Musiques du monde

Nos 1ers invités sont le duo formé par le saxophoniste Jacques Schwarz-Bart et le pianiste Grégory Privat pour la sortie de l'album 22. Grégory Privat, né le 22 décembre 1984 en Martinique, est un pianiste et compositeur de jazz. Il grandit à Saint-Joseph, en Martinique, dans une famille de musiciens. Son père, José Privat, est compositeur et pianiste du groupe martiniquais Malavoi. C'est lui qui l'encourage à apprendre le piano dès l'âge de six ans. Après dix ans de formation classique, Grégory se met à la composition et à l'improvisation, particulièrement dans le jazz.De 2004 à 2007, il mène une double vie, suivant l'enseignement d'une école d'ingénieur à Toulouse le jour, jouant dans des clubs de jazz la nuit. Il commence à écrire ses premières compositions et fait la première partie du Biguine Jazz Festival à Sainte-Marie en 2005. Il crée son propre groupe à Paris, et sort un premier album en 2011, Ki Koté. L'année suivante, âgé de 27 ans, il abandonne son emploi, pourtant confortable, pour devenir musicien professionnel et se consacrer entièrement à la musique. Bientôt, il joue avec des pointures caribéennes du jazz, comme le saxophoniste Jacques Schwarz-Bart, le trompettiste Franck Nicolas et le percussionniste Sonny Troupé, maître du Gwoka, qui devient un ami proche. Puis en 2014, paraît l'album concept Tales of Cyparis. Le nom de l'album est une référence à Cyparis, survivant de l'éruption de la Montagne Pelée en 1902. L'année suivante, il sort Luminescence avec Sonny Troupé : un album en duo reflétant un mélange de jazz et de sonorités Gwoka. Toujours en 2015, Grégory Privat est nommé aux Victoires du Jazz dans la catégorie «Révélation de l'année, prix Frank- Ténot». Son album Family Tree suit en 2016, il y présente son premier trio avec Linley Marthe et Tilo Bertholo sur le label ACT. En 2024, Grégory Privat sort Phoenix, nouvel album en trio qu'il considère comme une continuité de son album Soley et reçoit la même année le Prix Django Reinhardt de l'Académie du Jazz. En 2025 Jacques Schwarz-Bart…Artiste International, d'origine guadeloupéenne, Jacques Schwarz-Bart vit à New York depuis plus de 20 ans. Musicien, compositeur et arrangeur, il est le fils de Simone et d'André Schwarz-Bart, le célèbre couple d'écrivains.Jacques Schwarz-Bart abandonne rapidement une carrière diplomatique dans l'administration française pour se lancer dans la musique et choisit son instrument de prédilection : le saxophone ténor. Il étudie à Berklee school à Boston où il développe son identité musicale au carrefour du Jazz de la Soul et des musiques afro-caribéennes. Jacques collabore avec les plus grands de la scène Nu soul et jazz comme le trompettiste Roy Hargrove, Herbie Hancock, d'Angelo, Me'shell Ndegeocello, ErykahBadu, et d'autres.En 2004, il monte son Gwoka Project et enregistre deux albums pour UNIVERSAL, Soné Ka-La et Abyss, qui ont construit sa carrière actuelle en tant que leader reconnu au plan international.Titres interprétés dans le grand studio- The Crossing Live RFI- The Most Beautiful, extrait de l'album- Isaïah Live RFI.Line Up : Jacques Schwarz-Bart, saxophone, Grégory Privat, piano.Son : Mathias Taylor, Benoît LetirantRéalisation : Hadrien Touraud & Donatien Cahu.►  Album 22 (Buddham Jazz 2025).- Live Isaäh YouTube- Site Grégory Privat - Fb Jacques Schwarz-Bart.   Puis nous recevons JJH Potter pour la sortie de Ghosts Unveiled.Et c'est en famille que ce Strasbourgeois vient présenter son nouvel album.Auteur-compositeur-interprète né dans les années 70, basé à Strasbourg, compose des chansons aussi intimistes qu'authentiques. Ce guitariste-pianiste et chanteur se produit sous le nom de JJH Potter en hommage à sa grand-mère maternelle qui s'appelait Jeanne, Joséphine, Henriette Pottier. Il crée de la musique indie-folk intimiste depuis son adolescence et promène ses balades aux accents feutrés de café-concerts en rencontres musicales improvisées en s'inspirant des sentiments humains pour révéler des histoires sincères et touchantes. Influencé par la folk américaine et anglaise, il a pour icônes Bob Dylan, Neil Young, Nick Drake ou encore John Martyn. Et il chante avec ses filles Noan et Selma !Titres interprétés dans le grand studio- Sketches (avec Noan) Live RFI- Moth (avec Selma + piano) Live RFI- Contagious Live RFI.Line Up : Pierric L'Homme, alias JJH Potter (guitare, piano, voix), Noan L'Homme et Selma L'Homme (chœurs), Cédric Lemaire (batterie) et Sébastien Marcesche (basse).Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.► Album Ghosts Unveiled (Daydream 2025).- JJH Potter EPK - Bandcamp - Daydream Music. 

Piqués par un mystique, Walid Ben Selim et Ariana Vafadari s'offrent un été en pente douce. Et sacré. Notre 1er invité est Walid Ben Selim, Le nom à retenir de la collection printemps-été 2025 ! Aux vastes horizons de la poésie soufie…Chanteur humaniste et compositeur aux formes multiples, amoureux de la poésie à laquelle il dédie son parcours artistique, créateur du collectif artistique N3rdistan, Walid Ben Selim est né à Casablanca un soir de Septembre 1984, dans la vieille médina, entre le port commercial et la criée. Élève doué et impertinent qui s'inspire des paradoxes de la société et de l'insoumission dès son enfance. Il est élevé par sa mère, avocate engagée dans les causes sociales et militante de gauche, qui fut à la fois sa référence et son soutien dans sa passion pour la musique et qui l'inscrit à l'âge de 6 ans au Conservatoire de Casablanca. Il quitte le Maroc en 2003, après avoir été l'un des fondateurs du mouvement « Nayda », pour rejoindre la France où il poursuit ses études et sa passion.Here and Now « Ici et maintenant, entre les débris du chose et du rien nous vivant dans les faubourgs de l'Éternité » DarwichCe sont des encres enchantées qui ont noirci des feuilles millénaires, des mots, des vers et des paroles de sages, Ibn Arabi, Rumi, Ibn Fared, Kabir, quand la poésie « soufie » se chante en Occident et rejoint la sérénité du bouddhisme pour nous relier à nos sources et à nos ancêtres.Titres joués : Ati, Nasma, Ici et Maintenant (Darwich), Kama Tachaa et Océans d'amour.► Album Here & Now (Nuun Music 2024)Site Musiques Métisses 2025Walid Ben Selim x Angoulême Site Walid Ben Selim. Puis nous recevons Ariana Vafadari et la créatrice du festival Sacré Sound Laurence Haziza#création, conversation entre Ariana Vafadari et Walid Ben Selim. Leur chant et leur univers font écho aux mémoires anciennes et aux vibrations contemporaines tissant un pont entre les âmes et les traditions réinventées. Mezzo-soprano franco-iranienne, Ariana Vafadari puise dans les textes sacrés zoroastriens et la musique classique, portée par une quête de liberté. Walid Ben Selim, chanteur-poète, fait dialoguer les vers d'Ibn Arabi et de Rûmi, inscrivant son souffle dans la tradition soufie pour rapprocher le spirituel des cœurs. Cette collaboration dépasse la musique : elle est rituelle, symbolique. Une rencontre qui relie les âges, l'intime et le collectif, la ferveur ancienne et les âmes en quête. Cette création se veut être un espace où le chant devient invocation, méditation, où la musique unit l'Orient et l'Occident. Marraine et parrain de cette édition, ils initient une nouvelle tradition : le passage chanté d'une édition à l'autre. Leur performance sera une offrande, une invitation à l'écoute, à la contemplation d'une conversation qui transcende les frontières et les appartenances. À la joie d'un chant talisman dans un lieu où les prières s'élèvent encore. Ils seront accompagnés par le pianiste Julien Carton. Concert 4 juin 2025 Église Notre-Dame des Blancs Manteaux, Paris.Au sujet du Sacré Sound festivalCe festival est l'aboutissement d'une longue expérience de la directrice et fondatrice Laurence Haziza, qui dirige depuis 20 ans le festival Jazz'N'Klezmer.Forte de cette expérience, Laurence crée le Sacré Sound Festival et suscite la rencontre des musiques actuelles avec celles inspirées de croyances et de traditions.  Elle imagine un espace d'échanges artistiques où dialoguent spirituel et festif et où les contraires se répondent.L'idée du festival : mêler le sacré aux musiques actuelles, faire jouer ensemble des artistes ailleurs empêchés, ici protégés et offrir une musique qui parle à tous, quelle que soit son origine, sa culture, son âge.La 1ère édition en 2024 fut un succès et l'occasion de réaliser que le public est curieux de métissage et rêve de paix et de fraternité. Bienvenue à la 2ème édition !Site Sacré Sound Site Ariana Vafadari.Titres joués : Ardvi Sura, Rahayam, Incantation, Atash.

Du nu reggae au manouche, en passant par le jazz, la #SessionLive reçoit deux noms de la scène hexagonale. (Rediffusion du 19 janvier 2025)Nos premiers invités sont Les Doigts de l'Homme pour la sortie de Erratic, The Art of Roaming.Les Doigts de l'Homme fêtent leurs 20 ans. Pour cela, ils sortent un double album ambitieux qui illustre le trajet parcouru le long de ces nombreuses années avec une approche encore plus inédite et personnelle. De l'acoustique à l'électrique, 23 titres autour d'un jazz de création, « guitaristique », coloré et exigeant. Et pour respecter la tradition : à chaque nouvel album, un nouvel instrument invité ! C'est le batteur Pierre Rettien qui rejoint l'équipe pour illustrer ce passage à l'électrique. « Erratic », deuxième single tiré du double album Erratic, The Art Of Roaming qui est sorti le 20 septembre 2024. Accepter le désordre, ne pas suivre de ligne de conduite, laisser émerger librement ce qu'il en résulte, dans la vie comme dans la musique, accepter de se laisser malmener par l'imprévu, fuir l'ordre qui peu à peu s'établit. Ignorer l'influence du regard extérieur, celui qui finit par restreindre la véritable liberté de choisir. Laisser naître de ce qui semble être le chaos.► Titres interprétés au grand studio« Dreaming of my Brothers » Live RFI« Des hommes intègres », extrait du double album (cd Électrik)« Californian Christmas » Live RFI► Line Up : Olivier Kikteff (guitare), Benoît Convert (guitare), Yannick Alcocer (guitare), Tanguy Blum (contrebasse) et Nazim Aliouche (percussions)Son : Mathias Taylor, Camille RochAlbum Erratic, The Art of Roaming (Lamastrock/ Inouïe Dist. 2024).YouTube - Bandcamp - LamastrockPuis, nous recevons Flox pour la sortie de Square.Flox est square. Carré, précis, direct. Il aime aller droit à l'essentiel, ne pas se perdre en considérations superflues. « Je n'ai pas le temps de faire de la merde », résume-t-il. Alors, son septième album s'intitule Square.Square correspond à un virage majeur dans la carrière du pionnier du nu reggae, extraordinaire artisan du studio qui joue de tous les instruments, s'enregistre, se mixe et se produit mais, pendant une douzaine d'années, montait sur scène avec des musiciens. Après avoir enregistré Square, il a commencé à tourner seul, équipé d'une machine qu'il a dessinée et construite avec des contrôleurs Midi pour lancer samples et boucles qu'il a enregistrés lui-même : « Il faut maîtriser tous les outils pour délivrer ce que l'on veut », répète-t-il depuis longtemps...Ce doux quinquagénaire franco-britannique au crâne lisse sourit, gentiment moqueur : « Il y a tellement d'outils si faciles qui permettent de sortir des albums alors que l'on est encore en phase d'apprentissage ou d'acquisition que beaucoup se brûlent les ailes. »Flox sait si bien combien son chemin a demandé de patience, de précision et de passion. Il y a quelques décennies, il sort diplômé en reliure de ses cinq ans à l'École Estienne. Il est en pleine période punk et ne se voit pas travailler pour les vieux clients bourgeois des relieurs. Alors, il devient informaticien et son premier salaire sert à payer la première traite d'une table de mixage à 25 000 francs. Après tout, Florian Gratton n'a jamais manqué de détermination et sait prendre des décisions tranchées. Avant lui, sa mère, moitié kabyle, moitié française, s'est évadée en Grande-Bretagne à l'adolescence, a rencontré un acteur moitié anglais, moitié irlandais et ne revient en France qu'après la victoire de Mitterrand à la présidentielle de 1981. Florian a onze ans et se met à la batterie, son premier instrument. Peu à peu, il saura jouer d'un peu tout. « Je suis plus curieux que vraiment multiinstrumentiste. Je n'apprends de chaque instrument que ce qui me suffit pour faire de la musique. C'est un apprentissage ciblé. Il me faut des notes bien appuyées et bien placées. »Qu'on ne s'attende pas à une trajectoire classique de reggaeman. Sa porte d'entrée pour la musique jamaïcaine est franchement britannique avec Police, avant le drum'n'bass et le choc de la dub poetry de Linton Kwesi Johnson. « À part ça, j'ai autant été nourri de Bob Marley que des Pink Floyd. » À vingt ans commence le temps des groupes. À trente ans, il dirige une batucada de trente percussionnistes. Mais il s'est fixé comme un cap de faire son premier album avant trente-cinq ans. Square est son 7e album.► Titres interprétés au grand studio« Square » Live RFI« In The Shade », extrait de l'album« Loose » Live RFI► ​​​​​​​Line Up : Florian Gratton alias Flox (machines, voix)Son : Mathias Taylor, Camille RochAlbum Square (Underdog Records 2024)Site - YouTube - Bandcamp

Entre Helvètes underground, musique de chambre malienne à Tokyo et Pays basque espagnol… Tous les mois, Sophian Fanen sélectionne cinq nouveautés, histoire d'agrandir votre discothèque préférée. Pour le mois de mai, Sophian vous propose cette playlist : Verde Prato, « Bihotz Iraultzaileak », tiré de l'album Bizitza Eztia (Plan B Records, 2025) Anna Ferrer, « Son tus ojos dos puñales », tiré de l'album Parenòstic (La Castanya, 2025) Baby Volcano, « Delish », tiré du EP Supervivenxia (Tom Boy Lab, 2025) Sami Galbi, « Dakchi Hani », tiré de l'album YIh Bye Bye (Les disques Bongo Joe, 2025) Salif Keita, « Kanté Manfila », tiré de l'album So Kono (Nø Førmat!, 2025)Puis la #SessionLive reçoit l'artiste suisse Léa Maria Friès pour la sortie de l'album Cleo.Issue de la scène musicale suisse dont les talents ne cessent d'éclore, la chanteuse Lea Maria Fries signe avec Cleo un premier album sous son nom, composant l'essentiel de la musique et les textes des chansons. Réalisée par Julien Herné, cette œuvre profonde et délicate est chargée d'histoires ; elle raconte la quête intime d'une artiste vers son avenir avec assurance, maturité et sensibilité.► Titres interprétés au grand studio« Witches Broom » Live 1 « India Song » (feat. Vincent Peirani - composition Carlos d'Alessio)« Just Passing » Live RFI► Line up : Lea Maria Fries (voix), Gauthier Toux (piano), Julien Herne (basse) et Antoine Paganotti (batterie). Son : Mathias Taylor, Benoît Le TirantAlbum Cleo (Heavenly Sweetness 2025)Site internet - Vidéos - BandcampRéalisation : Hadrien Touraud & Donatien Cahu

Punky reggae party avec Kiddus I, Camille Bazbaz et Jérôme « Tchiky » Perez #SessionLive ! The Salmon est le projet d'un trio légendaire de « soul men » réuni pour célébrer une longue amitié, la liberté musicale et la créativité. Inspirés par les sons originaux du reggae, de la country, du blues et de la soul, ils remontent la rivière tels des saumons, à contre-courant des clichés et des normes. Leur balade nous ravit et nous transporte vers des paysages lointains, apaisants qui nous reconnectent à l'essentiel : l'amour de la musique. Le groupe est composé de trois amis aux carrières bien remplies : Kiddus I, la légende du reggae à la voix envoûtante, « Last Crooner on Earth », héros du film Rockers sorti en 1977 et un des membres du projet Inna De Yard ; Bazbaz, pianiste auteur-compositeur-interprète français avec neuf disques à son actif ; et Tchiky, guitariste hors pair qui accompagne De La Soul depuis une dizaine d'années.Après un premier EP sorti en 2020 composé des titres « Enough is Enough » et « The Long Road », et une pandémie plus tard, The Salmon renaît finalement en janvier 2022 du haut des collines de Kingston, où le trio enfin réuni fera vibrer la Jamaïque aux côtés de musiciens chevronnés français comme jamaïcains tels que Delroy Wormbass, Viryane Say, Sly Dunbar, Christianne Prince, Pam Hall, Fabrice Colombani, Fonso, Yann Cléry, David Hadjadj, Flabba Holt et Style Scott. Leur premier album est un pur bijou franco-jamaïcain imprégné de la terre natale du reggae, et reflète la volonté du trio de revenir aux racines de leurs inspirations. Music is love… or is nothing !► Titres interprétés au grand studio- Wiggling Live RFI- The Salmon (Ska Version), extrait de l'album- Flowers Live RFI► Line Up : Kiddus I (chant), Camille Bazbaz (claviers) et Jérôme « Tchiky » Perez (guitare)Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch► Album The Salmon (22D Music 2025)Bandcamp - Facebook► Playlist- The Specials – Gangsters 1979- Bob Marley – Punky Reggae Party 1977- Junior Murvin – Police and Thieves 1976- Femi Kuti – Journey Through Life (Journey Through Life Bongo Joe 2025)- Sami Galbi – Casaflex (1er album YLH Bye Bye Bongo Joe 2025)Réalisation : Hadrien Touraud

Un diggeur passionné des Caraïbes talonné par un poète anglo-trinidadien qui slame la mémoire des afro-descendants. Emile Omar est notre 1er invité pour présenter le 3e volume de la série Disques Debs International Mizik Maladi (Strut Record 2025). Une compilation concoctée par Emile Omar et Hugo Mendez.Strut présente avec enthousiasme le troisième volume tant attendu de la série Disques Debs International, explorant plus en profondeur les archives de l'un des plus grands labels franco-caribéens, Disques Debs, basé en Guadeloupe. Fondé par le visionnaire Henri Debs à la fin des années 1950, le label et son studio ont fonctionné pendant plus de 50 ans, produisant plus de 300 singles 7” et 200 albums, faisant de Disques Debs un pilier de l'histoire musicale caribéenne.Au début des années 1980, Henri Debs s'était déjà imposé comme un producteur prolifique, avec un catalogue de sorties inégalé en Guadeloupe et en Martinique. Parti d'un simple magnétophone deux pistes installé à l'arrière d'une boutique de vêtements, Disques Debs s'est transformé en une véritable institution, avec un studio ultramoderne en plein cœur de Pointe-à-Pitre, des magasins de disques et d'instruments de musique en Guadeloupe, en Martinique et à Paris, une discothèque au Gosier, ainsi que des accords de distribution internationale en Europe, aux États-Unis et en Amérique du Sud.Disques Debs a joué un rôle essentiel dans l'évolution de la musique caribéenne moderne, créant un pont entre les genres traditionnels comme la biguine et le gwoka et les styles contemporains comme le cadence, le compas et le zouk. Ce dernier est devenu un phénomène mondial dans les années 1980 grâce à des groupes emblématiques comme Kassav' et Zouk Machine. Durant cette période, le label a soutenu une nouvelle génération d'artistes tout en continuant à collaborer avec des figures légendaires des décennies précédentes.Le volume 3 de cette série, compilé par Emile Omar et Hugo Mendez, met en lumière l'une des périodes les plus dynamiques et influentes du label, alors qu'il étendait son rayonnement international dans les années 1980. À travers deux vinyles, cette sortie propose une sélection soigneusement choisie de morceaux issus de l'univers Disques Debs, mettant en avant à la fois de jeunes talents et des artistes confirmés qui ont marqué cette époque.Cette collection célèbre non seulement l'héritage inégalé d'Henri Debs, mais offre également un instantané de l'âge d'or de la musique caribéenne, confirmant Disques Debs comme une véritable institution culturelle.► Titres joués- Christian Yéyé – Misyé Zanndo- Horizon – Neg Mawon- Alex Rosa – L'Appel des champions- Max et Henri – Sé Pou Demen► Album Mizik Maladi, l'âge d'or des Disques Debs International (Strut Record 2025)Bandcamp Volume 1 Bandcamp Volume 2 Cadence Revolution Bandcamp Volume 3 Mizik MaladiÀ écouter aussiSpéciale Disques Debs international avec Émile Omar Notre 2nd invité est Anthony Joseph pour la sortie de l'album Rowing up River to Get Our Names Back.L'origine africaine des OVNI, George Clinton en personne, n'aurait pas désavoué ce concept afro-futuriste dont Anthony Joseph avait fait le sujet de The African Origins Of Ufo's, sa nouvelle écrite il y a bientôt vingt ans. Durant ce laps de temps, les albums du chanteur-poète de Trinidad se sont succédé, mais l'idée ne s'est pas évaporée. Après un travail de réflexion et de recherches artistiques avec le musicien-producteur Dave Okumu, il est même devenu l'axe de rotation de son nouvel album. Base des premiers titres élaborés en duo, la nouvelle est ensuite devenue la rampe de lancement de Rowing Up River To Get Our Names Back Vol 1 & 2. D'une aventure si dense qu'il a fallu la scinder en deux parties. Après avoir solidement assuré la connexion musicale de toute la diaspora caribéenne sur ses précédents albums, Anthony Joseph s'engage dans une fresque musicale aussi ambitieuse que fascinante : l'exploration de toutes ces strates qui constituent la longue et tumultueuse histoire de la musique noire. Ces couches créatives qui se sont superposées et additionnées, la nouvelle se nourrissant de la précédente pour, sans le savoir, préparer l'arrivée de la suivante. Cet immense puzzle où, reliées par une forte conscience politique, les différentes pièces ont noirci les portées de leurs notes les plus intenses. Sculpté dans la cire des œuvres si impérissables qu'elles ont rendu stériles toutes les tentatives d'altération des décennies qui se sont accumulées. Forme, fond, portée révolutionnaire, tout est resté intact. Y compris l'esprit de tous ces musiciens qui ne se sont exprimés que par la voix de leur instrument, la puissance de leur groove, la radicalité de leur démarche artistique.Funk, P-Funk, soul, dub, free-jazz, jazz, afrobeat, blues, confrontant leurs deux visions musicales pour n'en former plus qu'une, c'est en binôme éclairé par les phares de leur créativité qu'Anthony Joseph et Dave Okumu ont façonné un afro-futurisme à l'esthétique mouvante et sans limites d'expansion. Stabilisée par cette volonté de raviver toutes les racines, l'exploration se conjugue à celle qui mène aux patronymes perdus. Ceux qui, entre le voyage depuis l'Afrique vers l'Amérique, se sont évaporés dans les flots de l'Atlantique et le claquement des fouets. Ceux dont ont été dépossédés les déracinés de force qui ont dû endosser celui du maître. Les peaux des batteries, le bois des baguettes et celui des percussions, le nylon de cordes, les métaux des saxophones et les trompettes, tout ce qui constitue l'arche organique dans laquelle ont embarqué les héros de la musique noire, révèle au moment du décollage un tableau de bord à l'électronique sophistiquée. Renforcer, voire supplanter certaines fonctions peut s'avérer utile tant la destination est lointaine. Elle est à des années-lumière d'ici. La rejoindre impose de connecter le présent avec le passé pour pouvoir l'emmener dans le futur. Dans l'afro futur. Là où, après avoir remonté la rivière, tous auront récupéré leurs noms et se seront réappropriés un pan de leur histoire.► Titres joués extraits de l'album- Satellite- Tony- Black History- Churches of Sound► Album Rowing up River to Get Our Names Back (Heavenly Sweetness 2025)Site – Bandcamp – YouTube 

