Musiques du monde

Du Panama à Paris, en passant par l'Arizona (où Harry...) ; 3 artistes, un solo guitare-voix et un duo accordéon/sax-clarinette, grand choix ! Notre 1ère invitée est Michelle Blades pour Where To ? Artiste aux multiples facettes, Michelle Blades revient avec 'You're The Mother, You're The Man', morceau d'ouverture et premier extrait de son nouvel album Where To? à paraitre l'année prochaine. À la fois intime et universelle, cette chanson compte parmi les plus anciennes du disque. Elle a été écrite en 2018 à Mexico, bien avant que le reste de l'album ne prenne forme en 2023. Née d'un souvenir d'enfance et d'une réflexion sur le rôle de parent solitaire, 'You're The Mother, You're The Man' s'est d'abord imposée comme un mantra poétique adressé à la mère de l'artiste, elle aussi née au Mexique. Musicalement, l'écriture s'est nourrie de deux influences majeures : l'expérimentation des silences comme éléments rythmiques mais aussi l'inspiration de Book of Days de Meredith Monk, dont l'approche vocale et spatiale a profondément marqué Michelle Blades depuis son arrivée en Arizona en 2010. Réinterprétée au moment de l'enregistrement de Where To?, la chanson a pris corps à La Bergerie, dans le sud de la France, au cours de neuf jours d'hiver. Entourée d'Emmanuel Mario (alias Astrobal), Nina Savary, Gaétan Nonchalant et Vincent Guyot, Michelle Blades a enregistré guitare et voix. Gaétan Nonchalant y a ajouté des touches de Rhodes, brisant le caractère répétitif du mantra pour y glisser des éclats de mémoire. Des couches vocales sont ensuite venues s'entrelacer, créant un équilibre subtil entre densité et dépouillement. Le clip, réalisé par Ilan Zerrouki, accompagne ce morceau fondateur. Née au Panama dans une famille de musiciens, Michelle Blades a grandi aux États-Unis avant de développer une esthétique unique, entre expérimentation et sensibilité pop. Après ses débuts DIY en Arizona, elle s'installe à Paris et collabore durant dix ans avec Midnight Special Records, publiant notamment les albums Ataraxia (2015), Premature Love Songs (2017) et Visitor (2019) et l'EP Nombrar las cosas (2020). Exploratrice musicale, elle multiplie aussi les collaborations : bassiste aux côtés de Pomme en tournée, arrangeuse sur le dernier album de Flavien Berger (Plouf!), membre du groupe éphémère La Brume, ou encore chanteuse au sein de La Femme, avec qui elle a parcouru le monde. Avec 'You're The Mother, You're The Man', Michelle Blades ouvre une nouvelle page de son univers artistique, entre héritage personnel, recherche sonore et désir de transmission. Titres interprétés au grand studio : - Dear Friend Live RFI  - You're the mother, You're the man ? extrait CD - I Missed the Dance Live RFI. Line Up : Michelle Blades (guitare, voix) Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor. ► Album Where To ? (Escargot Musique / IDOL 2026). Instagram - YouTube.   Puis nous recevons Robin Fincker et Janick Martin pour la sortie de Vison Visu. « Les deux hommes s'assirent vison-visu. Pierrot eut vaguement l'impression d'avoir déjà rencontré ce type-là quelque part. » Raymond Queneau, Pierrot, 1942 Face à face intime et interpellant, Vison Visu réunit l'accordéoniste breton Janick Martin, figure d'une génération de musiciens issus des musiques traditionnelles dont ils réécrivent sans cesse les contours et le saxophoniste et clarinettiste Robin Fincker évoluant depuis une vingtaine d'années sur les scènes de jazz contemporain et musiques improvisées européennes. Musiciens avides de mélodies, fascinés par la formule magique qu'elles peuvent contenir, Vison Visu aspire les airs en profondeur, qu'ils soient d'aujourd'hui ou d'un autre âge, et en déjoue les phrasés conventionnels. Jouant de fractures et de mélismes, de danses et d'improvisations, le duo aux timbres sonnants échange avec passion et intensité. Les deux musiciens se sont rencontrés au sein du quintet Finis Terrae du violoncelliste Vincent Courtois avec lequel Robin Fincker collabore depuis de nombreuses années et ont très rapidement noué une complicité évidente. Suite à une invitation du festival de Jazz à Dissay ils ont élaboré un répertoire faisant cohabiter les compositions originales du duo avec des mélodies venues de Bretagne, d'Ecosse ou du pays Cajun. Véritable croisement des langages traditionnels et contemporains, le duo tisse ainsi un récit où le jeu et la spontanéité se nourrissent de ces mélodies simples au fort pouvoir évocateur. Grâce au soutien du producteur de musique contemporaine Marc Thouvenot (fondateur du label Quicatl), du collectif Le Grand Pas et du studio La Buissonne, le duo s'est vu proposer l'opportunité d'enregistrer son répertoire de manière directe et sans artifices. Installés dans la grande salle du studio, les pièces ont été enregistrées sans coupures, d'un seul jet et en quelques prises seulement permettant au duo de laisser libre cours à son goût de l'imprévu et de la recherche sonore. Mixé par Gérard de Haro et masterisé par Nicolas Baillard à la Buissonne, Vison Visu laisse entendre dans sa musique une expression non-linéaire du passage du temps, faite d'allers-retours de cycles et de jeux de mémoires où le plaisir du jeu et de la narration prévaut sur tout plan préétabli. Titres interprétés au grand studio : - Vison Visu Live RFI - Écoutez la plaisante histoire, extrait de l'album - Al Lann Melen Live RFI. Line Up : Janick Martin (accordéon) et Robin Fincker (sax, clarinette). Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor. ► Album Vison Visu (Le Grand Pas / L'Autre Distribution 2025). Instagram.

Du rock politique groenlandais des années 70 aux cafetières rouges fatto in italia, tout est en libre service !   Tous les mois, le critique musical Sophian Fanen, du site Les Jours, sélectionne 5 titres. Pour février, les élus sont :   - Nilza Costa, Oxum, tiré de l'album Cantigas (Brutture Moderne, 2026) - Momoko Gill, No Others, tiré de l'album Momoko (Strut Records, 2026) - Danyl, Ya Habiba, tiré de l'album Zmig (Structure, 2026) - Bobo & Behaja, Parepare, tiré de l'album Aia Haja? (Carton Records, 2026) - Sumé, Piffiit Nutaat, tiré de l'album Sumut (ULO, 1973).   Puis nous recevons La Cafetera Roja pour la sortie de The Path. « Cafetera Roja, muy lindo, multicultural/Loco todo bienvenido/Vamos a los pueblos del mundo/Siempre algo nuevo con el micro en la mano » (« La cafetière rouge, si belle et multiculturelle/Une folie où chacun trouve sa place/Allons vers les villages du monde/Toujours une nouveauté, le micro à la main. ») Ainsi rappent-ils haut et fort leur ADN dans ce titre-manifeste La Kfet, qui égrène leurs valeurs en forme d'inventaire à la Prévert. Car la voici à nouveau, cette vieille cafetière écarlate si familière, trônant depuis six albums au beau milieu de la table, ce brasero pour réchauffer les coeurs, ce totem surgi d'un claquement de doigts : « À nos débuts dans les années 2000, on jouait dans les rues de Barcelone. À l'orée d'une scène plus sérieuse, nous avons choisi au débotté, la ‘Cafetera roja', l'objet qui se trouvait pile en face de nous dans le bar où nous nous trouvions. C'était parfait. Politiquement, la couleur nous allait au poil. Et cet emblème évoque toujours la convivialité, les moments partagés, l'énergie, la chaleur humaine… », rappelle aujourd'hui l'une des fondatrices, la chanteuse et guitariste Aurélia Campione. Titres interprétés au grand studio : - La Vita e Bella Live RFI - La Kfet, extrait de l'album - Hipcosta Live RFI. Line Up : Aurélia Campione (chant /guitare électrique), Anton Dirnberger (chant/keyboards), Vincent Aubrun (guitare électrique /chœur), Fiti « Gines » Rodriguez Guirado (chant/basse), Alexandre Peronny (violoncelle/chœur) et Tom Drevet (batterie/chœur). Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant.  ► Album My Path (Green Piste Rd). Site - Instagram - YouTube - Bandcamp.

L'un chante, l'autre pas. Mais les 2 musiciens jouent de la guitare. Jesse Harris et Quentin Dujardin se succèdent dans la #SessionLive.  Notre premier invité est le songwriter américain Jesse Harris pour le nouvel album If You Believed in Me Bright Eyes, Lana Del Rey ou encore John Zorn, Jesse Harris est l'un des songwriters les plus respectés de sa génération. Après plus de vingt albums, il ouvre aujourd'hui un nouveau chapitre avec If You Believed In Me, son tout premier album enregistré avec un orchestre symphonique, sous la houlette de l'arrangeur et chef d'orchestre brésilien Maycon Ananias. La trajectoire de Jesse Harris est tissée d'aventures musicales hors du commun. Songwriter avant tout, ses chansons voyagent depuis plus de vingt ans, portées par certaines des voix les plus marquantes de la scène internationale. Révélé au monde entier en 2003 lorsque «Don't Know Why»,sa chanson interprétée par Norah Jones, reçoit le Grammy de la chanson de l'année, il s'impose comme un auteur-compositeur prolifique et recherché. Depuis, il a publié une vingtaine d'albums en son nom et collaboré avec des artistes aussi divers que Willie Nelson, Emmylou Harris, CatPower, Feist, les Black Keys, Lana Del Rey, Smokey Robinson, Bright Eyes, John Zorn ou encore Maya Hawke. Malgré cette richesse, un territoire restait inexploré : celui de l'orchestre symphonique. L'étincelle vient à l'automne 2024. Son ami brésilien Maycon Ananias, arrangeur de cordes, l'appelle depuis Tallinn où il travaille sur une célébration des 95 ans d'Arvo Pärt, «si jamais tu as besoin d'un orchestre»... Suite à la radio

Depuis 1996, le producteur français Francis Falceto a ouvert au monde les musiques éthiopiennes avec la collection Ethiopiques (Buda Musqiue). Qui n'a pas été surpris en entendant la musique de Mulatu Astatqé dans un film de Jim Jarmush ? L'éclosion de groupes entre folk et rock expérimental, chanter en amharique. Le seul responsable : Francis Falceto ! Une soixantaine de voyages en Éthiopie plus trad, Éthiopiques affiche 2 volumes de musique ! À l'occasion de la sortie des volumes 31 et 32 de la collection Éthiopiques, Francis Falceto est notre invité. Francis Falceto programme différentes musiques du monde au Confort Moderne de Poitiers lorsqu'il fait la découverte en 1984 des 33 tours de Mahmoud Ahmed grâce à Bernard Gallodé. Il entreprend alors en 1985 un voyage en Éthiopie (via Moscou en raison du régime du Derg) pour rencontrer Mahmoud Ahmed, puis, en 1986, réédite sur le label bruxellois Crammed Discs l'album d'éthio-jazz Erè Mèla Mèla (1975) du chanteur et musicien éthiopien. Après le succès en Europe et aux États-Unis du disque, il décide de créer en 1996 la collection « Éthiopiques » avec l'éditeur Buda Musique afin d'exhumer et faire redécouvrir l'ensemble des succès des artistes de la musique éthiopienne de la période 1950-1975, la plupart produits par Amha Eshèté pour le label Amha Records et Ali Abdella Kaifa pour Kaifa Records. Il en acquiert l'intégralité des droits – ou exploite une licence renouvelable tous les cinq ans selon ses déclarations –, ce qui n'est pas sans créer des tensions avec certains artistes, dont Mulatu Astatke, après le succès international important de la collection. Il anime, également dans ce but, de nombreuses conférences sur le sujet. Francis Falceto propose également à Lili Boniche de réaliser un retour sur scène au début des années 1990 et deviendra son imprésario.   Éthiopiques 31- Muluken C'est Muluken qui a inauguré les éthiopiques, voilà vingt ans et plus, avec Hédètch alu, face B de son premier 45 tours (AE 440, publié par Amha Eshèté en février 1972). Trahissant l'extrême jeunesse du chanteur (il n'avait alors pas 18 ans), sa voix séraphique a trompé plus d'un auditeur qui pensait avoir affaire à des accents féminins. Il n'a pas 22 ans lorsqu'il publie en 1976 son dernier vinyle sur Kaifa Records (KF 39LP), et l'un des derniers publiés en Éthiopie avant que la cassette ne devienne le médium roi de la diffusion musicale. Éthiopie 1976. Depuis un an déjà, les cassettes laminent inexorablement le marché des disques vinyles. L'album 33 tours de Muluken Mellesse [ሙሉቀን፡መለሰ፡ Muluqèn Mèllèssè / Muluqän Mälläsä], KF 39, qu'Ali Abdella Kaifa – Ali Tango ! – produit cette année-là sur son label Kaifa Records est historique à plus d'un titre. Il est l'un des derniers vinyles publié en Éthiopie, mais surtout le chef-d'œuvre absolu de l'Ethiopian Groove – et son chant du cygne. Il laisse à la postérité une idée claire du niveau de sophistication et de maîtrise qu'avait atteint la musique moderne éthiopienne avant qu'elle ne soit écrabouillée sous la botte militaro-stalinienne du Derg – le sigle qui résume la sanglante révolution en cours depuis 1974. ► Album Éthiopiques 31 - Muluken (Éthiopiques / Buda Musique 2025)   Ethiopiques 32 – NALBANDIAN l'Éthiopien - Either / Orchestra feat. Ethiopian Guests L'Éthiopie est ici au milieu des années 1950, au début des années 1960, à la veille de l'éclosion, ou plutôt de l'explosion du Swinging Addis. Rock'n Roll, Rhythm and Blues, Soul et Twist n'ont pas encore fait irruption et l'on baigne dans l'atmosphère big band d'après-guerre dont In the mood de Glenn Miller figura durablement l'hymne planétaire, à parité avec la vogue latine à la même époque. Mais la joie de vivre d'après-guerre est déjà là, avec la paix retrouvée après la terrible invasion italo-fasciste (1935-1941). Le redéploiement de la musique moderne fait pleinement partie de la reconstruction. C'est d'abord la génération des jeunes parents des baby boomers qui savoure cette résurrection, avant que ces derniers ne prennent le relais en électrisant définitivement la bande son de la fin de règne impérial. Ce sont des apatrides d'origine arménienne, Kevork Nalbandian, et surtout son neveu Nersès, qui vont contribuer à révolutionner la musique éthiopienne moderne. Il faut le souligner avec force, le grand parrain historique de cette musique est un émigrant arménien, profondément éthiopianisé, Nersès Nalbandian – Moussié Nersès –, Nalbandian l'Éthiopien. Orgie de cuivres, discipline bien comprise, innovations sans relâche et pédagogie révolutionnaire feront le reste, dès 1955. Ces étrangers qui composeront deux hymnes nationaux éthiopiens et un hymne continental (rien moins que l'hymne de l'O.U.A – Organisation de l'Unité Africaine), sont aussi et surtout la véritable origine de ce qui deviendra le Swinging Addis des années 1960. Nersès se verra conférer la nationalité éthiopienne en 1957 pour services rendus aux musiques d'Éthiopie. Avec le concours primordial des Bostoniens de l'Either / Orchestra, cet enregistrement représente le chaînon moderniste initial qui manquait jusqu'à présent dans les éthiopiques. ► Album Éthiopiques 32 – NALBANDIAN l'Éthiopien (Ethiopiques / Buda Musique 2025). Culture Prime YouTube  Catalogue Ethiopiques Buda Musique.

