Par-Impar

Hablamos del festival Mad Horror que tendrá lugar en Madrid (y las películas de terror que cumplen aniversario este 2026) Los presentadores de esRadio, Dani Palacios y Juanma González, introducen un episodio nostálgico situado en junio de 2026, centrado en los aniversarios de emblemáticas películas de terror y la llegada de un nuevo gran evento a Madrid: el festival Mad Horror. Para hablar de este hito para el sector del cine, reciben a Mike Hostench, quien fuera codirector del Festival de Sitges durante dos décadas y que ahora pilota este ambicioso proyecto. Hostench explica que el festival está diseñado para combinar una convención de terror—con firmas de talentos, puestos de cómics y videojuegos—con un festival de cine boutique. La selección cinematográfica contará con lo mejor de certámenes prestigiosos como Sitges, el Fantastic Fest de Austin y el Midnight Madness de Toronto. Entre lo más destacado se encuentran diez largometrajes nuevos y diversos homenajes que traerán una experiencia única a la capital de España. El festival cuenta con un impresionante plantel de figuras legendarias invitadas, entre las que destacan Robert Englund, Linda Blair y Malcolm McDowell. Además, el certamen albergará tres grandes exposiciones: una dedicada al universo de la película Aliens, el regreso, que cumple 40 años; otra enfocada en la oscarizada empresa de efectos DDT; y una tercera que rinde tributo al maestro del terror español, Chicho Ibáñez Serrador. El evento también dispondrá de zonas experienciales, incluyendo tres túneles del terror—dos de ellos inspirados en el manga y el anime japonés—escape boxes y videojuegos. Hostench y los presentadores debaten sobre cómo el género de terror ha salvado históricamente a la industria cinematográfica en épocas de crisis, citando su capacidad para triunfar con presupuestos moderados y sin necesidad de contar con estrellas de Hollywood excesivamente caras. La conversación se traslada después a las efemérides históricas que se cumplen en 2026. Celebrando su 50.º aniversario se encuentra la obra maestra española ¿Quién puede matar a un niño?, dirigida por Serrador. También destacan los 40 años de Aliens, el regreso (1986) y de La mosca de David Cronenberg, enfatizando el impacto de estas películas en la evolución de los efectos especiales y la definición de géneros. El terror español ocupa un lugar central en la retrospectiva, destacando el 30.º aniversario de Tesis, la brillante ópera prima de Alejandro Amenábar, y los 25 años de Los otros y de la obra de Guillermo del Toro, El espinazo del diablo. Los locutores recuerdan también el enorme éxito internacional de Darkness, dirigida por Jaume Balagueró, que llegó a recaudar más de 22 millones de dólares en las taquillas de Estados Unidos. Por último, rememoran otros títulos de culto como El día de la bestia (1995), de Álex de la Iglesia, que tuvo una mítica andadura en el Cine Rex de Madrid, y No profanar el sueño de los muertos de Jorge Grau. También repasan rarezas extremas como Sardu o Street Trash, concluyendo que el cine fantástico y de terror patrio sigue siendo una potencia vibrante y respetada internacionalmente.

El podcast 'Par Impar' analiza con el realizador la nueva entrega de su comedia en Prime Video y el mítico filme coral de Tarantino y Rodriguez. En este nuevo episodio del podcast Par Impar, los presentadores Juanma González y Dani Palacio reciben una vez más al director y guionista Rodrigo Sopeña. La excusa para esta reunión es doble: por un lado, comentar la cuarta temporada de su aclamada serie de comedia Atasco, disponible en la plataforma Prime Video; por otro, analizar una de las películas episódicas más emblemáticas de la década de los noventa, la gamberra y mítica Four Rooms (1995). El primer gran bloque de la charla se centra en la producción de Atasco. El director comparte con los oyentes los secretos de la grabación de la cuarta entrega, destacando de manera muy especial el estelar cameo del periodista Juanma Rodríguez, popular colaborador del grupo Libertad Digital y presentador en esRadio. Sopeña relata con humor cómo tuvieron que tratar a Rodríguez como a una auténtica estrella de Hollywood debido a su arrolladora y divertida personalidad. Otra de las genialidades de casting comentadas de la serie de esRadio es la incorporación del humorista Félix el Gato interpretando al mismísimo papa de Roma. Se trata de un rol enteramente gestual y silencioso que parodia las apariciones públicas del pontífice a bordo de un peculiar papamóvil de fabricación nacional. Este segmento sirve para que Sopeña explique cómo ha querido sacar la cámara del atasco físico por primera vez en la serie, expandiendo el universo de la ficción hacia exteriores. El núcleo cinéfilo del programa se dedica al despiece de Four Rooms, una película de culto de 1995 que entrelaza cuatro relatos independientes dirigidos por cuatro de los directores más prometedores del cine independiente americano de la época: Allison Anders, Alexandre Rockwell, Robert Rodriguez y Quentin Tarantino. El nexo de unión de todas las historias es el botones Ted, interpretado de forma histriónica por Tim Roth. Los podcasters y su invitado analizan pormenorizadamente cada habitación de este peculiar hotel Mon Signor. El primer capítulo, dirigido por Allison Anders y protagonizado por Madonna, es calificado de forma unánime como el más flojo y forzado, ya que apenas aprovecha el entorno del hotel. El segundo segmento, de Alexandre Rockwell, introduce al espectador en un juego de sumisión y celos bastante incómodo que, no obstante, mantiene un tono de extrañeza muy acorde al espíritu experimental del filme. El gran triunfador de la película es, sin duda, el tercer episodio, escrito y dispuesto por Robert Rodriguez y protagonizado por un divertidísimo Antonio Banderas en el papel de un mafioso chapado a la antigua. Esta sección es ensalzada como una obra maestra del slapstick y la comedia de dibujos animados al estilo de Tex Avery. El ritmo frenético y las soberbias actuaciones de los niños consiguen extraer carcajadas constantes. Por último, el cierre de la película corre a cargo de Quentin Tarantino, quien filma un plano secuencia larguísimo repleto de sus característicos e interminables diálogos sobre la cultura popular. El segmento, inspirado en un famoso episodio de la serie televisiva Alfred Hitchcock Presents, destaca por su magistral manejo de la tensión antes del estallido del gag final. Como curiosidad, Sopeña y González comentan los breves cameos de actores como Bruce Willis. De vuelta al análisis de Atasco, Sopeña aprovecha para elogiar el trabajo de otros integrantes del reparto, como el actor Diego Martín, quien asume un sorprendente papel dramático como director de orquesta que contrasta radicalmente con sus habituales papeles cómicos. También se destaca el debut actoral en la ficción de la célebre astróloga Esperanza Gracia, así como las delirantes aportaciones de cómicos de la talla de Raúl Cimas. Para finalizar, el podcast cierra con una excelente selección musical que incluye tanto el tema Vertigogo de la banda sonora de Four Rooms como Drop in the Bucket, la sintonía que acompaña a los créditos de Atasco. Los participantes se despiden emplazando a los oyentes a una futura quinta temporada de la serie y a nuevos debates cinematográficos llenos de nostalgia y buen humor.