Entre une légende du rap sud-africain et un poète angevin, mon cœur balance… Notre 1er invité est Stogie T pour la sortie de l'EP ShallowVétéran du hip-hop sud-africain, Stogie T (Tumi Molekane) n'est pas un parolier classique. Son travail consiste à trouver un équilibre délicat entre différents mondes ; il a prouvé qu'il était la voix du peuple, mais il n'hésite pas à tendre un miroir à l'ensemble de la société, et le reflet est toujours plus complexe que les clichés bien-pensants du «rap conscient» et la nature stéréotypée et banale du «rap commercial».Le message dominant de Shallow est la psychose collective. Le dernier EP publié par Stogie T depuis la pandémie mondiale contient des chansons percutantes qui reflètent une forme particulière de cynisme prévalant en Afrique. Le rêve différé, la perte d'espoir sous le poids écrasant d'un État de plus en plus défaillant. Stogie T a déjà parlé de cet état, mais cette fois-ci, il se penche sur les effets qu'il a sur ses habitants. Ce qu'il advient de la pensée des gens, de leurs dysfonctionnements et de leurs pathologies.Stogie T (alias Tumi Molekane) est sur la voie de l'autoréflexion, de l'introspection, de l'évolution et de la restitution, tout en jouant la carte du progrès. Il s'interroge sur les valeurs et les règles qui régissent notre vie, sur les raisons de désespérer ou d'espérer d'un pays entouré d'un pillage flagrant, sur les raisons d'être cynique et sur les raisons de croire et de se soucier des autres.Les chansons de cet EP ont été conçues et enregistrées pendant Covid et entre les moments d'anxiété intense dus au dysfonctionnement et au désordre sociétal, à la perte d'amis proches et de membres de la famille, et à la disparition tragique de ses pairs. En tant qu'artiste cherchant à trouver une voix dans le désordre et à s'élever au-dessus du bruit de la machine médiatique mondiale, Stogie T a trouvé du réconfort dans la tragédie et le traumatisme. Offrant un contrepoint à l'air du temps par le biais d'une poésie artistique nous rappelant, ainsi qu'à lui-même, qu'en tant qu'artiste, c'est son travail qui apporte de l'espoir pour l'avenir, mais qu'il doit faire preuve d'un grand discernement, d'espoir pour l'avenir, mais qu'il doit rester fidèle à lui-même, à sa famille et à sa communauté.Titres interprétés grand studio- Shallow Live RFI- Zimkile feat Msaki, extrait album- Too Late For Mama Live RFI.Line Up : Tumi Molekane (voix), Shane Cooper (basse), Bonj (voix), Bokani Dyer (claviers, voix), Clem Carr (claviers)et Justin Badenhorst (batterie).Traduction : Enora LouisSon : Benoît Letirant, Mathias Taylor.► EP Shallow (Sakifo Rd 2024).Facebook - Youtube. Puis la #SessionLive invite Lo'Jo pour la sortie de l'album Feuilles Mauves. De leur Anjou natal à tous les continents, des instruments traditionnels au rock, Lo'Jo a toujours su passer de la feuille blanche à la poésie. La lumière et les mots de Feuilles Fauves magnifient une nouvelle fois l'insaisissable. Car si nous sommes Peu de choses, écrit Denis Péan, heureusement, « on peut faire chavirer le cœur le plus fané sur le tempo du chamamé ». Il y a de ces groupes qui ne sont enchaînés nulle part si ce n'est aux instruments du monde ou aux feuilles de papier. Sans chaîne ni code ni dogme, Lo'Jo sera toujours ces explorateurs de la musique, ces chercheurs des mots. Le collectif Lo'Jo continue avec Feuilles Fauves à puiser dans ce qu'il sait faire de mieux : ne rien se refuser. Pourquoi ne pas mêler le kamele n'goni, instrument acoustique malien au violon, pourquoi ne pas faire fusionner le piano au kayamn, sur toile d'électro, pour donner à ce disque, aussi, les couleurs des Mascareignes ?Chaque disque est une réinvention : Feuilles Fauves n'y fait pas exception. Par ses traditions musicales absorbées lors de leurs innombrables voyages, comme par ses collaborations prestigieuses : de Robert Wyatt à Tony Allen, Robert Plant, Tinariwen, Erik Truffaz, ou encore Archie Shepp... l'utopie Lo'Jo a « le pouvoir d'hypnotiser et de ravir à chaque morceau » (Billboard).Des feuilles de l'automne aux feuilles de papier Le titre Mandiego, qui ouvre ce nouvel album, aux notes de piano douces et enveloppantes, est une invitation bienveillante au nouveau voyage que nous offre Lo'Jo. Car « l'Homme est bien peu de choses mon ami. Si le soir il est hasard, le matin il est destin », écrit Denis Péan. Feuilles Fauves est brut, comme primitif et sauvage. Aidé par la réalisation de Clément Petit (entendu aux côtés de Piers Faccini ou Blick Bassy) et Alexandre Finkin, les voix pénètrent l'esprit, les instruments du monde régalent le corps avec une intensité vivante et organique. Parce que malgré le chaos du monde, Lo'Jo nous invite avec Feuilles Fauves à un périple solaire : grâce à cette langue inventée, au créole comme aux sons du monde et d'ailleurs. Grâce aux textes sensibles, parfois espiègles ou envoûtants. Grâce à l'étincelle de Jupiter & Okwess sur deux titres, à la malice de Mélissa Laveaux dans Julie, non plus en chanteuse mais en lectrice pétillante.Feuilles Fauves nous emmène danser des Valses Étranges, s'attarde sur notre vanité, interroge sur Le temps (avec René Lacaille), « le thème favori des poètes » admet Denis Péan. Celui qui s'étend et qu'on pourra donc toujours écrire. En écoutant Aswar (« ce soir » en créole maison), on s'anime en terres argentines sur le tempo du chamamé, un genre musical traditionnel de la province de Corrientes. Grâce à Brother Barrett, on découvre la communauté rasta du Pinnacle, en Jamaïque. On apprend avec eux, leur humour et leur finesse d'esprit aussi à exprimer La Kolèr, dont les mélodies entêtantes prennent des allures chamaniques. Titres interprétés grand studio- La Kolèr Live RFI- Aswar, extrait de l'album - Joséphine Live RFI. Line Up : Denis Péan (chant, harmonium), Yamina Nid El Mourid (chant percussions), Nadia Nid El Mourid (chant percussions), Richard Bourreau (violon) et Alex Cochennec (basse).Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.► Album Feuilles Mauves (Yotanka Rd 2024).YouTube - Site.(Rediffusion du 17 novembre 2024).

Le duo Aïta Mon Amour revisite le chant rural de la Aïta marocaine. Aïta Mon Amour au Cabaret Sauvage + Justin Adams & Mauro Durante au 360 Paris Music FactoryWidad Mjama, pionnière du rap marocain et diplômée du Conservatoire de Casablanca (danse et art dramatique) est passionnée par les traditions orales ancestrales. Khalil Epi, multi-instrumentiste tunisien, fusionne musique classique arabe, jazz et sonorités mondiales (N3rdistan, Frigya, Dhamma, Seydou Boro, Deena Abdelwahed, arabstazy),Ce projet est le fruit de leur fascination pour la Aïta, un genre musical incarné par les Chikhates, ces femmes chanteuses et gardiennes d'une pratique vieille de plusieurs siècles. Ce projet mêlant électronique et tradition nous transporte dans un voyage envoûtant à travers la culture marocaine.En néo chikhate, Widad nous confie « La Aïta, c'est la poésie rurale. Le rap est une expression urbaine, et je me retrouve dans ces deux styles, car je fais partie de la première génération à être née en ville, toute ma famille vient de la campagne. Mes racines sont paysannes et mes fleurs sont citadines ».Extraits du concert du 23 janvier au Cabaret Sauvage (Mixage Benoît le Tirant, Mastering Mathias Taylor)L'wed L'wed, Kebet El Khayl et Heda Wiyet►  Album Abda (Shouka Rd 2025)Bandcamp / Instagram / YouTube Puis, nous nous rendons au 360 Music Factory où s'est tenu le Festival Au Fil des Voix, pour rencontrer Justin Adams qui présente le nouvel album Sweet Release en duo avec le violoniste et chanteur italien Mauro DuranteQuand Justin Adams, guitar hero et compagnon de route de Robert Plant, rencontre Mauro Durante, visionnaire héritier de la Taranta de sa région natale, les Pouilles, l'alchimie est immédiate. Le premier est habité par une approche post punk qu'il adoucit au contact du groove nord-africain en produisant des albums iconiques pour Tinariwen ou Rachid Taha. Le second, violoniste et percussionniste à l'énergie débridée, parcourt le monde avec le virtuose Ludovico Einaudi, partage la scène avec Ibrahim Maalouf, Goran Bregović ou Piers Faccini, puis reprend, après son père, la direction de l'ensemble perpétuant la taranta, cousine de la tarentelle napolitaine. Mais depuis cette rencontre musicale fortuite, et après Still Moving, un premier disque acclamé, ce projet, déroutant, tend à devenir une entité unique et fusionnelle qui elle-même se perpétue. Sweet Release, qu'ils présenteront pour la première fois au public parisien, en est la preuve. Entre vibrations ancestrales et esprit punk, ferveur du tamburello et riffs électriques, Justin et Mauro créent un son brut, dépouillé, qui émeut et envoute. Mauro étant grippé (se reposait pour assurer le concert du soir), nous avons parlé avec Justin Adams.Extraits du concert du 30 janvier au 360 Paris Music Factory (Mixage Camille Roch, Mastering Mathias Taylor)Djinn Pulse, Leuca et Cupa Cupa►  Album Sweet Release (Ponderosa Rd 2025)Facebook / YouTube (Rediffusion du 15 février 2025).

Pop liquide et folk et déclaration d'amour à Joni Mitchell. Le 1er groupe invité est Frànçois & The Atlas Mountains pour la sortie de Âge Fleuve Liquide, voilà comment on pourrait traduire l'odyssée musicale de Frànçois & the Atlas Mountains (F&AM). Il n'y a qu'à jeter un œil à son parcours de vie. Ayant grandi à Saintes sur les rives de la Charente, Frànçois a traversé la Manche pour poser ses valises au Royaume-Uni en 2003, dans la ville portuaire de Bristol. Assistant de français au départ, il finit par glisser vers la scène musicale indépendante qui fera office de laboratoire artistique et émotionnel pour le jeune homme. Une puissante inspiration créatrice : dessin, cinéma d'animation, musique... « Tu te pointais dans des lieux, tu prenais une guitare, un instrument de fortune, un instrument que tu as acheté à la brocante, et tu faisais une espèce d'arte povera de la pop », raconte le musicien à propos de ses années Bristol.Fragilité, pudeur, délicatesse… Une voix qui rappelle aussi d'illustres contemporains, de Devendra Banhart à Vincent Gallo dont les inflexions vocales ressurgissent parfois derrière le timbre si singulier du français. Comme dans Fleuve des âges, morceau presque éponyme de son dernier album Âge fleuve. Un disque souriant et feutré, dernière mouture de la maison InFiné et sixième album studio de F&AM, ce disque souriant et feutré n'a rien à envier aux précédents. Pêle-mêle, Malik Djoudi et sa pop envoûtante, Thomas de Pourquery, le jazzman que tout le monde s'arrache, et la Britannique folk Rozi Plain sont venus prêter main-forte à F&AM. Trois collaborations délicieuses qui se marient à merveille avec les 10 titres qui composent l'album. Mais ce n'est pas tout… L'album s'est construit durant quatre longues années, marquées par la pandémie, où il aura reformé son groupe et navigué entre deux labels, Domino d'abord, avant de se tourner vers InFiné. Puis le décès de son père viendra tout bouleverser et redémarrer la machine désirante du souvenir, qu'il traduit à sa manière : « Depuis que j'ai perdu mon père pendant la pandémie, il y a cette question de l'origine qui s'est mise à ressurgir avec les souvenirs. » L'issue ? Âge Fleuve, donc.► Titres interprétés au grand studioPas lents dans la neige Live RFIAdorer, extrait de l'album  Le Fil Live RFILine Up : François Marry (chant guitare), Colin Russeil (batteur) et Laure Sanchez (bassiste)Son : Benoit Le Tirant + Camille Roch, Benoît Le Tirant► Album Age Fleuve (InFiné 2025) Bandcamp - YouTube - Site À lire aussiÀ lire sur RFI MusiquePuis, nous recevons Haïm Isaacs pour la sortie de Joni Mitchell in JerusalemCe sont les chansons de Joni Mitchell revisitées avec tendresse par Haïm Issacs.Né à new York, grandi à Jérusalem, il a découvert Joni Mitchell chez sa voisine de palier à 15 ans. Son frère dit qu'il est né ce jour-là. La nuit, il rêvait d'elle. Le jour, arpentant les collines de Jérusalem, de Jéricho à Bethléem, il a chanté ses chansons comme des songlines aborigènes. À Paris, il célèbre la chanteuse américaine en 4tet. Après 4 années de tournée, les musiciens sont rentrés en studio. Le fantasme de l'éternité, gravant la musique dans la pierre, est merveilleusement impitoyable. Joni Mitchell In Jerusalem est l'album qu'il aspirait à faire depuis 20 ans.► Titres interprétés au grand studio :Slouching Towards Bethlehem Live RFILittle Green, extrait de l'album Chelsea Morning Live RFILine Up - Jules Lefrançois (percussions et chœurs), Yann-Lou Bertrand (contrebasse et chœurs), Maurao Basilio (violoncelle, oud), Haim Isaacs (chant et ShrutiBox)Son : Benoît Le Tirant, Camille Roch► Album Joni Mitchell in Jerusalem (Haïm Isaacs/ L'Autre Distribution 2025)Site - VidéosRéalisation Hadrien Touraud

#SessionLive avec avec le groupe franco-burkinabé Kananayé et le percussionniste français Roscius pour la sortie No Fala B. Nos premiers invités sont le groupe Kananayé pour la sortie de l'album KananayéDans les rues du Burkina Faso, résonne à tout bout de champ « ka nana ye », qui signifie « c'est pas facile », tout en sous-entendant que ça va aller. Avec l'album Kananayé, dont le titre reprend cette philosophie populaire, ça ne peut qu'aller. Son multiculturalisme fondateur, ses paroles conscientes, ses traditions enchevêtrées et son ancrage contemporain sont même des propriétés indispensables par les temps qui courent, alors que l'optimisme est devenu une vertu de survie. C'est pas facile, mais ça va aller. À condition de s'en donner les moyens bien sûr, en enjambant les frontières quand d'autres veulent les fermer. Clotilde Rullaud, Abdoulaye Traore, Achille Nacoulma, Seydou Diabate et Boubacar Djiga, les auteurs de Kananayé, s'y emploient.Kananayé a été enregistré par Peter Soldan aux Dada Studios à Bruxelles, par Kaskade au Studio Hanou à Bobo-Dioulasso, puis mixé et masterisé à New York. Il est formé de sept compositions originales, en plus d'une reprise du traditionnel américain Sea Lion Woman que sublima Nina Simone. De la ballade à la transe, raffinées et lumineuses, ces chansons se projettent dans les musiques actuelles tout en étant profondément enracinées. Le projet tisse les fils de plusieurs traditions et tresse les pratiques rurales séculaires avec les tendances des grandes métropoles modernes. Tantôt vibrant, poignant ou festif, toujours solaire, l'album respire la joie que ses participants éprouvent de jouer ensemble. Mais le groupe est aussi foncièrement militant, puisque ses cinq membres proclament leur multiculturalisme et célèbrent la beauté des métissages. Ils revendiquent aussi la liberté des artistes du monde entier de se déplacer, de se rencontrer et de créer, à une époque où la délivrance des visas est entravée par des politiques nationalistes. Décidément, « ka nana ye » ! C'est pas facile, mais ça va aller.► Titres interprétés dans le grand studio Sea Lion Woman / Were Were Mousso Live RFI Garibou, extrait de l'album Faso de Nous Live RFILine Up :  Seydou 'Kanazoe' Diabate (balafon, percussions, voix), Clotilde Rullaud (voix, flûte), Abdoulaye 'Debademba' Traore (guitares), Boubacar Djiga (kunde, percussions) et Achille Nacoulma (batterie, percussions, voix)Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch►  Album Kananayé (TZIG'ART - Believe – Socadisc 2024)Bandcamp - YouTubePuis, nous recevons le percussionniste et compositeur Roscius, de son vrai nom William Serfass pour la sortie de No Fala BLe multi-instrumentiste William Serfass sort No Fala B sous le nom de Roscius (son nom quand il compose de la musique instrumentale). No Fala B c'est le titre d'une histoire d'amour. Un deuil s'ensuit souvent d'un coup de cœur, celui-ci, composé à coup de baguettes. Entre palindrome et anagramme, on peut comprendre « ne parlant pas le B » en mi-portugais-brésilien, mi-anglais. No Fala B comme miroir de BALAFON, cette percussion chromatique faite main au Burkina Faso à l'aide de « bois de sang » ou de « bois de cœur ». Instrument au centre de cette pièce musicale d'une heure, divisée en 13 morceaux instrumentaux, percussifs et cinématographiques. B, c'est donc la représentation de ce qui nous est étranger. On ne le comprend pas, on ne sait pas en jouer de manière traditionnelle, mais on en tombe quand même amoureux. On l'écoute, on se l'approprie. « No Fala », comme un coup de gueule, un coup de poing, c'est politiquement engagé, et avec B, on traverse les mondes, les genres, les styles, dans une acoustique vivante, on recherche, on expérimente, parfois, on trouve quelque chose, quelqu'un, c'est dur et fragile, comme la communication sans les mots. À moins que B soit en fait le prénom d'une personne… Dont on ne parle pas la langue…Après une décennie passée entre Londres et des tournées internationales, à collecter des percussions rares et faites à la main ; et ces derniers temps concentré sur la composition de musique de film, séries et documentaires, l'artiste percussionniste non conforme Roscius est de retour, avec un disque instrumental entièrement créé autour d'un balafon chromatique. Un voyage musical mélancolique d'abord, une mélodie tribale, qui invite à la méditation, au mouvement, à la danse, puis envolée rythmique et cinématographique, transcendante, instrumentale, percussive et inspirante.Titres joués : Burial, Grit, Stone Rose et Incelusive►  Album No Fala B (Nomadic Recordings 2025) Roscius - YouTube - BandcampRéalisation Hadrien Touraud

#SessionLive avec deux poètes de la chanson française : Mathieu Boogaerts pour Grand piano et Albin de la Simone pour Toi là-bas.  Notre premier invité est Mathieu Boogaerts pour la sortie de Grand Piano.Note d'intention par Mathieu Boogaerts :Mathieu Boogaerts, « Grand piano » ? C'est le titre de mon neuvième album, et c'est un oxymore : « Figure de style qui vise à rapprocher deux termes que leurs sens devraient éloigner ».« Grand » car je l'ai voulu ainsi : franc, épais, puissant, plus de matière, de volume que ses prédécesseurs... Plus âgé ? Une batterie, une basse électrique, une basse synthétique, une guitare électrique, une guitare acoustique, un synthétiseur, un saxophone, une flûte, un accordéon, un chœur, des percussions, un piano électrique et un piano droit : la gamme de couleurs qu'il m'a fallu pour dépeindre en détails les sentiments que je déploie dans mes douze nouvelles chansons.Mais « Piano », car toujours sur le ton de la confidence, léger, fragile, doux, nuancé.Comment ?J'ai écrit et composé ce répertoire entre septembre 2020 et mars 2023 dans de nombreux lieux dont Londres, Paris, Istanbul, Amsterdam, Budapest, Plaisians, Risoul et les Landes. Le disque a été enregistré « de manière classique » entre 2023 et 2024 à La Frette Studios en région parisienne. Comme pour chacun de mes disques, Renaud Letang a ensuite élaboré le mixage, puis le duo de graphistes M/M (Paris) a conçu la pochette : ici une nature morte illustrant la facture, le geste, l'intention poétique de l'album.Avant ?Né en 1970 à Fontenay-sous-Bois. J'ai sorti mon premier « Ondulé » de clip-vidéo en 1995, suivi de l'album Super. Depuis : huit albums studio, trois albums live, plus de mille concerts à travers le monde, des chansons pour Camélia Jordana, Luce, Zaz, Vanessa Paradis... D'innombrables collaborations. En 2023, en pleine fabrication du disque, j'ai donné vingt concerts à Paris lors desquels je tirai au sort les chansons de ma discographie.Après ?Joie : l'écriture et la réalisation des clips-vidéo des morceaux. Les interpréter sur scène accompagné par mon tout nouveau groupe...Le Grand piano ! Mon meilleur disque ? Oui !Titres interprétés dans le grand studioMa Jeunesse Live RFI Faut toujours écouter son corps, extrait de l'albumDans une case Live RFI Line Up : Mathieu Boogaerts, guitare voixSon : Camille Roch, Jérémie Besset► Album Grand Piano (Tôt ou Tard 2025)Site internet - YouTube - FacebookÀ lire aussiMathieu Boogaerts: «Grand piano», entre intimité et ambition musicalePuis, nous recevons Albin de la Simone pour la sortie de Toi là-bas (disque) et Mes Battements (livre avec dessins chez Actes Sud)► Teaser MdMLe Livre Mes battementsRome, 30 septembre 2024. Il est 11h du matin, partie à 4h30 chez moi, j'arrive à la Villa Médicis qui me fait le beau cadeau de m'inviter en courte résidence pour finir le livre que vous tenez entre les mains. Donc, à l'heure où j'écris ces lignes, ce n'est encore qu'un tas de dessins et de textes plus ou moins ordonnés. J'ai du pain sur la planche. Car un premier livre de ce type, comme un premier disque, est un peu constitué d'une vie entière, et quand on a 50 ans passés, il y a du tri à faire. À partir du deuxième, si on a bien fait son boulot dans le premier, on part d'une page blanche ou, au pire, d'une page beige. Nous verrons.L'album Toi là-basParis, le 1er décembre 2024. Après quelques saisons très denses, j'ai ressenti à l'automne dernier le besoin imparable de me retrouver seul. Du moins face à moi-même. Je suis parti m'enfermer à la Villa Médicis où j'ai terminé d'écrire et de dessiner mon premier livre (Mes battements, paru en mars 2025 chez Actes Sud), un voyage intérieur qui depuis des mois me baladait loin dans le passé, mon village, mon enfance, mon adolescence. Je me suis amusé à reprendre quelques chansons de mes débuts comme Je te manque, Avril 4000 ou Non merci (2005), et j'ai remarqué que je leur donnais quelque chose que je ne voyais pas à l'époque. Je les habitais d'une nouvelle façon. J'ai tiré le fil, et d'autres chansons comme J'aime lire (2008) et enfin Pourquoi on pleure (2017) sont sorties naturellement de la pelote. Alors j'ai eu envie de les enregistrer à nouveau, comme de les photographier dans leur nouveau costume. Je me suis laissé aller sans faire de plans, sans pression, juste pour le jeu de la réinterprétation, pour le plaisir. Beaucoup de plaisir, musical autant que vocal. Les chansons en sont sorties plus sereines et plus sensuelles aussi, je crois. Boîtes à rythmes et basses profondes, synthétiseurs en halos suaves autour de mes instruments acoustiques chéris, comme mon piano Una Corda, et aussi cette incroyable Fender VI chère à The Cure ou Richard Hawley, une guitare électrique des années 60 accordée une octave plus grave, dont le son me retourne (écoutez le solo dans La valse des lilas). J'ai invité Alice on the Roof – avec qui je travaille pour son prochain album et que j'adore – à partager Pourquoi on pleure. Alice a accepté. La chanson en duo a pris un sens nouveau.Je pensais faire un petit EP à sortir à l'occasion de la parution du livre, mais comme je fouillais dans le rétroviseur depuis des mois, j'ai croisé quelques autres chansons importantes dans ma vie. La très souchonesque C'est bien moi que j'ai chantée l'an passé en hommage à Françoise Hardy avec Sage. La sublime Valse des lilas de Michel Legrand dont j'ai tant aimé la version américaine Once Upon a Summertime par Blossom Dearie ou Miles Davis. Et le temps s'arrêtait, d'Adamo, que nous avions arrangée avec Julien Chirol et Renaud Létang en 2003 pour le grand Salvatore lui-même. Et surtout, Ma gueule, lourdeur de Johnny qui me renvoyait au pire de la préadolescence brutale et masculiniste, jusqu'à ce que je découvre en la chantant qu'elle pouvait m'aller comme un gant et m'émouvoir même. Puisque mon livre et mon disque sortent en même temps, puisque leurs visuels et leurs thématiques sont cousins, j'ai quand même eu envie d'écrire une chanson nouvelle pour faire le pont entre les deux. En laissant errer mon regard dans les arbres de la Villa Médicis, j'ai revu Laurence, Natalia, Maud, Sidonie, Ouria… premières amoureuses qui ne m'ont pas connu. Que j'ai aimées, follement, mais de loin. Que j'ai regardées, sans relâche, dont j'ai étudié les gestes, les habitudes, les vêtements, ne détournant le regard que si je sentais le leur se tourner vers moi. J'avais trop peur. Peur de quoi. J'ai aussi entendu dans les arbres les échos de Charlotte Sometimes des Cure, sur laquelle je pleurais ces amours à distance. Trois jours plus tard, j'ai terminé la première maquette de Toi là-bas. Ça n'est donc pas un EP, mais bien un album. Mon huitième.Post-scriptum : Je ne résiste pas à repartir sur la route pour promener mes chansons et mon livre. Cette fois, je serai seul sur scène. Je chanterai et jouerai, je parlerai un peu, mais aussi je dessinerai. À moins d'un miracle anatomique, il est peu probable que je parvienne à faire tout cela en même temps.Titres interprétés dans le grand studioPourquoi on pleure Live RFI Toi là-bas, extrait de l'albumQuoi ma gueule Live RFI Line Up : Albin de la Simone, piano, voixSon : Benoît Letirant, Mathias Taylor, Camille Roch► Album Toi là-bas (Tôt ou Tard)Site internet - YouTube - FacebookRéalisation : Hadrien Touraud