Amour, famille, maman solo, des rêves abimés, Paris, New York, Armentières, tout le monde descend ! Nos premiers invités sont Marc Nammour et Loïc Lantoine C'est l'histoire de plein d'histoires. Une ronde de personnages d'horizons multiples. Une série d'incarnations poétiques. Des fragments intimes d'hommes et de femmes portés au plateau. Onze portraits crachés à la première personne qui vont tour à tour se succéder. Voici le petit film intérieur de leurs pensées. Voici l'instantané de leurs états d'âme. Onze battements de monde présentés comme autant de miroirs de notre étrange condition. Pour la #SessionLive, Loïc et Marc se penchent sur les cas de Dylan, Bintou et Rebecca. Titres interprétés au grand studio : Rebecca Live RFI Il n'est vraiment pas pratique à attacher ce siège bébé. Par respect du public, tout terme grossier a été retiré. Mais putain, elle en a dit des gros mots Rebecca. Parce que c'est à Rebecca qu'on s'attache maintenant. Elle est une jeune maman, seule, qui s'agrippe à la vie comme à son fils. Elle s'agrippe parce que tout semble fuir autour d'elle, surtout les bonhommes. Son Papa est passé d'Haïti à Tahiti en passant par Paris, un aventurier, un cavaleur, un connard qu'elle n'a pas vraiment connu. Ahhh, ça démarre mal… Elle a cru une fois en l'amour qui ne l'a pas reconnue et depuis, elle élève seule son fils. Ahhh, ça démarre mal… Elle enchaîne les débrouilles, les boulots, une fois elle a signé un contrat en dur, un vrai, un CDI, Centre de Documentation et d'Information je crois… mais très vite, le boss s'est paraît-il barré avec la caisse. Ahhh, ça démarre mal…. Alors il faut bien vivre. Rebecca enchaîne les boulots précaires et s'est montée un petit trafic. Mais elle, elle touche pas à ces machins de drogues dures, c'est une limite. C'est malhonnête et ça fait mal au nez. Elle n'en est certes pas fière mais vous pouvez la juger, rien n'y fera. Rebecca est dure, comme sa vie. Il est vingt heures et trente, elle installe son fils, son sang, sa vie, à l'arrière de la voiture et part pour sa petite tournée. Ahhh… ça démarre pas…. Bintou Live RFI Bintou est complètement lessivée. Il est vingt heures et trente et elle se met péniblement au lit. Elle a mal partout et la nausée ce soir reprend de plus belle. Le doc lui avait bien dit que ça allait être pénible, qu'il allait falloir s'accrocher et que le moral jouait beaucoup dans sa guérison. Elle sait que ça va être long mais Bintou n'a pas l'intention de se laisser faire. Trente-cinq ans c'est beaucoup trop jeune. Après la stupeur et la désolation à l'annonce de la mauvaise nouvelle, elle suit à présent le protocole médical rigoureusement. Avant d'éteindre la lumière, elle regarde comme tous soirs le dessin d'une de ses nièces qu'elle a accroché au mur où il est écrit : « Tata Bintou t'es la plus forte, j'ai hâte de te revoir cet été. Je pense à toi tous les jours. Gros gros bisous. Hawa ». Elle a dû lire ce mot des centaines de fois depuis le début du traitement. Comme un mantra. Et heureusement qu'elle est bien entourée Bintou. Elle a au moins cette chance. Elle en a pris de la force. Elle en reçoit de l'amour. Après cinq mois de baston, elle s'est fait à l'idée de se transformer en amazone… et quitte à en devenir une, elle sera une amazone avec grave de style…  Dylan Live RFI Le problème avec Dylan, c'est que ça s'écrit comme ça se prononce mais pas toujours… Entendons-nous bien ! Ça s'écrit comme ça devrait se prononcer mais parfois ça dérape. Et au vu, enfin à l'écoute, du conditionnel qui vient de passer, vous avez deviné, lui c'est Djylan. Ça se fait beaucoup dans le nord où il a grandi. Ça donne un petit peu de peps au prénom et qui sommes-nous pour juger ! Il est vingt heures et trente et Djylan, il est parti fumer, un peu en cachette, c'est plus chouette. Il y a un étang pas loin. Djylan il est pas très vieux, il a pas fait sa majorité, il a plus trop de boutons et puis ça l'inquiète pas. Ce qui l'inquiète, c'est autre chose, c'est le monde et ce qu'il s'agirait d'en faire. Mais trop souvent, il s'agit de ce qu'on lui dit, hurle, impose qu'il s'agirait d'en faire. Lui, il voudrait avoir dans les mains un avenir malléable et doux (hop, je le mets comme ça, c'est joli) mais les autres ont sorti les moules et ils sont durs. On lui invente des devoirs et des interdictions. On lui réclame de l'ambition. Mais pour Djylan, l'ambition c'est jamais que du rêve abîmé et lui en rêves, il est plutôt pas mal. Alors des fois, sa tête pourrait exploser. Il crie, un peu, non, fort ! Un coup à shooter dans des rats musqués… mais c'est risqué ! Line Up : Marc Nammour (rap) & Loïc Lantoine (rap). Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor. ► Album Portraits crachés  Instagram Nammour - Instagram Lantoine.   Puis nous recevons Barbara Forstner pour la sortie de Long Long Gone Franco-américaine, Barbara Forstner a passé douze ans à New York avant de poser ses valises en France. De son parcours transatlantique, elle garde une passion pour la scène folk et country américaine, qu'elle mêle à une écriture sensible et habitée. Après un premier EP avec son groupe October Baby (The End, paru en juin 2024) et un album remarqué, Nowhere at All, sorti en novembre de la même année, la chanteuse revient aujourd'hui avec son premier album solo, Long Long Gone. Ses morceaux, au climat très cinématographique, invitent à pénétrer son univers. Élevée dans un environnement artistique, Barbara a grandi bercée par les disques de ses parents : Bob Dylan, Sixto Rodriguez et Tom Waits du côté de son père ; Barry White, Al Green ou Simple Minds du côté de sa mère. Très tôt, elle forge son propre panthéon musical, allant de Nick Drake à Cat Power, de Feist à Big Thief.  Chaque titre de Long Long Gone a été capté en une seule prise, pour préserver la vérité de l'instant. Elle soigne aussi l'aspect visuel de son univers, créant elle-même ses visuels à partir de dessins, photographies et collages graphiques. Enregistré en juin 2025 à Paris avec son ami ingénieur du son Léo Aubry, Long Long Gone se présente comme un disque acoustique, brut et vulnérable. Barbara y aborde l'amitié, l'amour, la famille, mais aussi la beauté fragile et la mélancolie du monde. Écrit entre New York et Paris, l'album explore l'amour perdu, les amitiés qui s'érodent, la vie à l'étranger et les rencontres éphémères.  Titres interprétés au grand studio : - To see the World (en duo) Live RFI - Building a Home, extrait de l'album - East Coast (en solo) Live RFI. Line Up : Barbara Forstner (chant, guitare) William Peyrieux (guitare). Son : Benoît Letirant. ► Album Long Long Gone (Raws Prod).  Instagram - YouTube.

Comment guérir du grand vacarme avec un accordéon, un clavier, une batterie, un sax, une basse, une voix ? La première #SessionLive est pour l'accordéoniste français Vincent Peirani avec l'album Living Being IV : Time Reflections. Après avoir parcouru les scènes du monde entier et multiplié les projets en co-leader ces dernières années, dont Les Egarés avec Ballaké Sissoko, Vincent Segal et Emile Parisien, l'incontournable Vincent Peirani est enfin de retour avec son groupe historique, 7 ans après la parution de l'encensé Night Walker. Dans ce Living Being IV : Time Reflections, l'accordéoniste le plus cool de France nous plonge dans une réflexion sur la complexité du temps et du rythme de la vie. Né dans le contexte particulier des premiers mois de la pandémie de Covid, ce nouveau répertoire représente une pause artistique, un moment de méditation pour Vincent Peirani sur l'impact du temps sur nos vies et notre perception du monde. Time Reflections se déploie comme une mosaïque vivante, mêlant pulsations contemporaines (pop, dub), échos de danses traditionnelles et musique baroque. Titres joués au grand studio : - Physical Attraction Live RFI - Nach E Vlado, extrait de l'album - Better Days Live RFI. Line Up : Vincent Peirani (accordéon), Emile Parisien (sax), Julien Herné (basse), Tony Paeleman (piano) et Martin Wangermée (batterie). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Living Being IV : Time Reflections (ACT). Site - Instagram - YouTube - Bandcamp.   Puis nous recevons Zaza Fournier pour l'album Fièvre Humaine #SessionLive n°2 Comme la tentative d'une réconciliation entre le grand incendie du dehors et la petite flamme de l'intime. Comment faire cohabiter la violence sous nos fenêtres avec nos chemins individuels ? Comment faire avec l'infiniment grand de l'absurdité du monde dans l'infiniment petit de nos vies ? Pour écrire, Zaza Fournier a été guidée par l'idée de la transe, de l'abandon à la musique et au rythme : ici, la musique sauve, la musique est libératrice ; comme un endroit où déposer ce que le monde fait de nous : des êtres agités, violentés, impuissants et pourtant vivants. Les claviers, joués par Pierre-François Blanchard, sont au centre de l'écriture de l'album, comme autant d'extensions du piano qui est celui sur lequel ont été composées toutes les chansons au départ. Des claviers, une pulse, une voix. Une écriture pop, aux accents parfois lyriques, emportée par des textures synthétiques. La musique se veut dense, intranquille, entêtante et physique. Avec la volonté de voir se déployer des évocations puissantes, des images, des sensations parfois presque cinématographiques. C'est un album qui depuis l'ombre, cherche à accéder à une forme de clarté, celle du cœur, des corps qui ont faim de vivre, un disque qui se déploie dans la nuit pour attraper les rais de lumières où qu'ils se trouvent. Titres joués au grand studio : - Incendie Live RFI - Cœur Oiseau Live RFI.                Line Up : Camille «Zaza» Fournier (chant/claviers), Mathieu Penot (batterie/clavier) et Pierre-François Blanchard (piano/claviers).  Son : Mathias Taylor, Anouk Bodenan. ► Album Fièvre Humaine (Astrales). Instagram - YouTube - Facebook.

Brooklyn/Botswana/Ariège x Paris/Londres/Kingston, à vos marques ! (Rediffusion) Notre 1ère invitée est l'artiste américaine Natalia M. King pour la sortie de son 8ème album Afroblues. Natalia M. King est une chanteuse, compositrice et guitariste américaine qui fusionne blues, jazz, soul et folk. Voix puissante du blues et du jazz modernes, elle captive par ses interprétations émouvantes. En 2025, elle franchit une nouvelle étape avec AfroBlues, un album mêlant pop dansante, afrobeat et sonorités blues. Son premier extrait, «Dumela», rend hommage à son voyage au Botswana, à sa terre rouge et à son peuple, capturant la beauté et la sagesse de ce lieu à travers sa musique. AfroBlues sera une fusion audacieuse des genres, réunissant les rythmes contagieux de l'afrobeat, des éléments de danse électronique et le soupçon de blues qui a défini sa carrière. Ce virage musical représente l'évolution continue de Natalia M. King en tant qu'artiste ne craignant pas d'expérimenter de nouveaux sons et styles. L'album est une exploration du rythme, de l'énergie et de la fusion culturelle, autour des thèmes de l'autonomisation, de la joie et de la résilience qui sont au cœur de l'album. Grâce à sa capacité à mélanger divers éléments musicaux, AfroBlues promet d'être un ajout unique et passionnant à sa discographie. À propos du premier single «Dumela» : Il existe un petit «Royaume-Uni» qui borde l'Afrique du Sud de Nelson Mandela. Une merveilleuse opportunité, par le biais de l'amour, m'y a transportée au printemps 2024 dans le merveilleux pays africain du Botswana. Les paysages, les odeurs et les sons m'ont rappelé des souvenirs oubliés. «Dumela», qui signifie bonjour en setswana (ou tswana), est mon hommage à cette mémoire oubliée et aux belles âmes que j'ai rencontrées là-bas. Je remercie les pluies et la terre rouge qui m'ont inspirée... Dumela Botswana ! Dumela Afrique ! Merci pour votre sagesse et nous nous reverrons. Natalia M. King Titres interprétés au grand studio - Dumela Live RFI - Lost & Everywhere, extrait de l'album - I Love A Woman Live RFI. Line Up : Natalia M. King (voix, guitare), Vince Laurent (batterie) & Damien Argentieri (claviers & moog). Son : Mathias Taylor & Jérémie Besset ► Album AfroBlues (Natalia M. King / Modulor 2025). Instagram - Facebook - YouTube.    Puis nous recevons l'artiste britannique ALA.NI pour la sortie de Sunshine Music Lorsque ALA.NI a commencé à écrire Sunshine Music, son troisième album, l'hiver parisien de 2023 battait son plein, avec un froid mordant. Composant sous des couches de couettes dans son appartement de l'Opéra, elle puisait sa chaleur non pas dans son environnement, mais dans les souvenirs du soleil des Caraïbes qu'elle venait de quitter. Ce qui devait être un voyage de deux semaines en décembre 2020 s'est transformé en deux ans et demi entre la Barbade, la Grenade — où ses parents avaient grandi — puis la Jamaïque, un long séjour qui lui a offert un nouveau sentiment d'identité. «Vivre en Jamaïque, c'était la première fois que j'habitais dans un pays à majorité noire», dit-elle. «Les Jamaïcains sont très eux-mêmes, sans s'excuser. J'ai choisi de vivre à Paris, et je me sens plus moi-même, plus expressive et plus à l'aise ici qu'à Londres, et davantage appréciée et reconnue en tant qu'artiste aussi. Mais il y a des microagressions et des microracismes auxquels nous devons faire face chaque jour en tant que personnes de couleur. Quand je suis sortie de cet environnement, je me suis dit : «Merde, c'est ça que je gérais tout ce temps.» J'avançais simplement en acceptant certains comportements négatifs comme un acte de survie mentale.» En Jamaïque, elle a collaboré avec Sly Dunbar, l'un des batteurs légendaires de l'île, le sortant presque de sa retraite pour une session improvisée. Sunshine Music vibre du souvenir de cette chaleur : une tapisserie d'influences mêlant calypso, jazz, bossa nova et le grand répertoire d'après-guerre, le tout tissé par la voix et la sensibilité singulières d'ALA.NI. Tout au long de l'album, des styles familiers sont honorés sans pastiche : la langueur du reggae, le souffle d'un rythme bossa nova, la diction nette du théâtre musical. Titres interprétés au grand studio - Seaweed Live RFI - Tief, extrait de l'album - This is Why Live RFI.  Line Up : Ala.ni (chant), Thomas Naïm (guitare) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant ► Album Sunshine Music (No Format 2025). Instagram - Bandcamp - YT  Concert 9 février 2026, Théâtre Athénée Louis Jouvet, Paris.

12ème édition du festival Visa For Music au Maroc, reportage de Marjorie Bertin. Créé en 2014, Visa For Music est le premier festival et marché de la musique d'Afrique et du Moyen-Orient, qui se tient chaque année sur 4 jours en novembre à Rabat au Maroc, à l'initiative d'ANYA Culture, structure d'ingénierie culturelle marocaine, et Atlas Azawan, association pour la promotion de la Culture et du Patrimoine. Cet évènement dédié à la promotion de la diversité musicale mondiale, avec un accent particulier sur l'Afrique et le Moyen-Orient, constitue une plateforme cruciale pour les artistes, les professionnels de la musique et les acteurs des Industries Créatives et culturelles (ICC). Il offre un espace propice à la réunion, à l'échange d'idées et à la création de collaborations fructueuses. C'est donc à Rabat que s'est tenue, du 19 au 22 novembre 2025, la 12ème édition du festival Visa For Music. Marjorie Bertin a posé ses valises sur l'esplanade du Théâtre Mohammed V, jeté une oreille du côté du site antique du Chellah, transformé en berceau de l'électro (La Louuve et Aziz Konkrite) et s'est intéressée d'un peu plus près à la diaspora marocaine : Nashwa (Maroc/Belgique et le groupe AZA (Maroc/Usa). Ils seront nos invités, sans oublier Mr le Directeur Brahim El Mazned. Artistes invités : - Nashwa, avec le producteur et percussionniste Alix Pilot qui a fait de la Belgique sa nouvelle patrie et la chanteuse Ghizlane Melih- Aza, emmené par Fattah Abbou, musique amazigh de Californie- Omar and the Eastern Power, la formation est basée à Séoul, en Corée du Sud. Elle est née de l'amitié entre le Marocain Omar Benassila avec un Égyptien et trois musiciens coréens, passionnés de musique gnaoua. - Site VFM  - Nashwa à lire sur RFI Musique  - Nashwa bandcamp - Clip Nashwa  - Instagram Fattah Abbou_AZA  - AZA facebook  - Instagram Omar & The Eastern Power  - Omar Bandcamp.

#sessionLive qui voyage de Salvador de Bahia à Lisbonne, en passant par Barcelone ! Tigana Santana, 1er invité de la #SessionLive en trio Chanteur, compositeur, guitariste, né dans la ville afro-brésilienne de Salvador à Bahia, Tiganá Santana excelle de talents tant dans la musique que dans sa carrière de philosophe et chercheur. L'ancestralité et la culture africaine inspirent la musique de cet artiste polyglotte, premier artiste brésilien à chanter et composer en langues africaines comme le kikongo et kimbundu d'Angola et du Congo. Sa plume et sa voix s'exercent aussi, avec le même brio, dans les sonorités de sa langue portugaise natale, en espagnol ou encore en anglais, ou français. S'il est souvent appelé « le Nick Drake brésilien », c'est certainement grâce à son univers très intimiste et à sa voix chaude et rauque. Caçada Noturna, septième album de Tiganá Santana, enregistré à Serpa, dans les terres portugaises, avec les musiciens et amis Leonardo Mendes et Ldson Galter, est basé sur des instruments à cordes, concrétisant ainsi un projet que Tiganá attendait depuis un certain temps.  Titres interprétés au grand studio - Muloloki Live RFI  - Nkongo, extrait de Caçada Noturna (2024) - Flor Destinada (effleurer le destin) Live RFI.   Line Up : Tigana Santana (chant, guitare), Zé Luis Nascimento (percussions) et Leonardo Mendes (guitare). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant ► Album Caçada Noturna (Ajabu ! 2024) Site - YouTube - Instagram.   Puis nous recevons Lina & Marco Mezquida pour la sortie de O Fado. La rencontre entre LINA_, l'une des voix les plus incarnées du fado contemporain, et Marco Mezquida, pianiste catalan virtuose, s'est imposée comme une évidence. Tous deux partagent un amour de la liberté musicale, une exigence artistique sans compromis et une sensibilité à fleur de peau. Dès leur première session en studio, la magie opère : le piano devient le prolongement naturel de la voix, et la voix se déploie dans le souffle du clavier. « Marco a apporté une grande légèreté à ma musique. Avec lui, je me sens libre et profondément écoutée », confie LINA_. De cette alchimie, naît un premier EP, O Fado, sorti en mars 2025, salué pour sa manière de faire dialoguer tradition et modernité. Portés par cet élan, les deux artistes prolongent leur collaboration avec un album du même nom de douze titres où ils explorent un répertoire mêlant compositions originales, réinterprétations et morceaux méconnus. Ils proposent une nouvelle lecture de Fado da Defesa (avec un poème d'António Calém, une musique de José António Sabrosa, rendu célèbre par Maria Teresa de Noronha), ainsi que de Gota d'Água de Flávio Gil. LINA_ signe également des compositions sur des textes de Florbela Espanca, Miguel Torga, Sueli Costa, Álvaro Duarte Simões ou encore Luís de Andrade et explore même la langue castillane avec El Rosario de Mi Madre (Mário Cavagnaro) et No Volveré (Ernesto Cortázar / Manuel Esperón), où elle perçoit des affinités naturelles avec le fado.  Titres interprétés au grand studio - O Fado Live RFI - Lisboa Dos Menjericos, extrait de l'labum - Não é Fácil o Live RFI. Line Up : Lina (chant), Marco Mezquida (piano). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album O Fado (Galileo 2025). Viavox - YouTube - Marco Mezquida site. Mezquida Instagram - LINA site.

