Podcasts about Philharmonie

durée : 01:29:19 - Relax ! du jeudi 25 septembre 2025 - par : Lionel Esparza - Le chef anglais s'apprête à diriger un nouveau concert à la Philharmonie de Paris, en compagnie de l'Orchestre de Paris dont il a été le directeur musical pendant trois ans. L'occasion de revenir sur les plus belles pages de sa riche discographie. Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

In der Jungen Deutschen Philharmonie erarbeiten sich die studentischen Mitglieder Kompetenzen für einen erfolgreichen Einstieg ins Berufsleben. Welche Rolle spielt dabei Mitbestimmung und wie gelingt eine Transformation, die den zukünftigen Herausforderungen des Klassikbetriebs Rechnung trägt? Darüber spricht Geschäftsführer Maximilian von Aulock mit Gerald Mertens.

durée : 01:29:19 - Relax ! du jeudi 25 septembre 2025 - par : Lionel Esparza - Le chef anglais s'apprête à diriger un nouveau concert à la Philharmonie de Paris, en compagnie de l'Orchestre de Paris dont il a été le directeur musical pendant trois ans. L'occasion de revenir sur les plus belles pages de sa riche discographie. Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

Lil Buck est aujourd'hui reconnu comme l'un des danseurs les plus singuliers de sa génération. Mais derrière son succès international se cache une histoire profondément ancrée dans une ville, un style et une rencontre.Originaire de Memphis, Lil Buck a grandi dans un environnement difficile, marqué par les inégalités sociales mais aussi par une énergie créative hors du commun. Memphis, c'est à la fois la ville du blues, du rock'n'roll et de la soul, avec des figures mythiques comme Elvis Presley, Otis Redding ou Isaac Hayes. Mais c'est aussi une ville où la jeunesse afro-américaine a transformé la rue en scène, donnant naissance au jookin, une danse fluide et acrobatique, faite de glissés de pieds et de pivots de chevilles.Très vite, Lil Buck s'impose comme l'un des plus brillants représentants de ce style. Ce qui fait sa force, c'est sa capacité à garder les racines de cette danse tout en osant l'emmener ailleurs. Et ce « ailleurs » prend une forme inattendue en 2011, lorsqu'une vidéo le montre dansant Le Cygne de Camille Saint-Saëns aux côtés du violoncelliste Yo-Yo Ma. Le choc est immédiat. Des millions d'internautes découvrent un langage inédit : le dialogue entre danse urbaine et musique classique.À partir de là, la carrière de Lil Buck bascule. Madonna l'invite à rejoindre sa tournée mondiale, Benjamin Millepied l'intègre au L.A. Dance Project, Spike Jonze le filme. La Fondation Cartier, l'Opéra de Paris et la Fondation Vuitton ouvrent leurs portes à son art. Lil Buck devient un pont vivant entre deux univers que tout semblait opposer : la rue et les institutions de la culture légitime.Pourquoi cette histoire est-elle essentielle aujourd'hui ? Parce qu'elle incarne une brèche. Lil Buck a montré qu'une danse née dans les quartiers populaires pouvait trouver sa place dans les temples de la culture classique, sans rien perdre de son authenticité.C'est cette brèche que poursuit aujourd'hui Yann Antonio, danseur français que vous avez découvert dans un autre épisode de Les Sens de la Danse. Lui aussi ose l'improvisation hip-hop face à des orchestres symphoniques, à la Philharmonie de Berlin ou à l'Alte Oper de Francfort. Lui aussi prouve que la danse n'a pas besoin de choisir entre la rue et le classique : elle peut être les deux à la fois.

Et si le hip-hop, né dans la rue, pouvait dialoguer avec Mozart, Beethoven ou Mahler ?Et si l'énergie brute du freestyle pouvait entrer dans les temples de la musique classique, face à un orchestre symphonique entier ?C'est le pari audacieux de Yann Antonio, danseur français d'origine congolaise, qui s'impose aujourd'hui comme une figure singulière de la danse.Sur scène, il improvise son hip-hop devant des orchestres prestigieux – de la Philharmonie de Berlin à l'Alte Oper de Francfort – et ses prestations cumulent déjà plusieurs millions de vues sur les réseaux sociaux.Un succès fulgurant qui intrigue autant qu'il inspire : comment un danseur venu du Val-d'Oise a-t-il réussi à tracer une telle trajectoire ?Dans cet épisode des Sens de la Danse, le podcast que je crée et anime, je pars à sa rencontre.Je m'appelle Myriam Sellam, journaliste et passionnée de danse, et à travers chaque entretien je cherche à comprendre comment le mouvement transforme nos vies.Avec Yann Antonio, nous revenons sur son enfance, marquée par une famille où l'art circule naturellement : une grand-mère danseuse, un grand-père musicien, une mère chanteuse de gospel, et surtout un frère, Loïc Mabanza, danseur professionnel et premier mentor.Il évoque ses années de travail acharné, ses doutes, ses efforts pour dépasser le simple cadre des battles et inventer une voie nouvelle.Et il partage ce détail marquant : dans sa chambre d'adolescent, il avait accroché sur un mur des images de ses rêves – des affiches de salles de concert, des orchestres – qu'il contemplait chaque jour.« J'ai affiché mes rêves sur un mur… et je les ai réalisés. »Ce rituel de visualisation, cette capacité à transformer une vision en réalité, est au cœur de son histoire.Car Yann Antonio n'a jamais cessé de croire qu'un jour, il danserait son hip-hop face à un orchestre.Il a porté ce rêve pendant dix ans, jusqu'à le voir se concrétiser.Aujourd'hui, ses performances bouleversent les spectateurs : il entre dans l'instant, improvise chaque geste, laisse son corps dialoguer avec la musique sans préparation ni partition.C'est une rencontre improbable, mais profondément évidente : un langage né de la rue qui s'élève aux côtés de la musique savante, et qui rappelle que la danse est universelle.Au fil de notre conversation, Yann Antonio parle aussi de la nécessité de s'inspirer, de l'importance des mentors, de la patience et de la persévérance.Son parcours est une leçon d'humilité et de détermination :

Am Sonntag erlebt die Oper „Parabola and Circula“ des US-Komponisten Marc Blitzstein ihre verspätete Uraufführung in der Philharmonie Berlin. Das Werk wurde 1930 in Dessau geplant, aber nie realisiert – jetzt kommt es erstmals auf die Bühne. „Es gibt keine Bauhausoper – aber eine Oper, die vom Bauhaus inspiriert ist“, sagt Musikwissenschaftler Kai Hinrich Müller. Figuren wie Kreis, Rechteck und Punkt erzählen darin eine tragische Liebesgeschichte. Musik im Bauhaus-Umfeld Auch wenn es am Bauhaus keinen Studiengang Musik gab, war sie „in der Luft“, so Müller. Konzerte, Aufführungen und die berühmte Bauhauskapelle gehörten zum Alltag, ebenso wie die Auseinandersetzung mit Bach oder Neuer Musik. Blitzsteins Oper verbindet diese Strömungen: geometrische Figuren, Lichtspiele, Drahtballett – ein Gesamtkunstwerk, das an Oskar Schlemmers Triadisches Ballett erinnert und den interdisziplinären Bauhausgeist atmet. Klang der Moderne Wie klingt Bauhausmusik? Für Müller ist es Vielfalt statt Stilreinheit: Bach-Fugen neben Jazz, Volksmusik-Parodien neben avantgardistischer Radikalität. „Es gibt nicht die Bauhausmusik – sondern ein Zusammentreffen unterschiedlichster Stile“, betont er. Mit „Parabola and Circula“ wird nun ein Stück Bauhausgeschichte hörbar, das fast 100 Jahre im Archiv schlummerte. Deutschlandfunk Kultur sendet die Aufnahme am Donnerstagabend.

