Podcasts about neoclassicismo

Marília de Dirceu (1792) são liras de Tomás Antonio Gonzaga (1884-1810), que começaram a ser publicadas em 1792, ano em que o amor entre o poeta luso-brasileiro e a moça mineira Maria Doroteia Joaquina de Seixas Brandão já existia há uma década. No início da paixão, a moça era uma adolescente de apenas 15 anos, enquanto ele tinha 38 e já era magistrado, com obras publicadas. Era comum os poetas árcades escreverem com pseudônimos. Gonzaga escrevia com o pseudônimo Dirceu. Sua amada, portanto, passa a ser sua Marília, ambos colocados na condição de pastores, contemplando os campos e convivendo com os animais, cultivando amor. Fundamental para compreender as Liras é situar que essas belas letras produzidas no Estado do Brasil, colônia do Império Português, compreendem-se no período histórico conhecido como “Arcadismo” ou Neoclassicismo. E é justamente a condição de colônia e tudo a que a força lusitana impunha é que o amor entre ambos não se pode realizar, uma vez que no meio do caminho, há a Inconfidência Mineira, quando o poeta é preso, condenado e degredado na África para o resto de sua vida. Se o fato histórico separou seus corpos, a força dessas liras prova a força as quais estavam ligadas essas almas, a profunda força do Amor. Aqui no Leitura de Ouvido, você terá a oportunidade de contemplar e aprender o livro inteiro, em especial em nossas Notas de Rodapé. Em três semanas, concomitantemente, até 18 de abril. A Primeira é composta por 33 liras, de caráter bucólico e idealizador, em que o eu lírico fala de seu amor por Marília e elogia sua amada.Boa leitura!Conheça o #Desenrole seu Storytelling, curso de Daiana Pasquim:⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠https://bit.ly/desenrolecomleitura⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠Para adquirir o Trincas e/ou o Verde Amadurecido, escreva para leituradeouvido@gmail.com

Foscolo, Manzoni e Leopardi a confronto: riassunto su somiglianze e differenze su tre grandi autori della letteratura italiana.

Fabriano Fabbri"La voce del diavolo"L'arte contemporanea e la moda.Einaudi Editorewww.einaudi.itNel lungo arco della contemporaneità, l'arte del vestire ha sedotto il corpo per liberarlo da disagi e inibizioni, lo ha accarezzato per divorarne le energie, lo ha spinto oltre i suoi limiti per urlare al mondo «la voce del diavolo», come scriveva William Blake: lo ha protetto con cura per reciderlo dai lacci della morale e del perbenismo. Fabriano Fabbri rilegge la storia dell'arte dalla fine del Settecento agli anni Duemila usando come metronomo le funamboliche evoluzioni del guardaroba di ieri e di oggi, fra i tumulti della tecnologia e le tempeste della rivoluzione sessuale.Moda e arte vivono di intrecci senza fine, di trame a doppio filo, di storie nelle storie che incantano, che sorprendono, che illudono e divertono. Nelle sue frenetiche rapsodie creative, ogni stile indumentale ha stretto da sempre un accordo di alleanza con i movimenti artistici piú noti al grande pubblico, dal Neoclassicismo alla Pop art. Eppure, in pochi conoscono le spinte sotterranee che animano moda, pittura e scultura, in pochi afferrano le ragioni profonde che spingono le une fra le braccia dell'altra. Quante volte abbiamo incontrato la parola «Minimalismo » curiosando fra rete e riviste? Quante volte abbiamo sentito parlare di Dalí e Schiaparelli o di Mondrian e Saint Laurent? E i colorati parei di Gauguin, quanto li abbiamo visti fra le pitture tropicali del simbolista francese e la sua impudica «casa del piacere»? E poi, ancora, chi non ha presente le danzatrici di Canova o la Madame Récamier di David in provocanti «vesti di velo», per rubare le parole al «Divin marchese» de Sade?«Vèstiti, cosí alla sdrucciola, potrebbe suonare come un imperativo, un invito piú o meno scoperto a dare un tocco di ricercatezza agli ingredienti del nostro stile. Oppure potrebbe essere un sostantivo: vestíti intesi come abiti, come capi d'abbigliamento, come divise, come fogge. Infine, vestíti, participio passato di vestire. Sia quel che sia, quando ci copriamo di tessuti non stiamo avvolgendo il corpo per semplice necessità di decoro e protezione: stiamo indossando le forme – le tele? – di Picasso e di Chanel, se ci infiliamo in un rettangolo; ci stiamo abbigliando con le visioni di Turner o Pollock quando i tessuti sono sdruciti, grinzosi e caotici; siamo invece avvolti dall'ironia di Duchamp se il nostro look è sofisticato, insolito, a volte street – come ci insegna Virgil Abloh. E siccome la storia dell'arte e del costume è sempre una storia di spazio e di volumi, partiremo proprio dall'amplesso mai interrotto fra gli artisti e gli stilisti del nostro tempo. Sia chiaro, è fin troppo ovvio mettere le mani in avanti, spiegare a mo' di preambolo che il primo impatto con un'opera d'arte o con un'opera vestimentaria coinvolge l'interezza della nostra sfera emotiva, del gusto e della personalità, delle cose che semplicemente “ci piacciono” cosí, in via istintiva; ma se vogliamo entrare nel merito dei valori che favoriscono uno stile piuttosto che un altro per capirne a fondo il senso culturale, spazio e volume sono le materie prime di un approccio obiettivo, il piú fedele possibile al nostro oggetto di interesse. E nel farlo sarà fondamentale tenere ben salda la distinzione tra le forme della modernità e le forme del contemporaneo».Fabriano Fabbri insegna Stili e arti del contemporaneo, Forme della moda contemporanea e Contemporary fashion all'Università di Bologna. È autore di numerose monografie su arte e moda, tra cui Sesso arte rock'n'roll, Atlante, Bologna 2006; Lo zen e il manga, Bruno Mondadori, Milano 2009; Boris Bidjan Saberi. 11, Atlante, Bologna 2013; L'orizzonte degli eventi, Atlante, Bologna 2013; Angelo Marani, Atlante, Bologna 2015. Per Einaudi ha pubblicato La moda contemporanea. Arte e stile da Worth agli anni Cinquanta (2019), La moda contemporanea. Arte e stile dagli anni Sessanta alle ultime tendenze (2021) e La voce del diavolo. L'arte contemporanea e la moda (2024).IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarewww.ilpostodelleparole.itDiventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/il-posto-delle-parole--1487855/support.