La tertulia de esRadio reivindica el brillante legado de Manuel Summers y el humor irreverente que consagró al cuarteto pop. En esta nueva entrega del programa Par Impar, los presentadores Juanma González y Dani Palacios viajan en el tiempo hasta el año 1987 para analizar uno de los mayores fenómenos de la cultura pop española: la película Sufre Mamón. Para este viaje nostálgico, cuentan con la participación del crítico Gonzalo Contreras, un apasionado seguidor del grupo Hombres G y colaborador habitual del espacio. Durante la charla, se repasa la importancia de aquel año en el que, a pesar de competir en las pantallas con superproducciones internacionales de la talla de Atracción Fatal, Los Intocables o Arma Letal, el verdadero rey de la taquilla en España fue el largometraje musical protagonizado por la célebre banda liderada por David Summers. Los integrantes del podcast coinciden en que Hombres G no es solo un grupo musical, sino un pilar fundamental para entender la música popular española. Su capacidad para conectar con el público ha trascendido generaciones, logrando que tanto los jóvenes de la época como las nuevas hornadas de oyentes conozcan al dedillo himnos como Devuélveme a mi Chica o Venezia. Los ponentes comparan el calado de sus canciones con el de mitos internacionales como los Beatles o David Bowie, señalando que la banda madrileña posee al menos una quincena de temas atemporales que forman parte del patrimonio emocional de millones de personas, independientemente de sus gustos musicales particulares. Uno de los aspectos más analizados en el programa es la figura del director del filme, Manuel Summers, padre de David Summers. El cineasta, a menudo infravalorado por la crítica de su tiempo por su transición hacia un cine más comercial, es reivindicado en la tertulia como un creador brillante y un cronista excepcional de la sociedad de su época. A lo largo de su carrera, Summers destacó no solo en el ámbito cinematográfico, sino también en el humor gráfico y la sátira en publicaciones históricas como La Codorniz o Hermano Lobo. Su habilidad para conectar con las masas se tradujo en éxitos colosales de taquilla, convirtiendo películas como Adiós, Cigüeña, Adiós o La Niña de Luto en auténticos hitos sociales. Durante el coloquio, se destaca el marcado contraste entre la propuesta estética de Hombres G y la sofisticación de la movida madrileña. Mientras que formaciones como Alaska y los Pegamoides o Radio Futura apostaban por una cuidada puesta en escena de influencia punk y vanguardista, Hombres G irrumpió con una imagen de sencillez absoluta, vistiendo vaqueros y polos normales. Esta aparente falta de pretensiones, sumada a unas melodías frescas y directas que hablaban de problemas cotidianos, supuso una revolución de buen rollo que sintonizó de inmediato con el sentir de una juventud que buscaba divertirse sin excesivas complicaciones intelectuales. El análisis de Sufre Mamón, actualmente disponible en la plataforma Netflix, se detiene en varias de sus escenas más gamberras, cuya incorrección política las haría hoy del todo impensables. Los tertulianos recuerdan entre risas las bromas pesadas gastadas a los sacerdotes del colegio católico, el desternillante destino del mono teñido de verde o el descontrol en las aulas con el lanzamiento de palomas, perros y gatos. Estas secuencias, que beben directamente del espíritu de las comedias adolescentes americanas al estilo de Porkys, reflejan una época de libertad creativa y un sentido del humor irreverente que hoy en día difícilmente superaría los filtros de la censura social contemporánea. La película también destaca por la genialidad de sus personajes secundarios, entre los que sobresale el villano de la función, Ricky Lacoste. Interpretado de forma hilarante por un primo de David Summers, este personaje encarna al típico pijo arrogante que intenta robarle la novia al protagonista, Marta, papel interpretado por Marta Madruga, pareja real del cantante en la vida real. El grupo rememora con humor la escena del concierto en la que Ricky canta la hilarante balada Piensa en mi Almohada mientras el público le abuchea al grito de idiota y gilipollas, un momento que consagra el tono festivo y autoparódico de una producción que no se tomaba a sí misma demasiado en serio. Para finalizar, los participantes del programa de esRadio analizan la evolución del grupo tras el estreno de la secuela Suéltate el Pelo en 1988 y su posterior separación en 1993. Su regreso triunfal en 2003 con el disco Peligrosamente Juntos y el éxito del sencillo Lo Noto demostró que el fenómeno fan seguía plenamente vigente, uniendo a padres e hijos en conciertos multitudinarios. Esta capacidad de resistencia al paso del tiempo consagra a Hombres G como una leyenda viva de la historia del pop en España, un grupo cuya música sigue despertando una profunda y alegre nostalgia en varias generaciones de españoles.

En este nuevo Par-Impar la conversación se centra en El Tren del Infierno, un thriller de 1985 con guion del mismísimo Akira Kurosawa. En esta nueva entrega del podcast de cine de esRadio, Par-Impar, Juanma y Dani comentan la película de Andrei Konchalovski El tren del infierno, un thriller norteamericano sobre dos presos que se fugan de un penal de Alaska y acaban donde no deberían: siendo los únicos pasajeros a bordo de un tren descontrolado que amenaza con descarrilar a cada momento.

El director de 'Airbag' reivindica la libertad creativa en esRadio frente a la censura ideológica y la uniformidad de las plataformas. En este episodio de esRadio, Juanma González y Dani Palacios reciben al aclamado cineasta vitoriano Juanma Bajo Ulloa en una charla que destila amor por el séptimo arte y una ácida crítica a la deriva ideológica de la industria actual. El programa arranca con una irónica reflexión sobre las subvenciones estatales al cine, evidenciando cómo el sistema imperante premia la docilidad ideológica y los perfiles normativos en detrimento del verdadero talento independiente. Este contexto sirve como marco idóneo para analizar la trayectoria de un director que siempre se ha negado a someter su visión artística a los dictados del poder político y cultural. El motivo principal del encuentro es el lanzamiento por parte de la distribuidora de las cuidadas ediciones en formato Blu-ray de sus dos primeras y laureadas películas, Alas de mariposa y La madre muerta. Bajo Ulloa defiende un cine con alma, concebido como una experiencia terapéutica y personal que busca remover los sentimientos del espectador. El realizador critica duramente la uniformidad del pensamiento único que impera en las producciones contemporáneas de plataformas de streaming como Netflix, las cuales, a su juicio, entregan productos planos y masticados que anulan la capacidad de interpretación del público a través de predecibles manuales de instrucciones morales. La conversación se detiene detalladamente en su último trabajo, El mal, una obra que ha logrado mantenerse en cartelera durante meses en salas independientes como el Pequeño Cine Estudio de Madrid gracias al boca a boca y al empeño de su autor por conectar con la audiencia. El cineasta se muestra implacable al analizar el secuestro de la cultura por parte de la corrección política y las directrices de la Agenda 2030. Denuncia que el actual cine de subvención no busca la belleza ni la catarsis, sino la propaganda y el cumplimiento de cuotas ideológicas que promueven el sectarismo y el victimismo. Esta censura sutil pero implacable ha provocado que incluso el cine familiar se vea colonizado por consignas políticas, privando a las nuevas generaciones de una fantasía en libertad y de historias que desafíen su intelecto en lugar de adormecerlo. Al rememorar el arrollador éxito de Airbag, su película más taquillera, Bajo Ulloa destapa las miserias de una industria que nunca le perdonó aquel triunfo incontestable. Revela que el proyecto pudo salir adelante al margen del sistema tradicional de financiación gracias al mecenazgo de pelotaris y cocineros vascos, lo que le garantizó una absoluta libertad creativa. La respuesta de las élites culturales y la prensa de izquierdas ante este éxito popular fue el vacío y el ninguneo, demostrando que en el panorama cultural se castiga con saña a quien se atreve a triunfar sin pasar por el aro de los comisarios políticos de turno. Fiel a su estilo, el director detalla los elementos que configuran su universo visual, caracterizado por un tono gótico y atemporal donde evita conscientemente la tecnología moderna para construir verdaderas fábulas cinematográficas. Analiza la maestría de su planificación en escenas míticas de La madre muerta, donde el suspense, el humor negro y la sordidez se entrelazan de manera magistral. Reivindica la importancia de la composición formal y el montaje frente a la desidia técnica de las realizaciones actuales, asegurando que cada plano debe poseer una función expresiva única que atrape la mirada del espectador. La entrevista concluye con una interesante comparación entre el cine de Bajo Ulloa y el aclamado cine coreano contemporáneo de directores como Park Chan-wook, creador de Oldboy, destacando la asombrosa afinidad que comparten en el uso del suspense mezclado con la tragedia y el humor salvaje. El broche de oro musical lo pone el videoclip de la canción Problemas de la mítica banda de rock Barricada, dirigido en su día por el propio Bajo Ulloa. En un emotivo tramo final, el cineasta asume con orgullo el elevado peaje de su coherencia artística, prefiriendo la marginación del sistema antes que renunciar a su libertad, recordándonos que el verdadero arte siempre será indomable y ajeno a los dictados de cualquier ingeniería social de corte estatal.