Stettin wird zur nachhaltigen Metropolregion und treibt Tourismus, Wirtschaft, Kultur und Stadtentwicklung in der Pomerania-Region voran – mit spürbaren Effekten für Mecklenburg-Vorpommern. Host: Annette Ewen Reporterin: Dominique Cirstea, Redaktion Pomerania Redaktion: Claudia Arlt, Redaktion Pomerania Lob, Ideen oder Anregungen? Schreibt uns gerne eine E-Mail an: mvimfokus@ndr.de (Liebe MV im Fokus-Fans, die Links werden bei manchen Plattformen leider nicht klickbar ausgespielt. Abonniert uns am besten in der App der ARD Audiothek - da funktionieren die Links auf jeden Fall und ihr verpasst keine Folge :-) Hier der Link zum Nordmagazin-Beitrag: Nordmagazin: Eventmetropole Stettin lockt viele deutsche Touristen an - hier anschauen Und hier der Link zum Artikel: Puls der Region: Was Stettin für Vorpommern bedeutet | ndr.de Weitere Folgen zu dem Thema: Stettins Kultur-Salon - Wie eine Villa Deutsche und Polen zusammenbringt: https://www.ardaudiothek.de/episode/urn:ard:episode:8e7a5e4f7fb970f0/ Urlaub an der Ostsee: Was kann Barth von Kolberg lernen?: https://www.ardaudiothek.de/episode/urn:ard:episode:730c68400514d14b/

durée : 00:08:03 - Le Bach du matin du lundi 15 septembre 2025 - La violoniste néerlandaise, à l'affiche du concert du soir sur France Musique avec l'Orchestre de la Suite Romande et qui sera lundi prochain sur la scène de la Philharmonie de Paris, interprète ici le concerto n°2 en Mi Maj BWV 1042. Pour un réveil solaire. Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

durée : 00:08:03 - Le Bach du matin du lundi 15 septembre 2025 - La violoniste néerlandaise, à l'affiche du concert du soir sur France Musique avec l'Orchestre de la Suite Romande et qui sera lundi prochain sur la scène de la Philharmonie de Paris, interprète ici le concerto n°2 en Mi Maj BWV 1042. Pour un réveil solaire. Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

Dans cet épisode, Judith est rejointe par Louis, ingénieur du son d'Easy French et ami de longue date, pour dévoiler les coulisses du projet

D'Erwaardungen un d'Sozialronn vu muer sinn Theema, donieft geet et ëm d'Erausfuerderunge fir d'Philharmonie, wéinst dem Schantjen, dee méintelaang wäert daueren.

Olivier Mantei nous éclaire sur l'esprit de ce festival qui s'adresse à un large public, notamment aux jeunes, casse les codes du concert mais n'en demeure pas moins d'une grande exigence artistique. On pourra y entendre des standards du répertoire orchestrale, de très vastes symphonies, comme des chœurs de Verdi, de la musique américaine et même une création. Mention légales : Vos données de connexion, dont votre adresse IP, sont traités par Radio Classique, responsable de traitement, sur la base de son intérêt légitime, par l'intermédiaire de son sous-traitant Ausha, à des fins de réalisation de statistiques agréées et de lutte contre la fraude. Ces données sont supprimées en temps réel pour la finalité statistique et sous cinq mois à compter de la collecte à des fins de lutte contre la fraude. Pour plus d'informations sur les traitements réalisés par Radio Classique et exercer vos droits, consultez notre Politique de confidentialité.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Im Saisoneröffnungskonzert der Kölner Philharmonie interpretiert Klaus Mäkelä mit dem Concertgebouworkest unter anderem Béla Bartóks »Konzert für Orchester«. Dieses Werk, das letzte, das Bartok vor seinem Tod am 26. September 1945 vollenden konnte, wurde zu einem seiner bekanntesten und wurde am 1. Dezember 1944 in Boston uraufgeführt. Zu der Komposition überredete Serge Koussevitzky, der Dirigent des Boston Symphony Orchestra, den im Krankenhaus liegenden Bartók, in dem er ihm einen Scheck über 1000 Dollar brachte und ihm den Auftrag gab, ein großes sinfonisches Werk zu schreiben. Die Idee, dem kranken Bartók dadurch neue Hoffnung zu geben, ging auf: Bartók vollendete die Komposition in sechs Wochen, in denen sich sein Gesundheitszustand wesentlich besserte. Was Bartóks populärstes Orchesterstück ausmacht und warum er damit endlich seinen Durchbruch in Amerika feierte, erläutert Christoph Vratz im Podcast der Kölner Philharmonie. https://www.koelner-philharmonie.de/de/programm/janine-jansen-concertgebouworkest-klaus-makela/4599 Foto: Klaus Mäkelä mit Concertgebouworkest ©Eduardus Lee

Invité : - Pierre Korzilius, musicologue et commissaire de l'exposition Ravel Boléro à la Philharmonie de Paris    Distribué par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Invité : - Pierre Korzilius, musicologue et commissaire de l'exposition Ravel Boléro à la Philharmonie de Paris    Distribué par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Ihr Leben dreht sich um den Gesang und um die Menschen: Hayat Chaoui. Singen macht glücklich und kann Menschen zusammen bringen, davon ist Chaoui überzeugt. Dafür steht sie mit ihren Projekten, mit denen sie schon unzählige Personen in der Kölner Philharmonie zum Singen gebracht hat. Welche Sprachen sie besonders liebt und mit welchen sie sich gerade beschäftigt, was WOW bedeutet und welchen Herausforderungen sie als Chorleiterin begegnet, bespricht Chaoui mit der Kölner Philharmonie Podcast-Host Katherina Knees. https://www.koelner-philharmonie.de/de/musikativ#faq-item-2847 https://www1.wdr.de/mediathek/av/video-wdr-kultursommer-hayat-chaoui-100.html

Une idée de sortie : jusqu'au 17 août, la Philharmonie de Paris continue de célébrer la musique disco à travers son exposition événement "Disco, I'm coming out". C'est une première en France. L'occasion de revivre les années 1970 et les aspects militants et revendicatifs de cette musique. Visite guidée avec Laurent Marsick, accompagné par un des pionniers français du genre, le musicien Marc Cerrone. Ecoutez Laissez-vous tenter de l'été avec Le Service Culture du 14 juillet 2025.Distribué par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Reportage de Radio Novi Sad qui diffuse en slovaque. Artistes slovaques se sont produits a Osaka. Daniel Raiskin quitte le poste de chef d'orchestre de la Philharmonie slovaque. Cinq année depuis la mort du caméraman connu Igor Luther.

durée : 00:58:06 - Le Souffle de la pensée - par : Géraldine Mosna-Savoye - Le philosophe Peter Szendy évoque un petit conte inquiétant et inachevé sur une taupe paranoïaque qui n'a qu'un rêve : celui de bâtir le terrier parfait, à l'abri du monde de ses bruits et de ses dangers, jusqu'à faire de son chez-soi le lieu de toutes les menaces : "Le Terrier" de Franz Kafka. - réalisation : Nicolas Berger - invités : Peter Szendy Professeur en littérature comparée et en humanité à l'Université de Brown aux Etats-Unis, conseiller auprès de la Philharmonie de Paris

durée : 00:02:12 - Le grand format - C'est l'heure des concerts de fin de saison pour les orchestres Démos, projet de découverte musicale portée par la Philharmonie de Paris et qui fête ses 15 ans. 12.000 jeunes de 8 à 12 ans ont bénéficié du programme. Reportage lors de la répétition générale avant le concert de ce vendredi soir. Vous aimez ce podcast ? Pour écouter tous les autres épisodes sans limite, rendez-vous sur Radio France.