PALERMO (ITALPRESS) - L'arte è in grado di unire mondi apparentemente lontani. Dopo 122 anni si spostano da Milano a Palermo due capolavori scultorei del maestro Antonio Canova e tre di noti autori del Neoclassicismo lombardo, quali Giovanni Pandiani, Pietro Magni e Giovanni Spertini. Dalla collaborazione tra Fondazione Federico II e Pinacoteca di Brera nasce la rassegna “La Grande Brera al Palazzo Reale di Palermo. La seduzione del classico in mostra”, già visitabile negli “Appartamenti reali”. La sinergia sull'asse Lombardia-Sicilia tra due istituzioni culturali di primo piano è stata illustrata a Palermo da Gaetano Galvagno, presidente della Fondazione Federico II e da Angelo Crespi, direttore generale della Pinacoteca di Brera, alla presenza del sottosegretario al Ministero della Cultura, Gianmarco Mazzi. Le cinque opere di Canova, Pandiani, Magni e Spertini pongono i visitatori dinanzi a cinque figure femminili, sospese fra mito e realtà per "ritrovare l'incanto delle origini".f15/xd8/fsc/gtr

PALERMO (ITALPRESS) - L'arte è in grado di unire mondi apparentemente lontani. Dopo 122 anni si spostano da Milano a Palermo due capolavori scultorei del maestro Antonio Canova e tre di noti autori del Neoclassicismo lombardo, quali Giovanni Pandiani, Pietro Magni e Giovanni Spertini. Dalla collaborazione tra Fondazione Federico II e Pinacoteca di Brera nasce la rassegna “La Grande Brera al Palazzo Reale di Palermo. La seduzione del classico in mostra”, già visitabile negli “Appartamenti reali”. La sinergia sull'asse Lombardia-Sicilia tra due istituzioni culturali di primo piano è stata illustrata a Palermo da Gaetano Galvagno, presidente della Fondazione Federico II e da Angelo Crespi, direttore generale della Pinacoteca di Brera, alla presenza del sottosegretario al Ministero della Cultura, Gianmarco Mazzi. Le cinque opere di Canova, Pandiani, Magni e Spertini pongono i visitatori dinanzi a cinque figure femminili, sospese fra mito e realtà per "ritrovare l'incanto delle origini".f15/xd8/fsc/gtr

PALERMO (ITALPRESS) - L'arte è in grado di unire mondi apparentemente lontani. Dopo 122 anni si spostano da Milano a Palermo due capolavori scultorei del maestro Antonio Canova e tre di noti autori del Neoclassicismo lombardo, quali Giovanni Pandiani, Pietro Magni e Giovanni Spertini. Dalla collaborazione tra Fondazione Federico II e Pinacoteca di Brera nasce la rassegna “La Grande Brera al Palazzo Reale di Palermo. La seduzione del classico in mostra”, già visitabile negli “Appartamenti reali”. La sinergia sull'asse Lombardia-Sicilia tra due istituzioni culturali di primo piano è stata illustrata a Palermo da Gaetano Galvagno, presidente della Fondazione Federico II e da Angelo Crespi, direttore generale della Pinacoteca di Brera, alla presenza del sottosegretario al Ministero della Cultura, Gianmarco Mazzi. Le cinque opere di Canova, Pandiani, Magni e Spertini pongono i visitatori dinanzi a cinque figure femminili, sospese fra mito e realtà per "ritrovare l'incanto delle origini".f15/xd8/fsc/gtr

Versione audio: Il Romanticismo è stato un movimento letterario, culturale e artistico sviluppatosi parallelamente al Neoclassicismo e che, a differenza di questo, ha affermato il valore del sentimento e della passionalità nella vita di ogni individuo. Ha esordito nella seconda metà del Settecento (primo Romanticismo, 1770-1815) e ha raggiunto la massima espressione nella prima metà […] L'articolo Turner, Kant e la Natura imprevedibile proviene da Arte Svelata.