Dominante reggaeton : shatta et frafra pour Sophian et retour aux sources turques pour Selman. L'émission ouvre avec la playlist mensuelle de Sophian Fanen. Blaiz Fayah, Maureen et DJ Glad, « Money Pull Up », tiré de l'album Shatta Ting (Creepy Music, 2025) Florence Adooni, « Mam pe'ela su'ure », tiré de l'album A.O.E.I.U (Philophon, 2025) Greentea Peng, « One Foot », tiré de l'album Tell Dem it's Sunny (Greentea Peng/Awal, 2025) Verito Asprilla, « Yop soy quien la rompe » (single, Llorona Records, 2025) Gal Costa, « O dengo que a nega tem », tiré du deux-titres Compacto de 1972 (Universal Music, 2025)Puis, nous recevons Selman Faris pour l'album Kaplan, voyage vers l'Est.Après un premier EP (Neva) salué pour son groove méditerranéen singulier, le producteur et multi-instrumentiste Selman Faris présente un premier album pensé comme un grand voyage musical inspiré par l'Asie, de la Turquie au Japon, entre héritage et modernité. Le fils du flûtiste turc Kudsi Erguner, collaborateur de Nekfeu, Alpha Wann, Laylow ou encore dernièrement Aya Nakamura, Selman s'est imposé comme un compositeur et musicien incontournable de la scène française. Avec Kaplan, voyage vers l'Est  (« Kaplan » signifiant « tigre » en turc), il élargit son horizon et tisse un récit sonore où les instruments traditionnels croisent des textures jazz, ambient et funk. Une œuvre ambitieuse, à l'image du tigre dont il suit les traces.Titres diffusés extraits de l'album : « Ubud », « Ispahan », « Sehir Uzakta » et « Moshi Moshi ».►  Album Kaplan, voyage vers l'Est (Kiraz/Roche Musique)YouTube - Instagram

La funk disco créole de Setenta face à la tarentelle arrangée punk rock de Maria Mazzotta. Nos premiers invités sont les Parisiens de Setenta, pour la sortie du 6ème album Apollo Solar Drive.Le groupe parisien Setenta approche de la célébration de son 20è anniversaire avec la sortie d'un sixième album, Apollo Solar Drive. Cet opus s'annonce comme le meilleur du groupe et correspond à la nouvelle étape d'une odyssée de découvertes artistiques. Setenta a toujours cherché l'illumination positive au fil des années, tout en explorant le côté sombre de la condition humaine. Comme le décrit le groupe, cet album est un hommage afro-latin rétro-futuriste au soleil. Si leur précédent album, Materia Negra, avait propulsé l'équipage du vaisseau Setenta à la découverte d'une matière noire aux aspects multiples, ils changent maintenant de cap et approchent vaillamment du soleil à pleine vitesse, nous emmenant de l'obscurité vers la lumière. Miraculeusement, Setenta parvient à embarquer à bord le matériel rythmique et harmonique qu'ils ont exploré sur Terre, tout en osant aller là où personne ne s'est encore rendu, se lançant le défi de pousser leur musique, et leur public, vers des dimensions inexplorées et de nouveaux horizons d'existence. En harmonie avec les thèmes de Materia Negra, sélectionné par FIP en 2020, la sixième mission de Setenta pour explorer « l'au-delà » de « l'espace intérieur » porte judicieusement le nom d'Apollo Solar Drive, soulignant l'orientation du groupe vers la lumière vivifiante du soleil pour s'inspirer, tout en faisant un clin d'œil au chef-d'œuvre de latin funk et de critique sociale d'Eddie Palmieri, Harlem River Drive. L'ambiance générale est chaleureuse et positive, propulsée par l'énergie décuplée de rythmes funk intenses et d'arrangements étonnamment complexes, tout en restant d'une fluidité délectable, à l'image de votre cocktail tropical préféré ou d'un album classique de fusion jazz dance des années 1970. Bien sûr, cette délicieuse mixture est servie avec une touche spéciale propre à Setenta.Cette fois-ci, Apollo Solar Drive célèbre la trajectoire unique du voyage interstellaire du groupe en adoptant un angle résolument jazzy et « funkadelic » dans leur musique afro-latine tant aimée. Les membres de Setenta expriment leur vérité en tant que collectif, avec un accent mis sur les sections instrumentales, se concentrant sur l'entrelacement de multiples claviers et guitares, tout en réduisant cette fois-ci les voix à des chœurs de groupe, à la différence des voix solo du passé. L'approche globale est plus futuriste dans sa conception et sa réalisation, des arrangements à l'ingénierie sonore, bien que la base rythmique reste ancrée dans les traditions afro-cubaines ainsi que celles d'autres nations caribéennes.Titres joués dans le grand studio- Ecuajey Live RFI- Cd Sa Ki Taw, extrait album- Apollo Solar Drive Live RFI.Line up : Virgile Raffaëlli (basse), Octave Ducasse (batterie), Laurent Guillet (guitare, voix), Alexis Nercessian (claviers), Tchoubine Colin (timbales, voix), Fabien Hily (congas, voix), Osman Jr (percussions, voix). ► Album Apollo Solar Drive (Latin Big Note 2025).Son : Jérémie Besset, Benoît Letirant, Mathias Taylor.RFI Vidéos : Romain Ferré, Dominique Fiant, Cyrille Etienne.Lien Youtube avec 3 titres : Ecuajey, Liberame et Apollo Solar Drive  par RFI VidéosYouTube Setenta & Site Instagram SetentaFacebook Setenta.Concert Paris : 27 mai 2025 au New Morning.  Puis nous recevons Maria Mazzotta pour la sortie de Onde.L'interprétation viscérale de Maria Mazzotta rencontre les sons électriques du Post-Rock, créant ainsi un mélange original et profond. Le titre du nouvel album est Onde (Vagues), un album dans lequel Maria Mazzotta a choisi pour la première fois en vingt ans de carrière d'exprimer la force franche et vitale de la tradition paysanne à travers des instruments contemporains. Depuis 2020, année de la publication de son premier album solo Amoreamaro, elle a parcouru des milliers de kilomètres, plus de 200 concerts dans plus de 25 pays à travers l'Europe, l'Amérique latine et l'Asie. Onde est le fruit des rencontres et des influences et des réflexions sur la société moderne. La chanson La Fortuna («La chance») ouvre l'album et c'est celle où le trio de Maria Mazzotta affirme son son et son message. Un arrangement imprégné de Rock Psychédélique a été créé pour cette chanson folklorique de la tradition salentine, évoquant la sensation des vagues qui roulent et gagnent en force jusqu'à ce qu'une tempête en mer éclate. L'invitation au partage est toujours au cœur de Sula nu puei stare («Tu ne peux pas être seul»), avec la participation du premier de deux invités internationaux : Bombino, un guitariste et auteur-compositeur exceptionnel du Niger. Et le compositeur et trompettiste allemand Volker Goetze.Titres joués dans le grand studio- Navigar Non Posso Live RFI- Canto E Sogno (Feat. Volker Goetz), extrait de l'album- Sula Nu Puei Stare (Feat. Bombino) Live RFI.  Line Up : Maria Mazzotta (voix et percussions), Ernesto Nobili (guitare électrique baryton), Cristiano Della Monica (percussions).Son : Benoît Le Tirant, Camille Roch.► Album Onde (Zero Nove Nove / InOuïe Dist. 2025).Site - YouTube - Bandcamp. Réalisation : Hadrien Touraud.

Ballaké Sissoko et Piers Faccini en concert à la Philharmonie de Paris pour la sortie de l'album Our Calling. 19 mars 2025, Ballaké Sissoko et Piers Faccini présentent leur album Our Calling. RFI était là, morceaux choisis enregistrés par RFI Labo (sur le site rfi.fr) et entretien en loge.Deux décennies après leur toute première collaboration, le chanteur-songwriter italo-britannique Piers Faccini et le virtuose malien de la kora, Ballaké Sissoko, reviennent avec un album enchanteur : Our Calling. Cet album offre un dialogue captivant entre un instrumentiste au sommet de son art et un auteur-compositeur orfèvre des mots. Ensemble, ils créent de nouvelles formes de chansons avec une délicatesse qui relie les continents et joue avec les traditions. Les graines de Our Calling ont été semées lorsque Ballaké Sissoko et Piers Faccini se sont croisés pour la première fois au sein de Label Bleu au début des années 2000, initiant une amitié au long cours et profonde.Au fil des années, ils ont exploré ensemble de nouvelles passerelles entre les traditions mandingues et les formes de chanson folk britanniques et méditerranéennes. Sissoko avait d'ailleurs participé au deuxième album solo de Faccini, Tearing Sky, en 2005. En 2020, leur dialogue a trouvé un nouveau souffle grâce au label Nø Førmat!, lorsque Ballaké a invité Piers à chanter «Kadidja» en bambara sur son album Djourou. Plus tard, leur collaboration sur la chanson «The Fire Inside» a ravivé leur vision commune, et leur a donné l'envie de signer ce tout premier album en duo – enregistré par Frédéric Soulard (déjà présent sur le dernier album de Piers Faccini Shapes of the Fall) et réunissant une distribution exceptionnelle de musiciens invités, Vincent Segal (violoncelle), Badjé Tounkara (ngoni) et Malik Ziad (guembri). À travers dix morceaux finement ciselés, Our Calling est une ode sonore et narrative à la migration sous toutes ses formes : qu'elle soit végétale, telle une graine emportée par le vent, incarnée par des oiseaux, comme le rossignol migrant entre l'Afrique de l'Ouest et l'Europe au fil des saisons, ou humaine, à travers les siècles et les routes commerciales qui ont favorisé le partage des modes musicaux et des rythmes. Le dialogue entièrement acoustique des deux amis a été enregistré à Paris, côte à côte et en direct, en seulement cinq jours. Si l'album tire son originalité de sa profonde essence malienne, il est aussi subtilement imprégné de l'esprit propre à la chanson folk.Our Calling est ainsi presque exclusivement chanté en anglais, à une seule exception : Ninna Ninna, un morceau traditionnel du sud de l'Italie, qui rappelle les racines de Piers Faccini et montre une fois encore comment le duo sait rassembler différentes traditions musicales, sans qu'aucune ne prenne jamais l'ascendant sur les autres. C'est là sans doute le fruit de vingt ans d'amitié et de jeu : les chansons du duo créent une alchimie musicale qui unit et fusionne, tout en gardant les deux voix distinctes et les traditions intactes, suffisamment entières pour pouvoir dialoguer librement. De nombreux moments de l'album en témoignent, comme Shadows Are qui commence par un solo de kora envoûtant, joué dans un mode traditionnel mandingue, avant de se transformer miraculeusement en une chanson rappelant presque un standard de jazz, de ceux que chantait Chet Baker. Mais ces chansons, tout en rendant hommage à une époque ancienne de la musique et du chant, appartiennent fermement au XXIè siècle. La nature de ce dialogue constitue son originalité même : à aucun moment la kora ne se plie ni ne s'adapte pour trouver une place dans une forme de chanson occidentale, comme cela a souvent été le cas lors de l'âge d'or des fusions musicales dans les années 90 et 2000. Dès le début, la promesse du duo était claire : ici, la langue musicale devait commencer et se terminer avec les traditions et les modes mandingues. Les chansons, bien que chantées en anglais, suivent cette ligne directrice. Les mélodies, construites et articulées selon des structures mandingues, en sont la preuve. Les grooves ternaires de North and South ou Mournful Moon reflètent l'intense recherche et exploration des deux artistes au fil des années. Et c'est peut-être la chanson If nothing is real qui évoque le mieux ce dialogue originel : un morceau qui trouve un chez-soi à la fois en Afrique et en Europe, et qui est aussi un hommage au rossignol (Sorofé kono en bambara), l'oiseau qui a inspiré les deux vieux amis et les a incités à enregistrer leur propre musique, leur propre appel.Extraits choisis du concert (prise de son / mix : Mathias Taylor, Benoît Le Tirant (RFI Labo) :Nanni Nanna, Borne on the Wind, Mournful Moon, Nothing is Real, Kadidja.Un public attentif et de qualité pour applaudir ces deux magiciens.

Des roucoulades électriques italiennes (et espagnoles) à la transe malgache, sans transition ! (Rediffusion) Sophian Fanen propose sa sélection mensuelle de cinq nouveautés. En janvier 2025, les nommés sont :- Andrea Laszlo De Simone, Un momento migliore (Hamburger Records, 2024)- Soleá Morente, No temas nada (feat. Kiki Morente), tiré de l'album Mar en calma (Discos Probeticos, 2024)- Mauricio Flores, No Funcionó (Palm Street Music, 2024)- Ornella Vanoni, Sant'allegria (feat. Mahmood), tiré de l'album Diverse (BMG, 2024)- Empress of, Someone I Know, tiré de l'album Like Someone I Know : a Celebration of Margo Guryan (Sub Pop Records, 2024).Puis, nous recevons Loya dans la #Sessionlive pour la sortie de Blakaz AntandroyBlakaz Antandroy est un album innovant créé par Loya en collaboration avec la famille Remanindry, composée du père Remanindry et de ses enfants, Samba, Nindry, Isabelle et Adeline. Issus du peuple Antandroy, une communauté chamanique du sud de Madagascar, ces artistes utilisent leurs chants et instruments traditionnels pour invoquer les esprits « Kukulamp » et ainsi soigner les villageois, éloignés de toute médecine moderne. L'origine de ce projet unique remonte à une commande du Musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui demandait à Loya de concevoir un concert pour accompagner une exposition dédiée à Madagascar, en s'inspirant des archives sonores du musée. C'est ainsi que Loya découvre la musique de Remanindry et en tombe sous le charme. En 2019, il se rend à Tuléar pour rencontrer ce musicien en personne, donnant lieu à une rencontre musicale d'une rare intensité. De cette alchimie est née l'idée de collaborer sur Blakaz Antandroy, un projet ambitieux qui marie la musique chamanique Antandroy à l'univers de la musique électronique.Remanindry, comme Loya, est né dans l'océan Indien. Tous les deux grandissent en fréquentant des cérémonies faisant appel aux esprits. Les sons, les odeurs et les couleurs intenses lors des cérémonies spirituelles imprègnent profondément tous leurs sens. Loya arrive en Europe et s'initie aux instruments électroniques qu'il va maîtriser plus tard. Remanindry commence son apprentissage de la musique Antandroy sous la direction éclairée de sa belle-mère, elle-même percussionniste et chanteuse dans les cérémonies. Ancien lutteur, il découvre sa voix puissante qui résonne dans sa carrure imposante. Il apprend le lokanga (violon malgache) et intègre tout le répertoire de sa famille. Il pratique les cérémonies dans tout le sud de Madagascar et décide d'habiter à Tuléar lorsque sa famille s'agrandit. Il fait la rencontre d'autres musiciens malgaches, notamment Régis Gizavo qui découvre tout son talent exceptionnel. Il a été aussi membre du groupe Ny Malegasy Orkestra qui a porté l'étendard de la chanson malgache à l'international. De son côté, Loya commence son apprentissage en devenant ingénieur informaticien. Il apprend à maîtriser les machines et en parallèle entame un parcours d'apprentissage dans les musiques classiques et le jazz. Autodidacte dans les musiques électroniques, il développe son propre processus pour retranscrire les musiques traditionnelles de l'océan Indien sur ses machines.Titres interprétés au grand studio- Koulé Live RFI- Be Sadia + Tokalava + Zilikala Ekarety, extraits de l'album- Kukulamp Live RFI.Line Up : Sébatien Lejeune alias Loya (machines).Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor et Camille Roch.► Album Blakaz Antandroy (LZ Records 2024).Site internet - YouTube - Facebook

Quatrième Pyramide d'Égypte ou 7è colonne du temple romain de Jupiter à Baalbek : l'Égyptienne Oum Kalsoum et la Libanaise Fayrouz nourrissent toujours l'inconscient collectif arabe. Et la littérature. (Rediffusion) Avec Ysabel Saiah Baudis et Marjorie Bertin qui ont écrit respectivement sur Oum Kalsoum et Fayrouz.Notre 1ère invitée est la journaliste Marjorie Bertin (qui travaille à RFI) pour la parution de « Fayrouz, Moi je chante l'humanité », aux éditions Orients.Elle est considérée comme la dernière légende vivante du monde arabe. « Ambassadrice du Liban à travers le monde », Fayrouz a enregistré plus de 800 chansons, sorti une cinquantaine d'albums et joué dans une vingtaine de films et de comédies musicales. Celle qui refusa de quitter son pays pendant la guerre civile libanaise incarne plus qu'aucune autre chanteuse un symbole de paix et d'espoir. Pourtant, on en sait peu sur elle, épouse d'Assi Rahbani, qui avec son frère Mansour révolutionna la musique libanaise du XXème siècle. Son fils Ziad, artiste engagé et enfant prodige de la scène libanaise, assurera le tournant jazz de la carrière de sa mère à partir de la fin des années 1970.Comment Fayrouz est-elle devenue la dernière icône révérée dans tout le monde arabe ? Pour la première fois, un livre en français retrace l'histoire de cette chanteuse légendaire. Titres joués :Atini el nay wa ghani (Donne-moi la flûte et chante) d'après Khalil GibranAbbaytak belsaif (Je t'ai aimé l'été)Kifak inta (qui marque le tournant de sa musique avec son fils Ziad)Li Beyrouth (concerto d'Aranjuez et magnifique poème sur la ville, sorti pendant la guerre).► Culture Prime Fayrouz► « Fayrouz, Moi je chante l'humanité » chez Orients   Puis nous recevons la journaliste et éditrice Ysabel Saiah Baudis, qui réédite « Oum Kalsoum, l'étoile de l'Orient » « Elle est toujours vivante ! », confie Ysabel Saïah Baudis. C'est la nature des génies, car cela fait  50 ans que la diva égyptienne est décédée (3 février 1975) et pourtant, on l'entend, on la voit, elle tagguée, reprise, commentée. Sa vie est digne des plus beaux contes orientaux : née pauvre, paysanne, fille d'un religieux, elle possède un don qu'elle cultivera grâce à sa farouche détermination. La chance aidant, elle rencontrera les plus grands poètes et musiciens qui l'accompagneront dans son ascension. Adulée de son vivant par le président de l'Égypte aussi bien que par l'homme du peuple, elle accompagnera toutes les luttes de liberté, d'instruction, d'ouverture et de progrès techniques du XXème siècle. Elle reste la Voix qui guide et réunit tout le monde arabe.À l'occasion des 50 ans de sa disparition, la Philharmonie de Paris propose une semaine spéciale avec concert hommage le 2 février.Extraits joués : Al Atlal, Weddad, 1ère comédie musicale de la diva.► Philharmonie de Paris du 30 janvier au 2 février ► IMA ► Olympia Paris 1967 ► Orients Éditions ► Culture Prime Oum.

L'invitée de la #SessionLive est l'artiste mauricienne Lisa Ducasse pour la sortie de l'album Iléisme. Teaser RFIL'iléisme, c'est d'abord, dans sa définition, l'acte de parler de soi à la troisième personne. Par extension, c'est tout acte de création qui pourrait être vu comme une forme d'iléisme, comme une fenêtre qu'on ouvrirait toujours dans le même sens : de soi vers le monde. Dans le motet dans ce qu'il referme de sons, il y a aussi la langue qui glisse, pour dire « île et isthme», l'île et la presqu'île. Et c'est bien en termes d'îlots, issus et faisant chacun partie d'une géographie, d'une cartographie imaginaires – celle des voyages, réels et rêvés, celle des échappées belles – que Lisa Ducasse a pensé les morceaux de ce premier album, aux côtés de Bénédicte Schmitt à la réalisation, avec Raphaël Séguinier à la batterie et aux percussions, Nicolas Mantoux aux synthés et guitares, Christelle Lassort au violon et Eve Risser au piano préparé.Seule en scène, clavier et platine vinyle au bout des doigts, Lisa Ducasse invite au voyage de ses textes et sa voix. Née à l'Ile Maurice et actuellement installée à Paris, elle conserve et cultive un attachement farouche à l'enfance et à la capacité d'émerveillement dans sa vie adulte et créative. Inspirées d'échappées réelles, ses chansons font preuve d'une volonté́ de dire la rencontre du vulnérable et de l'indomptable, en notes et en mots déliés, personnels et actuels. Après des années de performance de spoken word, et un recueil de poésie édité en 2017, Lisa sort un premier single remarqué aux côtés de Guillaume Poncelet, « Qui sont » (270k écoutes sur Spotify). Depuis, elle a été lauréate du dispositif Variations, du Chantier des Francofolies, #FoRTE et du FAIR. Elle multiplie les premières parties dans des salles parisiennes telles que l'Olympia avec Zazie, le Casino de Paris avec Alain Souchon, tout en parcourant la France aux côtés d'artistes tels que Pomme, Arthur H, Barbara Pravi, ou encore Bertrand Belin, et le monde en festivals (Fête de l'Humanité, Francofolies de La Rochelle, de Montréal, de La Réunion)... Après plusieurs singles, de nombreux voyages entre l'Amérique du Sud et Paris, et plus d'une centaine de concerts, son premier album, Iléisme, enregistré aux légendaires Labomatic Studios, a vu le jour en janvier 2025.Titres interprétés dans le grand studio- L'Essor Live RFI- Sahara, extrait de l'album - Partie Pour poème- Voleuse d'éclairs Live RFI.Line Up : Lisa Ducasse, chant, Jules Monnier, machines.Son : Mathias Taylor, Camille Roch.► Album Iléisme (Rising Bird 2025).Maison de la Poésie 2 avril COMPLET, 26 mai.+ Piers Faccini et Ballaké Sissoko.Walid Ben SelimAnthony JosephFacebook - YouTube. Réalisation : Hadrien Touraud.

Un trio entre l'Iran, la Palestine et la France + un pianiste américain qui déménage Bach sur le continent africain = MdM ! Nos premières invitées sont Sogol Mirzaei, Marie-Suzanne de Loye et Christine Zayed pour la sortie de Les Vents Brûlants. Chakâm (qui se prononce Tchakâm), c'est trois musiciennes qui dévoilent un langage où les cordes dialoguent, s'affrontent et se retrouvent en un souffle puissant ou apaisé, lorsque le chant s'élève.Chakâm, du nom d'une ancienne forme poétique persane, mêle l'éclat du târ de Sogol Mirzaei (Iran) au qanun soyeux de Christine Zayed (Palestine) portés par la profonde viole de gambe de Marie-Suzanne de Loye (France). Ces trois musiciennes dévoilent un langage où les cordes dialoguent, s'affrontent et se retrouvent dans un souffle puissant ou, au contraire, apaisé lorsque le chant s'élève. Bâti selon les codes du radif et du maqam où les passages rythmiques répondent aux tirades mélodieuses, l'ensemble Chakâm donne à entendre des compositions et improvisations personnelles et modernes, à la croisée des parcours : nostalgie des terres quittées trop tôt, déracinement et idéalisation d'un ailleurs qui s'efface au fil du temps, mais aussi vitalité incessante de l'expérience, de la découverte et du renouveau.Titres interprétés au grand studio - Chameau ivre Live RFI- Najma, extrait de Cd- Olive Live RFI.Line Up : Sogol Mirzaei, târ, Marie-Suzanne de Loye, viole de Gambe, Christine Zayed, qanoun, chant.Son : Benoît Le Tirant, Camille Roch, Mathias Taylor.► Album Les Vents Brûlants (Chakâm/Inouïe Dist. 2025).YouTube -  Facebook.Concerts (du 27 au 30 mars à la 15ème édition du festival Détours de Babel à Grenoble) + 2 avril 2025 Le Consulat, Paris. Puis nous recevons Joaquim Horsley pour la sortie de l'album Afro Bach.Avec «Afro Bach», le pianiste américain Joachim Horsley sort le 3ème volet de sa trilogie «Via Havana» dans laquelle il réimagine la musique classique sur des rythmes africains et caribéens !Le pianiste américain Joachim Horsley, qui s'est fait connaitre sur le web en 2016 avec son phénoménal Beethoven in Havana, un arrangement de la 7è Symphonie de Beethoven dans un style cubain, est de retour avec Afro Bach. Un nouvel album hommage à Bach, toujours réarrangé à la sauce afro-caribéenne.Le virtuose et compositeur de musique de film signe là le 3ème épisode de sa trilogie Via Havana, débutée avec un premier album en 2019 puis un deuxième en 2022. Apprendre et maîtriser les œuvres les plus complexes et techniques du répertoire classique européen (Mozart, Beethoven, Saint-Saëns, Mahler…), puis les arranger suivant les codes esthétiques des musique latines (jazz cubain, salsa, rumba…) sans dénaturer les œuvres originales, ni tomber dans l'appropriation culturelle des musiques du monde.► Album Afro Bach (LittleHorse Group - 2025).Site Joachim Horsley.Concert 25 mars 2025 au Studio de l'Ermitage, Paris. Réalisation : Hadrien Touraud.