30 Jahre Erdmöbel! Die Band aus Münster/Köln feiert ihr Jubiläum mit einer besonderen Tour, die sie in die großen Konzerthäuser führt. So natürlich auch in die Berliner Philharmonie. Bevor sie dort also im Juli auftreten, ist Erdmöbel heute schon im studioeins! Eine Gruftband aus der Provinz? Als Erdmöbel (benannt nach einem DDR-Begriff für Sarg) Mitte der 90er Jahre als Band, bestehend aus Markus Berges, Ekki Maas, Wolfgang Proppe und Christian Wübben, durchstarten will, lässt der Erfolg zunächst auf sich warten. Nach dem Release des Debütalbums 1996 auf einem kleinen Essener Label, verlässt die Band das westfälisch-schöne Idyll, zieht nach Köln und beginnt zu experimentieren. Während in Berlin (und bei radioeins) dann schnell die Elektro-Version ihres Songs "Dreierbahn" läuft, dauert es in der selbstgewählten neuen Heimat noch ein bisschen, aber Anfang der 2000er ist Erdmöbel auch im Rheinland etabliert. Gerade haben die vier Musiker ihr Jubiläumsalbum "Hätte Sehnsucht Gewicht" veröffentlicht. Darauf zu hören: Neuinterpretationen von Erdmöbel-Classics sowie drei komplett neue Stücke ("Museumsladen", "Künstler" und "Dieser Tage") gemeinsam mit dem Kaiser Quartett. Ohne letzteres schlägt die Band heute Abend im studioeins auf und lässt vor ihrem Konzert im Juli in der Philharmonie die letzten 30 Jahre schon einmal Revue passieren – im Interview und natürlich musikalisch.

30 Jahre Erdmöbel! Die Band aus Münster/Köln feiert ihr Jubiläum mit einer besonderen Tour, die sie in die großen Konzerthäuser führt. So natürlich auch in die Berliner Philharmonie. Bevor sie dort also im Juli auftreten, ist Erdmöbel heute schon im studioeins! Eine Gruftband aus der Provinz? Als Erdmöbel (benannt nach einem DDR-Begriff für Sarg) Mitte der 90er Jahre als Band, bestehend aus Markus Berges, Ekki Maas, Wolfgang Proppe und Christian Wübben, durchstarten will, lässt der Erfolg zunächst auf sich warten. Nach dem Release des Debütalbums 1996 auf einem kleinen Essener Label, verlässt die Band das westfälisch-schöne Idyll, zieht nach Köln und beginnt zu experimentieren. Während in Berlin (und bei radioeins) dann schnell die Elektro-Version ihres Songs "Dreierbahn" läuft, dauert es in der selbstgewählten neuen Heimat noch ein bisschen, aber Anfang der 2000er ist Erdmöbel auch im Rheinland etabliert. Gerade haben die vier Musiker ihr Jubiläumsalbum "Hätte Sehnsucht Gewicht" veröffentlicht. Darauf zu hören: Neuinterpretationen von Erdmöbel-Classics sowie drei komplett neue Stücke ("Museumsladen", "Künstler" und "Dieser Tage") gemeinsam mit dem Kaiser Quartett. Ohne letzteres schlägt die Band heute Abend im studioeins auf und lässt vor ihrem Konzert im Juli in der Philharmonie die letzten 30 Jahre schon einmal Revue passieren – im Interview und natürlich musikalisch.

Invité: Jean-Yves Leloup. Qui ne sʹest pas déhanché un jour sur Abba, les Bee Gees ou Donna Summer? Plus de 50 ans après ses débuts, le disco fait toujours danser. Mais quel est son histoire? Sous ses airs hédonistes, pas prise de tête, le disco est-il aussi une musique politique? Quel a été lʹinfluence du disco sur la mode, le design? Tribu reçoit Jean-Yves Leloup, journaliste, DJ et commissaire de lʹexposition "Disco, I'm coming out", à voir à la Philharmonie de Paris jusquʹau 17 août 2025.

Formé de cinq membres dont Anna Mouglalis et Lucie Antunes, le groupe punk Draga sort un premier album qui met à l'honneur la pensée féministe de la romancière et militante Monique Wittig. Le groupe Draga est formé d'Anna Mouglalis, Lucie Antunes, Théodora Delilez, P.R2B, et Narumi Herisson. Leur premier album, enregistré en 4 jours, s'appelle ô Guérillères, en référence directe au texte de Monique Wittig publié en 1969, qu'elles chantent. Un long récit choral dans lequel elle raconte le poids de la langue conçue, formaté par les hommes.  Draga vient du texte de Monique Wittig, il y a une ponctuation avec des listes de prénoms féminins. C'est le nom de toutes ces femmes qui entrent en guerre.  Guérillères c'est la contraction de "Guérilla" et de "guerrières" Monique Wittig revendique la nécessité d'inventer des mots, un nouveau langage.  Anna Mouglalis Monique Wittig (1935-2003) est une romancière, philosophe et militante franco-américaine féministe. Elle s'installe à Paris dans les années 50 pour étudier les lettres à la Sorbonne. Elle se fait connaître en 1964 avec la sortie de L'Opoponax, publié aux éditions de Minuit qui obtient le Prix Médicis, et qui fut honoré par Marguerite Duras. Dans ce roman qui raconte l'histoire d'une petite fille depuis la maternelle jusqu'à la fin de sa scolarité, elle emploie le pronom «on» à la place de «elle» ou de «je» pour déconstruire les normes de langages patriarcales. Ça nous semblait urgent de mettre les mots en avant. Ça a résonné immédiatement en nous. Nous sommes habitées par ce texte.  Lucie Antunes    En 1968, elle s'engage dans le mouvement de révolte étudiant, puis en 1970, puis elle co-fonde le MFL, Mouvement de Libération des Femmes, puis elle participe à la fondation du groupe féministe radical des Féministes Révolutionnaires qui deviendra Les Gouines Rouges. Elle finit par quitter la France pour s'installer aux États-Unis. Dans La pensée straight, elle critique, dans un recueil d'articles, le système hétérosexuel comme une norme qui structure la société. Elle y défend l'idée que le genre est une construction politique. Par ses écrits et recherches, elle a grandement influencé les études queer.  Invitées : Anna Mouglalis, actrice, chanteuse, membre du groupe Draga et Lucie Antunes, musicienne, percussionniste et multi-instrumentiste française et membre du groupe Draga.  Programmation musicale :​​​​​​ - Féminaire - She says - Guérillères - Sirène Tous ces titres sont sur l'album ô guérillères de Draga.  À voir à la Philharmonie le 4 juillet 2025. 

Formé de cinq membres dont Anna Mouglalis et Lucie Antunes, le groupe punk Draga sort un premier album qui met à l'honneur la pensée féministe de la romancière et militante Monique Wittig. Le groupe Draga est formé d'Anna Mouglalis, Lucie Antunes, Théodora Delilez, P.R2B, et Narumi Herisson. Leur premier album, enregistré en 4 jours, s'appelle ô Guérillères, en référence directe au texte de Monique Wittig publié en 1969, qu'elles chantent. Un long récit choral dans lequel elle raconte le poids de la langue conçue, formaté par les hommes.  Draga vient du texte de Monique Wittig, il y a une ponctuation avec des listes de prénoms féminins. C'est le nom de toutes ces femmes qui entrent en guerre.  Guérillères c'est la contraction de "Guérilla" et de "guerrières" Monique Wittig revendique la nécessité d'inventer des mots, un nouveau langage.  Anna Mouglalis Monique Wittig (1935-2003) est une romancière, philosophe et militante franco-américaine féministe. Elle s'installe à Paris dans les années 50 pour étudier les lettres à la Sorbonne. Elle se fait connaître en 1964 avec la sortie de L'Opoponax, publié aux éditions de Minuit qui obtient le Prix Médicis, et qui fut honoré par Marguerite Duras. Dans ce roman qui raconte l'histoire d'une petite fille depuis la maternelle jusqu'à la fin de sa scolarité, elle emploie le pronom «on» à la place de «elle» ou de «je» pour déconstruire les normes de langages patriarcales. Ça nous semblait urgent de mettre les mots en avant. Ça a résonné immédiatement en nous. Nous sommes habitées par ce texte.  Lucie Antunes    En 1968, elle s'engage dans le mouvement de révolte étudiant, puis en 1970, puis elle co-fonde le MFL, Mouvement de Libération des Femmes, puis elle participe à la fondation du groupe féministe radical des Féministes Révolutionnaires qui deviendra Les Gouines Rouges. Elle finit par quitter la France pour s'installer aux États-Unis. Dans La pensée straight, elle critique, dans un recueil d'articles, le système hétérosexuel comme une norme qui structure la société. Elle y défend l'idée que le genre est une construction politique. Par ses écrits et recherches, elle a grandement influencé les études queer.  Invitées : Anna Mouglalis, actrice, chanteuse, membre du groupe Draga et Lucie Antunes, musicienne, percussionniste et multi-instrumentiste française et membre du groupe Draga.  Programmation musicale :​​​​​​ - Féminaire - She says - Guérillères - Sirène Tous ces titres sont sur l'album ô guérillères de Draga.  À voir à la Philharmonie le 4 juillet 2025. 