Des nuits parisiennes à La Havane aux nuits brésiliennes de Fabienne. Nos premiers invités sont Vincent Segal et Roberto Fonseca pour la sortie de Nuit parisienne à La Havane. Le pianiste cubain Roberto Fonseca et le violoncelliste français Vincent Segal dévoilent Nuit Parisienne, leur premier single en duo, annonçant la sortie de leur album Nuit Parisienne à La Havane, prévu le 30 janvier 2026 chez Artwork Records & Montuno. Né d'une session improvisée de cinq jours à La Havane, cet album capture l'instant où deux univers musicaux se reconnaissent. Le piano de Fonseca, nourri de jazz, de musique classique et d'héritages afro-cubains, rencontre le violoncelle élégant et sensoriel de Segal. Ensemble, ils font naître une conversation d'une rare finesse, où chaque silence importe autant que chaque note. Titres interprétés au grand studio - Nuit Parisienne Live RFI - Paciencia Es Lo Que Hay Que Tener, extrait Cd - Soul Kiss Live RFI. RFI VIDÉOS #SessionLive sur YouTube  Line-up : Roberto Fonseca (Piano) Vincent Segal (Violoncelle) + Toni Lacotte (traducteur) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Nuit parisienne à La Havane (Artwork/Montuno 2026) Roberto Fonseca : Site - Instagram - YouTube.  Vincent Segal : YouTube - Instagram. Concert 8 février au Châtelet 2026, Paris. Puis nous recevons Fabienne Magnant pour la sortie de son 5ème album Cordes Sensibles « Ce cinquième opus est un témoignage de plusieurs années de pérégrinations et inspirations artistiques. Je joue une nouvelle fois sur mes trois guitares (guitare classique/brésilienne, flamenca et viola caipira) comme dans mon album précédent La Trinidad (2011), mais cette fois en solo ou avec d'autres musiciens du duo au quatuor. Les pièces proposées sont des chefs-d'oeuvre du répertoire classique, flamenco en soliste, des arrangements de joyaux de la musique populaire brésilienne sur ma viola caïpira et des compositions personnelles avec mes guitares entourées à la fois de percussions, de la basse et la contrebasse, du rabeca, de la clarinette basse ou d'une voix poétique. Ce melting-pot, reflet de mes passions musicales multiples, laisse largement la place au partage avec d'autres artistes musiciens ou poètes mais n'en n'oublie pas pour autant l'intimité que peut offrir le solo instrumental qui m'est cher. Espérons que cet album Cordes Sensibles permettra de rassembler des auditeurs de sensibilités différentes autour d'une même voix : celle de la musique ! » Fabienne Magnant. Titres interprétés au grand studio - Nordestine Live RFI - Asa Branca, extrait album - Canto de Ossanha Live RFI. Line Up : Fabienne Magnant (viola caïpira) et Abel Luiz (viola caïpira) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant ►  Album Cordes Sensibles (Guit'Art Productions / Music Box Publishing / InOuïe Distribution 2025) Site - Instagram - YouTube.

Le flûtiste Jî Drû sort Poems For dance et la batteuse Anne Paceo Atlantis. Rendez-vous dans la #SessionLive ! (Rediffusion)                             Notre premier invité est le flûtiste compositeur Jî Drû pour la sortie de l'album Poems For Dance. Poems For Dance est sensible et fait danser. Un disque et des concerts pour nous rappeler que la musique est un geste de partage, la danse une libération. Jî Drû réalise ici un album fou, débordant d'inventivité et d'énergie. L'intensité de son quartet, sa cohésion rythmique et mélodique en font un grand groupe, à découvrir vite en live pour des concerts vibrants. Une musique en partage qui nous rappelle qu'elle doit avant tout nous faire du bien, un hymne au vivre ensemble, à la danse et à la joie. Sur un tapis de poésies, les mélodies oniriques apaisent et les improvisations transportent. Jî Drû dessine une route musicale où la flûte trace un trait d'union entre les musiques de transe et un jazz innovant, insufflant une émergence poétique à partager avec le public. Il s'aventure cette fois vers des musiques à danser : l'afrobeat, la soul, des rythmes électro ou latins. Il explore avec son groupe un espace fait d'histoires et de mélodies qui convoquent l'imaginaire et le rêve pour créer des possibles communs. Poems For Dance est une invitation au mouvement et s'intéresse tout particulièrement au lien avec l'auditoire. Le corps prend la suite de l'écoute et devient un formidable outil de sensation et de liberté que l'audience pourra traduire, pourquoi pas, par la danse. La danse et le mouvement seraient alors là pour se battre, bouger, se montrer et faire entendre, ensemble nos singularités. La flûte touche l'âme comme le poète qui déclame son texte : elle explore et révèle des espaces abstraits et se met en connexion avec le vivant. Elle est douceur, harmonie ou rythme : la flûte est Poésie.  Jî Drû est un flûtiste et producteur, né à Amiens en 1974. C'est d'abord par le saxophone qu'il a fait ses premières armes dans la musique au CRR d'Amiens. Après une Maîtrise d'Histoire sur la bande dessinée et les Pieds Nickelés de Louis Forton, il a fait ses premiers pas sur scène, fin des années 90, en participant au lancement d'un studio avec une bande d'amis : Cité Carter, dans l'effervescence de la scène amiénoise à laquelle il participe. Il s'exile à Paris en accompagnant Toma Sidibé sur scène durant une tournée marathon de trois années. Il collabore en parallèle sur scène avec divers artistes comme Magic Malik, Julien Lourau, Les Troublemakers, Jeff Sharel, Doctor L et parcourt les scènes de France, d'Europe et les principaux festivals de musique.  Titres interprétés au grand studio - Poems will make you sing Live RFI - Don't stop the flow Feat. Natasha Rogers, extrait de l'album - Floatin in the air Live RFI. Line up : Ji Dru (flûte), Mathieu Penot (batterie), Sandra Nkaké (voix, fx), Pierre François Blanchard (claviers). Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Poems For Dance (Label Bleu 2025). Concert parisien 17 décembre Studio de l'Ermitage. YouTube - Instagram - Deezer.   Puis nous recevons Anne Paceo dans la #SessionLive pour la sortie du nouvel album Atlantis. Artiste majeure de la scène musicale actuelle, figure de proue de la nouvelle scène jazz «cross over», batteuse la plus en vue de l'Hexagone, compositrice reconnue pour sa capacité à créer un propos musical inédit, empreint de transe et de spiritualité, Anne Paceo ne cesse de se réinventer et de nous surprendre. En témoignent sa nomination à l'ordre des Chevaliers des Arts et des Lettres en 2021, ses 3 Victoires de la musique, ses nombreuses collaborations et sa discographie prolifique : 8 albums et 4 EP à son actif. Son 8è album, Atlantis, est paru sur son label Jusqu'à la Nuit. Atlantis. île gigantesque reçue par Poséidon, dieu des Océans, lorsque les dieux se sont partagé la Terre. Et engloutie par un cataclysme vers 9600 avant Jésus-Christ. D'après la légende, la corruption et le matérialisme de ses habitants auraient provoqué sa destruction. À l'aune d'un monde à la politique si absurde qu'elle en devient ultra destructrice, ayant évacué toute conscience environnementale. Anne Paceo n'a donc pas nommé ce nouvel album Atlantis par hasard. Été 2022. Enthousiasmée par un récent baptême de plongée, la compositrice et batteuse française part au Portugal pour s'immerger dans les fonds marins. Dans de l'eau tant glaciale que trouble, elle découvre une émotion proche de l'extase, que Romain Rolland appelait le «sentiment océanique». Un mélange de ressentis convoquant apesanteur, plénitude et dissolution du temps. Ainsi, l'eau devient symbole de renouveau et lieu de contemplation. De quoi donner naissance à de nouvelles chansons. Elles sont au nombre de treize, nous invitant toutes, chacune à leur manière, à un voyage chimérique et apaisant. Titres interprétés au grand studio - Inside Live RFI - Restless Feat. Piers Faccini, extrait de l'album - Sur une île Live RFI. Line Up : Anne Paceo (batterie, chant), Gauthier Toux (Moog & Prophet), Leo Montana (piano), Christophe Panzani (saxophone), Lilian Mille (trompette) et Cynthia Abraham (chant). Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor. ► Album Atlantis (Jusqu'à la Nuit 2025). Concert 13 février 2026, Gaîté Lyrique, Paris. Site - Bandcamp - YouTube - Instagram.

Dafné Kritharas embarque pour Cythère avec Prayer & Sin, Sophian Fanen reste fidèle au tri sélectif. Tous les mois, le critique musical Sophian Fanen, du site Les Jours, propose 5 nouveautés qui ont parfumé son cerveau et ses oreilles. Pour janvier, il a jeté son dévolu sur : - Peso Pluma et Tito Double P, Dopamina, tiré de l'album Dinastía (Double P Records, 2025) - Either/Orchestra, Yene Hassab, tiré de l'album Ethiopiques 32: Nalbandian l'Ethiopien (Buda musique, 2025) - Marco Castello, Scoglio Volante, tiré de l'album Quaglia Sovversiva (Marco Castello, 2025) - Giulia Mei, Bandiera, tiré de l'album Lo della musica non ci ho capito niente (Sound to Be, 2025) - Lô Borges, O trem azul, tiré de l'album Clube da Esquina (EMI Records Brazil, 1972) Instagram Sophian Fanen.   Puis nous recevons Dafné Kritharas pour la sortie de son 3ème album Prayer & Sin. Le secret sur Dafné Kritharas ne sera pas gardé plus longtemps. Début 2025, les professionnels se sont laissés surprendre par des concerts parisiens sold out sans promo et sans actualité.  L'album Prayer & Sin dévoile et délivre l'art de Dafné Kritharas, qui convoque des éternités, des sources, des légendes, des sortilèges que l'on croyait perdus à force d'autotune, de filtres et de commerce. Au-dessus de nous, ici et maintenant, elle tend le ciel de l'Odyssée. Prayer & Sin dit la Grèce, la Méditerranée, et plus précisément encore, la mer Egée, l'Asie Mineure et les Balkans, les routes et les détours que seuls savent tracer les musiques et les musiciens.  Une Française et un Grec vivent avec leurs deux filles dans un petit village de Crète. Dafné sait à peine marcher quand son père, amoureux de la mer, ne remonte pas d'une plongée. Sa mère quitte l'île à jamais. Élevée en France, l'enfant grandit en passant tous ses étés en Grèce. Elle en sait la langue, la musique, les danses, le goût du vent, la saveur de la mer. Elle ne fréquente ni école de musique, ni conservatoire, mais se nourrit des musiques des fêtes sur une petite île de la mer Égée ou des CD qu'écoute sa mère. À cinq ans, elle pleure en découvrant Maria Callas. Dès lors, elle sait le sublime du chant qui emporte et la joie des danseurs se tenant les épaules… Elle apprend du chant d'Háris Alexíou (qui « dans sa voix obscure et profonde porte toute la Grèce », dit-elle), d'Aziza Mustafa Zadeh (« pour la virtuosité et la folie »), d'Ella Fitzgerald (« pour le masque de soleil, comme si la vie triomphait toujours »), d'Amália Rodrigues ou de l'enfant-prodige indien Aryya Banik, et elle chemine dans les albums de Ross Daly, multiinstrumentiste d'origine irlandaise devenu grec…  En 2013, elle rencontre un guitariste plutôt armé pour la chanson et le jazz, Paul Barreyre. « Mon âme sœur en musique. Nous commençons à jouer partout, dans les bars, à chaque trajet dans le métro, dans les Noctilien où ça apaise des gens qui se battent. Nous faisons quelque chose de festif, de joyeux, et on nous repère. »  Elle enregistre deux premiers albums, Djoyas de Mar (2018) et Varka (2021) et peu à peu commence à composer ses propres chansons, le répertoire de Prayer & Sin. Son autre complice (et cousin), Camille El Bacha, est le pianiste qui l'accompagne dans les arrangements. Le violoncelliste Sary Khalifé déploie une pâte orchestrale volontiers ample et cinématographique et Sylvain Barou apporte des couleurs terriennes avec des instruments à vent de toute la Méditerranée, la mer Egée et l'ensemble du Moyen-Orient. Dafné Kritharas ouvre largement les portes d'une Grèce aussi grecque qu'elle est personnelle, unique, libre.    ► Album Prayer & Sin (Ano Kato 2025). YouTube - Instagram. Concert 19 janvier 2026 au Théâtre du Châtelet.

Le 974 est à l'honneur avec deux albums mi-insulaire, mi-sétois qui emmènent le Maloya en RTT ! Nos premiers invités sont le groupe Saodaj à l'occasion de la sortie du nouvel album Lodèr La Vi Saodaj, c'est l'image d'un pays pluriel, vaste, infini : La réunion ! Une musique amoureuse du Maloya, émancipée et vagabonde. En créole, en français, leurs textes s'élèvent et s'indignent, cherchant la beauté dans la noirceur du monde. Saodaj trace sa route depuis une décennie entre tradition et modernité, là où le rock alternatif des cordes saturées fait corps avec les polyrythmies percussives. A travers l'album « Lodèr la vi » (Parfum de la vie) le groupe ose de nouveaux paysages sonores. Une ode aux naissances qui nous métamorphosent, aux voyages hors des sentiers battus, à nos vivants et nos morts, l'amour toujours en ligne de mire. Saodaj incarne une musique actuelle et engagée, qui fusionne avec élégance les éléments de la modernité et les racines profondes des traditions. À travers leur art, Marie Lanfroy, Jonathan Itéma et leur groupe offrent une interprétation unique du monde. Saodaj continue de charmer et de sensibiliser avec une musique qui touche à l'âme, rappelant à chacun l'importance de nos racines tout en embrassant le changement et l'évolution.   Titres interprétés au grand studio : Adyé Véli Live RFI Lodèr La Vi, extrait de l'album Zanfan Live RFI Line Up : Marie Lanfroy (chanteuse, auteure, compositrice, bobr', kayamb, tarlon), Jonathan Itéma (chanteur, auteur et compositeur, rouler, Sati pikèr, bobr', morlon, triangle), Mélanie Badal (violoncelle, chant), Frédérick Cipriano (sati, pikèr, triangle, kayamb), Blaise Cadenet (guitare, percussions) et Zélito Déliron (percussions). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant ► Album Lodèr la vi (Buda Musique / Socadisc 2025) Instagram et YouTube de Saodaj Puis nous recevons le groupe Bonbon Vodou pour la sortie de Epopée Métèque Le bonbon piment cache bien son jeu. Sous l'apparence inoffensive du beignet, l'amuse-bouche réunionnais cache des épices susceptibles de remettre les idées en place. Chez Bonbon Vodou, c'est pareil. Quoique les influences du duo chaloupent entre océan Indien et mer Méditerranée, le piquant perce sous la tendresse des chansons graciles souvent bercées au rythme du maloya. Le duo formé par Oriane Lacaille (chant, batterie, kayamb, roulèr, percussions, flûtes pygmées) et JereM Boucris (chant, guitare, cigar box, ukulélé) se compte désormais sur les cinq doigts de la main. Ces dernières années, leurs concerts ont régulièrement été donnés en quintette grâce au renfort d'un trio relevé, les Piment Piment que l'on retrouve partout sur Épopée métèque. Mixé par le sorcier Jean Lamoot, Épopée métèque foisonne de trouvailles orchestrales et de textes polyglottes, avec moult musiciens additionnels et invités, dont Bernard Lavilliers. Titres enregistrés au grand studio : Fais bouger ton boule Live RFI Les mains d'or (Feat Lavilliers), extrait album L'absence Live RFI Line Up : Oriane Lacaille (chant, cajon, kayamb), Jerem Boucris (chant, guitare), Juliette Minvielle (tambour à cordes, chant), Yann-Lou Bertrand (basse, flûte, chant) et Roland Seilhes (clarinette, flûte) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant Images : RFI Vidéos ► Album Epopée Métèque (Heavenly Sweetness 2025) Concert 11 février 2026 au 360 Paris / festival Au fil des Voix. Instagram YouTube Site 

Xù d'Assa est le nouvel album de la voix diamantée d'Haïti : James Germain. Notre invité. Avant son passage au New Morning à Paris, James German est passé dans nos studio. Voici sa note d'intention pour ce nouvel album « Xù d'Assa » :  Cet album est né d'un murmure. Le murmure de ma mère, ses chansons qui ont bercé mon enfance, le murmure des anciens, les voix qui traversent les océans et les générations. Io d'Assa. Ce nom est plus qu'un titre. C'est un pont. Un pont tendu entre l'Afrique et les Caraïbes, entre hier et demain, entre la mémoire et l'avenir. C'est le récit d'un voyage qui a commencé bien avant ma naissance, le voyage de nos ancêtres. Voyez cet album comme un coffre précieux. Chaque chanson est un objet hérité, chaque mélodie un récit transmis. J'ai voulu capturer ce que mes parents m'ont donné : non pas seulement des mots et des mélodies, mais une âme. L'âme d'un peuple qui a survécu, qui a résisté, qui continue de chanter malgré tout.    Le prélude de l'album commence par la voix de ma mère. Un geste symbolique. C'est elle qui me chantait ces chansons traditionnelles, qui me racontait ces histoires qui ont façonné mon être. Entendre sa voix, c'est comme rouvrir un album photo familial, mais en son. C'est dire que notre histoire n'est pas terminée, qu'elle se transmet, qu'elle continue. Je ne suis qu'un passeur. Un passeur de mémoire, un gardien momentané d'un trésor qui me dépasse. Cet album est mon offrande aux générations futures. Un message encapsulé dans des rythmes et des mélodies, qui dit : « Souvenez-vous. Comprenez d'où vous venez. Portez cette flamme. » L'héritage afro-caribéen n'est pas un concept abstrait. C'est concret. C'est dans nos chants, nos danses, nos silences. C'est ce qui nous a nourris quand tout semblait nous abandonner. Io d'Assa est le témoin de cette résilience. Chaque note est une racine. Chaque rythme est une histoire. Chaque silence est un hommage.   Album Xù d'Assa (Mass Production 2025) Concert parisien 12 janvier au New Morning Instagram  Facebook  + 2 ou 3 titres de David Bowie, pour le plaisir et parce qu'il est allé de l'autre côté de l'arc-en-ciel il y a 10 ans  Site, Instagram

David Walters sort Kité Koulé avec Keziah Jones, en amont du prochain album Ti Love. (Rediffusion)   David Walters signe son grand retour avec un nouveau single Kité Koulé feat. Keziah Jones ! iIs sont nos invités dans la #SessionLive ! Premier extrait de son prochain album Ti Love attendu début 2026, ce morceau marque une rencontre musicale vibrante avec un autre guitariste / chanteur : Keziah Jones. Les deux artistes se sont croisés pour la première fois en 2006, à l'occasion d'une exposition de peintures de Keziah à Paris, où David avait été invité à jouer. Depuis, une complicité artistique s'est tissée entre eux, jusqu'à une nouvelle retrouvaille à Marseille, lors du Marseille Jazz Festival. C'est à Paris, lors d'une soirée spontanée, que le morceau est né. Écrit d'un seul souffle, inspiré par un échange sur le temps qui passe et la puissance de l'instant présent, «Kité Koulé Kon Dlo» (littéralement «laisser couler comme l'eau») prône la fluidité, l'acceptation et la connexion à soi et au monde, dans toute la beauté imprévisible de l'existence. Entre groove enivrant et spiritualité, le titre fait aussi référence à Manman Dlo, déesse des océans, symbole de mémoire, de vie et de guérison. Une chanson à la fois intime et universelle, qui nous invite à danser avec les courants de la vie.   Titres interprétés au grand studio - Kité Koulé David Walters Feat. Keziah Jones (single) Live RFI  - Ti Love Feat. Fatoumata Diawara, exclu, extrait cd non sorti - La vie est belle David Walters et Roger Raspail Live RFI.   VOIR LA #SESSIONLIVE YouTube par RFI Vidéos. Line Up : David Walters (guitare voix), Keziah Jones (guitare voix) et Roger Raspail (percus) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.  ► Album David Walters à venir Ti Love (début 2026) chez Heavenly Sweetness. + Playlist David et Keziah (sous réserve) - Cesaria Evora «Amor Di Mundo» Café Atlantico 1999_choix David - Prince «Something in the Water» 1999 album (sortie en 1982)_choix Keziah - Keziah Jones «My Brother»_choix David (Nigerian Wood 2008, 5è album) - Prince «Bob George» Black album (22 nov 94)_choix Keziah.