Electro taarab et cinéma égyptien des années 40/50/60 avec Love & Revenge, une Louuve Dj made in Maghribi et un songwriter anglais qui aime les chansons à boire. Oum Kalsoum est morte le 3 février 1975. La formation Love & Revenge (Liban/France) sort Agmal Layali pour lui rendre hommage. Electro-taarab et cinéma, expert dans l'art de revisiter la musique et le cinéma populaires du Moyen-Orient, le groupe Love and Revenge est de retour avec une création originale et ambitieuse. Agmal layali ou mes plus belles nuits est un vibrant hommage à l'immense Oum Kalthoum, célébrant la fusion du taarab emblématique de la diva égyptienne et les sonorités électroniques des sons d'aujourd'hui. Fidèle au concept de ses concerts visuels qui ont fait sa réputation, Love and Revenge fait dialoguer les images d'archives et la création musicale. Un hommage invitant les publics de toutes générations à découvrir ou redécouvrir la voix fascinante d'Oum Kalthoum et la magie intemporelle du taarab. Une expérience immersive qui transcende les époques, brouille les frontières, et continue de faire briller aujourd'hui « l'astre de l'Orient » qui nous a quittés il y a cinquante ans.Notre 1er invité est le musicien compositeur Wael Koudaih (Rayess Bek).Love & Revenge fait l'ouverture de la 15ème édition du festival Détours de Babel, le 21 mars 2025 à Grenoble.Site Love and Revenge.Puis nous recevons Dj La Louuve avant son DJ set au Babel Music XP ()Soundcloud - Instagram.  Puis Matt Elliott s'attaque à la #SessionLive pour la sortie de Drinking Songs Live 20 Years OnIl y a vingt ans, Matt Elliott sortait Drinking Songs, premier élément d'une trilogie marquante, un magnifique album de sept titres dark folk qui reste encore à ce jour le plus écouté sur les plateformes, et plébiscité par les fans du natif de Bristol. Aujourd'hui, pour célébrer l'anniversaire de l'œuvre la plus emblématique de sa discographie, Matt Elliott nous offre Drinking Songs Live 20 Years On, une collection de versions alternatives enregistrées en trio live. Matt Elliott, qui s'était déjà fait un nom dans la scène indé électronique sous le pseudo The Third Eye Foundation, s'aventure au début des années 2000 en territoire folk. Né en 2004, Drinking Songs est le second album de l'Anglais sous son propre nom, faisant suite à The Mess We Made  sorti en 2003 chez Domino. La particularité de Matt Elliott, est déjà sa capacité à fusionner différents styles, mêlant un folk de chambre à une musique de cabaret d'Europe de l'Est, tout en utilisant en parallèle sa culture de la musique électronique et en particulier sa maîtrise du sampling et des effets, au service de la chanson. Exploration profonde de la condition humaine, Drinking Songs est un voyage à travers les recoins les plus inaccessibles de l'âme. Chaque titre de cet album est une histoire en soi, une fenêtre ouverte sur des moments de douleur, de nostalgie et de réflexion.Titres interprétés dans le grand studio- What's Wrong Live RFI- What the Fuck Am I Doing on this Battlefield ? extrait CD- A Waste of Blood Live RFI. Line Up : Matt Elliott (voix, guitare, saxophone)Son : Benoit Letirant, Mathias Taylor.► Album Drinking Songs Live 20 Years On (Ici d'Ailleurs 2024)► Concert théâtre de l'Atelier 31 mars 2025Site Matt Elliott. Réalisation : Hadrien Touraud.

Le guitariste Thomas Naïm est le seul guitariste au monde à proposer un album solo sur Hendrix. La #SessionLive reçoit Thomas Naïm pour la sortie de l'album May This Be Love et le spécialiste français de Jimi Hendrix : Yazid Manou !C'est après un stage d'été au Berklee College of Music de Boston et des cours à l'American School of Modern Music à Paris, que Thomas Naïm fonde avec la chanteuse Joyce Hozé le duo Tom & Joyce. Influencé par la MPB, la bossa nova des 60's et le jazz, le groupe enregistre deux albums : Tom & Joyce sorti en 2002 (Yellow Productions/East West) et Antigua en 2005 (Yellow Productions/Tommy Boy) sur lequel participe le légendaire batteur Tony Allen et dont certains morceaux seront remixés par des producteurs de dance music parmi les plus reconnus (Masters At Work, François Kevorkian ou Bob Sinclar).Par la suite, Thomas Naïm sera sollicité pour accompagner sur scène ou en studio de nombreux artistes venant d'horizons parfois très différents parmi lesquels Youn Sun Nah, Hugh Coltman, Hindi Zahra, Sébastien Tellier, Ala.ni, Mayra Andrade, Tiken Jah Fakoly, Blick Bassy, Idrissa Diop, Bob Sinclar, Salomé de Bahia, Brisa Roché, Bernard Lavilliers, Albin de la Simone, Michel Fugain, Claire Diterzi, Renan Luce…Il mène en parallèle depuis plusieurs années une carrière solo à la tête d'un trio avec le bassiste Marcello Giuliani et le batteur Raphaël Chassin avec lesquels il enregistre en 2018 l'album Desert Highway.En 2020, Thomas Naïm va confronter son trio aux compositions du maître Jimi Hendrix et enregistrer l'album Sounds of Jimi. L'idée de départ n'est pas de reprendre les titres d'Hendrix tel quel mais de trouver pour chaque morceau une esthétique plus personnelle, et à l'exception de trois titres chantés par Hugh Coltman et Célia Kameni, de privilégier l'approche instrumentale. L'album accueillera également en invités Erik Truffaz à la trompette et Camille Bazbaz à l'orgue.En 2022, il retourne en studio avec son trio augmenté de l'organiste/pianiste de Marc Benham pour enregistrer, sous la houlette du réalisateur grand angle Daniel Yvinec, On the Far Side, un album consacré à ses propres compositions dont la sortie est prévue pour février 2023. Thomas Naïm y retrouve ses premières amours, le Jazz, qu'il mêle à ses influences de toujours la pop, le rock psychédélique, les bandes originales de films et mille autres choses. Laurent Bardainne (saxophone) souffle sur trois titres un vent créatif qui donne à cet album unique une force et une couleur presque mystique.Avec May This Be Love, Thomas Naïm devient le 1er guitariste au monde, à reprendre Hendrix en guitare solo.Titres interprétés au grand studio- Hey Joe Live RFI- The Wind Cries Mary, extrait de l'album- Purple Haze Live RFILine Up : Thomas Naïm, guitare.Son : Benoît Le Tirant, Camille Roch, Mathias Taylor.Album May This Be Love (Rootless Blues 2025).Site -  YouTube - Bandcamp. Yazid Manou est journaliste, relations presse et spécialiste de Jimi Hendrix en France. en 1990, il organise un concert à l'Olympia pour les 20 ans de la disparition du guitariste américain. Il est le héros du roman « Blues pour Jimi Hendrix » écrit par Stéphane Koechlin. Yazid Manou est le gardien d'un mort comme Anubis dans la mythologie égyptienne, Jimi Hendrix. Il porte des fleurs sur sa tombe, soigne sa postérité, veille à sa gloire... En 1990, vingt ans après la mort de Jimi le 18 septembre 1970, il a organisé le festival « Jimi's Back » à Paris pendant une semaine dont une soirée à l'Olympia qui a bouleversé sa vie. Il y a invité de nombreux artistes pour reprendre les thèmes du bluesman. Il a convié bien sûr en premier lieu l'ex-bassiste de Jimi, Noel Redding, personnage douloureux et attachant, frappé quelques mois plus tôt par un deuil terrible, la mort de sa fiancée Carol Appleby dans un accident de voiture. Depuis, la vie de Yazid - devenu par la suite attaché de presse indépendant - est rythmée par les nouvelles de la « famille Hendrix », disputes avec la soeur adoptive Janie, rencontre avec ceux qui l'ont connu (B. B. King, Eric Clapton, Paul McCartney, Johnny Hallyday, Miles Davis, Taj Mahal), sorties d'albums (Jimi a davantage publié de disques une fois mort que vivant), disparition des témoins, Noel, Buddy Miles, Monika Dannemann (dernière compagne), Al Hendrix (son père) puis Mitch Mitchell. Il a construit sa vie autour d'un mort, de la mort en général. Yazid est un infatigable marcheur africain arpentant le pavé parisien en compagnie de son fantôme.Playlist Jimi Hendrix par Yazid Manou51st Anniversary, Wait Until Tomorrow, Red House & All Along the Watchtower.Concert du 20 mars @ Le 360 Paris.Réalisation : Hadrien Touraud.

Du jazz flamboyant d'Adrien Soleiman à la folk indie pop de Jawhar. Nos premiers invités sont les 8 musiciens d'Adrien Soleiman et son BelleJazzClubAdrien Soleiman, saxophoniste talentueux et collaborateur recherché (Juliette Armanet, Malik Djoudi, Philippe Katerine), dévoile son nouveau projet BelleJazzClub. Passionné par le partage et l'improvisation collective, il voit son groupe éponyme comme une véritable confrérie de musiciens incarnant l'âme du jazz et de la pop. Après avoir marqué les esprits avec son premier album Brille en 2016, Soleiman décide de réunir des musiciens de renom pour un enregistrement intensif au studio La Frette. Entouré des meilleurs talents de la scène parisienne, comme son frère Maxime Daoud, Tony Tixier, ou encore Marc-Antoine Perrio, il compose un album où chaque morceau évolue spontanément. Des voix familières du jazz et de la pop, comme Arthur Teboul (Feu! Chatterton), Philippe Katerine, Halo Maud ou encore Émile Parisien viennent ensuite enrichir le projet, tandis que Voyou, Emma Broughton et Laura Etchegoyhen apportent leurs touches aux cuivres et aux chœurs. Le premier volume de BelleJazzClub est un voyage musical unique, mêlant jazz et pop avec une grande liberté instrumentale et une fusion captivante de rythmes chaloupés et d'ambiances contemplativesTitres interprétés au grand studio - Panorama Live RFI- Grande Terre Feat. Arthur Teboul, extrait de l'album- Petit Matin Live RFI.Line Up : Adrien Soleiman, saxophone, Louis Delorme, batterie, Adrian Edeline, guitare, Gianni Casarotto, guitare, Elise Blanchard, basse, Maxime Daoud, claviers, Tony Tixier, claviers et Arnaud Biscay, batterie.Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset, Benoît Le Tirant.Album BelleJazzClub Vol.1 (Naïve/Believe 2025).- YouTube Adrien Soleiman, albums et singles- YouTube BelleJazzClub- Instagram - Facebook.Concert 18 mars 2025 à La Maroquinerie, Paris  Puis nous recevons Jawhar pour la sortie de KhyootKhyoot خيوط est en arabe le pluriel de « kheet », qui veut dire fil, corde, filament. Dans le contexte plus poétique des chansons de l'album, le mot « khyoot »  revient souvent pour désigner les liens qui se cachent derrière le visible, ces filaments qui traversentl'espace et nous relient à une source puissante et magique. Ce sont ces filons auxquels on tient au fil des jours, vers la transcendance de la réalité, vers la création. Ils nous indiquent le chemin vers une foi en ce qui nous dépasse, en l'invisible qui est néanmoins enfoui en nous… Avec Khyoot, l'auteur-compositeur d'origine tunisienne revient à ses premiers amours ; un album très folk, une collection de chansons lumineuses écrites pour deux voix. À la voix tantôt éthérée tantôt terrienne de Jawhar vient se mêler, délicate et gracieuse, celle d'Azza Mezghani. Il s'entoure également de ses deux fidèles acolytes, le pianiste Eric Bribosia et le multi-instrumentiste Yannick Dupont.Titres interprétés au grand studio - Habbeet Live RFI- Leghreeb, extrait de l'album- Howwa Live RFILine Up : Jawhar, guitare, voix, Aza, voix, claviers.Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor, Benoît Le Tirant.Album Khyoot (6T2 Records).Site - YouTube - Facebook -  Instagram.Concert 20 mars 2025 Le Hasard Ludique, Paris.

Playlist mensuelle de Sophian Fanen + interview de l'Asturien Rodrigo Cuevas pour la sortie de La Romeria. Ce mois-ci, Sophian Fanen  a choisi :- Marlon Williams, Aua Atu Rā, tiré de l'album Te Whare Tiwekaweka (Dead Oceans, 2025) Site - Ale Hop & Tito Bakorta, Bonne année, tiré de l'album Mapambazuko (Nyege Nyege Tapes, 2025) Bandcamp - Tony Allen & La Boa, Tambor, tiré de l'album La Boa Meets Tony Allen (Comet Records, 2025) Bandcamp - Cymande, Heart of the Willing, tiré de l'album Renascence (BMG, 2025) Site - Σtella, Omorfo Mou, tiré de l'album Adagio (Sub Pop, 2025) Site. Puis nous recevons l'artiste asturien Rodrigo Cuevas pour l'album La Romeria. Avec La Romeria, Rodrigo Cuevas nous embarque vers un lieu de plaisir libre de tout préjugé. Entouré de quatre musiciens – guitare, claviers, vocodeur et une grande place laissée aux percussions –, le chanteur-danseur poursuit son projet de modernisation de l'héritage asturien qu'il revisite avec des sonorités électroniques. À l'image de sa compatriote Rosalía, il propulse ainsi des musiques ancestrales vers le futur. Conçu à quatre mains avec Eduardo Cabra (ex Calle 13), vainqueur de 24 Latin Grammy Awards, cet album marque aussi la rencontre entre deux artistes lumineux. Une alchimie qui donne naissance à une créature éblouissante, que le performeur à moitié drag-queen, à moitié sorcier hidalgo, nourrit de poésie et d'ironie à travers la théâtralité du cabaret. Au-delà de ses allures de diva excentrique qui transforme ses concerts en art à la fois total et intime, Rodrigo Cuevas se veut un passeur de savoirs. Ses chansons bouleversantes explorent l'essence de traditions qui, ancrées dans le peuple, font danser et s'aimer. Un spectacle qui, entre burlesque et sensualité, s'annonce aussi joyeux que torride.Mi-sorcier des Asturies, mi-drag queen, Rodrigo Cuevas bouleverse nos sens des représentations d'une exubérance pop spectaculaire, lumineuse, et fulgurante. Performeur de talent à l'imagerie iconoclaste et explosive, le chanteur asturien bouscule les codes figés du conservatisme d'antan avec une délectation certaine. Convoquant une audace visionnaire, Rodriguo Cuevas interprète une musique folklorique queer venue du nord de l'Espagne, modernisant les traditions asturiennes avec autant d'inventivité que de respect. Comme revitalisées par tant d'aplomb, les danses anciennes comme le xiringüelu ou la muñeira en deviennent des objets futuristes !Site - YouTube.Concert 1er avril 2025 la Cigale.

De Kinshasa à Addis Abeba, en passant pas Bamako et Paris.  Nos premiers invités sont Jupiter & Okwess pour la sortie du nouvel album Ekoya.Jupiter Bokondji, figure iconique de Kinshasa surnommée le « Général Rebelle » offre un son unique où les racines congolaises se mêlent aux influences rock, funk et soul.Avec son groupe Jupiter & Okwess, il déchaîne une énergie explosive, puisant dans la richesse musicale de son pays tout en tissant des lien entre l'Afrique et le monde.Après avoir conquis le public international avec Hôtel Univers, Kin Sonic et Na Kazonga, voici leur 4è album Ekoya (ça viendra). Est-ce la prémonition d'un destin inévitable, ou d'un certain fatalisme ? En accueillant des voix féminines dans son groupe exclusivement masculin, Jupiter bouscule les attentes.Line Up : Jupiter Bokondji : chant, Yende Balamba : basse, Montana Kinunu : batterie, Eric Malu Malu : guitare et Richard Kabanga : guitare.Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset et Camille Roch.► Album Ekoya (Airfono 2025).Site - YouTube - Facebook.  Puis nous recevons Arat Kilo pour la sortie de l'album Danama. « Digne de confiance. » C'est le sens de « Danama », ce mot bambara du Mali. Confiance en soi, en l'autre, en la parole donnée, en des futures désirables. Prôner l'optimisme, la force du collectif, la magie sage des métissages en ces temps troublés de guerres interminables, de replis nationalistes ou de catastrophes naturelles, encouragés par un capitalise carnassier qui se régale à nous scotcher devant nos écrans ? De la confiance, il en faut des kilos. Entretenue par la flamme, le flegme et les stratagèmes de ces scientifiques de l'afro-groove, Arat Kilo (du nom d'un quartier d'Addis Abeba) accouche d'un 5è album et reste le meilleur orchestre d'éthio-jazz de France. Toujours avec les voix de la Malienne Mamani Keita et le slammeur américain Mike Ladd.Titres interprétés au grand studio- Nahel Live RFI- Bang Rails, extrait de l'album- Nbendia Live RFI.Line Up : Mamani Keita : chant, Mike Ladd : chant, Florent Berteau : batterie, Samuel Hirsch : basse, Fabien Girard : guitare électrique, Michael Havard : sax baryton, Aristide Gonçalves : trompette + claviers.Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset et Camille Roch.► Album Danama (Accords Croisés 2025).YouTube - Facebook - Accords Croisés.

Immersion dans l'univers éthiopien de Théo « Kutu » Ceccaldi. Depuis 2020, Kutu, le collectif imaginé par Théo Ceccaldi, trace sa route en égrainant sur son passage des séries de concerts survoltés plongeant un public curieux dans une expérience libre et collective où l'improvisation, le jazz, et l'électro s'harmonisent à merveille avec la pierre angulaire de Kutu, la tradition orale des Azmari d'Éthiopie.Petit retour en arrière ! Kutu naît à la suite de la crise Covid quand Théo Ceccaldi s'envole en Éthiopie, au cœur des nuits d'Addis-Abeba, où il fait une rencontre déterminante avec l'Azmari, Hewan Gebrewold. Souvent comparé aux bardes ou aux griots, l'Azmari est un ou une artiste, maître de l'improvisation et d'histoires satiriques, ancrées dans le temps présent et non le passé, déclamées, slamées ou chantées dans des lieux publics, le plus souvent dans des bars ou dans les rues.Kutu naît ainsi dans la ferveur des nuits underground, mixant à merveille, la voix puissante et hypnotique d'Hewan avec les curiosités artistiques et transes hypnotiques du jazz et de l'électro de Théo Ceccaldi. Ils seront rapidement rejoints par Cyril Atef, batteur (frère de route de Vincent Ségal dans Bumcello), Akemi Fujimori aux claviers (souvent aperçue avec les Naive New Beaters, Thomas de Pourquery, Prudence, etc.) et Valentin Ceccaldi, frère de Théo, qui a troqué pour l'occasion son violoncelle pour la basse.Après un premier album, Guramayle, paru en 2022, Kutu va entreprendre une tournée de plus d'une centaine de concerts, portés par une énergie fiévreuse où l'improvisation et la transe sont le cœur de leur performance scénique. Kutu, qui signifie «On y va !» ou «Aller de l'avant», va livrer à chaque concert, une expérience musicale unique, mettant à l'honneur le collectif, le partage et les rencontres interculturelles.Aujourd'hui, Kutu qui vient de signer sur le prestigieux label Naïve, annonce la sortie, début 2025, de leur deuxième album Marda, à l'origine le nom d'un collier traditionnel éthiopien.Théo Ceccaldi - «Marda représente bien la transmission d'un héritage culturel pour les générations futures. L'image de ce collier, que l'on offre aux jeunes filles lors du passage de l'enfance à l'âge adulte, exprime pour nous le deuxième âge de KUTU ! un collier précieux que l'on chérit, et que l'on gardera toute notre vie, comme une protection»..).Titres joués extraits de l'album : Lem Lem, Asheweyna, Namuna feat. Pongo et Set.► Album Marda(Naive / Believe 2025)► Concert de sortie d'album 29 avril au 104, Paris.YouTube - Facebook. Playlist Ethio Now choisie par Théo Ceccaldi :- Rophnan Shegiyé clip - Jemberu Demeke & Mulatu Astatqé Faram clip audio - Sertsebrhan Tadesse Halal Meret clip- Tariku Gankisi Dishta Gina clip.L'intégrale Ethio Now, la playlist éthiopienne de Théo Ceccaldi sur Spotify.

« Ethnic chaos » avec les Ukrainiens DakhaBrakha et la fureur du Lagon Nwar #SessionLive. Nos premiers invités sont le quartet DakhaBrakha.DakhaBrakha est le quatuor de folk ukrainien qui transcende les frontières musicales et culturelles !Originaire de Kiev, ce groupe surnommé « ethnic chaos » nous emporte dans un voyage sonore inattendu où se rencontrent l'ancien et le moderne. Le nom même du groupe, « DakhaBrakha », qui signifie « donner/prendre » en ancien ukrainien, évoque le dialogue constant entre passé et présent.Créé en 2004 par Vladislav Troïtsky au Centre d'art contemporain de Kiev, le groupe porte en lui une âme théâtrale qui se reflète dans chacune de ses performances, spectaculaires et visuellement envoûtantes. DakhaBrakha ne se contente pas de jouer de la musique : ils offrent une véritable mise en scène où chaque son, chaque rythme est amplifié par des effets scéniques saisissants.Ayant déjà conquis les scènes internationales, de la France aux États-Unis en passant par l'Australie et la Colombie, le groupe fait vibrer les mélodies ukrainiennes dans le cœur de tous les publics...Entretien avec Marko Halanevych, traduction assurée par Kseniya Zhornokley, journaliste à la rédaction ukrainienne de RFI.Morceaux extraits du concert au Cabaret Sauvage, le 22 janvier 2025.- Sho s-pod duba- Dytyatochko- Shchedryi metal.Line Up : Marko Halanevych – chant, tambour à gobelet, tabla, didgeridoo, harmonica, accordéon, cajón, guimbarde, Olena Tsybulska – chant, percussions, Iryna Kovalenko – chant, djembé, flûte, buhay, piano, ukulélé, zgaleyka, accordéon et Nina Garenetska – chant, violoncelle.Mixage : Benoît Letirant.Mastering : Mathias Taylor. Site -  YouTube - Facebook. Puis nous recevons le quartet Lagon Nwar pour la sortie du 1er album Lagon Nwar.À Lagon Nwar, on veille la fureur. On trouble les bordures. On joue une danse de feu. On aiguise son cri. On donne son âme au sentier.Lagon Nwar ne ressemble à nul autre lieu. On y est jamais allé. Pourtant, c'est chez nous. Tout de suite.Les berges de Lagon Nwar sont le contour de toutes nos terres.Le saxophoniste Quentin Biardeau et le bassiste Valentin Ceccaldi, tous deux issus du flamboyant Tricollectif, nous convient à une rencontre avec la chanteuse réunionnaise Ann O'aro et le batteur-percussionniste-chanteur burkinabè Marcel Balboné.Le quartet dessine des rivages sur lesquels se poser, au fond du temps. Un sourire étanche au coin des lèvres. Télescopage électrique, remous de synthétiseurs mourant sur la lie amère d'une basse fender, textes débrayés arguant son joual comme son créole, signant des doigts une poésie à défraîchir les coraux de laquelle s'envolent les mélodies bissa et la verve rageuse d'un saxophone arraché à la course vive du wet bimdé. La batterie de calebasses avec ou sans corde soulignant les contours d'un dialogue entre Burkina et Mascareignes, Paris et Ouaga. Lagon Nwar, c'est le goût salé de l'eau, les boucles alourdies de pluie, le port et ses armements, l'essoufflement des colonies.Titres interprétés au grand studio- Marée Live RFI- Liberté Connaître Oblige, extrait de l'album- Zaanbar Live RFI.Line Up : Ann O'aro / chant, Marcel Balbone / batterie, chant, Valentin Ceccaldi / basse, Quentin Biardeau / synthé, saxophone ténor.Son : Jérémie Besset, Camille Roch, Benoît Letirant.► Album Lagon Nwar (Airfono 2025).YouTube -  Tri Collectif -  Bandcamp Airfono -  facebook. Release Party, 31 mars 2025, au Café de la Danse.