durée : 00:04:52 - Classic & Co - par : Anna Sigalevitch - Anna Sigalevtich nous parle ce matin de "Lili et Nadia Boulanger, une disparition de Maleine", un livre illustré de Léo Henry et Elodie Durand, paru aux Editions de la Philharmonie.

durée : 00:17:12 - César Franck, Paul Dukas, Albert Roussel - Orchestre de Paris, Paavo Järvi - Paavo Järvi et l'Orchestre de Paris partagent une longue histoire commune, commencée en 2004. Enregistré à la Salle Pleyel et à la Philharmonie et mettant en lumière des chefs-d'œuvre du répertoire français, ce disque témoigne de l'engagement du chef envers l'un de ses orchestres de prédilection.

durée : 00:17:12 - César Franck, Paul Dukas, Albert Roussel - Orchestre de Paris, Paavo Järvi - Paavo Järvi et l'Orchestre de Paris partagent une longue histoire commune, commencée en 2004. Enregistré à la Salle Pleyel et à la Philharmonie et mettant en lumière des chefs-d'œuvre du répertoire français, ce disque témoigne de l'engagement du chef envers l'un de ses orchestres de prédilection.

Painting, Designing, Singing, Dancing, Fashion, Spiritual exploration…

durée : 00:05:05 - Classic & Co - par : Anna Sigalevitch - Anna Sigalevitch nous parle ce matin d'un photo/concert, "Portrait d'Haïti dans lequel la pianiste Célimène Daudet interprétera des œuvres de compositeurs haïtiens du début du siècle dernier, demain à 16h à la Philharmonie de Paris et ensuite le 20 à Caen et le 24 à Vernon.

durée : 01:28:30 - Relax ! du vendredi 16 mai 2025 - par : Lionel Esparza - Arcadi Volodos sera en concert ce lundi à la Philharmonie de Paris. Comme c'est l'un des plus grands pianistes du monde, et que Lionel Esparza l'adore au-delà de toute description, l'émission du jour lui est consacrée. Saluons aussi la mémoire de Luigi Alva, mort hier.

durée : 00:04:58 - Le Bach du matin du jeudi 15 mai 2025 - Notre Bach du matin est un Bach conjugal. La violoniste géorgienne Lisa Batiashvili est mariée au hautboïste François Leleux. Tout deux étaient à la Philharmonie avec l'orchestre de Paris pour un double programme : deux concerto pour hautbois, un de Thierry Escaich et son modèle, celui de Bach.

Alain Finkielkraut se retrouve au milieu d'une exposition sur la musique métal à la Philharmonie de Paris, pour le plus grand désarroi de ses oreilles. Tous les jours, retrouvez le meilleur de Laurent Gerra en podcast sur RTL.fr, l'application et toutes vos plateformes. Distribué par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

durée : 00:04:56 - Classic & Co - par : Anna Sigalevitch - L'oratorio de Pâques par Christophe Rousset avec les Talents Lyriques, ce sera ce soir au festival de Pâques d'Aix en Provence, demain à la Philharmonie de Paris et en direct sur France Musique, puis samedi prochain à l'Arsenal à Metz.

