eintauchen zu können, versteht man, was er damit meint. Ohne Kompromiss, mit bedingungsloser Leidenschaft für das, was zu tun ist, schafft er Bildwelten, die ein Großes, Ganzes zu ergeben scheinen. Und doch können die einzelnen Bestandteile unterschiedlicher nicht sein. Unendlich scheint diese Welt zu sein, die uns Ernst Friedrich eröffnet. Und niemals abgeschlossen. Es ist der Mensch, der hier im Mittelpunkt steht und nicht das Werk. Hört Euch an, was er selbst dazu zu sagen hat... http://ernstfriedrich.at Kontakt: redaktion@gieseundschweiger.at; Website: https://www.gieseundschweiger.at/ ; Redaktion: Fabienne Lubczyk, Lara Bandion; Musik: Matthias Jakisic; Sprecherin: Sarah Scherer; Grafische Gestaltung: Studio Riebenbauer

Bilder sagen mehr als tausend Worte. Auch die unterschiedlichen Wirkungsweisen des Wortes Gottes werden in der Bibel durch verschiedene Bilder veranschaulicht. Einige dieser Bilder sind das Wort als Same, Wasser, Milch, Licht, Schwert, Spiegel, Feuer und Hammer. Welche geistliche Wirkung veranschaulichen sie und was bewirken diese Bildwelten in uns?

Die Malerin Susanne Kühn schafft leuchtend farbige Bildwelten voller Komplexität und subtilem Humor. Ihre Kompositionen von Landschaften, Figuren, Pflanzen und Gebäuden wimmeln von surrealen Einfällen und kunstgeschichtlichen Verweisen. „Das darf auch mal leicht kitschig sein, wie wir es aus der Werbung kennen“, sagt die Künstlerin, „ich möchte Bezüge zur Lebenswirklichkeit von heute herstellen.“

Die Malerin Susanne Kühn schafft leuchtend farbige Bildwelten voller Komplexität und subtilem Humor. Ihre Kompositionen von Landschaften, Figuren, Pflanzen und Gebäuden wimmeln von surrealen Einfällen und kunstgeschichtlichen Verweisen. „Das darf auch mal leicht kitschig sein, wie wir es aus der Werbung kennen“, sagt die Künstlerin, „ich möchte Bezüge zur Lebenswirklichkeit von heute herstellen.“

Der Maler Armin Boehm malt große Gesellschaftsallegorien in giftigen Farben, benutzt dabei popkulturelle Codes, um unsere Zeit einzufangen. Oft werden seine Bildwelten mit denen von Otto Dix oder George Grosz vor hundert Jahren verglichen. Von Thorsten Jantschek www.deutschlandfunkkultur.de, Feature

Spieglein, Spieglein an der Wand, wer ist die Schönste im ganzen Land? Diese Frage treibt nicht nur böse Königinnen in alten Märchen um, sie durchzieht die Gesellschaft auch heute auf allen Ebenen. Aus digitalen Bildwelten auf Instagram, den Blicken an der Bushaltestelle oder unserem eigenen Spiegelbild springt sie uns entgegen. Wir selbst stellen aus dem Bedürfnis nach Liebe und in unserem Begehren immer wieder die Frage: Wer oder was ist eigentlich schön? Und wie kommt es überhaupt dazu, dass es vermeintlich allgemeingültige und sich doch ständig wandelnde Schönheitsideale gibt, gerade wenn sie oft auch Gefühle von Minderwertigkeit und Wut produzieren? Zur Debatte versammelt die schwedische Comiczeichnerin Liv Strömquist in ihrer Graphic Novel nicht nur Theorien einer jahrhundertealten Kulturgeschichte der Schönheit, auch Ikonen aus Kunst und Internetkultur treten darin auf. In einem rasant komischen Gedankentrip entspinnen sich Verbindungen von Kylie Jenners Lippen auf Social Media zu den Augen Leas im alten Testament, von Kim Kardashians Selfie zu unserem eigenen Selbstbild. Der Spiegelsaal wird zum multiperspektivischen Reflexionsraum über Prägung und Patriarchat, Egozentrik und Empowerment. Die Comics der Autorin und Politikwissenschaftlerin Liv Strömquist begeistern durch ihren Mix aus Philosophie und Popkultur. Als SchauSpielRaum-Produktion mit Spieler*innen zwischen 14 und 21 Jahren bringt das künstlerische Team um Regisseurin Meera Theunert diese Gedankenwelt für junge Menschen auf die Große Bühne, um dem Publikum hier, im wahrsten Sinne des Wortes, den Spiegel vorzuhalten. Ermöglicht durch die ZEIT STIFTUNG BUCERIUS Foto: Sinje Hasheider

Der Maler Armin Boehm malt große Gesellschaftsallegorien in giftigen Farben, benutzt dabei popkulturelle Codes, um unsere Zeit einzufangen. Oft werden seine Bildwelten mit denen von Otto Dix oder George Grosz vor hundert Jahren verglichen. Von Thorsten Jantschek www.deutschlandfunkkultur.de, Feature

Der Maler Armin Boehm malt große Gesellschaftsallegorien in giftigen Farben, benutzt dabei popkulturelle Codes, um unsere Zeit einzufangen. Oft werden seine Bildwelten mit denen von Otto Dix oder George Grosz vor hundert Jahren verglichen. Von Thorsten Jantschek www.deutschlandfunkkultur.de, Feature

Dieser sogenannte Kultfilm hat es auf einige Bestenlisten geschafft, dabei ist „Fear and Loathing in Las Vegas“ ein unendlich langweiliger und dummer Film. Terry Gilliam, der durchaus wichtige Filme gedreht hat, präsentiert ein wohlfeiles Wirrwarr von Rauschzuständen, die weder lustig noch originell noch ästhetisch ansprechend sind. Benicio del Toro und Johnny Depp irren durch Las Vegas und freuen sich so sehr darüber, völlig durchgeknallte Typen zu spielen, dass sie darüber vergessen, das Publikum zu unterhalten. In Wahrheit reproduzieren die Schauspieler nur Klischees. Mitunter kommt die Story, die auf dem gleichnamigen Buch von Hunter S. Thompson beruht, selbst bei Anhängern des Films schlecht weg, während die Ästhetik überschwänglich gelobt wird. Das ist nicht nachvollziehbar, da Gilliam hier nur abgeschmackte Bildwelten recycelt. Auch die politische Botschaft verharrt im belanglosen Ungefähren. Wir sollten diesen Film hassen. Mehr dazu von Wolfgang M. Schmitt in DIE FILMANALYSE!     Werbung: Das Best-Of von DIE FILMANALYSE als Buch. Mit einem Vorwort von Dominik Graf. Affiliate-Link: https://amzn.to/3NCkVHB Unser Kinderbuch „Die kleinen Holzdiebe und das Rätsel des Juggernaut“ ist erschienen! Affiliate-Link: https://amzn.to/47h1LQI Die Anthologie SELBST SCHULD! ist jetzt erschienen. Affiliate-Link: https://amzn.to/47qau3a Sie können DIE FILMANALYSE finanziell unterstützen – vielen Dank! Wolfgang M. Schmitt Betreff: DIE FILMANALYSE IBAN: DE29 5745 0120 0130 7858 43 BIC: MALADE51NWD PayPal: http://www.paypal.me/filmanalyse Patreon: https://www.patreon.com/wolfgangmschmitt Wolfgang M. Schmitt auf Twitter: https://twitter.com/SchmittJunior Wolfgang M. Schmitt auf Facebook: https://www.facebook.com/wolfgangm.schmittjun/ Wolfgang M. Schmitt auf Instagram: https://www.instagram.com/wolfgangmschmitt/ Produziert von FatboyFilm: https://www.fatboyfilm.de/ https://www.facebook.com/fatboyfilm/ https://www.instagram.com/fatboyfilm/

Als er nicht mehr malen durfte, dichtete er: Fritz Ascher wurde als Maler verfemt und als Jude verfolgt. Selbst im Keller-Versteck fand er einen Weg, sich künstlerisch auszudrücken. Das Haus der Graphischen Sammlung im Freiburger Augustinermuseum widmet dem Berliner Expressionisten in Kooperation mit der Fritz Ascher Society in New York eine Ausstellung.