Edição excepcional do podcast Doenças Tropicais Trilha: Sampaguita Música de desfecho: Sopor Aeternus & The Ensemble of Shadows - Ich wollte hinaus in den Garten (1999)

Última aula da série acerca do livro de Erwin Panofsky. Neste episódio, Douglas Lisboa estará discorrendo sobre o conceito de ideia no neoclassicismo.

Volete conoscere la Storia dell'Arte e non sapete da dove iniziare? @QuellodiArte vi ha preparato uno #StarterKIT che guiderà i primi passi nella materia più bella del mondo. In questa puntata parliamo dell'Arte dal Neoclassicismo alla Pop Art.Tutte le immagini a questo link: https://quellodiarte.com/2022/09/16/starter-kit-n3-dal-neoclassicismo-alla-pop-art/

Versione audio: Nel 1798, quando a Roma s'instaurò la Repubblica romana, lo scultore Antonio Canova (1757-1822), il più autorevole esponente del Neoclassicismo europeo, compì un viaggio in Austria e in Germania. Fu a Vienna che lo scultore ricevette dal duca Alberto di Sassonia la commissione di un mausoleo per la moglie, Maria Cristina d'Austria (figlia […] L'articolo Il Monumento funebre a Maria Cristina d'Austria: Canova, Foscolo, i Sepolcri proviene da Arte Svelata.

Cenni sul Preromanticismo, sul Neoclassicismo e su Giuseppe Parini e sulla sua opera più importante: "Il Giorno".  Lettura e analisi (lezione tenuta in classe) dei primi versi tratti da "Il Mattino": L'ardua scelta del Giovin Signore.

Ogni tanto nell'interpretazione dell'Arte si diventa abbastanza rigidi. Oggi vi racconto di come il concetto di Exemplum Virtutis neoclassico si può affiancare anche al romanticismo. Vi piace come idea? Dite la vostra nei commenti!

Ci sono opere d'Arte che nascono da sviste clamorose, da preconcetti o più semplicemente da errori di interpretazione. Il Neoclassicismo, che nasce da una visione alterata dell'antico ne è un esempio. Ne conoscete altri? Ne parliamo nel web diario di oggi.

Il Giuramento degli Orazi è un'opera di David che ricorda un evento della storia romana di una guerra tra Romani e Albani. A guardare con attenzione però emergono dei valori politici. Secondo voi quali sono? Volete dire la vostra nei commenti?

Amore e Psiche è una storia che ben si presta alle rappresentazioni artistiche. Una delle versioni più conosciute è quella di Antonio Canova, il protagonista di questo episodio.

Parlare di Romanticismo italiano significa dover considerare il contesto dell'epoca, nel quale il Classicismo restò a lungo nella sfera dei salotti letterari. Per capire come il Romanticismo italiano si sia sviluppato, dobbiamo considerare il ruolo delle riviste letterarie e della politica dell'epoca.In questa pillola capiremo meglio in cosa consista il Romanticismo in Italia, e perché sia così diverso da quello europeo - eccettuati alcuni rari casi di eccellenza.Se vuoi approfondire, qui trovi alcuni link:- Il Romanticismo italiano in letteratura: https://www.studenti.it/romanticismo-italiano.html- Il Romanticismo, caratteristiche ed esponenti: https://www.studenti.it/romanticismo-caratteristiche-esponenti.html- Neoclassicismo e Preromanticismo: https://www.studenti.it/neoclassicismo-e-preromanticismo-in-letteratura-caratteristiche-e-protagonisti.htmlColonna sonoraBlippy trance / Poppers and prosecco - Kevin Mac Leod https://incompetech.com/Effetti sonori: https://www.zapsplat.com

Perché i neoclassici traducono gli stilemi dell'arte sacra nel neoclassicismo?Quello di Arte ve lo dice in 1 minuto! Non vi basta? Chiedete qualcosa di più nei commenti qua sotto. Troverai questo e tanti altri podcast su https://quellodiarte.com/2021/06/11/perche-i-neoclassici-traducono-gli-stilemi-dellarte-sacra-nel-neoclassicismo/Vuoi richiedere una puntata di MONO della tua opera d'arte preferita? Richiedila cliccando il seguente link: https://quellodiarte.com/2021/01/11/arte-monografie-on-demand/Se vuoi scrivere a Quello di Arte l'email è quellodiarte@gmail.comPlaylist©QuellodiArte, Michelangelo Mammoliti, Answer, 2021---Perché i neoclassici traducono gli stilemi dell'arte sacra nel neoclassicismo?L'illuminismo francese che aveva fatto della ragione la propria fede, era ateo. Gli artisti neoclassici che hanno dato immagine all'illuminismo nella loro formazione hanno imparato tanto dall'arte sacra, ma si sono trovati a non potere utilizzare le loro conoscenze in campo iconografico, perciò tradussero gli elementi stilistici sacri in modelli neoclassici.David nella La morte di Marat ritrae il rivoluzionario francese con un braccio calato a terra, un riferimento a due pose molto note.Cristo nella Pietà di Michelangelo, e che sarà replicata da Raffaello, da Caravaggio e da tanti altri artisti.La sepoltura di Meleagro un eroe greco che, per cavalleria verso Atalanta, uccise i suoi zii e per questo si procurò la morte. Era un tema ricorrente nei bassorilievi dei sarcofagi romani;Utilizzando l'iconografia “sacra” di chi muore per un ideale, David trasforma l'omicidio di Marat nel martirio ateo di un politico.