Thu, 17 Apr 2025 23:00:00 +0000 https://seesee.podigee.io/s3e18-andrei-ionita 8b306c6e95ffcb5e607b501afe394bac In this episode, we have an in-depth conversation with Andrei Ioniță, the prodigious Romanian cellist and winner of the 2015 International Tchaikovsky Competition. We explore the emotional profundities and rich spectrum of colors that the cello can evoke, and how it reflects the subtleties of human emotion. Andrei shares his thoughts on playing Bach, discussing the personal connection he has with his instrument and his journey as a musician. He also reflects on the nuances of gut strings, the importance of good posture for a cellist, the physical sensation of the cello resting against his body, and how this intimate embrace influences emotional expression and depth of sound, particularly in the intense, low register passages. In this episode dedicated to music, Andrei also discusses his Romanian heritage and how the voice of Romania speaks through his bow, offering a personal insight into his cultural identity. In this episode, he takes us inside his experience during the 15th Tchaikovsky Competition and talks about his most difficult decisions as a musician. Most powerfully, Andrei opens up about how he conveys his whole soul through his music, sharing the courage it takes to be vulnerable and break through at the highest emotional peaks, only to let go and invite the listener into a shared human experience through his playing. This episode is a real treat for the ears and the heart! Andrei Ioniță's carrier it's a journey of emotional reflection and artistic courage – You'll understand what it is meant to “play from the gut”. Website: https://www.andreiionitacellist.com https://www.haefligerproduction.com/andrei-ionita https://www.symphonikerhamburg.de/laeiszhalle-orchester-symphoniker-hamburg/andrei-ionita-135 Instagram: ionita_andrei94 Facebook: Andrei Ioniță - Cellist This episode's Playlist and Playlist's credits: · Papandopulo, Boris. Rhapsodia Concertante: I. Introduzione Tempo Libero. Performed by Oliver Triendl and Andrei Ioniță. On Boris Papandopulo: Works for Piano & Strings, CPO-555106-2, 2021.CD · Tchaikovsky, Pyotr Ilyich. Variations on a Rococo Theme, Op. 33 (var. VII e Coda : Allegro vivo). Performed by Cellist Andrei Ioniță and the Münchener Philharmoniker conducted by Valery Gergiev recorded at the Philharmonie im Gasteig (Munich, Germany), on May 12, 2017 20:00 © A Coproduction by Munich Philharmonic Orchestra & Telmondis // In Association with medici.tv & Takt1 https://www.youtube.com/watch?v=-6dyn2LRxVo · Brett, Dean. 11 Oblique Strategies No. 1. Listen to the Quiet Voice. Performed by Andrei Ioniță. On Oblique Strategies. Orchid Classics ORC100096, 2019. CD. · Brett, Dean. 11 Oblique Strategies No. 5. What are the Sections Sections of? Performed by Andrei Ioniță. On Oblique Strategies. Orchid Classics ORC100096, 2019. CD. · Brahms, Johannes. Cello Suite No. 1 G Major, BWV 1007: I. Prelude. Performed byAndrei Ioniță. On Oblique Strategies. Orchid Classics ORC100096, 2019. CD. · Brahms, Johannes. Cello Suite No. 1 in G Major BWV 1007: III. Courante. Performed by Andrei Ioniță. On Oblique Strategies. Orchid Classics ORC100096, 2019. CD. · Brahms, Johannes. Clarinet Trio in A Minor, Op. 114: I. Allegro. Performed by Pablo Barragán, Andrei Ioniță, and Juan Pérez Floristán. On Brahms: Complete Clarinet Sonatas & Trio. IBS Classical, 2018. CD. · Papandopulo, Boris. Concertino in modo antico, OP.56 II Aria. Performed by Oliver Triendl, Amaury Coeytaux, Vanessa Szgeti, and Andrei Ioniță. On Boris Papandopulo:Works for Piano & Strings, CPO-555106-2, 2021.CD · Dmitri, Shostakovich. Sonata for Cello and Piano in D Minor, Op.40. The XV International Tchaikovsky Competition. Performed by Andrei Ioniţă: Cellist and Seong-Jin Cho: Pianist. Concert recorded at the Salle des Combins (Verbier, Switzerland), on July 25, 2018. © Idéale Audience with the participation of medici.tv https://www.youtube.com/watch?v=iHPd1dN89bM · Dmitri, Shostakovich. Cello Concerto No. 1 in E-flat major, Op. 107 4. Allegro con moto. Performed by Andrei Ionuț Ioniță with the Mariinsky Theatre Symphony Orchestra conducted by Valery Gergiev. The XV International Tchaikovsky Competition's Winners' Concert. Recorded at the Great Hall of the Moscow Conservatory, on July 2, 2015. © MUSEEC/medici.tv https://www.youtube.com/watch?v=zzaCNTlJciI · Dmitri Shostakovich. Cello Concerto No. 1 in E-flat major, Op. 107 with the Draft. Performed by Andrei Ionuț Ioniță Orchestra of the Shostakovich State Academic Saint Petersburg Philharmonic conducted by Nikolai Alexeev. Cello: Final Round - Candidate #2 - First Prize - Recorded at the Grand Hall of the Saint Petersburg Philharmonia, on June 28, 2015, 7:45 p.m. https://www.youtube.com/watch?v=QfkQt0gSiJI · Henryson, Svante. Black Run. Performed by Andrei Ioniță. On Oblique Strategies. Orchid Classics ORC100096, 2019. CD. · Enescu, George: Piano Quartet No. 1 in D Major, Op. 16: II Andante mesto. Performed by Catalin Serban, Andrei Ioniță, Karolina Errera, Suyeon Kang. On Mélodies Infinies: Fauré & Enescu Piano Quartets. Naxos 8.551477, 2024. CD · Papandopulo, Boris. Rapsodia Concertante: I. Introduziene. Tempo libero. Performed by Oliver Triendl, Amaury Coeytaux, Vanessa Szgeti, and Andrei Ioniță. On Boris Papandopulo: Works for Piano & Strings, CPO-555106-2, 2021.CD · Rachmaninoff, Sergei: Sonata -Moll OP 19. Lento- Allegro moderato. 2. Allegro scherzando. 3 Andante. 4 Allegro mosso. Performed by Andrei Ioniță and Andrei Ioniță (Violoncello), Catalin Serban (Piano). Kammermusik am Max-Planck-Institut für Bildungsforschung in Zusammenarbeit mit Konzertleben e.V. January 17th, 2024. https://www.youtube.com/watch?v=QqpFqwfoBDg · Saint-Saëns, Camille. Concerto No.1 in A minor for Cello and Orchestra Op. 33. Performed by Solist Andrei Ioniță and the Filarmonica George Enescu conducted by Stefan Ausbury Opening Concert October 7th, 2020, at the Romanian Athenaeum lived-streamed on the Institutions Website and YouTube Channel. https://www.youtube.com/watch?v=ktTHMbFcyp4 · Papandopulo, Boris. Rapsodia Concertante: I. Introduziene. Tempo libero. Performed by Oliver Triendl, Amaury Coeytaux, Vanessa Szgeti, and Andrei Ioniță. On Boris Papandopulo: Works for Piano & Strings, CPO-555106-2, 2021.CD · Rachmaninoff, Sergei: Sonata -Moll OP 19. Lento- Allegro moderato. 2. Allegro scherzando. 3 Andante. 4 Allegro mosso. Performed by Andrei Ioniță and Andrei Ioniță (Violoncello), Catalin Serban (Piano). Kammermusik am Max-Planck-Institut für Bildungsforschung in Zusammenarbeit mit Konzertleben e.V. January 17th, 2024. https://www.youtube.com/watch?v=QqpFqwfoBDg · Fauré, Gabriel: Piano Quartet No. 1 in C Minor, Op. 15: III Adagio. Performed by Catalin Serban, Andrei Ioniță, Karolina Errera, Suyeon Kang. On Mélodies Infinies: Fauré & Enescu Piano Quartets. Naxos 8.551477, 2024. CD https://www.youtube.com/watch?v=ktTHMbFcyp4 · Saint-Saëns, Camille. Concerto No.1 in A minor for Cello and Orchestra Op. 33. Performed by Solist Andrei Ioniță and the Filarmonica George Enescu conducted by Stefan Ausbury Opening Concert October 7th, 2020, at the Romanian Athenaeum lived-streamed on the Institutions Website and YouTube Channel. https://www.youtube.com/watch?v=ktTHMbFcyp4 · Brahms, Johannes. Clarinet Trio in A Minor, Op. 114: I. Allegro. Performed by Pablo Barragán, Andrei Ioniță, and Juan Pérez Floristán. On Brahms: Complete Clarinet Sonatas & Trio. IBS Classical, 2018. CD. · Papandopulo, Boris. Rhapsodia Concertante: III. Danza. Allegro. Performed by Oliver Triendl and Andrei Ioniță. On Boris Papandopulo: Works for Piano & Strings, CPO-555106-2, 2021.CD Albums: Available in all Platforms https://open.spotify.com/intl-de/album/3Cqhwf6m3Gl8i0HfDTzln1 https://www.naxos.com/CatalogueDetail/?id=C5463 https://open.spotify.com/intl-de/artist/4ITCrIEQbzQVUO8CPHhdLP 3 18 full no Cellist,World famous orchestras,world famous conductors,Tchaikovsky Competition,Bach,Shostakovich,Enescu,Fauré,Gut strings,Posture Dr. Cecilia Ponce Rivera

Portrait de l'écrivain Peter Karvas, 105e anniversaire de sa naissance. Commentaire de la musicologue Viera Polakovicova : Le Choeur de la Philharmonie slovaque au Festival de Pâques de Salzbourg.

Ballaké Sissoko et Piers Faccini en concert à la Philharmonie de Paris pour la sortie de l'album Our Calling. 19 mars 2025, Ballaké Sissoko et Piers Faccini présentent leur album Our Calling. RFI était là, morceaux choisis enregistrés par RFI Labo (sur le site rfi.fr) et entretien en loge.Deux décennies après leur toute première collaboration, le chanteur-songwriter italo-britannique Piers Faccini et le virtuose malien de la kora, Ballaké Sissoko, reviennent avec un album enchanteur : Our Calling. Cet album offre un dialogue captivant entre un instrumentiste au sommet de son art et un auteur-compositeur orfèvre des mots. Ensemble, ils créent de nouvelles formes de chansons avec une délicatesse qui relie les continents et joue avec les traditions. Les graines de Our Calling ont été semées lorsque Ballaké Sissoko et Piers Faccini se sont croisés pour la première fois au sein de Label Bleu au début des années 2000, initiant une amitié au long cours et profonde.Au fil des années, ils ont exploré ensemble de nouvelles passerelles entre les traditions mandingues et les formes de chanson folk britanniques et méditerranéennes. Sissoko avait d'ailleurs participé au deuxième album solo de Faccini, Tearing Sky, en 2005. En 2020, leur dialogue a trouvé un nouveau souffle grâce au label Nø Førmat!, lorsque Ballaké a invité Piers à chanter «Kadidja» en bambara sur son album Djourou. Plus tard, leur collaboration sur la chanson «The Fire Inside» a ravivé leur vision commune, et leur a donné l'envie de signer ce tout premier album en duo – enregistré par Frédéric Soulard (déjà présent sur le dernier album de Piers Faccini Shapes of the Fall) et réunissant une distribution exceptionnelle de musiciens invités, Vincent Segal (violoncelle), Badjé Tounkara (ngoni) et Malik Ziad (guembri). À travers dix morceaux finement ciselés, Our Calling est une ode sonore et narrative à la migration sous toutes ses formes : qu'elle soit végétale, telle une graine emportée par le vent, incarnée par des oiseaux, comme le rossignol migrant entre l'Afrique de l'Ouest et l'Europe au fil des saisons, ou humaine, à travers les siècles et les routes commerciales qui ont favorisé le partage des modes musicaux et des rythmes. Le dialogue entièrement acoustique des deux amis a été enregistré à Paris, côte à côte et en direct, en seulement cinq jours. Si l'album tire son originalité de sa profonde essence malienne, il est aussi subtilement imprégné de l'esprit propre à la chanson folk.Our Calling est ainsi presque exclusivement chanté en anglais, à une seule exception : Ninna Ninna, un morceau traditionnel du sud de l'Italie, qui rappelle les racines de Piers Faccini et montre une fois encore comment le duo sait rassembler différentes traditions musicales, sans qu'aucune ne prenne jamais l'ascendant sur les autres. C'est là sans doute le fruit de vingt ans d'amitié et de jeu : les chansons du duo créent une alchimie musicale qui unit et fusionne, tout en gardant les deux voix distinctes et les traditions intactes, suffisamment entières pour pouvoir dialoguer librement. De nombreux moments de l'album en témoignent, comme Shadows Are qui commence par un solo de kora envoûtant, joué dans un mode traditionnel mandingue, avant de se transformer miraculeusement en une chanson rappelant presque un standard de jazz, de ceux que chantait Chet Baker. Mais ces chansons, tout en rendant hommage à une époque ancienne de la musique et du chant, appartiennent fermement au XXIè siècle. La nature de ce dialogue constitue son originalité même : à aucun moment la kora ne se plie ni ne s'adapte pour trouver une place dans une forme de chanson occidentale, comme cela a souvent été le cas lors de l'âge d'or des fusions musicales dans les années 90 et 2000. Dès le début, la promesse du duo était claire : ici, la langue musicale devait commencer et se terminer avec les traditions et les modes mandingues. Les chansons, bien que chantées en anglais, suivent cette ligne directrice. Les mélodies, construites et articulées selon des structures mandingues, en sont la preuve. Les grooves ternaires de North and South ou Mournful Moon reflètent l'intense recherche et exploration des deux artistes au fil des années. Et c'est peut-être la chanson If nothing is real qui évoque le mieux ce dialogue originel : un morceau qui trouve un chez-soi à la fois en Afrique et en Europe, et qui est aussi un hommage au rossignol (Sorofé kono en bambara), l'oiseau qui a inspiré les deux vieux amis et les a incités à enregistrer leur propre musique, leur propre appel.Extraits choisis du concert (prise de son / mix : Mathias Taylor, Benoît Le Tirant (RFI Labo) :Nanni Nanna, Borne on the Wind, Mournful Moon, Nothing is Real, Kadidja.Un public attentif et de qualité pour applaudir ces deux magiciens.