Als Moderatorin einer politischen Talkshow im Ersten weiß Sandra Maischberger genau, was die Menschen aktuell bewegt und beschäftigt. Auch als Filmproduzentin ist die Wahl-Berlinerin äußerst engagiert. Bei den Internationalen Filmfestspielen von Venedig stellte sie ihr jüngstes Werk vor: Einen Dokumentarfilm über das Leben und Wirken der Regisseurin Leni Riefenstahl. Riefenstahl gilt als eine der umstrittensten Frauen des 20. Jahrhunderts. Zum einen wurde sie als Regisseurin für ihre Bildwelten gefeiert. Zum anderen stellte sie sich und ihre Filme in den Dienst der Nationalsozialisten. Bis zu ihrem Tod betonte sie, dass ihre Kunst unpolitisch sei. Sandra Maischberger hat Leni Riefenstahl 2002 zu deren hundertstem Geburtstag zum Interview getroffen. Bei 3nach9 berichtet die Journalistin kurz vor Kinostart von dieser Begegnung und der Wichtigkeit ihres Films.

In dieser Episode spricht Alexander Giese mit Florian Steininger über die aktuelle Ausstellung zu Erich Steininger im Kunsthandel Giese und Schweiger. Florian, Sohn des 2015 verstorbenen Künstlers, beleuchtet die künstlerische Entwicklung seines Vaters über sechs Jahrzehnte hinweg. Die beiden diskutieren Erich Steiningers Weg vom expressionistischen Holzschnitt über abstrakte Strukturen bis hin zu großformatigen Wandarbeiten. Die Ausstellung bietet Einblicke in das vielseitige Schaffen des Waldviertler Künstlers, von seinen figurativen Anfängen bis zu seinen späten, komplexen Bildwelten. Kontakt: redaktion@gieseundschweiger.at; Website: https://www.gieseundschweiger.at/; Redaktion: Fabienne Lubczyk, Lara Bandion; Musik: Matthias Jakisic; Sprecherin: Sarah Scherer; Grafische Gestaltung: Studio Riebenbauer

Was ist Fakt, was Fake? In diesem Shortie stellen Julia Schulze Darup und Matthias Schönebäumer die Ausstellung TACTICS AND MYTHOLOGIES des New Yorker Duos Andrea Orejarena und Caleb Stein im PHOXXI der Deichtorhallen Hamburg vor. Die beiden Künstler*innen präsentiere darin einen fotografischen Roadtrip durch die Bildwelten viraler Verschwörungstheorien und setzen sich mit Simulationstechniken und Narrativen der Desinformation auseinander. TACTICS AND MYTHOLOGIES ist die erste Ausstellung der neuen Ausstellungs- und Veranstaltungsreihe »Viral Hallucinations«, kuratiert von Nadine Isabelle Henrich. In den DAS IST KUNST-Shorties stellen Julia Schulze Darup und Matthias Schönebäumer regelmäßig aktuelle Ausstellung der Deichtorhallen Hamburg vor. Kurz und knapp beantworten die wichtigsten Fragen: Worum geht es eigentlich? Wer sind die Künstler*innen und was muss ich eigentlich sonst noch über die Ausstellung wissen?

Seit 2006 lebt die Malerin Beate Bitterwolf in Horn auf der Halbinsel Höri. Gemeinsam mit ihrem Mann, dem Architekten Wolfgang Beyer, kaufte sie eine leerstehende Fabrik und gründete darin eine „Akademie für zeitgenössische Kunst“, in der rund 40 Dozentinnen und Dozenten lehren. Sie selbst arbeitet dort vor allem in ihrem Atelier. Schafft traumartig wirkende Bildwelten, inspiriert von der umliegenden Höri-Landschaft.

In der siebten Folge meiner „Share your Story – Podcast Challenge“ spreche ich über starke Bilder. Wir können mit starken Bildern Emotionen auslösen und dafür sorgen, dass unsere Zuhörerinnen und Zuhörer mit uns in die Bildwelt eintauchen und an unseren Leben kleben. Starke Bilder helfen uns, Inhalte auf den Punkt zu bringen ohne viele Worte zu verlieren. Das können zusammengesetzte Worte sein, Metaphern und Vergleiche oder ganze Bildwelten. Ich stelle dir die verschiedenen Varianten vor und wie du sie einsetzen kannst. Dabei erhältst du Beispiele und Anwendungsmöglichkeiten und erfährst auch, welche Fallen es bei der Arbeit mit starken Bildern geben kann. Ein spannender Punkt ist auch, dass du eine Bildsprache als Teil deiner Personen-Marke aufbauen und in deine Kommunikation als festen Bestandteil integrieren kannst. Wenn du lernen willst, wie du aus den Erlebnissen, Stationen und Begegnungen in deinem Leben überzeugende Stories entwickelst, die dir in deinem Business helfen, dann habe ich etwas für dich: Am 9. April startet mein brandneuer Live-Online-Kurs Share your Story. Er dauert 7 Wochen und du lernst darin das Handwerkszeug, das du benötigst, um professionelle Stories zu entwickeln und zu erzählen. Hier findest du alle Infos zu meinem Live-Online-Kurs „Share your Story“Möchtest du mehr über meine Arbeit und über mich erfahren? Dann schau auf meine Webseite oder vereinbare direkt einen Termin mit mir: TerminvereinbarungVerpasse keine meiner Podcast Folgen und abonniere meinen Podcast auf Spotify oder itunes Hat dir die Folge gefallen? Dann würde ich mich sehr freuen, wenn du meinen Podcast bewertest BewertungVernetze dich mit mir auf LinkedIn und folge mir auf Instagram und YouTubeHier geht's zu den Shownoteswww.anjakuhn.com Support the show

Olga Titus entwirft digitale Bildwelten, lässt sie auf Stoffe drucken, die sie am Ende von Hand vernäht. Hightech und Handwerk fließen zusammen. Jetzt im Kunstmuseum Thurgau zu sehen.

Der Junge und der Reiher | Rund 10 Jahre nach "Wie der Wind sich hebt", der 2013 ursprünglich schon sein großes Abschlusswerk sein sollte, kehrt Anime-Altmeister Hayao Miyazaki nun doch nochmal aus dem längst wohlverdienten Ruhestand zurück auf die Kinoleinwände. Und nachdem "Der Junge und der Reiher" bereits letzten Sommer in Japan erschien, wo er trotz minimalstem Marketing zum Kassenerfolg wurde und auch bereits Ende Dezember in einigen deutschen Städten in Previews gezeigt wurde, landet das neueste Werk von Studio Ghibli nun am 4. Januar auch ganz regulär in den Kinos. Dabei kommt in Miyazakis zwölftem Langfilm vieles zusammen, für das man den japanischen Ausnahmekünstler kennt, schätzt und liebt: Eine auf den ersten Blick simple Geschichte um einen schicksalsgebeutelten Hauptcharakter, der sich in fantastischen Welten verliert, die ebenso wie die seine im Begriff sind, aus den Fugen zu geraten. Und das alles natürlich einmal mehr bildgewaltig dargeboten in zum Großteil immer noch handgezeichneter 2D-Animationskunst. Während Fans von Werken wie "Prinzessin Mononoke", "Chihiros Reise ins Zauberland" oder "Das wandelnde Schloss" sich direkt heimisch fühlen und in den atemberaubenden Bildwelten verlieren werden, könnten sich Neulinge, aber auch Kenner mitunter etwas schwertun mit "Der Junge und der Reiher". Was diesen möglicherweise weniger zugänglich macht als frühere Werke, wo die Gemeinsamkeiten und Unterschiede liegen und ob das tatsächlich Hayao Miyazakis endgültiger Abschied von der großen Leinwand sein könnte, darüber und mehr reden Kathi, Paul und Dom im Podcast. Und der beginnt, sobald ihr euch euren Plüsch-Totoro schnappt und auf Play drückt. Viel Spaß mit der neuen Folge vom Tele-Stammtisch! Unser Special zu "Studio Ghibli" findet ihr hier Trailer Wir liefern euch launige und knackige Filmkritiken, Analysen und Talks über Kino- und Streamingfilme und -serien - immer aktuell, informativ und mit der nötigen Prise Humor. Website | Youtube | PayPal | BuyMeACoffee Großer Dank und Gruß für das Einsprechen unseres Intros geht raus an Engelbert von Nordhausen - besser bekannt als die deutsche Synchronstimme Samuel L. Jackson! Thank you very much to BASTIAN HAMMER for the orchestral part of the intro! I used the following sounds of freesound.org: 16mm Film Reel by bone666138 wilhelm_scream.wav by Syna-Max backspin.wav by il112 Crowd in a bar (LCR).wav by Leandros.Ntounis Short Crowd Cheer 2.flac by qubodup License (Copyright): Attribution 4.0 International (CC BY 4.0) Folge direkt herunterladen