Cosa s'intende per “nobile semplicità e quieta grandezza”?Il concetto di “Nobile semplicità e quieta grandezza” è stato formulato da Johann Joachim Winckelmann nel 1755 nei Pensieri sull'imitazione delle opere greche nella pittura e nella scultura. Winckelmann descrive l'effetto che danno le statue greche come una calma, la stessa calma della superficie del mare, anche se sotto in profondità ci sono le correnti. Questa affermazione sarà il presupposto fondante dell'arte Neoclassica. Nel 1871 Antonio Canova, su questa idea realizza Teseo e il minotauro. È la rappresentazione della razionalità: è l'uomo che ha sconfitto la creatura con la testa (e la mente) animale;c'è l'exemplum virtutis dell'eroe che medita sulla vittoria, e non esulta; il pathos è azzerato con il racconto di un momento differente dal culmine della vicenda, la lotta. Tutto si riconduce al concetto di calma che vince le emozioni.

Come agiscono l'arte greca e l'arte romana nella impostazione dell'opera neoclassica?Quello di Arte ve lo dice in 1 minuto! Non vi basta? Chiedete qualcosa di più nei commenti qua sotto. Troverai questo e tanti altri podcast su https://quellodiarte.com/2021/06/10/come-agiscono-larte-greca-e-larte-romana-nella-impostazione-dellopera-neoclassica/Vuoi richiedere una puntata di MONO della tua opera d'arte preferita? Richiedila cliccando il seguente link: https://quellodiarte.com/2021/01/11/arte-monografie-on-demand/Se vuoi scrivere a Quello di Arte l'email è quellodiarte@gmail.comPlaylist©QuellodiArte, Michelangelo Mammoliti, Answer, 2021---Come agiscono l'arte greca e l'arte romana nella impostazione dell'opera neoclassica?Il linguaggio neoclassico si articola tra l'arte greca e l'arte romana. Il giuramento degli Orazi di Jacques-Louis David racconta un fatto della storia romana, rappresentato nel momento precedente alla battaglia tra Orazi e Curiazi, per la contesa dei territori di confine tra Roma e Alba Longa. Una guerra empia perché entrambe le fazioni avevano come capostipite Romolo. Quindi si risolse facendo combattere tre uomini presi da famiglie rivali. Gli Orazi in questo quadro giurano sprezzanti della morte.David rappresenta il momento con un gusto grecizzante, riducendo i particolari, risolvendo la scena in un ambiente privo di decorazioni con un ordine vicino al dorico ancora più semplificato come nell'assenza delle scanalature sulla colonna. Dal mondo greco riprende l'estetica, dal mondo romano riprende l'etica, il comportamento degli uomini piuttosto che degli eroi.

Affascinante approfondimento dedicato al rivoluzionario storico dell'arte settecentesco. La misteriosa vicenda che avvolge la vita

- Neoclassicismo e preromanticismo in Ugo Foscolo --- Send in a voice message: https://anchor.fm/stefanodambrosio/message

- Apollo del Belvedere - Jacques Louis David - William Turner - Caspar David Friedrich --- Send in a voice message: https://anchor.fm/stefanodambrosio/message

Versione audio: Il Romanticismo fu un movimento letterario e artistico che affondò le sue radici nella seconda metà del Settecento, raggiungendo la sua massima espressione negli anni Venti, Trenta e Quaranta dell’Ottocento. Infatti, si è soliti distinguere fra un primo Romanticismo (1770-1815), che sostanzialmente convisse con il Neoclassicismo, e un Romanticismo maturo (1815-45), inteso come […] L'articolo Il Romanticismo, il sublime e le nuove teorie estetiche proviene da Arte Svelata.

Versione audio: La violenta polemica anticlassica condotta nell’Ottocento dal Romanticismo ha codificato l’immagine del Neoclassicismo come di uno stile puramente imitativo, freddo, accademico e impersonale, viziato di archeologismo e posto fuori dalla storia. Per questo motivo, ancora oggi, il Neoclassicismo fatica ad incontrare l’amore del grande pubblico. Ma l’arte neoclassica, propostasi come produzione cosciente e […] L'articolo Winckelmann, Mengs, il Neoclassicismo e le sue teorie estetiche proviene da Arte Svelata.

Versione audio: In Francia e in Italia, paesi con una solidissima tradizione classicistica e dove il Neoclassicismo si era maggiormente radicato, il movimento romantico si sviluppò con accenti molto diversi rispetto a quanto avveniva in Inghilterra e in Germania. I romantici francesi e italiani, infatti, non furono particolarmente interessati alla pittura di paesaggio, benché non […] L'articolo Géricault: ritratti e frammenti anatomici proviene da Arte Svelata.

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- Sepolcri V sezione - Neoclassicismo dei "Sepolcri" - Catullo "Multas per gentes et multas per aequora vectus" - "A Zacinto" - "Alla Sera" - "In morte del fratello Giovanni" - La morte come porto quiete - Foscolo a Pavia ed esortazione alle storie - Discorso di Elettra - Profezia di Cassandra - Cloto, Lachesi, Atropo - Poesia come compensazione per gli sconfitti della storia - Ettore, o dell'amor di patria --- Send in a voice message: https://anchor.fm/stefanodambrosio/message

Versione audio: Il pittore francese Jacques-Louis David (1748-1825) fu uno dei più autorevoli rappresentanti del Neoclassicismo europeo. Formatosi in patria, nel 1775 ottenne l’ambito Prix de Rome, una sorta di borsa di studio che gli consentì di recarsi a Roma, all’epoca centro culturale ancora molto vivo, per studiare e copiare statue antiche e dipinti moderni. […] L'articolo Il giuramento degli Orazi di David proviene da Arte Svelata.