En 'Par en Par' sugieren convertir el 'reality' de parejas en género de horror, mientras ensalzan la Zaragoza nocturna filmada en 'Nuestros amantes'. En esta nueva entrega del programa Par en Par en esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios arrancan la emisión con una charla distendida sobre sus preferencias culinarias, centrándose especialmente en la receta de la ensaladilla rusa. Entre bromas sobre el uso de pepinillos, alcaparras o apio, los colaboradores establecen un tono cercano antes de sumergirse en la actualidad del sector del cine y las plataformas de streaming. Uno de los puntos cómicos de la conversación surge cuando Juanma González relata su frustración con el sistema de audio de su vehículo. Debido a un error de programación en el software, el equipo reproduce las canciones por orden alfabético cada vez que se pone al volante, lo que le obliga a escuchar sistemáticamente la banda sonora instrumental de Cazafantasmas 2. En concreto, menciona la pieza A Baby Carriage Meets the Traffic, que se ha convertido en la banda sonora involuntaria de sus trayectos diarios. Entrando en materia de ficción, los presentadores analizan la serie Berlín, el spin-off de La Casa de Papel disponible en Netflix. Dani Palacios destaca que le resulta más atractiva que la serie original por su tono cómico y ligero, resaltando la interpretación de Pedro Alonso como un galán rancio y pomposo. Esta atmósfera permite al espectador disfrutar de una trama de atracos menos densa y con un carisma muy particular en sus diálogos. Juanma González aprovecha el espacio para ensalzar la película Nuestros Amantes, dirigida por Miguel Ángel Lamata. El presentador confiesa estar obsesionado con este filme, que ha visionado recientemente en varias ocasiones. Lo que más destaca es la Zaragoza nocturna que captura la cámara, describiéndola como una ciudad hermosa y cinematográfica que sirve de escenario perfecto para una comedia romántica nada convencional, protagonizada por Michelle Jenner y Eduardo Noriega. En un giro creativo, surge la propuesta de transformar el popular reality de parejas La Isla de las Tentaciones en una producción del subgénero de horror slasher. Los colaboradores imaginan cómo la dinámica de fiestas y celos del programa de Telecinco encajaría perfectamente en una película de terror donde un asesino acabara con los concursantes. Mencionan a personajes como Leila y David, sugiriendo que la tensión del formato daría mucho juego en la gran pantalla bajo una óptica siniestra. La conversación también viaja hacia el mundo del manga y el anime con la recomendación de Dandadan. Dani Palacios describe esta obra como una mezcla explosiva de fantasmas, extraterrestres y situaciones picantes, destacando el personaje de la turboabuela, un espíritu que termina habitando en un gato de porcelana. Según los presentadores, es una de las historias más divertidas y originales que se pueden encontrar actualmente en el mercado nipón. El bloque dedicado a Michael Jackson cuenta con la participación de Ana Meijide para analizar el impacto del Rey del Pop. Los contertulios debaten sobre la necesidad de separar al artista del hombre, reconociendo el trauma infantil que marcó su vida y su obsesión por Neverland. Se mencionan álbumes icónicos como Thriller, Bad y Dangerous, subrayando que, a pesar de las controversias, su legado musical sigue siendo uno de los pilares de la cultura popular del siglo XX. Finalmente, el programa aborda la reciente rueda de prensa de Florentino Pérez, presidente del Real Madrid. Los presentadores ven en el mandatario blanco a un personaje digno de cine, destacando su aura de poder y su carisma innegable. Comparan su estilo con el de antiguos presidentes del fútbol español como Joan Gaspart o Jesús Gil, aunque resaltando la distinción y el control que ejerce Florentino. También hubo espacio para la autocrítica deportiva hacia el Atlético de Madrid, señalando que al club rojiblanco se le suele permitir una falta de exigencia que no se ve en otros grandes equipos.

El podcast de cine de Libertad Digital examina la evolución de la censura y el aperturismo social a través de dos obras que marcaron la historia. En una nueva entrega de Pari Par, el podcast de cine y series de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios cuentan con la participación de la Alicia Parente para desgranar dos joyas de la comedia española dirigidas por Mariano Ozores: Operación Secretaría y Fin de semana al desnudo. El eje central de la conversación gira en torno al fenómeno del landismo y la figura de Alfredo Landa, quien interpreta al carismático Rodolfo Cisneros. Mientras que en la cinta de 1966, Operación Secretaría, la trama se desarrolla en blanco y negro con un tono más contenido, la versión de 1974, Fin de semana al desnudo, se sumerge de lleno en el aperturismo del tardofranquismo, utilizando el color y una mayor carga de tensión sexual para atraer al público de la época. Uno de los puntos más destacados por los colaboradores de Libertad Digital es el duelo interpretativo entre las dos grandes cómicas que protagonizan ambas versiones: Gracita Morales y Lina Morgan. La charla también aborda las curiosas reglas de la censura cinematográfica de aquel periodo. En 1974, las normas se habían relajado lo suficiente como para permitir algunos excesos lujuriosos. Secuencias memorables como la batalla de tartas en el despacho del notario, un claro homenaje de Mariano Ozores al cine de Blake Edwards; el final de la película, donde el personaje de Alfredo Landa acaba escayolado y derrotado por las mujeres... El equipo concluye reivindicando el cine industrial de los años sesenta y setenta como una industria que funcionaba, generaba beneficios y entretenía a un público que abarrotaba las salas para ver a sus musas, como la mítica Carmen Sevilla, en la gran pantalla.

En compañía del actor Javier Botet dedicamos el programa a la mítica La matanza de Texas de Tobe Hooper. En esta nueva entrega de Par Impar, el programa sobre cine de esRadio, Juanma González y Dani Palacios reciben al actor Javier Botet para desgranar una de las obras más perturbadoras de la historia del séptimo arte: La Matanza de Texas (1974). Botet, cuya carrera se ha forjado dando vida a las criaturas más aterradoras del cine actual, aporta una visión privilegiada sobre la película de Tobe Hooper, calificándola como un ejercicio de puro sadismo cinematográfico. Una película rodada con presupuesto ínfimo, lo que paradójicamente potenció su impacto visual y emocional. Rodada en condiciones extremas durante un verano asfixiante en el estado de Texas, los actores tuvieron que lidiar con temperaturas superiores a los cuarenta grados, olores nauseabundos provenientes de esqueletos de animales reales y un agotamiento físico que traspasa la pantalla. Esta precariedad, lejos de ser un defecto, dotó a la producción de un realismo documental que incomoda al espectador moderno. Uno de los puntos centrales del debate es la figura de Leatherface, interpretado originalmente por Gunnar Hansen. Se analiza cómo este personaje rompió los moldes de los asesinos del cine de terror previo, presentándose no como un monstruo sobrenatural, sino como un matarife rudo y desequilibrado que opera bajo una lógica familiar perversa. La escena de su primera aparición, marcada por el golpe seco de un mazo y el posterior cierre violento de una puerta metálica, es descrita como una obra maestra del montaje y el diseño de sonido, donde el ruido industrial sustituye a las partituras convencionales para generar una angustia inmediata. La conversación también profundiza en el trasfondo social de la obra, conectándola con el trauma nacional provocado por la guerra de Vietnam. La Matanza de Texas funciona como una crítica mordaz a la sociedad estadounidense de los años setenta, mostrando la descomposición del sueño americano en las zonas rurales más olvidadas. El análisis se extiende a la influencia de Ed Gein en el guion y cómo esta historia de canibalismo familiar refleja un espíritu transgresor y sucio que también se puede rastrear en ciertos exponentes del cine español de la época, como La Semana del Asesino de Eloy de la Iglesia.