La poétique du souvenir avec Yasmine Hamdan (Liban) et Christine Zayed (Palestine). (Rediffusion) Yasmine Hamdan est notre 1ère invitée pour la sortie de son 3ème album I Remember I Forget Yasmine Hamdan a d'abord surgi sur la scène musicale avec la formation indie électronique pionnière Soapkills, formée avec Zeid Hamdan dans le Beyrouth de la fin des années 90. Le répertoire entêtant et irrévérencieux du duo ainsi que ses visuels auront rayonné créativement à travers le monde arabe et au-delà, culminant avec une anthologie en 2015. Après s'être installée à Paris en 2005, la musicienne collabore avec le producteur Mirwais (ex-Taxi Girl et producteur de Madonna) pour le projet Y.A.S., à l'origine d'un album dansant et raffiné, Arabology, paru chez Universal en 2009. Depuis, elle s'est fait un nom au-delà des frontières en tant qu'autrice-compositrice et productrice solo, entrelaçant avec élégance des univers éloignés comme la poésie, la pop et la tradition panarabe, l'electronica, la soul ou encore la guitar music. Elle a collaboré avec des cinéastes de tous horizons tels que Elia Suleiman, Jim Jarmusch (chantant notamment à l'écran dans le film de 2013 Only Lovers Left Alive), Daniele Arbid ou Ghassan Salhab, et a joué au sein de projets collectifs majeurs comme Africa Express. En solo, Yasmine Hamdan a sorti un premier disque en 2013, Ya Nass, un en 2017, Al Jamilat, et à présent son troisième album I Remember I Forget, co-produit aux côtés de son collaborateur de longue date Marc Collin (Nouvelle Vague). La mémoire est une force sans pareille. I Remember I Forget [Je me souviens que j'oublie] succède à deux disques solo salués à l'international, Ya Nass (2013) et Al Jamila (2017). L'album scelle la réputation de Yasmine Hamdan en tant que conteuse talentueuse, performeuse captivante et défricheuse indépendante. L'artiste polyglotte, née à Beyrouth et installée à Paris, a toujours mêlé dans sa musique l'intime, le poétique et la politique, souvent avec un humour vif, puisant ses influences dans les dialectes et sonorités du monde pan-arabe et d'ailleurs. C'est plus que jamais le cas sur ce nouvel album, un ensemble de chants de beauté et de fureur légitime, forgé dans le tumulte de crises mondiales, notamment l'explosion en 2020 du port de Beyrouth et l'effondrement économique du Liban (désastre financier qui aura protégé l'élite aux dépens du plus grand nombre). Dans un monde moderne de plus en plus fracturé, les prises de parole de Yasmine Hamdan semblent plus vitales que jamais. «Pour cet album, je voulais m'attacher à un lieu spécifique — et il fallait que ce soit le Liban», explique Yasmine Hamdan. «Mon lien avec le Liban et ce qui lui est arrivé a constitué le terreau à partir duquel j'ai commencé à écrire et composer l'album. Cependant, au fur et à mesure du processus créatif, cet endroit est devenu un symbole, une métaphore, une catharsis pour ce qui se passe plus largement dans le monde et à travers l'expérience collective.»  «En dépit de la douleur ressentie devant ce qui est infligé à mon lieu de naissance, s'est installé peu à peu un sentiment de tendresse, de familiarité, ce qui m'a apporté de l'espoir et de l'inspiration. Beyrouth a certainement continué à être généreuse avec moi», raconte-t-elle. Yasmine Hamdan s'est ainsi attelée à l'écriture des chansons, renouant pour l'occasion avec un collaborateur de longue date, Marc Collin (Nouvelle Vague). I Remember I Forget a été produit sous la tutelle de leurs labels respectifs, Hamdanistan et Kwaidan, et paraît chez Crammed Discs / [PIAS]. Titres joués durant l'entretien : I Remember I Forget, Shmaali, Shadia et The Beautiful Losers. ► Album I Remember I Forget (Crammed Discs / [PIAS] 2025). Site Yasmine Hamdan - Bandcamp. YouTube. Actu concert 18 mars, Paris Le Trianon.   Puis la #SessionLive reçoit Christine Zayed pour l'album Kama Kuntu. Née dans une famille mélomane de Palestine, élevée entre Jérusalem et Ramallah, Christine Zayed est une chanteuse, une compositrice et une instrumentiste, virtuose du qanûn. Elle a été initiée dès son plus jeune âge à la musique arabe classique et contemporaine, ainsi qu'à la musique traditionnelle palestinienne. Son répertoire s'appuie principalement sur la musique arabe classique, basée sur le maqam (la science et la pratique de l'improvisation modale arabe), et sur la poésie arabe, en particulier la poésie palestinienne contemporaine. Ses compositions, fortement ancrées dans la tradition, sont résolument contemporaines, recherchant les chemins de la modernité dans le croisement avec d'autres univers musicaux. Elle vit et travaille en France depuis quelques années et collabore à de multiples projets, notamment au sein de l'Ensemble Chakâm ou du groupe Atine. Elle se produit en solo ou en trio avec le flûtiste Sylvain Barou et le percussionniste Habib Meftah interprétant un répertoire que l'on retrouve dans son premier album, Kama Kuntu («Ce que j'étais»). On y croise plusieurs invités, notamment Piers Faccini. Titres interprétés au grand studio : - Avant que je photographie les oiseaux, Live RFI - Animal, Feat. Piers Faccini, extrait de l'album  - Ghalimi Live RFI. Line Up : Christine Zayed (qanûn, chant), Sylvain Barou (flûtes, duduk) et Habib Meftah (percussions) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Kama Kuntu (T-Rec 2024). Site - YouTube. Actu concerts : 11 décembre – Festival NoBorder, Brest // en trio + 12 décembre – Le Chenal, Porspoder // dans le cadre de NoBorder // en trio.

Les musiques nées de l'esclavage (domaine français) est le nouveau livre du journaliste Bertrand Dicale. Entretien. (Rediffusion) Bertrand Dicale est né à Paris d'un père guadeloupéen et d'une mère auvergnate. Il est diplômé de l'Institut d'études politiques de Paris et du Centre de formation des journalistes. Depuis janvier 2017, il est directeur général du média numérique d'information News Tank Culture, consacré à l'économie et aux politiques de la culture. Auteur de plusieurs ouvrages, il vient de publier «Musiques Nées de l'Esclavage (domaine français)», aux éditions de la Philharmonie. Quelle trace la longue période coloniale a-t-elle laissée dans les cultures populaires des terres possédées ou exploitées par la France et ses colons ? Ces sociétés nées de l'esclavage ont engendré un nombre étonnant de genres musicaux : biguine, séga, zouk, quadrille, gwoka, bèlè, mazurka... L'Afrique jetée dans le creuset de la créolisation est partielle, composite, ruinée ; l'Europe que les colons apportent avec eux est incomplète, bancale et surtout confrontée à d'autres cultures, au contact des Africains, des Amérindiens et des Asiatiques dans un contexte radialement neuf. De ce qu'Edouard Glissant appelle la Relation émerge une créolité d'autant plus passionnante à explorer qu'elle annonce le Tout-Monde dans lequel nous vivons. Playlist de Bertrand Dicale : - Négoce et Signature La Pastourelle (4ème figure du quadrille, Guadeloupe) - Ti-Coca An Tan Mango (Haïti) - Stellio et Léona Gabriel Calalou (Martinique/Guyane) - Joséphine Baker Madiana (USA/Île-de-France) - Germain «Chabin» Calixte Zombi baré mwen (Guadeloupe) - Kassav Zouk La Sé Sèl Médikaman Nou Ni (Guadeloupe/Martinique) - Danyel Waro Batarsité (Île de La Réunion) - Theodora Congolese BBL (Congauloise). - Éditions de la Philharmonie  - X - Bertrand Dicale  Par ailleurs, Bertrand Dicale propose un podcast sur Martinique La 1ère depuis le 15/09/2025.

De Rosalia à Little Simz, en passant par Bad Bunny, Sophian Fanen balaye son année 2025. En cette fin d'année, Sophian vous fait plaisir et sélectionne ses obsessions favorites. Rosalía, Berghain, tiré de l'album Lux (Columbia Records, 2025) Bad Bunny, Weltita (feat. Chuwi), tiré de l'album Debí Tirar Más Fotos (Rimas Entertainment)  Theodora, Ils me rient tous au nez, tiré de l'album Mega BBL (Boss Lady, 2025)  Tarta Relena, Si veriash a la rana, tiré de l'album És pregunta (Latency, 2024) Ale hop & Titi Bakorta, Bonne année, tiré de l'album Mapambazuko (Nyege Nyege Tapes, 2025)  Andrea Laszlo de Simone, Quando, tiré de l'album Una Lunghissima Ombra (Ekler/Hamburger Records, 2025)  Blaiz Fayah, Maureen et DJ Glad, Money Pull Up, tiré de l'album Shatta Ting (Creepy Music, 2025)  Little Simz, Lion (feat. Obongjayar), tiré de l'album Lotus (Awal, 2025)  Miki, Jtm encore, tiré de l'album Industry Plant (Structure, 2025)  Xania Monet, How Was I Supposed to Know?, tiré de l'album Unfolded (TMJ/Hallwood, 2025) 

Chanson algérienne, chanson française, le choix du Prince. (Rediffusion) Dernière date de la tournée «Chadi Madi» pour Dendana, dimanche 20 juillet au Cabaret Sauvage Sorti le 10 mars 2023 avec un sold out à l'Institut du Monde Arabe, l'album Chadi Madia reçu depuis le prix coup de cœur de l'académie Charles Cros et le Prix des Musiques d'Ici avec une distinction au Babel XP 2025. Dendana a choisi pour son quatrième album le titre Chadi Madi, une expression qui équivaut à l' « Am Stram Gram » des pays francophones. Cette phrase, qui renvoie à son enfance dans les quartiers populaires de Tlemcen en Algérie, évoque le retour aux sources. L'album est écrit en Dérja, le dialecte algérien, un mélange d'arabe, de berbère et de français. Avec un ton libre et des mots du quotidien, il parle de vivre ensemble, de nostalgie et d'amour de son pays. Et s'il n'y avait d'autre choix à faire, que celui de conter l'Algérie telle quelle est réellement ? Une Algérie multicolore. Pour colorer cet album, Dendana va puiser dans le blues, le reggae, le rock et la musique gnawa leurs accents intemporels. Guidé par l'adage « Three cords & the truth », trois accords et la vérité, il décrit les rêves, et la réalité d'une Algérie moderne et indépendante.   Titres interprétés dans le grand studio - Galou Live RFI - Madleen Feat Mohand Baha, single - Dawi Live RFI Line Up : Nassim Dendane (guitare, voix). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Chadi Madi (Wing It Records 2023) nouvel album courant 2026. - YouTube (DenDana - YouTube)  - Bandcamp (Musique | ＤΞＮＤΛＮΛ)  - Facebook.   Puis nous recevons la musicienne et chanteuse française Alma Rechtman pour son EP Dans ma maison. Alma Rechtman naît dans une famille musicale, teintée de jazz et de blues. Depuis sa petite enfance, elle touche à tous les instruments autour d'elle, apprenait la guitare en regardant son père, les percussions sa marraine, la piano sa mère. Elle commence à écrire des chansons pendant le confinement, finit ses études de théâtre et part jouer dans les rues de Paris, à la recherche d'oreilles curieuses. Au fur et à mesure de ses balades sonores, elle se fait repérer par Sofar et au même moment, intègre le conservatoire de jazz de Bobigny. Aux soirées Sofar, elle découvre un public attentif qui la suivra sur une année, et le bouche à oreille fonctionne.  Alma écrit dans ses carnets, ses secrets et ses impasses, les met en musique, en percussion et propose un partage de vulnérabilité. Tantôt chanson française, tantôt latin, tantôt rock, tantôt contemporain, son style navigue mais le fil rouge reste le texte. Chaud, écorché, délicat, et à trop tendre l'oreille on risque de rencontrer ses monstres les plus énormes.   Titres interprétés dans le grand studio - Mes Nuits à Toi Live RFI - Dans ma maison, extrait de l'EP - Va, va, va Live RFI. Line Up : Alma Rechtman (piano, guitare, voix). Son : Benoît Letirant. ► EP Dans ma Maison (Idol 2025). YouTube (Alma Rechtman - YouTube)

Punky reggae party avec Kiddus I, Camille Bazbaz et Jérôme « Tchiky » Perez #SessionLive ! (Rediffusion) The Salmon est le projet d'un trio légendaire de « soul men » réuni pour célébrer une longue amitié, la liberté musicale et la créativité. Inspirés par les sons originaux du reggae, de la country, du blues et de la soul, ils remontent la rivière tels des saumons, à contre-courant des clichés et des normes. Leur balade nous ravit et nous transporte vers des paysages lointains, apaisants qui nous reconnectent à l'essentiel : l'amour de la musique. Le groupe est composé de trois amis aux carrières bien remplies : Kiddus I, la légende du reggae à la voix envoûtante, « Last Crooner on Earth », héros du film Rockers sorti en 1977 et un des membres du projet Inna De Yard ; Bazbaz, pianiste auteur-compositeur-interprète français avec neuf disques à son actif ; et Tchiky, guitariste hors pair qui accompagne De La Soul depuis une dizaine d'années. Après un premier EP sorti en 2020 composé des titres « Enough is Enough » et « The Long Road », et une pandémie plus tard, The Salmon renaît finalement en janvier 2022 du haut des collines de Kingston, où le trio enfin réuni fera vibrer la Jamaïque aux côtés de musiciens chevronnés français comme jamaïcains tels que Delroy Wormbass, Viryane Say, Sly Dunbar, Christianne Prince, Pam Hall, Fabrice Colombani, Fonso, Yann Cléry, David Hadjadj, Flabba Holt et Style Scott. Leur premier album est un pur bijou franco-jamaïcain imprégné de la terre natale du reggae, et reflète la volonté du trio de revenir aux racines de leurs inspirations. Music is love… or is nothing ! ► Titres interprétés au grand studio - Wiggling Live RFI - The Salmon (Ska Version), extrait de l'album - Flowers Live RFI ► Line Up : Kiddus I (chant), Camille Bazbaz (claviers) et Jérôme « Tchiky » Perez (guitare) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch. ► Album The Salmon (22D Music 2025). Bandcamp - Facebook. ► Playlist - The Specials – Gangsters 1979 - Bob Marley – Punky Reggae Party 1977 - Junior Murvin – Police and Thieves 1976 - Femi Kuti – Journey Through Life (Journey Through Life Bongo Joe 2025) - Sami Galbi – Casaflex (1er album YLH Bye Bye Bongo Joe 2025). Réalisation : Hadrien Touraud.

Chambristes jazz & choro x musique bretonne contemporaine. Nos premiers invités sont le duo formé par Guillaume Latil et Matheus Donato avec l'album Hémisphères. Violoncelle pour l'un, cavaquinho pour l'autre, Guillaume Latil et Matheus Donato s'accordent sur Hémisphères, dont la beauté jaillit entre jazz, choro, improvisation et compositions chambristes. Quels sont les Hémisphères désignant l'album de Guillaume Latil et Matheus Donato ? Deux pour ne faire qu'un, ils ont combiné leurs origines, leurs parcours et leurs pratiques distincts. Ça ne coulait pas de source. Violoncelle pour l'un et cavaquinho pour l'autre, c'est une prouesse de produire autant de beauté dans l'entrelacs des cordes. Guillaume, membre de la formation d'André Manoukian, collaborateur de Youn Sun Nah, Lou Tavano ou Sélène Saint-Aimé, il a également enregistré avec le quartet Cuareim, collaboré avec Thierry Eliez et participé au quartet Altérité avec Édouard Ferlet, Naïssam Jalal et Sonny Troupé. Il a 38 ans. Il faut traverser un océan et rejoindre le centre du Brésil pour trouver trace de Matheus Donato. Grandi à Brasilia avec des parents férus de Bach, Wagner et Villa-Lobos, entré au conservatoire pour y apprendre la guitare classique, il avait 10 ans quand il a éprouvé un coup de foudre pour le cavaquinho dont jouait un copain à l'église. Adoptant illico la petite guitare d'origine portugaise, devenue emblématique du choro, une expression instrumentale populaire émergée au XIXè siècle, fondement des musiques brésiliennes. Matheus Donato était encore adolescent quand il a rencontré le mandoliniste Hamilton de Holanda, devenu son maître. En France depuis trois ans, il a 25 ans. Titres interprétés au grand studio : - Prière en Bambara Live RFI - Yaô, extrait de l'album  - Aos Meus Amigos Live RFI. Line Up : Guillaume Latil (violoncelle), Matheus Donato (Cavaquinho). Son : Benoît Letirant. ► Album Hemisphères (Matrisse Prod/L'Autre Dist.) Site label - Instagram Guillaume Latil - Instagram Matheus Donato.   Puis nous recevons le groupe breton Eben pour la sortie de Dinaskañ. Après plus de sept années passées à porter leurs chants à danser sur les routes de Bretagne et d'Europe, EBEN amorce un tournant décisif avec la sortie de son deuxième album, Dinaskañ. Ce terme breton, qui signifie «désentraver», donne la clé de lecture de ce projet né d'un désir commun : affirmer une liberté artistique sans compromis et inscrire la tradition dans le présent. Plus qu'un simple recueil de chansons, Dinaskañ est pensé comme un manifeste qui s'ancre dans l'héritage du chant breton tout en le confrontant aux réalités d'aujourd'hui. Inspiré par les luttes et les voix trop souvent réduites au silence, il donne chair à des récits contemporains – de l'ouvrière révoltée à la danseuse insoumise, de la sorcière condamnée au voyageur rêveur – et transforme la mémoire en un espace de résistance vivante Titres interprétés au grand studio : - Danz Ar Blaez Live RFI - Tremen, extrait de l'album - Eostig Khuz I Live RFI. Line Up : Marine Lavigne (chant) Sterenn Le Guillou (chant), Jonathan Dour (alto 5 cordes), Julien Stevenin (contrebasse) et Antoine Lahay (guitare douze cordes, guitare électrique). Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset. ► Album Dinaskan (Arfolk 2025). Site label - Soundcloud - Instagram.