Versione audio: Antonio Canova (1757-1822), nato a Possagno, vicino Treviso, fu uno dei più grandi artisti del Neoclassicismo europeo, uno degli ultimi grandi maestri italiani che tutto il mondo occidentale ci invidiò e si contese. Critici, conoscitori, poeti, letterati suoi contemporanei furono tutti concordi nel definirlo eccelso, inarrivabile. La sua morte fu vissuta come un […] L'articolo Canova e il bacio di Amore e Psiche proviene da Arte Svelata.

L'ultima tappa del viaggio attraverso la pittura moderna ci porta a parlare del '700. Un secolo lungo che sconfina, tipo vicino di casa rompicoglioni, nell'800. Il baroccoroccocò è al tramonto, mentre il Neoclassicismo (che si può tradurre in quando-finiamo-le-idee-rifacciamo-i-classici) diventa una moda.Da quello sborone di David, fino ai complessi esistenziali di Goya, questo secolo regala perle di incredibile valore!

Il Neoclassicismo. La riscoperta dell'Antico da Winckelmann a Canova di Giovanni Villa, supervisione di Monica D'Onofrio, regia di Valerio Giannetti.

Per i rivoluzionari la morte di Marat è la traduzione dell'iconografia sacra in una scena di martirio di ateo valore politico. Ma è un cerchio che si chiude nella rappresentazione di un'altro mito. Una pietà atea, sacra e classica al tempo stesso. Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2020/04/23/la-pieta-atea-sacra-e-classica/Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistSe volete scrivere a Quello di Arte l'email è quellodiarte@gmail.comPlaylistMichelangelo Mammoliti, Mono, 2019