Ich bin etwas beunruhigt. Nein, ich mache mir Sorgen. Genauer: Ich habe Angst. Obwohl … es ist eher Panik. Es geht um die Entwicklungen der auf künstlicher Intelligenz basierenden Systeme. Die Möglichkeit, mit einfachen Sprachbefehlen innerhalb weniger Sekunden Dialoge, Bildwelten, Lieder, Stimmen und was weiß ich nicht alles zu kreieren. Ich weiß nicht, ob deswegen ­die Welt untergeht, doch ich bin mir, wie viele andere, sicher, dass unserer Arbeitswelt eine Revolution bevorsteht. Eine Revolution, die auch mich betrifft. Wird sie mich fressen? Der Titel dieses Features ist noch von mir. Der Rest? Wir werden hören. Sie finden das Audio zum Download ab 28. Dezember in der NDR Feature Box und in der ARD Audiothek. Gesprochen von Henning Hartmann Regie:  Giuseppe Maio Technische Realisation: Kai Schliekelmann und Chris Richter Redaktion:  Joachim Dicks Produktion: NDR 2023

sasserathNOW ist eine unabhängige Strategieberatung, die Marken, Menschen und Organisationen hilft, ihre Einzigartigkeit wirksam zu machen. In dieser Podcastfolge sprechen wir mit Stephan Kemen – CEO bei MÄURER & WIRTZ. MÄURER & WIRTZ ist ein Familienunternehmen, das in der fünften Generation Düfte produziert und vermarket. Neben eigenen Marken wie den Klassikern 4711 und Tabac oder der Neuschöpfung Les Destinations werden Lizenzmarken wie u.a. s.Oliver hergestellt. „Wir haben eine Kernkompetenz: Duft. Wir perfektionieren Duft. Und dafür gilt es, die Marken entsprechend der Bedürfnisse der Zielgruppen richtig zu managen.“ Als unabhängige Strategieberatung mit der Kombination aus Psychologie und Business sind für uns die Inhalte dieses Gesprächs ganz besonders: Es geht um Sinne, Familienunternehmen, Markenmanagement, Bildwelten und Zukunftsgestaltung. Gerüche in die digitale Welt überführen – wir dachten, nicht möglich. Doch Stephan nimmt die Herkunft von MÄURER & WIRTZ (Duft und damit einhergehende Bilder) und macht genau diese Kernkompetenz zukunftsrelevant. Für uns total verständlich und sinnhaft. Für diese Folge gilt das ägyptische Sprichwort: Ein Tag ohne Dufterlebnisse ist ein verlorener Tag. Gäste dieses Talks: Stephan Kemen https://www.linkedin.com/in/stephankemen/ Anna Lüders https://www.linkedin.com/in/annalueders/ Marc Sasserath https://www.linkedin.com/in/marcsasserath/

Stanley Kubrick (geboren am 26.7.1928 in New York) drehte nur 13 Spielfilme, und gilt doch als einer der bedeutendsten Regisseure der Filmgeschichte. Er war ein Perfektionist, der in teils jahrelangen Dreharbeiten mit Bildwelten, Erzählformen und Technik experimentierte. Von Christian Kosfeld.

Noch immer sind BIPOCs (Black, Indigenous and People of Color) in der Mode- und Textilindustrie unterrepräsentiert. Und zwar egal, wo mensch hinschaut: ob auf dem Catwalk oder den Titelbildern von Magazinen, hinter den Kulissen als Kreative wie Designer:innen oder als Medienvertreter:innen. Auch koloniale Bildwelten und rassistische Darstellungen sind leider immer noch aktuell. Hochproblematisch ist dabei auch die Aneignung von nicht-weißen Kulturen und Kleidungsstilen durch häufig männliche, westliche Designer. Ganz zu schweigen von schlechten Arbeitsbedingungen in Produktionsländern etc. etc. etc. All das ist nicht neu – aber all das ist leider auch Realität und gefühlt hat die Aufarbeitung, Aufklärung und Einordnung gerade erst begonnen. Unsere Gästin Beatrace Angut Oola arbeitet hingegen seit langem daran, Sichtbarkeit zu schaffen und koloniale Strukturen in der Mode- und Textilbranche aufzuarbeiten. Sie ist die Gründerin des Netzwerks und der gleichnamigen Online-Plattform "Fashion Africa Now". Mit der Beraterin und Unternehmerin sprechen wir unter anderem darüber, was sich in der deutschen Debatte um Rassismus und koloniales Erbe in der Textilindustrie in den vergangenen Jahren bewegt hat und wie zukünftig neue Narrative kreiert werden können. Gästin: Beatrace Angut Oola („Fashion Africa Now“) Moderation: Maria Osburg Redaktion: Maria Osburg und Carina Bischof Produktion: Philipp Blömeke (Wardrobe Voices) Mehr über Fashion Africa Now erfahren: https://fashionafricanow.com/de/ @fashionafricanow und @beatraceangutoola

Menno Aden, Fotokünstler, Berlin. Zitate aus dem Podcast: «Ein gutes Bild braucht Publikum.« »Frei nach meinem Kunstlehrer früher: Nichts ist so subjektiv wie das Objektiv.« »Ich glaube die ganze Dokumentarfotografie wird sich neu positionieren müssen.« »Frei nach Hito Steyerl: Je verwackelter ein Foto, desto authentischer. Oder anders gesagt: Am Ende bleibt vielleicht die Frage, wer das authentischste Foto gemacht hat.« »Dieses Simulierende fällt immer mehr weg, weil die Maschinen das so gut können.« »Wie viel Wahrheitsanspruch hat eigentlich Fotografie?« »Anfang der 2000er fand ich spannend, dass neuartige Technik auch neue Bildwelten kreiert.« »Interessant wird ein Bild, wenn es besser ist, als es scheint.« Menno Aden wurde 1972 in Weener geboren und studierte Kunst und Visuelle Kommunikation von 1993 bis 2000 an der Universität Bremen und an der Hochschule für Künste in Bremen. Aden lebt und arbeitet in Berlin. »Adens fotografische Arbeiten sind oft topografischer Natur. Ob Rohrsysteme, Fassaden oder Vorgärten - in Adens fotografischer Arbeit geht es immer um Muster und Ordnungssysteme, die unseren Alltag durchdringen und strukturieren. Adens Arbeit umfasst verschiedene Fotoserien, in denen er sich analytisch mit unserer gebauten Umwelt auseinandersetzt. Obwohl meist abwesend, zeigen seine Bilder immer Spuren des Menschen. Aden wurde mit seinen Raumaufnahmen aus der Deckenperspektive bekannt.« (Nadine Barth) https://mennoaden.com https://www.instagram.com/mennoaden Links zu Adens aktueller Serie »Devices«: Modern Meta: »So geht Kunst mit KI« Zitat: »Künstliche Intelligenz kann keine Kunst. Man kann sie als künstlerisches Medium nutzen, aber nur, wenn man weiß, was Kunst ist. Wie Kunst mit KI funktionieren kann, zeigen die Arbeiten von Menno Aden.« Annika von Taube https://modernmeta.xyz/kunst-mit-ki/ see:zeen: »AI and Photography« https://see-zeen.com/ai-and-photography - - - Episoden-Cover-Gestaltung: Andy Scholz Episoden-Cover-Foto: privat Regelmäßig gut informiert über das INTERNATIONALE FESTIVAL FOTOGRAFISCHER BILDER, den »Deutschen Fotobuchpreis« und den Podcast Fotografien Neu Denken durch unseren Newsletter: https://deutscherfotobuchpreis.de/ Idee, Produktion, Redaktion, Moderation, Schnitt, Ton, Musik: Andy Scholz Der Podcast ist eine Produktion von STUDIO ANDY SCHOLZ 2020-2023.