De la guitare flamenca au bouzouki, un labyrinthe de lumière et de twang ! (Rediffusion) Nos 1ers invités de la #SessionLive sont les Radio Tutti pour la sortie de l'album Twang Club. Après huit ans d'existence et plus de 250 concerts, Radio Tutti, combo à géométrie variable pose un nouveau jalon avec son troisième album : Twang Club. Les frontières de l'électro et de l'acoustique sont toujours repoussées dans ce pays imaginaire au folklore azimuté, avec un son d'ensemble qui tend toujours plus vers la rugosité des musiques traditionnelles : les pieds sur la terre du labeur quotidien et la tête dans l'infinité des étoiles... Entre l'ancrage dans des traditions locales symbolisé par le twang (effet vocal venu de différents folklores du monde qui permet notamment d'augmenter la puissance de chant) et la dynamique électro du club, Radio Tutti connecte l'hier et l'aujourd'hui dans sa recherche infatigable de lendemains qui dansent. Musiques traditionnelles du sud de l'Italie et de Galice viennent se télescoper avec les arrangements épiques dont le groupe a le secret, insufflant de nouvelles influences rétrofuturistes venues de musiques de transe du monde entier… Et la recette s'applique également avec bonheur à un soupçon de lingua franca (ancienne langue véhiculaire parlée dans le pourtour méditerranéen) proposé par la plume de Djé Baleti. Le binôme Pauline Rivière et Pierre-Alexis Lavergne est devenu le noyau dur autour duquel gravite la galaxie Radio Tutti. Ils signent Twang Club avec la complicité d'un sorcier des studios, Colin Buffet, réalisateur et artisan de la sono mondiale 2.0. Titres interprétés au grand studio : - Saca Punto Live RFI (ordinateur, bombo, petit synth (Minibrute)), petites percussions (cayambe, coquillages) - La Rosa, extrait   - Curre a Mamma Toja Live RFI (guitare électrique, bouzouki, ordinateur). Line Up : Pauline Rivière, Lavergne Pierre-Alexis Son : Benoît Letirant. ► Album Twang Club (Daydream Music/Inouïe Dist. 2025). Site Radio Tutti - Facebook - Bandcamp -  YouTube.   Puis nous recevons l'inoxydable Juan Carmona qui fête ses 40 ans de carrière avec Laberinto de Luz Le guitariste flamenco de renommée internationale célèbre quatre décennies d'une carrière tracée au fil des désirs et des rencontres avec la sortie de son nouvel album Laberinto de Luz. Ce nouvel opus propose une aventure sonore inédite au carrefour du flamenco, du jazz et des rythmes latins, un témoignage vibrant de son parcours exceptionnel. Reconnu comme l'un des plus grands compositeurs et virtuoses de sa génération, Juan Carmona continue d'innover tout en restant enraciné dans les traditions ancestrales de l'Andalousie. En collaborant avec des artistes de prestige tels que le légendaire guitariste Al Di Meola et une palette de voix féminines captivantes allant du chant gitan au scat, l'artiste rend hommage à la richesse de ces voix, explorant leur timbre et leurs sensibilités si singulière. « À l'écoute du dernier album de Juan Carmona, j'ai été émerveillé par la diversité et la profondeur des voix, ainsi que par l'exceptionnelle virtuosité de son jeu à la guitare. Cet album, magnifiquement produit, met en avant des compositions contemporaines qui enveloppent chaque morceau d'une atmosphère captivante, toujours portée par la magnifique guitare de Juan.» Al Di Meola. Juan Carmona s'est emparé d'une guitare à l'âge de 10 ans, et ne l'a plus lâchée. Pour ce gamin né à Lyon dans une famille espagnole fraîchement exilée d'Afrique du Nord, l'instrument est vite devenu une clé universelle : un outil pour se construire une identité et une langue à soi, une baguette de sourcier pour retourner vers l'Andalousie de ses ancêtres – où, tout jeune homme, il part étudier auprès des plus grands maîtres du flamenco ; mais aussi une boussole pour s'ouvrir d'innombrables voies et rencontres, de ses frères gitans à Al Di Meola, de musiciens gnaoua à l'Inde, des scènes du monde entier aux plateaux de cinéma… En 2025, Juan Carmona fête ainsi 40 années d'expériences en tous sens et fera halte avec ses musiciens dans les grands opéras et théâtres français pour une tournée avec notamment des orchestres symphoniques comme celui de l'Opéra de Lyon dirigé par Miguel Pérez Iñesta mais aussi Zahia Ziouani pour l'orchestre Divertimento, l'Orchestre de l'Opéra de Marseille…  Titres joués au grand studio : - Aroma Tierra Live RFI - Tesoro de melodías feat. Al Di Meola, extrait de l'album  - De Casablanca a Granada, qui est plus ancien. Live RFI Line Up : Juan Carmona (guitare), Isidro Suarez (cajon). Son : Benoît Letirant, Camille Roch. ► Album Laberinto de Luz (Nomades Kultur / L'Autre Distribution 2025). Site - YouTube.

Entre prières païennes sublimées par Mah Damba et du Groove à la nantaise gorgé d'afro-soul-jazz et hip hop avec un balafon de compétition. Créé en 2019, par le violoniste Clément Janinet avec Élodie Pasquier aux clarinettes et Bruno Ducret au violoncelle, La Litanie des Cimes joue avec les grands mouvements, les tempos lents d'apparence, et des contemplations harmoniques. Avec plus de 70 concerts en trio, La Litanie explorera de nouveaux horizons avec la chanteuse malienne Mah Damba en 2025 et avec la pianiste Estonienne Kirke Karja  en 2026. Augmentées de la présence envoûtante de Mah Damba, les prières païennes de La Litanies des Cimes sont de petits hymnes augmentés de la puissance de l'art des griots. Car Mah Damba - reconnue par ses pairs comme l'une des plus grandes chanteuses maliennes en activité - est une djeli (le sang), une griotte mandingue dont la voix déploie des trésors de louanges aussi complexes qu'immédiates. Magnifiques et troublantes.   Titres interprétés au grand studio  - Jamako, Live RFI - Koumbemadia, extrait de l'album - Jarabi, Live RFI. Line Up : Mah Damba (chant), Clément Janinet (violon, compo) Bruno Ducret (violoncelle, compo) et Elodie Pasquier (clarinettes).   Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. RFI Vidéos : Christophe Valette, Dominique Fiant et Romain Ferré. ► Album Mah Under Repetitive Skies (Cyclope Rd 2025) Site - Bandcamp - YouTube - Instagram.   Puis la #SessionLive reçoit Tribeqa pour la sortie de Sumu (Réunion en dioula). Au-delà d'un groupe, Tribeqa est une célébration de la rencontre entre cultures, instruments et rythmes. De la scène nantaise aux festivals en France et à l'international, les quatre musicien.nes portent haut les couleurs de l'afro-soul-jazz-hiphop. Leur groove optimiste, leur sens du métissage et leur énergie font d'eux une valeur sûre. Comme disait Picasso : «Je ne cherche pas, je trouve». Et Tribeqa a cette grâce qui ne se commande pas, celle de trouver. Sur scène, Tribeqa brille par une alchimie mêlant le balafon chromatique de Josselin Quentin, la guitare acoustique d'Etienne Arnoux, la batterie de Julien Ouvrard, et enfin la voix de Malou Oheix qui joue également le synthé basse. Leur répertoire voyage partout : jazz, soul, hip-hop, musiques africaines, avec des refrains en anglais, français, espagnol ou dioula. À travers leurs concerts, le public est invité à un véritable voyage musical, sans jamais quitter la salle. SUMU : une Odyssée musicale entre Afrique de l'Ouest, jazz et hip-hop. Après trois albums salués par la critique, Tribeqa revient avec SUMU, un quatrième album magistral qui confirme l'identité unique du collectif: un dialogue vibrant entre les racines africaines, l'élan du jazz et la puissance du hip-hop. SUMU, qui signifie «la réunion» en Dioula, ne cache rien : c'est un album lumineux, audacieux, riche de textures et d'âme. Chaque morceau est une épopée, porté par la chaleur des balafons, le lyrisme des guitares, la profondeur des grooves, et une production ciselée qui respecte autant les traditions que les innovations. Titres interprétés au grand studio  - Respire Live RFI - Dembele - Sumu Live RFI. Line Up : Josselin Quentin (balafon, vibraphone, composition), Etienne Arnoux (guitare acoustique), Simon Bismuth (batterie) et Malou Oheix (chant lead, synthé basse). Son : Jérémie Besset + Benoît Letirant. ► Album Sumu (Underdog Rd 2025) Site - Instagram - Bandcamp.

Un récit immersif au cœur de La Havane, là où tout a commencé : la renaissance du son cubain à travers un album et un film devenus mythiques. Le voyage peut commencer. L'auteur, le journaliste Francis Dordor est notre invité : «À Cuba, les fêtes de Noël furent longtemps ignorées, voire interdites, considérées comme relevant de ce que Marx nommait «opium du peuple» (Castro ne croyant quant à lui qu'au papa Noël soviétique). De même, la pratique des cultes syncrétiques afrocubains tels que la Santeria ou le Palo Monte, jugés contre-révolutionnaires, pouvait vous valoir d'immenses ennuis, comme se retrouver expulsés de son logement. Puis avec l'effondrement de l'Union soviétique et l'instauration de la période dite «spéciale» un certain relâchement du système permit la réintroduction progressive des célébrations religieuses. Un moment particulier dans l'histoire de cette île héroïque coïncidant avec l'accomplissement de miracles.  Comme l'histoire de cet ancien chanteur de boléro mis à la retraite, contraint de cirer des chaussures dans les rues de La Havane pour faire vivre sa famille et qui, du jour au lendemain, se retrouva tête d'affiche d'une petite gériatrie de musiciens mis au rebut comme lui, remplissant le Carnegie Hall, l'Olympia ou l'Opéra de Sidney. Cette histoire, celle d'Ibrahim Ferrer, mais aussi de Compay Segundo, de Rubén González, d'Omara Portuondo et le détail des circonstances improbables ayant conduit à leur succès planétaire, je les raconte dans un livre intitulé «Buena Vista Social Club, à la recherche du tempo perdu». C'est plein d'anecdotes, de témoignages, d'interviews, dont celles du producteur et guitariste Ry Cooder et du réalisateur Wim Wenders, de souvenirs de mes différentes rencontres avec ces merveilleux protagonistes du Buena Vista, de photos magnifiques, ou simplement émouvantes comme celle-ci prise par Nathalie Warez lors d'un voyage avec Ibrahim à Santiago de Cuba à la veille de Noël. C'est pas moins bien écrit qu'un discours de Laurent Wauquiez, et peut-être même mieux, et si vous n'aimez pas lire, il y a inclus le superbe film de Wenders édité pour la première fois en blue ray.» Francis Dordor.

Brooklyn/ Botswana/Ariège x Paris/Londres/Kingston, à vos marques ! Notre 1ère invitée est l'artiste américaine Natalia M. King pour la sortie de son 8ème album Afroblues. Natalia M. King est une chanteuse, compositrice et guitariste américaine qui fusionne blues, jazz, soul et folk. Voix puissante du blues et du jazz modernes, elle captive par ses interprétations émouvantes. En 2025, elle franchit une nouvelle étape avec AfroBlues, un album mêlant pop dansante, afrobeat et sonorités blues. Son premier extrait, «Dumela», rend hommage à son voyage au Botswana, à sa terre rouge et à son peuple, capturant la beauté et la sagesse de ce lieu à travers sa musique. AfroBlues sera une fusion audacieuse des genres, réunissant les rythmes contagieux de l'afrobeat, des éléments de danse électronique et le soupçon de blues qui a défini sa carrière. Ce virage musical représente l'évolution continue de Natalia M. King en tant qu'artiste ne craignant pas d'expérimenter de nouveaux sons et styles. L'album est une exploration du rythme, de l'énergie et de la fusion culturelle, autour des thèmes de l'autonomisation, de la joie et de la résilience qui sont au cœur de l'album. Grâce à sa capacité à mélanger divers éléments musicaux, AfroBlues promet d'être un ajout unique et passionnant à sa discographie. À propos du premier single «Dumela» : Il existe un petit «Royaume-Uni» qui borde l'Afrique du Sud de Nelson Mandela. Une merveilleuse opportunité, par le biais de l'amour, m'y a transportée au printemps 2024 dans le merveilleux pays africain du Botswana. Les paysages, les odeurs et les sons m'ont rappelé des souvenirs oubliés. «Dumela», qui signifie bonjour en setswana (ou tswana), est mon hommage à cette mémoire oubliée et aux belles âmes que j'ai rencontrées là-bas. Je remercie les pluies et la terre rouge qui m'ont inspirée... Dumela Botswana ! Dumela Afrique ! Merci pour votre sagesse et nous nous reverrons. Natalia M. King Titres interprétés au grand studio - Dumela Live RFI - Lost & Everywhere, extrait de l'album - I Love A Woman Live RFI. Line Up : Natalia M. King (voix, guitare), Vince Laurent (batterie) & Damien Argentieri (claviers & moog). Son : Mathias Taylor & Jérémie Besset ► Album AfroBlues (Natalia M. King / Modulor 2025). Instagram - Facebook - YouTube.    Puis nous recevons l'artiste britannique ALA.NI pour la sortie de Sunshine Music Lorsque ALA.NI a commencé à écrire Sunshine Music, son troisième album, l'hiver parisien de 2023 battait son plein, avec un froid mordant. Composant sous des couches de couettes dans son appartement de l'Opéra, elle puisait sa chaleur non pas dans son environnement, mais dans les souvenirs du soleil des Caraïbes qu'elle venait de quitter. Ce qui devait être un voyage de deux semaines en décembre 2020 s'est transformé en deux ans et demi entre la Barbade, la Grenade — où ses parents avaient grandi — puis la Jamaïque, un long séjour qui lui a offert un nouveau sentiment d'identité. «Vivre en Jamaïque, c'était la première fois que j'habitais dans un pays à majorité noire», dit-elle. «Les Jamaïcains sont très eux-mêmes, sans s'excuser. J'ai choisi de vivre à Paris, et je me sens plus moi-même, plus expressive et plus à l'aise ici qu'à Londres, et davantage appréciée et reconnue en tant qu'artiste aussi. Mais il y a des microagressions et des microracismes auxquels nous devons faire face chaque jour en tant que personnes de couleur. Quand je suis sortie de cet environnement, je me suis dit : «Merde, c'est ça que je gérais tout ce temps.» J'avançais simplement en acceptant certains comportements négatifs comme un acte de survie mentale.» En Jamaïque, elle a collaboré avec Sly Dunbar, l'un des batteurs légendaires de l'île, le sortant presque de sa retraite pour une session improvisée. Sunshine Music vibre du souvenir de cette chaleur : une tapisserie d'influences mêlant calypso, jazz, bossa nova et le grand répertoire d'après-guerre, le tout tissé par la voix et la sensibilité singulières d'ALA.NI. Tout au long de l'album, des styles familiers sont honorés sans pastiche : la langueur du reggae, le souffle d'un rythme bossa nova, la diction nette du théâtre musical. Titres interprétés au grand studio - Seaweed Live RFI - Tief, extrait de l'album - This is Why Live RFI.  RFI Vidéos YT Line Up : Alani (chant), Thomas Naïm (guitare) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant ► Album Sunshine Music (No Format 2025). Instagram - Bandcamp - YT  Concert 9 février 2026, Théâtre Athénée Louis Jouvet, Paris.

Un paon rêve d'être poète, d'autres «hérons» de danser le mambo sous des lambris rococo. Notre 1er invité est Abdullah Miniawy (Égypte) pour la sortie de Peacock Dreams. Après le succès retentissant de son projet Le Cri du Caire, dont l'album éponyme a été récompensé par une Victoire du Jazz dans la catégorie «Album de musique du monde», Abdullah Miniawy revient avec Peacock Dreams, le premier opus de sa nouvelle formation en trio sorti sur le label PPL Songs Aghani Al-Khalq. Accompagné des trombonistes Robinson Khoury (Prix Django Reinhardt 2024 de l'Académie du Jazz) et Jules Boittin, Abdullah Miniawy présente une combinaison non conventionnelle de trois instruments ténors.  La profondeur lyrique de la voix du poète, chanteur et compositeur égyptien fusionne avec les capacités expressives audacieuses des deux trombones, lui permettant d'explorer des gammes sonores sans précédent qui relient les traditions musicales occidentales et orientales. Le Trio interprète les dernières compositions musicales d'Abdullah Miniawy, ainsi que des adaptations d'anciens travaux issus de la révolution égyptienne et de son ancienne formation Le Cri du Caire, tout en mettant l'accent sur les collaborations en invitant le trompettiste Erik Truffaz, l'extraordinaire chanteur de flamenco Niño de Elche, et le producteur Hvad sur certains morceaux. «Peacock Dreams» entraîne le public dans une expérience musicale unique qui combine librement des influences baroques et opératiques, des thèmes soufis et coptes et des motifs musicaux de la péninsule arabique, imprégnés de la cacophonie jazzy des embouteillages égyptiens, révélant une fois de plus le pouvoir transcendantal et communicatif de la musique d'Abdullah Miniawy.   Titres interprétés au grand studio - Danza Del Ventre Live RFI - Poem of the Poems, extrait de l'album - Peacock Dreams Live RFI. Line Up : Abdullah Miniawy (chant), Robinson Khoury (trombone), Jules Boittin (trombone) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant ► Album Peacock Dreams (PPL Songs Aghani Al-Khalq 2025). Site - Bandcamp - Instagram.   Puis nous recevons la chanteuse et comédienne brésilienne Simone Mazzer et ses acolytes français Cotonete  En 2005, quand ils forment Cotonete, les musiciens parisiens rêvent en secret d'aller jouer du funk brésilien 70's au Brésil… Devenus des spécialistes du style, le rêve devient réalité, 12 ans plus tard, grâce à la chanteuse et actrice brésilienne Simone Mazzer (chanteuse de l'année en 2015 dans la catégorie révélation) qui décide d'engager le groupe parisien pour enregistrer son 2ème disque. L'engagement se transforme très vite en collaboration, Cotonete prenant part aux choix du répertoire, aux arrangements et à la réalisation du disque. Celui-ci est préparé et enregistré à Paris au Studio Prado en juillet 2016. Il sera mixé et sortira au Brésil en 2017. Et c'est ainsi que Simone invite enfin Cotonete à venir fouler le sol brésilien. 4 concerts dont 2 merveilleux au SESC Copacabana à Rio sont organisés pour la sortie du disque. C'est au cours de cette tournée que le groupe rencontrera le chanteur Di Melo avec qui ils vont enregistrer à Sao Paolo l'album Atemporal sur lequel on retrouve le titre A.E.I.O.U. Près de 10 ans après son enregistrement, l'album Simone Mazzer & Cotonete est enfin édité en vinyle sur le label Prado Records. Il est, pour l'occasion, remixé par Fabien Girard. Titres interprétés au grand studio - L'amour à la plage (Niagara) Live RFI - Comment te dire adieu (Hardy) extrait de l'album - Se Voce Pensa Live RFI. Line Up : Simone Mazzer (voix), David Georgelet (batterie), Paul Bouclier (trompette), Frank Rabereau (sax), Christophe Touzalin (trompette, claviers), Olivier Caron (trombone), Florian Pellissier (claviers), Farid Baha (guitare) et Jean-Claude Kebaili (basse). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Simone Mazzer & Cotonete (Prado Rd 2025). Simone Mazzer & Cotonete - Simone Mazzer & Cotonete  Simone Mazzer Instagram - Cotonete instagram.