Siamo arrivati alla settima puntata della rubrica L'altrobinario speciale poesia e il secolo di cui ci occuperemo in questa puntata è il novecento. Il Romanticismo è un movimento artistico che nasce in Germania sotto il termine “sturm und trang “. ovvero “tempesta e assalto” e si diffonde successivamente in tutta Europa. Reagisce all’Illuminismo cioè al culto della Ragione, e al Neoclassicismo, cioè al culto delle forme classiche della bellezza, quella degli antichi greci e romani. Il Romanticismo cavalca e valorizza le energie della Spiritualità, dell’Emotività, del sentimento appassionato, della Fantasia, e sopratutto afferma il valore supremo della soggettività dell’artista. L’800 è il secolo dei poeti e della poesia. Tra tutti ne elenchiamo solo alcuni: Keats, Shelley, Foscolo, Carducci, Pascoli. Noi ne scegliamo due: lord Byron e Giacomo Leopardi Byron è un nobile inglese. Tra i suoi antenati ci sono ammiragli, narratori, stravaganti libertini. Visse 36 anni tra il 1788 e il 1824. Byron descrive il malessere del secolo, l’inquietudine, l’irrequietezza, la malinconia, lo spirito di ribellione contro l’ordine costituito. Di lui abbiamo scelto una poesia dal titolo “Strofe per musica”. Dicono che la Speranza sia Felicità, ma il vero Amore deve amare il Passato e il Ricordo risveglia i pensieri felici che primi sorgono e ultimi svaniscono, e tutto ciò che il Ricordo ama di più, un tempo fu Speranza solamente e quel che amò e perse la Speranza ormai è circonfuso nel Ricordo. È triste! È tutto un’illusione, il futuro ci inganna da lontano non siamo più quel che ricordiamo nè osiamo pensare a quel che siamo. In questa poesia Speranza e Ricordo si inseguono invano, entrambi alla ricerca dell’Amore. Quello che resta nel presente è un enorme Vuoto. ******** Il conte Giacomo Leopardi è stato un poeta, un erudito, un filosofo, uno scrittore. È ritenuto uno dei maggiori poeti europei dell’800. È nato a Recanati nel 1798, è morto a Napoli nel 1837 a 39 anni. Da ragazzo studia molto ( è sua l’espressione “ studio matto e disperatissimo”) nella straordinaria biblioteca del padre, con l’ausilio di precettori ed eruditi. Apprende il latino e il greco, conosce l’ebraico e il sanscrito e tutte le lingue europee. Ha interessi per la matematica e l’astronomia. È, per tutta la sua breve vita, molto malato. Sopratutto di una grave forma di scoliosi, presumibilmente di origine tubercolare. Ha gravi problemi agli occhi. Soffre intensamente tutto il suo dolore, sente come ferite insopportabili i suoi gravi impedimenti fisici, che ostacolano il suo amore per le donne e il suo sconfinato bisogno di amore. La sua sterminata cultura è solo un palliativo, un lenimento non risolutivo. Passa dall’amore per l’erudizione, all’apprezzamento del Bello, e poi dall’amore del Bello a quello per la Verità. Viaggia a Roma, a casa dello zio materno, poi a Milano, a Bologna , a Pisa. A Firenze rimane tre anni dal 1830 al 1833. Poi a Napoli, ospite del suo amico Antonio Ranieri, che lo seppellisce al momento della morte, poche settimane prima dell’avvento della peste. Un’amica tedesca così lo descrive in quel periodo: “ Leopardi è piccolo e gobbo, il viso ha pallido e sofferente...fa del giorno notte e viceversa...conduce una delle più miserevoli vite che si possano immaginare. Tuttavia, conoscendolo più da vicino, la finezza della sua educazione classica e la cordialità del suo fare dispongono l’animo in suo favore”. E ora, detto del corpo e della mente così sfortunati, godiamoci questi versi meravigliosi che Leopardi crea! L’infinito Sempre caro mi fu quest’ermo colle e questa siepe che da tanta parte dell’ultimo orizzonte il guardo esclude. Ma sedendo e mirando, interminati spazi di là da quella e sovrumani silenzi e profondissima quiete io nel pensier mi fingo; ove per poco il cor non si spaura. E come il vento odo stormir tra queste piante io quello infinito silenzio a questa voce vo comparando e mi sovvien l’eterno e le morte stagioni e la presente, e viva, e il suon di lei. Così tra queste immensità s’immerge il pensier mio: e il naufragar m’è dolce in questo mare. Una delle poesie più intense mai scritte! Me stesso Or poserai per sempre, stanco mio cor. Perì l’inganno estremo, ch’eterno io mi credei. Perì. Ben sento in noi i cari inganni. Non che la speme, il desiderio, è spento, posa per sempre. Assai palpitasti. Non val cosa nessuna i moti tuoi, nè di sospiri è degna la terra. Amaro e noia la vita, altro mai nulla; e fango il mondo. T’acqueta ormai. Dispera l’ultima volta. Al gener nostro il fato non donò che il morire. Ormai disprezza te, la natura, il brutto poter che, ascoso, a comun danno impera e l’infinita vanità del tutto. Dolore, dolore, dolore. Allora la poesia di Leopardi è solo questo? Un urlo, magari con parole ben scelte, sublimi, che si dilata da sè? Dice di lui De Sanctis, il maggiore critico letterario italiano: Leopardi non crede al progresso e te lo fa desiderare non crede alla libertà e te la fa amare chiama illusioni l’amore, la gloria, la virtù e te ne accende in petto il desiderio È scettico e ti fa credente E mentre non crede possibile un avvenire per la patria comune, ti desta in seno un vivo amore in quella e ti infiamma a nobili fatti. ********* La poesia di Varrasi è dedicata al padre morto, visto proprio nel momento successivo al decesso. Si intitola “Mio padre” Il viso di mio padre cadavere era proprio solo carne. L’anima se ne era andata, era evidente. Indaffarato come era stato a tirare il pesante carretto della famiglia, l’aveva trascurata, troppo. Come una donna poco amata, la sua anima aveva colto al volo l’occasione per lasciarlo lì, un semplice ammasso di cellule. Rimanevano i ricordi dei suoi occhi grandi, ora affettuosi, ora severi, delle labbra carnose, del profumo nel fazzoletto pulito, delle sue mani larghe che rassicuravano, dei ciuffi di peli alle orecchie, ricordo di stagioni selvagge. L'articolo Altrobinario: speciale poesia (7) proviene da Radio Voce della Speranza.

Versione audio: Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) fu tra i più importanti pittori del Neoclassicismo; di più, egli rimase il più autorevole rappresentante della stagione neoclassica dopo che questa si era sostanzialmente conclusa, dunque in piena età romantica. Con la Restaurazione, infatti, il Neoclassicismo, che aveva legato le sue sorti all’epopea napoleonica, tramontò. E ciò avvenne a […] L'articolo Le donne di Ingres proviene da Arte Svelata.

Ingres, con la sua ricerca, incarna una trasformazione che svela il carattere romantico del neoclassicismo. Da una parte l'attenzione alla classicità; dall'altra la passione per il rinascimento, per Raffaello, per l'esotismo. Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2019/10/10/ingres,-il-neoclassico-romantico/Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistPlaylistMichelangelo Mammoliti, Walkman Main, 2019

L'arte educa alla politica e, dalla Rivoluzione Francese, il maestro di tutti, in Francia, fu Jacques-Lous David che, con i suoi quadri, insegnava ai rivoluzionari, e non solo, il valore etico ed estetico degli exempla virtutis.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2019/10/08/david-didattica-della-rivoluzione/Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistPlaylistMichelangelo Mammoliti, Walkman Main, 2019

Imitare, non copiare; portare "in sangue" l'arte degli antichi per aggiornarla al moderno. In questo modo Canova reinterpreta il mito in un processo creativo completamente moderno.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2019/10/01/la-ragione-di-canova/Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistPlaylistMichelangelo Mammoliti, Walkman Main, 2019

La seconda metà del settecento è segnata dalla diffusione del pensiero illuminista e dalla sua manifestazione artistica, il Neoclassicismo. Un'arte moderna con un'occhio al passato, all'etica romana e all'estetica greca.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2019/09/18/la-calma-e-la-tempesta/Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistPlaylistMichelangelo Mammoliti, Walkman Main, 2019

Disegnare è un’attività che ognuno svolge un po’ modo suo, un po’ per uso condiviso. Ma c’è un disegno più razionale e un disegno più espressivo. Ragione e sentimento. @QuelloDiArte entra in modalità #examtrainer e risponde alle domande #salvavita. Vuoi avere risposte alle tue domande? Chiedile nei commenti qui sotto.