Kseniya Zhornokley, journaliste à la rédaction ukrainienne raconte le rôle de la musique depuis le début de l'invasion russe (24 février 2022). La scène musicale ukrainienne joue un rôle essentiel depuis le début du conflit en février 2022. Elle reflète la résilience, la douleur et l'espoir d'un peuple face à l'agression. Que ce soit sur le front ou en exil, les artistes utilisent leur musique pour soutenir leurs compatriotes et attirer l'attention internationale sur la situation en Ukraine.Pour cette émission spéciale, Kseniya Zhornokley, journaliste et coordinatrice à la rédaction ukrainienne, vous propose une sélection de morceaux, de témoignages et d'histoires issus de cette nouvelle vague musicale qui incarne la résistance, l'unité et l'espoir.Avec des interventions de Marko Halanevych, compositeur, multi-instrumentiste du quartet DakhaBrakha, Yulia Franz, pianiste et chanteuse qui se produit sur le front pour remonter le moral des troupes et Bogdan Yermokhin, un enfant mineur de Marioupol, emmené en Russie après l'occupation de sa ville, placé dans un camp de rééducation patriotique avant d'être envoyé dans des familles d'accueil, étant orphelin. Il a pu s'échapper et utilise le rap, pas simplement comme une échappatoire mais comme une évidence qui s'est imposé à lui comme un moyen de résister et de se reconstruire. Playlist de Kseniya Zhornokley- Oy u luzi chervona kalyna (Une viorne rouge dans la prairie) par Andriy Khlyvnyuk (BoomBox) Chanson traditionnelle des tirailleurs ukrainiens du Sich qui remonte à 1914, chanté a cappella par Andriy Khlyvnyuk et qui est devenue emblématique de la lutte actuelle et qu'on entend partout à la télé, à la radio, pendant les matchs de football.- Hey Hey Rise Up (Feat. Andriy Khlyvnyuk) Pink Floyd.Le 24 décembre, David Gilmour, membre de Pink Floyd a annoncé sur Facebook que la sortie de la chanson avait permis de récolter plus de 600 000 dollars.Clip.- Sho z pod duba (Donne et prends) extrait du concert de DakhaBrakha au Cabaret Sauvage 2025Clip KEXP. - Good Evening, we are from Ukraine (Where are you from ?) par Probass & Hardi.Duo électro de Kremenchuk qui reprend la phrase culte de Marko Halanevych « Dobriy vechir, my z Ukraini » (Bonsoir, nous venons d'Ukraine).Clip.- Dopomoje ZSU (Ce sont les Forces armées qui vont aider) par Chico & Qatoshi.Ce morceau est né en 3 jours pour soutenir les forces armées ukrainiennes. Gros succès sur TikTok puis sur YouTube.Clip.- U Mene Nemaie Domu (Je n'ai plus de maison) par Odyn v Kanoe (Seul dans un canoë).Composée avant la Grande Guerre, cette chanson a pris un tout nouveau sens en 2022, avec l'exil de millions d'Ukrainiens à travers l'Europe. Hymne de ceux qui ont tout quitté.Clip avec sous-titres en anglais.- Doumy (Pensées, mots) par Artem & DorofeevaSelon des psychologues travaillant en Ukraine, les chansons mélancoliques aident les gens à traverser leur deuil.Clip.- Les Titans par Kozak SystemFacebook. - Namalyuvala (J'ai dessiné) par Yulia Franz Clip.- Bogdan YermokhinDeezer - Amnesty International - Association pour les enfants déportés. - Welcome to Ukraine par JKLNClip - YouTube.- Peremoga (La Victoire) par OnukaSite. Les contenus en ukrainien de RFI sont publiés sur le site rfi.fr/uk/ et sur les réseaux sociaux : Telegram, Facebook et Twitter.

Mario Lucio fête l'Indépendance du Cap-Vert et Cotonete en concert au Studio de l'Ermitage. Notre 1er invité est Mario Lucio pour la sortie de l'album Indépendance50 ans après l'indépendance du Cap-Vert et les autres ex-colonies portugaises, Mario Lucio sort un album qui célèbre ce grand moment de changement en Afrique Lusophone. Chanteur, guitariste, compositeur, poète, écrivain, penseur ou même ancien ministre de la Culture : Mario Lucio est tout cela à la fois et bien plus encore pour les Cap-Verdiens. Chantre de la créolisation, l'artiste rend, à travers son œuvre, un hommage sensible et passionné à ce métissage qui a façonné la culture de son pays.Leader historique du groupe capverdien culte Simentera, mais aussi auteur de six disques en solo, Mario Lucio revient avec Independance un septième opus qui célèbre ce grand moment de changement au Cap-Vert et en Afrique Lusophone. Dans Independance, il y a « danse » et Mario Lucio aime jouer avec les mots. Un album résolument festif donc, au travers duquel il prend plaisir à se remémorer cette époque de son enfance, emplie de joie et de musique.Titres diffusés : Indépendance, Maka Maka, Mati Mati et Ami Xintadu► Album Indépendance (Maremusica 2025)Site / YouTube Puis, nous rejoignons le groupe Cotonete qui s'est produit le 17 janvier dernier au Studio de l'Ermitage pour présenter le nouvel album Victoire de la Musique. Prendre son temps. Pour Cotonete, un art de vivre. Quinze ans d'existence avant que leur premier album ne voie le jour en 2019, les Parisiens ont pris le temps d'apprécier la vie et les heures passées ensemble sur scène. Un temps qui, sous le groove Brésilien de leur jazz-funk hommage à Azymuth, à Jorge Ben, et à d'autres, donne forcément l'impression de s'écouler moins vite qu'à l'accoutumé. Trois ans sont passés et, après quelques maxis, arrivé le moment de donner un successeur à Super Vilains. Et là, le temps s'est accéléré. David Georgelet, rencontré quelques jours plus tard, nous raconte l'aventure du nouvel album Victoire de la Musique.Extraits du concert au Studio de l'Ermitage, mixage Benoît le Tirant, Mastering Mathias Taylor Brooklyn, Cascavel et Oceo e Preto► Album Victoire de la Musique (Heavenly Sweetness 2025)Bandcamp / Facebook / YouTube

Le duo Aïta Mon Amour revisite le chant rural de la Aïta marocaine. Aïta Mon Amour au Cabaret Sauvage + Justin Adams & Mauro Durante au 360 Paris Music FactoryWidad Mjama, pionnière du rap marocain et diplômée du Conservatoire de Casablanca (danse et art dramatique) est passionnée par les traditions orales ancestrales. Khalil Epi, multi-instrumentiste tunisien, fusionne musique classique arabe, jazz et sonorités mondiales (N3rdistan, Frigya, Dhamma, Seydou Boro, Deena Abdelwahed, arabstazy),Ce projet est le fruit de leur fascination pour la Aïta, un genre musical incarné par les Chikhates, ces femmes chanteuses et gardiennes d'une pratique vieille de plusieurs siècles. Ce projet mêlant électronique et tradition nous transporte dans un voyage envoûtant à travers la culture marocaine.En néo chikhate, Widad nous confie « La Aïta, c'est la poésie rurale. Le rap est une expression urbaine, et je me retrouve dans ces deux styles, car je fais partie de la première génération à être née en ville, toute ma famille vient de la campagne. Mes racines sont paysannes et mes fleurs sont citadines ».Extraits du concert du 23 janvier au Cabaret Sauvage (Mixage Benoît le Tirant, Mastering Mathias Taylor)L'wed L'wed, Kebet El Khayl et Heda Wiyet►  Album Abda (Shouka Rd 2025)Bandcamp - YouTube - Instagram Puis, nous nous rendons au 360 Music Factory où s'est tenu le Festival Au Fil des Voix, pour rencontrer Justin Adams qui présente le nouvel album Sweet Release en duo avec le violoniste et chanteur italien Mauro DuranteQuand Justin Adams, guitar hero et compagnon de route de Robert Plant, rencontre Mauro Durante, visionnaire héritier de la Taranta de sa région natale, les Pouilles, l'alchimie est immédiate. Le premier est habité par une approche post punk qu'il adoucit au contact du groove nord-africain en produisant des albums iconiques pour Tinariwen ou Rachid Taha. Le second, violoniste et percussionniste à l'énergie débridée, parcourt le monde avec le virtuose Ludovico Einaudi, partage la scène avec Ibrahim Maalouf, Goran Bregović ou Piers Faccini, puis reprend, après son père, la direction de l'ensemble perpétuant la taranta, cousine de la tarentelle napolitaine. Mais depuis cette rencontre musicale fortuite, et après Still Moving, un premier disque acclamé, ce projet, déroutant, tend à devenir une entité unique et fusionnelle qui elle-même se perpétue. Sweet Release, qu'ils présenteront pour la première fois au public parisien, en est la preuve. Entre vibrations ancestrales et esprit punk, ferveur du tamburello et riffs électriques, Justin et Mauro créent un son brut, dépouillé, qui émeut et envoute. Mauro étant grippé (se reposait pour assurer le concert du soir), nous avons parlé avec Justin Adams.Extraits du concert du 30 janvier au 360 Paris Music Factory (Mixage Camille Roch, Mastering Mathias Taylor)Djinn Pulse, Leuca et Cupa Cupa►  Album Sweet Release (Ponderosa Rd 2025)Facebook - YouTube

La Musique s'invite au Sommet pour l'action sur l'Intelligence Artificielle. ⇒ Sommet pour l'action sur l'Intelligence Artificielle.«Oh, Djadja Y a pas moyen, Djadja» dans la bouche d'Edith Piaf, «Non je ne regrette rien» dans celle du président Macron, l'IA est partout et suscite fascination, interrogation, peur, voire une menace.À l'occasion du Sommet pour l'action sur l'intelligence artificielle qui se tient à Paris, nous recevons le journaliste musical Sophian Fanen et le compositeur Benoît Carré alias Skygge, en différé de la BnF.Benoît Carré alias Skygge (l'ombre en danois) travaille sur l'IA depuis 2015 avec des chercheurs du Sony Lab à Paris. En 2016, il compose un titre à la manière des Beatles, après avoir nourri l'IA de 52 chansons du groupe. Pour le compositeur, l'IA est un partenaire qui doit le surprendre. Dans l'émission, il explique en quoi l'IA est pertinente pour un compositeur et ses limites aussi.Sophian Fanen est journaliste au site Les Jours. Spécialiste de la musique. Il a publié 2 livres : Boulevard du Stream et Amy pour la vie. Chroniqueur mensuel à RFI. Il parle de l'actu de l'IA.Sans oublier les applis reines « Suno et Udio qui permettent à tout le monde de faire des chansons sans intérêt. »PlaylistDrake & The Weeknd, Gazo x Angèle, Aloe Blacc, FN Meka, Noonoori, Roberta Flack, Edith Piaf, John Lennon.En parallèle, j'ai demandé à ChatGPT de poser des questions intelligentes sur le thème Musique et IA :Questions profondes et intrigantes : Si une IA compose une chanson qui nous fait pleurer, est-ce qu'elle peut dire qu'elle a une âme… ou juste un très bon algorithme ? Une IA peut-elle vraiment être créative, ou est-elle juste une machine à remix sous stéroïdes ? Si une intelligence artificielle invente un nouveau genre musical, doit-on la considérer comme une artiste… ou comme un codeur qui s'ennuie ? Peut-on dire qu'un morceau généré par IA a du « groove »… alors qu'elle n'a même pas de pieds pour danser ? L'IA peut-elle nous aider à recréer la voix des grands artistes disparus, ou est-ce le début d'un karaoké de fantômes ?Questions techniques et décalées : Une IA DJ peut-elle vraiment ressentir l'ambiance d'une soirée, ou va-t-elle juste enchaîner des tubes des années 80 en boucle ? Si une IA écrit un tube et que personne ne sait qu'il a été composé par une machine, est-ce une révolution… ou le plus gros bluff de l'histoire de la musique ? Peut-on imaginer un duo entre Beethoven et une IA… et surtout, est-ce que Beethoven aurait apprécié l'idée ? Une IA qui fait du rap, c'est du flow… ou juste un bug dans le système ? Si une IA compose une chanson d'amour, peut-elle vraiment comprendre ce qu'est un chagrin d'amour, ou est-ce juste un bug dans le programme ?Et toi, tu penses qu'un jour on ira voir un concert d'IA avec des robots en train de slammer ? (Made in ChatGPT).- Site Skygge - facebook Skygge - Sophian Fanen - Site Elysée IA 

En Bretagne, le festival NoBorder : des micro-territoires au Tout-Monde.  Jeanne Lacaille vous propose d'aller prendre l'air dans le Finistère à la découverte du festival No Border, dédié aux musiques populaires du monde.La 14è édition de No Border a eu lieu du 5 au 15 décembre 2024 à Brest et hors-les-murs avec, comme toujours, un goût prononcé pour l'altérité, les hybridations, les danses, la transe. Cette année, le festival breton proposait un focus, au-delà des frontières, sur «la puissance qui émane des localités et de leurs écosystèmes naturels, poétiques et sensibles». Une boussole pour explorer la programmation du festival No Border qui s'est attaché à célébrer les points de rencontre, les ponts qui relient entre eux les micro-territoires mis à l'honneur de l'édito 2024. Avec : Christine Salem, Crabe Marteau, Diwan Diwan, Aedes, Dj Mouledous, Polyphème, Alexis Degrenier, Yann Gourdon, Tangui Le Cras aka CRAZE.After movie 2024 Instagram Festival No BorderSite Festival No Border.

La guitare Hauts-de-France de Clément Nourry et la folk alternative de la Libanaise Mayssa Jallad. Notre 1er invité est le guitariste Clément Nourry pour la sortie de Amor.Après sept ans d'attente, Clément Nourry revient avec un nouvel album solo, Amor, véritable manifeste de liberté artistique. Il y trouve une échappatoire créative, loin des attentes esthétiques et des contraintes extérieures. À travers les huit titres de Amor, Clément Nourry tisse un lien entre la noise qu'il affectionne et les mélodies qu'il compose à la guitare électrique, son instrument de prédilection. Entre fingerpicking délicat et feedbacks électroniques, il crée un univers sonore à la fois sauvage et intime, où se rencontrent deux mondes musicaux. L'album a été enregistré en seulement deux jours à la Free House, dans une atmosphère brute et authentique. Un homme, une guitare, un ampli, une prise.Une fois les performances capturées par Ted Clark. Amor est marqué par des influences profondes, comme la bande originale de Paris, Texas de Ry Cooder et celle de Dead Man de Neil Young, qui ont laissé une empreinte indélébile sur sa jeunesse. Amor puise dans l'expérience nocturne de  Clément Nourry, qui a composé, écrit et mixé principalement la nuit. La pochette, conçue par l'artiste Margot Degert, capture cette ambiance, évoquant des dunes et des paysages désertiques, un clin d'œil à Ry Cooder et aux souvenirs du désert.Titres interprétés au grand studio- Amor Live RFI- Le Cœur Léger, Fumée du Crépuscule et Bête Aveugle, medley extrait de l'album- Serpent Live RFI.Line Up : Clément Nourry, guitare.Son : Mathias Taylor, Camille Roch.► Album Amor (Capitane Rd 2024).Youtube - Bandcamp. Puis nous recevons Mayssa Jallad pour la sortie de Marjaa : The Battle of The Hotels.«Marjaa : La bataille des hôtels» est né des deux vocations de la chanteuse/compositrice Mayssa Jallad : la musique et l'architecture. Écrit en collaboration avec le producteur Fadi Tabbal, l'album explore les étincelles de la guerre civile libanaise en 1975. Durant cinq mois, les factions opposées se disputent le quartier des hôtels du centre de Beyrouth cherchant à dominer les hauteurs architecturales de la ville. L'issue de cette bataille détermina la ligne de démarcation est-ouest qui scinda la ville pendant plus de 15 ans. Une division violente qui résonne encore aujourd'hui dans la culture libanaise.Les chansons de Mayssa s'adressent à la génération de l'après-guerre à qui l'on n'a jamais enseigné cette histoire difficile. Elles sont aussi un appel au renouvellement (plutôt qu'au recyclage par l'oubli) de la classe politique qui tient le peuple en otage de sa violence historique.Titres interprétés au grand studio- Baynana, Live RFI- Markaz Azraq, extrait de l'album- Mudun, Live RFI.Line Up : Mayssa Jallad (chant / guitare), Julia Sabra (claviers / guitare / chant), Pascal Semerdjian (batterie).Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset, Camille Roch.► Album Marjaa : The Battle of The Hotels (Ruptured Music 2024).Site - Bandcamp - Youtube.

Que Samy Thiébault choisisse de prendre la mer ne surprendra personne. « Aller à l'océan » pourrait être le credo de son nouvel album In Waves. Né en Côte d'Ivoire, Samy Thiébault suit un parcours classique au sein du CNR de Bordeaux avant d'entrer, en 2004, dans la classe de jazz du CNSM de Paris. Il en sort diplômé en 2008. Parallèlement à ses études musicales, il obtient une maîtrise de philosophie mention TB à l'unanimité en Sorbonne (2001).Samy Thiébault est né en Côte d'Ivoire, a grandi en France sur la côte Atlantique et compte parmi ses points d'ancrages, le Maroc de sa mère qui animait déjà le répertoire de Rebirth. C'est aussi s'être redécouvert surfeur lors d'une tournée à Bali en 2016. « Lorsque je suis entré dans la vague, confie t-il, ça m'a fait comme un shoot, c'est devenu nécessaire ». Qu'il l'ait conscientisé ou non, les prémices d'In Waves étaient là : trouver l'accord entre sa conception musicale et la pratique du surf, aller à la rencontre des peuples de l'eau en Guadeloupe, aux Fidji et dans le Pacifique Sud ; en faire un disque qui serait celui du retour à la mer. Cette idée, Thiébault la ferait germer bien plus tard : il travaillait alors sur Caribbean Stories, Symphonic Tales et Awé.Après une trilogie caribéenne, il sort In Waves qui tient autant du périple documentaire que de la saga mythologique. Une odyssée peuplée d'hommes et de femmes bien réels, de créatures marines et de dieux anciens à qui les navigateurs, jadis, demandèrent protection. « Na pua ri ki te va ka », chantaient les Polynésiens avant de lancer leur pirogue à l'eau. « Ceci est mon bateau, que l'Océan soit mon embarcation ». Parmi ces navigateurs, Cynthia Abraham, François Ladrezeau, Armelle Cippe et ses chœurs sont un lien entre la vague et le divin. Ils parlent la langue de l'océan. Ils chantent les premiers marins qui peuplèrent le Pacifique entre 4000 et 1500 avant Jésus-Christ.Titres joués dans l'émission :  In Waves, Theuykhong, Rituals (Remix by Molecule) et Devenir.► Album In Waves (Gaya Music Prod 2024) + livre photo en tirage limité.Site - YouTube - In Waves EPK - Bandcamp.

La Réunion, La Nouvelle-Orléans et Haïti sont convoqués dans cette magnifique session live ! (Rediffusion) Nos 1ers invités sont le groupe Grèn Sémé pour la sortie de l'EP Maloya Gazé + remixs Genre musical majeur de La Réunion, le Maloya, devient « gazé » (fou) à travers les sons composés par Grèn Sémé pour ce nouvel EP.Un maloya gazé qui se conjugue entre inspiration directe de la plus pure ligne de cette musique traditionnelle réunionnaise et son évolution, très actuelle, signature du groupe Grèn Semé.Composé en marge des sessions studio du dernier album en date, «Zamroza», les trois premiers titres de ce tout nouvel E.P révèlent cette facette solaire de la formation créole.On y goûte l'amour du texte et la soif de découverte. Et on savoure la justesse du mélange de leurs compositions. Entre inspiration de la tradition des plus grands morceaux en chants/percussion de l'histoire de l'île et les arrangements si singuliers et identifiables du groupe, Grèn Sémé offre trois hymnes qui se prêtent à merveille à l'exercice du remix. Bonus de luxe : les 3 Remixs de Voilaaa + La Dame + Guiss Guiss Bou bess. Voilaaa et le fabuleux Bruno Patchworks se sont emparés de « Siko » pour créer un hit de bal cap-verdien, funana avec ses mélodies entêtantes, c'est ultra-dansant ! La Dame, productrice et DJ de Belgique, remixe le titre éponyme vers une batida efficace pour le dance floor, les DJs et les danseurs. Les Guiss Guiss Bou Bess poussent un peu plus loin l'exercice du remix en ajoutant les sabars sénégalais et le chant de Mara Seck leader du groupe, répond à Carlo de Sacco sur le titre «Alkol», c'est beau et provoque une véritable explosion de joie et d'émotions.Titres joués au grand studio- Tanbour Live RFI + RFI Vidéos (titre «tanbour»)- Alkol, extrait Cd (Voilaaa remix) - Siko Live RFI + RFI Vidéos (titre «Siko»).Vidéo  Line Up : Carlo de Sacco (Chant, Kayanm, Tambour malbar), Mickaël Beaulieu (Synthé, chœurs), Bruno Cadet (Guitares, chœurs), Rémi Cazal (Programmation, synthé, chœurs) et Germain Lebot (Percussions, batterie, chœurs).+ Cedric Corrieri (Tech Son).Son : Mathias Taylor, Camille Roch.                                                                             RFI Vidéos : Dominique Fiant, Cyril Etienne, Christophe Valette, réalisation : Vanille Foucher.► EP Maloya Gazé (Markotaz 2024).Site Markotaz. YouTube mini concert Grèn Sémé : Les 3 titres filmés par RFI Vidéos, à savoir Bhopal, Tanbour et SikoSite Grèn Sémé - Facebook - YouTube.#musique #maloya #îledelareunion Puis la #SessionLive reçoit Leyla McCalla pour la sortie de l'album Sun Without The Heat.Née à New York d'un couple d'émigrants et d'activistes haïtiens, Leyla McCalla a développé une fascination précoce pour Haïti et sa culture, en partie grâce au temps qu'elle a passé chez sa grand-mère lorsqu'elle était enfant. Après avoir déménagé au Ghana pendant deux ans et obtenu plus tard son diplôme, elle a finalement dérivé vers le sud jusqu'à la Nouvelle-Orléans, où elle voulait gagner sa vie en jouant du violoncelle dans les rues du quartier français.Son dévouement à éclairer les racines noires de la culture américaine l'a finalement conduite aux Carolina Chocolate Drops. Après deux ans de tournée et d'enregistrement avec le groupe lauréat d'un Grammy Award, elle part poursuivre sa propre carrière en tant qu'artiste solo. L'album Sun Whithout The Heat est son 5ème enregistrement studio. Tout au long des dix titres de l'album, McCalla parvient à un équilibre entre pesanteur et légèreté grâce à des mélodies et des rythmes issus de diverses formes de musique afro-diasporique, notamment l'afrobeat, les modalités éthiopiennes, le tropicalisme brésilien, ainsi que le folk et le blues américains. Titres joués au grand studio- Take Me Away Live RFI- Scaled To Survive, extrait de l'album- Give Yourself a Break Live RFI.Line Up : Leyla McCalla, chant, Pete Olynciw, basse, Nathum Zdybel, guitars, Caito Sanchez, batterie.Son : Mathias Taylor, Camille Roch, Jérémie Besset.► Album Sun Without The Heat (Label: Anti-/Pias 2024). YouTube - Site - facebook.#musique #folk #blues #nouvelleorleans #haïti

Quatrième Pyramide d'Égypte ou 7e colonne du temple romain de Jupiter à Baalbek : l'Égyptienne Oum Kalsoum et la Libanaise Fayrouz nourrissent toujours l'inconscient collectif arabe. Et la littérature. Avec Ysabel Saiah Baudis et Marjorie Bertin qui ont écrit respectivement sur Oum Kalsoum et Fayrouz.Notre 1ère invitée est la journaliste Marjorie Bertin (qui travaille à RFI) pour la parution de « Fayrouz, Moi je chante l'humanité », aux éditions Orients.Elle est considérée comme la dernière légende vivante du monde arabe. « Ambassadrice du Liban à travers le monde », Fayrouz a enregistré plus de 800 chansons, sorti une cinquantaine d'albums et joué dans une vingtaine de films et de comédies musicales. Celle qui refusa de quitter son pays pendant la guerre civile libanaise incarne plus qu'aucune autre chanteuse un symbole de paix et d'espoir. Pourtant, on en sait peu sur elle, épouse d'Assi Rahbani, qui avec son frère Mansour révolutionna la musique libanaise du XXème siècle. Son fils Ziad, artiste engagé et enfant prodige de la scène libanaise, assurera le tournant jazz de la carrière de sa mère à partir de la fin des années 1970.Comment Fayrouz est-elle devenue la dernière icône révérée dans tout le monde arabe ? Pour la première fois, un livre en français retrace l'histoire de cette chanteuse légendaire. Titres joués :Atini el nay wa ghani (Donne-moi la flûte et chante) d'après Khalil GibranAbbaytak belsaif (Je t'ai aimé l'été)Kifak inta (qui marque le tournant de sa musique avec son fils Ziad)Li Beyrouth (concerto d'Aranjuez et magnifique poème sur la ville, sorti pendant la guerre).► Culture Prime Fayrouz► « Fayrouz, Moi je chante l'humanité » chez Orients   Puis nous recevons la journaliste et éditrice Ysabel Saiah Baudis, qui réédite « Oum Kalsoum, l'étoile de l'Orient » « Elle est toujours vivante ! », confie Ysabel Saïah Baudis. C'est la nature des génies, car cela fait  50 ans que la diva égyptienne est décédée (3 février 1975) et pourtant, on l'entend, on la voit, elle tagguée, reprise, commentée. Sa vie est digne des plus beaux contes orientaux : née pauvre, paysanne, fille d'un religieux, elle possède un don qu'elle cultivera grâce à sa farouche détermination. La chance aidant, elle rencontrera les plus grands poètes et musiciens qui l'accompagneront dans son ascension. Adulée de son vivant par le président de l'Égypte aussi bien que par l'homme du peuple, elle accompagnera toutes les luttes de liberté, d'instruction, d'ouverture et de progrès techniques du XXème siècle. Elle reste la Voix qui guide et réunit tout le monde arabe.À l'occasion des 50 ans de sa disparition, la Philharmonie de Paris propose une semaine spéciale avec concert hommage le 2 février.Extraits joués : Al Atlal, Weddad, 1ère comédie musicale de la diva.► Philharmonie de Paris du 30 janvier au 2 février ► IMA ► Olympia Paris 1967 ► Orients Éditions ► Culture Prime Oum.