Le flûtste Jî Drû sort Poems For dance et la batteuse Anne Paceo Atlantis. Rendez-vous dans la #SessionLive !                             Notre premier invité est le flûtiste compositeur Jî Drû pour la sortie de l'album Poems For Dance. Poems For Dance est sensible et fait danser. Un disque et des concerts pour nous rappeler que la musique est un geste de partage, la danse une libération. Jî Drû réalise ici un album fou, débordant d'inventivité et d'énergie. L'intensité de son quartet, sa cohésion rythmique et mélodique en font un grand groupe, à découvrir vite en live pour des concerts vibrants. Une musique en partage qui nous rappelle qu'elle doit avant tout nous faire du bien, un hymne au vivre ensemble, à la danse et à la joie. Sur un tapis de poésies, les mélodies oniriques apaisent et les improvisations transportent. Jî Drû dessine une route musicale où la flûte trace un trait d'union entre les musiques de transe et un jazz innovant, insufflant une émergence poétique à partager avec le public. Il s'aventure cette fois vers des musiques à danser : l'afrobeat, la soul, des rythmes électro ou latins. Il explore avec son groupe un espace fait d'histoires et de mélodies qui convoquent l'imaginaire et le rêve pour créer des possibles communs. Poems For Dance est une invitation au mouvement et s'intéresse tout particulièrement au lien avec l'auditoire. Le corps prend la suite de l'écoute et devient un formidable outil de sensation et de liberté que l'audience pourra traduire, pourquoi pas, par la danse. La danse et le mouvement seraient alors là pour se battre, bouger, se montrer et faire entendre, ensemble nos singularités. La flûte touche l'âme comme le poète qui déclame son texte : elle explore et révèle des espaces abstraits et se met en connexion avec le vivant. Elle est douceur, harmonie ou rythme : la flûte est Poésie.  Jî Drû est un flûtiste et producteur, né à Amiens en 1974. C'est d'abord par le saxophone qu'il a fait ses premières armes dans la musique au CRR d'Amiens. Après une Maîtrise d'Histoire sur la bande dessinée et les Pieds Nickelés de Louis Forton, il a fait ses premiers pas sur scène, fin des années 90, en participant au lancement d'un studio avec une bande d'amis : Cité Carter, dans l'effervescence de la scène amiénoise à laquelle il participe. Il s'exile à Paris en accompagnant Toma Sidibé sur scène durant une tournée marathon de trois années. Il collabore en parallèle sur scène avec divers artistes comme Magic Malik, Julien Lourau, Les Troublemakers, Jeff Sharel, Doctor L et parcourt les scènes de France, d'Europe et les principaux festivals de musique.  Titres interprétés au grand studio - Poems will make you sing Live RFI - Don't stop the flow Feat. Natasha Rogers, extrait de l'album - Floatin in the air Live RFI. Line up : Ji Dru (flûte), Mathieu Penot (batterie), Sandra Nkaké (voix, fx), Pierre François Blanchard (claviers). Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Poems For Dance (Label Bleu 2025). Concert parisien 17 décembre Studio de l'Ermitage. YouTube - Instagram - Deezer.   Puis nous recevons Anne Paceo dans la #SessionLive pour la sortie du nouvel album Atlantis. Artiste majeure de la scène musicale actuelle, figure de proue de la nouvelle scène jazz «cross over», batteuse la plus en vue de l'Hexagone, compositrice reconnue pour sa capacité à créer un propos musical inédit, empreint de transe et de spiritualité, Anne Paceo ne cesse de se réinventer et de nous surprendre. En témoignent sa nomination à l'ordre des Chevaliers des Arts et des Lettres en 2021, ses 3 Victoires de la musique, ses nombreuses collaborations et sa discographie prolifique : 8 albums et 4 EP à son actif. Son 8è album, Atlantis, est paru sur son label Jusqu'à la Nuit. Atlantis. île gigantesque reçue par Poséidon, dieu des Océans, lorsque les dieux se sont partagé la Terre. Et engloutie par un cataclysme vers 9600 avant Jésus-Christ. D'après la légende, la corruption et le matérialisme de ses habitants auraient provoqué sa destruction. À l'aune d'un monde à la politique si absurde qu'elle en devient ultra destructrice, ayant évacué toute conscience environnementale. Anne Paceo n'a donc pas nommé ce nouvel album Atlantis par hasard. Été 2022. Enthousiasmée par un récent baptême de plongée, la compositrice et batteuse française part au Portugal pour s'immerger dans les fonds marins. Dans de l'eau tant glaciale que trouble, elle découvre une émotion proche de l'extase, que Romain Rolland appelait le «sentiment océanique». Un mélange de ressentis convoquant apesanteur, plénitude et dissolution du temps. Ainsi, l'eau devient symbole de renouveau et lieu de contemplation. De quoi donner naissance à de nouvelles chansons. Elles sont au nombre de treize, nous invitant toutes, chacune à leur manière, à un voyage chimérique et apaisant. Titres interprétés au grand studio - Inside Live RFI - Restless Feat. Piers Faccini, extrait de l'album - Sur une île Live RFI. Line Up : Anne Paceo (batterie, chant), Gauthier Toux (Moog & Prophet), Leo Montana (piano), Christophe Panzani (saxophone), Lilian Mille (trompette) et Cynthia Abraham (chant). Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor. ► Album Atlantis (Jusqu'à la Nuit 2025). Concert 13 février 2026, Gaîté Lyrique, Paris. Site - Bandcamp - YouTube - Instagram.

Playlist de Sophian Fanen et interview du photographe et guitariste américain Ralph Gibson.   Tous les mois, Sophian Fanen, critique musical du site Les Jours, chronique 5 albums. Il a failli diffuser l'intégralité du nouvel album de Rosalia. Après des négociations musclées, nous avons trouvé un compromis, sévère mais juste : 1 seul titre de Rosalia !

#SessionLive Bomba portoricaine & musique afro-péruvienne, l'hispanophonie au top ! (Rediffusion) Nos premiers invités sont les Péruviens Novalima pour la sortie de La Danza. Fondé par quatre amis de Lima, Novalima fusionne les rythmes traditionnels afro-péruviens avec les sonorités électroniques du monde entier. Véritable pionnier de la scène alternative, le groupe est reconnu internationalement pour son approche innovante mêlant passé et futur, tradition et modernité. Après 20 ans de carrière, des tournées mondiales, une nomination aux Latin Grammy et plusieurs albums salués par la critique, Novalima continue d'explorer les musiques du Pérou et de la diaspora africaine avec son nouvel album La Danza, sorti en 2025. Titres interprétés au grand studio : - La Danza Live RFI - Alma, extrait de l'album - Pura Live RFI. Line Up : Milagros Guerrero (chant), Alfonso Montesinos (basse), Grimaldo Del Solar (Dj/Beats), Marcos Alvarez (batterie), Ramon Perez-Prieto (claviers), Rafael Morales (guitare) + Milena Coranza (traduction espagnol-français). Son :  Benoît Letirant, Camille Roch. ► Album La Danza (Six Degrees Records). Site - Bandcamp - YouTube.   Puis la #SessionLive reçoit le groupe espagnol et portoricain Marina Y Su Melao pour la sortie de Rezo Al Agua. Marina Molina est une chanteuse, percussionniste et compositrice portoricaine basée à Barcelone. À la tête de son projet Marina y su Melao, elle revisite la bomba, genre afro-portoricain ancestral, en le fusionnant avec des sonorités afro-caribéennes et contemporaines. Héritière d'une tradition vivante qu'elle refuse de figer, elle affirme une voix de femme libre, puissante et engagée. Son premier album Rezo al Agua est une célébration de ses racines et un manifeste musical pour une identité en mouvement. Titres interprétés au grand studio : - Caribe y Sabrosura Live RFI - Dolor de Cabeza, extrait de l'album - Rezo al Agua Live RFI. Line up : Marina Molina Vanegas (chant + primo percussion), Lina María Bastos (chœur + maracas), Orlando Castillo lira (batterie), Sebastián Escobar Galvis (chœur + cuá), Ursula Wienken (basse), Felipe Muñoz Rozo Buleador (percussions) + Alba Pagán (traduction). Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.  ► Album Rezo Al Agua (Lovemonk 2025). Bandcamp - YouTube - Lovemonk Discos Buenos Fb.

Le groupe satirique Soviet Suprem envahit la #SessionLive. (Rediffusion) Depuis 10 ans, Soviet Suprem soulève les foules, à l'endroit, à l'envers et toujours de la gauche vers la gauche. Après avoir revisité la sono mondiale au travers de l'œil de Moscou et pris le contre-pied de la world music anglo-saxonne puis s'être tourné vers l'électro-minimal teinté de chœurs de l'armée rouge, John Lénine, Sylvester Staline et leurs complices ont pris le train de l'Orient extrême et est de retour avec un troisième opus résolument rap et tourné vers l'Asie Made in China. John Lénine et Sylvester Staline enfilent leurs tabliers de chef étoilé (rouge) pour cette session live qui s'annonce épicée. Titres joués au grand studio : - Woke wok Live RFI - La course aux armements, extrait de l'album - Qui complote Live RFI. Line Up : Nicolas Krassilchik alias Didier Croute-Chef (platines, percussions) ; Cyril Morey alias Cyrillique Saxo (saxophone) ; Toma Feterman alias John Lénine (chant, guitare) et Erwan Seguillon alias Sylvester Staline (chant). Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor. ► Album Made In China (Modulor 2024). Site - YouTube - facebook.   Puis Toma et RWan nous propose une sélection musicale. Playlist Soviet Suprem Kiddus | Bazbaz Choices choix RWan Bjork/Omar Souleymane remix Crystalline choix Toma Astéréotype C5 choix RWan The Paradise Bangkok Molam International Band Studio Lam Plearn choix Toma.

À la veille de la COP 30, Isadora Dartial s'est rendue à Belèm (Brésil), à la 20ème édition du festival Se Rasgum. C'est à Belém do Parà que s'est tenue la 20ème édition du festival Se Rasgum en septembre 2025. Belém est une métropole de plus d'un million d'habitants, un estuaire entre les fleuves Tocantins et Para. Dans cette Amazonie urbaine, on entend la lambada, les carimbos, siria (afro et native) et autres brega (années 50 jusqu'à la techno-brega). Ce sont les rythmes et styles musicaux que vous allez écouter en arpentant la ville, à la rencontre des artistes et des activistes réunis pour ces deux temps forts de la rentrée : 1/ Le festival Se Rasgum 2/ La première édition de la Conférence dédiée aux acteurs culturels d'Amazonie : l'A.L.M.A. Du marché du Ver O peso jusqu'au Porto Futuro, des bords du fleuve où se réfléchit la métropole jusqu'à la piscine de l'hôtel de la Pedreira, le quartier de l'amour et de la samba, Belém se dévoile... Nos invité.es : Ynaiã Benthroldo, le batteur du groupe Boogarins Renée Chalu, co-fondatrice et co-directrice (avec Marcelo Damaso) de Se Rasgum & A.L.M.A Gabriel Paixaos, musicien du groupe Raizes Latinas. Oliver KornBlitt, photographe et rédacteur à Midia Ninja  Mc Super Shock, rappeur afro-amazonien Lia Sophia, chanteuse, productrice et réalisatrice de documentaires  Félix Robatto, musicien, producteur de musique Nat Esquema, DJ et animatrice radio, podcast. Playlist : Boogarins Foimal, Nazaré Pereira Sinha Pureza, Dona Onete No meio do Pitiu, Raizes Latinas Carimbada, MC Super Shock Banzeiro, Suraras do Tapajós Mãos do Esperança, Felix Robatto Amazon Sisserou, Kaoma Lambada, Mestre Vieira Lambada das Quebradas, Mestre Cupijo Siria Quente, Joelma Voando Pro Para, Francis Dalva Gito Giral / Melô de Tipiti, Rencontre (Melô do Milionário). Site de Se Rasgum - Instagram Site de l'Alma.

La beauté sauvera-t-elle le monde ? Réponse moyen-orientale en trompette, piano, guitare, violoncelle et percussions. (Rediffusion) Notre 1ère invitée est la trompettiste anglo-bahreïnienne Yazz Ahmed. Le quatrième album studio de Yazz Ahmed, A Paradise in The Hold, s'inspire de la musique folklorique de Bahreïn, l'île des deux mers, dans laquelle les chants de travail des plongeurs de perles et leurs chants de nostalgie et de solitude contrastent avec la musique de célébration des groupes de tambours féminins traditionnels qui se produisent lors des mariages et des festivals. La suite originale de 90 minutes, Alhaan Al Siduri, qui constitue la base de cet album, a été composée en 2015. Le processus de création a commencé par un voyage de recherche à Bahreïn en 2014, au cours duquel j'ai assisté à un concert privé donné par les Pearl Divers de Muharraq, ma ville natale, et j'ai parcouru les librairies locales à la recherche de paroles de chansons de mariage et de poèmes. J'ai également eu le rare plaisir d'entendre mon grand-père me chanter des chansons de son propre mariage. À partir de ces deux éléments d'inspiration, les mots que j'ai trouvés et la musique que j'ai entendue, traitée avec mon nouvel intérêt pour la conception sonore, les compositions individuelles et la forme de la suite ont commencé à émerger.  «La musique a évolué au cours de la dernière décennie grâce à des représentations en direct avec des ensembles de différentes tailles, des solos aux concerts avec orchestre symphonique. Pour cet enregistrement, j'ai adapté le matériel pour mettre en scène cinq chanteurs invités. Brigitte Beraha, Natacha Atlas, Randolph Matthews, Alba Nacinovich et Jason Singh se sont joints aux musiciens de mon groupe Hafla, élargissant ainsi la palette tonale de l'ensemble. Les paroles qu'ils chantent comprennent des fragments de chansons traditionnelles bahreïnies et des pensées issues de mes propres rêveries, des réflexions sur la lointaine maison de mon enfance.» Yazz Ahmed. Titres joués : Though My Eyes Go To Sleep, Al Naddaha, Dancing Barefoot et Into the Night. ►  Album A Paradise In The Hold (Night Time Stories 2025). Site - Bandcamp - YouTube.   Puis nous recevons le trio l'Antidote pour la sortie de L'Antidote. La beauté sauvera-t-elle le monde ? C'est le pari de Bijan Chemirani, Redi Hasa et Rami Khalifé, trois virtuoses réunis pour donner corps à L'Antidote, un répertoire instrumental qui oppose le pouvoir de guérison de la musique aux poisons des temps présents. Maître du zarb iranien et des percussions persanes qu'il aime plonger dans le jazz comme dans le grand bain méditerranéen, Bijan Chemirani croise ici sa science du rythme avec le violoncelliste albanais Redi Hasa — connu pour avoir œuvré au renouveau des musiques traditionnelles du sud de l'Italie, mais aussi aux côtés de Maria Mazzotta, Ludovico Einaudi ou encore Robert Plant — et le Libanais Rami Khalifé qui se joue avec maîtrise des frontières entre classique et électro sur les touches de son piano.  Si leurs chemins s'étaient déjà croisés, la rencontre a véritablement lieu à l'orée de la pandémie, dans un studio des Pouilles, près de Lecce, alors que le temps semble sur le point de s'arrêter. Au cœur d'une mer de vignes, dans ce lieu magnifique baigné de lumière, les trois virtuoses se retrouvent à nouveau à l'automne 2024 pour enregistrer L'Antidote. «La musique est un antidote à la réalité qui, parfois, est entachée de déceptions et de rêves brisés», explique Rami Khalifé. «La musique a un effet thérapeutique sur l'esprit et sur le corps : elle nous apaise, elle nous donne de l'espoir, elle nous guérit et nous aide à voir les choses sous un nouvel angle. La musique transcende tout.» Titres interprétés au grand studio - Pomegranate Live RFI  - L'Ombre qui passe, extrait de l'album - Dates, figues & Nuts Live RFI. Line Up : Redi Hasa (violoncelle), Rami Khalifé, (piano), Bijan Cherimani (percussions). Son : Benoît Letirant, Camille Roch. ► Album L'Antidote (Ponderosa Music Rd 2025). Site - YouTube.   Réalisation : Donatien Cahu, Hadrien Touraud.