Ballaké Sissoko et Piers Faccini en concert à la Philharmonie de Paris pour la sortie de l'album Our Calling. 19 mars 2025, Ballaké Sissoko et Piers Faccini présentent leur album Our Calling. RFI était là, morceaux choisis enregistrés par RFI Labo (sur le site rfi.fr) et entretien en loge.Deux décennies après leur toute première collaboration, le chanteur-songwriter italo-britannique Piers Faccini et le virtuose malien de la kora, Ballaké Sissoko, reviennent avec un album enchanteur : Our Calling. Cet album offre un dialogue captivant entre un instrumentiste au sommet de son art et un auteur-compositeur orfèvre des mots. Ensemble, ils créent de nouvelles formes de chansons avec une délicatesse qui relie les continents et joue avec les traditions. Les graines de Our Calling ont été semées lorsque Ballaké Sissoko et Piers Faccini se sont croisés pour la première fois au sein de Label Bleu au début des années 2000, initiant une amitié au long cours et profonde.Au fil des années, ils ont exploré ensemble de nouvelles passerelles entre les traditions mandingues et les formes de chanson folk britanniques et méditerranéennes. Sissoko avait d'ailleurs participé au deuxième album solo de Faccini, Tearing Sky, en 2005. En 2020, leur dialogue a trouvé un nouveau souffle grâce au label Nø Førmat!, lorsque Ballaké a invité Piers à chanter «Kadidja» en bambara sur son album Djourou. Plus tard, leur collaboration sur la chanson «The Fire Inside» a ravivé leur vision commune, et leur a donné l'envie de signer ce tout premier album en duo – enregistré par Frédéric Soulard (déjà présent sur le dernier album de Piers Faccini Shapes of the Fall) et réunissant une distribution exceptionnelle de musiciens invités, Vincent Segal (violoncelle), Badjé Tounkara (ngoni) et Malik Ziad (guembri). À travers dix morceaux finement ciselés, Our Calling est une ode sonore et narrative à la migration sous toutes ses formes : qu'elle soit végétale, telle une graine emportée par le vent, incarnée par des oiseaux, comme le rossignol migrant entre l'Afrique de l'Ouest et l'Europe au fil des saisons, ou humaine, à travers les siècles et les routes commerciales qui ont favorisé le partage des modes musicaux et des rythmes. Le dialogue entièrement acoustique des deux amis a été enregistré à Paris, côte à côte et en direct, en seulement cinq jours. Si l'album tire son originalité de sa profonde essence malienne, il est aussi subtilement imprégné de l'esprit propre à la chanson folk.Our Calling est ainsi presque exclusivement chanté en anglais, à une seule exception : Ninna Ninna, un morceau traditionnel du sud de l'Italie, qui rappelle les racines de Piers Faccini et montre une fois encore comment le duo sait rassembler différentes traditions musicales, sans qu'aucune ne prenne jamais l'ascendant sur les autres. C'est là sans doute le fruit de vingt ans d'amitié et de jeu : les chansons du duo créent une alchimie musicale qui unit et fusionne, tout en gardant les deux voix distinctes et les traditions intactes, suffisamment entières pour pouvoir dialoguer librement. De nombreux moments de l'album en témoignent, comme Shadows Are qui commence par un solo de kora envoûtant, joué dans un mode traditionnel mandingue, avant de se transformer miraculeusement en une chanson rappelant presque un standard de jazz, de ceux que chantait Chet Baker. Mais ces chansons, tout en rendant hommage à une époque ancienne de la musique et du chant, appartiennent fermement au XXIè siècle. La nature de ce dialogue constitue son originalité même : à aucun moment la kora ne se plie ni ne s'adapte pour trouver une place dans une forme de chanson occidentale, comme cela a souvent été le cas lors de l'âge d'or des fusions musicales dans les années 90 et 2000. Dès le début, la promesse du duo était claire : ici, la langue musicale devait commencer et se terminer avec les traditions et les modes mandingues. Les chansons, bien que chantées en anglais, suivent cette ligne directrice. Les mélodies, construites et articulées selon des structures mandingues, en sont la preuve. Les grooves ternaires de North and South ou Mournful Moon reflètent l'intense recherche et exploration des deux artistes au fil des années. Et c'est peut-être la chanson If nothing is real qui évoque le mieux ce dialogue originel : un morceau qui trouve un chez-soi à la fois en Afrique et en Europe, et qui est aussi un hommage au rossignol (Sorofé kono en bambara), l'oiseau qui a inspiré les deux vieux amis et les a incités à enregistrer leur propre musique, leur propre appel.Extraits choisis du concert (prise de son / mix : Mathias Taylor, Benoît Le Tirant (RFI Labo) :Nanni Nanna, Borne on the Wind, Mournful Moon, Nothing is Real, Kadidja.Un public attentif et de qualité pour applaudir ces deux magiciens.