La sintesi estrema del #neoclassicismo e del concetto di armonia nel pensiero di Winkelmann. @QuelloDiArte entra in modalità #examtrainer e risponde alle domande #salvavita. Vuoi avere risposte alle tue domande? Chiedilo nei commenti qui sotto.

In questa puntata di Quello di Arte Blog Radio Podcast parleremo del settecento, un secolo di transizione che si porta dietro gli effetti del Barocco e finisce Neoclassicista. L’elemento su cui rifletteremo è la luce. All’inizio del XVIII secolo, con gli trascichi della potenza cattolica romana in declino, la luce significa ancora  manifestazione di Dio e alla fine, rielaborata dal pensiero positivista, la luce significa la presenza della ragione.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2018/09/11/tutta-unaltra-luce-dal-barocco-al-neoclassicismo/

La luce è un elemento importante dell’Arte. Oggi, Quello di Arte Blog Radio Podcast vi vuole accompagnare in un viaggio che ha come guida la luce cercando di capire quanto questo elemento sia importante e ricco di variazioni e di modalità di interpretazione.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2018/06/14/freestyle-4-si-fa-presto-a-dire-luce/

L’arte della Ragione pura è quella del neoclassicismo. In poche parole l’arte che si fa con la razionalità guardando a un Antico accessibile a tutti, quello greco-romano. Iniziano oggi delle lezioni Freestile di Quello di Arte Blog Radio podcast.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2018/06/11/freestile-1-di-nuovo-classico/

Sala dedicata al Neoclassicismo, incentrata sui capolavori di Canova e Appiani

Sala dedicata al Neoclassicismo, incentrata sui capolavori di Canova e Appiani

Poeta-cidadão, pioneiro do Romantismo português. A formação no cristianismo esclarecido e no gosto neoclássico, com entrega à militância liberal; os exílios, as decepções e a iniciação romântica; a inovadora ductilidade genológica e estilística

Nel 1842 Pietro Tenerani, insieme a Tommaso Minardi e Friedrich Overbeck, sottoscriveva il trattato "Del purismo nelle arti" di Antonio Bianchini sancendo in via ufficiale la nascita del purismo ottocentesco, il nuovo modo di fare arte, già nato da qualche anno, di cui Pietro Tenerani fu uno dei massimi interpreti. Appresi i primi rudimenti artistici dallo zio Pietro Marchetti, seguì dapprima le lezioni di Lorenzo Bartolini e Jean-Baptiste Desmarais all'Accademia di Belle Arti di Carrara, la sua città natale, quindi si trasferì a Roma dove diventò dapprima allievo e poi collaboratore di Bertel Thorvaldsen. Pietro Tenerani seppe proporre un'arte originale e innovativa, diventando uno dei più importanti scultori dell'Ottocento, richiestissimo dai più prestigiosi committenti europei (e non solo). I suoi capolavori traevano ispirazione dapprima dall'arte classica, e poi da quella rinascimentale: scopriamo quelli più belli con Ilaria e Federico!

Nel 1842 Pietro Tenerani, insieme a Tommaso Minardi e Friedrich Overbeck, sottoscriveva il trattato "Del purismo nelle arti" di Antonio Bianchini sancendo in via ufficiale la nascita del purismo ottocentesco, il nuovo modo di fare arte, già nato da qualche anno, di cui Pietro Tenerani fu uno dei massimi interpreti. Appresi i primi rudimenti artistici dallo zio Pietro Marchetti, seguì dapprima le lezioni di Lorenzo Bartolini e Jean-Baptiste Desmarais all'Accademia di Belle Arti di Carrara, la sua città natale, quindi si trasferì a Roma dove diventò dapprima allievo e poi collaboratore di Bertel Thorvaldsen. Pietro Tenerani seppe proporre un'arte originale e innovativa, diventando uno dei più importanti scultori dell'Ottocento, richiestissimo dai più prestigiosi committenti europei (e non solo). I suoi capolavori traevano ispirazione dapprima dall'arte classica, e poi da quella rinascimentale: scopriamo quelli più belli con Ilaria e Federico!

Benedetto Cacciatori è stato uno degli scultori più importanti e prolifici della sua epoca, ma dopo la sua scomparsa, avvenuta nel 1871, è stato quasi del tutto dimenticato. Tuttavia si assiste a una lenta riscoperta di questo grande artista nato a Carrara nel 1794: dopo la sua formazione avvenuta nella città natale con il padre e a Milano sotto Camillo Pacetti, Benedetto Cacciatori si trovò a lavorare per i Savoia, per i quali realizzò, tra le altre cose, il grandioso ciclo di sculture dell'abbazia di Hautecombe, e a creare opere per importanti committenze pubbliche, come le statue del Duomo di Milano. La sua produzione fu molto feconda ed è difficile parlare di ogni singola opera: tuttavia con la puntata di oggi Federico e Ilaria ripercorrono la carriera di Benedetto Cacciatori cercando di contribuire alla riscoperta di uno dei più grandi scultori dell'Ottocento!