Résiste est le mot d'ordre de la cuvée 2025 du festival Villes des Musiques du Monde. Le Festival Villes des Musiques du Monde résiste au temps, à la morosité et à l'uniformisation de la pensée et des cultures. Les temps sont durs, le racisme, la discrimination et l'intolérance gagnent du terrain, mais on peut et l'on doit y résister. Chaleureuse, rassembleuse, la musique fait contrepoids. On résiste avec le duo féministe afro-cubain Las Panteras et on garde vivant l'esprit des pionniers comme le fait la djeli malienne Mah Damba dans la #SessionLive. Nos premières invitées sont Eliene Castillo et Eliene Castillo, le duo Las Panteras #Groove afro-cubain Duo féministe afro-cubain, Las Panteras est là pour déchiqueter idées reçues et monotonie. Funk infaillible, héritage Yoruba, esprit de la santería, flow convaincu et convainquant, Eliene Castillo (Chucho Valdés, Silvio Rodríguez…) et Martha Galarraga «Martica» (Omar Sosa, Felipe Cabrera…) sont bien décidées à faire changer les mentalités. Elles dénoncent machisme et racisme tout en favorisant l'unité et provoquant des déhanchements, des chaloupes et des pas de danse torrides. Titres joués : Hasta Cuando, La Vendedora, Apretaito et Yiri Yiri Bon. ► Album Hasta Cuando (Karu Prod 2025). Concert 7 novembre 2025 au Studio de l'Ermitage. Site - YouTube - Bandcamp.     Puis nous recevons Mah Damba, Thierry Fournel et Antoine Girard dans la #SessionLive. Mah Damba est une des grandes djélis ou griottes du Mali. Comme ses ancêtres, elle est porteuse de traditions immémoriales, une vocaliste à la puissance comparable à celle des grandes divas de la soul, du R'n'B ou de l'opéra. Accompagnée de cordes ou de percussions, elle narre le passé glorieux des grands hommes de l'empire mandingue, se fait l'écho des joies et des peines de ses contemporains et, pour cette soirée, rend hommage à sa compatriote, la grande Fantani Touré, disparue il y a dix ans. En amont de ce concert un atelier va vous permettre de vous initier à cet art  Mah Damba - Villes des Musiques du monde.   Titres interprétés au grand studio : - Dambe Live RFI - Banga Live RFI.  Line Up : Mah Damba (chant), Thierry Fournel (guitare & guembri) et Antoine Girard (accordéon). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Hakili Kele (Buda Musique 2019), nouvel album attendu en 2026. Concert 9 novembre 2025 à Villetaneuse.  Facebook - YouTube - Site festival.

Nos premiers invités #SessionLive sont Roseaux avec Ben l'Oncle Soul. (Rediffusion) Roseaux est un trio parisien composé Emile Omar, Alex Finkin et Clément Petit. Les trois mousquetaires du son cultivent leur savoir-faire désormais salué par la critique et un auditoire toujours plus nombreux depuis leur premier projet en 2012. Il leur a fallu du temps, pour prendre du recul et de la hauteur afin de nous offrir un retour tant réjouissant que retentissant. Roseaux prend racine au bord des rives de la soul, du folk, du jazz, et de la chanson de toutes les époques, une cascade de sonorités intarissables, où les trois compositeurs puisent leur inspiration et fusionnent leurs expériences. Les feuilles de Roseaux s'élancent au souffle de merveilleuses voix, choisies avec précision par les trois compères, comme celle, du chanteur américain Aloe Blacc, présent depuis le début de l'aventure, enchanteur incontournable des trois épisodes. Pensé comme une escapade onirique gorgée d'émotions, en marge de la production massive, instantanée et souvent désincarnée, Roseaux est un groupe totalement artisanal, sorte d'ovni dans le paysage musical hexagonal, qui opère à l'instinct et surtout à l'envie. Ainsi, Roseaux est devenu expert pour réunir, le temps d'un disque, les artistes qui forment spécifiquement l'ADN de leur hôte : des voix envoûtantes, une trame au piano et au violoncelle, mais aussi des rencontres et des retrouvailles, dans un univers poétique et volontairement nébuleux. Ce troisième album est l'œuvre de 3 passionnés de musique, capables d'intervertir leurs rôles : écriture, arrangements, production, d'où émergent cette fois, onze titres au mélodies ciselées dont trois instrumentaux colorés et insolites. Un périple entre mélancolie et euphorie, qui a conduit Roseaux aux confins de la planète, des Caraïbes à l'Europe en pasant par l'Afrique pour dénicher d'autres vibrations et des interprètes singuliers : la captivante chanteuse grenado-britannique Ala.ni, le petit prince afropop anglais originaire du Ghana, Ghetto Boy, et la troublante suédoise Isabel Sörling, signent ici une première collaboration flamboyante avec le groupe. Pendant que la talentueuse canado-haïtienne Mélissa Laveaux, l'hypnotique chanteur scandinave Olle Nyman, la pétillante franco-canadienne Anna Majidson et notre remarquable Ben national, déjà présents sur le deuxième volet, parviennent encore à créer la surprise en dévoilant de nouveaux aspects de leur tessiture. Les voix de Roseaux sont décidément impénétrables et sa magie se renouvelle aujourd'hui en faisant dialoguer la force de tous ces éléments scintillants, à découvrir dans un écrin de douceur et de volupté. La nature regorge de roseaux, celui-ci est unique.   Titres interprétés au grand studio - With Us Feat. Ben l'Oncle Soul Live RFI - Loving You Is All I Want To Do Feat. Aloe Blacc, extrait Roseaux III - Island Feat. Ben l'Oncle Soul (Roseaux II 2019) Live RFI Line Up : Emile Omar, machines, Alex Finkin, guitare, Clément Petit, violoncelle, Ben L'Oncle Soul, voix Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch. ► Album Roseaux III (Fanon Rd)

Afropop Electrofunk​​ congolais et jazz mandingue. Nos premiers invités Ali Boulo Santo Cissoko (Sénégal) & Volker Goetze (Allemagne) présentent l'album Sargal. Une musique qui coule comme une eau claire, suggère le calme et une vertigineuse sensation d'apaisement. Le chanteur et musicien sénégalais Ali Boulo Santo Cissoko et le trompettiste et joueur de bugle allemand Volker Goetze forment un duo d'une renversante éloquence poétique. Le premier, héritier d'une célèbre lignée de djèli (griots mandingues) joueur de kora, et le second, musicien, producteur et réalisateur, ont en commun le même élan pour des tissages musicaux naviguant entre plusieurs univers : jazz, musique mandingue, flamenco… sans jamais s'égarer dans une fusion hasardeuse et plate. Ils ont de plus invité ici un ami de bonne compagnie en la personne du célèbre percussionniste Mino Cinelu, qui intervient sur trois des douze compositions de ce bel album intitulé Sargal. Un mot wolof exprimant une idée de remerciement et de gratitude que l'on pourrait tout à fait leur adresser en retour, tant leur musique fait du bien. (Patrick Labesse).   Titres interprétés au grand studio - Sargal Live RFI - Bétiyata feat. Mino Cinelu, extrait de l'album - Rokhaya Live RFI. Line Up : Volker Goetze (trompette), Ali Boulo Santo Cissoko (kora et chant). Son : Mathias Taylor et Jérémie Besset. ► Album Sargal (Motéma/PIAS/Integral 2025). Site Volker Goetze - YouTube Ali Boulo Santo Cissoko - Facebook du duo. Actu concert 29/10/25 Paris Église Bon Secours.   Puis nous recevons le groupe congolais Kin'Gongolo Kiniata pour l'album Kiniata. Formé dans l'effervescence des rues de Kinshasa, Kin'Gongolo Kiniata redéfinit les contours de la musique congolaise, tout en honorant ses racines culturelles profondes. L'album Kiniata est une célébration de cette énergie brute, un hommage à la vie urbaine et aux traditions congolaises, marquées par l'usage du Lingala dans des textes qui racontent les luttes, les espoirs et les triomphes de la vie quotidienne. Leurs rythmes effrénés et leurs mélodies envoûtantes rappellent l'esprit de l'article 15 («Débrouillez-vous») dans son essence transformatrice et rebelle. Mais ici, c'est l'âme de Kinshasa qui résonne à travers chaque note, chaque percussion recyclée, chaque riff électrique. Titres interprétés au grand studio : - Toye Mabe Live RFI - Kin'gongolo, extrait de l'album - Elengi Ya Ko Vivre Live RFI. Line Up : Leebruno (chant, percussions metal), Mille Baguettes (chant, batterie), Ducap (chant percus plastique), Djino (basse) et Bébé Mingé (chœurs, harpe, guitare). En entrevue : Djino & Leebruno. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Kiniata (Hélico 2025). Kin'Gongolo Kiniata - Instagram. Actu Concerts : Primeurs de Massy 31/10 + Péniche Metaxu (Pantin) 29/11/2025.

La poétique du souvenir avec Yasmine Hamdan (Liban) et Christine Zayed (Palestine). Yasmine Hamdan est notre 1ère invitée pour la sortie de son 3ème album I Remember I Forget Yasmine Hamdan a d'abord surgi sur la scène musicale avec la formation indie électronique pionnière Soapkills, formée avec Zeid Hamdan dans le Beyrouth de la fin des années 90. Le répertoire entêtant et irrévérencieux du duo ainsi que ses visuels auront rayonné créativement à travers le monde arabe et au-delà, culminant avec une anthologie en 2015. Après s'être installée à Paris en 2005, la musicienne collabore avec le producteur Mirwais (ex-Taxi Girl et producteur de Madonna) pour le projet Y.A.S., à l'origine d'un album dansant et raffiné, Arabology, paru chez Universal en 2009. Depuis, elle s'est fait un nom au-delà des frontières en tant qu'autrice-compositrice et productrice solo, entrelaçant avec élégance des univers éloignés comme la poésie, la pop et la tradition panarabe, l'electronica, la soul ou encore la guitar music. Elle a collaboré avec des cinéastes de tous horizons tels que Elia Suleiman, Jim Jarmusch (chantant notamment à l'écran dans le film de 2013 Only Lovers Left Alive), Daniele Arbid ou Ghassan Salhab, et a joué au sein de projets collectifs majeurs comme Africa Express. En solo, Yasmine Hamdan a sorti un premier disque en 2013, Ya Nass, un en 2017, Al Jamilat, et à présent son troisième album I Remember I Forget, co-produit aux côtés de son collaborateur de longue date Marc Collin (Nouvelle Vague). La mémoire est une force sans pareille. I Remember I Forget [Je me souviens que j'oublie] succède à deux disques solo salués à l'international, Ya Nass (2013) et Al Jamila (2017). L'album scelle la réputation de Yasmine Hamdan en tant que conteuse talentueuse, performeuse captivante et défricheuse indépendante. L'artiste polyglotte, née à Beyrouth et installée à Paris, a toujours mêlé dans sa musique l'intime, le poétique et la politique, souvent avec un humour vif, puisant ses influences dans les dialectes et sonorités du monde pan-arabe et d'ailleurs. C'est plus que jamais le cas sur ce nouvel album, un ensemble de chants de beauté et de fureur légitime, forgé dans le tumulte de crises mondiales, notamment l'explosion en 2020 du port de Beyrouth et l'effondrement économique du Liban (désastre financier qui aura protégé l'élite aux dépens du plus grand nombre). Dans un monde moderne de plus en plus fracturé, les prises de parole de Yasmine Hamdan semblent plus vitales que jamais. «Pour cet album, je voulais m'attacher à un lieu spécifique — et il fallait que ce soit le Liban», explique Yasmine Hamdan. «Mon lien avec le Liban et ce qui lui est arrivé a constitué le terreau à partir duquel j'ai commencé à écrire et composer l'album. Cependant, au fur et à mesure du processus créatif, cet endroit est devenu un symbole, une métaphore, une catharsis pour ce qui se passe plus largement dans le monde et à travers l'expérience collective.»  «En dépit de la douleur ressentie devant ce qui est infligé à mon lieu de naissance, s'est installé peu à peu un sentiment de tendresse, de familiarité, ce qui m'a apporté de l'espoir et de l'inspiration. Beyrouth a certainement continué à être généreuse avec moi», raconte-t-elle. Yasmine Hamdan s'est ainsi attelée à l'écriture des chansons, renouant pour l'occasion avec un collaborateur de longue date, Marc Collin (Nouvelle Vague). I Remember I Forget a été produit sous la tutelle de leurs labels respectifs, Hamdanistan et Kwaidan, et paraît chez Crammed Discs / [PIAS].   Titres joués durant l'entretien : I Remember I Forget, Shmaali, Shadia et The Beautiful Losers. ► Album I Remember I Forget (Crammed Discs / [PIAS] 2025). Site Yasmine Hamdan - Bandcamp. YouTube. Actu concert 18 mars, Paris Le Trianon.   Puis la #SessionLive reçoit Christine Zayed pour l'album Kama Kuntu. Née dans une famille mélomane de Palestine, élevée entre Jérusalem et Ramallah, Christine Zayed est une chanteuse, une compositrice et une instrumentiste, virtuose du qanûn. Elle a été initiée dès son plus jeune âge à la musique arabe classique et contemporaine, ainsi qu'à la musique traditionnelle palestinienne. Son répertoire s'appuie principalement sur la musique arabe classique, basée sur le maqam (la science et la pratique de l'improvisation modale arabe), et sur la poésie arabe, en particulier la poésie palestinienne contemporaine. Ses compositions, fortement ancrées dans la tradition, sont résolument contemporaines, recherchant les chemins de la modernité dans le croisement avec d'autres univers musicaux. Elle vit et travaille en France depuis quelques années et collabore à de multiples projets, notamment au sein de l'Ensemble Chakâm ou du groupe Atine. Elle se produit en solo ou en trio avec le flûtiste Sylvain Barou et le percussionniste Habib Meftah interprétant un répertoire que l'on retrouve dans son premier album, Kama Kuntu («Ce que j'étais»). On y croise plusieurs invités, notamment Piers Faccini. Titres interprétés au grand studio : - Avant que je photographie les oiseaux, Live RFI - Animal, Feat. Piers Faccini, extrait de l'album  - Ghalimi Live RFI. Line Up : Christine Zayed (qanûn, chant), Sylvain Barou (flûtes, duduk) et Habib Meftah (percussions) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Kama Kuntu (T-Rec 2024). Site - YouTube. Actu concerts : 11 décembre – Festival NoBorder, Brest // en trio + 12 décembre – Le Chenal, Porspoder // dans le cadre de NoBorder // en trio.

David Walters sort Kité Koulé avec Keziah Jones, en amont du prochain album Ti Love.   David Walters signe son grand retour avec un nouveau single Kité Koulé feat. Keziah Jones ! iIs sont nos invités dans la #SessionLive ! Premier extrait de son prochain album Ti Love attendu début 2026, ce morceau marque une rencontre musicale vibrante avec un autre guitariste / chanteur : Keziah Jones. Les deux artistes se sont croisés pour la première fois en 2006, à l'occasion d'une exposition de peintures de Keziah à Paris, où David avait été invité à jouer. Depuis, une complicité artistique s'est tissée entre eux, jusqu'à une nouvelle retrouvaille à Marseille, lors du Marseille Jazz Festival. C'est à Paris, lors d'une soirée spontanée, que le morceau est né. Écrit d'un seul souffle, inspiré par un échange sur le temps qui passe et la puissance de l'instant présent, «Kité Koulé Kon Dlo» (littéralement «laisser couler comme l'eau») prône la fluidité, l'acceptation et la connexion à soi et au monde, dans toute la beauté imprévisible de l'existence. Entre groove enivrant et spiritualité, le titre fait aussi référence à Manman Dlo, déesse des océans, symbole de mémoire, de vie et de guérison. Une chanson à la fois intime et universelle, qui nous invite à danser avec les courants de la vie.   Titres interprétés au grand studio - Kité Koulé David Walters Feat. Keziah Jones (single) Live RFI  - Ti Love Feat. Fatoumata Diawara, exclu, extrait cd non sorti - La vie est belle David Walters et Roger Raspail Live RFI.   VOIR LA #SESSIONLIVE YouTube par RFI Vidéos. Line Up : David Walters (guitare voix), Keziah Jones (guitare voix) et Roger Raspail (percus) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.  ► Album David Walters à venir Ti Love (début 2026) chez Heavenly Sweetness. + Playlist David et Keziah (sous réserve) - Cesaria Evora «Amor Di Mundo» Café Atlantico 1999_choix David - Prince «Something in the Water» 1999 album (sortie en 1982)_choix Keziah - Keziah Jones «My Brother»_choix David (Nigerian Wood 2008, 5è album) - Prince «Bob George» Black album (22 nov 94)_choix Keziah.