Mit einem Altersschnitt von 30 Jahren schaffen Ingo Engelhardt und Marlon Wörndl das wovon viele Sporteventveranstalter träumen – sie sprechen ein junges Publikum an – eine Community. Mit dem 120 im Allgäu kommt 2023 ein weiteres Rad Race-Format hinzu, das sie gemeinsam mit den lokalen Spezialisten von 808projects umsetzen. Ich spreche mit Ingo und Marlon über die Kooperation und deren Initiierung, über die Bildwelten der Rad Race-Events und wie authentische Veranstaltungen erfolgreich geführt werden können. Für mich eine ganz spannende Reise zwischen Communities und Geschäftsmodell, zwischen hochsportlichen Sportveranstaltungen und Parties. Willkommen am desire lines-Lagerfeuer Ingo Engelhardt und Marlon Wörndl.

Dr. Barbara J. Scheuermann (Leiterin der Sammlungen Grafik und Medienkunst und Ausstellungskuratorin am Kunstmuseum Bonn) und Prof. Michael Reisch (Kurator und beteiligter Künstler). Mit Dr. Barbara J. Scheuermann vom Kunstmuseum Bonn sowie mit dem Künstler und Professor Michael Reisch spricht Andy Scholz über die Ausstellung »EXPECT THE UNEXPECTED - Aktuelle Konzepte für Fotografie«, die am 15. Februar 2023 im Bonner Kunstmuseum eröffnet wird – und über fotografiebasierte digitale Kunst. Zitate aus dem Podcast: »Das Unerwartete ist, dass viel auf den ersten oder auch zweiten und dritten Blick für viele unserer Besucher*innen gar nicht Fotografie ist .« Dr. Barbara J. Scheuermann »Unser Publikum kommt in der Ausstellung wahrscheinlich mit den üblichen Erwartungen nicht weiter.« Dr. Barbara J. Scheuermann »Unsere Ausstellung ist eine Riesen-Herausforderung weil die Technik fast immer auch Thema ist.« Dr. Barbara J. Scheuermann »Mich interessiert als Kuratorin immer die zeitgenössische Kunst als Reflexion auf gesellschaftliche Entwicklungen.« Dr. Barbara J. Scheuermann - - - »Frei nach einem Zitat von Prof. Dr. Bernhard Dotzler im Podcast 008, was für mich gut passt: Es geht um fotogenetisch erzeugte Bildobjekte und Bildwelten.« Prof. Michael Reisch »Digitalität wird in der Ausstellung nicht nur thematisiert, sondern auch sichtbar gemacht – und reflektiert sich gleichzeitig selbst.« Prof. Michael Reisch »In der Ausstellung versuchen wir den Begriff Fotografie so weit es geht zu dehnen, auszureizen und dadurch Fragen an das zu stellen, was wir für Fotografie halten oder was Fotografie sein könnte.« Prof. Michael Reisch »Die Parallele vom digitalen Alltag in die Ausstellung ist mir wichtig.« Prof. Michael Reisch »Interessant ist, dass viele der aktuellen Fragen, z.B. in Bezug auf KI, ähnlich schon im 19. Jahrhundert diskutiert wurden. Wer hat denn das Bild gemacht? Die Kamera, die Ingenieurin oder die oder der hinter der Kamera?« Prof. Michael Reisch »Es werden in der Ausstellung Arbeiten zu sehen sein, die mit neuen bildgebenden Verfahren erstellt sind, wie: Photogrammetrie, 3D-Scanning, 3D-Druck, Augmented Reality, CGI, Künstliche Intelligenz, Machine Learning, Text-To-Image-Generatoren.« Prof. Michael Reisch »Wenn man Bilder über Digitalität machen möchte, hat man es mit Sachen zu tun, die man nicht sehen kann. Binärcodes, Tracking Algorithmen, KI bei der Arbeit, usw. sind unsichtbar.« Prof. Michael Reisch »Wenn wir als Künstler*innen auf den gesellschaftspolitischen Wandel und den Wandel unserer Lebensumstände Bezug nehmen, geschieht das mit den Tools, die diesen Wandel mit verursacht haben.« Prof. Michael Reisch - - - Barbara J. Scheuermann https://www.kunstmuseum-bonn.de/de/museum/team-kontakt/ https://de.wikipedia.org/wiki/Barbara_Josepha_Scheuermann - - - Prof. Michael Reisch wurde https://michaelreisch.com/ https://www.alanus.edu/de/hochschule/menschen/detail/michael-reisch http://darktaxa-project.net/about/ - - - EXPECT THE UNEXPECTED 16.02.2023 – 30.04.2023 Eröffnung: Mittwoch, 15.02.2023, 19 Uhr Mit Werken von Banz & Bowinkel, Tim Berresheim, darktaxa-project, Heather Dewey-Hagborg, Philipp Goldbach, Beate Gütschow, Spiros Hadjidjanos, Fabian Hesse & Mitra Wakil, Baron Lanteigne, Oliver Laric, Simon Lehner, Achim Mohné, Susan Morris, Viktoria Pidust, Johannes Post, Jon Rafman, Michael Reisch, Anna Ridler, Adrian Sauer, Tamas Waliczky + Students` Reels https://www.kunstmuseum-bonn.de/de/ausstellungen/expect-the-unexpected/ - - - Episoden-Cover-Gestaltung: Andy Scholz Episoden-Cover-Foto: (Ausstellung) Baron Lanteigne, (Michael Reisch) privat, (B. J. Scheuermann) Nadine Preiss In unseren Newsletter eintragen und regelmäßig gut informiert sein über das Festival, den deutschen Fotobuchpreis und den Podcast Fotografien Neu Denken. https://festival-fotografischer-bilder.de/newsletter/