En compañía de la actriz Norma Ruiz y el director Miguel Ángel Lamata, que presentan La ahorcada, hablamos de la mítica Insidious (2010). En una nueva entrega del programa Par-impar de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios se sumergen en el análisis de una de las obras más influyentes del cine de terror contemporáneo: Insidious (2010). Para este recorrido por lo sobrenatural, cuentan con la presencia del director Miguel Ángel Lamata y la actriz Norma Ruiz, quienes visitan los estudios de Libertad Digital para presentar su proyecto cinematográfico titulado La ahorcada. El grupo destaca la maestría de James Wan para revolucionar el género con un presupuesto ínfimo de apenas un millón de dólares. Los tertulianos coinciden en que la película no solo fue un éxito de taquilla, recaudando cerca de cien millones, sino que estableció un nuevo estándar para el cine de terror moderno. La clave de este éxito radica en la capacidad de Wan para utilizar elementos cotidianos y convertirlos en fuentes de angustia absoluta, como el uso de la canción Tiptoe Through the Tulips. El audio arranca con una animada charla sobre el proceso de rodaje de La ahorcada, una película que, según explican sus creadores, transita entre el thriller psicológico y el horror más clásico. Lamata relata con detalle la atmósfera inquietante que vivieron durante la grabación en la provincia de Teruel, específicamente en un antiguo orfanato abandonado en la calle Comandante Aguado. Este escenario real, cargado de historia y leyendas locales, proporcionó el entorno perfecto para la película, pero también regaló al equipo experiencias que rozaron lo paranormal. La conversación aborda el concepto central de la trama: la proyección o viaje astral. Explican cómo la película subvierte el tropo de la casa encantada para revelar que no es el lugar el que está maldito, sino el niño. Este giro narrativo convierte al cuerpo del pequeño en un recipiente vacío que los espíritus del más allá anhelan ocupar. Miguel Ángel Lamata reflexiona sobre cómo esta idea de vulnerabilidad durante el sueño es un miedo universal que conecta profundamente con el espectador. Los colaboradores de esRadio analizan también la estética de los fantasmas de Wan. A diferencia de otras producciones donde los espectros son etéreos o digitales, en Insidious las presencias son físicas y casi tangibles, lo que aumenta la sensación de peligro inminente. Destacan especialmente el diseño del demonio de cara roja, conocido entre los fans como el Lipstick-Face Demon, y cómo su aparición mediante un jump scare detrás de Patrick Wilson se ha convertido en una de las imágenes más icónicas del siglo XXI.

Carrie, el gran éxito de terror de Brian De Palma, es objeto de debate con la escritora Mayte Navales. En este nuevo episodio de Par Impar los presentadores Juanma González y Dani Palacios reciben a la escritora Mayte Navales para conversar sobre Carrie, la gran adaptación de Stephen King que realizó Brian De Palma, y también de su nuevo proyecto, la novela La ahorcada, una obra de terror con la que podemos establecer similitudes. Carrie, la adaptación cinematográfica que Brian De Palma realizó sobre la primera novela de Stephen King. Los contertulios analizan la figura de la protagonista de La ahorcada en relación con el arquetipo que representa Carrie White. Ambas historias presentan a mujeres que transitan de ser víctimas de un entorno hostil a convertirse en ejecutoras implacables. ¿Como se lleva en la actualidad el tema de la venganza femenina tras años de abusos, soledad y fanatismo religioso?. Al igual que en la obra de King, el componente sobrenatural actúa como un catalizador de la furia acumulada contra una sociedad que carece de compasión. Durante la conversación, se rememoran anécdotas fascinantes sobre la producción de Carrie en 1976. Se menciona cómo Stephen King llegó a tirar el manuscrito a la basura, siendo rescatado por su esposa, Tabitha. También se destaca la entrega de Sissy Spacek, quien se presentó al casting con el pelo sucio y un vestido de marinera para convencer a De Palma de que ella era la actriz idónea para encarnar la vulnerabilidad y el terror de la joven Carrie. Los presentadores elogian la iconografía religiosa presente en el filme, especialmente la muerte de la madre, interpretada por Piper Laurie, que evoca una versión macabra de San Sebastián. Un punto clave de la charla es la técnica visual de Brian De Palma. Se discute el uso del split-screen y los planos secuencia, herramientas que el director utilizó para generar una tensión insoportable en escenas icónicas como el baile de graduación. Navales comenta que en la película de La ahorcada también se ha buscado esa elegancia visual, alejándose del simple susto fácil para construir una atmósfera de terror gótico contemporáneo. La autora señala que su historia es, en esencia, un relato sobre la maldad humana y cómo esta se ensaña con los más débiles. La estética de los años 70 también es objeto de análisis. Los presentadores observan que los adolescentes en las películas de esa época, como en Carrie, lucían mucho más maduros que los de series actuales como Stranger Things o Euphoria. Este realismo sucio y adulto de la década de los 70 aportó a la película una crudeza que la convirtió en un clásico de culto instantáneo. Además, se resalta la banda sonora de Pino Donaggio, capaz de alternar melodías románticas con sonidos estridentes y pesadillescos, una dualidad que Navales también ha intentado reflejar en su obra mediante referencias a músicos como Eric Clapton y Raimundo Amador. Hacia el final del programa, se discute el impacto del final inesperado de Carrie, un recurso que marcó una tendencia en el género de terror. Maite Navales explica que La ahorcada también juega con las expectativas del espectador, ofreciendo un desenlace que invita a la reflexión sobre el ciclo de la violencia. Para cerrar el episodio, los participantes disfrutan de temas musicales emblemáticos como Carrie de la banda Europe y el clásico Because the Night de Patti Smith, celebrando el talento de Navales para revivir la esencia del terror clásico en el panorama editorial y cinematográfico actual.

Nuevo podcast de Par-Impar en torno a la clásica comedia de terror de Roman Polanski, El baile de los vampiros. El baile de los vampiros, o The Fearless Vampire Killers, parece una parodia de las películas de terror de la Hammer y la Universal... pero es de todo menos inofensiva. Roman Polanski, a un año de dirigir La semilla del diablo, realizó una comedia cartoon que tiene tanto de Scooby Doo como de sus títulos más inhumanos y pesimistas. Pero El baile de los vampiros es también la película por la que se recuerda a la célebre y malograda Sharon Tate, pareja de Polanski y tristemente asesinada en unos acontecimientos que todavía se recuerdan. En este nuevo podcast de cine de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios conversan sobre este clásico de la comedia negra en la que Polanski consiguió inyectar un inesperado pesimismo a su cuento de vampiros... además de un punto de vista muy europeo. El hecho de filmar con tanto lujo una parodia ya habla por sí mismo. n este nuevo podcast de cine de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios conversan sobre este clásico de la comedia negra en la que Polanski consiguió inyectar un inesperado pesimismo a su cuento de vampiros... además de un punto de vista muy europeo. El hecho de filmar con tanto lujo una parodia ya habla por sí mismo. La película representa un punto de inflexión en la carrera del director polaco, marcando su transición desde el cine de autor europeo más introspectivo, como Repulsión o Cuchillo en el agua, hacia una producción con vocación más internacional y comercial. Los colaboradores destacan que Polanski realiza aquí un homenaje satírico a las producciones de la Hammer Films, pero lo hace con una factura técnica y una elegancia visual que superan con creces a las obras originales que parodia. A diferencia de las parodias actuales que suelen caer en lo burdo, esta cinta mantiene un equilibrio perfecto entre la comedia y el género de terror, logrando inquietar al espectador mientras lo divierte. La figura de Sharon Tate ocupa una parte central de la conversación. La forma en que Polanski la filma trasciende la mera dirección; es la mirada de un hombre profundamente enamorado de su musa. Cada plano de Tate en la película, desde su primera aparición en la tina hasta el baile final, está cargado de una luminosidad y una perfección estética que hoy, conociendo su trágico final a manos de la secta de Charles Manson, adquiere una cualidad casi espectral. El programa recuerda cómo directores posteriores, como Quentin Tarantino en Érase una vez en... Hollywood, han intentado recuperar esa luz que Polanski capturó de manera definitiva en esta obra maestra del 67. Todo esto y mucho más en el episodio de Par-Impar. Te recordamos que puedes pinchar en el enlace para acceder a la web del programa y otros episodios.