Du nu reggae au manouche, en passant par le jazz, la #SessionLive reçoit 2 noms de la scène hexagonale. Nos 1ers invités sont les Doigts de l'Homme pour la sortie de Erratic, The Art of Roaming.Les Doigts de L'Homme fêtent leurs 20 ans. Pour cela, ils sortent un double album ambitieux qui illustre le trajet parcouru le long de ces nombreuses années avec une approche encore plus inédite et personnelle. De l'acoustique à l'électrique, 23 titres autour d'un jazz de création, «guitaristique», coloré et exigeant. Et pour respecter la tradition : à chaque nouvel album, un nouvel instrument invité !... C'est le batteur Pierre Rettien qui rejoint l'équipe pour illustrer ce passage à l'électrique. Erratic deuxième single tiré du double album Erratic, The Art Of Roaming qui est sorti le 20 septembre 2024. Accepter le désordre, ne pas suivre de ligne de conduite, laisser émerger librement ce qu'il en résulte, dans la vie comme dans la musique, accepter de se laisser malmener par l'imprévu, fuir l'ordre qui peu à peu s'établit. Ignorer l'influence du regard extérieur, celui qui finit par restreindre la véritable liberté de choisir. Laisser naître de ce qui semble être le chaos.Titres interprétés au grand studio- Dreaming of my Brothers Live RFI- Des Hommes Intègres, extrait du double album (cd Électrik)- Californian Christmas Live RFI.Line Up : Olivier Kikteff (guitare), Benoît Convert (guitare), Yannick Alcocer (guitare), Tanguy Blum (contrebasse) et Nazim Aliouche (percussions). Son : Mathias Taylor, Camille Roch.►  Album Erratic, The Art of Roaming (Lamastrock/ Inouïe Dist. 2024).YouTube - Bandcamp - Lamastrock.  Puis nous recevons Flox pour la sortie de Square.Flox est square. Carré, précis, direct. Il aime aller droit à l'essentiel, ne pas se perdre en considérations superflues. « Je n'ai pas le temps de faire de la merde », résume-t-il. Alors, son septième album s'intitule Square.Square correspond à un virage majeur dans la carrière du pionnier du nu reggae, extraordinaire artisan du studio qui joue de tous les instruments, s'enregistre, se mixe et se produit mais, pendant une douzaine d'années, montait sur scène avec des musiciens. Après avoir enregistré Square, il a commencé à tourner seul, équipé d'une machine qu'il a dessinée et construite avec des contrôleurs Midi pour lancer samples et boucles qu'il a enregistrés lui-même : « Il faut maîtriser tous les outils pour délivrer ce que l'on veut », répète-t-il depuis longtemps...Ce doux quinquagénaire franco-britannique au crâne lisse sourit, gentiment moqueur : « Il y a tellement d'outils si faciles qui permettent de sortir des albums alors que l'on est encore en phase d'apprentissage ou d'acquisition que beaucoup se brûlent les ailes. »Flox sait si bien combien son chemin a demandé de patience, de précision et de passion. Il y a quelques décennies, il sort diplômé en reliure de ses cinq ans à l'École Estienne. Il est en pleine période punk et ne se voit pas travailler pour les vieux clients bourgeois des relieurs. Alors il devient informaticien et son premier salaire sert à payer la première traite d'une table de mixage à 25 000 francs. Après tout, Florian Gratton n'a jamais manqué de détermination et sait prendre des décisions tranchées. Avant lui, sa mère moitié kabyle, moitié française, s'est évadée en Grande-Bretagne à l'adolescence, a rencontré un acteur moitié anglais, moitié irlandais et ne revient en France qu'après la victoire de Mitterrand à la présidentielle de 1981. Florian a onze ans et se met à la batterie, son premier instrument. Peu à peu, il saura jouer d'un peu tout. « Je suis plus curieux que vraiment multiinstrumentiste. Je n'apprends de chaque instrument que ce qui me suffit pour faire de la musique. C'est un apprentissage ciblé. Il me faut des notes bien appuyées et bien placées. »Qu'on ne s'attende pas à une trajectoire classique de reggaeman. Sa porte d'entrée pour la musique jamaïcaine est franchement britannique avec Police, avant le drum'n'bass et le choc de la dub poetry de Linton Kwesi Johnson. « À part ça, j'ai autant été nourri de Bob Marley que des Pink Floyd. » À vingt ans, commence le temps des groupes. À trente ans, il dirige une batucada de trente percussionnistes. Mais il s'est fixé comme un cap de faire son premier album avant trente-cinq ans. Square est son 7è album.Titres interprétés au grand studio- Square Live RFI- In The Shade, extrait de l'album- Loose Live RFI.Line Up : Florian Gratton alias Flox (machines, voix).Son : Mathias Taylor, Camille Roch.►  Album Square (Underdog Records 2024).Site - YouTube - Bandcamp.

Knobisous suisses de la contrebassiste et chanteuse lausannoise Louise Knobil + Charlène et Claudine Civil pour leur livre « On nous a menti sur Haïti ! ». Notre 1ère invitée est Louise Knobil pour la sortie du 2è EP KnobisousKNOBIL est un projet de chanson en français, post-bop et jazz pailleté créé par la contrebassiste, chanteuse et compositrice lausannoise Louise Knobil. Influencée par Esperanza Spalding, Charles Mingus ou encore Boris Vian, elle utilise sa contrebasse et sa voix pour vous partager son journal intime musical, entre polyamour, manque de sommeil et recette de pesto.Ce deuxième EP intitulé Knobisous s'inscrit dans une démarche artistique de journal intime musical.En d'autres termes, Louise raconte ses différentes aventures et anecdotes au travers de six compositions originales dont les sujets principaux sont : le polyamour, les ruptures, les lessives, le coming-out queer et le patriarcat systémique. Les textes sont portés par le KNOBIL trio : clarinette basse (Chloé Marsigny), batterie (Vincent Andreae) et contrebasse/chant (Louise Knobil). Il se dégage de cette instrumentation particulière une énergie brute teintée de poésie fine, révélant la personnalité de chaque musicien.ne Louise Knobil invite Louis Matute, guitariste genevois bien connu des scènes suisses et européennes, sur  l'une de ses compositions « Comète ». La contrebassiste a également dessiné la pochette de son disque.Titres joués : Lampadaires, Lessives,  LEA, Comète.►  EP Knobisous (Unit Rd/The Orchard 2024).Site - Facebook - YouTube. Puis nous recevons Charlène et Claudine Civil pour leur livre « On nous a menti sur Haïti »Charlène et Claudine Civil, fondatrices de PAP'PADAP Travels et passionnées par leur terre d'origine, embarquent le lecteur au cœur de la 1ère République noire au monde. Dans ce 1er volume, elles racontent Haïti, du précolombien (Arawaks, Taïnos) jusqu'à nos jours.« Haïti… Combien de fois a-t-on décrit ce pays comme pauvre, gangréné par les gangs et marqués par les rites vaudous. Ce portait sombre a nourri l'imaginaire collectif pendant des décennies, cristallisant une vision biaisée et incomplète de ce joyau des Caraïbes. mais tout cela n'est qu'un mensonge ! »« On nous a menti sur Haïti ! » est un ouvrage hybride entre histoire et album illustré, qui revisite avec humour et pédagogie les moments-clés de l'histoire d'Haïti. À travers ce projet, les autrices souhaitent sensibiliser un large public à l'héritage historique et culturel haïtien, mais aussi engager la diaspora et les passionnés d'histoire dans une réflexion sur la richesse et les défis de ce patrimoine.Charlène travaille dans l'humanitaire et Claudine, dans le tourisme écoresponsable.Playlist des sœurs Civil- Tabou Combo Lakay- Tropicana d'Haïti Nou Renmen Duvalier- Leyla McCalla Fort Dimanche- Daniel Larivière Sérénade des mélomanes- Jonathan Perry Feat. Belo Si'w blé (Ayiti souri)- Boukman Eksperyans Imamou Lele.►  Livre « On nous a menti sur Haïti », volume1 par Charlène et Claudine Civil (auto-édition).Le volume 2 sera consacré à l'art et à l'héritage musical.- Facebook PAP'PADAP Travels - Le site internet du livre.

En amont de la saison France-Brésil 2025, la session live reçoit deux artistes de la diaspora brésilienne : Momo et Rio 77.  Notre 1er invité est Momo pour la sortie de son 7e album GiraLondres compte un nouveau talent brésilien : Momo ! Il fait partie de la récente génération d'artistes influencés par les classiques brésiliens, du tropicalisme des années 70 à Os Mutantes, en passant pas Milton Nascimenton. L'album a été enregistré dans l'est de Londres au Total Refreshment Center, avec des musiciens brésiliens et anglais, issus de la foisonnante scène jazz londonienne.Après une odyssée musicale qui l'a mené de Rio de Janeiro à l'Angola, au Michigan, à l'Espagne et à Lisbonne, Momo vit à Londres depuis trois ans.Son premier album A Estética do Rabisco, sorti en 2006, est désigné comme l'un des meilleurs albums de l'année par le Chicago Reader et lui ouvre la voie. Ses fans s'appellent Patti Smith, David Byrne…Gira signifie bouger, c'est un album pour danser, donc enregistré dans les conditions du direct au Total Refreshment Center, un centre créatif qui est à la fois un espace de concert, un atelier d'artiste et un studio depuis sa création en 2012.Titres interprétés au grand studioP​á​ra (Feat. Jessica Lauren) Live RFIRio, extrait de l'album Joao Live RFILine Up : Marcelo Frota (voix, guitare acoustique), Caetano Malta (basse)Traduction : Eva MassySon : Jérémie Besset, Mathias Taylor, Camille Roch► Album Gira (Batov Rd 2024)Site internet - YouTube - FacebookPuis nous recevons Rio 77 #SessionLive pour la sortie de l'EP Cultura e CivilizaçãoRio 77 provient directement du Brésil et de la MPB, la Música Popular Brasileira. Un répertoire riche et immense dans lequel Rio 77, métissage de musiciens brésiliens, français et anglais, a puisé pour construire Cultura e Civilização.En ramenant en 2024 cette sélection 70s', Rio 77 a laissé le curseur temporel à sa place, pour agir uniquement sur celui de l'esthétique. Funk et jazz sont au service de la chanteuse Paula Mirhan, de Thomas Renwick, guitariste de la scène jazz funk parisienne, du trompettiste Rubinho Antunes (Hermeto Pascoal, Marcos Valle, Milton Nascimiento, Gilberto Gil, Criollo), de Rui Barossi (Tom Zé). Le groupe Rio 77 est complété par deux soufflants parisiens, Matthieu Huteau et François Morin, le pianiste londonien Dave O'Brien et Mauro Martins, batteur brésilien qui accompagne régulièrement Toquinho et Tania Maria.Bref, c'est la classe décontractée d'un costume en lin par une chaude soirée carioca, toujours pieds nus pour danser sur le sable.Titres interprétés au grand studioTantas Mães Live RFIPara Lennon e McCartney (Milton Nascimento), extrait de l'albumDisse me Disse Live RFILine Up : Paula ​​​​​​​Mirhan (chant), ​​​​​​​Rui Barossi (basse électrique), ​​​​​​​Thomas ​​​​​​​Renwick (guitare électrique), ​​​​​​​Dave O'Brien (claviers), ​​​​​​​Mauro Martins (batterie), ​​​​​​​Rubinho ​​​​​​​Antunes (trompette), ​​​​​​​François Morin (trombone) et ​​​​​​​Matthieu Huteau (saxophone).Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset.► EP ​​​​​​​Cultura e Civilização (Cie Mamaya 2024)Site internet - YouTube Opéra Lyon 2024 - ​​​​​​​Facebook

Des roucoulades électriques italiennes (et espagnoles) à la transe malgache, sans transition ! Sophian Fanen propose sa sélection mensuelles de cinq nouveautés. En janvier 2025, les nommés sont :Andrea Laszlo De Simone, Un momento migliore (Hamburger Records, 2024)Soleá Morente, No temas nada (feat. Kiki Morente), tiré de l'album Mar en calma (Discos Probeticos, 2024)Mauricio Flores, No Funcionó (Palm Street Music, 2024)Ornella Vanoni, Sant'allegria (feat. Mahmood), tiré de l'album Diverse (BMG, 2024)Empress of, Someone I Know, tiré de l'album Like Someone I Know : a Celebration of Margo Guryan (Sub Pop Records, 2024)Puis, nous recevons Loya dans la #Sessionlive pour la sortie de Blakaz AntandroyBlakaz Antandroy est un album innovant créé par Loya en collaboration avec la famille Remanindry, composée du père Remanindry et de ses enfants, Samba, Nindry, Isabelle et Adeline. Issus du peuple Antandroy, une communauté chamanique du sud de Madagascar, ces artistes utilisent leurs chants et instruments traditionnels pour invoquer les esprits « Kukulamp » et ainsi soigner les villageois, éloignés de toute médecine moderne. L'origine de ce projet unique remonte à une commande du Musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui demandait à Loya de concevoir un concert pour accompagner une exposition dédiée à Madagascar, en s'inspirant des archives sonores du musée. C'est ainsi que Loya découvre la musique de Remanindry et en tombe sous le charme. En 2019, il se rend à Tuléar pour rencontrer ce musicien en personne, donnant lieu à une rencontre musicale d'une rare intensité. De cette alchimie est née l'idée de collaborer sur Blakaz Antandroy, un projet ambitieux qui marie la musique chamanique Antandroy à l'univers de la musique électronique.Remanindry, comme Loya, est né dans l'océan Indien. Tous les deux grandissent en fréquentant des cérémonies faisant appel aux esprits. Les sons, les odeurs et les couleurs intenses lors des cérémonies spirituelles imprègnent profondément tous leurs sens. Loya arrive en Europe et s'initie aux instruments électroniques qu'il va maîtriser plus tard. Remanindry commence son apprentissage de la musique Antandroy sous la direction éclairée de sa belle-mère, elle-même percussionniste et chanteuse dans les cérémonies. Ancien lutteur, il découvre sa voix puissante qui résonne dans sa carrure imposante. Il apprend le lokanga (violon malgache) et intègre tout le répertoire de sa famille. Il pratique les cérémonies dans tout le sud de Madagascar et décide d'habiter à Tuléar lorsque sa famille s'agrandit. Il fait la rencontre d'autres musiciens malgaches, notamment Régis Gizavo qui découvre tout son talent exceptionnel. Il a été aussi membre du groupe Ny Malegasy Orkestra qui a porté l'étendard de la chanson malgache à l'international. De son côté, Loya commence son apprentissage en devenant ingénieur informaticien. Il apprend à maîtriser les machines et en parallèle entame un parcours d'apprentissage dans les musiques classiques et le jazz. Autodidacte dans les musiques électroniques, il développe son propre processus pour retranscrire les musiques traditionnelles de l'océan Indien sur ses machines.Titres interprétés au grand studioKoulé Live RFIBe Sadia + Tokalava + Zilikala Ekarety, extraits de l'albumKukulamp Live RFILine Up : Sébatien Lejeune alias Loya (machines)Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor et Camille Roch► Album Blakaz Antandroy (LZ Records 2024)Site internet - YouTube - Facebook

Du blues burkinabè de Soba à l'afro-latin tropical d'Ayom. (Rediffusion) Nos 1ers invités : le trio Soba pour la sortie du 1er album FimanFormé par le chanteur-guitariste Moussa Koita, l'harmoniciste Vincent Bucher et le batteur Émile Biayenda, Soba renoue les liens entre la chanson mandingue et le blues du Mississippi. Soit un afro-blues aussi rustique que lumineux, au moyen duquel le trio explore les recoins de l'âme humaine. Pour remonter aux racines du blues, il faut rejoindre le Mississippi depuis Chicago, naviguer vers le Sud jusqu'à la Nouvelle-Orléans via Memphis, puis embarquer pour les Caraïbes et finalement traverser l'Atlantique jusqu'aux rivages d'Afrique de l'Ouest depuis lesquels le rhizome se ramifie via les fleuves Niger et Congo. On peut lire Le pays où naquit le blues, d'Alan Lomax, ou regarder «Du Mali au Mississippi : Feel Like Going Home», de Martin Scorsese. On peut se plonger dans les enregistrements historiques, du pionnier américain W. C. Handy jusqu'au maître malien Ali Farka Touré. Pour tout comprendre des voyages qui forment l'éternelle jeunesse du blues, on peut enfin écouter un album lumineux grâce auquel tout s'éclaire : Fiman, du trio franco-burkinabè Soba. Soba désigne «la grande maison» en dioula, le parler mandingue notamment pratiqué au Burkina Faso. Foyer des retrouvailles amicales et des complicités musicales, Soba est le toit sous lequel se rencontrent Moussa Koita, Vincent Bucher et Émile Biayenda. La formation s'est échafaudée au fil des six dernières années, depuis que ses membres ont fait connaissance dans les projets des autres, jusqu'à vouloir ériger leur groupe sur les fondations du blues qu'ils ont en commun.Entre Moussa Koita et Vincent Bucher, la collaboration s'est ainsi nouée dans le groupe d'Abou Diarra, le maître malien du kamele n'goni qui creuse la source du blues mandingue. L'intuition s'est vite confirmée qu'ils étaient faits pour jouer ensemble. Guitariste et chanteur burkinabè, né dans une famille de griots de Bobo-Dioulasso, Moussa Koita a écumé l'underground parisien où sa réputation est élogieuse dans les domaines des musiques traditionnelles ouest-africaines, du reggae et de la soul, en plus de travailler avec le groupe Rivière noire et la chanteuse Kady Diarra. De vingt-deux ans son aîné, l'harmoniciste Vincent Bucher s'est d'abord passionné pour le blues originel. Immergé dans la « sono mondiale » parisienne du début des années 1980, puis complice de CharlElie Couture, Bill Deraime, Patrick Verbecke et du Heritage Blues Orchestra nommé aux Grammy Awards en 2013, il a noué des compagnonnages fructueux avec le polyinstrumentiste franco-malgache Tao Ravao et l'éminent guitariste malien Boubacar Traoré. À l'époque où les deux musiciens épaulent Abou Diarra, Moussa Koita développe déjà, avec une créativité prolixe, ses propres projets de chanson mandingue contemporaine sur lesquels Vincent Bucher pose parfois des parties d'harmonica. L'idée germe bientôt de jeter un pont avec le blues mississippien, dans son essence la plus rustique. Le duo vérifie rapidement que la connexion fonctionne. Pour bien faire, il ne manque plus qu'un batteur-percussionniste qui indiquerait la rythmique inhérente au genre. Musicien parmi les plus prisés de la diaspora subsaharienne, explorateur des hybridations entre le jazz et les rituels ancestraux, au point de s'immerger pendant six mois avec les pygmées Mbenga, Émile Biayenda est tout indiqué. Après avoir côtoyé Vincent Bucher avec Tao Ravao et les Tambours de Brazza, il a fait la connaissance de Moussa Koita dans le groupe de Sam Mangwana, légende de la rumba congolaise. Moussa, Vincent, Émile : les astres sont alignés. Le trio est né.Titres interprétés au grand studio- Fiman Live RFI- Horonke, extrait de l'album- Tounga Live RFILine Up : Moussa Koita (chant, guitare), Vincent Bucher (harmonica) et Emile Biayenda (batterie, cajon).Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant et Camille Roch► Album Fiman (MDC/Pias Integral 2024)YouTube - facebook - instagramPuis nous recevons le groupe Ayom pour la sortie de l'album SaLiVa.Ayom est un groupe de 6 voyageurs : Jabu, une Brésilienne ; Alberto, un Italien résidant en Espagne ; Timoteo, d'origine grecque et italienne ; Francesco, également Italien, Ricardo et Walter, tous deux Angolais. Ils se sont réunis autour d'une passion commune pour la musique de la diaspora africaine et lusophone en particulier (Brésil, Angola, Cap-Vert), et trouvé à Lisbonne, une sorte de patrie.Après avoir joué avec le Black Atlantic Tour dans le monde entier, Ayom sort l'album Sa.Li.Va, un acronyme représentant 3 impulsions : « SA-grado » (sacralité), « LI-berdade » (liberté et amour) et « VA-lentia » (courage).L'album est une trilogie, avec 3 titres reliés au Sacré, 3 autres qui célèbrent la liberté, l'amour et la vie, et les 3 dernières qui abordent les thèmes de lutte contre les injustices, le racisme, la machisme et la colonisation. Sur cet album, on chante en italien, en portugais ou en yoruba.Titres interprétés au grand studio- Filhos da Seca Live RFI- Vestido de Fogo, extrait de l'album- Eu Me Quero Mais Live RFILine Up : Jabu Morales (chant, percussions), Timoteo Grignani (percussions), Alberto Becucci (accordéon) et Ricardo Quinteira (guitare électrique)Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant et Camille Roch► Album Sa Li Va (Ayom music, l'Autre Dist. 2024)Site - facebook - YouTubeÀ lire dans The GuardianRéalisation : Donatien Cahu