Weiter geht es mit unseren Verspätungen, jetzt ist die Aufnahme schon brav Anfang des Jahres erfolgt und damit zum Anfang des #Japanuary, aber erst Mitte des Monats können wir ausliefern. Immerhin passt es noch gerade so in den Hashtag-Zeitraum. Dafür wird es aber auch kontrovers: denn DAS HÖLLENTOR kann vor allem Knut nicht komplett überzeugen - zu sehr wirkt der Film auf europäische Festivals hin zugeschnitten. Dabei hat das Werk von Teinosuke Kinugasa einiges auf der Haben-Seite: atemberaubende Farbfotographie, ein Regisseur, der die Grundlagen des Jidai-geki mit gestaltet hat und im japanischen Vorkriegskino gar versuchte, eine neue linke Avantgarde aufzubauen, das Studio hat sogar seine besten Techniker und ein saftiges Budget bereitgestellt. Und da liegt eventuell das Problem: während Zeitgenossen wie Kurosawa, Ozu oder Mizoguchi einen Spagat zwischen einem Sinn für den ausländischen Markt und der eigenen Filmsprache schlagen, drückt das Studio den Film hier auf maximale westliche Exotismus-Kompatiblität. Was selbst dem Regisseur nicht zusagte, ging voll auf: DAS HÖLLENTOR taucht in fast allen Bestenlisten der westlichen Kanoniker ganz, ganz oben auf. Zu seiner Zeit war der Film ein Arthouse-Hit! Uns interessiert daher, wieso das so ist und was der Film eigentlich machen will, welche Mechaniken er gerade dafür anwendet, um in Cannes und Co. so einzuschlagen. Dabei zeigt Jochen die Stärken des Films nochmal deutlich auf, erlaubt sich gerne, in den Bildwelten und kalkulierten Leerstellen zu schwelgen. Am Ende ist unsere Folge also nicht nur ein Blick auf den Film und seinen zeitlichen Kontext, er lässt uns auch darüber reflektieren, wie schwer es manchmal ist, unser vom großen Filmkritiker Truffaut entliehenes Motto einzuhalten: erst einmal schauen, was der Film ist, auch wenn er nicht ansatzweise mehr so funktioniert, wie bei dem Publikum, für das er gemacht wurde... in den 50ern, in Europa und den USA, da wo das japanische Kino eine frische Neuentdeckung ist, die man nur in geringem Maße erleben kann, nämlich im Kino, ganz ohne Blu-rays und heimischem LCD-Bildschirm. Für weitere Filme des #Japanuary schaut doch bei SchönerDenken vorbei, oder konzentriert euch gleich auf die Podcasts im kuratierten Fyyd.

Werner Herzog ging mit dem zeternden Klaus Kinski in den Dschungel, drehte auf allen Kontinenten und schenkte dem Kino damit ekstatische Bildwelten. Zu seinem 80. Geburtstag ehrt das Berliner Filmmuseum den Ausnahmefilmemacher mit einer Ausstellung.Berndt, Christianwww.deutschlandfunkkultur.de, FazitDirekter Link zur Audiodatei

In dieser Folge geht es um Tolkiens künstlerische Ader. Der berühmte Schöpfer von Mittelerde war weit mehr als "nur" Schriftsteller.

Fließende Formen und gewagte Kurven sind charakteristisch für die Architektur von Zaha Hadid. Die vor sechs Jahren gestorbene Star-Architektin hat eine ganz eigene Formensprache entwickelt, wie gigantische Skulpturen sehen ihre Gebäude aus. Bis heute ist das Büro von Zaha Hadid damit weltweit erfolgreich. Einer, der jahrelang mit Zaha Hadid zusammengearbeitet und ihre Bildwelten entscheidend mitgeprägt hat, ist der Architekt und Filmemacher Antonio de Campos. Er hat ihre Entwürfe in großformatige Bilder übersetzt und so die Arbeit der Architektin in Kunst verwandelt. Antonio de Campos lebt heute in Frankfurt. Und seine Bilder sind jetzt im Deutschen Architekturmuseum zu sehen. Christoph Scheffer spricht darüber mit dem Kurator der Ausstellung Yorck Förster. (Bild: Antonio de Campos)

Wie betrachten wir fotografische Bilder? Wie messen wir ihnen Bedeutung bei? Welche Funktionen erfüllen sie? Wie können sie künstlerisch genutzt werden? Seit über 20 Jahren beschäftigt sich Viktoria Binschtok mit digitaler Bildkultur. In verschiedenen Werkgruppen bringt sie analoge und digitale Bildwelten zusammen, kombiniert eigene Fotografien mit Fundstücken aus dem Internet. So auch für ihre Cluster-Serie, die seit 2014 entsteht. Dafür speist sie Fotos aus ihrem persönlichen Archiv in Online-Suchmaschinen ein. Den Algorithmen entsprechend werden ähnliche Bilder gefunden, die sie reinszeniert und anschließend zusammenstellt. Humorvolle Leichtigkeit und technischer Brillanz gehen hier Hand in Hand. Sie selbst sagt: „Man kann sich diesen Arbeiten auf vielseitige Weise annähern – assoziativ, ästhetisch, phänomenologisch, politisch oder bildtheoretisch.“ Viktoria Binschtok (geb. 1972 in Moskau, aufgewachsen in Minden/Westfalen) lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte künstlerische Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig und war Meisterschülerin bei Prof. Timm Rautert. Seit 2018 ist sie in den Sammlungspräsentationen der Weserburg mit verschiedenen Werken präsent – aktuell mit dem zweiteiligen Tableau Pasta Lady von 2020. Parallel ist eine Einzelausstellung im Oldenburger Kunstverein zu sehen (noch bis zum 24. April 2022), zu dem ein bilderreicher und lesenswerter Katalog entstanden ist. Der Podcast wird gefördert durch die VGH-Stiftung. Zum Werk der Künstlerin: [http://klemms-berlin.com/artists/viktoria-binschtok.html?overview](http://klemms-berlin.com/artists/viktoria-binschtok.html?overview) Zur Ausstellung im Oldenburger Kunstverein: [https://www.oldenburger-kunstverein.de/ausstellung/viktoria-binschtok/](https://www.oldenburger-kunstverein.de/ausstellung/viktoria-binschtok/) Mehr Infos zur Weserburg unter: [https://weserburg.de/](https://weserburg.de/) Anregungen und Fragen zum Podcast:

Unser heutiger Gast ist der Autor und Kurator Kolja Reichert. Kolja war bis vor wenigen Jahren eine der einflussreichsten Stimmen dieses Landes in der Kunstkritik. Zwischen 2016 und 2020 war er für die Kunstberichterstattung der Frankfurter Allgemeinen Zeitung und der Frankfurter Allgemeinen Sonntagszeitung verantwortlich. Vergangenes Jahr hat es ihn dann an die Bundeskunsthalle in Bonn verschlagen, wo er seither als Programmkurator mit Schwerpunkt Diskurs arbeitet. Was das für ein Job ist, wird er uns in dieser Folge selbst erklären. Kleiner Teaser: Kolja hat die erste Museums-Talkshow des Landes entwickelt, „Studio Bonn“, deren Debüt-Folge live aus dem ehemaligen Kanzlerbungalow gesendet wurde. Darum soll es aber nicht gehen, sondern um Koljas aktuelles Buch „Kryptokunst“. Denn in dieser Episode wollen wir schwerpunktmäßig, und es ist tatsächlich das erste mal, über NFTS sprechen: Wo kommen sie her, wie sinnvoll sind sie und haben sie das Potential das System Kunst zu revolutionieren? Foto: Tobias Zielony Supporter: Haus am Lützowplatz Ausstellung: Götz Valien – Lieber Maler 28. Januar - 27. März 2022   Das Haus am Lützowplatz präsentiert den Maler Götz Valien (*1960 in Kitzbühel) in einer Ausstellung, die mehrere seiner Bildserien zueinander in Beziehung setzt. Das Werk des seit 1985 in Berlin lebenden Künstlers zeichnet sich durch eine virtuose Gegenständlichkeit aus, die er selbst „Virtuellen Realismus“ nennt und die sich aus einem dicht gewobenen Netz von Referenzen in die Populärkultur und in die Geschichte der Malerei speist. Bei den ausgestellten Werken handelt es sich ausnahmslos um Großformate mit hoher visueller Anziehungskraft. Die Techniken perspektivischer Illusionserzeugung beherrscht Valien genauso wie die aus der Werbung entlehnten Mittel der Überwältigung. Seine konstruierten Bildwelten – zum Teil auch Re-Enactments berühmter Meisterwerke, wie die „Venus“ von Botticelli – zielen letztlich nicht nur auf das Auge, sondern auch auf das Hirn als wesentliches Rezeptionsorgan. Kuratiert von Marc Wellmann. Musik: Tim-Dominik Matuschke