Benedetto Cacciatori è stato uno degli scultori più importanti e prolifici della sua epoca, ma dopo la sua scomparsa, avvenuta nel 1871, è stato quasi del tutto dimenticato. Tuttavia si assiste a una lenta riscoperta di questo grande artista nato a Carrara nel 1794: dopo la sua formazione avvenuta nella città natale con il padre e a Milano sotto Camillo Pacetti, Benedetto Cacciatori si trovò a lavorare per i Savoia, per i quali realizzò, tra le altre cose, il grandioso ciclo di sculture dell'abbazia di Hautecombe, e a creare opere per importanti committenze pubbliche, come le statue del Duomo di Milano. La sua produzione fu molto feconda ed è difficile parlare di ogni singola opera: tuttavia con la puntata di oggi Federico e Ilaria ripercorrono la carriera di Benedetto Cacciatori cercando di contribuire alla riscoperta di uno dei più grandi scultori dell'Ottocento!

Finestre sull'Arte dedica l'undicesima puntata a Lorenzo Bartolini e alla mostra "Lorenzo Bartolini: scultore del bello naturale" che si tiene a Firenze, presso la Galleria dell'Accademia, fino al 6 novembre. Lorenzo Bartolini, grande scultore nato a Savignano di Prato nel 1777, è stato uno dei più grandi innovatori del suo periodo: partendo dal neoclassicismo, ambito all'interno del quale l'artista compì i suoi studi, rinnovò in modo radicale il modo di fare arte del tempo proponendo non più l'imitazione della statuaria antica, bensì l'imitazione della natura, anche nei suoi particolari meno belli. Una posizione nettamente contraria al bello ideale neoclassico, che fu poi seguita da molti altri artisti. In mostra ci sono tanti capolavori, e Ilaria e Federico sono pronti a condurci in questo viaggio all'interno dell'arte di Lorenzo Bartolini!

Finestre sull'Arte dedica l'undicesima puntata a Lorenzo Bartolini e alla mostra "Lorenzo Bartolini: scultore del bello naturale" che si tiene a Firenze, presso la Galleria dell'Accademia, fino al 6 novembre. Lorenzo Bartolini, grande scultore nato a Savignano di Prato nel 1777, è stato uno dei più grandi innovatori del suo periodo: partendo dal neoclassicismo, ambito all'interno del quale l'artista compì i suoi studi, rinnovò in modo radicale il modo di fare arte del tempo proponendo non più l'imitazione della statuaria antica, bensì l'imitazione della natura, anche nei suoi particolari meno belli. Una posizione nettamente contraria al bello ideale neoclassico, che fu poi seguita da molti altri artisti. In mostra ci sono tanti capolavori, e Ilaria e Federico sono pronti a condurci in questo viaggio all'interno dell'arte di Lorenzo Bartolini!

"Scultore a niuno secondo": così recita la targa che si trova a Carrara sulla facciata della casa natale di Carlo Finelli. Un grande scultore neoclassico, amico di Antonio Canova, che lasciò molto giovane Carrara per trasferirsi a Roma e aggiornare il suo linguaggio a contatto con i più grandi artisti dell'epoca. Grazie alla sua arte elegante e delicata, Carlo Finelli ci ha regalato sculture meravigliose, di rara bellezza. Con la puntata di oggi, Ilaria e Federico ci portano alla scoperta delle opere di un artista che, benché non conosciutissimo, è da considerare tra i più importanti del diciannovesimo secolo.

"Scultore a niuno secondo": così recita la targa che si trova a Carrara sulla facciata della casa natale di Carlo Finelli. Un grande scultore neoclassico, amico di Antonio Canova, che lasciò molto giovane Carrara per trasferirsi a Roma e aggiornare il suo linguaggio a contatto con i più grandi artisti dell'epoca. Grazie alla sua arte elegante e delicata, Carlo Finelli ci ha regalato sculture meravigliose, di rara bellezza. Con la puntata di oggi, Ilaria e Federico ci portano alla scoperta delle opere di un artista che, benché non conosciutissimo, è da considerare tra i più importanti del diciannovesimo secolo.

La quarta puntata è uno speciale dedicato alla mostra su Antonio Canova che si tiene a Forlì, presso i Musei San Domenico, fino al 21 di giugno. In questo speciale Ilaria e Federico approfondiscono l'arte di Antonio Canova parlando delle opere presenti in mostra: gli ideali del neoclassicismo, i soggetti rappresentati dall'artista, il modo in cui nascevano le sue sculture, il rapporto con gli allievi e gli altri scultori del tempo. Un'utile guida per prepararsi alla mostra forlivese e per scoprire tutta la bellezza e tutta la raffinatezza della scultura di Antonio Canova.

La quarta puntata è uno speciale dedicato alla mostra su Antonio Canova che si tiene a Forlì, presso i Musei San Domenico, fino al 21 di giugno. In questo speciale Ilaria e Federico approfondiscono l'arte di Antonio Canova parlando delle opere presenti in mostra: gli ideali del neoclassicismo, i soggetti rappresentati dall'artista, il modo in cui nascevano le sue sculture, il rapporto con gli allievi e gli altri scultori del tempo. Un'utile guida per prepararsi alla mostra forlivese e per scoprire tutta la bellezza e tutta la raffinatezza della scultura di Antonio Canova.

Neoclassicismo e purismo in formato mp3