El podcast de cine de esRadio conversa sobre Heat, el thriller de los noventa que juntó a Al Pacino y Robert De Niro. Pocas películas tienen tan claro que aspiran a clásico del séptimo arte como Heat. Cuando se estrenó a mediados de los noventa, el film de Michael Mann se promocionó como la ansiada reunión de dos ídolos, Robert De Niro y Al Pacino, por mucho que ambos compartan más bien pocas escenas en las tres hodas de pelicula. Pero el tiempo ha situado el film todavía más arriba en el panteón de las películas más influyentes de finales de siglo. En este nuevo podcast de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios conversan con José Fortaña, del podcast CineActual, sobre este fenomenal thriller de los noventa. Y ojo, lo hacen con un reducido público en el estudio, por lo que no te extrañes si oyes alguna propuesta fuera de micrófonos. La película es célebre, ante todo, por reunir en una misma pantalla a dos titanes de la interpretación: Al Pacino y Robert De Niro. El término original Heat hace referencia a la presión policial que siente el delincuente mientras disecciona la vida de dos profesionales en extremos opuestos de la ley que, sin embargo, comparten una ética de trabajo implacable y una soledad compartida que los hace extrañamente similares. Uno de los puntos fuertes destacados es el estilo visual de Michael Mann. Se subraya su capacidad para dotar a las escenas de una atmósfera hipnótica, apoyada en la fotografía de Dante Spinotti y una banda sonora ambiental, con temas de Moby, que rehúye los tópicos del cine de acción convencional. La película no tiene prisa; se toma casi tres horas para desarrollar no solo la trama del gran atraco al banco, sino también la maraña de subtramas personales que humanizan a todo el equipo de criminales y policías. El personaje de Robert De Niro, Neil McCauley, encarna al criminal disciplinado cuya máxima es no tener nada en la vida que no puedas dejar atrás en treinta segundos si sientes la presencia de la justicia a la vuelta de la esquina. Frente a él, el Vincent Hanna de Al Pacino es un detective consumido por su oficio, cuya vida personal es un desastre de matrimonios fallidos, pero que posee una agudeza intelectual que le permite reconocer en McCauley a un igual. Asimismo, el podcast reflexiona sobre el papel de las mujeres en este universo. Personajes interpretados por Ashley Judd o Diane Venora no son simples adornos, sino el reflejo del sacrificio emocional que conlleva la obsesión por el deber o el crimen. La fragilidad masculina se hace evidente cuando estos hombres ven cómo sus mundos afectivos se desmoronan por su incapacidad de conciliar la vida profesional con la personal.

Con Carlos M. Mira conversamos de Código de silencio, una película policiaca considerada de las mejores de Chuck Norris. Nuevo episodio del podcast de cine de esRadio, Par-Impar, con Dani Palacios y Juanma González comentando con el periodista Carlos M. Mira uno de los títulos mejor valorados de Chuck Norris, la cinta policiaca Código de silencio. Estrenada en 1985 y con un guion descartado por Clint Eastwood para su saga de Harry el sucio, la película de Andrew Davis, que después dirigiría El fugitivo con Harrison Ford o Alerta máxima con Steven Seagal, sigue los pasos de un duro policía atrapado en medio de una guerra de bandas. Bajo la vigilancia de sus oficiales intentan llevar a cabo una gran compra de cocaína a una familia sudamericana, pero el plan no resulta y uno de los traficantes los mata a sangre fría. La investigación de los hechos es encargada a Eddie Cusack, un sargento conocido por su determinación a la hora de hacer cumplir la ley. Sin dejar de lado el show de artes marciales y acción que asociamos al actor, Código de silencio tiene muchas otras virtudes, entre otras una visión áspera de la corrupción tanto en estamentos policiales como en los criminales, emparentándose a obras mayores de directores como William Friedkin o Michael Mann. Sin mirarlas frente a frente o abandonar su espíritu de cine de género, esta película sin aparentes pretensiones de Chuck Norris se dibuja como un policial muy a reivindicar. Además, comentamos otras cintas como El héroe y el terror, Los valientes visten de negro y, por supuesto, los clásicos de la Cannon y Norris como Invasión USA o Desaparecido en combate.

Nueva entrega de Par-Impar dedicada a... de todo un poco. Dani y Juanma conversan sobre todo lo que han visto estas últimas semanas. Nueva entrega del podcast de cine Par-Impar en esRadio, esta vez con Dani Palacios y Juanma González dibujando libremente. Esto quiere decir en su idioma que valoran y conversan no de una película, sino de todo lo que han visto últimamente. Eso comporta una gran variedad de géneros y épocas... Eso incluye polémicas recientes del mundo del cine: la ¿excesiva? presencia de influencers en festivales de cine o los Goya, los Oscar, los nuevos Expediente X y "el fin de la turra" políticamente correcta, según. muchos comentaristas.

Junto al actor de doblaje Claudio Serrano, habitual de Christian Bale y Ben Affleck, conversamos sobre El Caballero Oscuro. El Caballero Oscuro es el mayor éxito de taquilla de las distintas sagas de Batman. Y también un film de superhéroes trascendental en la historia del género, que cimentó y confirmó la carrera de su director, Christopher Nolan, y supone todavía hoy un modelo de "blockbuster" a imitar por todos. En compañía de Claudio Serrano, actor de doblaje de Christian Bale (y que también ha hecho las veces de Bruce Wayne en las películas protagonizadas por Ben Affleck y las versiones animadas y de videojuegos del personaje) conversamos largo y tendido sobre El Caballero Oscuro, uno de los films más míticos del siglo XXI y, para muchos, todavía un ejemplo a imitar. Se destaca la importancia de El Caballero Oscuro como un thriller de gran calado que disecciona la fragilidad de las sociedades occidentales. La cinta de Nolan es vista como una advertencia contra el populismo demagógico y la anarquía que intentan subvertir el orden institucional. El Joker, interpretado magistralmente por Heath Ledger, no es un villano convencional motivado por el dinero, sino un agente del caos que busca demostrar que, bajo presión, cualquier ciudadano supuestamente civilizado puede renunciar a sus principios morales. Frente a esta amenaza nihilista, la figura de Batman emerge como el defensor de la libertad individual y la ley, incluso si para ello debe convertirse en un paria. Claudio Serrano comparte detalles fascinantes sobre su trabajo en el doblaje de la trilogía de Nolan. Explica que la voz de Batman no fue una mera elección estilística, sino una necesidad narrativa para distanciar al héroe del multimillonario Bruce Wayne. Serrano comenta que Christian Bale propuso esa voz gutural para reflejar a un personaje que está al límite de su cordura, alguien que se disfraza de murciélago para combatir el crimen desde las sombras. El debate también aborda la evolución del personaje, comparando la visión de Nolan con la de directores como Tim Burton o la más reciente The Batman de Matt Reeves, subrayando que la versión de Bale posee una coherencia realista que la hace destacar sobre el resto. Un punto fundamental del audio es el análisis de la geopolítica en Gotham. Los tertulianos discuten cómo la ciudad es un trasunto de Nueva York o Chicago y cómo Nolan refleja las preocupaciones de la era post-11S. Se menciona la legitimidad del uso de la tecnología de vigilancia masiva, un debate que sigue vigente hoy en día, y cómo el héroe asume la responsabilidad de sus actos frente a un sistema que a menudo es incapaz de protegerse a sí mismo. Esta visión del héroe trágico, que debe cargar con los pecados de la ciudad para mantener viva la esperanza, es uno de los pilares que convierten a la película en una obra de culto imperecedera. En el apartado técnico, se elogia la audacia de Christopher Nolan al priorizar los efectos físicos y las maquetas sobre los efectos digitales generados por ordenador. Se resalta el uso pionero del formato IMAX, que permite una inmersión total del espectador, y la banda sonora de Hans Zimmer, descrita como un in crescendo infinito que genera una tensión constante. Los participantes recuerdan escenas icónicas como el atraco inicial al banco o la persecución en el túnel, señalando que la excelencia cinematográfica de estas secuencias se debe a una planificación meticulosa que huye de la estética sobrecargada de otras franquicias contemporáneas. Finalmente, la conversación deriva hacia el futuro del personaje y el deseo de ver a Ben Affleck retomar el papel bajo la dirección del propio actor, basándose en la calidad de guiones que se han filtrado anteriormente. Se concluye que El Caballero Oscuro es una experiencia que merece ser revivida en la pantalla grande, pues su capacidad para interpelar al espectador sobre la naturaleza del bien y del mal sigue siendo tan potente como el primer día. La película no solo es entretenimiento de primer nivel, sino un recordatorio de que las sociedades necesitan símbolos de justicia que trasciendan las debilidades humanas.