Bis 1970 schuf Unica Zürn einen einzigartigen künstlerischen Kosmos. Ein Hörstück als akustischer Trip durch Zürns Text- und Bildwelten und klangkünstlerische „Femmage“ an eine Ikone des Surrealismus.Von Natascha Gangl, Maja Osojnik und Matija Schellanderwww.deutschlandfunkkultur.de, FreispielHören bis: 15. Dezember 2022, 23:59Direkter Link zur Audiodatei

The Art of... | Talk [12.10.2021] In der Reihe »The Art of...« lädt das ZKM Künstler:innen der Sammlung ein, über Themen ihrer Wahl zu sprechen. Mit Manfred Mohr (*1938, Pforzheim) hat ein Künstler die Einladung angenommen, der die traditionelle Malerei Ende der 1960er-Jahre verließ, um am Computer das Wesen des schöpferischen Prozesses zu untersuchen und dabei zu neuen, komplexen Formen zu gelangen. Manfred Mohr gehört zu den weltweit bekanntesten Pionieren der digitalen Kunst, mit der Einzelausstellung »Computer Graphics. Une Esthétique Programmée« am Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris im Frühjahr 1971 schrieb er Geschichte. Als Mohr 1969 die Entscheidung traf, Pinsel und Leinwand gegen Computer und Plotter einzutauschen reagierten Künstler und die Kunstkritik mit Verwunderung. Viel war in der Presse seit den 1950er-Jahren über die neue Technologie berichtet worden, dennoch war der Computer noch lange kein Medium, dessen Verwendung der Öffentlichkeit vertraut war. Aus welchem Grund sollte ein Maler, der sich in der Pariser Kunstwelt erfolgreich etabliert hatte, alles hinter sich lassen, um die Möglichkeiten dieser Technik für die Kunst zu erkunden? Das Gespräch widmet sich dem Weg des Künstlers von den tachistischen Anfängen der Studienzeit, der Hard-Edge-Malerei bis zur generativen Kunst. Welchen Einfluss hatte der Maler K. R. H. Sonderborg? Welche Rolle spielte der Philosoph Max Bense, der für eine rationale Kunst der „technischen Existenz“ warb oder der Komponist Pierre Barbaud, der in Frankreich zu den Wegbereitern computergenerierter Komposition gehörte? Manfred Mohrs Werk lädt ein zu einer Konversation über Jazz, serielle Musik, Informationsästhetik, technische Bildwelten, Meteorologie, n-Dimensionalität und der Faszination generativen Denkens.

Museumsdirektor Sam Keller gibt Insights in das spektakuläre Ausstellungs- und Veranstaltungsprogramm der Fondation Beyeler und in die 100 Gründe, warum er Basel liebt. Das und vieles mehr erfährst du im Interview: Warum sind Goyas abgründige und fantastische Bildwelten gerade jetzt so zeitgemäss? Weshalb hatte Sam Keller kürzlich Besuch von Königin Letizia von Spanien? Warum sollte ein Museum heute nicht nur ein Ort für Objekte, sondern für Menschen sein? Mit welchen exklusiven Events weckt die Fondation Beyeler das Kunstinteresse bei jungen Menschen? Welcher Park wird auch als die Basler Version von Versailles bezeichnet? Fondation Beyeler: https://www.fondationbeyeler.ch Goya (Ausstellung bis 23. Januar 2022): https://www.fondationbeyeler.ch/ausstellungen/goya Close-up (Ausstellung bis 2. Januar 2022): https://www.fondationbeyeler.ch/ausstellungen/close-up Beyeler Restaurant im Park: https://restaurant.fondationbeyeler.ch Parks in Riehen: https://www.riehen-tourismus.ch/parkanlagen Tierpark Lange Erlen: https://www.erlen-verein.ch Alle Infos und Fotos unter https://www.basel.com/podcast

Markus Weisbeck ist Gestalter und Professor für Grafikdesign an der Bauhaus-Universität in Weimar sowie seit 2017 am Paju Typography Institute in Korea. In seiner über 30jährigen gestalterischen Praxis gelang es ihm mit seiner charakteristischen Coolness, die Grenzen zwischen kommerziellem Grafikdesign, Bildender und Darstellender Kunst sowie Pop Culture-Interventionen konstant zu kreuzen. Er hat im Bereich der Plakatkunst mit Cutting Edge Lösungen für fotografische Aufnahmen oder mit raffinierten Collagen und hochkulturelle Querverweisen gearbeitet. In der Diskussion um Forschung mit den Mitteln des Design nimmt er mit seinem 2013 gegründeten Space for Visual Research als Werkstatt und Labor für experimentelle Forschung zu neuen grafischen und abstrakten Bildwelten eine herausragende Stellung ein. Besonders mit Workshops in China, Taiwan, Korea, Japan, Bolivien, Ecuador und Iran sucht er Anknüpfungspunkte an lokale gestalterische Traditionen und Trends. Er ist Mitglied der „Alliance Graphique Internationale“. Seine Arbeiten im Bereich der bildenden Kunst werden von der Kai Middendorff Galerie vertreten. Zu den Projekten des Studio Markus Weisbeck gehören Arbeiten für das MMK Frankfurt, Luma Arles, The Forsythe Company, Zumtobel, Städelschule Architecture Class, Fogo Island Art, Bundesfinanzministerium, ARTE, Deutsche Bank, documenta12, Venedig Biennale (Deutscher Pavillon), Manifesta7, Rat für Formgebung, Sternberg Press und das Deutsche Historische Museum.

So exotisch manche von ihnen auch aussehen mögen – den Tieren ist der Mensch ähnlicher, als man auf den ersten Blick glauben mag. Denn unser Körper ist ein Archiv der Evolution. Die Durchsichtigkeit unserer Augen-Hornhaut, die aus Kollagen besteht, das auch Quallen durchsichtig macht, zeigt dies ebenso deutlich wie unsere Haare, die ein Relikt aus unserer Säugetier-Vergangenheit sind. Der Mediziner Aart Gisolf, Paläontologe Oliver Sandrock und Axel Wagner, Biologe und Wissenschaftsjournalist, präsentieren unsere tierische Vergangenheit in bisher ungesehen Bildwelten. Sie machen sich auf eine abenteuerliche Spurensuche und begegnen jenen tierischen Verwandten, die in der Anatomie des menschlichen Körpers erhalten blieben: Fossilien und ihre seit Urzeiten unverändert noch heute lebenden Nachfahren. Mit Zeitreisen und Studio-Aktionen liefert „Experiment Verwandtschaft – Das Tier in Dir“ interessante Antworten auf die Frage, warum wir heute so aussehen, wie wir aussehen. Folge 1 der dreiteiligen Dokumentation beschreibt den Weg unserer Urverwandten vom Einzeller zum Vielzeller. Die Sendungen werden auch in englischer Sprache angeboten. (Online-Signatur Medienzentren: 4982226)

Tiffany Maaßen ist Fotografin und Gestalterin von tiefsinnigen Bildwelten, die für eine neue Form der Echtheit stehen. Eine bewusste Verbindung von Gegensätzen und Kontrasten - harmonisch vereint. Ein für mich besonderer Seh-Sinn, dem ich vertraue und in dem ich mich immer wieder erkenne: “Wie sieht die Bildsprache der Zukunft aus? Es wird Zeit, den spürbaren Wandel erlebbar zu machen. Bilder sind universell verständlich und erreichen uns direkt. Sie lösen etwas in uns aus." “Wir denken, träumen und erinnern uns in Bildern. Im Wandel Richtung positiver Zukunft, braucht es eine Bildsprache von Morgen - neugierig, nahbar und menschlich."