Afropop, zouk et yole traditionnel de Guinée et écriture automatique. (Rediffusion) Notre 1er invité est Olivier Conan pour son nouveau projet Combo Daguerre.Basé à New York, Combo Daguerre est le nouveau projet d'Olivier Conan qui, après avoir passé plus d'une décennie immergé dans le monde de la cumbia psychédélique avec son groupe Chicha Libre, a maintenant mis au point un répertoire original de thèmes francophones joué en mode psychédélique. Le groupe est composé de musiciens latins établis à Brooklyn, et les influences multiples comprennent le boléro, la cumbia, le rock 60's ainsi que d'évidentes influences gainsbouriennes et surréalistes. Chicha Libre est devenu un groupe culte en Amérique du Sud et au Mexique et Combo Daguerre est un peu l'héritier francophone d'un projet qui n'aurait pu naître qu'à New York où les frontières culturelles et linguistiques sont fluides et les influences pan-latines débordent sur tous les mondes musicaux : du rock, au hip-hop - et maintenant la chanson. Les thèmes à la fois joyeux et sérieux sont ceux de l'exil, de la nostalgie déplacée et d'une langue frelatée par la distance. Le dessin qui illustre la pochette tire son inspiration des têtes de cheval des boucheries chevalines parisiennes. Un symbole bicéphale qui représenterait un empire disparu ?Après 30 ans passés à Brooklyn, terre peu sainte où le français n'existe que dans des formes créolisées, mon français boite des deux jambes. Ma nostalgie se nourrit d'une langue et de souvenirs tous les deux reconstitués. Je ne contrôle ni la grammaire, ni le lexique, ni même la chronologie. Les images de mon enfance parisienne sont maculées, mâtinées d'images de mes aïeux, de photos de classe et de cartes postales d'une autre époque. Mes souvenirs pourraient être ceux d'un autre. Je, bien sûr, pourrait être un autre. Le Paris où je crois avoir grandi est peut-être bien celui de Rivette et de Truffaut. En tout cas, je crois le reconnaitre dans le Daguerréotypes de Varda (parce que j'ai été un enfant du 14ème), voire dans Les Maléfices de Jacques Yonnet ou Les Nuits de Paris de Restif de la Bretonne. Les paroles de Combo Daguerre sont placées sous le signe de Fracassines - une chanson écrite Dieu sait quand et Dieu sait comment, et qui est apparue - comme une vierge chrétienne - sans prévenir. Génération spontanée, écriture automatique. Le reste de l'album est parsemé de bribes inconsciemment glanées au hit-parade de la poésie française parce qu'après trente ans d'absence, tout ce qui demeure de cette culture enfouie, c'est une eau polluée dans laquelle flottent les scories d'une culture française élémentaire. Fracassines est un travail automatique avec peu d'interventions conscientes. Olivier Conan.Titres jouésFracassinesParoles trouvées sur mon écran d'ordinateur sans souvenir de les avoir écrites. Qu'elles ne signifient pas grand-chose est presque rassurant.88 rue Daguerre Cumbia Instrumentale du guitariste péruvien Felipe Wurst. 88 rue Daguerre est l'adresse d'Agnès Varda.Daguerre ParisLe Petit BossuChanson du XVIème siècle. La version qu'Yvonne George chantait dans les années 20 était en fait une icône de l'élite littéraire de l'époque. Amie de Cocteau (qui ne l'était pas ?) et de sa coterie. Desnos tombe amoureux d'elle et lui dédie son A la Mysterieuse (j'ai tant rêvé de toi..) et en fait l'héroïne de son roman «Le vin est tiré». Yvonne George n'est pas convaincue. Elle préfère les femmes, et l'opium. Elle meurt à 33 ans, comme une rock star. ► Album Fracassines (Barbès Rd 2024).Site Combo Daguerre - facebook - Barbès Records bandcamp.Puis nous recevons Abdoulaye Kouyaté dans la #SessionLive pour la sortie de l'album Fefanyi – Le Bienfaiteur.Après des années passées à sublimer les musiques des artistes qu'il accompagne par son jeu de guitare et la douceur de sa Kora (Ba Cissoko, Mariama, Jain et Gabi Hartmann entre autres), Abdoulaye Kouyaté met son énergie créatrice dans un projet personnel qui rassemble ses compositions originales. En plus du guitariste virtuose, on découvre qu'Abdoulaye Kouyaté est un orfèvre de mélodies et un chanteur au timbre feutré. Tantôt profonde et touchante, tantôt rythmée et dansante, sa musique métissée oscille entre ballades, instrumentaux à la kora et des morceaux aux sonorités afropop empruntant leur rythmique au coupé décalé, au zouk ou au yolé traditionnel de Guinée. Abdoulaye confie la réalisation de l'album à Patrick Ruffino et s'accompagne de Yannick Vela à la basse et Nicolas Grupp à la batterie. L'album est enrichi par les précieuses contributions du joueur de flûte peule Dramane Dembele, de la chanteuse Gabi Hartmann, du bassiste Guy Nsangué, du saxophoniste Robbie Marshall, du violoncelliste Guillaume Latil, du djembefola Dartagnan Camara et des choeurs de la chanteuse Djene Kouyaté.Ce premier disque affiche une diversité étonnante. Chantés en Soussou (la langue de la capitale guinéenne, Conakry) et en français, plusieurs titres s'inspirent de la jeunesse romanesque d'Abdoulaye dans le Conakry des années 1990-2000. Une époque où il se perfectionnait à la guitare en suivant à la trace les musiciens de son quartier, animait avec son groupe de folles soirées expatriés au Grand Hôtel Camayenne, et tombait amoureux pour la première fois (Inondi, Doumedira, On fait quoi ? et Nitanama notamment). À l'insouciance guinéenne, succède la jungle de l'Europe, la vie d'adulte, les responsabilités, le froid, et les apprentissages difficiles. Ces leçons de vie inspirent notamment les morceaux Douniéma (le rancunier), Saré (tout à un prix) ou Inamakana (si tu ne peux pas aider ton prochain, ne l'enfonce pas). Le morceau Fefanyi (le bienfaiteur) qui donne le titre de l'album reprend la tradition des griots, dont les Kouyaté sont issus, de « chanter les louanges » des grands Hommes, des généreux bienfaiteurs. Suivant le chemin ouvert par son père Sekou Kouyaté, griot moderne, guitariste respecté et chef d'orchestre de Miriam Makeba durant ses années d'exil en Guinée, Abdoulaye Kouyaté façonne son jeu de guitare à l'écoute du jazz, du funk, du reggae, le Son Cubano ou de la Biguine antillaise tout en lui donnant des sonorités mandingues. Il cite Paul Simon et Georges Benson en inspiration. En Guinée, on l'affuble du surnom «jazzman» en raison de son style qui s'écarte du mandingue traditionnel. Lorsque son père tombe malade, Abdoulaye le remplace en tant que joueur de kora dans Circus Baobab. Avec ce premier cirque d'Afrique de l'Ouest, il sillonnera le monde pendant une décennie, avant de s'établir à Marseille puis à Paris. Titres interprétés au grand studio- Inondi Live RFI  - Toi Tu Penses nous on bouge, extrait de l'album- Inamakana Live RFILine Up : Abdoulaye Kouyaté - voix, guitare - Thierry Fournel - guitare - Yannick Vela - basse - Nicolas Grupp – batterieSon : Benoît Letirant, Mathias Taylor► Album Fefanyi – Le Bienfaiteur (Reva prod – Rock'n hall 2024)Site - YouTube - Facebook

Jacky iDO a les mots dans la peau, au point qu'on aime imaginer que ce généreux sourire, si souvent accroché à ses lèvres, est là pour leur dérouler le plus beau des tapis rouges : un peu comme dans un conte, sa bouche libère les mots pour leur donner mille tournures. Les cadencer, les faire claquer, les amarrer à l'âme, aux bleus, au cœur, leur faire prendre des sens interdits, les faire rougir et les conjuguer dans plusieurs langues, au pluriel, Jacky iDO a fait du verbe le concert de sa vie. De l'Afrique à l'Amérique en passant par l'Europe, il les a élus guide pour relier les trois points cardinaux de son histoire et de son territoire. Devant une caméra ou derrière un micro, le langage chez lui est tension. Tension vers lui-même pour mieux tendre vers l'autre. Parallèlement à sa carrière d'acteur internationale au cinéma (avec Quentin Tarantino, Claude Lelouch, Luc Besson...) et au théâtre (Bérénice, Phèdre, mis en scène par Muriel Mayette-Holtz), il revient à ses premières amours : le slam et la musique.En 2023, il remonte la scène Slamaleikoum, créée début des années 2000 avec Grand Corps Malade et qu'il anime aujourd'hui une fois par mois au 360 Paris Music Factory. Dans ce chorus de voix, Jacky iDO affûte aussi la sienne et enregistre en 2023 son premier album, coréalisé avec Cyril Giroux, aux studios Ferber à Paris et ICP à Bruxelles (sortie automne 2024). Caisse de résonance de son triangle identitaire, cet album retrace l'itinéraire d'une vie tournée vers la nôtre. Ses fulgurances, ses combats, ses espoirs se font l'écho de nos parcours. Jacky iDO slame, rappe et chante en français, anglais et moré. Des cordes classiques à celles d'un n'goni ou d'un ukulélé, d'un beat hip-hop à un groove chaloupé, il nous embarque avec ses musiciens Les Choco'Latés dans le labyrinthe d'une musique ouverte aux vents des mots et des rêves.Titres interprétés au grand studio :- Slamaleikoum, Live RFI- La Cause, extrait de l'album Ouaga Doux Goût, Live RFILine Up : Jacky iDO, chant, Jean-Charles Acquaviva, piano, Frédérique Alié, chant, Clément Febvre, batterie, Guimba Kouyaté, guitare, Sébastien Moreau, piano, Simon Renard, guitare & Frédérique Briard. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant► Album iDO donc je suis (BROOKLYNAFASO 2024).Site internet - Instagram - Facebook+ Playlist autour de James Baldwin, à l'occasion de son centenaire.- Meshell Ndegeocello Travel, tiré de l'album No More Water, The Gospel of James Baldwin (Blue Note Rd 2024)- Nina Simone Four Women- James Baldwin & David Linx A Lover's QuestionSite internet Meshell NdegeocelloRéalisation : Donatien Cahu(Rediffusion)

De l'afrobeat japonais, de la pop ouzbèke oubliée, des BOF transmusicales, en piste ! Tous les mois, le critique musical Sophian Fanen propose une playlist de 5 titres. (Rediffusion) Playlist - Adriana Paz & Mexican Choir, Las Damas que Pasan, tiré de la «Bande originale du film Emilia Pérez» (Why Not / Masterworks, 2024)- Panda Bear & Sonic Boom, Viviendo en las sequelas (Mariachi 2000 de Cutberto Perez Version), tiré du EP Reset Mariachi (Domino Recording, 2024)- Angelina Petrosova, Tantsuyushchiy Ostrov (Dancing Island), tiré de la compilation «Synthesizing the Silk Roads: Uzbek Disco, Tajik Folktronica, Uyghur Rock & Tatar Jazz from 1980s Soviet Central Asia» (Ostinato Records, 2024)- Kyrylo Stetsenko, Play, the Violin, Play (feat. Tetiana Kocherhina), tiré de la compilation «Even the Forest Hums: Ukrainian Sonic Archives 1971-1996» (Light in the Attic, 2024)- Kit Sebastian, Metropolis, tiré de l'album New Internationale (Brainfeeder, 2024).Puis nous recevons le groupe japonais Ajate pour la sortie de l'album Dala Toni.AJATE sort son 3ème album DALA TONI sur le label 180g. Dala Toni d'AJATE est un album qui célèbre la puissance de la connexion humaine, soulignant que nous sommes plus forts ensemble. Il nous invite à transcender les distances, à partager la beauté du quotidien et à enrichir nos vies mutuellement. Cet opus mêle émotions, joie et résilience, chaque chanson étant une exploration des profondeurs de l'âme humaine. À travers sa musique poignante, AJATE nous rappelle que nous ne sommes jamais seuls, offrant une expérience immersive de réconfort et d'inspiration. DALA TONI est une invitation à découvrir la magie de l'union humaine, promettant un voyage où l'amour et la force s'harmonisent.Le musicien japonais « John » Imaeda, lors d'un séjour en Afrique de l'Ouest, est un jour pris de stupéfaction par les similarités qu'il ressent entre l'afrobeat qui résonne dans les rues d'Accra et les sonorités du «Ohayashi» , les musiques jouées lors des fêtes ancestrales japonaises – les fameuses «Matsuri» - auxquelles John participe depuis son enfance. A son retour dans l'archipel en 2009, il crée le groupe AJATE, collectif de 10 musiciens passionnés. Leur son unique passe d'un monde à l'autre, joue des rythmes et des mélodies pour créer une musique unique aux racines entremêlées. Aux tambours, aux flûtes et aux cloches, viennent se joindre de curieux instruments faits main par John lui-même avec le matériau incontournable des campagnes japonaises : le bambou.Le « Jaate », xylophone-balafon doté de capteurs piézoélectriques sur chacune de ses touches et au son amplifié, ou le « Piechiku » version bambou du « Ngoni » malien ou du « Guembri » gnawa, équipé de cordes de shamisen et connecté à un arsenal de pédales guitare, donnent a AJATE une sonorité unique. Des chants féminins et masculins japonais puissants et entraînants comme jamais apportent la touche finale d'un groove extraordinaire et novateur, ou Afrobeat et musique Japonaise traditionnelle sont comme un poisson dans l'eau.Titres interprétés au grand studio- Nagi Yoni Live RFI- Iduchihemo, extrait de l'album- Waya Yawa Live RFILine Up : Junichiro «John» IMAEDA, Piechiku (guitare en bambou), vocal chorus, Yukio «Gen» SATO, vocal, chorus take (cylindre en bambou) NORIKO «Nyori» OTA, jaate (xylophone en bambou), Takako UCHIDA «Peppermint U», vocal, chorus, tamasudare (bamboo toy, traditional busking Japan), Kazuki «Cho-san» CHONAN, Shinobue (flûte japonaise en bambou), Keigo «Shin-san» YAMADA, Shime-taiko (Japanese trad high-pitched drum), Yugo AKAMATSU, Kane (jap trad metal percussion), Masaho «Doncic» TAMURA, Ohdo (jap trad low-pitched drum), Tomohiko «Kick-Rin» KIKUCHI, basse, Kenta Takeda, guitare + traduction japonais / français Gregory Gouty.Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor►  Album Dala Toni (180g 2024)Réalisation : Donatien CahuSite - Chaîne YouTube - Facebook

Des rives du Rio de la Plata, pour un tango brut de décoffrage aux paysages amazoniens dessinés par Nana Vasconcelos #SessionLive. (Rediffusion) Viva Nana est un hommage vibrant et spirituel au percussionniste brésilien Nanà Vasconcelos, par les sourciers Fred Soul et Zé Luis Nascimento.Originaire de Recife, le percussionniste Naná Vasconcelos, décédé en 2016, a laissé une empreinte exceptionnelle et pleine de grâce sur le monde de la musique ; il a collaboré avec Gilberto Gil, Gal Costa, Don Cherry, Talking Heads, Arto Lindsay, Pierre Barouh, Pina Bausch, Art Blakey, Gato Barbieri, Pat Metheny ou encore Egberto Gismonti. Fred Soul et Zé Luis Nascimento sont les invités de choix de l'orchestre des sons, de la magie du son vivant et vibrant dont Naná Vasconcelos aimait les cheminements, les sentiers secrets, l'éblouissement. Ces deux musiciens inventifs et libres rendent hommage à ce maître incontesté des percussions qui puisait inlassablement dans la nature et dans les éléments, les nutriments de la musique.Sourciers, Fred Soul et Zé Luis Nascimento explorent, comme le fit Nana Vasconcelos au fil des ans, le champ d'improvisation pour faire jaillir ce que les sons mêlés, pour qui prête attention, révèlent de la pulsation de la vie. Éole s'enroule, chante et gémit dans la corde du berimbau ; les mains font gronder le tonnerre en « batucant » les cordes du piano. Des caxixis naissent un bruissement de branchage, le clapotis de l'eau, le cliquetis subtil des graines et des fragments de coquilles répondant à la mélodie forte de syncrétisme et d'inspirations multiples.Créateurs de passerelles musicales et percussives qui vont de l'Afrique au Brésil, du Brésil à l'Occident, Fred Soul et Zé Luis Nascimento puisent dans l'océan sonore de Naná Vasconcelos, une inspiration sans cesse renouvelée, tel ce « vent appelant le vent » dont on ne sait pas d'où il vient ni où il va, mais qui porte en lui une mémoire ancestrale du chant du Monde qui jamais ne finit.Zé Luis NascimentoPercussionniste brésilien virtuose, originaire de Salvador de Bahia. Soliste et assistant à la direction musicale, il enchaîne les tournées mondiales avec le ballet folklorique de Bahia, au sein duquel il a été formé.Arrivé en France en 1996, il s'ouvre aux styles des percussions orientales et occidentales et élabore alors un vocabulaire rythmique profondément original, mêlant des instruments très variés, qu'il rassemble dans un discours musical d'une grande cohérence. Sur scène ou en studio, il collabore avec des artistes comme : Titi Robin, Mayra Andrade, Ayo, Cesária Évora, Al Di Meola, Sixun, Tania Maria, Lokua Kanza, Oumou Sangaré, Tété, Souad Massi, Vladimir Cosma, Michel Legrand, Jacques Morelenbaum, Georges Moustaki, entre autres. Il dit avant tout « vouloir servir la musique ». Inspiré, élégant et puissant, tel se définit l'univers musical de Zé Luis Nascimento.Fred SoulFred Soul a grandi en France au sein d'une famille de peintres et de musiciens. Initié à la musique dès l'âge de 5 ans, il évolue sur scène aux côtés de son père. Partagé entre cultures et instruments. La musique classique européenne pour le piano et les traditions de l'Orient pour les percussions. Son travail de compositeur et d'improvisateur se dirige vers la création d'un chemin entre le passé et le présent, l'Occident et l'Orient. Poly-instrumentiste virtuose et rythmicien hors pair, Fred Soul a le don et le secret de nous faire partager les poésies de son monde intérieur.Ses collaborations sont nombreuses : Sekouba Bambino, Julia Sarr, Nguyên Lê, Alune Wade, l'Orchestre national de Montpellier, Moriba Koïta, Sylvain Barou, Mayra Andrade, Manu Dibango, Boy Gé Mendes, Papa Wemba, Aziz Sahmaoui.Titres interprétés au grand studio- Viva Nana Live RFI clip - Odara Xire, extrait de l'album- Continuum Live RFILine Up : Fred Soul, piano, Ze Luis Nascimento, percussionsSon : Benoît Letirant, Jérémie Besset► Album Viva Nana (L'Autre Distribution 2024)Site internet Fred Soul – Instagram Zé Luis Nascimento – Facebook Zé Luis – YouTube Viva NanàPuis, nous recevons le trio argentin Tablao de Tango pour la sortie de l'album De Alcohol y Desamor #SessionLiveTablao de Tango ou le blues du port du Rio de la Plata.Immersion dans l'underground du tango, tel qu'il est né dans l'embouchure du Rio de la Plata fin XIXe, loin du « tango for export », des paillettes et de ses avatars spectaculaires, ce plateau de luxe de trois générations de solistes, et leurs instruments voyageurs, guitare, harmonica et voix, dessine un blues portuaire, radical et sans fioritures. Un chant d'exil D'alcool et de désamour toujours bien vivant aujourd'hui dans les boliches, les bistrots portègnes, portés par les interprètes les plus emblématiques du genre aujourd'hui. Un harmonica, une guitare et une voix. Des solistes argentins d'exception autour d'un maestro de la guitare : le tango à l'essentiel.Les personnages, la colonne vertébrale idéale pour cette réunion exceptionnelle de solistes, c'est la guitare. Celle de Rudi Flores et son art virtuose, irrémédiablement teintée de chamamé, le folklore de la région de Corrientes, fait d'elle l'alliée de luxe. Walter Laborde dit « El Chino », chanteur soliste, acteur, chanteur d'orchestre, ancien footballeur, « activiste » au sens politique du genre à l'image d'un Pugliese en son temps, est l'artisan emblématique du renouveau du tango chanté, conté au XXIe siècle. Le Tablao de Tango, c'est son histoire et son ADN, celle d'un tanguero pure souche. Franco Luciani, l'harmoniciste multi-primé, improvisateur hors pair, à la culture jazz, aussi à l'aise chez Piazzolla, que pour un hommage à Toots Thielemans, aussi inventif dans le folklore que dans la réinvention des tangos classiques. Avec son instrument-valise, qu'il transforme à sa guise en bandonéon ou en grand orchestre, il n'y a pas d'autres pareils pour incarner le tango, comme un blues. S'égrenant au rythme de la descente d'une bonne bouteille de vin, le Tablao de Tango incarne le tango au plus essentiel, c'est-à-dire métissé, syncrétique, « criollo », sans partitions, avec la base la plus simple, celle du dialogue du poète avec la guitare et la joie viscérale du partage. Ces chants « d'alcool et de désamour » mettent en scène un blues portuaire, sans fioritures, un chant issu des bas-fonds, tel le fado ou le rébétiko. Ce spectacle au dispositif simple – trois personnages autour d'une table et une bouteille de vin – est issu de la création Club de Tango, pour la Philharmonie de Paris. Il a réalisé quelque 36 concerts en 2023 en Europe et voyage sous forme de concert ou de concert-Milonga. Il peut être, et est aussi une scène ouverte (un tablao !) invitant danseurs, chanteurs ou autres musiciens.Titres interprétés au grand studio- Una cancion Live RFI avec RFI Vidéos- Vuelvo Al Sur feat. Sandra Rumolino- La Ultima Curda Live RFI avec RFI VidéosLine Up : El Chino Laborde, chant, Franco Luciano, harmonica, Rudi Flores, guitare avec Emmanuelle Honorin (Géomuse) et Roberto Burgos, traductionSon : Mathias Taylor, Benoît Letirant► Album De Alcohol y Desamor (Geomuse / Caramba Rd / Virgin / Universal 2024)Instagram – Facebook – Teaser

Jazz manouche revisité par Baptiste Herbin et sélection d'hiver de Sophian Fanen. Chaque mois, le critique musical Sophian Fanen chronique cinq nouveautés. En décembre, il sélectionne les oubliés de 2024 (ceux qu'on n'a pas eu le temps de diffuser). Le cours de rattrapage invite :Charli XCX, 360 Remix (Feat. Robyn et Yung Lean), tiré de l' album Brat and it's Completely Different but Also Still Brat (Atlantic Recording, 2024)Meryl, Zoukamine Freestyle, single (Maison caviar, 2024)Tiakola, Manon B Brazilian Remix (Feat Ryflo, Oskoow, MC Cebezinho), tiré de l'album BDLM vol. 1 (M3lo/Warner Music, 2024)Billie Eilish, Chihiro, tiré de l'album Hit me Hard and Soft (Darkroom/Interscope Records, 2024)Nala Sinephro, Continuum 1, tiré de l'album Endlessness (Warp Records, 2024)Puis la #SessionLive reçoit le Baptiste Herpin Trio pour la sortie de l'album Django !Prix Django Reinhardt et élu meilleur musicien de l'année 2019 par l'Académie du Jazz, Baptiste Herbin est un musicien international, qui a réalisé cinq albums sous son nom, travaillé avec les plus grands, tourné avec Aznavour en 2014.Voici la note d'intention de Daniel Yvinec : la préparation de ce disque fut d'une rare fluidité. Nous avons imaginé mille façons d'évoquer Django Reinhardt, à travers son époque, ses compositions, ses solos et dans les yeux de ceux qui lui ont rendu hommage. Chaque idée et chaque suggestion offertes à Baptiste furent couronnées de ripostes vives et stimulantes, comme si, peu à peu, le langage du génial manouche semblait épouser le sien, naturel, habité et jaillissant. Restait à la musique le soin de trouver sa place. Lors de deux journées intenses d'enregistrement, nous avons capté une quinzaine de titres et pris le temps d'en creuser chaque version, allant parfois jusqu'à six ou sept prises. À chaque nouvel essai, s'affinait le son (le laisser naître, ne jamais le forcer...), et se définissaient l'espace et les reliefs : les fulgurances seraient mises en valeur par les silences qu'on leur opposait. Django ! met en phase trois artistes d'exception. Jamais axés sur eux-mêmes, ils font en sorte, par une abnégation engagée et un impressionnant lâcher-prise, que le tout soit supérieur à la somme des parties. De Sylvain Romano émane un son de contrebasse profond et une clarté harmonique qui naturellement imposent l'essentiel. Avec André Ceccarelli (sur l'album, pas dans la session live, NDLC), c'est une signature incomparable, une vivacité folle et surtout un cœur énorme, qui s'offre tout entier à la musique. Ainsi, dans la nudité du trio, rien ne manque et tout se montre limpide. Baptiste Herbin se révèle d'une exceptionnelle profondeur. Son incomparable virtuosité fait place à une expression libérée de toute volonté qui révèle, tel un diamant brut, l'essence de la musique. Nous redécouvrons alors, ébahis, l'œuvre de Django sous une nouvelle incarnation authentique, collective et continuellement stimulante. Baptiste Herbin, sous son égide, devient lui-même un maître et s'envole vers des sommets d'inspiration fréquentés par les plus grands. Django ! nous révèle ainsi un artiste au sommet de son art, et célèbre la naissance d'un trio d'exception.Titres interprétés au grand studio- Night & Day Live RFI- Choro Django, extrait de l'album- Nuages / Valse de Wasso / Montagne Sainte-Geneviève Live RFI.Line up : Baptiste Herbin (saxophone alto), Sylvain Romano (contrebasse), Matthieu Chazarenc (batterie).Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch►  Album Django ! (Matrisse Prod. 2024)Site internet - EPK Baptiste Herbin Trio, Django ! - YouTube

#SessionLive x 2 avec l'auteure, interprète, compositrice réunionnaise Ann O'Aro & la harpiste, chanteuse et cheffe de chœur Sophye Soliveau. (Rediffusion) Notre 1ère invitée est Ann O'Aro pour la sortie de son 3ème album Bleu #SessionLiveAprès le premier album éponyme (Ann O'Aro), un album tournant autour de l'intime et des violences familiales, et le second (Longoz), qui propulse son trio (Teddy Doris au trombone, Bino Waro aux percussions), voici BLEU, troisième opus de la Réunionnaise Ann O'Aro. qui joue ici du piano pour accompagner son chant. Le maloya de l'île de La Réunion respire toujours hors des sentiers battus avec l'arrivée de Brice Nauroy, un quatrième musicien qui embarque le son avec ses « machines ». Pour Ann O'Aro : « Le quartet esquisse des ports, sacs de riz sur les ponts, cancrelats et corsaires pris dans des estampes où le sang est laissé à sa seule qualité de fluide. Ostinato et bourdons sous le chant perçant la brume et les ressacs d'une mer fielleuse, relents pianistiques couleur boîte à musique, trombone stridulant, éclats de tôle et cris du fer bouillant le long du staccato continu du pikér, commérages de bord de nuit et temps de latence, harmonie révocable et restituée. Paysages grignotés par la fièvre du néant, nostalgie de l'enfance bleue arguant le branchage sec des arbres de la terreur dans la ouate blanche. »Titres interprétés au grand studio- Lanbordaz Live RFI- Bouyon Lo Rosh, extrait Bleu- Vane Lo Sor, extrait Bleu- Lak Otab, Live RFI. Line Up : Ann O'Aro : chant, piano, Teddy Doris : trombone, chœur, Bino Waro : percussions et Brice Nauroy : machines.Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.► Album Bleu (Cobalt 2024).Réalisation : Donatien Cahu. Puis nous recevons la harpiste et chanteuse Sophye Soliveau pour la sortie de son 1er album Initiation #SessionLive.Sophye Soliveau est chanteuse, harpiste et cheffe de chœur, d'origine guadeloupéenne. Son amour des musiques afro-américaines, du R'n'b à la soul, en passant par le gospel, a pris racine dès son enfance, et elle a approfondi ses compétences en suivant un enseignement classique. Du détournement qui nourrit ses improvisations, la recherche de guérisons et l'apprentissage de la liberté, naît INITIATION, son premier album. La fougueuse célébration d'un R'n'b voluptueux. INITIATION se caractérise par son orchestration épurée. Les cordes vocales de Sophye et celles de sa harpe s'unissent, s'élèvent sur fond de chœurs aériens et d'une rythmique basse-batterie au groove précieux et subtil venant magnifier un répertoire original aux inspirations profondément soul.Après un concert complet au festival Banlieues Bleues, la release party prévue le 26 avril 2024 à la Boule Noire est déjà complète ! Elle sera en tournée cette année dans toute la France.Titres interprétés au grand studio- Leave Live RFI voir le clip - Extraits Alice Coltrane & Dorothy Ashby - Can't Sleep, extrait de Bleu voir le clip - Simple Pleasures Live RFI.Line up : Sophye Soliveau : harpe et voix, Eric Turpaud : basse et chœurs, Florian Mensah : batterie et chœurs.Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.► Album Initiation (Why We Sing 2024).