Quatrième Pyramide d'Égypte ou 7è colonne du temple romain de Jupiter à Baalbek : l'Égyptienne Oum Kalsoum et la Libanaise Fayrouz nourrissent toujours l'inconscient collectif arabe. Et la littérature. (Rediffusion) Avec Ysabel Saiah Baudis et Marjorie Bertin qui ont écrit respectivement sur Oum Kalsoum et Fayrouz.Notre 1ère invitée est la journaliste Marjorie Bertin (qui travaille à RFI) pour la parution de « Fayrouz, Moi je chante l'humanité », aux éditions Orients.Elle est considérée comme la dernière légende vivante du monde arabe. « Ambassadrice du Liban à travers le monde », Fayrouz a enregistré plus de 800 chansons, sorti une cinquantaine d'albums et joué dans une vingtaine de films et de comédies musicales. Celle qui refusa de quitter son pays pendant la guerre civile libanaise incarne plus qu'aucune autre chanteuse un symbole de paix et d'espoir. Pourtant, on en sait peu sur elle, épouse d'Assi Rahbani, qui avec son frère Mansour révolutionna la musique libanaise du XXème siècle. Son fils Ziad, artiste engagé et enfant prodige de la scène libanaise, assurera le tournant jazz de la carrière de sa mère à partir de la fin des années 1970.Comment Fayrouz est-elle devenue la dernière icône révérée dans tout le monde arabe ? Pour la première fois, un livre en français retrace l'histoire de cette chanteuse légendaire. Titres joués :Atini el nay wa ghani (Donne-moi la flûte et chante) d'après Khalil GibranAbbaytak belsaif (Je t'ai aimé l'été)Kifak inta (qui marque le tournant de sa musique avec son fils Ziad)Li Beyrouth (concerto d'Aranjuez et magnifique poème sur la ville, sorti pendant la guerre).► Culture Prime Fayrouz► « Fayrouz, Moi je chante l'humanité » chez Orients   Puis nous recevons la journaliste et éditrice Ysabel Saiah Baudis, qui réédite « Oum Kalsoum, l'étoile de l'Orient » « Elle est toujours vivante ! », confie Ysabel Saïah Baudis. C'est la nature des génies, car cela fait  50 ans que la diva égyptienne est décédée (3 février 1975) et pourtant, on l'entend, on la voit, elle tagguée, reprise, commentée. Sa vie est digne des plus beaux contes orientaux : née pauvre, paysanne, fille d'un religieux, elle possède un don qu'elle cultivera grâce à sa farouche détermination. La chance aidant, elle rencontrera les plus grands poètes et musiciens qui l'accompagneront dans son ascension. Adulée de son vivant par le président de l'Égypte aussi bien que par l'homme du peuple, elle accompagnera toutes les luttes de liberté, d'instruction, d'ouverture et de progrès techniques du XXème siècle. Elle reste la Voix qui guide et réunit tout le monde arabe.À l'occasion des 50 ans de sa disparition, la Philharmonie de Paris propose une semaine spéciale avec concert hommage le 2 février.Extraits joués : Al Atlal, Weddad, 1ère comédie musicale de la diva.► Philharmonie de Paris du 30 janvier au 2 février ► IMA ► Olympia Paris 1967 ► Orients Éditions ► Culture Prime Oum.

Quatrième Pyramide d'Égypte ou 7è colonne du temple romain de Jupiter à Baalbek : l'Égyptienne Oum Kalsoum et la Libanaise Fayrouz nourrissent toujours l'inconscient collectif arabe. Et la littérature. (Rediffusion) Avec Ysabel Saiah Baudis et Marjorie Bertin qui ont écrit respectivement sur Oum Kalsoum et Fayrouz.Notre 1ère invitée est la journaliste Marjorie Bertin (qui travaille à RFI) pour la parution de « Fayrouz, Moi je chante l'humanité », aux éditions Orients.Elle est considérée comme la dernière légende vivante du monde arabe. « Ambassadrice du Liban à travers le monde », Fayrouz a enregistré plus de 800 chansons, sorti une cinquantaine d'albums et joué dans une vingtaine de films et de comédies musicales. Celle qui refusa de quitter son pays pendant la guerre civile libanaise incarne plus qu'aucune autre chanteuse un symbole de paix et d'espoir. Pourtant, on en sait peu sur elle, épouse d'Assi Rahbani, qui avec son frère Mansour révolutionna la musique libanaise du XXème siècle. Son fils Ziad, artiste engagé et enfant prodige de la scène libanaise, assurera le tournant jazz de la carrière de sa mère à partir de la fin des années 1970.Comment Fayrouz est-elle devenue la dernière icône révérée dans tout le monde arabe ? Pour la première fois, un livre en français retrace l'histoire de cette chanteuse légendaire. Titres joués :Atini el nay wa ghani (Donne-moi la flûte et chante) d'après Khalil GibranAbbaytak belsaif (Je t'ai aimé l'été)Kifak inta (qui marque le tournant de sa musique avec son fils Ziad)Li Beyrouth (concerto d'Aranjuez et magnifique poème sur la ville, sorti pendant la guerre).► Culture Prime Fayrouz► « Fayrouz, Moi je chante l'humanité » chez Orients   Puis nous recevons la journaliste et éditrice Ysabel Saiah Baudis, qui réédite « Oum Kalsoum, l'étoile de l'Orient » « Elle est toujours vivante ! », confie Ysabel Saïah Baudis. C'est la nature des génies, car cela fait  50 ans que la diva égyptienne est décédée (3 février 1975) et pourtant, on l'entend, on la voit, elle tagguée, reprise, commentée. Sa vie est digne des plus beaux contes orientaux : née pauvre, paysanne, fille d'un religieux, elle possède un don qu'elle cultivera grâce à sa farouche détermination. La chance aidant, elle rencontrera les plus grands poètes et musiciens qui l'accompagneront dans son ascension. Adulée de son vivant par le président de l'Égypte aussi bien que par l'homme du peuple, elle accompagnera toutes les luttes de liberté, d'instruction, d'ouverture et de progrès techniques du XXème siècle. Elle reste la Voix qui guide et réunit tout le monde arabe.À l'occasion des 50 ans de sa disparition, la Philharmonie de Paris propose une semaine spéciale avec concert hommage le 2 février.Extraits joués : Al Atlal, Weddad, 1ère comédie musicale de la diva.► Philharmonie de Paris du 30 janvier au 2 février ► IMA ► Olympia Paris 1967 ► Orients Éditions ► Culture Prime Oum.

durée : 01:28:58 - Cabaret 42e rue : avant-première de "Gypsy" à la Philharmonie de Paris - par : Laurent Valière - Pour la première fois en France, cette œuvre culte aux États-Unis, écrite par les auteurs de West Side Story, est montée à la Philharmonie de Paris avec Natalie Dessay dans le rôle principal. Les comédiens nous en offrent des larges extraits en avant-première. - réalisé par : Olivier Guérin

Joana ist Chefdirigentin und künstlerische Leiterin des Berliner Konzerthauses. Parallel ist sie international bei bedeutenden Orchestern und großen Konzerthäusern zu Gast. Schon im Alter von 27 Jahren war sie Generalmusikdirektorin am Theater Erfurt und damit die jüngste Generalmusikdirektorin Europas. 2023 erhielt sie außerdem das Bundesverdienstkreuz für ihre Arbeit. Ich wollte von Joana wissen, warum sie schon in sehr jungen Jahren wusste, dass sie Dirigentin werden will und was dieser Beruf ihr gibt. Ich habe mich gefragt, wie ihre Beziehung zur Musik begreifbar gemacht werden kann und ob sie eigentlich je ein Stück genau so auf die Bühne bringen konnte, wie sie es vorher in ihrem Kopf gehört hat. Wir sprechen über Musik als Sprache und Ausdruck durch Form, es geht um Joanas Begeisterung, um Körpergefühl, Sucht und darum, wieso sie auf der Bühne nicht genießt. WERBEPARTNER & RABATTE: https://linktr.ee/hotelmatze MEIN GAST: https://konzerthaus.de/de/joana-mallwitz DINGE: Doku “Momentum”: https://bit.ly/43RqWth Eingespielt in der Folge: Schuberts Unvollendete, gespielt vom L'Orchestre de Paris in der Philharmonie de Paris, dirigiert von Joana Mallwitz Maximilian Frisch - Produktion Lena Rocholl - Redaktion Mit Vergnügen - Vermarktung und Distribution MEIN ZEUG: Mein neues Fragenset: https://beherzt.net/liebe Mein neues Buch: https://bit.ly/3cDyQ18 Die Hotel Matze Suite bei Apple: https://apple.co/43V3hGq Die Hotel Matze Suite bei Spotify: https://spoti.fi/3U3ZySC Wunschgäste bitte in die Kommentare: https://apple.co/2RgJVH6 Mein Newsletter: https://matzehielscher.substack.com/ TikTok: https://tiktok.com/@matzehielscher Instagram: https://instagram.com/matzehielscher LinkedIn: https://linkedin.com/in/matzehielscher/ YouTube: https://bit.ly/2MXRILN Twitter: https://twitter.com/hotelmatze1 Mein erstes Buch: https://bit.ly/39FtHQy Mein erstes Fragenset: https://beherzt.net/matze