Pour la 20è édition du festival Arabesques à Montpellier, hommage du Couscous Clan à Rachid Taha et retour de l'ONB ! Créé en 2006 par UNi'SONS, le Festival Arabesques brille comme une perle culturelle majeure qui illumine Montpellier. Cet événement annuel, qui prend place au cœur de la ville en septembre, se dresse comme un véritable phare de la diversité artistique et du vivre ensemble. Nos invités : Taoufik Mimouni (ONB), Habib Derchaoui (fondateur Arabesques). 7 ans sans Rachid Taha... Le festival Arabesques lui a rendu hommage en septembre avec l'armée mexicaine du Couscous Clan. L'émission démarre avec un autre groupe emblématique du Alger-Paris-Barbès : l'ONB. L'Orchestre national de Barbès prépare un nouvel album pour fêter 30 ans d'insolitude.  Après plus de mille concerts donnés aux quatre coins du monde de Londres à Montevideo, en passant par Alger, Casablanca, Bamako ou encore Montréal, l'Orchestre National de Barbès n'a rien perdu de sa flamme ni de sa fougue légendaire. Trente ans après ses débuts, l'ONB reste fidèle à son esprit frondeur : toujours là, toujours libre, fidèle à cette promesse que le métissage est une célébration, et que la musique demeure un territoire de liberté, sans passeport ni barrière. Sur scène, le groupe déchaîne un cocktail incandescent de chaâbi, gnawa et raï, électrisé par des influences rock, reggae et un ska cuivré explosif dont ils détiennent la recette unique. Une French Touch transmaghrébine, urbaine et populaire, à la croisée des diasporas et des héritages mêlés, qui fait vibrer les corps autant qu'elle éveille les consciences. À l'occasion de cet anniversaire haut en couleurs, le collectif mythique parisien remonte sur scène pour rallumer les braises, électriser les foules et faire danser les mémoires. Entre énergie brute, générosité festive et insoumission joyeuse, l'ONB rappelle s'il en était encore besoin, qu'il est plus que jamais un porte-voix vivant, poétique et politique des cultures croisées. Distribution : Youssef Boukella : basse ; Fatah Ghoggal : guitare, chant ; Taoufik Mimouni : clavier, chant ; Ahmed Bensidhoum : derbouka, chant ; Mehdi Askeur : accordéon, chant ; Khliff Miziallaoua : guitare, chant ; Kamel Tenfiche : percus, chant ; Mamoun Dehane : batterie, chant ; Basile Theoleyre : trompette, chant ; Dominique Sablier : clavier. + Extraits du concert  Facebook.   Puis Habib Derchaoui, le boss d'Arabesques, nous parle de son festival, l'association Uni'Sons et de son ami Rachid Taha, à qui le festival a rendu hommage en septembre 2025.   Un grand concert-création en hommage à Rachid Taha, l'inclassable, l'insoumis, le rockeur made in Casbah. Celui qui a fait exploser les carcans, mêlé les riffs électriques au chaâbi et au raï, et signé la fusion magistrale entre les sons brûlants du rock et la modernité des musiques arabes. Rachid Taha, le pionnier, le transgressif, l'agitateur visionnaire, a ouvert des brèches profondes dans le paysage musical. Il a renversé les frontières, électrisé les scènes du monde entier, faisant résonner souvent dans un même cri la colère, l'exil, la fête, l'amour et la liberté. Pour célébrer cet héritage incandescent, le Festival Arabesques réunit un cercle de musiciens complices, artistes fidèles ou héritiers de son feu sacré. Parmi eux, Rodolphe Burger, compagnon de route et frère d'âme ; Justin Adams, alchimiste des cordes et des fusions transcontinentales ; Sofiane Saidi, voix du raï 2.0 à l'énergie brute ; Yousra Mansour, charismatique chanteuse-guitariste du groupe Bab L'Bluz, qui incarne une nouvelle génération de révolte poétique. À leurs côtés, le Couscous Clan, formation emblématique née autour de Rachid Taha, rallume les braises de son énergie folle, entre riffs acérés, rythmes incendiaires et poésie électrique. Ensemble, ils feront résonner l'écho de sa voix, toujours vivante, toujours en lutte, toujours en fête. Un hommage vibrant à une légende libre, éternel passeur, éternel révolté. Distribution : Rodolphe Burger : guitare ; Justin Adams : guitare ; Sofiane Saidi: chant ; Yousra Mansour de Bab'l Bluz : chant ; Idris Badarou: basse ; Kenzi Bourras : claviers ; Hakim Hamadouche: mandole et Franck Mantegari : batterie. + Extraits du concert : Voilà Voilà, Rock El Casbah et Ya Rayah. L'intégralité du concert hommage à Rachid Taha est disponible sur le site rfi.fr.   Facebook Rachid Taha  Site Uni'Sons  Site festival Arabesques.

Entre Pink Casbah et Everyday Superheroes, piano méditatif et arabo andalou «arrangé» rock & soul. Nos premiers invités sont les 3 chevaliers du trio Armel Dupas pour la sortie de Everyday Superheroes. Avec Everyday Superheroes, le Armel Dupas Trio signe un album vibrant, cinématographique, où chaque morceau célèbre à sa manière les figures ordinaires de la vie quotidienne. À travers dix titres d'une grande cohérence poétique, le trio nous plonge dans un univers acoustique lumineux, enraciné dans la tradition du jazz tout en s'ouvrant aux couleurs du monde d'aujourd'hui. On y entend l'écho des grandes années Blue Note — des grooves inspirés de la soul jazz des années 60, des clins d'œil rythmiques aux musiques latines (Chocolate Cake), une narration presque filmique (The West Coasters, Vert Lagune), mais aussi la douceur d'un piano méditatif (Peace On Earth, Les mystères de l'âme) et l'énergie bondissante d'un trio en pleine osmose (The Playful Listener). À ces compositions s'ajoutent deux reprises emblématiques : Invitation, traité comme un boléro élégant, et Encuentros de John McLaughlin, totalement réinventé dans une dynamique presque orchestrale. Entre éclats, tendresse et clarté mélodique, Everyday Superheroes est un hommage vibrant à celles et ceux qui avancent dans la vie avec grâce, courage ou discrétion. Un album à la fois généreux, accessible, et plein d'âme. Armel Dupas se définit comme un musicien-entrepreneur. Son attrait pour la diversité artistique le conduit à multiplier pendant plus de 10 ans les expériences de tournées, de concerts et de musiques pour le cinéma et le théâtre (Henri Texier, Arnaud Desplechin, Sandra Nkaké, Catherine Ringer). Son oeuvre en tant que leader débute avec deux albums remarqués : Inner Island, album du groupe WaterBabies, vainqueur en 2013 du Tremplin Rezzo Focal Jazz à Vienne, auquel succède Upriver en 2015, sorti sous la bannière prestigieuse du label Jazz Village. En 2017-2018, le Armel Dupas Trio parcourt les scènes jazz françaises et européennes grâce au soutien du projet Jazz Migration qui entoure la sortie de l'album A Night Walk. En 2019, Armel découvre le plaisir de la scène en solo hors des circuits traditionnels, bâtissant une tournée de 100 concerts chez l'habitant baptisée Home Piano Live, laquelle épouse à merveille la sortie de son album Broderies (7 millions d'écoutes sur les plateformes de streaming). Se produisant davantage à l'étranger qu'en France, Armel prépare un départ pour Moscou avorté par la crise de la COVID. C'est l'occasion d'un retour aux sources sur ses terres nantaises, où Armel redécouvre la vie au calme, entouré de nature et de vieux complices. Home Piano Live devient une émission en direct sur YouTube où l'on joue du jazz pour les amis d'ici et d'ailleurs. En quête permanente de rencontres avec son public, Armel crée en 2021 Le Piano Sacré et Le Coaching Musical, nouvelles passerelles entre musique et bien être. Allongé.e.s sur son piano, les participant.e.s au Piano Sacré vivent la musique d'une manière inédite, entre son vibratoire et portrait musical. 2022 voit la création d'un nouveau Armel Dupas Trio avec Jules Billé (contrebasse) et Christophe Piot (batterie). Acoustique et ancré dans un jazz easy listening, le trio produit deux albums qui remportent instantanément un large succès sur Spotify, propulsant la formation nantaise au rang des artistes de jazz les plus streamés internationalement. Titres interprétés au grand studio - Chocolate Cake Live RFI  - Les mystères de l'âme, extrait CD - Everyday superheroes Live RFI Line Up : Armel Dupas (piano), Jules Billé (contrebasse) et Christophe Piot (batterie). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Everyday Superheroes (Jazz Family 2025). Site Armel Dupas  YouTube  Home Piano Live    Puis la #SessionLive reçoit Samira Brahmia pour Pink Casbah. Depuis plus de 10 ans, dans le milieu de la musique «du monde», elle se fait repérer pour sa voix et sa personnalité à la force tranquille.  Mais avec son passage à l'émission «The Voice» où elle défendait crânement «Haramtou Bik Nouassi», chanson d'amour du creuset arabo-andalou, Samira Brahmia a plus que galvanisé un auditoire des deux côtés de la Méditerranée. Un signe d'encouragement pour une chanteuse qui revendique son identité plurielle et a l'ambition de bousculer les codes esthétiques pour faire voyager son art hors des territoires assignés. Toute son histoire la porte vers cette multiculturalité. C'est que celle qui en pince pour le swing d'Ella Fitzgerald, le groove de Cheikha Rimitti, la fougue d'Edith Piaf, la saudade de Cesaria Evora, a comme ses illustres ainées une voix dont le grain, la dynamique, la texture, la classe qui rappellent celles dont on dit qu'elles guérissent l'âme.  Samira Brahmia, femme-monde, voix des deux rives. Née en France mais élevée en Algérie, Samira Brahmia a grandi au carrefour des cultures, bercée autant par le blues et le rock que son père lui faisait écouter que par les mélodies arabo-andalouses qui irriguaient son quotidien. Dans l'Algérie des années 1990, alors que le pays traverse une décennie marquée par la violence, elle rêve déjà de musique et de liberté. Elle fait ses premiers pas comme choriste au sein d'un groupe de rock, puis se lance sur scène avec cette force tranquille et cette voix singulière, suave et brûlante, qu'on n'oublie pas. Son univers, qu'elle nomme le Pink Casbah, abolit les cases et les frontières. Héritière autant de Joni Mitchell que de Cheikha Rimitti, de Piaf que de Cesaria Evora, elle chante en arabe, en français et en anglais, dans un aller-retour constant entre Orient et Occident, entre héritage et invention.  Titres interprétés au grand studio - Sankara (hommage à Thomas Sankara) Live RFI - Len Arka3, extrait album - Dzeoudji ou Quilini (Marie-toi et lâche-moi) (hommage à Cheikha Remitti) Live RFI. Line Up : Samira Brahmia (chant), Khliff Miziallaoua (guitare), Karim Ziad (batterie), Youcef Boukella (basse) et Meddhy Ziouche (piano). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Pink Casbah (auto-prod 2025). Site Samira Brahmia  YouTube.

D'une ville péninsule (Conakry) aux villes qui ne meurent jamais (Beyrouth), la route passe aussi par Addis, Kingston, Bogota. Bon voyage ! Comme tous les mois, Sophian Fanen propose 5 nouveautés : - Ata Kak, Batakari, tiré de l'album Batakari (Awesome Tapes from Africa, 2025) - Sister Nancy, Armageddon, tiré de l'album Armageddon (Ariwa Sounds, 2025) - Yasmine Hamdan, Shadia, tiré de l'album I Remember I Forget (Hamdanistan/Kwaidan Records, 2025) - Mulatu Astatke, Kulun, tiré de l'album Mulatu Plays Mulatu (Strut Records, 2025) - Lucas Hill, Madrugada, tiré de l'album El sol sale también (Polen Records, 2025).   Puis la #SessionLive reçoit Kaabi Kouyaté pour la sortie de Tribute to Kandia.  Sory Kandia Kouyaté (1933-1977) fut «La voix» de la Guinée indépendante. Descendant de Balla Fasséké Kouyaté, l'illustre «djeli» (détenteur de la tradition orale d'un peuple) de Soundiata Keïta, le fondateur de l'Empire du Mandingue, initié à la musique (notamment au ngoni) et à la complexe généalogie mandingue par son érudit de père, il rejoint très tôt la cour royale de Mamou où ses dons vont faire merveille. C'est à ce baobab de la chanson guinéenne qu'un de ses fils, Kabiné Kandia Kouyaté, alias Kaabi, consacre cet hommage. Un projet suscité par le réalisateur Laurent Chevallier qui réalisa «La Trace de Kandia», dans lequel Kaabi revenait en Guinée sur les traces de son père, à la rencontre des lieux et témoins de sa légende. Par le choix du répertoire, cet hommage rend compte de la géographie mentale de Sory Kandia Kouyaté, de son insertion dans la chanson de geste griotique mandingue Contemporanéiser un patrimoine : tel était l'objectif que s'assignait Sory Kandia Kouyaté.  C'est dans le même esprit que Kaabi a œuvré, lui qui avoue avoir eu besoin de temps pour comprendre l'envergure d'un tel legs. Fort de ce bagage, il s'est donc entouré d'un équipage ad hoc. Des fidèles comme Badje Tounkara (ngoni), Ballaké Sissoko (kora), Lansine Kouyaté (balafon) ou des invités sachant combien l'on ne pénètre dans la musique mandingue qu'avec tact et d'humilité, à l'instar d'un Jean-Philippe Rykiel, familier des musiciens africains, dont le piano prend ses quartiers dans la savane. La présence de la chanteuse Aminata Camara, qui fut choriste de son père, symbolisant comme un passage de témoin. Encore que le plus fascinant dans cet album est la voix de Kaabi, dont le timbre, les modulations, les inflexions, facétie de l'ADN, font écho de façon si troublante à celle du plus célèbre griot de la Guinée. (D'après Frank Tenaille). Titres interprétés au grand studio - Mobalou Live RFI  - Wamiyo, extrait CD - N'na Yafa Live RFI  Line Up : Kaabi Kouyaté (chant), Jean-Philippe Rykiel (Piano), Chérif Soumano (Kora) & Youssouf Diabaté (Ngoni). Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor. RFI Vidéos : Christophe Valette, Dominique Fiant et Cyril Etienne. ► Album Tribute to Kandia (Buda Musique / Socadisc 2025). Site de Kaabi Kouyaté  Kaabi Kouyaté à lire sur RFI Musique La trace de Kandia Sory Kandia Kouyaté à lire sur RFI Musique.

Dhafer Youssef, Flèche Love, Labess, Aziz Konkrite et Habib Dechraoui à la 20è édition d'Arabesques. L'esprit du festival Arabesques : un hymne à la diversité culturelle à Montpellier. Créé en 2006 par UNi'SONS, le Festival Arabesques brille comme une perle culturelle majeure qui illumine Montpellier. Cet événement annuel, qui prend place au cœur de la ville en septembre, se dresse comme un véritable phare de la diversité artistique et du vivre ensemble. Une programmation musicale et pluridisciplinaire : de la musique, mais aussi du théâtre, des contes aux projections cinématographiques, de la danse à la calligraphie, des délices gastronomiques, le festival offre une immersion inégalée dans la riche culture du monde arabe. Cet éventail artistique couvre à la fois la tradition et la création contemporaine, encourageant l'appréciation et la compréhension profonde de cette culture. Des valeurs de convivialité et de cohésion sociale : au-delà de son rôle artistique, Arabesques incarne un engagement profond en faveur des valeurs de convivialité, de respect mutuel et de vivre ensemble. Chaque année, il réunit un public de toutes origines et de tous âges dans un esprit de dialogue et d'ouverture. Le festival transcende les stéréotypes, offrant une vision authentique et nuancée des cultures arabes. Le public varié reflète la richesse des cultures méditerranéennes, favorisant ainsi l'harmonie et l'enrichissement mutuel. Un rayonnement international entre l'Europe et le monde arabe : Arabesques est bien plus qu'un festival local. Il se positionne comme un pont entre l'Europe et le monde arabe, mettant en lumière les convergences culturelles et établissant une relation harmonieuse. Avec plus de 20 000 spectateurs qui se rassemblent chaque année pendant 15 jours, le festival investit divers lieux publics et culturels de la Métropole de Montpellier, dont le domaine d'O, l'Opéra comédie, la Halle Tropisme et des espaces publics. Il s'efforce de stimuler la curiosité de tous, favorisant ainsi le vivre-ensemble et l'accessibilité culturelle. Arabesques devient une scène internationale pour la nouvelle génération d'artistes arabes grâce à ses partenariats étroits avec des artistes, des festivals, des salles de spectacles et des institutions en Europe et du bassin méditerranéen qui fait de lui l'événement culturel dédié au Monde arabe le plus important d'Europe. Nos invités : Nous avons rencontré le oudiste tunisien Dhafer Youssef. Le maître du oud, vocaliste au talent rare, est revenu à Arabesques pour présenter en exclusivité son tout nouvel album (il jouera 3 titres en fin de concert), attendu à la fin de l'automne. C'est un rendez-vous avec l'un des artistes les plus singuliers de la scène musicale contemporaine. Dhafer Youssef (oud, voix) ; Mario Rom (trompette), Daniel Garcia (piano, claviers) ; Swaeli Mbappe : guitare basse et Tao Ehrlich (batterie). Flèche Love. L'artiste suisse-algérienne propose une expérience intime, presque chamanique, où la voix devient souffle, cri, incantation, caresse. Portée par la puissance de l'émotion brute et la délicatesse du geste, elle convoque un ailleurs sensible, un territoire intérieur à explorer les yeux fermés. Dans Archipels intérieurs, elle (Amina Cadelli) est accompagnée de Jaafar Aggiouri à la guitare, clarinette, clarinette basse et au chant, et d'Olivier Koundono au violoncelle. Labess › Dima Libre - nouvel album. C'est un cri du cœur, un souffle insoumis, l'élan vital qui irrigue chaque note du cinquième album de Labess. Dima Libre est une traversée en eaux profondes, portée par la voix rugueuse, vibrante et sincère de Nedjim Bouizzoul. Une voix qui dit les fêlures, les colères brûlantes, les espoirs têtus, les poésies mouvantes et les étincelles volées à la nuit. Nedjim est un voyageur, Algérie, Québec et Bretagne récemment. Aziz Konkrite est un DJ franco-marocain, collectionneur de disques, beatmaker et producteur d'événements depuis 35 ans. Pour lui, tout a commencé avec la musique : funk, soul, hip-hop, boogie, et musique du monde de Montpellier à Nottingham, Paris à Casablanca, Lille, Praha, Gandou, Brighton…  - Site du festival Arabesques  - Dhafer Youssef  - Flèche Love  - Labess  - Aziz Konkrite.

Les musiques nées de l'esclavage (domaine français) est le nouveau livre du journaliste Bertrand Dicale. Entretien. Bertrand Dicale est né à Paris d'un père guadeloupéen et d'une mère auvergnate. Il est diplômé de l'Institut d'études politiques de Paris et du Centre de formation des journalistes. Depuis janvier 2017, il est directeur général du média numérique d'information News Tank Culture, consacré à l'économie et aux politiques de la culture. Auteur de plusieurs ouvrages, il vient de publier «Musiques Nées de l'Esclavage (domaine français)», aux éditions de la Philharmonie. Quelle trace la longue période coloniale a-t-elle laissée dans les cultures populaires des terres possédées ou exploitées par la France et ses colons ? Ces sociétés nées de l'esclavage ont engendré un nombre étonnant de genres musicaux : biguine, séga, zouk, quadrille, gwoka, bèlè, mazurka... L'Afrique jetée dans le creuset de la créolisation est partielle, composite, ruinée ; l'Europe que les colons apportent avec eux est incomplète, bancale et surtout confrontée à d'autres cultures, au contact des Africains, des Amérindiens et des Asiatiques dans un contexte radialement neuf. De ce qu'Edouard Glissant appelle la Relation émerge une créolité d'autant plus passionnante à explorer qu'elle annonce le Tout-Monde dans lequel nous vivons. Playlist de Bertrand Dicale : - Négoce et Signature La Pastourelle (4ème figure du quadrille, Guadeloupe) - Ti-Coca An Tan Mango (Haïti) - Stellio et Léona Gabriel Calalou (Martinique/Guyane) - Joséphine Baker Madiana (USA/Île-de-France) - Germain «Chabin» Calixte Zombi baré mwen (Guadeloupe) - Kassav Zouk La Sé Sèl Médikaman Nou Ni (Guadeloupe/Martinique) - Danyel Waro Batarsité (Île de La Réunion) - Theodora Congolese BBL (Congauloise). - Éditions de la Philharmonie  - X - Bertrand Dicale  Par ailleurs, Bertrand Dicale propose un podcast sur Martinique La 1ère depuis le 15/09/2025.