En compañía del cómico Galder Varas, que presenta Esto no es un dating en Prime Video, comentamos la terrorífica Hereditary. Hereditary no es solo una película de terror, igual que Esto no es un dating no es un dating. En compañía de su presentador, el popular cómico Galder Varas, el podcast Par-Impar de esRadio repasa una de las películas de terror más relevantes de lo que llevamos de siglo XXI, Hereditary, aprovechando que el espacio de Prime Video finaliza su temporada. Galder Varas se dedica a hacer reír en los escenarios, pero conoce la película de terror al dedillo. Nacido en el País Vasco, Varas comenzó su carrera artística con una fuerte inclinación hacia el humor cotidiano, observando las situaciones más comunes de la vida diaria para transformarlas en material cómico cercano y fácilmente reconocible. Y eso mismo es lo que hace, pero en el cine de terror, el cineasta Ari Aster con Hereditary. La popularidad de Galder Varas ha crecido especialmente gracias a las redes sociales, donde muchos de los fragmentos de sus espectáculos se han vuelto virales. En plataformas como Instagram, TikTok o YouTube, miles de personas comparten y comentan sus intervenciones con el público, lo que ha ampliado enormemente su audiencia. Y demuestra ser conocedor de este título de la productora A24 que comenta en este programa junto a Dani Palacios y Juanma González.

En compañía de Marina de la Torre, autora de Autodestrucción Woke, abordamos El Club de la Lucha en Par-Impar. El club de la lucha es una película estrenada en 1999 y dirigida por David Fincher, basada en la novela homónima de Chuck Palahniuk. Protagonizada por Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter, la cinta se ha convertido en una obra de culto por su crítica social, su estilo visual innovador y su profunda exploración psicológica. En compañía de Marina de la Torre, autora del libro Autodestrucción woke: Auge y declíve de los cultos posmodernos (Editorial B), analizamos la mítica película incomprendida en los noventa pero hoy todavía de plena actualidad.

Juanma y Dani conversan sobre Algo salvaje, la comedia de Jonathan Demme, en un nuevo episodio de Par Impar. En este nuevo episodio de Par-Impar, el podcast de cine de Libertad Digital y esRadio, Dani Palacios y Juanma González conversan sobre Algo salvaje, la alocada comedia romántica y thriller de Jonathan Demme que protagonizaron en 1986 Melanie Griffith y Jeff Daniels. En la película, un joven y aburrido ejecutivo (Jeff Daniels) se ve enredado en una trama romántica y casi criminal tras cruzarse con una desconocida (Melanie Griffith) que le engatusa y lleva de viaje. El problema surge cuando algunas personas del pasado de ella se cruzan en su camino y amenazan con acabar con la historia de ambos...

Juanma González y Dani Palacios analizan junto a CineActual este satírico filme de acción disponible en el último podcast de Par-Impar en esRadio. Robocop vuelve a pasarse por el podcast Par-Impar de esRadio, igual que los compañeros del podcast de CineActual. La película en cuestión es la primera secuela del gran éxito de la ciencia ficción de los ochenta, Robocop 2, estrenada en 1990 con peores críticas pero aún así innumerables virtudes. Juanma González y Dani Palacios conversan con Samuel Úbeda y F.J. Santiago sobre esta mítica película de la infancia de muchos... pese a que la película era bastante para mayores de 18. Porque, pese a su argumento más disperson, Robocop 2 sí trata de conservar la mala leche de la primera entrega, una película satírica enmascarada de entretenimiento de acción. Escucha este programa en cualquier momento y lugar a través de los podcasts de Libertad Digital y esRadio. Descarga nuestra aplicación para iOs o Android, visita nuestra página web en esradio.fm, o encuéntranos en Apple Podcast, Spotify, Podimo, Amazon Music, Youtube o iVoox. ¡No olvides suscribirte! Este capítulo puede contener información comercial de anunciantes y/o marcas colaboradoras que contribuyen a la creación y difusión de nuestros contenidos. Gracias por colaborar con nuestras marcas colaboradoras.

El podcast de esRadio debate si la obra de Robert Zemeckis sigue emocionando hoy, pese a las críticas por su visión conservadora del relato. Nuevo capítulo de Par-Impar en el que Daniel Palacios y Juanma González comentan Forrest Gump, uno de los éxitos del cine americano de los noventa y ganadora del Oscar a la Mejor Película. Protagonizada por Tom Hanks y dirigida por Robert Zemeckis (Regreso al Futuro), la historia de un joven con retraso mental que presencia -y protagoniza- algunos de los episodios más importantes de la historia de su país. Mientras pasan por su vida multitud de cosas en su mente siempre está presente la bella Jenny (Robin Wright), su gran amor desde la infancia y persona más importante en su vida. En este episodio del podcast de cine de esRadio y Libertad Digital, Juanma y Dani conversan sobre una película que, con el tiempo, ha sido tildada de extremadamente conservadora o hiriente en el retrato de un joven con capacidades especiales. Pero, a medio camino de la sátira y la tragedia, el film se reserva un acabado técnico impresionante y una capacidad de entretener a toda prueba. ¿Sigue funcionando y conmoviendo Forrest Gump tanto como cuando se estrenó hace ahora más de 30 años?

En compañía de la actriz y directora Vanesa Romero y la productora Paloma Tejero conversamos de la comedia La vida alegre. Nuevo programa de Par Impar dedicado a una de las más divertidas muestras de comedia madrileña de los 80, La Vida Alegre de Fernando Colomo. Esta vez con dos invitadas de excepción, la actriz Vanesa Romero y la productora Paloma Tejero, que nos presentan su cortometraje Sexo a los 70... con mucho que ver con la película objeto del podcast y nominado a los Goya de este año. Y es que Sexo a los 70 está coprotagonizado por mismo Fernando Colomo, que se apuntó un buen tanto comercial en los 80 con la comedia que protagonizan Antonio Resines, Verónica Forqué y una sorprendente Ana Obregón, entre otros. No te olvides de buscar este mismo programa en Youtube filmado en el estudio de Libertad Digital y esRadio, ni de echar un vistazo al cortometraje (disponible ahora en Movistar).

Programa de Par-Impar dedicado al western Silverado, dirigido en 1985 por Lawrence Kasdan. En un nuevo episodio del podcast de esRadio Par-Impar, Juanma González y Daniel Palacios conversan con el periodista y escritor Raúl Álvarez sobre el western Silverado, una alegre muestra de todos los tópicos del género que dirigió a mediados de los 80 Lawrence Kasdan. Con un espléndido reparto encabezado por Kevin Kline y Scott Glenn, entre muchos otros, Silverado narra las vicisitudes de un grupo de cowboys de distinto origen y carácter, pero unidos por las trágicas circunstancias que tienen lugar en Silverado, donde un malvado sheriff (Brian Dennehy) impone su ley.

Programa de Par-Impar dedicado a la comedia de acción Colegas a la fuerza, con Michael J. Fox y James Woods. Nuevo programa del podcast de cine de esRadio, Par-Impar, dedicado en este caso a la comedia de acción de 1991 titulada en España Colegas a la fuerza, donde el duro policía de Nueva York interpretado por James Woods debe soportar a un actor de Hollywood que le quiere tomar de modelo, papel que recae en el pizpireta Michael J. Fox recién salido de las secuelas de Regreso al Futuro. En el programa, Juanma y Dani conversan sobre la comedia dirigida por John Badham (Cortocircuíto, Fiebre del sábado noche), una muestra típica del cine de colegas o buddy-movies de los ochenta y noventa, sobre todo policiales, pero que esconde todo tipo de placeres para aquel que sepa y quiera apreciarlas. En el caso de Colegas a la fuerza, la incorrección política típica de los títulos de la época, al menos desde la mirada actual, y sobre todo un componente paródico de Hollywood y el propio género que anticipa lo que otras películas harían después.