Tim and Jeremy conclude our look at Eurodisco with a series of cuts from the mighty Giorgio Moroder. We hear the silky vocals of Donna Summer, the relentlessness of the 4-to-the-floor, the aesthetics of whiteness and what can only be called Prog Disco.Also in the episode Tim recounts a recent visit to the Philharmonie de Paris, Jeremy revels in a Star Wars rework, and we board the Trans Europe Express once again to spend some time with Kraftwerk.Remember, we have a rolling playlist of all the tracks discussed over on Spotify: https://open.spotify.com/playlist/3ZpKyqhvhOXfTuPMHCBkFsAnd you can hear plenty of bonus episodes by becoming a patron at patreon.com/LoveMessagePod.Produced by Matt Huxley.Tracklist:Giorgio - From Here to Eternity Munich Machine - Get on the Funk Train Donna Summer - Once Upon a Time Donna Summer - Back in Love Again Meco - Star Wars Theme Kraftwerk - Trans Europe Express 

Monocle Radio’s Fernando Augusto Pacheco speaks to Jean-Yves Leloup, the curator of ‘Disco, I’m Coming Out’. Visitors to the exhibition at Philharmonie de Paris will find out more about the music that in the 1970s dominated airwaves around the world, including, of course, in France.See omnystudio.com/listener for privacy information.

durée : 01:59:34 - Le Bach du dimanche du dimanche 09 mars 2025 - par : Corinne Schneider - Au programme de cette 331e émission : le Bachfest de Stuttgart « Bach et l'Amérique latine » (9-23 mars 2025) ; l'intégrale des cantates de Leipzig (Cycle liturgique n° 1) par Hans Christoph Rademann (Hännsler Classic) et l'orgue Schuke de la Philharmonie de Luxembourg avec Iveta Apkalna (2006). - réalisé par : Anne-Lise Assada

Stéphane Bern raconte, à l'occasion des 150 ans de sa naissance, le destin du premier compositeur français de son temps : Maurice Ravel, le père du Boléro et son incroyable mécanique rythmique devenue presque l'œuvre unique d'un génie de la musique qui en a pourtant composées bien d'autres… Pourquoi est-ce le Boléro que l'on a retenu comme étant l'œuvre majeure de Maurice Ravel ? Qu'est-ce qui fait la singularité de ce musicien ? Comment son œuvre a-t-elle traversé toutes les frontières, toutes les générations et tous les milieux aussi bien artistiques que populaires ? Pour en parler, Stéphane Bern reçoit Pierre Korzilius, commissaire de l'exposition ""Ravel Boléro"", actuellement présentée à la Philharmonie de Paris. Au Coeur de l'Histoire est réalisée par Mathieu Fret. Rédaction en chef : Benjamin Delsol. Auteur du récit : Pierre-Vincent Letourneau. Journaliste : Clara Leger. "

Stéphane Bern raconte, à l'occasion des 150 ans de sa naissance, le destin du premier compositeur français de son temps : Maurice Ravel, le père du Boléro et son incroyable mécanique rythmique devenue presque l'œuvre unique d'un génie de la musique qui en a pourtant composées bien d'autres… Pourquoi est-ce le Boléro que l'on a retenu comme étant l'œuvre majeure de Maurice Ravel ? Qu'est-ce qui fait la singularité de ce musicien ? Comment son œuvre a-t-elle traversé toutes les frontières, toutes les générations et tous les milieux aussi bien artistiques que populaires ? Pour en parler, Stéphane Bern reçoit Pierre Korzilius, commissaire de l'exposition ""Ravel Boléro"", actuellement présentée à la Philharmonie de Paris. Au Coeur de l'Histoire est réalisée par Mathieu Fret. Rédaction en chef : Benjamin Delsol. Auteur du récit : Pierre-Vincent Letourneau. Journaliste : Clara Leger. "

durée : 02:00:24 - Les Matins du samedi - par : Nicolas Herbeaux - Cette semaine, dans les Matins du samedi, on s'intéresse à la censure des contenus scientifique par l'administration Trump, à la relève agricole et on vous emmène à l'exposition Disco de la Philharmonie de Paris. - réalisation : Jean-Christophe Francis - invités : Michel Dubois Sociologue, directeur de recherche au CNRS; Cécile Gazo Docteure en sociologie; Pierre-Marie Aubert Ingénieur agronome, directeur du programme Politiques agricoles et alimentaires à l'Institut du Développement Durable et des Relations Internationales (IDDRI); Jean-Yves Leloup Commissaire de l'exposition Electrosound, DJ et artiste sonore, journaliste et critique spécialisé en musique électronique

durée : 00:52:32 - Grand bien vous fasse ! - par : Ali Rebeihi - À l'occasion de l'exposition "Disco" à la Philharmonie de Paris, Ali Rebeihi revient sur ce mouvement musical qui a transformé la société américaine. Bien au-delà des paillettes et des boules à facettes, le disco apparaît comme un manifeste de libération et une révolution culturelle majeure. - réalisé par : Claire DESTACAMP

Dans le supplément de ce samedi, direction la Syrie, qui a connu depuis le mois de décembre dernier la chute de Bachar al-Assad. Il était à la tête du pays depuis des décennies...  En seconde partie, direction le Venezuela, avec une école de musique de prestige qui produit des étoiles. Mais des affaires d'abus sexuels sont rendues publiques... Syrie : après la chute de Bachar al-Assad, la difficile unification du pays Des décennies de dictature en Syrie, treize années de guerre et moins d'une semaine pour faire tomber le régime de Bachar al-Assad. Le 8 décembre 2024, les combattants d'Hayat Tahrir al-Sham prenaient le pouvoir à Damas. Celui qui a conduit la rébellion sous le nom de Abou al-Joulani, Ahmed al-Charaa, vient d'être nommé président par intérim. Il multiplie les initiatives pour rétablir le dialogue au sein de la société syrienne.Un défi de taille, tant les communautés, Druzes, Alaouites, Kurdes, Sunnites, et factions armées, sont nombreuses.Dans le pays, les poches de contestations subsistent. Et une guerre, celle qui oppose les factions pro-turques aux combattants kurdes.Un Grand reportage de Manon Chapelain qui s'entretient avec Jacques Allix. El Sistema, la glorieuse école de musique du Venezuela, entre mythe et réalité Le Système National d'Orchestre, connu tout simplement comme Le Système au Venezuela, est un programme d'enseignement de la musique à travers la pratique orchestrale. Un programme qui fêtera ses 50 ans l'an prochain (2026). Un projet tentaculaire, avec plus de 400 écoles à travers tout le pays et qui a produit des étoiles de la musique classique dans le monde.On retrouve des élèves du Système aux quatre coins de la planète : dans la Philharmonie de Los Angeles, celle du Luxembourg, dans les orchestres symphoniques de Berlin ou de Lille. Le plus connu d'entre eux : Gustavo Dudamel, directeur musical de l'Opéra de Paris jusqu'en 2023.Un projet mille fois encensé par la presse, et supporté par les organisations internationales pour son impact social, l'enseignement de la musique dans des zones défavorisées. Mais le Système a ses parts d'ombre, qui, malgré avoir été révélées, n'ont pas fait réagir à la hauteur de leur gravité. Des abus sexuels de la part de professeurs sur leurs élèves ont été rendus publics, mais il semblerait que les autorités n'aient pas pris la mesure de la gravité de la situation.Un Grand reportage de Alice Campaignolle qui s'entretient avec Jacques Allix.