In der Game-Kultur ist VR bereits weit verbreitet, aber die virtuelle Realität birgt auch für andere Künste ein enormes Potential. Der niederländische Komponist Michel van der Aa macht es vor: Er präsentierte 2019 die allererste, komplett virtuelle Oper, «Eight». Der technische Aufwand ist gross: Zwei Jahre dauerte es von den ersten Tests in Virtual Reality bis zur Uraufführung von «Eight». Van der Aa und sein Team experimentierten mit haptischen Elementen, mit der Wirkung von virtuellen Landschaften, mit der Komplexität der Musik. Entstanden ist daraus ein vollkommen neuartiges Opern-Erlebnis – eines, dass durch fantastische Bildwelten überwältigt, mit so ausgeklügelter wie berührender Musik aufwartet und ausserdem viele individuelle Interaktionsmöglichkeiten bietet. In Musik unserer Zeit spricht der Komponist über die Idee und die Details dieser aussergewöhnlichen Opernproduktion, wie auch über Möglichkeiten und Grenzen der VR-Technologie. Und Michel van der Aa arbeitet bereits an einer weiteren VR-Oper: Sie soll noch deutlich länger, grossräumiger und interaktiver werden. Erstausstrahlung: 20.05.20

Buchbesprechung: bikablo posters (2020) Visuelles Wörterbuch für Flipchartvorlagen, Methodenplakate, & Bildwelten

Liebevoll eingewickelt Weihnachts- und Geburtstagsgeschenke sind nicht selten fast zu schön zum Auspacken. Das herrlich bunte Papier soll in dieser künstlerischen Aktivität ein zweites Leben bekommen, denn in kleine Stücke gerissen oder geschnitten, können ganze Bildwelten aus Papier entstehen.

Dass wir der Klimaerwärmung nicht entschlossener entgegentreten, hat auch mit den Bildern zu tun, die wir vom Klima und seiner Veränderung haben, meint die Kunsthistorikerin und Medienwissenschaftlerin Birgit Schneider. Seit zehn Jahren erforscht sie unter anderem die Bildwelten des Klimawandels: von Humboldts Klimakarte bis zu heutigen Diagrammen von Hitzesommern und Zeitungsberichten von australischen Waldbränden. www.deutschlandfunk.de, Themenportal Zwischentöne Direkter Link zur Audiodatei

Dass wir der Klimaerwärmung nicht entschlossener entgegentreten, hat auch mit den Bildern zu tun, die wir vom Klima und seiner Veränderung haben, meint die Kunsthistorikerin und Medienwissenschaftlerin Birgit Schneider. Seit zehn Jahren erforscht sie unter anderem die Bildwelten des Klimawandels: von Humboldts Klimakarte bis zu heutigen Diagrammen von Hitzesommern und Zeitungsberichten von australischen Waldbränden. www.deutschlandfunk.de, Themenportal Zwischentöne Direkter Link zur Audiodatei

Mit Armin Pohl, CEO von Mackevision, sprechen wir über digitale Bildwelten und künstliche Intelligenz. Reale und nicht reale Welten verschmelzen immer stärker miteinander. Für den Zuschauer sind die Unterschiede zwischen real und digital kaum noch wahrnehmbar. Wie sehr beeinflusst KI die digitalen Bildwelten? Vor welche Herausforderung stellt sie die Kreativen? Und wie werden KI-Systeme die Content-Erstellung in Zukunft beeinflussen? Der führende Innovationstreiber Armin Pohl gibt uns spannende und persönliche Einblicke, nicht nur in die Welten des 3D. „Wenn wir darüber reden eine hochglaubwürdige Illusion zu schaffen, ist die künstliche Intelligenz für die visuelle Qualität nach wie vor nicht zuständig. Das sind immer Künstler, die das machen müssen.“ „Mit KI werden wir Ergebnisse erzeugen, die man gar nicht anders erzeugen kann. Wir werden lernen müssen, wie entwerfe ich eine Kampagne, die mit Hilfe einer KI effizient ausgerollt werden kann.“ „Künstliche Intelligenz macht nicht auch nur einen einzigen Grafiker arbeitslos, es sei denn er besteht darauf weiterhin mit Photoshop arbeiten zu müssen.“

Im Baden-Badener Kurhaus sind die digitalen Bildwelten des türkischen Medienkünstlers Refik Anadol zu sehen. Er nutzt Datensätze, um aus ihnen Skulpturen und Videoinstallationen zu machen.

In der Game-Kultur ist VR bereits weit verbreitet, aber die virtuelle Realität birgt auch für andere Künste ein enormes Potential. Der niederländische Komponist Michel van der Aa macht es vor: Er präsentierte 2019 die allererste, komplett virtuelle und interaktive Oper, «Eight». Der technische Aufwand ist gross: Zwei Jahre dauerte es von den ersten Tests in Virtual Reality bis zur Uraufführung von «Eight». Van der Aa und sein Team experimentierten mit haptischen Elementen, mit der Wirkung von virtuellen Landschaften, mit der Komplexität der Musik. Entstanden ist daraus ein vollkommen neuartiges Opern-Erlebnis – eines, dass durch fantastische Bildwelten überwältigt, mit so ausgeklügelter wie berührender Musik aufwartet und ausserdem viele individuelle Interaktionsmöglichkeiten bietet. In Musik unserer Zeit spricht der Komponist über die Idee und die Details dieser aussergewöhnlichen Opernproduktion, wie auch über Möglichkeiten und Grenzen der VR-Technologie. Und Michel van der Aa arbeitet bereits an einer weiteren VR-Oper: Sie soll in circa zwei Jahren fertig sein und deutlich länger, grossräumiger und interaktiver werden als «Eight». Ausserdem will der innovative Komponist darin die narrative Linearität verringern und damit dem Publikum mehr Entscheidungsfreiheit über den Verlauf dieses VR-Erlebnisses bieten. - - Die geplante Sendung mit Kaija Saariaho muss auf später verschoben werden.

Sechs Bilder, sechs Disziplinen – sechs Weltbilder? Die Akademiemitglieder Jutta Allmendiger (Soziologin, Präsidentin des Wissenschaftszentrums Berlin für Sozialforschung), Horst Bredekamp (Kunsthistoriker, HU Berlin), Erika Fischer-Lichte (Theaterwissenschaftlering, FU Berlin), Joachim Sauer (Chemiker, HU Berlin), Barbara Stollberg-Rilinger (Historikerin, Direktorin des Wissenschaftskollegs zu Berlin) und Günter M. Ziegler (Mathematiker, Präsident der FU Berlin) skizzieren anhand je eines Bildes ein Weltbild ihrer Disziplin. Den Originalbeitrag und mehr finden Sie bitte hier: https://lisa.gerda-henkel-stiftung.de/bildwelten?nav_id=9146

Sechs Bilder, sechs Disziplinen – sechs Weltbilder? Die Akademiemitglieder Jutta Allmendiger (Soziologin, Präsidentin des Wissenschaftszentrums Berlin für Sozialforschung), Horst Bredekamp (Kunsthistoriker, HU Berlin), Erika Fischer-Lichte (Theaterwissenschaftlering, FU Berlin), Joachim Sauer (Chemiker, HU Berlin), Barbara Stollberg-Rilinger (Historikerin, Direktorin des Wissenschaftskollegs zu Berlin) und Günter M. Ziegler (Mathematiker, Präsident der FU Berlin) skizzieren anhand je eines Bildes ein Weltbild ihrer Disziplin. Den Originalbeitrag und mehr finden Sie bitte hier: https://lisa.gerda-henkel-stiftung.de/bildwelten?nav_id=9146

Willkommen zu einer neuen Folge von Petra­-on­Tour! Zu Gast ist heute der Business­ Fotograf Matthias Baumbach. Ihr wisst es alle: Ein Bild sagt mehr als tausend Worte. Und dennoch werden die Bildwelten, die Unternehmen und Unternehmer kommunizieren, oft vernachlässigt. Das ist fatal für die Positionierung eines Unternehmens, da unsere Welt heute visueller denn je ist. Der abgedroschen wirkende Satz: „Es gibt keine zweite Chance für einen ersten Eindruck“ bringt es auf den Punkt. Was einen Business Fotografen ausmacht und wie Ihr den für Euch perfekten Fotografen findet, erfahrt Ihr in dieser Folge. Ebenso, was ein Labor der Universität Golm damit zu tun hat... :­) Macht Euch selbst ein Bild von Matthias. Viel zu sehen gibt es unter www.matthiasbaumbach.de und https://www.instagram.com/matthiasbaumbach und https://www.facebook.com/fotografiematthiasbaumbach Und zu hören einfach hier bei GuerrillaFM!