Un nuevo capítulo de Par-Impar dedicado a otro (excelente) fracaso comercial de Michael Cimino, el thriller Manhattan Sur. Manhattan Sur (1985), título con el que se estrenó en España Year of the Dragon, una de las películas más controvertidas y personales del director Michael Cimino. Ambientada en el barrio chino de Nueva York durante los años ochenta, la cinta combina el cine policíaco con una mirada oscura sobre el poder, la corrupción y el conflicto cultural, elementos recurrentes en la filmografía del director de El Cazador. La película fue un fracaso morrocotudo en taquilla a mediados de los ochenta. Y Dani Palacios y Juanma González dedican un programa entero de Par-Impar a analizar esta película con muchos retazos del guion de El precio del poder, rodada apenas dos años antes y con el mismo guionista: nada menos que Oliver Stone. En Manhattan Sur (o El año del Dragón) seguimos al capitán Stanley White, interpretado por Mickey Rourke, un veterano de la guerra de Vietnam convertido en policía, conocido por sus métodos brutales y su desprecio por la burocracia. White es asignado a liderar una ofensiva contra las tríadas chinas que controlan el crimen organizado en Chinatown. Desde el inicio, el personaje encarna una visión extrema de la ley y el orden, impulsado por un código moral rígido que choca tanto con sus superiores como con la comunidad a la que pretende "proteger". Uno de los aspectos más llamativos de Manhattan Sur es su representación del choque cultural. Cimino retrata Chinatown como un espacio cerrado, regido por normas propias, tradiciones ancestrales y estructuras de poder invisibles para el mundo exterior. Esta representación fue duramente criticada en su momento por sectores de la comunidad asiático-estadounidense, que acusaron a la película de reforzar estereotipos raciales y presentar a los personajes chinos casi exclusivamente como criminales o figuras amenazantes. La polémica marcó el estreno del filme y afectó su recepción crítica. Manhattan Sur puede verse como una obra imperfecta pero poderosa, que refleja tanto las obsesiones de su director como las tensiones sociales de su época. Aunque no alcanzó el prestigio de otros trabajos de Cimino, la película ha sido revalorizada con el tiempo como un retrato crudo, provocador y estilísticamente audaz del cine policíaco de los años ochenta.

Programa de Par Impar dedicado a la película Tropic Thunder, una comedia bélica de cine dentro del cine. Tropic Thunder, una guerra muy perra se estrenó en 2008 y fue un éxito de taquilla. Una muestra de cine dentro del cine (y dentro del cine) en el que un grupo de actores quedaba extraviado de verdad en la jungla mientras ruedan una película. Caracterizados como sus personajes, sus heroicidades y excentricidades dan lugar a todo tipo de situaciones cómicas. En este nuevo podcast de Par-Impar de esRadio, Dani y Juanma discuten sobre una película que, quizá, fue uno de los últimos disparos hacia lo políticamente correcto antes de que en Hollywood se cerrara el kiosko en esos intentos: Robert Downey Jr tiznado de negro interpretando a una persona de color, Ben Stiller parodiando a Tom Cruise (presente en la película disfrazado de lo que resultaría una parodia de Harvey Weinstein...) Claro que la película trabaja a varios niveles y puede funcionar como una crítica a la gigantesca falsedad y ego de la industria, y lo hace cachondeandose de todo y de todos.

Juanma y Dani conversan con el director Rodrigo Sopeña, que estrena la serie de múltiples historias Atasco, sobre la mítica Love Actually. Los chicos de Par-Impar, el podcast de cine de esRadio, conversan animadamente con el director y guionista Rodrigo Sopeña sobre la mítica comedia romántica de episodios Love Actually. Sopeña acaba de estrenar la temporada 3 de la serie Atasco (Prime Video), donde se vale de una similar estructura episódica a la hora de presentar las historias. Uno de los mayores atractivos de Love Actually es su estructura coral. En lugar de centrarse en una sola pareja, la película presenta a diversos personajes cuyas vidas se cruzan de manera directa o indirecta. Entre ellos hay un primer ministro que se enamora de una empleada, un escritor que huye a Francia tras una decepción amorosa, un padrastro que intenta conectar con su hijastro y un hombre que enfrenta un amor silencioso y complicado. Estas historias permiten mostrar que el amor no es una experiencia única ni perfecta, sino algo complejo y, a veces, doloroso. Y de todo ello hablaron largo y tendido Juanma González y Dani Palacios en Par-Impar a colación de la película británica y la serie española Atasco. Love Actually es una comedia romántica británica estrenada en 2003 y dirigida por Richard Curtis. La película se caracteriza por contar múltiples historias entrelazadas que giran en torno al amor en sus diferentes formas: romántico, familiar, platónico y no correspondido. Todas las tramas se desarrollan en Londres durante las semanas previas a la Navidad.

Nueva entrega de Par-Impar donde Dani y Juanma se entretenienen hablando de las mejores y peores películas del año 2025. Llega el final del año 2025 y con ello la hora de hacer listas, muchas listas. Y en Par-Impar, Dani Palacios y Juanma González se han afanado con la suya propia de las mejores películas del año, dedicando también un buen rato a las peores (y sí, a las series de televisión). En este top definitivo se habla de Superman, pero también de películas más desconocidas como Sueños de Trenes. De taquillazos como Formula 1, pero también de films más intimistas como Blue Moon. De todo, como en botica. De modo que no pierdas este nuevo programa de fin de año de Par-Impar, podcast de cine de esRadio y Libertad Digital.

Programa dedicado a El caminante, donde Paul Naschy se alejó de sus clásicos monstruos para relatar algo más a pie de calle... o de camino. En compañía del periodista cinematográfico y uno de los responsables de las entrañas del catálogo de FlixOlé, Roberto Morato, los chicos de Par Impar dedican un programa a la negrísima película El caminante, donde Paul Naschy, en su triple faceta de actor, pero también director y guionista como Jacinto Molina, realiza una comedia fantástica de época muy española, muy picante pero muy, muy misántropa. Tal y como reza la sinopsis de la plataforma, Leonardo, de profesión maleante, recorre los caminos de robo en robo, de asesinato en asesinato. Necesita un criado y se lo roba a un ciego. Despoja luego de todos sus ahorros a un pobre granjero que le dio albergue. Su siguiente presa será un rico y avaro comerciante que, aún escoltado, viaja con mucho dinero encima.

Conversamos sobre Perseguido, una de las de Schwarzenegger favoritas de la infancia de muchos. Nuevo episodio de Par-Impar dedicado, esta vez, a la película Perseguido, estrenada en la época en la que bastaba el nombre de Schwarzenegger para tener éxito de taquilla. La película está basada en una novela de Richard Bachman, pseudónimo de quien más tarde se descubriría Stephen King, que ha tenido una nueva versión estrenada este mismo año, The Running Man con Glen Powell. En lo relativo a Perseguido de Schwarzenegger, éste es suficiente para llevar a cabo todo un golpe de estado en una película que parodia la televisión sensacionalista que ya asomaba la patita en aquella época y que prevalecería en décadas siguientes. De modo que aunque no se meta en camisas de once varas, la película tiene su punto crítico. Pero lo que cuenta aquí son las frases sardónicas de Schwarzenegger, antes, durante o después de acabar con sus enemigos. Una colección de "one-liners" memorable que encantó a los críos de los ochenta. Dani Palacios y Juanma González están entre ellos, y así te lo cuentan en este podcast de esRadio dedicado a la película.

Nuevo programa de Par-Impar dedicado a la película española Los domingos, que arrasa en taquilla y premios. ¿Qué pasaría si tu hija, o sobrina, o hermana, decide meterse a monja en un convento de clausura? Todo tipo de reacciones se suceden en Los domingos, la película de Alauda Ruiz de Azúa que ha arrasado en el festival de San Sebastián y seguramente tendrá mucho que decir en los premios Goya. En compañía de Noemí Guillermo y junto a la periodista Carmen Arreaza, los chicos de Par Impar analizan una película tan aparentemente sencilla como, en realidad, compleja, que ha logrado congraciar a todos los espectros de opinión política e ideológica: todos encuentran dónde justificar un punto de vista que, sin embargo, la película expone de manera clara.

Charles Bronson ofrece uno de sus recitales en la primera entrega de Death Wish, aquí llamada El justiciero de la ciudad. Charles Bronson interpreta por primera vez al arquitecto Paul Kersey. Arquitecto de edificios, pero también de la muerte de un buen número de delincuentes callejeros a los que considera el lumpen de la sociedad. Bien es cierto que la Nueva York de principios de los 70 no era la de ahora, y que el flagrante asesinato de su mujer (y violación de su hija) le dan una buena ración de motivos. ¿Es El Justiciero de la Ciudad la declaración de ultraderecha que muchos críticos le atribuyeron, o quizá la película de Michael Winner versa también sobre la seducción por la violencia que se desata en un hombre aparentemente apacible una vez le afecta la misma? En este podcast Juanma González y Dani Palacios discuten sobre ello a la vez que disfrutan con la experiencia de ver de nuevo la primera entrega de Death Wish. En todo caso, la película resultó no solo tremendamente exitosa, sino que dio para multitud de secuelas e imitaciones (muchas de ellas producidas por la Cannon, ausente aún en esta primera entrega, y protagonizadas por el propio Bronson) dando lugar a un subgénero de violentos justicieros urbanos que todavía hoy colea.