La soul est américaine, comme Wolfgang Valbrun et Michelle David. Démonstration dans cette double #SessionLive ! (Rediffusion) Notre 1er invité est Wolfgang Valbrun. Il est invité dans la #SessionLive pour la sortie de l'album Flawed By Design. Wolfgang Valbrun est un auteur-compositeur-interprète né et élevé dans l'État de New York, dont la carrière musicale s'est épanouie en Europe, notamment à Paris où il s'est installé à l'adolescence.Sa mère lui a donné une éducation musicale précoce qui couvre un large spectre, de Bob Marley à Bobby McFerrin, de Billy Joel à Elton John et de Charles Aznavour à Grace Jones, le tout infusé d'une touche de Kompa, la saveur musicale haïtienne qui a influencé de nombreuses scènes musicales caribéennes.Les premières années de Wolf ont été marquées par des périodes tumultueuses, car il déménageait régulièrement entre différents pays en raison de la séparation de ses parents. C'est lorsqu'il s'est installé à Paris que sa vie a pris un tournant décisif. La transition vers une nouvelle culture et un nouvel environnement a exigé une transformation complète, laissant derrière lui les repères familiers qu'il avait connus auparavant.Guidé par des cousins plus âgés, il s'éloigne du rock américain qui définissait ses goûts et s'immerge dans le monde de la soul, du jazz, du hip-hop et de la musique brésilienne. Des artistes comme Erykah Badu, The Roots, Seu Jorge et Gilberto Gil ont marqué son parcours musical. Les horizons de Wolfgang se sont élargis pour embrasser une riche diversité de genres, laissant une empreinte indélébile sur sa jeune âme d'artiste.À la fin de ses études secondaires, Wolfgang cherche à changer d'air. Il passe une année au Venezuela où la salsa, le merengue, la cumbia et le calypso charment et forment ses sens musicaux. De retour au pays, il auditionne pour rejoindre le groupe de funk parisien « Marvellous », où il rencontre Thierry Lemaitre, avec qui il écrit et joue depuis lors.Wolfgang a ensuite rencontré ses futurs collègues James Graham et Adam Holgate en jouant avec Marvellous aux côtés du groupe britannique de soul The Tastemakers.Par un coup du sort, Hillman Mondegreen, leader du groupe The Tastemakers, a proposé à Wolfgang de rejoindre son nouveau projet ephemerals en tant que chanteur et Wolf a saisi sa chance de montrer son talent à un public international.Le premier album des Ephemerals, Nothin Is Easy, est un classique de la soul avec une touche de modernité, les chansons de Mondegreen étant un véhicule parfait pour la voix distinctive de Wolf, qui apporte un élément-clé d'émotion et de puissance à la musique du groupe.Titres interprétés au grand studio :- Where Is The Peace Live RFI- Paris, extrait du CD- Sun Don't Shine Live RFI.Line Up : Wolfgang Valbrun (Lead Vocal), Adam Holgate (Guitar), Thierry Lemaitre (Sax), James Graham (Keys), Charlie Fitzgerald (Bass), Rhi Williams (Drums) et Damian McLean- Brown (Trumpet).Son : Benoît Letirant, Jérémie Besset.► Album Flawed By Design (Jalapeno Rd 2024).YouTube - Web - Facebook - instagram  Puis la #SessionLive reçoit Michelle David & The True-Tones pour la sortie de l'album Brothers & Sisters.Élevée à New York dans une église, Michelle David a commencé à chanter à l'âge de quatre ans et a rejoint son premier groupe, The Mission of Love, un an plus tard. Au cours de sa carrière, elle a parcouru le monde avec la comédie musicale de Broadway Mama, contribué à des pièces de théâtre à succès tels que The Sound of Motown, Glory of Gospel et Mahalia, et enregistré pour des artistes tels que Diana Ross et Michael Bolton. Tout cela s'est produit avant la sortie de six albums de gospel acclamés par la critique avec les True-Tones. Avec leurs grooves entraînants, leurs voix puissantes et leurs mélodies fortes, Michelle David & The True-Tones ont déjà conquis de nombreux festivals et de nombreux clubs.Avec le nouvel album du groupe, Brothers & Sisters, première sortie sous Record Kicks, Michelle David & the True-Tones crée un voyage sonore qui résonne avec l'esprit soul de leurs concerts. Le nouvel album a été enregistré en direct - avec le groupe au complet, simultanément dans une seule pièce, ce qui donne un son énergique, authentique et captivant. Michelle David & the True-Tones utilisent leur plateforme artistique pour inspirer un changement positif, encourageant les auditeurs à les rejoindre dans un voyage de réflexion, de compassion et de responsabilité collective. Dans un monde plein de défis, Brothers & Sisters émerge comme un phare musical, éclairant le chemin vers un avenir où l'héritage de l'amour et de la lumière perdure.Titres interprétés au grand studio :- Brothers and Sisters Live RFI voir le clip - Cold Cold World, extrait du Cd voir le clip - That is You Live RFI.Line up : Michelle David (Chant), Onno Smit (Guitare basse), Paul Willemsen (Guitare basse), Bas Bouma (Batterie), Bart van der List (Trompette), Paul van de Calseijde (Sax tenor), Claus Tofft (Congas) +Claire Simon (Traductrice).Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.► Album Brothers & Sisters (Record Kicks 2024).Web - facebook - Instagram.

Nos premiers invités de la #SessionLive sont le BIM ! Positive Vodoun est le 2ème album du Bénin International Musical, alias BIM. C'est un groupe unique qui redonne au rock et au rap leurs origines vodoun.Le BIM rend hommage à la musique des ancêtres du Dahomey. Elle se reflète aussi bien dans les cérémonies traditionnelles que dans les clubs de Cotonou, en passant par les églises évangéliques et les couvents où sont convoquées les divinités vaudou.Titres interprétés dans le grand studio- Louange Vodoun Live RFI RFI Vidéos- Abobo, extrait de l'album- Gbali Live RFI RFI Vidéos.Vidéo : Benin International Musical en live dans Musiques du monde. Line Up :  Jimmy Belah (chant, batterie, guitare acoustique), Yaovi Emmanuel Atcho (guitare électrique, chant), Emile Totin (percussions), Brigitte Kiti (chant, rap) et Babatounde Boni Obinti (basse, chant).Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset, Camille Roch.► Album Positive Vodoun (World Tour Rd 2024).Site - YouTube.À Lire sur RFI Musique. Puis nous recevons le quartet L'Étrangleuse dans la #SessionLive, pour la sortie de l'album Ambiance Argile.L'Étrangleuse, ce sont deux filles et deux garçons qui jouent une forme non définie de rock minimaliste et de chanson libre à quatre voix, amplifiant le dialogue entre une harpe à pédale en érable moucheté et un djéli n'goni en peau de chèvre, sur les grooves archaïques d'un basse-batterie bardé de colifichets. Grincements d'archet et matières coincées dans les cordes, saturation et percussion d'objets incongrus, tourneries fiévreuses et chœurs psychédéliques sont les agréments de cette transe tout en nuances. Traquant inlassablement la magie du presque rien, voilà 15 ans que L'Étrangleuse compose la bande son modale et hors modes d'un long rêve éveillé, puisant son inspiration dans les airs traditionnels d'un pays qui n'existe pas. Le duo originel, formé par Mélanie Virot, harpiste classique habituée à promener son imposant instrument loin de ses contextes habituels et non amplifiés, croisant danse contemporaine et musiques improvisées, et Maël Salètes, vétéran d'Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp et complice de longue date de la chanteuse somalilandaise Sahra Halgan, publie un 4ème album, le premier en quatuor. L'Étrangleuse dynamite le post-rock de chambre des origines avec Anne Godefert, bassiste et chanteuse issue des musiques électroniques, et Léo Dumont, batteur-objetiste coutumier des audaces sonores (Chromb, Pixvae, An Pagay, Polymorphie…).Titres interprétés au grand studio- Les Pins Live RFI- Extrait Cd- Ennemi Live RFI.Line Up : Mélanie Virot (harpe, chant), Maël Salètes (guitare, jeli n'goni, chant), Léo Dumont (percussions, chant) et Anne Godefer (basse, chant).Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.► Album Ambiance Argile (La Curieuse & La Compagnie 4000).YouTube - Facebook - Bandcamp.

Soirée intime avec Oum devant 500 personnes pour la sortie de Dakchi, live du 22 juillet 2023 à Marrakech. (Rediffusion) ► Facebook d'Oum.Pour célébrer ses dix ans de carrière à l'international, la chanteuse marocaine sort un album live, enregistré à Marrakech, qui replonge dans la magie de ses trois premiers disques, ici revisités sous d'autres lumières. L'occasion de se réapproprier ses racines pour s'inventer de nouvelles routes. Il y a des caps propices aux coups d'œil dans le rétroviseur, aussi bien qu'aux futures routes d'aventurière. Aujourd'hui, la chanteuse marocaine Oum fête les dix ans de sa carrière internationale. L'occasion pour cette audacieuse hors-piste, toujours mutante, en perpétuelle remise en jeu de ses identités avec ses intuitions pour seules guides, s'autorise un moment suspendu, le temps d'un souffle (de bougies), celui d'un bilan temporaire, d'un retour sur ses racines et ses ramifications... Pour décrire cette décennie, elle préfère le « nous », le jeu collectif au « je » solitaire. Ce « nous », ce sont ses fidèles acolytes, qui l'accompagnent depuis son tout premier disque signé en France, Soul of Morocco, en 2013 : Yacir Rami au oud, Damian Nueva à la basse, Camille Passeri à la trompette, Carlos Mejias au saxophone, Natascha Rogers et Amar Chaoui aux percussions. « Je n'ai jamais quitté ce noyau dur, celui qui me porte et m'élève depuis 2012, éclaire-t-elle. On s'accompagne, on s'est vus grandir, on a vu naître nos enfants... Nous cultivons cette complicité hors pair. Il y a un cœur, une magie, une générosité, qui procurent à notre musique ce supplément d'âme. » Aussi, pour célébrer ces « dix ans de nous », Oum a choisi de puiser une dizaine de titres dans son répertoire tressé au fil de trois albums aux identités aussi singulières que parcourues d'une sève commune : Soul of Morocco, donc, en 2013, Zarabi en 2015 et Daba en 2019. « En général, je ne chante plus mes morceaux anciens, décrit-elle. Mes auditeurs entrent et sortent dans mes saisons à leur guise. Moi, je les traverse. Au final, je n'ai envie de porter sur scène que des créations inscrites dans mon actualité émotionnelle. Pour ces dix ans, j'avais pourtant une nostalgie de ‘nous jeunes'. Et le désir, le besoin, de ressortir des instantanés musicaux de ce que nous avons été. »Pour cette célébration, forcément live, la chanteuse choisit un lieu symbolique, là où tout a commencé, la terre fertile d'éclosion de ses premières chansons : Marrakech. « Si je n'y avais pas grandi, je n'écrirais pas comme j'écris et je ne chanterais pas comme je chante, affirme-t-elle. Marrakech m'a façonnée – ce musée sensoriel à ciel (bleu vif) ouvert, saturé d'odeurs et de sons, d'orangers et de dattiers, de contrastes explosifs de couleurs, avec son souk et ses artisans qui travaillent en rythme... Cette ville de conteurs, foisonnante de poésie et de tradition orale, cette cité de décharges émotionnelles, où tout t'émerveille, t'électrise et t'éblouit ! » Il y a aussi ces hybridations typiquement marocaines – africaines, berbères et andalouses qui irriguent les métissages de Oum. Et puis, il y a ces feux d'artifices joyeux et naturels de polyrythmies qui galvanisent ses chansons : la signature marrakchie, festive, solaire, joueuse, joyeuse. « Ce son du Sud marocain percussif nourrit jusqu'à nos modes de vie, nos manières de parler..., raconte-t-elle. Là-bas, chaque maison comporte un placard avec des taarijas, des bendirs, que nous ouvrons dans les grandes occasions. Il y a cette culture du rythme au quotidien. Je voulais fêter ces dix ans avec les miens. Là-bas, je ne suis plus une chanteuse, je suis une des leurs, en corps à corps avec le public... »Pour préparer cette grande fête, le 22 juillet 2023, Oum s'est enfermée en amont avec son équipe, une semaine durant, sur le lieu du show, qui porte si bien son nom : The Source (La Source), un magnifique complexe hôtelier, avec son jardin luxuriant, son lieu de concert de 500 personnes en plein air, et son studio d'enregistrement. Là-bas, ils ont préparé le disque et le concert, revisité ses titres phares (Lik, Nia, Daba, Mansit...) sous d'autres lumières, cuivrées, épicées, aux effluves cubains... « Je désirais ces couleurs. Pour moi, il existe des passerelles entre La Havane et Marrakech : le 6-8, le côté joueur, les célébrations, le sel dans la façon de parler et dans la musique, dans la manière de danser », assure-t-elle. Et dans ces ponts tendus, avec ces fondements de musiques marocaines ouvertes aux quatre vents, aux battements de la rumba et des tambours bata, Oum glisse trois inédits, dont la sublime reprise en arabe du mythique boléro Lagrimas Negras, Toda la Gente, une introduction à Mansit, signée du musicien cubain Damian Nueva ou encore la délicate et douce Intidhar, composée par Yacir Rami.Et voici le jour J. Oum se produit devant un public compact et conquis, chargé d'amour, qui reprend ses titres d'un même cœur, d'une même ferveur. J'avais l'impression d'organiser une fête chez moi : à l'aise, animée d'une joie sincère et familiale... » Ce moment de communion, cet état de grâce porté par le chant du public, la fièvre et la passion, fut captée par l'ingénieur du son Léo Spiritof. « Le live transpire d'émotions, qui appartiennent à un éternel présent. Quelle chance de pouvoir y replonger ! », s'enthousiasme-t-elle. Cet album, elle le fera tourner sur les scènes de France et d'Europe pour prolonger cette introspection, ce retour en arrière heureux et solaire. « J'ai besoin d'explorer, mes racines, de les déchiffrer pour visualiser de nouveaux horizons », analyse-t-elle. L'album s'appelle Dakchi, soit en Darija « Cela, ces choses-là, ce que nous partageons ensemble » ; Car ce disque, tout en connivences et en bonheur partagé, se passe de mots. Il raconte l'histoire de Oum. Sa musique. Elle. Et nous. Anne-Laure LemancelTitres jouésLik, Lagrimas Negras, Toda La Gente, Temma et Daba.► Album Dakchi (Ternaire 2024)23, 24 avril 2024, Café de la Danse, Paris, Complet.

Le groupe satirique Soviet Suprem envahit la #SessionLive. Depuis 10 ans, Soviet Suprem soulève les foules, à l'endroit, à l'envers et toujours de la gauche vers la gauche.Après avoir revisité la sono mondiale au travers de l'œil de Moscou et pris le contre-pied de la world music anglo-saxonne puis s'être tourné vers l'électro-minimal teinté de chœurs de l'armée rouge, John Lénine, Sylvester Staline et leurs complices ont pris le train de l'Orient extrême et est de retour avec un troisième opus résolument rap et tourné vers l'Asie Made in China.John Lénine et Sylvester Staline enfilent leurs tabliers de chef étoilé (rouge) pour cette session live qui s'annonce épicée.Titres joués au grand studio :- Woke wok Live RFI- La course aux armements, extrait de l'album- Qui complote Live RFI.Line Up : Nicolas Krassilchik alias Didier Croute-Chef (platines, percussions) ; Cyril Morey alias Cyrillique Saxo (saxophone) ; Toma Feterman alias John Lénine (chant, guitare) et Erwan Seguillon alias Sylvester Staline (chant).Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor.► Album Made In China (Modulor 2024).Site - YouTube - facebook. Puis Toma et RWan nous propose une sélection musicale.Playlist Soviet SupremKiddus | Bazbaz Choices choix RWanBjork/Omar Souleymane remix Crystalline choix TomaAstéréotype C5 choix RWanThe Paradise Bangkok Molam International Band Studio Lam Plearn choix Toma.

Carmen 404 et de Isha sont de sortie. Entretiens avec Romane Claudel-Ferragui et Sarah Lenka. Piqué par un mystique, le quartet Lolomis sort l'album Carmen 404, la chanteuse Romane Claudel Ferragui est notre 1ère invitée.Forte de ses 14 tableaux rituels et ses 9 langues, Carmen est là ! Cependant, Carmen n'a jamais existé ; la bohémienne demandée a existé, mais n'existe plus, peut-être parce que son lien a changé ? Peut-être parce que les liens changent ? Carmen n'est pas une erreur ! Lolomis change de mue une nouvelle fois et s'embarque sur les sentiers du rituel ; Une cavalcade impétueuse entre rêveries diaphanes, état de surconscience, transe poisseuse et rituel de possession. (R)éveiller le monde dans une sorte d'élévation, de célébration à une Magna Mater. À mi-chemin entre Nina Hagen et Billie Eilish, la flûte, harpe, batterie, machines et la voix de Lolomis proposent désormais une musique rugueuse, arrachée, caressant le digital punk et la witch house dans une formule polyglotte incantatoire. Pour vaincre les sortilèges de cette planète hallucinée, rêver par-delà les folies en laissant place aux prières, aux intuitions et rondes du vivant, cet album est un tableau de pensées foisonnantes, arborescentes qui s'hybrident avec ce qu'elles touchent. Il est rituel dans ce qu'il honore des sacralités. Il est mouvement et vie. Puissante, festive et libératrice, cette effusion musicale est une invitation à rejoindre une jungle de sibylles et mystiques.Titres joués : Tres Sirenas, A Fényes Nap, Sidrabina et Flüstern.► Album Carmen 404 (Airfono/L'Autre distribution 2024).Site - YouTube - Facebook.Puis nous recevons Sarah Lenka pour la sortie de l'album Isha qui se découvre une arrière-grand-mère « Miss Constantine »…Sarah Lenka nous invite à plonger dans un univers poignant avec son nouvel album ISHA, un vibrant hommage à l'exil des femmes et au déracinement. ISHA tisse un lien entre la Folk et les sonorités maghrébines, mêlant guitare, mandole, chœurs et percussions pour recréer des danses, des rythmes et des coutumes. Des compositions portées par les héritages culturels et familiaux. Chaque chanson est inspirée de l'histoire de mes ancêtres au féminin. (Du Mzab, en passant par l'Espagne et l'Argentine). Un voyage qui nous fait naviguer entre la Folk et le Maghreb tout en délicatesse. Les guitares folk et nylon, le mandole, les chœurs et percussions. Retranscrire les danses, les rythmes, les coutumes, comme perçus enfant.Sarah Lenka traverse aussi les langues tel l'anglais, l'arabe et, un tantinet d'hébreu. Elle jongle aussi, et sans surprise, avec les sonorités à travers une folk d'inspiration occidentale, grâce à la guitare folk de Laurent Guillet, et d'inspiration orientale, révélée par le mandole de Taoufik Farah. Cet album, dont le directeur artistique n'est autre que le batteur Raphaël Chassin, est aussi l'occasion pour Sarah Lenka de proposer un premier album qui ne comprend que des compositions. C'est en compagnie du guitariste Laurent Guillet que la chanteuse a posé les premiers mots et les premières mélodies. « ISHA est un hommage aux femmes qui ont connu l'exil et le déracinement. Leurs histoires, puissantes, leur invisibilité et leur résilience traversent l'histoire et les sociétés. Après elles, suit une génération souvent coupée de son héritage culturel et spirituel». De sa voix sensible et légèrement granuleuse, Sarah Lenka s'attache à sortir du silence et livre l'écrin d'une mémoire collective au sein duquel se déploie une salvatrice mise à nu.Titres joués : Betty, Women Who Raised You, Isha et Lamma Bada Yatathanna.► Album Isha (Caramba Records, Caramba Culture Live/Distribution : Virgin Music France 2024).Site - YouTube - Facebook 

La Réunion, La Nouvelle-Orléans et Haïti sont convoqués dans cette magnifique session live ! Nos 1ers invités sont le groupe Grèn Sémé pour la sortie de l'EP Maloya Gazé + remixs Genre musical majeur de La Réunion, le Maloya, devient « gazé » (fou) à travers les sons composés par Grèn Sémé pour ce nouvel EP.Un maloya gazé qui se conjugue entre inspiration directe de la plus pure ligne de cette musique traditionnelle réunionnaise et son évolution, très actuelle, signature du groupe Grèn Semé.Composé en marge des sessions studio du dernier album en date, «Zamroza», les trois premiers titres de ce tout nouvel E.P révèlent cette facette solaire de la formation créole.On y goûte l'amour du texte et la soif de découverte. Et on savoure la justesse du mélange de leurs compositions. Entre inspiration de la tradition des plus grands morceaux en chants/percussion de l'histoire de l'île et les arrangements si singuliers et identifiables du groupe, Grèn Sémé offre trois hymnes qui se prêtent à merveille à l'exercice du remix. Bonus de luxe : les 3 Remixs de Voilaaa + La Dame + Guiss Guiss Bou bess. Voilaaa et le fabuleux Bruno Patchworks se sont emparés de « Siko » pour créer un hit de bal cap-verdien, funana avec ses mélodies entêtantes, c'est ultra-dansant ! La Dame, productrice et DJ de Belgique, remixe le titre éponyme vers une batida efficace pour le dance floor, les DJs et les danseurs. Les Guiss Guiss Bou Bess poussent un peu plus loin l'exercice du remix en ajoutant les sabars sénégalais et le chant de Mara Seck leader du groupe, répond à Carlo de Sacco sur le titre «Alkol», c'est beau et provoque une véritable explosion de joie et d'émotions.Titres joués au grand studio- Tanbour Live RFI + RFI Vidéos (titre «tanbour»)- Alkol, extrait Cd (Voilaaa remix) - Siko Live RFI + RFI Vidéos (titre «Siko»).Vidéo Line Up : Carlo de Sacco (Chant, Kayanm, Tambour malbar), Mickaël Beaulieu (Synthé, chœurs), Bruno Cadet (Guitares, chœurs), Rémi Cazal (Programmation, synthé, chœurs) et Germain Lebot (Percussions, batterie, chœurs).+ Cedric Corrieri (Tech Son).Son : Mathias Taylor, Camille Roch.                                                                              RFI Vidéos : Dominique Fiant, Cyril Etienne, Christophe Valette, réalisation : Vanille Foucher.► EP Maloya Gazé (Markotaz 2024).Site Markotaz. YouTube mini concert Grèn Sémé : Les 3 titres filmés par RFI Vidéos, à savoir Bhopal, Tanbour et SikoSite Grèn Sémé - Facebook - YouTube.#musique #maloya #îledelareunion Puis la #SessionLive reçoit Leyla McCalla pour la sortie de l'album Sun Without The HeatNée à New York d'un couple d'émigrants et d'activistes haïtiens, Leyla McCalla a développé une fascination précoce pour Haïti et sa culture, en partie grâce au temps qu'elle a passé chez sa grand-mère lorsqu'elle était enfant. Après avoir déménagé au Ghana pendant deux ans et obtenu plus tard son diplôme, elle a finalement dérivé vers le sud jusqu'à la Nouvelle-Orléans, où elle voulait gagner sa vie en jouant du violoncelle dans les rues du quartier français.Son dévouement à éclairer les racines noires de la culture américaine l'a finalement conduite aux Carolina Chocolate Drops. Après deux ans de tournée et d'enregistrement avec le groupe lauréat d'un Grammy Award, elle part poursuivre sa propre carrière en tant qu'artiste solo. L'album Sun Whithout The Heat est son 5ème enregistrement studio. Tout au long des dix titres de l'album, McCalla parvient à un équilibre entre pesanteur et légèreté grâce à des mélodies et des rythmes issus de diverses formes de musique afro-diasporique, notamment l'afrobeat, les modalités éthiopiennes, le tropicalisme brésilien, ainsi que le folk et le blues américains. Titres joués au grand studio- Take Me Away Live RFI- Scaled To Survive, extrait de l'album- Give Yourself a Break Live RFI.Line Up : Leyla McCalla, chant, Pete Olynciw, basse, Nathum Zdybel, guitars, Caito Sanchez, batterie.Son : Mathias Taylor, Camille Roch, Jérémie Besset► Album Sun Without The Heat (Label: Anti-/Pias 2024). YouTube - Site - facebook.#musique #folk #blues #nouvelleorleans #haïti