In einer Doppelfolge sprechen Thomas Laufersweiler (vom Filmblog und -Podcast SchönerDenken) und Lucas über das Spätwerk von Tony Scott: "Déjà Vu – Wettlauf gegen die Zeit" von 2006, "Die Entführung der U-Bahn Pelham 123" von 2009 und "Unstoppable – Außer Kontrolle" von 2010. In der ersten Hälfte geht es um Déjà Vus, die Begegnung von Gegenwart und Vergangenheit, Bildwelten, Kreisfahrten und gruselige Romantik. (Achtung: Die Soundqualität dieser Episode ist nicht optimal, weil durch eine falsche Einstellung über ein Laptop-Mikrofon aufgenommen wurde. Hoffentlich ist die Diskussion trotzdem interessant.) Für Feedback oder Fragen schreibt eine Mail an feedback@longtake.de. Wir freuen uns sehr über jegliches Feedback via Mail, Kommentarfunktion oder Facebook und Twitter (@longtakede) und auch über jegliche andersartige Unterstützung, vielen Dank fürs Zuhören! An den Mikrofonen: Lucas B. (@kinomensch) Thomas L. (@schoeNERDenken) Shownotes: 00:41 - Intro, Begrüßung + Vorstellung des Gasts 3:23 – Tony Scott 7:15 – Einführung: "Déjà Vu – Wettlauf gegen die Zeit" 13:10 - Die Marke Denzel Washington 19:52 - Fetisch Materialität 23:40 - Orange & Teal 27:45 - Zuschauerschaft in "Déjà Vu" 38:50 - Verfolgungsjagd durch die Zeit 43:00 - Innenleben visualisieren 51:25 - Kino als Selbstoffenbarung? 56:30 - Kurze Verabschiedung, Ende Teil 1 (Ausschnitte aus den Filmen unterliegen dem Copyright des entsprechenden Filmverleihs und werden aus rein journalistischer Intention unkommerziell genutzt.)

In unserer neuen Rubrik besprechen wir unsere Lieblingsfilme der jeweiligen Jahre oder zumindest Filme, zu denen wir noch Redebedarf haben. Immo macht den Anfang mit Nicolas Winding Refns neuestem Werk „The Neon Demon“, welches die 16-jährige Jesse bei ihrem Einstieg in die Modebranche von Los Angeles begleitet und dabei Refn-typisch bald in abstrakte und streckenweise verstörende Bildwelten abgleitet. Wir besprechen den Umgang des Films mit dem Thema Schönheit und die Aussagen, die er dazu trifft. Außerdem analysieren wir seine Metaphern und wiederkehrenden Motive und ziehen Verbindungen zu Märchen, Mythen und Geschichte. Zuletzt kommen wir auf den Stil des Regisseurs zu sprechen und wie sich dieser zum Thema des Films verhält und auf die gesellschaftskritischen Implikationen, die sich aus der Geschichte ergeben.

Keynote & Diskussion Talent braucht Persönlichkeit. Was aber braucht Persönlichkeitsentwicklung? - Constance Cauers, Regisseurin und Leiterin des Jungen Volkstheaters, Wien - Margret Rasfeld, Bildungsinnovatorin und ehem. Leiterin der Evangelischen Schule Berlin Zentrum - Peter Spiegel, Zukunftsforscher, Initiator und Leiter des GENISIS Institute, Berlin - Live-Visualisierung mit Miriam und Marko Hamel, Visual Selling®, Erfurt Drei Perspektiven, ein Sujet: Ein Zukunftsforscher, eine Schulleiterin und eine Theaterregisseurin beschäftigen sich mit den Rahmenbedingungen von Persönlichkeitsentwicklung. Welche Merkmale und Kompetenzen hat eine Person, die für die Herausforderungen der Zukunft gut gewappnet ist? Wie sieht Schule aus, wenn man sie als Erlebnisraum für Persönlichkeitsentwicklung für Schüler, Eltern und Lehrer begreift? Und was kommt raus, wenn sich Schüler im biografischen Theater mit dem Thema Zukunft beschäftigen? Für jeweils acht Minuten haben Peter Spiegel, Margret Rasfeld und Constance Cauers die Bühne für sich. Dann wird das Gesamtbild durch eine interaktive Diskussion zwischen Bühne und Publikum und Ihren Anregungen zum Thema ergänzt. Apropos: Live-Visualisierer setzen die Statements und Ihre Fragen während der Diskussion in Bildwelten um. Das können Sie sich noch gar nicht richtig vorstellen? Genau darum geht’s! Lassen Sie sich ein auf einen Kreativprozess, der ungewohnte Perspektiven einnimmt, Ihre Imagination befeuert und neue Impulse gibt.

Eröffnung des Deutschen Fundraising Verbands mit Dr. Martin Dodenhoeft und Peter Allmann. Zunächst mit Informationen für Fundraiserinnen und Fundraiser rund um die dokumenta. Im Anschluss folgt die Übertragung der Podiumsdiskussion Hier erlaubt, dort Tabu? Emotionale Berichterstattung und Bildwelten in den Medien und in der Spendenwerbung Auf dem Podium Wolfram M. Kons, Moderator des RTL Spendenmarathons Bascha Mika, Chefredakteurin der Frankfurter Rundschau, Honorarprofessorin der Universität der Künste, Berlin Dr. Helene Mutschler, Director Fundraising von Save the Children e. V., Berlin Burkhard Wilke, Geschäftsführer und wissenschaftlicher Leiter Informationen über Spendenwesen und Spendenstatistik des Deutschen Zentralinstituts für soziale Fragen, Berlin Die Moderation übernimmt Wiebke Doktor, Geschäftsführerin des Conversio Institut, Duisburg Live aus dem Ausstellungsbereich auf dem Deutschen Fundraising Kongress 2017.

Themen: Zwei Sammlungen, „Atoms for Peace“, verkappte Einzelausstellung, Bilder neben Bildern, Briefmarken finden, Schmetterlingskästen und Zeichnungen, große Botschaften, Fotografien aus Papier, Bilder verknüpfen, Direktheit, Kunst- oder Dokumentarfilm, Ausstellung als Film, „On Climate“, Bedeutungen von Technik, personifizierte Katastrophen, Bildwelten der Moderne, schöne Briefmarken, „Sie befinden sich in einer Ausstellung.“, „Ute Hoffritz – Weißer Wal“, symbolische Rache, Sontag, Mythen, Mullicans Wünschelruten, Kranichtherapie und Ernährung, Akzeleration oder Material, deep learned Macintosh woodcuts, Sichtbarkeiten Links: [1] www.lorisberlin.de/bilder_nina_wiesnagrotzki.html [2] www.wiesnagrrr.de [3] www.contemporaryartdaily.com/2016/04/on-climate-at-loris [4] www.nbk.org/artothek

Vortrag von der see-Conference 2013. Der Medienphilosoph und Kunstwissenschaftler Prof. Dr. Wolfgang Ullrich befasst sich unter anderem mit Konsumtheorie, Bildwelten und der Rolle der Kunst in der modernen Gesellschaft. Der gebürtige Münchner ist Professor für Kunstwissenschaft und Medienphilosophie an der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. Nach seiner Promotion 1994 war unter anderem Dozent an der Akademie der Bildenden Künste München und Gastprofessor an der Hochschule für bildende Künste Hamburg.