Misery es uno de los grandes thrillers basados en Stephen King. Este programa de Par-Impar está dedicado a ella. En compañía del escritor y guionista Ciro Altabás, que presenta su libro Cabezazos en el teclado (precisamente sobre anécdotas de escritores) los chicos de Par-Impar conversan sobre la archiconocida Misery, una de las primeras adaptaciónes de Stephen King bien valoradas por la crítica, quizá por no pertenecer única y exclusivamente al terror. El film, no obstante, deja marca por una aterrorizante Kathy Bates como la enfermera Annie Wilkes, uno de los iconos del thriller y el horror de los 90. En este nuevo podcast de esRadio, Dani Palacios y Juanma González desgranan todos los secretos de la película que dio un Oscar a Kathy Bates y lo relacionan con otros títulos del escritor, ahora de acualidad gracias al estreno de otras adaptaciónes como It. Bienvenidos a Derry, La vida de Chuck o La larga marcha. No te pierdas este nuevo programa de Par-Impar sobre Misery, la historia de un escritor de novelas románticas -trasunto del propio King- secuestrado en medio de una tormenta de nieve por una aparentemente apacible enfermera que cuida de sus heridas tras un accidente de coche. Es el principio del terror: la mujer es una fan fatal de sus novelas de Misery y torturará a su ídolo para que la novela salga como ella quiere....

En compañía de Jorge Loser, Par-Impar habla de los zombis de este remake inmerecidamente vilipendiado. Antes de la moda de los remakes de terror, el propio George A. Romero se montó el suyo propio de La noche de los muertos vivientes. Estrenada en 1990, la película no gozó del reconocimiento de la taquilla, pero vista ahora es mucho mejor de lo que incluso sus propios creadores pensaron durante mucho tiempo -incluyendo el director Tom Savini, debutando aquí en el largo tras una extensa carrera en los maquillajes-. En compañía de Jorge Loser, de Horror Losers, periodista especializado en el género, Juanma González y Dani Palacios conversan de La Noche de los Muertos Vivientes de 1990 con motivo de su 35 aniversario y la salida a la venta de una nueva edición remasterizada en 4K y Blu-Ray con más extras y escenas alternativas incorporadas al montaje. Y eso en una película de Romero y Savini significa una cosa: sangre y vísceras.

En compañía del periodista Juan Francisco Calero, los chicos de Par Impar se lanzan a hablar de persecuciones de coches en el cine. En compañía del periodista del motor Juan Francisco Calero, los chicos de Par-Impar dedican un programa a las mejores persecuciones de coches del mundo del cine, así como a los coches más famosos de las películas. Calero, director editorial de carwow.es, conversa con Dani Palacios y Juanma González de los coches que han marcado su vida y, de paso, demuestra una faceta cinéfila avanzada que sus seguidores de Youtube quizá desconocían. El mito de Bourne, Los caraduras, The Italian Job y clásicos de serie B de Roger Corman, así como otros titulos más desconocidos como C'était un rendez-vous del francés Claude Lelouch, son objeto de debate a lo largo de un programa donde también caben anécdotas personales y comentarios sobre el mundo del baloncesto.

Con Eduardo Noriega, protagonista de El espinazo del diablo y Parecido a un asesinato, conversamos del título de Guillermo del Toro y otros éxitos. Los chicos de Par-Impar conversan con el actor Eduardo Noriega sobre El espinazo del diablo, donde compuso uno de sus célebres villanos, así como de otros míticos títulos suyos como El último desafío, donde se las vio con el mismísimo Schwarzenegger. También hablan de Parecido a un asesinato, donde Noriega ofrece otro de sus tradicionales personajes ambiguos, y desvelan anécdotas y curiosidades de la película de Guillermo del Toro, un pasatiempo ideal para el próximo Halloween.

Una película de vampiros en clave de western. Los viajeros de la noche, segunda película de Kathryn Bigelow, es objeto de debate en Par-Impar. Near Dark, o Los viajeros de la noche, supuso el advenimiento definitivo de una directora, Kathryn Bigelow (Le llaman Bodhi, En tierra hostil) en ese momento todavía asociada a James Cameron. Y de éste, y en concreto la primera Terminator, toma mucho -desde equipo técnico hasta artístico- esta película de vampiros en clave de western, o western en clave de película de vampiros, que fracasó estrepitosamente en 1987 pero hoy arroja muchas cosas de interés. En la película un joven vaquero es seducido por una chica nueva en la ciudad que, finalmente, resulta ser un vampiro. Él mismo va transformándose en un "viajero de la noche" mientras huye de su hogar, sus seres queridos, y comienza a colaborar con una banda de forajidos que se alimentan de sangre.

Las Vampiras, uno de los films más valorados de Jess Franco, es objeto de debate en un nuevo podcast patrocinado por FlixOlé. Los chicos de Par-Impar sacan a colación Las Vampiras, también conocida como Vampyros Lesbos, clásico de 1971 de Jesús Franco considerado uno de los films de terror fantástico más atrevidos del panorama español. Estrenada primero en Alemania, la versión restaurada de FlixOlé no tiene cortes... de modo que puede ser disfrutada con todo su erotismo y sangre. Protagonizada por Soledad Miranda, que fallecería poco después, y Ewa Strömberg, en el film -una nueva muestra del descaro y también talento de Jess Franco- tambié se deja ver el propio director. Como siempre, más valorada fuera de nuestras fronteras que dentro, el podcast sirve de nuevo como reivindicación de este clásico del fantaterror español de culto, esta vez en su variedad más indisimuladamente erótica.

Un programa de títulos variados para componer tu agenda cinematográfica de estos días. En uno de sus habituales programas variados, Dani Palacios y Juanma González sacan a colación los últimos títulos que han visto en cine o casa, tanto series como películas, para que así tengas referencia de un buen puñado de ellos.

Dedicamos un programa entero a uno de nuestros bodrios favoritos: la entrañable superproducción Tiburón 3. El Gran Tiburón. Tiburón 3D hizo la frase de que las secuelas del primer Jaws eran malas. Pero aún así nos deja un montón de ideas, propuestas y recuerdos que Juanma González y Dani Palacios recopilan en esta nueva entrega de Par-Impar. Con ustedes, el gran tiburón escrito por Richard Matheson con Dennis Quaid.

Un capítulo de Par-Impar dedicado a Expediente Warren, el mítico inicio del "Warren-verse" de Warner. Los chicos de Par-Impar regresan a esRadio en una nueva temporada en la que abordan Expediente Warren, la primera entrega de lo que acabó resultando una saga de terror que se prolongó durante casi quince años a lo largo de varias entregas y spin-offs como La Monja o Annabelle. Dani Palacios y Juanma González abordan su admiración a la película de James Wan y tambien hablan de la última parte, Expediente Warren. El último rito, estrenada en 2025. Sustos, humor y romance en un nuevo podcast de Par-Impar.

Programa de Par-Impar dedicado a El Lobo de Wall Street, la comedia satírica de Martin Scorsese con Leonardo DiCaprio. El Lobo de Wall Street pasa por ser una de las películas más recordadas de Martin Scorsese. Una comedia satírica sobre los malos hábitos de la Bolsa en la que Leonardo DiCaprio y Margot Robbie dan el do de pecho. La película de tres horas recibió múltiples nominaciones a los Oscar y, aunque no triunfó, es una de las más recordadas de su autor. Los chicos de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios, llaman a Luis Fernando Quintero, del programa de esRadio Tu dinero nunca duerme, para hablar de economía, cine, y también de las juergas de Jordan Belfort, personaje real que inspiró la historia de El Lobo de Wall Street.

Dani y Juanma se lanzan a analizar Weapons, el gran éxito sorpresa de la cartelera del verano. ¡Cuidado, espóilers! Nuevo episodio de Par-Impar en el que Juanma y Dani analizan la película de moda del verano 2025, Weapons, un enigmático cuento de terror ambientado en EEUU en el que los niños de una misma profesora salen huyendo súbitamente de su casa a la misma hora.